REVISTA MARZO 2020- Nº 120 by aescena

01 portada Marzo 2020_Maquetación 1 21/02/20 19:11 Página 1

MARZO

2020

Nº 120 Año XII

a escena Revista gratuita de artes escénicas

T RAICIÓN

ISRAEL ELEJALDE

ANA FERNÁN DEZ

RAFAEL ÁLVAREZ “EL BRUJO”

PABLO MESSIEZ

POLICÍAS Y LADRONES

ESPECIAL MUJERES DE LA PLÁSTICA ESCÉNICA

AF-aescena-felices-marzo.pdf

21/2/20

12:51

CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL

LOS DÍAS FELICES De Samuel Beckett Traducción Antonia Rodríguez Gago Versión y dirección Pablo Messiez

26 feb — 5 abr 2020 Teatro Valle-Inclán Sala Francisco Nieva C

Coproducción Centro Dramático Nacional y Buxman Producciones

CMY

NAUFRAGIOS DE ÁLVAR NÚÑEZ De José Sanchis Sinisterra Versión y dirección Magüi Mira cdn.mcu.es @centrodramatico

12 feb – 29 mar 2020 Teatro María Guerrero entradasinaem.es 902 22 49 49

Producción CDN

03 sumario Marzo_Maquetación 1 21/02/20 19:28 Página 1

REVISTA DE DIFUSIÓN

TRAICIÓN. Israel Elejalde nos presenta esta

ANA FERNÁNDEZ. Es una de las protagonistas de “Diálogo del amargo”

PABLO MESSIEZ. Nos desvela todos los detalles de su versión de “Los días felices”

SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO. Con la Joven CNTC y dirigida por Bárbara Lluch

COPENHAGUE. Regresa a Madrid esta función con Emilio Gutiérrez-Caba, Carlos Hipólito y Malena Gutiérrez

GRATUITA

En Teatros de Madrid, Teatros de la CAM, Centros Culturales, Programadores de Redes de Teatros de España y Ferias y Festivales de Artes Escénicas www.aescenarevista.com

EQUIPO: Dirección y edición: Olga González Braojos. Redacción: Marta Vázquez. Teléfono: 91 199 99 88. Web: www.aescenarevista.com e-mail: redaccion@aescenarevista.com Colaboradoras: Cristina Carrasco y Raquel Villalba. Maquetación: Susana Manrique. Publicidad: Departamento Propio. (direccion@aescenarevista.com) Siguenos en: www.facebook.com (Revista A Escena)

@aescenarevista www.instagram/aescenarevista

versión de la obra de Harold Pinter con Raúl Arévalo, Irene Arcos y Miki Esparbé

20 EL OTRO. De M. de Unamuno y Alberto Conejero 24

EL SONIDO OCULTO. Una obra llena de intriga de las que nos habla Cecilia Suárez

28 Las Naves del Español inician nueva programación 32

POLICÍAS y LADRONES en el Teatro de la Zarzuela

34 V FESTIVAL VISIBLES de artes escénicas inclusivas

36 ESPECIAL MUJERES en la PLÁSTICA ESCÉNICA: Con Elisa Sanz, Ana Garay, Mónica Boromello, Ana Llena, Deborah Macías, Carmen de Giles, Lola Barroso, Anna Tusell, Carmen 17

46 TAMBIÉN EN CARTEL 54 Obras de artes escénicas familiares

04-07 traición_Maquetación 1 21/02/20 22:34 Página 1

EN PORTADA

Por Olga G. Braojos. Fotos: Vanessa Rábade

TRAICIÓN D I R I G I DA P O R

ISRAEL ELEJALDE

Raúl Arévalo, Irene Arcos y Miki Esparbé son los protagonistas de este triángulo amoroso en esta versión de Pablo Remón sobre la obra que escribió Harold Pinter. Una función llena de misterio y de giros sorprendentes en su narración ya que, según explica Israel Elejalde, “a Pinter le interesa la atmósfera y el misterio que se crean en escena por las situaciones y, casi siempre, en todas sus obras hay una especie de tensión al no saber qué piensan verdaderamente las personas que tienen alrededor los personajes...”

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Harold Pinter inicia esta obra con el final, es decir, con el frío reencuentro en un pub de dos amantes separados y, remontándose, en nueve días, hasta el origen de su relación, diez años atrás, pero dejando muchas dudas e incógnitas por el camino. Son Jerry (Miki Esparbé), agente literario, y Emma (Irene Arcos), que dirige una galería de arte y con la que ha mantenido una larga relación. Pero Emma también está casada con Robert (Rául Arévalo), editor e íntimo amigo desde hace muchos años de Jerry. Éste es el seco y hermético diálogo con el que se inicia la historia de lo que queda de esta relación entre estas dos personas que fueron amantes y amigos durante muchos años. Jerry: “Bueno...”. Emma: “¿Cómo estás?. Jerry: Muy bien. Emma: Se te ve bien. Jerry: Bueno, en realidad no estoy tan bien. Emma: ¿Por qué?. Jerry: La cruda salud. ¿Tú, cómo estás?. Emma: Yo estoy bien. Como en los viejos tiempos...” Durante la función los espectadores serán testigos de una obra llena de tensión, de ritmo, de autenticidad, del humor característico de su autor, de ironía, y, sobre todo, de “traiciones” de todo tipo: a los ideales personales, a los que se quiere, a uno mismo, hasta quedar atrapados en el reino de las banales apariencias, ocultando las emociones y las pasiones.

ISRAEL ELEJALDE * ¿Qué tipo de personas son los protagonistas de “Traición”? Esta aparente historia de amor es, en realidad, una pelea por la represión de los deseos ocultos. Jerry (Miki Esparbé) y Robert (Raúl Arévalo) son de clase media alta y trabajan en el mundo editorial. Robert es editor, tiene un carácter más fuerte, quiere que la gente se de cuenta de que él está por encima y Jerry es más apocado, más tímido, y es representante de escritores. Son íntimos amigos y desean a la misma mujer: Emma,

que es la esposa de Robert. Emma ha tenido dos niños y se encarga de cuidarles. Lo que solía hacer una mujer en los 70. Pero tiene inquietudes artísticas, se dedica a leer las novelas de los representados de Jerry, que edita Robert. A lo largo del tiempo esas inquietudes le llevan a regentar una galería de arte. Los personajes parecen ser claros, parecen luchar por expresar aquello que creen, o más bien quieren creer. Se esfuerzan por mantenerse dentro de los límites de lo razonable, pero no es así en realidad. * Sabemos que tarde o temprano esta infidelidad se sabrá pero no sabemos cómo ni cuándo y cada escena es una sorpresa... Pinter utiliza una serie de flashbacks para ir desde el final hasta el origen del conflicto. El público ve lo que pasa a través de esos nueve días pero Pinter tiene poco interés en contarte lo que ha pasado en esos huecos de tiempo. El trabajo para saber qué ha pasado lo tiene que hacer el espectador. Conoces la historia pero Pinter no hace ningún esfuerzo por desvelarte los enigmas de esa historia. Esta obra tiene las características principales de la forma de escribir de Pinter: la sorpresa que provoca en el público y el humor y la capacidad para jugar con la situación y con las palabras. 5

04-07 traición_Maquetación 1 21/02/20 22:34 Página 3

EN PORTADA

* Dices: “Traición es una descripción crítica y feroz de esa clase intelectual que cree estar a salvo de las pasiones más bajas...” Habla de esa clase media alta literaria, que lee mucho, que se jacta de ser “reflexiva, de moverse en el mundo del intelecto” pero que queda atrapada en un mundo que no puede controlar: el de la pasión. A través de los personajes el autor reflexiona sobre esa manera que tenemos los humanos de escondernos y de no mostrarnos porque hacerlo significa destaparnos.

“A través de los personajes, Pinter reflexiona sobre esa manera que tenemos los humanos de escondernos y de no mostrarnos porque hacerlo significa destaparnos... Es el final de la sinceridad” 6

En esta obra los tres hacen todo lo que pueden porque el otro/a no vea su pasión o sus debilidades. Es como si pensaran: “tampoco fue para tanto”. Demuestra como, a pesar de quererse, estas personas son incapaces de mostrarse como son. Es el final de la sinceridad. * ¿Qué es lo más destacable de Harold Pinter como escritor? A Pinter le interesa la atmósfera y el misterio que se crean en escena por las situaciones y casi siempre en todas sus obras hay una especie de tensión al no saber qué piensan verdaderamente las personas que tienen alrededor los personajes. En los textos de Pinter todo “va muy bien” pero sabes que en realidad no es así. Es fundamental que el otro no vea que alguna situación le ha hecho daño porque sería un fracaso. “No me puedo creer que haya hecho esto”. A Pinter le encanta reflejar ese tipo de frases tan habituales hoy en día también.

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* Durante estos cuatro años que llevas en el Pavón T. Kamikaze, ¿qué obras te ha sorprendido por el apoyo del público? Me han sorprendido varias obras de Pascal Rambert, porque, pese a que “las considerabamos arriesgadas”, se convirtieron en un enorme éxito. Algo parecido me ha ocurrido con “Las canciones”, de Pablo Messiez. Y también me pasó con “Un enemigo del pueblo”, dirigida por Álex Rígola, porque era una versión “extraña”. Me sorprendió mucho “Jauría” ya que también se había puesto en entredicho la buena fe de todo el equipo.

“A Pinter le interesa la atmósfera y el misterio que se crean en escena. Conoces la historia pero él no hace ningún esfuerzo por desvelarte los enigmas de esa historia” Puedo entender que se tengan reparos pero no se puede juzgar una obra antes de ser vista. No importa el qué se aborda en una obra sino el cómo. Y volverá a nuestra sala por tercera vez. Desde el 12 de Marzo. Pavón T. Kamikaze. www.teatrokamikaze.com

LOS ACTORES: RAÚL ARÉVALO Actor de larga trayectoria profesional. En 2015 ganó el Goya como mejor actor de “La isla mínima”. Ha intervenido el año pasado en películas como “Dolor y gloria” o “Mi obra maestra”, entre otras. Su última obra teatral fue “Nerón”, de Eduardo Miki Esparbé, Raúl Arévalo e Irene Arcos Galán, en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida 2018. mundo masculino. Irene tiene algo muy “Raúl da el papel porque transmite muy bien poderoso, tiene mucha firmeza y entereza, como con su cara y su mirada el poder que tiene el Emma, su personaje”. personaje, el querer controlar la situación y mantiene muy bien el misterio de su MIKI ESPARBÉ personaje. Siempre que le miras parece que Ha actuado en teatro, cine y televisión y es está pensando”, dice Elejalde. popular por su participación en comedias como “Perdiendo el norte” y “Perdiendo el este” o IRENE ARCOS en series como “Brigada Costa del Sol”. Sobre Es conocida por sus interpretaciones en series él dice Israel que “Miki interpreta a un televisivas como “Élite” o “El embarcadero”. personaje que parece que se escapa. Te cuesta De ella dice el director que: “No la conocía mucho entenderlo y te puede caer mal pero en personalemente pero al hacerle la prueba me Miki hay mucha empatía y va a la contra de lo encantó. Necesitaba a una mujer con mucha esquivo que es el personaje. Puede provocar en identidad, que no se quedara ahogada en ese el espectador una sensación contradictoria”.

