Aﾃ前S 50 &60 ESTADOS UNIDOS DOSSIER HISTORIA DEL ARTE 1ﾂｺ DISEﾃ前 GRﾃ：ICO
Contenido
1. Aﾃ前S 50 - American way of life: Descripciﾃｳn Imﾃ｡genes de referencia 2. Aﾃ前S 60 - Pop Art:
Andy Warhol (Bio & obra) Roy Lichtenstein (Bio & obra)
-Movimiento contracultural: Hippie Underground
AÑOS 50 Después del final de la segunda guerra mundial y de la reconstrucción de la destruida y arrasada Europa, Estados unidos se establece como un nuevo centro artístico y cultural donde muchos artistas y diseñadores encuentran su refugio y hogar. Esto supuso la mezcla perfecta de la cual surgieron los más importantes productos dentro del diseño del mobiliario del siglo XX al otro lado del charco. Se produce un cambio fundamental que repercutirá en toda la década y que tendrá un reflejo en el conjunto de la sociedad. Estados Unidos es un país que tras recuperarse por completo de la crisis del 29, crea lo que hoy conocemos como sociedad de consumo. Tanto el aumento y modernización de los medios de como el boom e impacto de la publicidad, hace que los 50 americanos provoquen un deseo de cambio en la sociedad, un nuevo estilo de hogar donde establecer la familia ideal potenciada y basada en los cánones establecidos por la publicidad. Todo esto genera el ansia y la necesidad de ad-
quirir nuevos productos, nuevos looks, nuevos muebles… en definitiva, nuevos productos que se acoplen a este nuevo estilo de vida. Si juntamos el aumento de diseñadores y artistas en el territorio estadounidense y la progresiva demanda de productos con una estética actual y nueva, tenemos como resultado un binomio perfecto para los grandes avances que tuvieron lugar a lo largo de esa década. El mobiliario de la época sufre un cambio radical a la hora de realizar su diseño. Son eliminados toda clase de ornamento o elemento decorativo, se deja de usar materiales que puedan recordar aun pasado más o menos próximo y se incorpora la ergonomía como necesidad en los diseños de mediados de siglo.
American way of life
¿CÓMO SURGIÓ ESTA TENDENCIA? A partir de fines de la II Guerra Mundial, importantes sectores sociales de los países industrializados aumentaron su poder adquisitivo. Para mantener esa situación de mejoramiento salarial y de cobertura social, era necesario acrecentar la producción y el consumo para que se pudiera absorber todo lo fabricado. Así aumentarían las ganancias de los industriales que, a su vez, dispondrían de más capitales para seguir mejorando la capacidad adquisitiva de las clases medias y bajas. Todo esto se hizo posible gracias a los adelantos tecnológicos y para sostener este nivel de vida, era necesario aumentar el consumo. En los Estados Unidos el nuevo estilo de vida, que comenzó a difundirse como el “american way of life”, se utilizaron dos elementos: la publicidad y la disminución de la calidad de los
productos, con el fin de que tuvieran menor vida útil y por lo tanto, fuera necesario reponerlos más rápidamente. Esta forma de vida se basaba en el consumo de todo tipo de artículos, como uno de los principales caminos para nuestra realización. Se dejaban en segundo plano otros valores culturales, como el crecimiento intelectual o espiritual. Las características de este “estilo” fueron (además del consumismo) la exageración, la ostentación de la riqueza y la grandiosidad, reflejadas en todos los órdenes. Se creó, una notoria influencia y hasta dependencia cultural, pues el resto de los países estuvieron influidos por la moda y las preferencias norteamericanas, más allá de sus propias tradiciones o idiomas.
