Celebrating 10 years

GALERIE D’AVIGNON ART CONTEMPORAIN CONTEMPORARY FINE ART

10ième Anniversaire du 10 au 29 avril 2008 r é c e p t i o n s a m e d i l e 1 2 d e 1 4 h à 1 7 h

a v r i l

Celebrating 10 years April 10 to 29th 2008 r e c e p t i o n

S a t u r d a y

A p r i l

1 2

-

2 - 5 p m

Sue Adams Les oeuvres de Sue adressent principalement la forme humaine mais elles démontrent aussi une préoccupation pour les anciennes philosophies sur l'esthétiques du Classicisme et des Humanistes.

La passion, la beauté, la fragilitée et la mort sont les thèmes les plus présents et importants dans ses sculptures. Sue examine la relation et non pas les différences entres certaines forces contraires. L'esprit et le corps sont représenté comme étant des forces dynamiques lorsqu'ils sont unis.

Sue works primarily with the human form, drawing from the historical and aesthetic attitudes of Classicism and Humanism. Driven by the quest to understand the dynamics of being with special emphasis on the balance between the mind and body, Sue’s art is a response to life based on the centralities of human experience. Renewal, decay, beauty, frailty, passion and reason — these are ever present themes in her work. Undeterred by humanity’s inherent contradictions, she gives voice to the silent dialogue between the fair and the foul, the past, present and future.

Sacred and profane, 26 x 78 x 18 inches, sculpted hydrocal

David has always relied on first-hand experience as a source of inspiration for his landscape paintings. His wilderness hikes have taken him into remote areas of the Rockies, along the rugged shores of Greenland and Baffin Island to the deserts of New Mexico, and finally to Iceland where his work was exhibited at the Hafnarborg Institute of Fine Arts.

David Alexander

David est inspiré par son vécu. Il peint ce qu'il voit, touche et ressent. Voyageant seul, il visite des lieux inédits afin de capturer des images et des idées qui vont inspirées ses toiles plus tard, dès son retour en studio. Les paysages décrits dans ses œuvres témoignent ses aventures aux régions arctiques des Rocheuses, aux rivages du Greenland, aux îles de Baffin et en Islande où ses œuvres ont été exhibés à l’Institute Hafnarborg des Beaux Arts.

Water reflection 2007, 57 x 66 inches, acrylic on canvas

Catherine Young Bates RCA Ses paysages combinent les traditions artistiques Canadiennes face à la représention de paysages ainsi que la vision d'une artiste contemporaine unique. Son amour de la poésie et ses habiletées techniques en peinture sont toujours misent en évidence dans ses toiles vibrantes. Un des thémes perpétuels que l'on retrouve dans son travail est le mythe du vol et de la chute d'Icare. C'est une histoire qui peut être interprétée de différentes façons et ceci plaît beaucoup à l'artiste. Les interprétations, qui gardent le mythe vivant et lui donne une profondeur accrue, font de l'histoire d'Icare quelque chose d'intense, de personnel et de contemporain.

Exploring the legacy of Canadian landscape painting, Catherine's richly textured evocations of the Eastern Townships and Georgian Bay are executed with her own poetic sensibility and technical assuredness.

An ongoing theme in her paintings is the ancient Greek myth of Icarus and his determined, though eventually perilous, flight towards the horizon.

Shore II, downriver, 30 x 32 inches, oil on canvas

Ann-Marie Brown

Anne-Marie applique la peinture en couches afin de créer de la texture et l'effet du mouvement. Unes par unes, les couches s'accumulent et la figure devient de plus en plus difficile à distinguer et parfois fracturée. Une fois complété, le tableau s’ouvre au regard et nous expose a des moments simples mais révélatoires. Selon Anne-Marie, pour qu’une pièce soit bien réalisée, elle doit parfaitement capturer un moment précis.

Ann-Maries method involves the use of encaustic and oil on canvas. By using overlapping layers to impart a sense of motion and texture, the built up layers in her paintings obscure and fragment the figures underneath. The resulting effect is revelatory as the whole of the painting highlights a single glance or a gesture.

According to Anne-Marie, a piece is complete when it fully articulates a single moment in time.