08-09 diálogo del amargo_Maquetación 1 21/02/20 19:41 Página 1

ENTREVISTA El elenco y el director en los ensayos de la función

DIÁLOGO DEL AMARGO Por Marta Vázquez. Fotos: G. Leloutre

Ana Fernández

FRANCISCO SUÁREZ ha dirigido una adaptación creada junto a Manuel Tirado de esta pieza escrita por Federico García Lorca, en la que profundiza en temas como el amor, la muerte y el paso del tiempo. Esta función producida por el Teatro Español realiza un homenaje al escritor, y, como explica su director, en ella “el poeta destaca de una forma poética, sin que en ningún momento deje de ser dramática, la presencia de la muerte. Amargo es amenazado por unas sombras que Lorca las definió como siniestras y oscuras. El orden natural amenazado por el caos. Un poema dramático sobre el misterio de la muerte. Sobre ese instante siempre inesperado que nos sorprende cuando menos lo esperas... ”

08-09 diálogo del amargo_Maquetación 1 21/02/20 19:41 Página 2

El elenco de esta función está formado por Ana Fernández, María Galiana, Jacobo Dicenta, Cristina Marcos, Alberto Iglesias, José Antonio Lucia, Damià Plensa y Guillermo Serrano.

ANA FERNÁNDEZ * ¿De qué temas principales nos habla “Diálogo del amargo”? Del tiempo, del amor y de la muerte, que eran los temas preferidos de Lorca. Y de la indefensión del ser humano ante la presencia de unas fuerzas opresoras que el poeta tachó de siniestras y oscuras. Además, Paco Suárez ha incorporado la recuperación de la memoria histórica como eje de la obra. Es esencialmente un alegato contra la desmemoria, el desprecio y el olvido. * ¿Quién es tu personaje?, ¿Qué relación mantiene con el resto? Mi personaje es una incorporación dramatúrgica de Manuel Tirado y Francisco Suárez. Eso mismo ocurre con los personajes que interpretan María Galiana y Cristina Marcos. De alguna manera las tres somos sobrinas de las tres facetas de Amargo que aparecen en esta obra: Amargo gitano; Amargo republicano y Amargo homosexual. * Esta versión está llena de emocionante poesía, ¿qué podrías decirnos al respecto ? Nos abraza la poesía de Lorca a la que Paco Suárez añade su poesía con todos los elementos teatrales de su montaje. El texto es muy poético y el montaje es una aportación espléndida de un director con un lenguaje teatral propio y con una enorme carga estética que consigue un resultado de gran belleza y compromiso. También tiene una puesta en escena muy visual pero siempre al servicio del texto y del compromiso de Lorca contra la injusticia, contra la incultura y contra la intolerancia. * ¿Con qué frases de tu personaje te quedarías?

-“Decía mi abuela que abrazaba fuerte, pero con la ternura que nos gusta a las mujeres”. -“Con los años se me secó la fuente del llanto, pero no la del recuerdo, y aquí sigue, clavándome rejones en la sien”. -“Aunque tengo ya la esperanza congelá, abriré las palmas de mis manos cada mañana para que la lluvia me las lave de revanchas”. * ¿Qué tipo de director de escena está siendo Francisco Suárez? Creo que tiene un gran sentido del ritmo, es un gran amante de la palabra y de su relación con el espacio. Esto se entenderá muy bien al ver el espectáculo. Está muy comprometido con con la obra y con su tiempo. Y, como es sabido, tiene una poderosa y muy personal estética. * ¿Cómo serán los elementos escenográficos? Ana Garay ha construido un elemento escultórico muy bello y poderoso al que se unen en la escena elementos simples cargados de significado. Esto potenciará toda la poética de la puesta en escena de este Amargo que es uno y muchos y muchos en uno. Hasta el 29 de Marzo. T. Español. www.teatroespanol.es

“Habla del tiempo, del amor, de la muerte y de la indefensión del ser humano ante la presencia de unas fuerzas opresoras... Además, Paco Suárez ha incorporado la recuperación de la memoria histórica como eje de la obra, al servicio del compromiso de Lorca contra la injusticia, contra la intolerancia” 9

10 los dias felices_Maquetación 1 21/02/20 19:55 Página 1

L o s d í a s fe l i c e s Por Marta Vázquez. Fotos: MarcosGPunto.

Francesco Carril y Fernanda Orazi protagonizan esta versión de la obra de Samuel Beckett escrita y dirigida por Pablo Messiez con el que hablamos. Es una coproducción del CDN y Buxman Producciones.

PABLO MESSIEZ * Winnie es una señora de mediana edad que aparece semienterrada en un montículo calcinado, bajo una luz cegadora que nunca cesa de brillar... ¿qué más le contarías a los espectadores sobre lo que narra esta historia?

“Willie y Winnie, los dos protagonistas, son dos humanos intentando entender cómo hacer para seguir viviendo, cómo hacer para no quedarse solos, cómo hacer para convivir...” En las obras de Beckett intentar separar forma de contenido es forzar una situación innecesaria. La historia ya está en la forma. Una mujer atrapada en la tierra con un marido que le da la espalda y que repite que éste es otro día feliz. Sobre esa tensión entre las palabras y las cosas se construye la obra. He respetado toda la esencia de la obra original. La única “adaptación” que he hecho es convertir a Winnie en argentina, ya que la interpreta Fernanda Orazi. Como en el caso de Fernanda, Winnie es una argentina viviendo ahora en España. * Es una obra llena de surrealismo y de situaciones absurdas, ¿dónde reside el humor?

Donde menos te lo esperas. 10

AF Esquilo A Escena.pdf

17/2/20

13:24

DEL 4 DE MARZO AL 5 DE ABRIL DE 2020

Presenta

CMY

ESQUILO, NACIMIENTO Y MUERTE DE LA TRAGEDIA ENTRADAS

12 los dias felices 1_Maquetación 1 21/02/20 19:57 Página 1

ENTREVISTA

“Las obras de Samuel Beckett son teatro puro. No son obras sobre cosas. Son la cosa. El conflicto ya está en el espacio y las palabras son sólo las precisas” PABLO MESSIEZ * Preséntanos a los dos personajes. ¿Cómo los describirías? Willie y Winnie son dos humanos intentando entender cómo hacer para seguir viviendo, cómo hacer para no quedarse solos, cómo hacer para convivir. * ¿Qué te gustaría que descubrieran los espectadores al ver esta función? Algo que yo no sabía que estaba en la obra. * Has declarado en más de una ocasión que “Samuel Beckett es el autor por el que me dedico al teatro”, ¿Por qué es tan especial?

Porque sus obras son teatro puro. Escribe para cuerpos encarnando en escena. Sus obras no son obras sobre cosas. Son la cosa. El conflicto ya está en el espacio. Y las palabras (y esto es cada vez más cierto según avanza su escritura) son sólo las precisas. El amor con el que se dedicó al medio para el que trabajó es de una dedicación absoluta y envidiable. El camino de Beckett en la búsqueda de la palabra justa es un ejemplo y una inspiración constante. Poder ocuparnos de sus palabras, un privilegio. * ¿Qué destacarías de Fernanda Orazi y de Francesco Carril como actores? Son extraordinarios. Ambos aman el teatro y su compromiso con el trabajo es total. Es muy inspirador verlos trabajar y un privilegio poder contar con ellos. * ¿Qué quieres transmitir con la original e impactante escenografía de Elisa Sanz que has elegido? Procuro que los signos sean lo suficientemente ambiguos como para que puedan seguir revelándonos cosas. No es que haya una idea que quiero transmitir. Lo que quiero es ponerme al servicio del material, dialogar con él. Y entender a través de la mirada de los otros qué es lo que estamos haciendo. Hasta el 5 de abril. Sala Francisco Nieva (Teatro Valle-Inclán). www.cdn.mcu.es

AF_Publi_TEATRO_ESPAÑOL_A_escena_148X210_enero_2020.pdf

21/2/20

12:49

Temporada 2019/20

26 feb – 15 mar

SALA MARGARITA XIRGU

Españolas, Franco ha muerto Texto de Ruth Sánchez y Jessica Belda Dirección de Verónica Forqué Con Manuel Rodríguez, Natalie Pinot, Roser Pujol y Jessica Belda C

SALA PRINCIPAL

5 – 29 mar

Diálogo del Amargo

CMY

De Federico García Lorca

Versión Manuel Tirado y Francisco Suárez Dirección Francisco Suárez Con Jacobo Dicenta, Ana Fenández, María Galiana, Alberto Iglesias, José Antonio Lucía, Cristina Marcos, Damiá Plensa y Guillermo Serrano

20 mar – 12 abr

SALA MARGARITA XIRGU

Contarlo para no olvidar Adaptación y Dirección Miguel Rellán Con: Nuria González y Nuria Mencía

teatroespanol.es

14 sueño de una noche_Maquetación 1 24/02/20 12:32 Página 1

Fotos: Marcos GPunto

Sueño

de una

noche de verano Bárbara Lluch es la directora de esta versión escrita por Carolina África de la famosa obra de Shakespeare. La lleva a escena la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico, con Mariano Estudillo, Aisa Pérez, Pau Quero, Alba Recondo, Víctor Sáinz, Teresa Lozano, Irene Serrano, José Luis Verguizas, Anna Maruny, Alejandro Pau y la voz en off de Mario Gas. “Creo que lo que más me conmueve de esta obra es la humanidad y vulnerabilidad de todos sus personajes. Nada es lo que parece. Ninguno somos lo que aparentamos.Y me emociono, río y sufro al leer los estragos, entuertos y desafíos que Shakespeare hace vivir a sus protagonistas. La fragilidad de nuestras decisiones, la volatilidad de nuestro amor. La falta de control absoluta

sobre nuestros destinos, sobre nuestras vidas y a veces sobre nuestros sentimientos...”, comenta su directora. Bárbara Lluch es nieta de la actriz Núria Espert. Se estrenó en Madrid como directora de ópera con “Le Cinesi” (2017), tras una larga carrera de 12 años en el Covent Garden de Londres y trabajando en la lírica nacional e internacional como ayudante de dirección con algunos de los más grandes como Bob Wilson, Robert Lepage, Romeo Castellucci o La Fura dels Baus. En 2018 dirigió una versión lírica de La casa de Bernarda Alba para el Teatro de la Zarzuela. Por su parte, Carolina África comenta que: “para esta versión he situado la acción en un presente real y me he permitido ciertos guiños contemporáneos que harán que el espectador se sienta interpelado de manera más directa; procurando mantener el espíritu y vuelo poético del original... La apuesta de esta versión es ofrecer lo más valioso que considero encierra esta monumental obra: una comedia imperecedera que esconde una tragedia en sí misma: cómo la experiencia del amor nos atraviesa y puede manifestarse de múltiples maneras; con toda su grandeza y crueldad...” Desde el 18 de Marzo. T. de la Comedia (Sala Tirso de Molina). www.teatroclasico.mcu.es

Mús i c a

T o má sMa r c o L i br e t o

Ál v a r ode l Amo

Pol i cí asy Ladrones de l

26dema r z o 5dea br i l a l

de2020

Di r e c c i ó nmu s i c a l

J o s éRa mó nE n c i n a r Di r e c c i ó nd ee s c e n a

Pa b l oV i a r Ma n u e l L a n z a Mi g u e l Án g e l Ar i a s Sa r aBl a n c h Pa b l oGa r c í aL ó p e z Ma r í aHi n o j o s a Or q u e s t a d el aCo mu n i d a d d eMa d r i d Co r oT i t u l a r d e l T e a t r od el aZ a r z u e l a Pr o d u c c i ó n d e l T e a t r od el aZ a r z u e l a E ST RE NOABSOL UT O

e nt r a d a sy aal av e nt a

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n t r a d a s i n a e m. e s 9 0 22 24 94 9 e