ImĂĄgenes y fotografĂas del momento
Años 60 Lógicamente, el producto de este periodo (Guerra Fría) nacerán movimientos que reflejen la deshumanización del hombre. Se cocenzará a dar cuenta de la frialdad y de hasta donde puede llegar el hombre. Puede decirse que 1945 supuso partir desde cero o, por lo menos, de unos presupuestos radicalmente nuevos. La sensación de angustia o de absurdo, la meditación sobre el pasado inmediato y la responsabilidad individual o colectiva ante él o la misma sensación de insatisfacción ante la sociedad en la que se vivía, temas todos ellos presentes en la creación literaria y artística de la posguerra, tan sólo pueden entenderse a partir de esos presupuestos. El centro y fuente de inspiración del Pop Art será el modelo reinante hasta nuestros días: Estados Unidos y la sociedad capitalista.
La decada de los 60 representa el apogeo de la humanidad en todo los sentidos: moda, diseño, arte, música, ciencia, espectáculos y diversión en todos los ámbitos de la vida del hombre, es decir, la llegada del hombre a la luna, la explosión del Rock & Roll, la minifalda, la psicodelia... También están los diseños futuristas, los autos deportivos, la lucha, la competencia de las clases sociales, la publicidad,la incursión de la mujer cada vez mas en el ámbito laboral. Fue una época de esplendor industrial, económico, cultural, social, tecnológico y político que dejó, al igual que otros movimientos y estilos, aportaciones en la historia y evolución del diseño industrial.
El Pop Art es un movimiento que subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo que veremos surgir en los años 50 y consolidarse en los 60. Como su nombre propio indica, “Arte Popular”, toma del pueblo los intereses y la técnica. Es un arte urbano nacido en las grandes ciudades y, por tanto, es inspira y toma su iconografía de imágenes que tienen sus origen en la publicidad, la televisión, el cine, el comic y en, general, los medios de comunicación de la cultura de masas. Los artistas pop supieron captar los iconos provenientes del consumismo y, a su vez, supieron transformarlos en iconos pop. Supieron utilizar los objetos cotidianos en sus propuestas artísticas, sin embargo esto no era nuevo porque ya los dadaístas lo habían hecho anteriormente. Aun así, Duchamp dice que no tienen el mismo concepto los objetos pop que los dadaístas. Según él, los artistas pop no buscan la provocación o lo contracultura sino que estos están plenamente integrados en el consumo y en la sociedad del momento. Las obras de los artistas pop siguen criterios estéticos claramente influidos por la cultura de masa. La publicidad influye en propuestas de grandes formatos con colores planos saturados y en conjunto buscan la espectacularidad. La producción de masas propone la posibilidad de realizar series “de una misma obra” así como la integración de la técnica de la serigrafía en la obra de arte. A su vez, el arte pop también hereda otras técnicas anteriores como el collage y el fotomontaje y no excluye técnicas tradicionales (acrílicos, óleos…).
Considerado el rey de la pop, todo un personaje, provocador, frívolo, brillante y atrevido. Cultivó su imagen con la misma mercadotecnia (técnicas de venta) publicitaria de su obra. Era un gran admirador de la provocación dada y, sobretodo, de la personalidad de Salvador Dalí, al que admiraba tanto por su obra como por su poder mediática. Warhol se esforzó por hacer realidad que el arte es lo que los espectadores consumen y, de esta forma, la firma del autor se convierte en marca registrada. Este artista es de origen del este europeo aunque él ya nace en Estados Unidos y de hecho, incluso, adaptó su nombre actual, Andrew Warhola, en un estilo más americano. Estudió en Pensilvania pero se traslada en Nueva York y se convierte en ilustrador y artista comercial. Su trayectoria creativa se desarrolla en dos líneas: La obra más personal con la que quiere ser
reconocido como artista y sus trabajos en el mundo del diseño gráfico. De hecho, funda en Nueva York un mítico estudio de diseño llamado “The Factory”, en el que adapta un estilo industrial y lo transforma en un estudio, además un lugar de encuentro de la sociedad artística. La obra de Warhol tiene un carácter polifacético, diseño, pintura, fotografía, audiovisual e, incluso, musical. Participó con el grupo de música “Velvet Underground”, al que promocionó, diseñó portadas de discos, etc. De la factoría Warhol han salido uno de los iconos más representativos del pop americano: su versión de la “Sopa Campbell”, el mundo del cine a través de Marilyn, la Coca-Cola, Elvis… Su técnica se basaba en la utilización de la fotografía transformada gracias a la serigrafía y al uso de colores acrílicos en tonos intensos y saturados.
