REESTABLISH. Parcial 3

UN NUEVO MODELO DE ARTISTA POP

VIKTORIA MODESTA ELLA ES EL PROTOTIPO

COUTURE INFORMÁTICO la moda se imprime en 3d LA CHICA RETRO-MODERNA un nuevo tipo de sex-appeal

Viktoria Modesta Fotografía: Alternative Limb Project

abril 2015,

nº 00. méxico $45.

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CARTA EDITORIAL

AL GRITO DE

REVOLUCIÓN

D

— Por Diego Aguirre Marín. Abril, 2015.

entro de la gran industria que es el gremio editorial mexicano, el concepto de “moda” ha sido explotado para servir como presentación de las producciones de las marcas que visten a nuestra sociedad. Así pues, este término ha sido condenado, por mucho tiempo, a ser la connotación que evoca a la vestimenta y ha perdido su verdadero carácter denotativo: se trata de toda tendencia que inclina la balanza de la estadística y la probabilidad de un lado al otro.

Por ello, en Reestablish (re) queremos devolverle a esta palabra su valor y tomar como retribución la ventaja de establecernos como una revista que revoluciona el concepto de moda empleándolo a manera de tendencias. Aunque, debemos aclarar que para nosotros una tendencia es más que una realidad contemporánea. Comprendemos que el pasado y el futuro son representaciones ambiguas del presente y, por ello, en nuestros contenidos se aborda la información desde sus extremos innovadores o memorables, su simpleza, su interés o su lado culturalmente relevante.

Sumado a esto, notarás que re se conforma de una miscelánea de artículos que buscan ser interesantes al sostener un cuidadoso equilibrio entre su contenido informativo y su alto contenido visual y, si bien llegaremos ahondar en diversas temáticas, dentro de nuestras secciones hallarás artículos que entretejen más de una a la vez; así como, más de un espacio y tiempo y más de un punto de vista.

Pero descuida, no estás sentado en la escuela a punto de una lección; más bien, estás en frente a una galería de arte a punto de comenzar el recorrido que te abrirá los ojos a las posibilidades, que hará que te olvides de la moda como el vestuario de la sociedad y descubras que la realidad se teje con las costuras ya hechas y los nuevos reveces.

Adelante, comienza tu recorrido y recuerda que…

no se puede pronunciar “revolución” sin una re al inicio.

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D I R ECTO R I O DIEGO AGUIRRE MARÍN Director de arte Jefe de proyecto Jefe de información Edición y diseño: En Portada Progression Style&Culture

Mª FERNANDA JARQUIN MONCADA Coeditora gráfica Jefa de publicidad Edición y diseño: Retro Artideas

DANIELA ANELL CUEVAS Asesora en arte digital Jefa de fotografía Edición y diseño: Musique Celebrations

SUMARIO

COUTURE INFORMร TICO

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LA MODA DE LO VINTAGE

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Cuado la moda se imprime en 3d.

Los bรกsicos para evocar al pasado.

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SUMARIO 8

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LA CHICA RETRO-MODERNA El pasado trae un nuevo tipo de sex-appeal.

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ZONA MACO

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THE OSCARS

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INVASIÓN BRITÁNICA

El arte contemporáneo se reune en México.

Algo más que una esperada ceremonia.

Las propuestas musicales del Reino Unido.

ABRIL,2015

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VIKTORIA MODESTA

“Si no encajas, entonces no encajes”.

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retro

La chica moderna.

La modelo de fábrica, la musa.

POR TANIA BRAUKÄMPER Con textos de Lovely Retro

FOTOGRAFÍA: DANIELA RETTORE

Cuando el renacer de la moda de los años 60 se encuentra con la moda actual se forma el caldo de cultivo ideal para la aparición de un nuevo tipo de sex-appeal. Mezcla una parte de Twiggy, una parte de Jean Shrimpton y rellena el resto con la sensualidad de la alta costura contemporánea; el resultado: un tipo de belleza completamente diferente.

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Daniela Rettore comenzó con una foto de Twiggy, perfilando en su famosa aparición para Vogue, y, tomando como inspiración la era, construyó toda una sesión fotográfica que va mucho más allá de la mera imitación de algo que ya fue.

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El estilo creado por Michael Dye es una mezcla impecable entre el antes y el despuĂŠs; mientras que Rettore explota la actitud, el deseo y la frescura de su modelo Yasmina M. en cada toma.

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Se trata de una chica de fiesta (con su bebida en una toma y su cigarro en la otra).

Su cabello es un mezcla entre el peinado voluminoso de los años 60 y el estilo moderno de “recién levantada de la cama”.

Su vida está llena de cultura; entre artistas e intelectuales, es adorable y adorada, es un camaleón; la chica de fábrica, la modelo, la musa.

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El dramatismo de los ojos de gato es suficiente para evocar el recuerdo nostálgico de días pasados. La transición entre las fotografías de color y las de blanco y negro es perfecta para recrear el tema de lo antiguo y nuevo.

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El ambiente retro combina muy bien con las siluetas de las prendas de vestir de sello moderno. Las faldas cortas, los vestidos ajustados y las plataformas gigantes traen las fotos a la modernidad.

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ZONA MACO. MÉXICO ARTE CONTEMPO RÁNEO.

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ZONA MACO fotografía: cultura colectiva

POR: MACARENA QUINZAÑOS

LA FERIA OFRECE EN SUS CINCO SECCIONES: GENERAL, NUEVAS PROPUESTAS, ZONA MACO SUR, ARTE MODERNO Y DISEÑO, LAS PROPUESTAS DE MÁS DE CIEN GALERÍAS, EDITORIALES E INSTITUCIONES CULTURALES.

Zona Maco, la feria de arte contemporáneo más importante de América Latina, concentra cada año en la Ciudad de México a coleccionistas, especialistas y galerías de todas partes del mundo.

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undada por Zélika García en 2002, Zona Maco se ha consolidado como una de las plataformas más notables para venta, exposición y promoción del arte contemporáneo internacional de esta región.

Anualmente la feria ofrece en sus cinco secciones: General, Nuevas Propuestas, Zona Maco Sur, Arte Moderno y Diseño, las propuestas de más de cien galerías, editoriales e instituciones culturales; invitadas a través de un proceso de selección a cargo de un comité internacional, conformado por reconocidos galeristas y curadores especialistas de cada sección.

La feria de arte contemporáneo mexicana tuvo sus inicios en 2002, primero como MUESTRA, en la ciudad de Monterrey, y el siguiente año

como MUESTRA 2, con sede en la Cd. de México.