T e a t r odel aZa r z ue l a Di r ect or :Dani e lBi anc o t e at r ode l az ar z ue l a. mc u. e s

16-17 esquilo-el brujo_Maquetación 1 21/02/20 20:05 Página 1

ENTREVISTA

RAFAEL ÁLVAREZ “EL BRUJO” en

“esquilo,

NACIMIENTO y muerte de la

”

tragedia

Rafael Álvarez 'El Brujo' regresa al Teatro Bellas Artes con Esquilo. Nacimiento y muerte de la tragedia, un espectáculo que el propio artista define como "la mirada de un cómico sobre la tragedia griega”. Para el actor, “el pretexto es el teatro para dar una conferencia sobre el espíritu antiguo de la tragedia que representa Esquilo". Por Marta Vázquez

Rafael Álvarez “El Brujo” continúa explorando con esta obra en la línea de trabajo basada en el “actor solista”, tradición europea que se remonta a los juglares antiguos, y cuyo exponente más prestigioso es el premio Nobel Darío Fo. La función, estrenada en la 64 edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, regresó al mismo en 2019. * Dices que esta obra es “una conferencia sobre el espíritu de la tragedia que representa Esquilo, vista desde el espíritu de un cómico”... Sí, así es. La obra está representada desde el punto de vista de un cómico que tiene que mirar la tragedia o cualquier cosa de manera que el público ría constantemente, desde el principio al final. Hace muchos años leí la definición de Arte Clásico que daba un gran erudito helenista cuyo nombre ahora ya no recuerdo: “Una obra es clásica (decía) cuando no hay en ella ningún resto del esfuerzo que conlleva todo proceso creador.”

“En todos mis espectáculos dejo un margen de descanso para el espectador. En este caso para que asuma la historia de Esquilo de una forma grata y lúdica” 16

* ¿De qué nos vas a hablar en escena? De mi padre, del gato de mi casa, de cualquier tema. Como sabeis, en todos mis espectáculos dejo un margen de descanso para el espectador. En este caso para que asuma la historia de Esquilo de una forma grata y lúdica. Van a conocer “mi Esquilo”. * Descríbenos la personalidad de Esquilo... Esquilo fue un gran poeta griego con una inmensa sensibilidad. En su obra transmite el sufrimiento humano que termina llevando a los hombres al conocimiento absoluto.

16-17 esquilo-el brujo_Maquetación 1 21/02/20 20:05 Página 2

* En esta función utilizas referencias a la cultura o la política actual y haces una reflexión sobre la historia, ¿qué más podemos contarle al público al respecto? Ésta es sin duda una obra clásica que nace de la misma inocencia sagrada que exhibían aquellas cariátides desde el punto de vista de un cómico que ha sobrevivido y sobrevive para hacer reír constantemente a su público. El proceso de creación es el juego mismo de la vida en marcha. Esta inocencia es la que percibí en el Prometeo encadenado, de Esquilo. Una magia lejana y un ritmo sin tensión. Y me enamoré de Esquilo. Y aluciné con él. Y me inventé otro Esquilo. Y jugué con él. Y poco más. Les animo a que vengan y lo vean. * Ya estás muy acostumbrado a estar sólo en escena pero, ¿cuáles son las principales ventajas de ser el único protagonista de la obra? En esta soledad del escenario he encontrado mi forma de hacer teatro. Es como más cómodo me siento.

“La obra está representada desde el punto de vista de un cómico que tiene que mirar la tragedia o cualquier cosa de manera que el público ría constantemente, desde el principio al final... ” Aunque no estoy sólo del todo porque me acompaña el maestro Javier Alejano al violín, que aporta maestría y belleza. * ¿Cómo se consigue mantener la atención del público en solitario y durante toda una obra? Con mucho estudio, con muchos años, con mucho esfuerzo. * ¿Por qué sigue siendo tan necesario el humor en la actualidad? Actualmente no es que sea necesario, es VITAL. Hasta el 5 de abril. T. Bellas Artes. www.teatrobellasartes.es

18 copenhague_Maquetación 1 21/02/20 20:07 Página 1

COPENHAGUE Por Cristina Carrasco. Foto: PTC Teatro

CLAUDIO TOLCACHIR ha dirigido esta versión de la obra de Michael Frayn que protagonizan tres grandes de la escena: Emilio Gutiérrez Caba, Carlos Hipólito y Malena Gutiérrez. Tras su exitosa gira por España, regresa a Madrid. La obra narra el encuentro que tuvo lugar en 1941 en la capital de Dinamarca, ocupada por las tropas nazis, entre el gran científico danés Niels Bohr y su ex alumno Werner Heisenberg, representante de los estamentos nazis y enemigos por la situación de sus dos países durante la Segunda Guerra Mundial. Maestro y discípulo se enfrentan al problema ético del uso de los avances en física teórica para el desarrollo de armamento nuclear en el conflicto armado. La obra sitúa a los personajes en un punto de irrealidad absoluta. “No asistimos a una 18

cronología real de lo que pasó”, ha comentado la compañía. Todo son conjeturas sobre aquel misterioso encuentro, que algunos han querido ver como decisivo para que la balanza de la guerra se inclinase a favor de los aliados, impidiendo la creación de la bomba atómica por parte de los alemanes. Por razones que no están establecidas históricamente, estos dos gigantes de la ciencia mundial rompieron relaciones permanentemente después de este encuentro. El escritor y dramaturgo británico Michael Frayn recibió con este texto (en el año 2000) el Premio Tony a la mejor obra de teatro. Desde el 19 de marzo. T. Infanta Isabel. www.teatroinfantaisabel.es

20 el otro fernan gomez_Maquetación 1 21/02/20 20:53 Página 1

Una obra de Miguel de Unamuno y Alberto Conejero. Dirigida por Mauricio García Lozano. Con Celia Bermejo, Domingo Cruz, Carolina Lapausa, José Vicente Moirón y Silvia Marty. Narra que Cosme, en estado de semilocura, no permite que nadie le vea dormir por miedo a hablar en sueños. Ha roto todos los espejos de la casa y tampoco permite que se le llame por su nombre. Cuando Laura, su mujer, se dirige a él como “Cosme” él replica; “no, sino el otro”. Ante las preguntas de Ernesto, neuropsiquiatra y hermano de Laura, Cosme le cuenta lo sucedido: “Estaba, pues, como te digo, aquí conmigo, cuando me anunciaron al otro. Me vi entrar como si me hubiera desprendido de un espejo, y me vi sentado ahí,

donde tú estás... Me vi entrar, y el otro... yo... se puso como estoy, como estás. Y se me quedó mirando a los ojos y mirándose en mis ojos. Y entonces sentí que se me derretía la conciencia, el alma; que empezaba a vivir, o mejor a desvivir, hacia atrás, como en una película que se haga correr al revés... Empecé a vivir hacia atrás, hacia el pasado, a reculones, arredrándome. Y desfiló mi vida y volví a tener veinte años, y diez, y cinco, y me hice niño, ¡niño! y desnací... y morí...” Según Conejero, su adaptador, “Unamuno era plenamente consciente de que su teatro exigía a los espectadores un nuevo pacto de recepción, de colaboración. Es un teatro que necesita de una escucha activa, cómplice, de una voluntad de misterio. Unamuno reclamaba la teatralidad implícita en sus textos. “El otro” no es literatura dramática sino teatro. No es para ser leído sino para ser representado. Ha nacido para el teatro y para el teatro va...” Es un espectáculo coproducido por El Desván Producciones y la Consejería de Cultura e Igualdad de la Junta de Extremadura. Del 6 de Marzo al 11 de Abril. T. Fernán Gómez. www.teatrofernangomez.es

EL OTRO

IRENE ARCOS RAÚL ARÉVALO MIKI ESPARBÉ

TRAICIÓN

HAROLD PINTER

VERSIÓN DE PABLO REMÓN DIRIGIDO POR ISRAEL ELEJALDE

Del 12 DE MARZO AL 26 DE ABRIL DE 2020 Revista A Escena 148x210 mm.indd 1

20/2/20 15:00

22 contarlo para no olvidar_Maquetación 1 25/02/20 12:17 Página 1

Nuria Mencía y Nuria González

CONTARLO PARA NO OLVIDAR Nuria Mencía y Nuria González protagonizan esta versión escrita y dirigida por Miguel Rellán. Las reporteras Maruja Torres (Barcelona, 1943) y Mónica García Prieto (Badajoz, 1974) discuten sobre periodismo, feminismo y transformación social en una conversación publicada por la Revista 5W como parte de su colección Voces de libros-diálogo en 2017. Mónica García Prieto define a Maruja Torres como “el ejemplo de mujer transgresora, profesional libre y sin

Miguel Rellán

complejos, alejada de todo convencionalismo en un mundo dominado por los hombres”. Por su parte, Torres dice que Prieto “tiene la esencia de la reportera que ella misma querría haber sido: una periodista especializada en los conflictos internacionales y que ha observado cómo se desarrolla la Historia ante sus ojos”. Ambas recuerdan sus primeras crónicas, dan una mirada histórica al mundo árabe, hablan de los cambios en la prensa, del machismo en las redacciones y de su pasión por contar el mundo y por querer saber más. A partir de estas entrevistas se crea una puesta en escena con dos actrices que nos plantean: ¿Cuál es el contrato del periodista con el lector? ¿Y la responsabilidad de los medios? ¿Se está banalizando la información? Maruja Torres y Mónica García Prieto profundizan sobre estas preguntas con una visión crítica y honesta, en una conversación con momentos de humor, de enfado y de esperanza. Desde el 20 de marzo. T. Español. (Sala Margarita Xirgu). www.teatroespanol.es

CHÉVERE

Curva España

Del 4 al 15 de marzo

L-E-V (SHARON EYAL & GAI BEHAR) Love Chapter 2

12, 13 y 14 de marzo

EL CONDE DE TORREFIEL LA PLAZA

19, 20 y 21 de marzo

ANNE TERESA DE KEERSMAEKER/ ROSAS Achterland

21 y 22 de marzo

A ESCENA 156X218 TEATROS DEL CANAL 02/03/2020.indd 1

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ENTREVISTA

EL SONIDO OCULTO Emilio Palacios y Cecilia Suárez en los ensayos

Por Marta Vázquez. Fotos de ensayos: Lighuen DeSanto

LETSGO, productora y promotora de espectáculos como la saga The Hole, Dirty Dancing, El jovencito Frankenstein, La Familia Addams y Ghost, inicia su producción de obras de teatro de texto en colaboración con el productor mexicano Claudio Carrera y con esta obra escrita por el finalista del Premio Pulitzer Adam Rapp, alabada por la crítica del New York Times. La versión que se estrena ahora en España ha sido dirigida por el mexicano Fran Franco, la ambienta la música original de Julieta Venegas y está protagonizada por Cecilia Suárez y Emilio Palacios.

CECILIA SUÁREZ Su larga carrera como actriz incluye muchas obras de teatro, películas y series de 24

TV mexicanas. Es actriz de doblaje de películas infantiles y su rostro es conocido por interpretar a Paulina de la Mora en la tercera temporada de la exitosa serie televisiva La Casa de las Flores, de Netflix. También es miembro de la Compañía de Teatro de Chicago Theatre with a View y Embajadora de la ONU en la Campaña Spotlight y en la Unión Europea contra el feminicidio. Ahora da vida a la protagonista femenina de esta obra. * ¿De qué nos habla “El sonido oculto”? Es una obra que habla sobre los grandes temas vitales como el amor, la soledad, la muerte, sobre las perdidas de la vida y de aquellas pasiones que nos hacen amar la vida.