A W
ANDY WARHOL
Sus obras mรกs importantes
En esta obra Warhol representa a alguien muy famosa en el mundo del cine y la ha convertido en su propio icono, que es Marylin Monroe. Es bastante característico de este artista coger a famosos e iconizarlos, y esto es hecho utilizando colores primarios alejándose totalmente de la realidad. De alguna forma intenta exagerar y saturar los colores, y con esta técnica ha conseguido revolucionar el mundo del arte ya que no se ha visto nada igual anteriormente.
También podemos encontrar bastantes obras de Andy Warhol en el que utiliza productos de consumo del momento, y las más famosas que ha creado son como las latas “Campbell” o las botellas de “Coca-Cola” que, al igual que con los famosos, consigue que simples objetos sean iconos y conocidos. Utiliza colores planos y mucho contorno en las formas, hasta incluso crea repeticiones de estas formas para crear posters o que sean utilizados en cualquier ámbito del diseño y el arte.
Aquí se puede ver perfectamente las características que he comentado antes como por ejemplo, en este caso se ha escogido a Elvis Presley y se ha convertido en un icono. En esta obra no se ha utilizado colores como en la de Marylin pero tiene el mismo contraste con un fondo gris. Además de eso, Warhol ha utilizado la técnica de repetición y queda bastante original y muy pop art.
ROY LICHTENST
TEIN
Este artista nació en Nueva York que, aunque se inicia en el arte abstracto, se pasó al figurativo coincidiendo con el pop art. Su estilo se inspiró fundamentalmente en la iconografía surgido del cómic, del que tomó la temática y también un estilo muy personal y reconocible, en el que utilizó tramas de puntos y colores planos y una línea muy limpia más dirigida a la ilustración. Aunque los temas que dominan en su obra son el cómic, también tienen una serie en el que hace homenaje a otros autores y movimientos de vanguardia. Destaca como pintor y también como escultor.
SUS OBRAS MÁS IMPORTANTES SON...
Aquí tenemos una de sus obras más importantes ya que aqui muestra las principales características de su estilo como por ejemplo el personaje está dibujado con un contorno azul y su piel, la sombra y el agua no están pintadas con tinta plana, sino que está relleno de puntitos que hace que tenga una textura, a lo que hoy en día vemos en los cómics.
Por otro lado, aquí nos sorprende con una escultura adaptada al estilo de sus ilustraciones y produce un efecto sorprendente ya que utiliza las mismas técnicas: colores amarillos, azules y rojos; el contorno negro; y la piel está relleno de puntos. Exactamente igual a sus dibujos y aquí demuestra que su creatividad puede llegar a otros límites.
En este dibujo,Lichtenstein representa la guerra de una manera distinta a lo que habíamos visto anteriormente. Las naves están dibujas con contornos negros y utiliza colores planos como el azul, el amarillo y el rojo, nada nuevo de momento. Sin embargo, aqui ya añade las palabras en el que quizás el personaje esté comunicando algo o utiliza expresiones para representar sonidos.
MOVI
CONTRA
IMIENTO
ACULTURAL
Hippie6
En los últimos años de la década del 60, comenzó un movimiento muy particular que fue conocido como “movimiento hippie”. Este movimiento se caracterizó por la anarquía no violenta, por la preocupación por el medio ambiente y por un rechazo general al materialismo occidental. Los hippies formaron una cultura contestataria y antibelicista. Artísticamente fue un movimiento muy prolífero en todo el mundo. Su estilo fue la psicodélica y la multiplicidad de colores inspirados en la drogas alucinógenas de la época (LSD) y que se plasmaba en: moda, artes gráficas y sobre todo en la música, en cantantes como Janis Joplin y en bandas como Love, Grateful Dead, Jefferson Airplane y Pink Floyd por nombrar solo algunas; y en general en todos los ámbitos de la cultura.
