MOTIF

Impresionismo

Técnica y Estética del movimiento

Panorama Mundial del Impresionismo

Postimpresionismo Cézanne, Van Gogh y más

Mex $65.00

Año 3 Nº 3

www.motif.com.mx

Edgar Degas

"En arte, nada debería parecer casual, ni siquiera el movimiento"

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CARTA » de la editora « Aunque el término Impresionismo se aplica en diferentes artes como la música y la literatura, su vertiente más conocida, y aquella que fue la precursora, es la pintura impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa -principalmente en Francia- caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual), sin importar la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz y el movimiento de las formas.

Los impresionistas muestran gusto por la fugacidad, superficies borrosas y vaporosas y el difuminado y mezcla de amarillos y rojos intensos.

Así como la descripción de un momento visual más allá de la descripción formal, en el que la luz y los colores dan lugar a una «impresión» más poderosa.

En este numero dedicado al impresionismo exploraremos desde la estética más común del movimiento, pasando por artistas destacados, hasta el impresionismo en medios menos comunes, como el cine y la literatura.

Personalmente este es uno de mis movimientos pictóricos favoritos, y espero que disfruten de esta edición.

Finanzas

Oziel Fontecha Director de Administración y Finanzas

Relaciones Públicas Ana Sofía Pishas Gerente Ricardo Piña Ejecutivo

Alejandra Pérez Editora

MOTIF. Marca Registrada. Año 2, Nº 4. Fecha de publicación: abril de 2016. Revista mensual, editada y publicada por Editorial Televisa, S.A de C.V., Av Vasco de Quiroga Nº 2000, Edificio E, Col. Santa De, Del. Álvaro Obregón, C.P 01210, México, D.F., tel. 52-61-26-00, por contrato de licencia celebrado con Motif, Yucatán, México. Editora Responsable Alejandra Pérez. Número 000000000213-102 de fecha 23 de junio de 2015, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Titulo Nº 1833, de fecha 5 de marzo de 2014; Certificado de Licitud de Contenido Nº 1087, de fecha 5 de marzo de 2014, ambos con expediente Nº 1/432”78”/409, ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Distribuidor exclusivo en México: Distribuidora Intermex S.A. de C.V., Lucio Blanco Nº 435, Azcapotzalco, C.P. 02400, México D.F. Tel. 52-30-95-00. Distribución en la zona metropolitana: Unión de Expendedores y Voceadores de los Periódicos de México A.C., Barcelona Nº 25, Col. Juárez, México, D.F. Tel 55-91-14-00. Impresa en: Offset Multicolor S.A., Calzada de la Viga Nº 1332, C.P. 09430, México, D.F. Tel. 56-33-11-82.El material editorial que aparece en esta edición es propiedad registrada de MOTIF. Editorial Televisa S.A. de C.V. investiga sobre la seriedad de sus anunciantes, pero no se responsabiliza con las ofertas relacionadas por los mismos. Atención a Clientes: a toda la Republica Mexicana tel. 01 800 7384 782. Exportada por Editorial Televisa, S.A. de C.V. Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la postura del editor de la publicación. Queda estrictamente prohibida la reproducción total o parcial del contenido e imágenes de la publicación sin previa autorización de Editorial Televisa. S.A. de C.V. Fuentes usadas: Baskerville y Baskerville Old Face.

ÍNDICE Movimiento Artístico 7 Impresionismo

Características 10 Técnica y Estética

Artistas

12 Edgar Degas 15 Claude Monet 18 Mary Cassatt

Panorama Mundial

24 Alemania, Bélgica, y España 29 Estados Unidos 32 Holanda, Hungría, e Italia

Legado

36 Postimpresionismo

Otros Medios

24 Literatura 42 Cine

Pierre-Auguste Renoir, Still life Roses of Vargemont.

I S

Movimiento Artístico

MOTIF • Abril 2016

IMPRE SIONISMO Claude Monet, Sol Naciente.

Introducción al Movimiento Por Mariana Díaz Pérez

“Los pintores del impresionismo retrataban objetos de acuerdo a la impresión que la luz produce a la vista y no según la supuesta realidad objetiva.”

lo hacen de muy difícil extensión, incluso para otras artes plásticas como la escultura (Rodin) y la arquitectura; de tal modo que suele decirse que el Impresionismo en sentido estricto sólo puede darse en pintura y quizá en fotografía (pictorialismo) y cine (cine impresionista francés o première avant-garde: Abel Gance, Jean Renoir -hijo del pintor impresionista Auguste Renoir-).