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ENTREVISTA * Según vuestro director: “Lo llamativo de este texto y de su puesta en escena está en el interés que consigue despertar en quien lo escucha...” Sí, porque es una obra que requiere que el espectador esté muy atento. Es un viaje lleno de misterio de la mano de estos dos personajes. Es una obra que va avanzando entre misterios constantes. Y esas situaciones que se crean en escena la convierten en una obra inquietante.

CECILIA SUÁREZ * ¿Quién es Bella Baird, tu personaje? Bella Baird es una profesora de Literatura en la Universidad de Yale. Imparte el curso de Escritura Creativa. Entre libros de Dostoyevski y el frío invierno de Connecticut conoce a Christopher Dunn, un talentoso e inadaptado estudiante que la visita buscando inspiración para su novela. Es una mujer peculiar, es inteligente, le apasiona la literatura y se ha construido un “mundo aparte” en el que necesita de muy poco. Bella y Christopher (Emilio Palacios) son dos personajes aislados, honestos consigo mismos y su realidad. Cada uno carga con su propia historia.

* ¿Por qué debería ir el público a ver esta función? Porque es una obra fascinante. Parece que va hacia un lugar pero cambia constantemente de dirección durante el desarrollo de la trama. Es sorpresiva y emocionante. * ¿Cómo será la escenografía? Muy onírica y muy evocadora. Según su director Fran Franco, “Adam Rapp nos regala un thriller psicológico en el que la composición literaria es el verdugo y el autor su víctima.... Lo sublime de este texto está en la incertidumbre de sus innumerables giros dramáticos y en lo sorprendente de lo inesperado, pero a la vez inevitable de su trama...” Desde el 20 de marzo. T. Reina Victoria. www.elteatroreinavictoria.com

“Es una obra que va avanzando entre misterios constantes. Y esas situaciones que se crean en escena la convierten en una obra inquietante. Es sorpresiva y emocionante” 26

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LAS NAVES

DEL ESPAÑOL

Comienza la nueva programación en las

Naves del Español bajo la dirección de Natalia Menéndez y Luis Luque. Les presentamos los espectáculos con los que se inicia esta nueva etapa:

Dosis de paraíso Es la nueva creación de Sharon Fridman, una exploración sobre el amor y las relaciones, en la que se desarrolla un diálogo con las nuevas tecnologías en búsqueda de espacios emocionales, gracias a la colaboración con artistas internacionales de Bélgica e Israel.

Ellas se encontraron y se entregaron la una a la otra. Descubrieron el hábito de la turbulencia, la oportunidad del abrazo y el miedo a la soledad. Mantenerse en el paraíso no fue tarea fácil, mantenerse en el presente, sin la refracción del pasado ni la proyección del futuro...Del 27 al 29 de marzo. Sala Max Aub-Nave 10.

HAMNET. Dead Center De Bush Moukarzel, Ben Kidd y William Shakespeare. De los creadores de “LIPPY” y “Chekhov’s First Play”. Es un trabajo en solitario para un niño de once años que utiliza grabaciones y videos para cerrar la brecha entre dos generaciones. Una producción de TBC, que, según comenta la compañía, “En 1599, Shakespeare escribió una obra de teatro llamada Hamlet. Hamnet es demasiado joven para entender a Shakespeare. Está a punto de volverse adulto. Le decimos al público: Somos demasiado mayores para entender a Hamnet. ¿Estamos cerca de la grandeza?” Nos encontramos en el medio, en un teatro, en el purgatorio con jóvenes que buscan una vida que nunca conocerán, un público que se remonta a una vida que ha olvidado...” Del 1 al 5 de abril. Sala Fernando Arrabal A- Nave 11.www.teatroespanol.es

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TENORS Illuminati presenta esta parodia de los míticos conciertos que durante los años noventa hicieron por todo el mundo los ”Tres Tenores”. “Un espectáculo hecho desde el respeto y la admiración”, comentan. Con un extraordinario nivel musical, pero sin dejar pasar la oportunidad de reírse del divismo, la solemnidad y del protocolo de los conciertos de música clásica. Combinando la ópera con el humor visual más alocado, hará reír al espectador a través de situaciones absurdas a la vez que emocionará con melodías conocidas y conmovedoras.

TODOS QUIEREN SER THE MONGUERS Una comedia musical improvisada. Cada noche Al tran tran ofrecen un biopic diferente sobre una banda de música que se hizo famosa en las cárceles de todo el mundo: “The mONgueRs”. Abordando el género del documental, desde

EN EL

ALFIL 30

la perspectiva de una obra de teatro musical, ofrecen mil maneras de conocer los orígenes, nacimiento, crecimiento y salto a la fama de un grupo de delincuentes habituales que deciden montar una boy band en el centro penitenciario donde cumplen condena.

CALLADITAS ESTÁIS MÁS GUAPAS En este espectáculo de comedia interdisciplinar, en el que prevalece el StandUp Comedy, participarán cómicas consagradas, cómicas emergentes y nuevas cómicas, en un formato rotativo, creando un show posicionado e irreverente donde sus protagonistas nos contarán su particular visión del mundo. “Recomendado a personas sin complejos y que sean capaces de escuchar verdades divertidas fuera de convencionalismos y con algo de reivindicación”, dicen. Con Sil de Castro y Jessika Rojano. Teatro Alfil. www.teatroalfil.es

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REPORTAJE

POLICÍAS Y LADRONES Por Marta Vázquez. Fotos: Javier del Real

El Teatro de la Zarzuela presenta esta irónica, crítica y metafórica Zarzuela bajo la dirección musical de José Ramón Encinar y la dirección de escena de Carmen Portaceli. Hace muchísimos años que no se estrenaba nada con estructura de zarzuela en el Teatro de la Zarzuela. Esta zarzuela, con un tono tragicómico, escorado hacia el sarcástico escepticismo, nos habla, según ha comentado Tomás Marco, el compositor de la música, “de la corrupción política con la intención de

mostrarla como una farsa peculiar, sin la gravedad de una crítica demoledora, con el desparpajo y la ligereza de un argumento cuya intriga incorpora la tensión del ‘suspense’ en un despliegue de tipos, figuras, lances hipotéticos y absurdos verosímiles. Va a sorprender mucho.” La llevan a escena Manuel Lanza, Sara Blanch, Pablo García López, María Hinojosa, Miguel Ángel Arias, David Fernández, Ana Vélez, Álex Larumbe, José Albarrán, Hugo Huerta, Carlos Cañas y Armen Boricó.

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El Libreto es de Álvaro del Amo. Él y Tomás Marco crearon esta zarzuela cuando todos los informativos hablaban de los casos de Bárcenas, Urdangarín, Pujol y otros muchos que todos conocemos. La trama se desarrolla alrededor del Político, presunto implicado encarcelado por el Policía que, tras sus investigaciones sobre el primero, se encuentra él mismo en la cárcel, acusado de corrupción. El hijo del Político y la hija del Policía, enamorados, se casan y se exilian con su bebé. La mujer del Político se fuga también con todo el dinero que han conservado, y lleva una vida dorada en el Caribe con un mafioso ruso, al que cambiará por un magnate chino... En escena también hay presos políticos, periodistas en busca de noticias sensacionalistas, formando un universo cínico, fraudulento, en el que no faltan tramas, con un nuevo partido (el Pueblo Soberano), que retoma traiciones, falsas acusaciones, amistades hipócritas, sobornos...

Carme Portaceli es la directora de escena

Carme Portaceli, la directora de escena, ha comentado que “ es como una especie de expiación. Vamos a ver si, mediante la ironía, mediante un lenguaje escénico que nos permita representar el horror de esta historia, como un fuego en la noche de San Juan, conseguimos crear distancia con eso que nos pesa como una losa y nos avergüenza cada día: la corrupción”. El encargado de llevar a la orquesta es José Ramón Encinar, experto en la música contemporánea. La escenografía es de Montse Amenós. Ha creado un espacio circular en cuyo centro hay una puerta giratoria muy alta, con una pantalla, entre otros elementos, como una escalera móvil que gira, evocando una espiral y que sirve para ubicar algunas situaciones. Del 26 de marzo al 5 de abril. T. de la Zarzuela. www.teatrodelazarzuela.mcu.es “Habla sobre la corrupción con la intención de mostrarla como una farsa peculiar, sin la gravedad de una crítica demoledora, con el desparpajo y la ligereza de un argumento cuya intriga incorpora la tensión del ‘suspense’”. TOMÁS MARCO 33

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V Fe s t i v a l

VISIBLES Les presentamos algunas de las piezas:

HERE COMES YOUR MAN De la compañía Tarambana Espectáculos. Es un montaje crudo, directo y explícito, que muestra una realidad latente en nuestro país que aún está muy lejos de superarse porque hay personas que sufren violencia, acoso, intimidaciones, abuso y violaciones por su condición sexual. Sala Tarambana.

HELLIOT

Una nueva edición de este festival de arte inclusivo que organiza la Sala Tarambana, es dirigido por Javier Crespo Lorenzo y cuyas obras se representarán en varios espacios escénicos de MACOMAD (Coordinadora madrileña de salas alternativas). Durante los días que dure el V Festival Visibles habrá simultáneamente en Madrid 27 espectáculos inclusivos, representados por 13 compañías de Madrid, 6 de otras comunidades autónomas y una de Argentina. Habrá un taller gratuito de danza diversa y creación audiovisual comunitaria, un documental, actividades paralelas, exposiciones de fotografía y pintura, además de mesas redondas de tertulia y debate.

De la compañía Danza Mobile y Alteraciones D-T (Sevilla). Es una pieza interdisciplinar de Danza, Teatro y Performance que pretende discutir sobre lo “único” y “especial” que cada uno de nosotros posee como individuo. Sala Tarambana.

QUIJOTE De la compañía La Tramoya (Madrid), translada al espectador al lugar que quiera imaginar. Narran que un hombre muy cuerdo quiso vivir en los límites de lo imposible, en las llanuras de la solidaridad para salvar a todos los que se empeñaban en hacer feo lo hermoso. Sala Bululú 2120.

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TELETRANSPORTACIÓN De la compañía Stereotipos (Argentina). Un novedoso trabajo de improvisación donde los sonidos, aromas y texturas son utilizados para recrear cada escena. Un espectáculo para promover la empatía. Sala Tarambana.

WAS SOLL I CH? Extranjería, origen, esclavitud Sabotaje teatro (Murcia) presenta esta obra de teatro documental y autoficción en la que no hay personajes escénicos sino personas en escena. T. del Barrio. LA VERB ENA DE LA PA LOMA

De Danza Down compañía Elias Lafuente (Madrid). Una adaptación de esta emblemática y castiza Zarzuela madrileña interpretada por bailarines con discapacidad intelectual. T. Lagrada.

EL SUEÑO DE SEGISMUNDA De la compañía Contando hormigas (Madrid), es una versión libre de “La vida es sueño” donde una mujer normal, por ejemplo una actriz ciega que vive en Lavapiés, se ve convertida en reina.

¿Cómo gobernará? ¿Qué hará para cambiar la vida de la gente?. Sala Tarambana.