Zélika García, su fundadora, reconoció la necesidad de ampliar el mercado del arte, y traspasar las fronteras mexicanas. Por ello desde el 2004, Zona Maco se organiza en la ciudad de México. Esta celebración hoy en día es el epicentro del arte contemporáneo, diversos museos e instituciones culturales públicas y privadas se suman con diversas actividades para difundir las diversas expresiones de las artes plásticas.

Hoy en día, Zona Maco se ha convertido en un referente para el arte contemporáneo dentro de México e inclusive en el extranjero debido a las obras de arte que se han exhibido dentro de la exposición con la finalidad de ser multucultural.

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UNA MIRADA

A LO CONTEMPORANEO

COMO CADA AÑO, ZONA MACO ABRIÓ SUS PUERTAS EN LA CIUDAD DE MÉXICO PARA PRESENTAR SU 12ª EDICIÓN.

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El arte contemporáneo se distingue por dar un nuevo contexto a los elementos y con ello explorar diversas formas de concebir, contemplar e interpretar el mundo y la sociedad que nos rodea.

Por ello, no es difícil encontrarse con esculturas, máscaras, fotografías y pinturas con rostros borrosos, descomposición y recomposición de objetos que dan vida a uno nuevo, texto incorporado a la obra haciendo una estrecha relación de lo visual y el discurso de la palabra, composición de objetos geométricos que rompen esquemas tradiciona-

les en el espacio, instalaciones con elementos comestibles, desechos, latas de refrescos, frutas, piedras, arena, ropa, y cuadros reclinados sobre la pared, que postulan que el arte es en sí mismo y no necesita de colgarse en una pared para serlo y lucirse.

Sobre las técnicas y materiales utilizados, parecen infinitos, desde cristal, madera, cartón, metal, telas, etc.

Bajo esta visión, y como cada año, Zona Maco abrió sus puertas en la Ciudad de México para presentar su 12ª edición, que concluye este domingo 8 de febrero, en el Centro Banamex.

ZONAS DEL ARTE Durante tu recorrido por Zona Maco te encontrarás con cinco secciones: Sección principal, Arte moderno, Zona Maco Diseño, Zona Maco Sur y Nuevas propuestas. Te sugerimos llegar temprano y con mucho tiempo para caminar

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tranquilamente por todos los pasillos y agasajarte con arte.

Además, es una oportunidad ideal para que dialogues con los galeristas y los artistas para conocer más a fondo el discurso de sus diferntes propuestas expuestas.

PRINCIPAL Localizada al centro, se exhiben 71 galerías que muestran los trabajos de los artistas internacionales con mayor trayectoria internacional.

Recorriendo estos pasillos encontrarás el trabajo de Donald Judd y no escaparás al

fenómeno de Yayoi Kusama.

En esta ocasión, se tiene la participación de nuevas galerías, como Victoria Miro (Londres), Paul Kasmin (NY), Von Bartha (Basilea) y el regreso, después de varios años de David Zwirner (NY).

MACO SUR Está dedicada a explorar la práctica artística contemporánea con una propuesta curatorial en la que los participantes (por invitación directa de los curadores) realizaron a través de sus obras un acercamiento a ciertos

planteamientos abstractos del siglo XIX, que proponen la posibilidad de conocer el pasado para predecir lo que ocurrirá en el futuro. Las piezas que encontrarás aquí fueron creadas en su totalidad para Zona Maco.

LO NUEVO Puedes darte cuenta lo que viene en el mundo del arte y sus tendencias, a través de la exhibición de 23 galerías que presentan un máximo de tres artistas emergentes, que viven y trabajan en América Latina o

tratan algún tema relacionado con la región.

En esta sección dedicada al descubrimiento de nuevos valores en el arte, verás temas de crítica social, religión, ecología, discursos artísticos.

ARTE MODERNO Recoge obras producidas en la primera mitad del siglo XX y se centra en los distintos momentos del surgimiento de la modernidad en las regiones de América.

A través de la exhibición de

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14 galerías, se pueden encontrar obras maestras mexicanas y tradición muralista, con exponentes como Siqueiros, Orozco y Felguérez, así como obras de Picasso, Miró, Carrington y Calder.

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Los premios Oscar de la Academia son el reconocimiento más importante del cine mundial. Cada año se entregan las nominaciones que distinguen las mejores películas, actuaciones y aspectos técnicos de cada film.

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Historia de Los Oscars

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l 4 de mayo de 1927 unos 36 profesionales de la industria cinematográfica convocaron una reunión para crear la “Academy of Motion Picture Arts and Sciences” con el objetivo de “mejorar la calidad artística del cine, crear una plataforma común para las distintas ramas y oficios de la industria, fomentar la investigación técnica y el progreso cultural”.

La academia posee ahora unos 6.500 miembros procedentes de áreas dramáticas, técnicas y administrativas de la industria cinematográfica. Sus miembros son escogidos entre los que satisfacen ciertos requisitos definidos por cada departamento correspondiente de la academia.

Una de las circunstancias que contribuyeron a que estos premios adquirieran más popularidad fue que nacieron en el transcurso del cine mudo al sonoro. La primera entrega de los Premios Oscar de la Academina se celebró el 16 de mayo de 1929 con un banquete en el salón Blossom del Hotel Hollywood Roosevelt de Los Angeles. A este acto acudieron 250 personas y fue la única ceremonia de la historia en la que no había medios de comunicación.

Durante las 15 siguientes entregas los premios se entregaron en el transcurso de cenas organizadas en alos hoteles más importantes de Los Angeles. En 1942 el escenario de la entrega se trasladó a salas de teatro debido al aumento de asistencia.

Cedric Gibbons fue quien eligió el diseño de la estatuilla: un hombre desnudo posando con una espada y erguido sobre la bobina de una película con cinco

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pequeñas cavidades, cada una de ellas representando las secciones de las que se componía la Academia: actores, directores, escritores, técnicos y productores.

El origen del sobrenombre “Oscar” no está claro, pero se dice que todo comenzó cuando Walt Disney, en la entrega de 1932-1933, lo bautizó así al recibirlo por “Los tres cerditos”. Hasta ese momento no era más que un apodo cariñoso atribuido a la bibliotecaria de la academia quien comentó “Se parece a mi tío Oscar”.

Inicialmente, el material elegido para realizar la estatuilla era el bronce, sin embargo, se tuvo que sustituir por yeso durante la Segunda Guerra Mundial debido a la falta de materiales. Hoy en día está bañada en oro de 14 kilates que hace que la figura tenga un acabado más pulido.