Flying Falling I, 48 x 48 inches, oil & encaustic on canvas

Chris Carbone Le visionnement d’œuvre de Chris Carbone est une expérience en soi. Nous sommes non seulement encouragés de nous approcher de la toile, mais aussi séduis par ces profondeurs atmosphériques. Certaines formes se prononcent et nous semblent même familières, mais, en peu de temps, notre imagination prend contrôle et ces formes se mélangent aux désirs de notre subconscient. Carbone combine parfaitement ses habiletés techniques avec son intuition, que ce soit envers son application de la peinture ou ses choix de couleurs. Dans une société comme la nôtre, si préoccupée par la productivité et la rapidité, ses œuvres sont des oasis de tranquillité. Elles offrent une évasion: l’occasion de plonger dans une atmosphère où la sérénité règne. Parfois paisible, parfois dramatique, les œuvres de Chris Carbone ont une résonnance poétique qui est à la fois rare et inoubliable.

Viewing a Chris Carbone painting is an experience. Not only are we, the viewers, encouraged to approach the painted surface but we are lured into its atmospheric depths. Although we may recognize certain forms at first, it does not take long before our mind delves into the imaginary. Carbone’s masterful application of paint is immaculately combined with his intuitive approach to color. They offer an escape, an opportunity to immerse oneself in an atmosphere where the senses guide us.

Sometimes serene, sometimes dramatic, Chris Carbone’s work has a poetic resonance that makes it both rare and unforgettable.

Crimson adagio, 48 x 48 inches, oil on canvas

Un sculpteur accompli qui travaille exclusivement en bronze, la tête est le motif principal de ses œuvres.

Universelles mais personnelles, ses têtes échappent les stygmes attachés a l’ethnicité, a la religion et aux sexes.

Pour Dunning, la tête est un objet de contemplation — un mirroir qui refléte les souvenirs, pensées et émotions cachées dans nos subconscients.

Dale Dunning

Specializing in sculpture, Dunning works exclusively in bronze. The head is the central visual theme in his work: “My representation of the head is non-specific as to gender, time, colour or creed. As an object of contemplation it functions as a mirror of the viewers’ experience, reflecting and evoking conscious and subconscious memories, thoughts and feelings.”

Evergreen, Bronze, ed. 1/1 Life-size

Renée duRocher

« Le temps m'a toujours interpellée, et avec le temps, justement, avec le recul, je constate que, dans mon parcours pictural, ma manière de temps. Maintenant, ce qui m'intéresse, c'est la durée, la notion de transmission, celle du savoir, certes, mais aussi celle des objets, des cultures. » "The concept of time has always been of great interest to me, and appropriately, with time I have realized that my pictorial journey or the way in which I treat my subject has changed. When I was younger and attending university, I painted what I perceived as a lack of time.

Now what interests me is duration, the notion of transmission, the generational transfer of knowledge through objects and cultures."

Vie Urbaine I, 60 x 48 pouces, technique mixte sur toile

Ron Eady « Mes recherches sont axées sur l’exploration des formes humaines, naturelles ou synthétiques.À travers ces éléments, j’exprime mes pensées et sentiments et représente les complexités de l’esprit.« Je travaille la surface en la brûlant, la raclant, ce qui permet à l’œuvre d’évoluer et de me diriger vers de nouveaux horizons jusqu’à ce qu’elle soit achevée».

“In my work, I like to explore formations or forms, whether man made, natural, or human.

Through these elements, I like to express my thoughts or feelings, and represent the complexities of the mind. I work the surface through a repeated process of painting, burning and scraping, allowing the work to evolve, and lead me into new directions, until it feels complete”.

Balanced, 60 x 40 inches, oil & encaustic on canvas & board

The true work of

art is not only looked at, it really looks

back. It not only changes depending on also has the capacity to

who looks at it, but it

change the one who looks at it.

right or wrong; it is a mirror, it reflects. It is the relation of man to man and of man to his environment.

It must take from the one who looks some of his life with There is no

which to increase its own. It is It is lover and beloved. So,

magical and it is taboo.

once born, it walks by itself,

it has its own life, its own F r i t z

B r a n d t n e r

destiny.

1 8 9 6

-

1 9 6 9

d’art ne se contente pas d’être regardée; elle envoie au spectateur son regard. Non seulement L’œuvre

change-t-elle suivant ce regard, mais elle a le changer le regardeur. L’œuvre n’a pas à être

pouvoir de

moral : c’est

un miroir qui reflète les relations entre les humains ou entre humains et environnement. À la fois

magie

et

tabou,

amante et animée, l’oeuvre d’art emprunte une partie de sa vie au spectateur et

échappe à son créateur. Une fois née,

elle s’engage seule dans son propre

F r i t z

B r a n d t n e r

1 8 9 6

destin.