MOLINOS , ¡A MÍ! De la compañía Vertebradas artes escénicas (Madrid), es un espectáculo de un lenguaje multidisciplinar. Inspirado en el famoso capítulo de los molinos de viento del Quijote. ¿Qué pasaría si un día decidiéramos iniciar un viaje dejando atrás todo lo conocido hasta ahora?... T. del Barrio. SAP ERA AUD E, 1 Y OTRA VEZ, EL MURO

De la compañía MSD (Madrid), es un espectáculo de tres piezas que nos habla de la inclusión sin barreras. Sala Tarambana. www.festivalvisibles.com

FESTIVAL ELLAS CREAN Una nueva edición de este Festival organizado por el Instituto de la Mujer y para la Igualdad de Oportunidades que tiene lugar en diferentes espacios de Madrid como el Instituto Francés, la Biblioteca Nacional y muchos Museos de la capital, entre otros espacios, con danza, poesía, teatro, música... Este año contará con la participación de muchas compañías de Danza como Metamorphosis Dance Company. Rafaela Carrasco bailará Ariadna. Al hilo del mito. Verónica Garzón y Begoña Quiñones presentarán Pacto, María Pagés y El Arbi El Harti Fronteras; Mónica Runde e Inés estarán con su Boceto efímero #9 y Blanca Arrieta con su ballet Las sillas.

Se representará también El silencio de las murciélagas de Anaïs Allais bajo la dirección de Rachel Mastin. Y habrá el estreno de cinco piezas de música contemporáneas, Damas y Diosas, compuestas por cinco autoras y perfilado por Teresa Catalán, entre otras actividades. www.ellascrean.com 35

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Por M.V. y O.G.B.

ESPECIAL

Lluvia Constante

MUJERES EN LA PLÁSTICA ESCÉNICA

Este mes se celebrará un año más el 8 de Marzo como Día Internacional de la Mujer Trabajadora. A Escena participa publicando este reportaje protagonizado por ALGUNAS de las responsables de la escenografía, el vestuario y figurines o la iluminación de las piezas. Cumplen una labor muy importante en el tejido escénico de la que pocas veces se habla en un reportaje periodístico. Si quieren saber ¿En qué consiste el diseñar una escenografía?, ¿Por qué es necesario un arduo trabajo de investigación previo y de trabajo en equipo?, ¿Cuáles son las cualidades que deben tener las directoras de Iluminación o las de Vestuario?, ¿Por qué sigue habiendo pocas mujeres dirigiendo los equipos de la Plástica Escénica pese a que hay muchas licenciadas y trabajadoras de este sector?, entre otras cuestiones, lean, lean... porque se lo van a explicar ELLAS.

ELISA SANZ Es un referente para muchos de los que se dedican a este trabajo y tiene en su haber un largo curriculum profesional. Licenciada en Escenografía por la Real Escuela de Arte Dramático de Madrid (2002), actualmente ejerce de escenógrafa y figurinista. Algunas de las recientes escenografías que ha diseñado son las de “Taxi girl”, del CDN, “Todo el tiempo del Mundo”, de Pablo Messiez, “Lluvia constante”, dirigida por David Serrano, “Largo viaje del día hacia la noche”, dirigida por Juan 36

José Afonso, “La piedra oscura” de Alberto Conejero o “Bajo terapia” e “Invencible”, bajo la dirección de Daniel Veronese. “Yo iba para actriz como muchas adolescentes. Durante los exámenes de ingreso a la RESAD para interpretación (por segunda vez) y, después de haber acabado delineación, se iniciaron unos exámenes para ingresar en el experimental de Escenografía previo a la formalización de la Licenciatura. No sabía si sería mi profesión futura, pero sabía que quería formar parte del mundo de las artes escénicas y Escenografía podía ser una opción. Después de los dos primeros años de curso experimental decidí que era mi camino. ¿Por qué ? Entonces no sé si lo sabía, ahora no me plantearía dedicarme a otra cosa. Con la perspectiva de los años, además, tengo claro que lo que más aprecio es que cada proyecto es un reto, que ninguno es igual y que cada uno de ellos te hace afrontar, desde diferentes lugares, el proceso”.

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Impulsora de la Asociación de Artistas Plásticos Escénicos de España (AAPEE), ha ganado siete premios MAX de las Artes Escénicas (4 al mejor espacio escénico y 3 al mejor vestuario), varios premios FETEN, un premio Adriá Gual, y otras menciones y nominaciones. “Para cada propuesta soy una profesional diferente. No puedo tener un estilo porque cada puesta en escena es única y la metodología en este trabajo va variando. Cada proyecto escénico cuenta con un equipo artístico particular. Podemos tener el mismo texto de Hamlet, pero podemos presentarlo desde muchas perspectivas y con puestas en escena tan diferentes como diferentes son los equipos artísticos que las forman. No sólo diseñamos espacios arquitectónicos con paredes y elementos grandes, si no que creamos con otros elementos como el movimiento de los actores, el color, la composición, los objetos... Hay elementos esenciales del espacio escénico que, aprovechados por profesionales, crean el universo necesario para una excelente propuesta escénica”, comenta. Elisa también trabaja para compañías de Danza como Aracaladanza (desde hace más de 15 años), Teresa Nieto, Rafaela Carrasco y 10 y 10 Danza. “Para la danza trabajas con otras necesidades de composición, de color, de movimiento. No es una metodología tan lineal. Depende de si hay o no recursos también. Hay un proceso de investigación previo, de crear una gama de formas y de composición de color...” Tienen claras cuales son las cualidades que debe tener la persona que se quiera dedicar a este

Play. De Aracaladanza

Boceto de escenografía

trabajo: “Además de mucha visión espacial, la generosidad Taxi Girl dentro de todos los miembros del equipo artístico es fundamental. La imaginación y la pasión las cambio por talento y rigor en la creación. Saber trasladar a emociones visuales el contenido dramático de un texto es otra cualidad imprescindible.” Y termina: “tengo la suerte de que disfruto de todo lo que hago. Pero creo que lo más gratificante es que mi trabajo es el medio que tengo de expresar lo que soy desde un lenguaje escénico/artístico. En cada diseño hay una parte de mí que se queda allí. Creo que esta profesión sí está reconocida aparentemente, pero no lo suficiente desde la importancia artística e imprescindible que tiene en la puesta en escena actual. Creo que todavía nos quedan muchos pasos que dar para que seamos reconocidos como debemos, pero es un reconocimiento paralelo al crecimiento y a la evolución de las artes escénicas que van cambiando.”www.elisasanz.net www.aapee.es “Para cada propuesta soy una profesional diferente. No puedo tener un estilo porque cada puesta en escena es única y la metodología va variando... No sólo diseñamos espacios arquitectónicos sino que creamos con el movimiento de los actores, el color, la composición, los objetos...” 37

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ANA LLENA Una de las facetas más llamativas de “Billy Elliot, el musical” es su vestuario, que ha conseguido crear un amplio universo y, además de narrar la historia en su contexto histórico y en el lugar en el que se enmarca la narración, cuenta la historia individual de cada uno de los personajes. Detrás de todo ese trabajo está Ana Llena, profesional de larga experiencia. Ana tiene muy claras cuáles son las cualidades que hay que tener para dedicarse a esta profesión: “Creo que me han ayudado bastante la inquietud y el sentido de la responsabilidad con mi trabajo y con los demás. También la constancia y el tesón. También hay que tener una gran capacidad de trabajo en equipo, conocimientos de la historia de la indumentaria y del arte, disciplina y creatividad”. Llena también ha diseñado el vestuario de obras como “Esperando a Godot”, de Pentación Espectáculos, o “Los Hilos de Vulcano”, dirigido por Marta Torres, entre otros muchos. Actualmente trabaja en el diseño de vestuario de “Grease”, que se estrenará en Octubre, e imparte clases de indumentaria en la Real Escuela Superior de Arte Dramático. “Lo primero que hago es escuchar la propuesta o la visión del director y comienzo a pensar en lo que quiero expresar en el escenario, aportando mi propia visión. También estudio un montón de aspectos generales de 38

la producción que tengo delante: ¿qué presupuesto tengo?, ¿de qué tiempo dispongo?, ¿en qué teatro se va a estrenar?, ¿qué elenco va a haber?…Y, a partir de ahí, comienzo a pensar en los personajes y en qué tipo de indumentaria tendrían que tener. El diseño anterior podría ser un 50 o un 60 % de lo que vemos finalmente en el escenario ” Sobre la evolución y las situación actual de las mujeres dentro de su profesión comenta que: “Miro hacia atrás y recuerdo a la primera mujer utilera en un teatro nacional (y estamos hablando de los años noventa), cuando literalmente la insultaban y la marginaban por su condición; recuerdo los primeros premios a producciones de directoras, donde de verdad eran pocas. Y así podría seguir. Creo que hay mucho por hacer todavía, pero que ese panorama ya no es igual. Las mujeres estamos aportando muchas cosas en todos los terrenos creativos, y esa es suficiente razón. Nos expresamos, comunicamos y nuestra voz cada vez es más fuerte y más firme...” Y añade que “cuando comencé apenas había sitios para estudiar Escenografía o Vestuario. Y hoy en día se han ampliado los horizontes hasta lugares insospechados. Cualquier figurinista, escenógrafo o iluminador de este país puede acabar trabajando en cualquier teatro del mundo y así afortunadamente está ocurriendo...” “Creo que para dedicarse a esta profesión tienes que tener inquietud, sentido de la responsabilidad con el trabajo y con los demás, constancia, capacidad de trabajo en equipo, disciplina y creatividad...” Billy Elliot, el musical

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“Este oficio es muy exigente y te obliga a estar al día en todos los aspectos. Es una carrera de fondo. Hay que empezar de cero en cada proyecto. Hay que ser meticulosa, ordenada, cumplidora y empática”

ANA GARAY Este mes se estrena la función “Diálogo del amargo”, cuyos escenografía y vestuario son creaciones de ella. Hasta la fecha ha desarrollado más de 180 proyectos en producciones de teatro, ópera, danza, zarzuela y teatro musical. “Guardo excelentes recuerdos de escenografías como la de “Terrorismo” (2005) por mi compromiso con una idea que defendí a capa y espada en el Teatro de La Abadía, ayudada por Elisa Sanz (la directora técnica), de “Visitando al Sr Green” (2005) porque conocí a Juan Echanove, compañero y amigo incondicional, de “Mercado libre” (2009) porque llegó a mi vida Jesús Cracio y me abrí paso en América Latina, de “Otello” (2015), mi primera ópera con Paco Azorín, amigo y maestro y mi presente, de “Ricardo III” (2019), del Kamikaze, para la que realicé el vestuario...”. Ana es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, en las especialidades de Diseño y Escultura, y Titulada en Escenografía por la Escuela de Arte Dramático de Barcelona. “Este oficio es muy exigente y te obliga a estar al día en todos los aspectos. Es una carrera de fondo. Incluso aquellos trabajos de los que guardo un recuerdo terrible me han servido para crecer. Hay que empezar de cero en cada proyecto. Es necesario tener unos hábitos como el ser meticulosa, ordenada, cumplidora y lanzarse al vacío corriendo riesgos en cada propuesta. Te obliga a interactuar con todos los departamentos por lo que debes ser empática y entender las circunstancias de cada sección tanto económicas como artísticas ya que afectan de una manera directa al diseño y al resultado final”, comenta Ana. Sobre el proceso que sigue en su estudio Garay nos dice que: “el libreto lo es todo. El texto es la

partitura que nos compromete y nos da la información para trabajar. Requiere una gran inversión de tiempo. Después de varias lecturas y de haber mantenido conversaciones con producción, es el director el que te pone en el camino. A partir de ese momento el proceso de inmersión es total. Es fundamental crear una carpeta en la que volcar planos de los teatros de origen, construir una biblioteca de imágenes de referencia, texturas, fotografías de actores, medidas. Todo es registrable. Necesitamos la documentación sobre la que podamos construir un imaginario sólido y viable...” Ana ha recibido, entre otros, el Premio Ercilla, el Premio Jara y el Premio Gran Vía de Teatro Musical. “Creo que los premios son una píldora de aliento, sin más. Sobre el reconocimiento a nuestra labor de escenógrafos y diseñadores de vestuario en España echo en falta que se respeten los derechos de autor”, termina. www.anagaray.pro Collage de fotos de algunas de sus escenografías