El famoso “Oscar” mide unas trece pulgadas y media (34,3 cm) y pesa cerca de nueve libras (4 kg). Su diseño no ha cambiado desde 1945, cuando se le realizó una modificación en el grosor del pedestal.

En la mayoría de las categorías de premios al “mejor”, los socios involucrados en ese campo concreto nominan un máximo de cinco candidatos. La academia al completo vota en secreto cuál será el ganador y los resultados se hacen públicos en una ceremonia formal cada primavera.

Desde 1928 a 1929 se retransmitió una hora de la ceremonia por radio, de 1944 a 1969 se radió la ceremonia completa. Las transmisiones por televisión de la entrega de premios, que comenzaron en 1953, se han convertido en un acontecimiento popular con una audiencia mundial.

La entrega de los premios Oscar de la Academia es el evento mĂĄs importante del cine mundial, donde se reconocen los mejores trabajos de cada aĂąo en las diferentes categorĂ­as.

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n los primeros meses del año se celebran las entregas de reconocimientos más importantes de la industria del cine. La llamada “temporada de premios” agrupa ceremonias como los Globos de Oro, los Screen Actors Guild Awards y, por supuesto, los Premios de la Academia, cuya edición 87 se realizó el 22 de Febrero en el Dolby Theatre de Los Ángeles.

En estos eventos, la moda tiene un papel protagónico pues las alfombras rojas que anteceden a cada premiación son plataformas ideales para que las celebridades luzcan las nuevas tendencias que determinarán la estética del resto del año. Esto es aprovechado tanto por las grandes firmas de moda (quienes consolidan su nombre), como por aquellas marcas que se dedican al fast fashion y que toman nota de los diseños que aparecen para reproducirlos tan pronto como puedan en sus tiendas.

¿Cómo empezó todo?

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a primera edición de los Óscares se realizó en 1929. Se trató de una ceremonia relativamente sencilla, si la comparamos con los estándares actuales. Consistió en una cena de gala y los invitados de esa época lo entendieron así. Por ejemplo, Janet Gaynor, ganadora del premio de Mejor Actriz en ese año, utilizó un vestido que hoy es recordado por su simplicidad y que había comprado en una pequeña tienda de Los Ángeles, muy alejada de las boutiques de los grandes diseñadores.

Todo cambió cuando, en 1961, se utilizó por primera vez la alfombra roja (que apareció oscura en los televisores blanco y negro de aquel tiempo). Para 1966, esta parte del evento había ganado un lugar de peso en la ceremonia. Por eso, actrices como Audrey Hepburn y Elizabeth Taylor comenzaron a acudir a las grandes casas de moda, como Givenchy y Dior, para elegir el vestido

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que usarían en esa noche tan especial.

En 1979, el conductor Regis Philbin transmitió su primer pre-show de los Óscares, que incluyó entrevistas con los nominados mientras se dirigían a la entrada del auditorio.

Una década después, en 1989, canales como MTV y E! siguieron sus pasos con programas similares, cuyo hilo conductor era la moda de las celebridades.

Uno de los más exitosos fue Live From The Red Carpet, el cual comenzó en 1996 y era conducido por Joan Rivers, quien en su peculiar estilo sarcástico y lleno de humor negro se acercaba a preguntar “Can we talk? Who are you wearing?”, haciendo a un lado la carrera de los actores para enfocarse en la moda, provocando que los estilistas ocuparan un lugar importantísimo.

El efecto Oscar

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e trata de un evento que llega a más de mil millones de televidentes en todo el mundo, muchos de ellos grandes fashionistas que no dudan en analizar a detalle las tendencias que muestran sus estrellas favoritas.

Uno de los ejemplos más significativos de la influencia que tiene esa noche sobre el público ocurrió en 1999, cuando la actriz Sharon Stone utilizó una elegantísima falda Vera Wang junto con una ordinaria camisa blanca de Gap. La famosa prenda se agotó en cuestión de días. Es por esto que no resulta extraño que las marcas paguen cantidades altísimas para que las estrellas porten sus piezas ese día. Por ejemplo, la revista US Weekly reportó que el año pasado la casa de joyería Tiffany & Co. le pagó 750 mil dólares a Anne Hathaway por usar una de sus creaciones durante la premiación de 2013.Según Robin Givhan, crítica de moda del Washington Post, las redes sociales se han convertido en los mejores aliados de los diseñadores para tener contacto con grandes audiencias. Por ejemplo, en la entrega anterior de los Óscares se emitieron más de 19 millones de tweets que utilizaron el hashtag #oscars.

El precio de innovar

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xiste una fórmula bastante segura a la hora de vestirse para el evento, ideada para librar las críticas. Quizás esta es una razón por la que, en ocasiones, abundan los vestidos de corte sirena, stilettos, ondas en el pelo y maquillaje natural.

Sin embargo, muchas de las invitadas optan por arriesgarse un poco más y consiguen que sus atuendos sean realmente

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memorables, para bien o para mal. Es el caso del atuendo que Cher uso en 1986, que consistía en un top con una larga falda, una capa y un elaborado tocado que tenía más de mil plumas de gallo. También han existido grandes aciertos, como el vestido Elie Saab que portó Halle Berry en el 2002; o el vestido Prada azul celeste que utilizó el año pasado la actriz Lupita Nyong’o.

Los Óscares son el equivalente al Super Bowl de la moda.

Ahora ya conoces mรกs acerca de esta tan importante entrega del mundo del cine.

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La primera estrella pop amputada del mundo:

“SI NO ENCAJAS, ENTONCES NO ENCAJES”.

Por Emine Saner Cuando Viktoria Modesta tuvo su pierna dañada amputada a los 20 años de edad, esto la hizo libre para perseguir sus ambiciones musicales. Ahora que ella secuestró el X Factor y está obteniendo millones de visitas en Web, ella dice que la discapacidad no es barrera para estrellato; pero, ¿el resto de nosotros está de acuerdo?

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A la edad de 15 años, Viktoria Modesta decidió que era tiempo de perder la parte inferior de su pierna izquierda, pero le tomo otros cinco años convencerse de realizarse la cirugía.

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lla describe la cirugía como la remoción de algo que la estaba deteniendo, como si hubiera una cuerda atándola al suelo. Eso fue, comenta, como abrir los ojos debajo de una capa negra y deslumbrante “un nuevo momento, en realidad yo sentía que tenía una vida como una persona nueva. He actualizado mis oportunidades, mi comodidad, mi cuerpo.

Fue realmente empoderador”.