El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintaban el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo este.

Fue clave para el desarrollo del arte posterior, a través del postimpresionismo y las vanguardias.

Impresionismo es la denominación de un movimiento artístico definido inicialmente para la pintura impresionista, a partir del comentario despectivo de un crítico de arte (Louis Leroy) ante el cuadro Impresión, sol naciente de Claude Monet, generalizable a otros expuestos en el salón de artistas independientes de París entre el 15 de abril y el 15 de mayo de 1874 (un grupo en el que estaban Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, Alfred Sisley y Berthe Morisot).

Precedentes

Aunque el adjetivo “impresionista” se ha aplicado para etiquetar productos de otras artes, como la música (impresionismo musical -Debussy-) y la literatura (literatura del Impresionismo -hermanos Goncourt-), sus particulares rasgos definitorios (luz, color, pincelada, plenairismo)

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En la primera mitad del siglo XIX, en pleno romanticismo, Joseph Mallord William Turner y John Constable —pintores paisajistas ingleses— sentarían las bases sobre las que más adelante trabajarían los impresionistas.

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Movimiento Artístico

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De Turner los impresionistas tomarían su gusto por la fugacidad, sus superficies borrosas y vaporosas y el difuminado y mezcla de amarillos y rojos intensos. Así como la descripción de un momento visual más allá de la descripción formal, en el que la luz y los colores dan lugar a una «impresión» más poderosa. El máximo exponente de estas características lo encontramos en Lluvia, vapor y velocidad (1844) National Gallery de Londres, un cuadro preimpresionista. Los impresionistas eliminarán el componente sublime de la obra de Turner, propio de la pintura romántica.

Inicios Con anterioridad al Impresionismo, el marco artístico, era dominado por el eclecticismo, al que respondió la generación de las rupturas estilísticas, una serie de rupturas que darán personalidad propia al arte moderno.

La primera de ellas o, si se prefiere, su preámbulo, es el Impresionismo, un movimiento, resultado de una prolongada evolución, que coloca definitivamente al siglo XIX bajo el signo del paisaje y que busca un lenguaje nuevo basado en un naturalismo extremo.

Tiende a usar con creciente frecuencia colores puros y sin mezcla, sobre todo los tres colores primarios y sus complementarios, y a prescindir de negros, pardos y tonos terrosos. Aprendieron también a manejar la pintura más libre y sueltamente, sin tratar de ocultar sus pinceladas fragmentadas y la luz se fue convirtiendo en el gran factor unificador de la figura y el paisaje.

Florecimiento y Primera Exposición

El año 1873 marcará un giro característico del Impresionismo: el paso de la fase preparatoria a la fase de florecimiento. Los tanteos estaban olvidados y el trabajo adelantado. Pisarro y Monet habían hecho en Londres estudios de edificios envueltos en nieblas; Alfred Sisley, aún más vaporoso, se les había adelantado por ese camino; Renoir se hallaba, de momento, bajo la total influencia de Monet; y Edgar Degas empezaba a tratar los tutús de sus bailarinas del mismo modo que Monet o Renoir las flores del campo.

Todos los impresionistas, incluyendo a Berthe Morisot, eran ya conscientes de formar un grupo y de tener iguales objetivos que defender.

Su primera aparición pública como tal se estaba fraguando. A fin de pesar más a los ojos del público intentaron atraerse a otros artistas y fundaron una Sociedad anónima de pintores, escultores y grabadores que, por fin, en 1874, logró organizar una muestra en los salones del fotógrafo Nadar.

En total participaron treinta y nueve pintores con más de ciento sesenta y cinco obras de las que diez eran de Degas, la mayor aportación individual del grupo, y entre las que estaba la ya legendaria Impresión: sol naciente de Monet que, burlonamente citada por un crítico, dio nombre al grupo. † Edgar Degas, Pequeña Bailarina de Catorce Años.

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Características

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TÉCNICA Y ESTÉTICA Características Icónicas Por Zanoni Amezcua Zapata

Colores Puros

La segunda mitad del siglo XIX presenció importantes evoluciones científicas y técnicas que permitieron la creación de nuevos pigmentos con los que los pintores darían nuevos colores a su pintura, generalmente al óleo.