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“Se tiene la errónea idea, todavía, de que esto

de la Iluminación en la escena tiene que ver con cables, focos, electricidad y un montón de cosas técnicas. Diseñar la iluminación de un espectáculo es un trabajo enteramente creativo, para convertir las ideas en realidad poética”

LOLA BARROSO Es diseñadora de Iluminación Escénica y Graduada en Técnicas Escénicas por la Universidad de Kent. Tiene más de 20 años de experiencia como diseñadora de Iluminación para producciones de teatro y danza. “Yo conocía la profesión desde dentro, trabajando como técnico de Iluminación para compañías y teatros. Cuanto más dominaba el medio técnico, más claro tenía que mi meta era convertirme en Diseñadora de Iluminación, trabajo que, en este país, cuando yo empezaba, era casi imposible. Pero, a base de mucho esfuerzo El abismo de los pájaros personal, mucho trabajo y muchas ganas de aprender, lo he conseguido. Afortunadamante cada año somos más las mujeres que vemos en el Diseño de Iluminación una herramienta para expresar ideas, para comunicarnos con el público...”, comenta. Ha trabajado para coreógrafos y directores como Patrick de Bana, Dani Pannullo, Chevy Muraday, Vicente León, Fermín Cabal, Fátima Miranda o Víctor Conde, entre otros muchos. Ganó el premio Max 2018 al Mejor Diseño de Iluminación por “Furiosa Escandinavia”. 40

Furiosa Escandinavia

“El libreto no es suficiente para plantear un diseño de Iluminación. Es absolutamente necesario el punto de vista del director/a y la puesta en común de todo el equipo implicado en el proyecto para determinar qué se quiere contar y cómo queremos contárselo al público y, a partir de ahí, se comienza a crear, a diseñar. Creo que todo diseño de Iluminación tiene que partir y tener una intencionalidad dramática que determine y defina la expresividad de cada escena, de cada momento; que construya, junto con el resto de los elementos escénicos, el espacio poético que muestre al espectador de forma clara y precisa la esencia de la historia que se relata.” Además, Lola imparte clases en diferentes escuelas de arte y diseño de Madrid. “Se tiene la errónea idea, todavía, de que esto de la luz en la escena tiene que ver con cables, focos, electricidad y un montón de cosas técnicas. Nada más lejos de la realidad. Diseñar la iluminación de un espectáculo es un trabajo enteramente creativo. El proceso tiene más que ver con plasmar ideas, elegir colores, texturas, atmósferas, encontrar las intenciones en la luz y en la sombras, conseguir reflejar sentimientos y emociones, definir lo físico y lo espiritual y darle al coco para que el público reciba lo que ocurre en el escenario, para convertir lo imaginable en tangible, lo invisible en visible, las ideas en realidad poética...”, termina.

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ESPECIAL Mónica Boromello Además de ser la escenógrafa y la diseñadora del Vestuario de “Traición”, nuestra portada de este mes y de “Contarlo para no olvidar” (este mes en el T. Español), Mónica ha sido la creadora de muchas escenografías: “Recuerdo, sobretodo, los proyectos donde el trabajo de equipo ha sido divertido, creativo, surrealista, arriesgado. Donde nos hemos reído y hemos llorado mucho. Y eso se refleja en el escenario, estoy segura. Como El señor Ye ama a los dragones, Doña Rosita Anotada, Cartas de Amor, Blackbird, La Ruleta Rusa, El minuto del payaso, El Laberinto mágico, Todas las noches de un día, La cantante calva y muchas otras”. Mónica estudió Arquitectura pero fue a ver una obra de teatro que la emocionó y pensó que “eso era lo que le hubiera gustado que todo el mundo experimentase una vez en la vida y que se quería dedicar a eso”, por lo que decidó redireccionar su formación hacia las artes escénicas. Sobre el proceso de trabajo que sigue, comenta que: “Siempre busco imágenes de referencia, que me trasladen más a una atmosfera que a un lugar. Y mi proceso siempre es un ensayo/error donde vas metiéndolo todo al principio, para luego pulir e intentar llegar a la esencia del espacio. La historia cambia, y el momento histórico en que se cuenta también. La relación que tenemos como espectadores con la imagen actual no tiene nada que ver con la que teníamos hace 20 años. Es todo más rápido, más saturado, más dístópico. Y como creadores nos ocurre lo mismo”.

Y añade, “Menos es más sigue siendo muy importante para mí en una instalación artística o en un hecho plástico. A veces, el minimalismo es sinónimo de producción con pocos recursos económicos. Es más complicado hacer un espacio minimalista significante que un espacio recargado, donde la cantidad disimula la calidad”. Sobre lo que les comentaría a todos los que se quieran dedicar a esta profesión, nos dice, “no es un oficio fácil ya que se aprende haciéndolo. Creo que es importante que se intente luchar por los sueños y por lo que te hace feliz, tocar muchas puertas, probar y no tener miedo. Es una carrera de fondo pero merece la pena. Y me gustaría destacar lo bonito y enriquecedor que es el trabajo con los talleres de construcción de escenografía o de atrezzo y con los equipos técnicos. Es un momento de creación, de frustración y de exaltación en el que más de aprende.” www.monicaboromello.com Todas las noches de un día

“La relación que tenemos con la imagen actual no tiene nada que ver con la de hace 20 años. Es todo más

Blackbird

rápido, más saturado, más distópico. Es más complicado hacer un espacio minimalista significante que un espacio recargado...” 41

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ESPECIAL

deborah macías El diseño de Vestuario de la reciente obra “Nise, la tragedia de Inés de Castro”, de Nao d´amores (representada hace unos meses en el Teatro de la Abadía), es una creación suya. Y también el precioso vestuario de “Comedia Aquilana”, de la misma compañía, que consiguió el último premio Max (2019) al mejor Vestuario y que se representó en el T. de la Comedia el año pasado. “Llevo más de 15 años trabajando sin parar con Nao d´amores. Cada proyecto es una parte de mí por el nivel de implicación que conlleva la forma de trabajar de la compañía. Creo que algunos de mis trabajos más importantes han sido “Auto de los Reyes Magos”, porque lo disfruté mucho, “Nise, la tragedia de Inés de Castro”, que sentí como un punto de madurez en mi trabajo con la compañía, y “Comedia Aquilana”, porque los reconocimientos siempre te dan ánimos y te ayudan a seguir adelante, pero, sobre todo, porque es maravilloso ver cómo lo disfrutan los demás por tí”. Deborah es Licenciada en Escenografía por la RESAD y técnico superior en Artes Plásticas e Ilustración. Durante diez años ha trabajado en el Departamento Técnico del Teatro de La Abadía que dirigía José Luis Gómez y en la oficina técnica del Teatro de la Zarzuela. 42

“Siempre estuve vinculada al mundo de la Plástica por la rama de las Artes Gráficas, pero tuve una profesora que intuyó mis ganas de “materializar” de otra manera mis capacidades plásticas y me animó a acercarme al mundo de las artes escénicas. Y viendo “El sueño de una noche de verano” de Helena Pimenta, me emocioné y lo disfruté tanto que reafirmé mis ganas de dedicarme a esta profesión. Con el tiempo he aprendido que lo más importante es, además de tener pasión e imaginación, tener muchas ganas”, nos dice Deborah. Respecto al inferior número de mujeres que de hombres en su sector, pese a que hay muchas más Licenciadas en estas especialidades de las Artes Escénicas, Deborah comenta que “también me pregunto yo, pero con “tono de sospecha”: ¿Hay pocas mujeres en la Plástica Escénica o es que no están lo suficientemente visibilizadas? La educación es la base de todo, desde el respeto a cualquier niña o mujer joven que tiene que poder tomar sus decisiones sin que la cuestión de género sea un impedimento o una obligación. Espero que algún día no tengamos que estar visibilizando a las mujeres que trabajan en algo, si no a profesionales en su conjunto sin importar tanto el género. Aún queda camino que recorrer...” “También me pregunto yo, pero con “tono de sospecha”, ¿hay pocas mujeres en la Plástica Escénica o es que no están lo suficientemente visibilizadas?”... Aún queda camino que recorrer...” Comedia Aquilana

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Carmen de Giles Suyo es el vestuario de “Rey Lear” de Atalaya que se puede ver en el T. Fernán Gómez. Con esta compañía trabaja desde 1986 (en obras tan alabadas como “Marat Sade”, “Madre Coraje” o “La Celestina”) y ha realizado más de 150 trabajos de figurinismo en diferentes espectáculos y distintas disciplinas. Su proceso de trabajo para realizar el vestuario de un montaje teatral consiste en: “Me hago una primera idea tras la lectura y estudio del guión del texto, comprendiendo las necesidades y la intención del mismo. Acto seguido estudio los montajes que se hayan hecho con anterioridad para alejarme de ellos. Me parece muy importante la reunión posterior con el Director, que es quien ha soñado el espectáculo y, aunque no tenga a veces una idea clara de lo que quiere, siempre sabe lo que NO quiere. Cada proceso de diseño de vestuario es único pero en mi caso normalmente, a no ser que haya una exigencia de hiperrealismo por parte del Director, creo algo atemporal, intentando captar la atmósfera de la época en la que me estoy basando y en la que se desarrolla la obra en cuestión.” Carmen ha trabajado de manera asidua con directores como Salvador Távora, Alfonso Zurro y coreógrafos como Rubén Olmo, entre otros. Y ha obtenido ocho premios al mejor vestuario en diferentes obras, así como numerosas nominaciones. “Sobretodo considero que éste es un trabajo de investigación y progreso a lo largo del tiempo. La investigación y la creatividad que se desarrollan en el día a día son muy gratificantes. Es fundamental la seriedad en las entregas y la profesionalidad confeccionando el vestuario para que duren lo máximo posible, circunstancia que me hizo en su día abrir mi propio taller para asegurarlo”.