Ella es el prototipo

Modesta ha sido aclamada por el Canal 4 como “la primera artista pop amputada”. El video musical para su canción Prototype –“Soy la modelo del futuro,” canta ella– el cual el Canal 4 financio y pago para sacar al aire durante el break de la final de X Factor en domingo, recibió más de diez millones de visitas en la página oficial del Canal 4 y otros 1,5 millones en YouTube. Por todo esto Modesta ya se ve como una estrella pop –ella es hermosa con facciones delicadas y que irradia una seguridad serena– el video, que lleva el lema “Born Risky” del canal, celebra su diferencia física. Ella viste diferentes prostéticos: una pierna cubierta con diamantes; otra con la forma de un pico feroz y satinado, que no tienen intención alguna de similar el miembro

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humano. Quizás, incluso más poderoso –para aquellos de nosotros que no estemos acostumbrados a las imágenes de discapacidad, especialmente dentro de la cultura pop– es una escena particularmente sexy en la cual Modesta muestra su pierna natural con la parte faltante por debajo de la rodilla.

Siguiendo la exitosa cobertura de los Juegos Paralímpicos, el Canal 4 (Channel 4) estuvo buscando oportunidades para las personas con discapacidad, en áreas fuera del deporte, y se acercaron a Modesta con la idea de hacer un video. Con una larga presencia en los clubs y una presentación (apareció en la ceremonia de clausura de los paralímpicos), ella saco su primer sencillo en 2012, pero ha sido ampliamente ignorada por la industria de la música. “Antes, había mucha preocupación sobre cuanta inversión yo necesitaría, porque yo estaba representando esta brillante y pulida imagen y había muchos factores que no encajaban,” comenta. “Yo tenía un pasado alternativo, yo solía hacer modelaje alternativo y las personas se sentían un poco asustadas al respecto. Sobre la pierna…yo veía muchas caras en blanco, donde la gente se notaba con expresión de: ‘yo no sé qué se supone que piense al respecto. ¿Estará bien para mi pensar que tú eres interesante y atractiva?’”

Construir una identidad con la que yo me sintiera mĂĄs cĂłmoda, al contrario de la que se me habĂ­an dado, era importante.

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Acomplejados

El surgimiento de Modesta no debería ser nada fuera de lo ordinario. Los Paralímpicos, después de todo, se supone ayudan a la sociedad a tener un mejor entendimiento de que las personas con discapacidad son tan capaces de hacer cosas extraordinarias como cualquier otro. Sin embargo, verla a ella presentada no como un desafío al glamour del mundo del entretenimiento, sino como una extensión de él aún sorprende. Su momento estelar genera algunas preguntas. A juzgar por la atención que recibieron los Paralímpicos, nos sentimos felices de ser inspirados por personas con discapacidad, en el comúnmente usado estereotipo de “el triunfo sobre la adversidad”; pero, ¿estamos listos para permitir que la discapacidad de alguien sea considerada una simple parte de su identidad? ¿Estamos listos para que ellos sean superestrellas? ¿Estamos listos para que ellos sean atractivos?

Y deberíamos estarlo, dice Modesta. La idea de que una persona con discapacidad no pueda ser atractiva, añade, es “totalmente inaceptable. Estoy segura que hay personas que no se sienten de esta forma pero definitivamente hay muchas personas que sí. Es por ello que

en el video presioné, en cada punto, mi sexualidad a un nivel en el que yo me sintiera cómoda con ella. No se trata de ser un objeto y tratar de complacer a la audiencia masculina; se trata de representar a la sexualidad con la que yo me siento cómoda”.

Hacer el video le ha abierto los ojos tanto a ella como a su audiencia. Fue apenas –quizá hace unos seis meses, añade ella– que aún se preocupaba sobre lo que la gente pensara sobre ella y como sería su reacción. “Después de las conversaciones que tuve con el Canal 4 y ver como ellos me veían, entendí que muchos de los complejos que tenía eran los últimos escombros de lo que me estaba deteniendo para ser feliz”.

Durante la filmación con el director Saam Farahmand –quien ha realizado los videos para Mark Ronson, The XX y Cheryl Fernandez-Versini– ella comenta: “Yo no era consiente de mi misma, yo no estaba pensando sobre lo que los demás tenderían por decir. Todo lo que podía hacer era concentrarme en presentarme tan honesta y apasionada como fuera posible; y si a alguien no le gusta eso, simplemente nunca vas a ganártelos”.

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Un camino difícil

Modesta, de 26 años, nació en Latvia, que aun entonces formaba parte de la urss.

La parte inferior de su pierna izquierda se dañó durante un parto difícil. Esta aún seguía siendo una era en la que los niños con discapacidades físicas y de aprendizaje eran rutinariamente puestos en hogares para niños –una opción que le fue ofrecida a la madre de Modesta, quien se negó y en su lugar se concentró en tratar de criar a su hija inculcándole confianza.

“Yo tenía este inmenso soporte psicológico de mi madre, lo que fue, realmente, una de las cosas que hicieron que mi infancia no se sintiera tan terrible como lo era,” relata. La mayor parte de su tiempo la paso en hospitales y entre operaciones. Fue un sofocante ambiente artificial, pero también fue uno que la resguardo de las cotidianas realidades difíciles de su vida exterior. Así que, cuando la familia se mudó a Londres, tiempo en que Modesta tenía doce años y comenzó a ir a la escuela, fue un completo shock.

“Estar ahí era verdaderamente intenso, el darse cuenta de cómo el mundo y las personas se sentían sobre ti,” comenta. La escuela fue “absolutamente horrible –ser extranjera y verse diferente.” A los catorce años –“al límite del suicidio,” añade– abandono sus estudios.

Poco después, ella encontró refugio en los clubs alternativos de Londres: “bruscamente, empecé a entender hacia donde me quería dirigir. Yo estaba muy interesada en la música, la interpretación y la moda. Pero continúe pensando que no sería capaz de ignorar el hecho de que iba a tener que continuar con mis operaciones. Sentí como si mi espíritu y mi cuerpo tomaran caminos separados”.

Modesta comenzó a pensar que su pierna dañada no encajaba con su identidad. Peor aún, era un recordatorio de sus años de dolor y operaciones hechas contra su voluntad.