En un principio el movimiento se generó en Estado Unidos para luego extenderse a Europa y a todo el mundo. El origen, fue una reacción a las profundas alteraciones que había producido la segunda guerra mundial, en la sociedad y en la cultura. Después de la segunda guerra mundial, se habían generalizado las políticas económicas de orientación “keynesianas”, que se basaban en el impulso que el Estado le daba a la demanda y a la organización del proceso productivo a través del “taylorismo” (organización racional y científica del trabajo) y el “fordismo” (organización del trabajo en cadena). Estas circunstancias, hicieron aumentar la productividad y a su vez abaratar costos, lo que permitió a los trabajadores, acceder al mercado de bienes de consumo durables.
Las clases medias y populares mejoraron notablemente en las condiciones de vida ayudadas por la intervención del llamado “estado de bienestar” que tenía en esta etapa una importancia preponderante. Además, el sistema de seguridad social asegurado por ese “estado de bienestar” y la transformación de algunos servicios que antes eran privados en públicos, permitió también una notable mejora en la mayoría de los trabajadores. Esto provocó en la sociedad en general una aletargamiento y un adormecimiento en cuanto a los reclamos y las luchas obreras. Los jóvenes, a partir de la década del 50, comenzaron a rechazar estas posiciones cómodas y burguesas.
Underground es un término inglés con el que se designa a los movimientos contraculturales que se consideran alternativos, paralelos, contrarios o ajenos a la cultura oficial (el mainstream). La palabra se utilizó por primera vez con este sentido (“que se desarrolla al margen de la actividad pública oficial”) para referirse a algunos movimientos de resistencia contra regímenes represivos. Así, el ferrocarril subterráneo fue una red de rutas clandestinas por la que los esclavos africanos intentaban huir de los Estados Unidos en el Siglo XIX. La expresión “ferrocarril subterráneo” volvió a utilizarse en los años 60 para referirse a la red de grupos que ayudaban a los objetores de conciencia estadounidenses a escapar a Canadá para no luchar en la
Guerra de Vietnam y se aplicó también en los años 70 al movimiento clandestino de gente y bienes desarrollado por el movimiento amerindio. El uso de underground como un adjetivo aplicado a una subcultura está atestiguado por primera vez en 1953. Se utilizó para designar a los movimientos de resistencia que lucharon durante la Segunda Guerra Mundial contra la ocupación alemana, estableciendo una analogía entre la cultura dominante y los Nazis. Desde los años 60, el término se ha utilizado para designar varias subculturas como la generación Beat, la cultura mod, la cultura hippie, el movimiento punk, el hip hop alternativo, el movimiento grunge, el heavy metal y los metaleros, etc
Créditos & biografía Esto es un dossier para la asignatura de historia del arte en la Escuela Edib. Ha sido creada por la alumna Gladie Baculo Malabanan. ADVERTENCIA: Respecto a la información y a las imágenes, provienen de diferentes fuentes. En algunos casos, la información que está puesta son apuntes de clase. Sin embargo, más adelante añadiré los enlaces de dónde he encontrado lo demás. En la parte de las imágenes, tampoco son de mi propiedad. Son imágenes buscadas en google que no tienen propiedad y algunas son cogidas de ilustradores que se han pedido permiso de licencia, como Sally Edelstein (recomiendo que se visite la página web de esta ilustradora si le ha interesado este dossier). Enlaces: https://makeitworkvalencia.wordpress.com/2013/05/22/diseno-americano-en-los-50/ http://creartehistoria.blogspot.com.es/2011/08/american-way-of-life-el-estilo-de-vida.html http://www.sallyedelsteincollage.com/portfolio.html?folio=Collages http://www.taringa.net/post/imagenes/16040622/Chip-Foose-de-50-bocetos-para-OverHaulin.html http://popart22.blogspot.com.es/2005/12/contexto-histrico-pop.html http://historiaybiografias.com/el_mundo07c/ https://es.answers.yahoo.com/question/index?qid=20091114095536AA74ij8
Gladie Baculo Malabanan 1ﾂｺ DISEﾃ前 GRﾃ：ICO