Los pintores consiguieron una pureza y saturación del color hasta entonces impensables, en ocasiones, con productos no naturales. A partir del uso de colores puros o saturados, los artistas dieron lugar a la ley del contraste cromático, es decir: «todo color es relativo a los colores que le rodean», y la ley de colores complementarios enriqueciendo el uso de colores puros bajo contrastes, generalmente de fríos y cálidos.

Las sombras pasaron de estar compuestas por colores oscuros a estar compuestas por colores complementarios que, a la vez, creaban ilusión de profundidad. La característica principal es el uso de complementarios, de la luz a la sombra y en un mismo valor, esto se denomina modulado del color. Podemos decir que, rompiendo con la dinámica clásica del claroscuro, donde el contraste se da por valor, esto se denomina modelado del color; el contraste entre claridad y oscuridad es la que generan la ilusión de profundidad. Asimismo enriquecieron el lenguaje plástico separando los recursos propios del dibujo y aplicando únicamente los recursos propios de la pintura: es decir, el color.

Para definir la forma, su riqueza de color les permitió afinar el volumen mediante más matices lumínicos, creando luces dentro de las zonas de sombra y sombras dentro de

las zonas iluminadas recurriendo únicamente al uso del color. Un buen ejemplo del uso de los colores saturados para luces y sombras indistintamente lo encontramos en el cuadro La catedral de Ruan de Claude Monet al lado. Este uso de los colores tendría influencia sobre las primeras vanguardias, especialmente por el fovismo de Matisse o Gauguin.

Pinceladas

Aunque la teoría gestáltica apareció más adelante, los pintores impresionistas mostraron plásticamente lo que la psicología de la Gestalt vendría a demostrar psicológica y científicamente más adelante: perceptivamente, si se dan ciertas condiciones, partes inconexas dan lugar

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Características

MOTIF • Abril 2016 a un todo unitario. El uso de pequeñas pinceladas de colores puros resultó en un todo vibrante; y, aunque las pinceladas aisladamente no obedecieran a la forma o al color local del modelo, en conjunto —al ser percibidas global y unitariamente— adquirían la unidad necesaria para percibir un todo definido. Este recurso fue llevado al máximo por los neoimpresionistas, también conocidos como puntillistas como Seurat o Signac.

Forma

La plasmación de la luz sobre el cuerpo es más importante que la descripción de su forma.La descripción de la forma, relegada a segundo plano y dejada a manos del dibujante y no del pintor queda subordinada a la definición de las condiciones particulares de iluminación. Por eso los artistas impresionistas buscarán condiciones pintorescas de iluminación como retos a su genio, recurriendo a iluminaciones de interior por luz artificial —como Edgar Degas y sus bailarinas—, la iluminación natural filtrada —como Auguste Renoir y la luz pasando entre hojas de árboles— o la iluminación al aire libre con reflejos en el agua o multitudes de gente como Claude Monet.

Bob Ranking, Sunset.

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La pintura pasa a ocuparse de aquello que le es intrínseco: la luz y el color y en ningún caso a la descripción formal del volumen heredada del clasicismo; Así las formas se diluyen, se mezclan o se separan de forma imprecisa dependiendo de la luz a la que están sometidas, dando lugar a esa «impresión» que le da nombre al movimiento. †

DGAR DEGA

Artistas

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Uno de Los Fundadores del Impresionismo Por Michelle Gorocica Medina

Hilaire-Germain-Edgar Degas, más conocido como Edgar Degas, fue un pintor y escultor francés.

Considerado uno de los fundadores del Impresionismo, aunque él mismo rechazaba el nombre y prefería llamarlo realismo o arte realista, Degas fue uno de los grandes dibujantes de la historia por su magistral captación de la sensaciones de vida y movimiento, especialmente en sus obras de bailarinas, carreras de caballos y desnudos. Sus retratos han sido muy apreciados por la complejidad psicológica y sensación de verdad que transmiten.

Edgar Degas, The Ballet Class.

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Artistas

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Degas es clasificado usualmente como un artista impresionista, descripción sin embargo insuficiente. El Impresionismo se originó entre 1860-1870 partiendo del realismo de pintores como Courbet y Corot. Los impresionistas pintaban la realidad usando colores brillantes y saturados, centrándose principalmente en los efectos de la luz y la atmósfera, buscando transmitir una sensación de inmediatez.