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Se vio inspirada por Aimee Mullins, la atleta, modelo y actriz que tuvo una aparición en el show y pasarela de Alexander McQueen años antes, luciendo unas piernas prostéticas de madera tallada. “Yo pensé: ‘¿por qué continuo con este malestar y falta de opción cuando tengo una opción?’ Ese fue el momento decisivo. Fue porque me sentí bastante confiada conmigo misma y con mi cuerpo, pero [mi pierna] simplemente no encajaba. La sentía extraña”. Cinco años después, fundada en investigaciones sobre como la remoción de la parte inferior de su pierna y el uso una prótesis mejoraría su vida, un cirujano finalmente accedió a hacerlo.

“Me cuestionaron si yo sentía que representaba la discapacidad y yo no creo que lo haga,” dice ella. “Yo represento el sentimiento de que tú tienes la opción de crear tu propia identidad. Es más que tan solo salir como la primer artista amputada de la música y la moda, o como quieras llamarlo. Es sobre tomar el cargo de tu propio bienestar.

Si no encajas, entonces no encajes”.

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DISCAPACIDAD

ALTERNATIVA

Sus prótesis son hechas por la Alternative Limb Project, una compañía establecida por Sophie Oliviera Barata, quien estudio maquillaje de efectos especiales antes de decidirse por hacer prótesis para amputados. Al principio, su objetivo era hacerlas tan realistas como fuera posible. “Después de un tiempo, comencé a pensar que podría haber otras formas de abordar este espacio, en lugar de ir por el obvio reemplazo. ¿Por qué no invertir los roles y ver en estas extremidades un medio para expresarse?,” comentó.

Los prostéticos han incluido hermosos miembros que parecen estar hechos de porcelana y pintados con flores, hasta los que tienen una apariencia futurista con encajes de bocinas o luces.

El cliente se involucra en el proceso de diseño desde el comienzo y la transformación puede ser profunda. “Pareciera como si ellos se sostuvieran a si mismo con más orgullo. Creo que es una combinación de cómo se siente portar la pieza por sí misma y el hecho de que ellos hayan estado involucrados en el proceso.

Generalmente, cuando [mis] clientes usan sus miembros prostéticos, reciben atención positiva, conforme esta rompe las barreras.

Más que con lastima, las personas las observan con curiosidad y en muchos casos han mostrado señales de genuina envidia, todo esto dando poder a quien la trae puesta. Algunos clientes guardan sus prótesis alternativas para ocasiones especiales y en esos momentos ellos pueden explorar su alter ego. Algunos otros las ven como parte de su identidad en su día a día.”

Fotografía: Web

Texto Orginal: The Guardian Traducción y diseño: Diego Aguirre

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Un esperado porvenir

Por todas las opiniones generadas con los Juegos Paralímpicos en el 2012, se recorrió un largo camino en el cambio de las percepciones de la discapacidad. Modesta no está segura si esto ha tenido algún impacto fuera del deporte. “Yo creo que he abierto una puerta, ok, ni siquiera diré que una puerta: puse la llave en la puerta.

Pienso sobre todas estas áreas donde ver a una persona amputada aun los haría sentir algo incomodos, como por ejemplo en la televisión. ¿Estarían bien con ello? ¿Estarían cómodos con ello?

Entonces, ¿será que el video de Modesta se traduzca en una carrera exitosa y cambie alguna cosa, más allá de ser un muy hablado momento? “Eso espero,” dice ella. “La reacción alrededor del mundo ha sido increíble. Genuinamente estoy conmocionada porque las cosas que se ven tan ordinarias para mi hayan tenido tanto impacto.”

Ella dice que es “inevitable” que los diferentes tipos de cuerpo sean aceptados, incluso en las industrias –de la música y de la moda– en las que ella ha intentado irrumpir, donde los ideales de belleza y perfección aún son bastante estrechos. “Necesita haber más variedad, pero ni siquiera se trata de la industria, se trata de la aceptación que debe ocurrir más allá de esta. Las personas necesitan dejar de sentirse asustadas, en tabú, ofendidas, superiores o inferiores cuando se paran junto a una persona con un cuerpo diferente al suyo”.

Viktoria Modesta en la Web:

viktoriamodesta.com

Puse la llave

en la puerta.

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Couture

informático LA IMPRESIÓN 3D PODRÍA REVOLUCIONAR EL MUNDO DE LA MODA. POR ELLIE PITHERS

Fotografía: Christine Kreiselmaier

Consideremos tu guardarropa de en ensueño.

Hoy podría tratarse de un montón de Céline; sin embargo, en el futuro tal vez sólo se trate de una impresora 3d. La nueva tecnología podría ver a la impresión 3d convertirse en el equivalente moderno de una máquina de coser: simplemente descargas un diseño, lo ajustas a las proporciones deseadas e imprimes una prenda a medida.

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LOS NUEVOS DISEÑADORES Y LAS NUEVAS EXHIBICIONES DE MODA EXPLORAN LAS POSIBILIDADES DE LA IMPRESIÓN 3D DENTRO DE ESTA INDUSTRIA. DIGNO EJEMPLO

SON CATHERINE WALES Y SU “PROYECTO ADN”.

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a diseñadora de 38 años de edad, Catherine Wales, se haya en una misión de democratizar la moda a través de la impresión 3d. “La industria de la moda es una abusadora,” comenta ella, “te manipula para que uses o te sientas de una cierta manera”. Lo primero en su lista de ataques: las medidas en las etiquetas de las prendas. “Una talla 8 es un conjunto tan especifico de medidas; las personas deberían ser un poco más libres”.

Wales produjo una colección de accesorios impresos en 3d que pueden ser diseñados a medida para encajar en cualquier tamaño de cuerpo y talla y ser impresos de acuerdo a la demanda. En julio del 2013, dos diseños de su colección en debut, titulada Project dna, se sumaron como parte de la exhibición en el Design Museum de Londres, dentro de la muestra “El futuro está aquí: Una nueva revolución industria”, la cual exploraba como la tecnología digital está revolucionando la manufactura de productos.

“Deberíamos estar proveyendo al consumidor de una manera completamente única”.

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Los antecedentes de Wales se hayan en la confección de ropa para hombres, ella ha trabajado en ysl y Gap como una diseñadora técnica en el ajuste y dimensión de tallas, reconciliando las diferencias, por ejemplo, entre la talla 4 americana y la talla 8 británica. “Estábamos tratando de crear un producto de talla mundial,” explica Wales, “pero después uno piensa, ‘¿estaremos siendo demasiado inadecuados?’ Deberíamos está proveyendo al consumidor de una manera completamente única”.

Frustrada, Wales se embarcó en un Master en Moda Digitial en el London College of Fashion. “Yo estaba atraída por el hecho de que la impresión 3d tiene el potencial de la personalización masiva, donde tú puedes realizar un escaneo de cuerpo y adaptar algo a las medidas exactas de alguien y, aun así, producirlo en masa,” comenta. También, existe el potencial de un menor desperdicio.