-

1 9 6 9

Aaron Fink

Les oeuvres séduisantes de Fink, représentants des objets présents dans nos vies quotidiennes, nous apportent subtilement à revisiter ce dont nous voyons a tous les jours mais oublions d'observer. Étant plus que de simples représentions de, par exemple, roses ou de fraises, ses sujets se transforment en intermédiaires entre le spectateur et un monde riche en formes, couleurs et textures; familières mais soudainement un peu étrangères.

Aaron’s iconic images of everyday objects challenge us to evaluate what we see and what we think we see. To call them simply paintings would be an understatement. He uses common objects as subject matter and, along with his deft handling of paint, creates evocative illusions of form, colour and texture. It is because of these qualities that Aaron Fink is considered one of America’s contemporary masters.

Scholars cup (Celebration) 30 x 24 inches, oil on canvas

Love is in the air, 36 x 48 in oil on canvas

Joanne Helman Présentement, Helman se spécialise en natures mortes.

Elle se préoccupe de la simplicité des objets individuels.

Pour la plupart, elle compose ses sujets en solitude afin de capturer leur essence, l'action de la lumière et des ombres.

Specializing in the still life genre, Helman focuses on the simplicity of individual objects. She often places her subjects in solitude to capture their essence, whilst exploring the play of light and shadows. The result is an expanding oeuvre delineated by a clean, disciplined palette and jewel-like subjects.

Blue Top, 16 x 20 inches, oil on panel

Elzbieta Krawecka

Au cœur de ses tableaux, on retrouve l’exploration du mouvement et de l’espace. Fasciné par les propriétés éphémères de la lumière, Elzbieta travaille beaucoup sur les changements et les contrastes de couleurs. Ses tableaux démontrent l’harmonie entre les techniques traditionnelles des grands maîtres et les sensibilitées personnelles de l’artiste.

Elzbieta a beaucoup été inspiré par ses multiples voyages autour du monde. Sensible aux cultures différentes, elle peint des sujets qui résistent au temps puisque ce qu’elle peint se retrouve dans nos mémoire collective. Ceci est surtout évident dans ses superbes tableaux représentant des ciels.

Ce sont des vues qui sont accessibles autour du monde mais qui nous donnent souvent l'impression d'etre la pour nos yeux seulement.

“My paintings are an exploration of movement and space. Through experimenting with colour shifts and contrasts, I observe the transient nature of light and other elements that qualify a landscape. I am interested in large areas and open spaces, such as skies and surfaces defined by pattern formations.

I use thick, opaque paint often applied in parts with a palette knife followed by translucent glazes of thinner washes. This creates texture and depth through contrast while giving the paintings weight and substance. I am working towards a style that combines traditional painting techniques with personal experiences.

My inspiration comes from my travels and exposure to world cultures. Perhaps this accounts for why my work seeks out subjects that resist change. Despite their variance, my skies refer ultimately to a universal space of collective memory.”

Alabaster, 24 x 30 inches, oil on masonite

Henry Wanton Jones Jimmy est versé en divers média, de la bijouterie et le collage à la sculpture et, naturellement, la peinture. Arthur Lismer, membre reconnue du Groupe des Sept, était son instructeur. Ses tableaux parlent avec une langue visuelle méticuleusement developpé et unique à lui. Selon John Ivor Smith, les tableaux de Jones nous donnent l’accès à un rêve occupé par les équestres, les femmes nues et leurs étalons. C’est un rêve rempli de tendresse, d’humour, d’érotisme et de variations.

Jimmy has worked in such diverse media as jewelry, collage, sculpture, and of course painting, which he studied with none other than Arthur Lismer.Over the years, Jones’ work has evolved into well-defined, colourful and distinctive still-lifes and equestrian nudes.

John Ivor Smith describes these latter paintings as “female nudes and their stallions, tender and lightheartedly erotic in a thousand luscious, ingenious variations.”

Kai McCall Les tableaux de Kai représentent des espaces intérieurs ou l’air est chargé d'une certaine tension mystérieuse et psychologique. Le théâtre voyeuriste de l'artiste est dirigé par des narratifs incomplets mais quand meme très suggestifs.

Comme un roman manquant des chapitres, il est difficile d'attribuer une interprétation solonelle a ces oeuvres. Les narratifs de ces toiles sont éternellement suspendus et ambiguës.