“Éste es un trabajo de investigación y de progreso a lo largo del tiempo. Es fundamental la seriedad en las entregas y la profesionalidad confeccionando un vestuario que dure lo máximo posible”

pseudónimo masculino gana falsa credibilidad una historia. La gente tiene aún muchos prejuicios ligados al género”. Y añade, “hay un gran desconocimiento del trabajo que hay detrás. Echo en falta una distribuidora que nos venda, una empresa que nos ponga en contacto con los directores y organismos...” www.carmendegiles.com Rey Lear

Marat Sade

Respecto al por qué sigue habiendo todavía muy pocas mujeres que firmen los trabajos de las distintas facetas de la Plástica Escénica, Carmen comenta que: “desgraciadamente seguimos viviendo en un mundo en el que con un simple 43

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ESPECIAL Carmen 17 Este estudio de diseño y realización de Vestuario lo forman Sofía Nieto y Arancha Rodrigálvarez. Lo crearon en 2013 y ha realizado el vestuario de obras como “Las Cosas que sé que son verdad” (de gira) o el de “Elena Fortún” (en cartelera del CDN y dirigida por María Folguera), óperas como “El Barbero de Sevilla” o “La Bohème”, teatralizaciones como la de Museo de Ciencias “Carlos III. El Gabinete”, entre otros.

verdad” o con las actrices de “Elena Fortún”, obra ambientada en los años 30 y 40 del siglo XX. “Tras la lectura del texto se hace un desglose de personajes, un análisis de su “Es maravilloso cuando un actor o actriz psicología, del entorno en el que se desarrolla te dice que el Vestuario le ha ayudado a la historia, las necesidades que tendrá por texto, se hace una búsqueda de referencias y meterse más en el personaje” luego hay una charla con el director y resto del “Es difícil quedarse con un trabajo. Yo equipo artístico y plástico donde se aclaran más los puntos y las tiendo a sublimar siempre el último necesidades. Así se va que hemos hecho”, nos dice Arancha. Las bocetando la indumentaria de A lo que añade Sofía, “Yo recuerdo cosas que sé que los personajes. Hay que tener con mucho cariño todos los diseños son verdad constancia, saber observar e de vestuario. Creas familias implicarse en todas las fases del temporales y convives de una manera desarrollo del trabajo.”, muy intensa con cada uno”. comentan las diseñadoras. El Vestuario tiene la principal misión Además, esta profesión es de situar la obra en un tiempo y un muchas veces muy gratificante lugar, ayuda al actor o actriz a relatar la por, como nos dice Arancha, “es historia, por lo que debe tener una serie maravilloso cuando un actor o de características. Antes de iniciarse una actriz te dice que el vestuario le función, han sido necesarias muchas ha ayudado a meterse más en el pruebas con los actores, como con Verónica Forqué en “Las cosas que sé que son personaje”. A lo que añade Sofía, “lo mejor son todas las historias, emociones y personalidades diversas que conoces a través Elena Fortún de los personajes de los que realizas el vestuario. Y, también, el descubrir nuevas facetas en tí misma...”www.carmen17.com “Lo mejor son todas las historias, emociones y personalidades diversas que conoces a través de los personajes de los 44

que realizas el vestuario”

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Anna Tusell Estudió Escenografía en la RESAD y Arquitectura de Interiores en el Istituto Europeo di Design de Madrid. Empezó su trayectoria profesional como ayudante de Carl Fillion, fue la escenógrafa habitual de la compañía ExMachina, dirigida por Robert Lepage. Ha trabajado en más de medio centenar de producciones como “Incendios”, “Arte”, “The Gagfather” (Yllana), “Señor Ruiseñor” (de Els Joglars) o los que están en la cartelera madrileña actual como “El Método Grönholm” o “Burundanga”, entre otros muchos. “Con cada escenografía vivo un proceso diferente y siempre dejo una parte de mí en ellas. Supongo que guardo mejor recuerdo de las que han supuesto un mayor desafío. Siempre se crean vínculos especiales en el trabajo en equipo y si todo fluye y funciona, es un enorme placer. Lo más gratificante es ver tu idea hecha realidad. Que algo tan etéreo como una idea tome forma. El día que se monta la escenografía por primera vez, se juntan todos los elementos y compruebas que funciona, ¡es un placer inigualable!”. Anna tiene muy claro también cuál es el proceso de trabajo que tiene que llevar a cabo previamente a obtener el resultado final: “Después de la segunda lectura del texto con el/la Director/a suelo hacer un pliego con imágenes de un previo proceso de investigación y con los primeros bocetos a lápiz, que utilizo para reunirme una segunda vez con dirección y ver si vamos por el mismo camino, y si es así, empiezo a dibujar. Hago planos, los levanto en 3D y, cuando tengo el espacio levantado en crudo, lo trabajo a modo de collage en Boceto de escenografía de El Método Grönholm

Photoshop. Pruebo materiales, luces, hasta que poco a poco voy dando con el acabado y el diseño final. Todo esto teniendo en cuenta, claro, el presupuesto marcado desde producción y los condicionantes técnicos. Una vez tienes el diseño terminado y aprobado, empezamos con la construcción, proceso que disfruto mucho, puesto que, siguiéndolo de cerca, el diseño crece y mejora... Mientras se construye, asisto a ensayos y busco o construyo el mobiliario y utilería necesarios para el espectáculo...” Señor Ruiseñor

Respecto a las carencias de la profesión, Tusell comenta que “nos faltan muchos derechos por conseguir. Algunos, fundamentales, como que se nos reconozca como creadores y tengamos derechos de autor por nuestras obras; o los que tienen que ver con la situación de la mujer en la sociedad, ofreciendo bajas de maternidad más largas con mejores ayudas, económicas o la situación de los autónomos. O, simplemente, que se valore más nuestro trabajo y esté remunerado como se merece.” www.annatusell.es “Nos faltan muchos derechos por conseguir. Algunos, fundamentales, como que se nos reconozca como creadores y tengamos derechos de autor por nuestras obras, o los que tienen que ver con la situación de la mujer en la sociedad...”

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en cartelera El enfermo imaginario

Naufragios deÁlvar Núñez MAGÜI MIRA ha versionado y dirigido esta magnífica obra de José Sanchís Sinisterra. Un viaje poético, muy metafórico, fascinante, con el que se cuenta la Historia de la Conquista y de los “descubrimientos” dándole voz a los que sufrieron. La llevan a escena Jesús Noguero, Pepón Nieto, Clara Sanchís, Karina Garantivá, Jorge Basanta, David Lorente y Rulo Pardo, entre otros. “Lo más importante es que en este texto hay un gran realismo mágico que a todos nos fascina e inquieta. Es una obra llena de anacronismos, de saltos en el tiempo e invitamos al espectador a ser el protagonista de esta realidad que “no existe”. Nos habla de la gran metáfora del gran fracaso humano que supuso la Conquista de América. Les decimos que “si nos hubiéramos quedado en descubrir y no en conquistar”, nos habría ido mucho mejor. No se abrazaron las dos civilizaciones (la europea y la indígena). Habla del daño que hace el género masculino con esa obsesión por las guerras, con su ambición y su codicia y que, desgraciadamente, sigue ocurriendo. Por eso esta obra es tan actual…”, nos ha dicho Magüi. T. Mª Guerrero. www.cdn.mcu.es 46

“Sin dejar de profundizar en el corazón del canon del siglo XVII, he buscado la interpretación dramática y artística más rigurosa a partir de elementos e ideas de nuestro siglo XXI, poniendo en marcha la maquinaria del tiempo que nos enlaza con Molière a través de cuatro siglos. En El enfermo imaginario Molière descubrió una faceta del ser humano que no se limita a su tiempo, sino que ha ido aumentando hasta llegarnos convertida en una pandemia universal: la de quienes, para remediar frustraciones y fracasos personales, sufren o creen sufrir enfermedades que no son otra cosa que fruto del descontento ante unos deseos y proyectos de vida insatisfechos; de ahí las contrariedades ante los menores hechos que provocan una desazón constante e inquietante; de ahí también la depresión que afecta a miles de personas ante cualquier suceso adverso; y de ahí que se busque como solución mágica la cura de sus desilusiones en la medicina y el remedio en las pastillas...” , comenta J.Mª. Flotats, autor y director de esta versión de la famosa obra de Molière. Con Josep Maria Flotats, Joaquín Notario, Anabel Alonso, Lola Baldrich, Belén Landaluce, Alejandro Sigüenza, Rubén de Eguía, Eleazar Ortiz, Francisco Dávila, Bruno Ciordia y Arturo Martínez Vázquez. T. de la Comedia. www. teatroclasico.mcu.es

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en cartelera Tus muertos (que son los míos)

Delicuescente Eva Natalia Huarte, Javier Lara y María Morales han sido dirigidos por Carlota Gaviño (en la foto) en esta obra que habla de las eternas contradicciones que aparecen cuando se habla de educación o de familia, de la frágil y peligrosa dependencia entre miedo y amor, de las complejas relaciones entre hombres y mujeres. En escena un bosque. La naturaleza se abre paso. Una oscura cuesta abajo y un coche que una mujer conduce a toda velocidad. En el horizonte de una curva aparece una luz y conforme se acerca el coche se adivina un hombre que, en mitad de la carretera, arde con los brazos abiertos. La cuesta se impone y se produce el accidente. El coche y la vida dan vueltas de campana. Ahí, en mitad del accidente, en ese espacio medular, interior, quizá baldío e informe, casi olvidado, donde gritan fino y pequeño las voces sin cuerpo, donde abren la boca para beber los sentidos, ahí: hubo alguna vez algo, algo bello, algo escondido en la espesura. Ahí, dos hermanos, intoxicados por la violencia de su educación descubrirán la evidente inutilidad de trazar un camino de vuelta a casa. No hay miguitas, no hay pajaritos. Fin del cuento... T. Abadía. www.teatroabadia.com 48

Según su director, Hugo Pérez de la Pica, “Hay en nuestro país tradición y forja para el saber bien pisar la escena colosos y titánicas, gigantes de nuestros versos. Pero hay unas señoras (y señores) que han jugado en otra liga; han sido sacerdotisas (sí, ellos también cumpliendo el papel de sacerdotisas) del rito teatrero, ángeles custodios del acervo y la modernidad. Creadoras que no engendran nunca violencia...”

Amiga

“Quisiera redimir el derecho a la subjetividad, romper estereotipos llamados homosexualidad y crear un himno a la sensibilidad, la estética y el amor. Marina Tsvetáyeva y Sofía Parnok han abierto un camino ante el eterno problema social de ocultar la libertad sensorial entre personas del mismo sexo, una posibilidad de encuentro desde la sensibilidad rompiendo las fronteras entre lo físico y lo espiritual, entendiendo que en el ser humano la relación sexual no es un acto intrascendente sino un camino hacia el amor”. Con estas frases presenta Irina Kouberskaya, su directora, esta pieza teatral de la Compañía Tribueñe en su Teatro. T. Tribueñe. www.teatrotribuene.com

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Una novelita lumpen “Ahora soy una madre y estoy casada, pero no hace mucho fui una delincuente. Mi hermano y yo nos habíamos quedado huérfanos. Eso de alguna manera lo justificaba todo. No teníamos

El crimen del Lara El primer texto teatral de Lola Guerrero, dirigido por Manuel M. Velasco, involucra a tres personajes en un asesinato y con una función de