“La rápida creación de prototipos en 3d podría eliminar los millones de dólares que se gastan en el muestreo durante el desarrollo del producto”.

Su colección Project dna fue producida en nylon en Digits and Widgets, un estudio de impresión en 3d en el norte de Londres. En un proceso llamado aglutinación por láser, una capa de polvo de nylon se deposita sobre una plataforma, para después ser golpeada con un láser de alta potencia que funde el polvo de nylon de acuerdo con el diseño. Conforme se endurece, el polvo es barrido capa por capa.

La pieza emplumada de Wales está hecha de alrededor de 111 plumas impresas de manera individual; su corsé escultura fue está inspirado por la estructura visual de los cromosomas humanos.

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Otros diseñadores están comenzando a experimentar con los productos impresos en 3d. El diseñador alemán Iris Van Herpen ha creado diseños para Lady Gaga y Björk; joyeros como Shaun Leane y Dower & Hall usaron la creación de prototipos en 3d; y en marzo de 2013, Nike sacó botas de fútbol con tacos impresos en 3d.

Pese a todo, aún estamos lejos de disfrutar un guardaropa impreso a medida: los precios exorbitantes y enormes impresoras significan que la impresión en 3d no es de fácil acceso fuera del sector del diseño industrial. “Siempre habrá una apreciación por lo hecho a mano,” dice Wales. “Pero yo creo que sería increíble si el proceso de ajuste de prendas se viera influenciado por las nuevas tecnologías, sin perder la habilidad artesanal”.

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E

l vestido impreso en 3d, diseñador por Michael Schmidt y Francis Bitoni fue modelado específicamente para la reina del burlesque Dita Von Teese.

Totalmente articulado, basado en la secuencia de Fibonacci, fue diseñado por Michael Schmidt y modelado en 3d por el arquitecto Francisco Bitonti para ser impresas en 3d en Nylon por Shapeways. El vestido se ensambla a partir de 17 piezas, teñido de negro, lacado y adornada con más de 13.000 cristales Swarovski para crear una forma fluida y sensual.

Miles de componentes fueron exclusivamente impresos en 3d en una malla que fue diseñada para encajar exactamente en el cuerpo de Dita. Esto representa la posibilidad de una impresión en 3d compleja; tejidos personalizados, prendas diseñadas exactamente para una persona o necesidad específica. Como vemos las propiedades del material de impresión en 3d maduran para producir materiales más finos, flexibles, que veremos más y más en incursiones de la moda.

POR DUANN En ShapeWays Design.

Fotografía: Albert Sanchez

proyectos en impresión 3d

www.shapeways.com 66

o l e d a d La mo

e g a t Vin

Fotografía: Forwallpaper

nd Por: Ferna

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a Jarquín

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la moda de lo viejo POR: FERNANDA JARQUÍN

Cuando pensamos en vintage, vienen a nuestra mente los estilos de épocas pasadas, fotos sepia, el baúl de la abuela, las joyas legendarias y todos aquellos elementos que de una u otra forma evocan al pasado.

Fotografía: VestaVintage

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na de las definiciones más acertadas habla sobre objetos y accesorios que a pesar de tener cierta edad, no son del todo antiguos, la palabra vintage era utilizada por las bodegas de vino, para definir la calidad de sus mejores productos y se ha adaptado para los objetos, que aunque con cierta edad, representan siempre calidad y una gran y peculiar exclusividad. ¿Que es el vintage? ¿Una moda? ¿Un estilo? ¿Una tendencia? ¿O un espacio del tiempo al que

todos quisieran pertenecer o volver o sentir? El término vintage (de procedencia anglosajona que en su acepción más coloquial) la palabra se emplea para aludir a un espacio de tiempo determinado.

El vintage está de moda, pero todavía mucha gente desconoce la diferencia entre Vintage, Antiguo, Sewgunda Mano y Retro. Por definición se entiende que algo es antiguo cuando es anterior a 1900, o sea que tenga entre 50 y 100 años de antigüedad.

Son algunos tips para reconocer el estilo.

Fotografía: Adore-Vintage

P

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¿Y cómo me visto?

or un lado están los objetos de otras épocas, que realmente fueron elaborados entre 1900 y 1980, y que son en general, objetos únicos, muchos de ellos elaborados a mano o de manera artesanal, y que por su calidad y finos detalles, han sido conservados por varias generaciones.

Por otro lado están aquellos que emulan estas épocas y que han sido la inspiración de muchas de las prendas que adquirimos hoy en día, en donde el encaje, el cobre, las flores, tejidos y detalles son los grandes protagonistas.

Es seguro que si buscamos entre las pertenencias de nuestra familia, madres, tías, abuelas, etc., encontraremos un preciado objeto que aun conservan entre sus posesiones. Estos

objetos van desde finas chalinas, pasando por vestidos, joyas e incluso sombreros. También los puedes encontrar en mercados de las pulgas y tiendas que venden artículos de segunda.

En el imaginario común, se concibe muchas veces una idea equívoca sobre el vintage, que lo cataloga de viejo y poco elegante, lo cual es una idea muy alejada de la realidad. La esencia se caracteriza por su exclusividad, finura y calidad, que han logrado que éstos objetos se conserven hasta el día de hoy, además hay que destacar que fueron producidos en pequeñas cantidades, y es ésta, una de las razones por las cuales aún se conservan esta clase de piezas en los legados familiares, y que los convierten en elementos llenos exclusividad.

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LOS ARTÍCULOS

TAGE

COMO INVERSIÓN

Fotografía: Adore-Vintage

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a ropa de diseñadores, tal como Gucci o Versace, se considera Vintage después de 2 o 3 años de su creación. El término retro se intercambia a veces por vintage por fines comerciales,Ropa Vintage pero nosotros consideramos retro lo que va de los años 60 a los 70.

Los artículos de “segunda mano” son otra cosa. Algo de segunda mano es algo que ha pertenecido a otra persona anteriormente, pero que no necesariamente tiene un valor especial por pertenecer a una época ni a un estilo concreto. Muchas veces la gente equivoca los términos, por lo que no aprecia el valor de lo vintage. Unos zapatos vintage de los años 20 en buen estado, pueden costar el doble que unos nuevos de marca.

Fotografía: Pinterest

VIN-

Comprar vintage es invertir. Si el artículo comprado es especial y se conserva en buen estado aumentará su revalorización con el paso del tiempo.