"A l'origine, un tableau commence par mettre en présence deux forces qui s'opposent. Le conflit qui en résulte génère l'élan qui porte l'histoire de l'avant".

Psychologically charged figures locked in theatrical interiors immediately beg the viewer to search for a narrative in the work of Kai McCall. Yet, the hints of narrative in these paintings are mere fragments, never committing themselves to a single closed reading.

Like a work of fiction with the concluding chapters missing, the outcome of the narrative in each work is suspended in time, its final meaning ambiguous.

"A painting begins by setting two opposing forces against each another. The resulting conflict becomes the motor that advances narrative in the paintings".

Lemon tree, 62 x 44 inches, oil on canvas

Volcada, 60 x 84 pouces, Technique mixte

Léa Rivière

Les femmes et les chevaux sont les motifs perpétuels de ses œuvres. Elle explore le lien sacré entre les bêtes et les humains. Dans les caves de Lascaux, l'homme a crée les premiers dessins avec les crayons fait de la manganèse et l’argile. À ce moment là, l’héritage profond entre l’homme et le cheval était formé. Toujours un mystère, le cheval vive dans nos mémoires collectives. Il est une force qui nourrit nos mythes, contes des fées et légendes. En manière primordiale, il sert l’inspiration de nos peintres et poètes.

The common theme in Lea’s work is women and horses.

She explores the sacred link that unites horses and humans, a link that has deep roots in humankind’s conscious and sub-conscious history. In the caves of Lascaux, men (or perhaps women) used crayons made of manganese and clay. With these tools, they engraved the first prehistoric drawings and thus, the link between human and horse was established. Their magical or religious significance is elusive to us yet. However, in our collective memories the horse gallops on, a powerful prototype whose symbol nourishes myths, fairy tales and legends and serves as an inspiration to painters and poets alike.

André Séguin

André explore son imaginaire à plein temps a travers la peinture. Toujours préoccupé par ce qu’il vit, son art est l’expression transcendée de sa recherche intérieur.

André explores his imagination through painting on a full-time basis. Always preoccupied by his life experiences, his art reveals his reflections and his deepest thoughts.

sans titre, 39 x 24 pouces, technique mixte

Janice Mason Steeves

« Un soir en août, j’ai visité Jan dans son studio. L’intensité et l’énergie de la lumière qui pénètrait ses pivoines — ils m’ont coupé le souffle. Immédiatement, j’ai pensé à Vermeer et son traitement de la lumière et des ombres. Je me souviens la première fois que j’ai vu les tableaux de Jan. C’était en 1998.

Elle avait créé des œuvres en encaustique de vesseaux et de bols somptueux où la lumière rayonnait à travers.. La lumière est vraiment le sujet constant dans son travail. » -Jane Lind, auteur de Joyce Wieland Artist on Fire.

“On an August evening when I visited Jan in her country studio, her peony paintings made me catch my breath because of the intensity of the energy and light I saw in them. Immediately I thought of Vermeer, the way he used light and shadow. Then I remembered the first time I had seen Jan’s work in 1998, encaustic paintings of vessels, round generous pots glowing with light on the inside, and some with light spilling from them. Light is the continuum in her work, regardless of the image.”

- Jane Lind, author of Joyce Wieland Artist on Fire

Vessel, 72 x 48 inches, oil on panel

La figuerie II, 36 x 60 pouces, Huile sur toile

Ognian Zekoff Le monde crée par Ognian Zekoff est chargé d’émotion, sans être imagé ou narratif.

C’est un univers spirituel, où s’exprime une réalité et la limite des illusions de l’éveil et de l'incertitude des rêves. Il construit son île d'espoir sur la conviction en contenu spirituel de l’espace plastique, dans la vie émotionnelle de la couleur et de la forme, dans l'innocence du corps nu …

Ognian’s creative world is loaded with content and emotion, without being pictorial or narrative. It is spiritual, yet it has not lost the elements of the creative reality that exist on the borderline between the illusions of awakening and the troubled uncertainty of dreaming. He builds his island of hope on the belief in the spiritual content of plastic space, in the emotional life of colour and shape, in the innocence of the nude body…

GALERIE D’AVIGNON ART CONTEMPORAIN / CONTEMPORARY FINE ART

102 avenue Lau rier ouest, Montréal, Q c.

51 4. 278 . 4777 w w w.g a l e r i e d av i g n o n .ca