Técnicamente, Degas difiere de los impresionistas ya que él “nunca adoptó la técnica de mancha y color”, y menospreciaba la práctica de la pintura al aire libre. Según la historiadora de arte Carol Armstrong, Degas era más bien un anti-impresionista que criticaba muchas de las obras que seguían dicho movimiento. Tal y como el mismo Degas llegó a explicar “Ningún arte fue nunca menos espontáneo que el mío.

Lo que hago es el resultado del estudio de grandes maestros; de inspiración, espontaneidad o temperamento, yo no sé nada.” Sin embargo, el tipo de arte de Degas se apega más al Impresionismo que a cualquier otro movimiento artístico. Sus escenas sobre la vida parisina, la composición y sus experimentos con el color y la forma; sin mencionar su cercanía con varios notables artistas impresionistas como Cassatt o Manet relacionan indudablemente a Degas con el movimiento impresionista.

Durante el inicio de su carrera, Degas dedicó gran parte de su tiempo a retratos tanto individuales como grupales, como La familia Bellelli (1858-67) que retrata a su tía con su esposo e hijos. En varias de estas obras Degas refleja la tensión que sentía presente entre hombres y mujeres.

Dentro de sus primeras obras, Degas ya mostraba las primeras evidencias del estilo que más tarde desarrollaría, modificando el formato del cuadro y eligiendo puntos de vista inusuales.

ʻʻEn arte, nada debería parecer casual, ni siquiera el movimientoʼʼ -Degas

El estilo de Degas refleja el respeto que sentía hacia los maestros clásicos (fue un copista entusiasta durante gran parte de su vida) en especial hacia sus admirados Jean Auguste Dominique Ingres y Eugène Delacroix. Degas era un gran coleccionista de grabados japoneses, cuyos principios compositivos influyeron fuertemente en sus obras, al igual que el realismo de ilustradores como Daumier y Gavarni. Aunque Degas es reconocido principalmente por sus caballos y bailarinas, inició su carrera con pinturas históricas convencionales, como La hija de Jephthah (1859-61) y Los jóvenes espartanos (1860-62), en los cuales sin embargo el tratamiento de las figuras es notablemente anticonvencional.

A finales de la década de 1860, Degas abandona la temática historicista de sus pinturas y comienza a dedicarse a la observación de la vida contemporánea. Las escenas de carreras de caballos le permitieron estudiar el movimiento de caballos y jinetes dentro de un contexto moderno.

También comenzó a pintar mujeres trabajando como modistas o lavanderas. Mlle. Fiocre en el Ballet La Souce, exhibida en el Salón de 1868, fue su primera gran obra centrada en un nuevo tema con el que se le identificaría particularmente: las bailarinas.

En varias de sus pinturas posteriores, Degas retrató bailarinas ensayando o preparándose tras el escenario, enfatizando su estatus de profesionales haciendo su trabajo.

A partir de 1870, las obras de bailarinas aumentaron considerablemente, en parte por la necesidad de pagar las deudas de su hermano, que habían dejado a la familia en bancarrota, ya que las pinturas de esta temática se vendían bien. Degas comenzó de igual manera a retratar escenas en cafés, como en sus obras La absenta y Cantante con un guante. A menudo sus pinturas insinuaban un contenido narrativo de una manera altamente ambigua; por ejemplo Interior (también llamada “La violación”), en cuya temática los historiadores han buscado infructuosamente una referencia literaria detrás; aunque puede representar una simple escena de prostitución.

Al cambiar el tema en sus obras, Degas cambió de igual manera su técnica y estilo. La paleta de colores opacos, que surgieron por influencia de la pintura holandesa, fue remplazada por colores mucho más vivos y pinceladas mucho más marcadas. La falta de color en Ensayos de ballet (1876) e Instructor de ballet señala un posible cambio en su técnica motivado por su interés en la fotografía El estilo de Degas se distingue por sus zonas inacabadas, incluso en pinturas altamente detalladas. Frecuentemente culpaba dichas faltas a sus problemas en la vista, argumento que fue refutado por varios colegas y coleccionistas que creían poco probable que “alguien con problemas de vista pudiera pintar de tal manera”.