No debe confundirse la diferencia entre una tienda de antigüedades y una tienda de segunda mano. Los artículos vintage son cuidadosamente escogidos y muchas veces restaurados profesionalmente, son artículos especiales, cuyo Lámparas Vintagevalor aumenta con el paso del tiempo. Por lo cual, un artículo “usado” no necesariamente es “vintage“, pocas veces lo es.

¿QUÉ ES LA

FOTO-

GRAFÍA Vintage?

s

egún el portal oficial de lomography a principios de los noventas, dos estudiantes europeos en su viaje por Rusia, descubren una cámara que nunca habían visto, la “Lomo Kompakt Automat”, la cual usaron sin el mayor interés, apuntando a cualquier lugar. Al revelar el rollo, descubren que sus fotos han quedado alocadamente distorsionadas, los colores que resaltan le dan un ambiente ‘vintage’, es decir, dándole un toque de antigüedad y estilo a las fotografías con efectos pocas veces logrados con un editor virtual de imágenes. Así que al regresar a su país buscaron diseñar sus propias cámaras.

Aunque diversas compañías como Nikon y Canon han creado modelos de cámaras digitales de alta calidad, con altas posibilidades gráficas y lo mejor, a un bajo costo, muchos fotógrafos aficionados acuden a las “Lomograficas”. Que son diseños derivados de la original “Lomo Kompakt Automat”.

Es así, como desde hace algunos años “Lomography Colombia” ha promovido la creación de diversas tiendas en Bogotá y Medellín para cobijar la demanda de estas cámaras, que anteriormente era cubierta por personas que viajaban al exterior. “Para comprar un aparato de estos, se la tenía que encargar a una persona que viajara a Nueva York o Madrid, hoy se pueden adquirir en diversas tiendas especializadas” dice Andrés uno de los aficionados a las cámaras analógicas y que se precia de tener una gran colección.

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Fotografía: Wallcoo

Vintage

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Algunos de estos diseños evocan los años 60`s e incluyen vestidos tipo tweed con detalles en los bolsillos y románticas sandalias, que logran su máxima expresión en la colección Spring-Summer 2012, bajo el sello de sobriedad que caracteriza esta exclusiva marca.

Esta una tendencia también marcada claramente para este año, en los vestidos de novia de la famosa diseñadora Vera Wang, con toques extremadamente románticos y estructuras muy de este estilo.

La moda vintage ha sido incorporada dentro de varios grupos y más allá de ser una tendencia, siempre ha sido

El vintage es una manifestación de la cultura moderna, que busca reinventarse un estilo de vida, altamente marcada por la apreciación hacia lo clásico, el arte y por los objetos únicos.

No obstante, no debemos desconocer que hoy su influencia ha atrapado las calles del mundo, en donde las mujeres interpretan el vintage y lo adaptan a su diario vestir.

Diversos estilos como por el Boho Chic o el Hippie Chic, lo incluyen, combinando

materiales y accesorios que definen esta tenencia.

El secreto está en la combinación y obvio en arriesgarse, recuerda que nada mejor que combinar adecuadamente y no pasarse con los accesorios.

El vintage es una manifestación de la cultura moderna, que busca reinventarse basándose en épocas antiguas, en las que el detalle y la minucia hacían parte del diario vestir, y al que hoy buscan acercarse muchas fashionistas alrededor del mundo que quieren expresar a través de su vestimenta, su propia visión del arte, la vida y lo que las rodea. Haciendo esto parte de tu vida.

La invasión británica en el mundo de la música 84

Un anรกlisis sobre las nuevas propuestas musicales provenientes del Reino Unido.

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Historia de la invasión Británica

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mediados de los años sesenta cuatro bandas británicas encabezaron un viaje hacia suelo americano que no solo tuvo un impacto mediático, sino que también agitó a la cultura popular tal y como la conocemos. The Beatles, The Rolling Stones, The Who y The Kinks impusieron un nuevo sonido, hasta ese entonces desconocido en nuestro lado del mundo, que trascendió a la idiosincrasia del individuo promedio.

A partir de ese momento la influencia sonora del Reino Unido se convirtió en una constante que vio varias oleadas musicales hacer su propio recorrido a

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través del Atlántico. En los setentas fue el punk de Sex Pistols y The Clash; en los años ochenta el rock-pop de actos como Depeche Mode, The Police, Pet Shop Boys, New Order, The Smiths, Duran Duran y, por supuesto, The Cure; más tarde, en los noventa, llegó el llamado brit-pop con grupos del tamaño de Oasis, Blur y Pulp; y durante la década pasada el regreso a los sonidos de cochera como The Libertines, Franz Ferdinand, Kaiser Chiefs, Kasabian y The Arctic Monkeys.

Con toda medida guardada, una nueva invasión no solo se ha gestado en el mundo, sino que ha dominado las listas de popularidad actuales.

La invasión británica de 2014

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esde hace ya un par de años los artistas provenientes del Reino Unido se han ido haciendo hueco en las listas de ventas más importantes de todo el mundo. Amy Winehouse o Adele fueron claros ejemplos de lo que estaba por venir. Pero ahora mismo y desde el pasado 2014, la influencia de la música británica en el resto del mundo es un hecho.

Es por eso que hoy, desde Kulturetas, os traemos un repaso a los artistas de las islas que más lo han petado en estos últimos doce meses. Un fenómeno al que me gustaría denominar como la “invasión británica”.

Sam Smith

En Diciembre de 2013 sacaba al mercado su primer single “Money On My Mind“, el tema que lo dio a conocer, pero que pudo despistar a muchos por su estilo. Fue ya en Marzo de 2014 cuando conocimos el single “Stay With Me”. Y ahí sí, todo el mundo se preguntaba “¿quién es Sam Smith?”.

El timbre de su voz y la calidad de su música lo han convertido en uno de los artistas más importantes del pasado año. Y es que cuando hay calidad, sobran las palabras.

Ed Sheeran

Otro ejemplo de calidad indiscutible.

Con solo un álbum en el mercado, + (2011), Ed Sheeran se convirtió en todo un referente a lo largo y ancho del planeta. ¿Quién no ha tarareado alguna vez el “The A Team” del pelirrojo irlandés? Las ventas de su primer trabajo se disparaban y todo hacía presagiar un muy buen futuro para Ed en la industria de la música. Solo eran necesarias su increíble voz y su guitarra para que todo el mundo se rindiese ante él.

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Su regreso se hacía esperar, pero por fin en Junio de este año, su nuevo álbum X salía a la venta. ¿Y cual fue el resultado? Éxito indiscutible con número 1 en Reino Unido y América.