Más vale solo que ciento volando Edu Soto protagoniza este monólogo sobre 50

a nadie. Y todo había sucedido de la noche a la mañana”. Así comienza la novela que vamos a llevar a escena. De manera directa, sencilla y brutal, Roberto Bolaño nos atrapa en una atmósfera de ensoñación repleta de imágenes en la que la adolescente Bianca se adentrará en el universo adulto descubriendo las peores y más intrigantes facetas de la sexualidad y la delincuencia...Trata de la infelicidad y de las recompensas falsas dentro de la infelicidad, de la valentía para cambiar de rumbo para crear un futuro inexistente...”, comenta Rakel Camacho, su adaptadora y directora. Con Rebeca Matellán, Jorge Kent, Diego Garrido y Trigo Gómez. Pavón Teatro Kamikaze. www.teatrokamikaze.com fondo basada en el personaje de Sherlock Holmes que debe salir adelante, cueste lo que cueste…Con Patricia García Méndez, Manuel Tafallé y Antonio Meléndez Peso. En el escenario el director y el actor protagonista de una pequeña obra basada en el personaje de Sherlock Holmes que esperan impacientes junto al director técnico la llegada de la actriz coprotagonista. Cuando por fin ésta aparece trae consigo una maleta en la que confiesa llevar a su marido asesinado. Deciden seguir adelante con los ensayos y la representación. Pero nada es lo que parece y los tres se ven envueltos en una pequeña lucha de poder, intrigas maquiavélicas, giros de trama inesperados. T. Lara. www.teatrolara.com el que comenta: “¿Yo solo encima de un escenario? Pues mira, ¡ya que me han dejado solo voy a hacer lo que me dé la gana! Voy a bailar una coreografía de danza contemporánea, me voy a convertir en un bicho de los documentales de Félix Rodríguez de la Fuente, voy a hipnotizar, voy a cantar con una base musical hecha con sonidos e igual me lo monto para que me den un premio (siempre he soñado con dedicar un premio a mi familia y a todas las personas que me quieren y me apoyan)...Esto que te presento es una locura improvisada ¿la vivimos juntos?”. T. La Latina. www.teatrolalatina.es

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en cartelera Hoy puede ser mi gran noche

Sé infiel y no mires con quién

La comedia de enredo con toques de vodevil, escrita por John Chapman y Ray Cooney, se presenta bajo la adaptación y dirección de Josema Yuste (que también es uno de los protagonistas). Una obra con mucho humor que nos habla de las infidelidades de todo tipo. Luis es propietario de una editorial de libros para niños en horas bajas y su amigo Álvaro le pide su apartamento para llevar a su última conquista. Al mismo tiempo, Rocío, la mujer de Álvaro, ha pedido el apartamento a Bea, la mujer de Luis, para tener una aventura. Tres encuentros sexuales van a tener lugar en esa casa a la misma hora... ¿Será imposible?. Según ha comentado Josema Yuste, “es una versión más moderna y actual, con personajes que se parecen más a los de hoy en día, pero se mantiene el espíritu y el argumento del original. Tiene un humor loco, casi de teatro del absurdo”.

Una historia emocionante y un relato desgarrador con el que Teatro En Vilo vuelve a desplegar toda la elocuencia de su poética teatral, su irreverencia, su ternura y el humor para acercarnos a la batalla de una mujer que se pelea entre lo extraordinario y lo ordinario, la hazaña y la derrota, el deber ser y la felicidad verdadera. Escrita por Noemi Rodríguez y dirigida por Andrea Jiménez, ambas directoras y dramaturgas de la compañía Teatro En Vilo. Según la compañía, “Hoy puede ser mi gran noche es una fiesta teatral, una pieza cómica y musical, un ejercicio de autoficción que cuenta la fascinante historia de un cantante de orquesta en la Galicia de los 90 y su hija, cuya máxima aspiración es ser como su padre. En este espectáculo una actriz y una músico se despliegan en múltiples voces para hacer un emocionante viaje al pasado, a un mundo cargado de exotismo, con el fin de entender esa extraña amalgama que resulta de lo que un día quisimos ser y lo que somos...” T. Fernán Gómez. Sala Jardiel Poncela. www.teatrofernangomez.es

Teté Delgado, Santiago Urrialde, Maribel Lara, Esther del Prado, Vicente Renovell, Kiko Ortega, Celine Tyll y Claudia Azcona completan el elenco. T. Amaya. www.teatroamaya.com 51

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La plaza

El tiempo todo locura ¿Quién no ha fantaseado alguna vez con ser Marty McFly y poder viajar en el tiempo? ¿Qué ocurriría si un día compráramos unas pastillas en el herbolario y al tomarlas viajáramos al pasado para poder cambiarlo? Así empieza la historia de tres hermanos (Silvia de Pé, Ángel Ruiz y Camila Viyuela) en busca de un presente mejor que el que les ha tocado vivir… Pero, ¿qué ocurre cuando se altera el continuo espacio tiempo?, ¿La vida sigue siendo lo que creemos conocer? Según la compañía, “Y si cambiamos las decisiones que tomamos, ¿seguimos siendo las mismas personas? Y los demás, ¿quiénes son los demás ahora?. El tiempo todo locura es el resultado de intentar generar un humor posible y versátil para cualquier género, es decir, que la pieza pueda ser interpretada por mujeres, por hombres, por personas transgénero, por un reparto mixto de todos los géneros… El tiempo todo locura es una comedia unisex, mixta e intercambiable”. Dramaturgia y dirección de Félix Estaire. T. Galileo. www.galileoteatro.es 52

Pablo Gisbert y Tanya Beyeler, que forman la compañía El Conde de Torrefiel, convierten el escenario en una plaza habitada por seres sin rostro. En los tiempos del selfie, El Conde, como dice Roberto Fratini, se dedica a ofrecer la sonrisa alelada de una humanidad que está sacándose el último de sus autorretratos. A punto de cumplir los diez años de trayectoria, La plaza es el sexto trabajo de esta compañía con sede en Barcelona, que cada vez conquista más espacios a nivel internacional. De esa expansión nace también esta última obra, que toma el espacio público como paradigma reducido del mundo contemporáneo.

Nocturno Es un solo de flamenco de la bailalrina Leonor Leal con acompañamiento en directo del guitarrista Alfredo Lagos y el tremendamente creativo e ingenioso percusionista Antonio Moreno, que saca sonidos a cualquier objeto, desde una botella a una antigua tabla de lavar. T. del Canal. www.teatroscanal.com

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Teatro Circo Musicales Danza Festivales Música

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FAMILIARES

EL PRINCIPITO Esta obra habla de un viaje, de la amistad, de la necesidad que tenemos de los otros, y de todo lo bueno que tiene ser diferente. Pero sobre todo, El Principito habla de la infancia como un valor que jamás deberíamos perder, de la libertad del ser humano para elegir su propio camino, aún equivocándose, y de la inocencia. En un lenguaje que los niños pueden entender, nos queremos dirigir a ellos y a todos los que tienen aún vivo al niño que llevan dentro, para decirles que la vida es un viaje del que hay que disfrutar, y en el que seguro encontramos compañeros que van a acompañarnos y a hacérnoslo más fácil. Con Silvia Herráiz y Juan Carlos Muñoz. T. Galileo. www.galileoteatro.es

LA NUBE BLANCA Cuando la abuela se da cuenta que padece una enfermedad, propia de la vejez, le propone a su nieto hacer planes para “atacar” a esa Nube Blanca que amenaza con llevarse su memoria. Nieto y abuela pondrán en marcha distintas acciones, unas absurdas y divertidas y otras reales y prácticas, con el trasfondo del cariño y la admiración que sienten mutuamente. Mientras tanto, los padres estresados por el trabajo, la culpa, el no querer ver lo que está ocurriendo; la hija adolescente que sólo mira su móvil; los amigos del parque que se burlan de los despistes de la abuela; el cuidador al que hay que cuidar; un ladrón sin escrúpulos y un sinfín de historias...T. Infanta Isabel.www.teatroinfantaisabel.es

ALADINO Y LA LÁMPARA (el musical) Compañía “La Bicicleta” de la Sanpol. Dirección de Ana María Boudeguer. Una nueva versión musical de uno de los mas hermosos cuentos de “Las mil y una noches” ambientada en un Oriente Mágico y sugerente, que posee la fuerza, la vitalidad y el atractivo de una historia ejemplar. En escena el inquieto e idealista Aladino, la hermosa princesa Badulbudur, el intrigante mago africano, el rey juguetón, la valerosa madre, el descomunal mago burlón, el magnífico Genio del anillo junto con las alfombras voladoras, castillos que aparecen y desaparecen... T. San Pol. www.teatrosanpol.com 54

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FAMILIARES

TEATRALIA En su XXIV Edición se representarán 30 espectáculos. 16 son de compañías de 7 Comunidades Autónomas y 14 extranjeros, de 11 países. El Festival está dirigido por Lola Lara y se representará en 36 municipios de Madrid y su Comunidad (en T. del Canal, T. de la Abadía, Sala Cuarta Pared, T. Pradillo, Centro Cultural Paco Rabal, La Casa Encendida y el Círculo de Bellas Artes, entre otras salas). Entre otros montajes podrá verse Acróbata y Arlequín, de La Maquiné, Celui qui tombe (El que cae) de Yoann Bourgeois, Conservando memoria de El Patio Teatro, Le Mobile de La marche du crabe, Lulla de Dybwikdans, Nudos, de DA.TE Danza, YOLO (You Only Live Once) de Cía. Lucas Escobedo, El lago de los cisnes 3D de Larumbe Danza, Rossini en la cocina de La Tartana Teatro, La Course (La carrera) de Une Tribu Collectif, Lulla de Dybwikdans, Baobab. Un árbol, una seta y una ardilla de La Pera Llimonera, Solo for to (Solo para dos) de Teatergruppen Batida, It’s Dark Outside (Afuera está oscuro), de The Last Great Hunt, Laika de Xirriquiteula Teatre o Pescador de Silencio Blanco. También habrá un taller de clown en familia con La Pera Llimonera, una exposición titulada “Dibujando Teatralia”, de Aitor Saraiba y sesiones adaptadas para personas con discapacidades. Del 6 al 29 de marzo. www.madrid.org/teatralia

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FAMILIARES

TITERESCENA: Hai, la pescadora de sueños Un espectáculo que fusiona la magia con el teatro visual y de objetos. Una obra para todos los públicos, sin texto pero con una buena selección musical, con canciones originales del músico Mario Cortizo. Hai invita al público a sumergirse en este viaje onírico como un coro, a veces en forma de gestos y otras en forma de canto. Acompañando a la protagonista en su aventura por la libertad, en un acto psicomágico donde, finalmente, nos liberamos todos. Toda la escenografía está creada a partir de materiales reciclados, y está elaborada por la artista Joana Rhein, su protagonista. T. Valle Inclán. www.cdn.mcu.es

CUENTOS IRREPETIBLES Con la ayuda de los niños/as del público los actores de Impro Impar crean cada día un cuento único. Un escritor se prepara para su próximo cuento con una pluma, tinta, un pergamino. Vienen volando los personajes, los lugares, las historias del mundo de la imaginación. Se abre el telón y cualquier cosa puede suceder… La historia que más le guste al público, protagonizada por un príncip, un lobo, una princesa gruñona o un duendecillo del bosque. Este cuento lo inventan con el público para fomentar la creatividad y la imaginación de los niños/as. T. Luchana.www.luchanakids.es

EL BARBERO DE SEVILLA En esta producción con música y voces en directo, los personajes principales son marionetas a las que habrá que dar cuerda para que la historia avance. Además, este libreto adaptado tiene dos finales y será el público el que elija cuál de ellos se escenifique. Fomenta la participación de los más jóvenes buscando que la experiencia sea lo más satisfactoria posible. La Compañía Ópera Divertimento es la creadora de esta función en la que el Conde de Almaviva y Rosina están enamorados pero Don Bartolo, tutor de Rosina quiere casarse con ella. El Conde intentará evitarlo con la ayuda de sus amigos Fiorello y Berta y de Fígaro, barbero de Don Bartolo... T. Bellas Artes.www.teatrobellasartes.es 58

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