Temas como “Thinking Out Loud” o “Photograph” siguen haciendo que este chico bata cada vez más récords, siendo un muy buen ejemplo de la invasión británica.

Jessie J

Si hay un tema que estos últimos meses no ha salido de tu cabeza, ese es “Bang Bang“. La artista británica Jessie J hizo piña con Ariana Grande y Nicki Minaj en esta canción que tantas y tantas veces hemos escuchando. ¡Y es que es muy pegadiza!

Aunque solo consiguiese llegar al puesto número 3 del Billboard USA, la influencia de Jessie J es incuestionable.

En toda gala de premios que se precie, Jessie J estaba presente con “Bang Bang”, desde los MTV Video Music Awards, hasta los American Music Awards. Ya al otro lado del charco le tenían mucho aprecio a esta artista, pero su vuelta a los escenarios no pudo tener mejor acogida.

Ella Henderson

Si había un debut esperado desde hace un par de años en el Reino Unido, ese era el de la ex concursante de The X Factor UK, Ella Henderson. La que era la benjamina de la edición de 2012 se tomó su tiempo componiendo para su álbum debut y reflexionando sobre el sonido con el que quería presentarse en la industria. ¿El resultado? Su primer single, “Ghost”, se estrenó en el número 1 y se consagró como el tema que más copias vendió en UK en verano de 2014.

Después de su éxito en UK, comienza la invasión británica, y es que ya ha actuado en los premios American Music Awards 2014, y en programas como The Voice USA, Ellen Degeneres.

One Direction

Si hay un grupo que se ha tomado muy en serio lo de la invasión británica, ese es One Direction. Y es que no solo ha conquistado las listas de ventas de países como Estados Unidos o Australia, no; es que ya no se me ocurre un país en el que no hayan pegado fuerte. Todo comenzó en el año 2011 con el debut de su álbum Up All Night. A este disco le siguieron Take Me Home (2012), Midnight Memories (2013) y Four (2014).

A lo largo de estos cuatro años han conseguido un total de 91 números 1 y vender más de 50 millones de discos en todo el mundo. ¡Qué se dice pronto! Lo cierto es que estos chicos continúan batiendo récords, el más reciente, el entregado por Billboard USA por ser el único artista británico en llevar al número 1 sus cuatro primeros álbumes.

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Hozier, Clean Bandit, TheVamps…

Además de los grandes artistas que ya conocemos de sobra, hay muchos otros cantantes o grupos que a lo mejor no sabías que eran británicos, pero que están contribuyendo a esta invasión británica. Es el caso de The Vamps, un grupo de chicos que comenzó a subir covers a Youtube y que consiguieron que su primer álbum Meet The Vamps debutase en el puesto número 2. Desde entonces, América y el resto del mundo fue pan comido.

Puede que Hozier no te suene mucho, o que el tema “Take Me To Church” no te venga a la cabeza. Pero lo cierto es que este artista ha encontrado su éxito en este año 2014. En el Billboard USA está a día de hoy en el puesto número 2. Este año ha conseguido hacerse un hueco actuando en el desfile de Victoria’s Secret 2014 o en el festival de Glastonbury.

Otros artistas como Clean Bandit y su “Rather Be” también han conseguido triunfar en el 2014 llegando al top 10 en el Billboard USA y siendo tema obligado en todo festival de UK. Y lo mismo ocurre con Calvin Harris que se ha aliado con dos británicos, Ellie Goulding y John Newman en los singles “Blame” y “Outside“. Y un último nombre, Birdy. La cantante británica alcanzó su éxito formando parte de la BSO de la película Bajo la misma estrella. ¿Lo ves Kultureta? La invasión británica se ha hecho más que patente en el recién acabado año. Millones de discos vendidos en todo el mundo e innumerables números 1 que son el resultado de la calidad de la música que se produce en el Reino Unido. La pregunta es, ¿continuará esta invasión en el 2015?

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Los 5 discos más importantes de los 90 1. Primal Scream: Screamadelica (1991)

El tercer disco de Primal Scream puso banda sonora a la era post-Thatcher: mientras John Major asumía el poder, los jóvenes británicos buscaban la felicidad en las raves alimentados por una droga nueva, el MDMA, que se coló en Scremadelica a ritmo de house, dub, psicodelia, gospel y rock stoniano.

2. Blur: Parklife (1994)

Parklife es como una emisora que recorre todos los estilos tradicionales del pop del Reino Unido: melodías sesenteras, punk, glam, new wave, psicodelia y music hall. Todo el mundo se acogió a esta celebración británica sin darse cuenta de que tras la fanfarria latía la auténtica alma de Blur: una melancólica visión del pasado y presente de las Islas que no siempre era amable y optimista.

3. Oasis: Definitely maybe (1994)

Los arquetipos ingleses volvían a salir a la luz: norte vs. sur, pobres vs. ricos, rebeldes vs. buenos chicos.

La prensa musical y los sellos alimentaron la confrontación y tanto Blur como Oasis cayeron en la trampa.

Pero pocos años han dado tres obras maestras como Parklife, Definitely maybe (y Dummy, de Portishead).

Live forever, Slide away y Rock ’n’ roll star no son canciones, son himnos.

4. Suede: Dog man star (1995)

En mitad de los fastos, Brett Anderson y Bernard Butler se afanaron en crear un álbum monumental en el que le cantaban a las amas de casas, a los inadaptados, las drogas y a una suerte de romanticismo de extrarradio en el que las autopistas y las ciudades dormitorio podían tener tanto glamour como Hollywood.

5. The Verve: A northern soul (1968)

Richard Ashcroft al que apodaban Mad Richard y al que Noel Gallagher describió como “el hombre que no proyecta sombra” en su canción Cast no shadow, en mitad de todo ese tinglado, consiguió serenar a a su grupo lo suficiente como para elaborar este tratado de psicodelia narcótica elegante cuyo título no deja de tener su componente de “orgullo del Norte” y que contenía piezas de indudable belleza.

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TOP 10 del mes 6.

1.

Uptown Funk

Earned It

Mark Ronson ft Bruno Mars

2.

The Weeknd

7.

Sugar

Style

Maroon 5

3.

Taylor Swift

8.

Lay Me Down

Thinking Out Loud

Sam Smith

Ed Sheeran

4.

9.

Love Me Like You Do Ellie Goulding

5.

Pitbull & Ne-Yo

10.

FourFiveSeconds

Rihanna & Kanye West & Paul McCartney

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Time Of Our Lives

Trap Queen Fetty Wap