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Edgar Degas, Autorretrato.

Su interés en los retratos llevó a Degas a estudiar el comportamiento de las personas y la manera en que estas revelan parte de su estatus a través de su fisionomía,

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Edgar Degas, Danseuse Rajustant Son Chausson.

postura, prendas y otros atributos. En su obra Retratos en la bolsa de valores, Degas retrató un grupo de trabajadores judíos con ciertos indicios de antisemitismo. En 1881 exhibe dos obras al pastel: Criminal Physiognomies, donde retrataba a un grupo de jóvenes, miembros de una pandilla, que habían sido condenados recientemente por asesinato en el llamado “Caso de la Abadía”. Degas asistió al juicio llevando consigo su cuaderno de bocetos; sus numerosos dibujos revelan el interés del pintor sobre las ideas atávicas defendidas por los científicos del siglo XIX como evidencia de la criminalidad innata.

En sus pinturas de bailarinas y lavanderas, Degas refleja las ocupaciones de ambas no solo por su atuendo sino por su estructura física: sus bailarinas exhiben un físico atlético y grácil, mientras que las lavanderas poseen un cuerpo pesado y sólido.

A finales de la década de 1870, Degas dominaba tanto el óleo sobre lienzo como el pastel. El medio seco, el cual aplicó en diversas y complejas capas y texturas, le permitía trazar las formas con más facilidad y explotar libremente el uso de los colores. Alrededor de esos años, Degas retoma la técnica del grabado, la cual había abandonado diez años atrás. Al principio aprendió junto a su amigo Ludovic-Napoléon Lepic, un innovador de la técnica del grabado, y comenzó a experimentar con la litografía y monotipia. Degas tenía una fascinación particular por los efectos que producía la monotipia y modificaba las imágenes impresas utilizando pastel. Hacia 1880 la escultura se había convertido en otro apartado más de la búsqueda de Degas por encontrar nuevos y diferentes medios expresivos, aunque el artista únicamente mostró en público una escultura a lo largo de su vida.

En la evolución que sufrió el estilo del arte de Degas, algunas características se mantuvieron inmutables a lo largo de toda su vida. Primeramente, sus pinturas se realizaban en interiores (usualmente en su estudio) utilizando como referencia la memoria, fotografías o modelos; sus pocos paisajes fueron compuestos a través de la imaginación o incluso de memoria. Era usual en Degas el repetir un mismo tema en varias ocasiones, sin embargo siempre con alguna variación dentro de la composición o el tratamiento. Fue un artista cuyas obras eran, como apuntó Andrew Forge, “bien preparadas, calculadas, practicadas, y desarrolladas en etapas. Estaban compuestas de partes. El ajuste de cada parte para crear un todo, el arreglo lineal, era la ocasión para reflexión infinita y experimentación”.†

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Artistas

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CLAUDE MONET

Por Jorge Carlos Peniche Pérez

»Monet es el artista-jardinero por excelencia en la historia del arte, es difícil pensar en otro pintor que supiera combinar la pintura y la jardinería con la profundidad y el detalle con que él lo hizo«

Oscar-Claude Monet fue un pintor francés, uno de los creadores del impresionismo. El término impresionismo deriva del título de su obra Impresión, sol naciente, pintada en 1872.

Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de estilo realista. Monet logró exponer algunas en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró su situación económica a la vez que afianzó su decisión de continuar en ese azaroso camino.

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En la década de 1870 formó parte de las exposiciones impresionistas en las cuales también participaron

Claude Monet, Nympheas.

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Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas.

Su obra Impresión, sol naciente formó parte del Salon des Refusés de 1874. Su carrera fue impulsada por el marchante Paul Durand-Ruel, pero a pesar de esto su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de 1890. En esta época, Monet desarrolló el concepto de las «series», en las que un motivo es pintado repetidas veces con distinta iluminación. Al mismo tiempo comenzó a trabajar en el famoso jardín de su casa en Giverny con estanques de nenúfares que luego utilizó como motivo para sus pinturas.

Ningún pintor del grupo fue tan puramente impresionista como Monet. En su obra el factor dominante es un claro esfuerzo por incorporar el nuevo modo de visión, sobre todo el carácter de la luz, mientras que la composición de grandes masas y superficies sirve únicamente para establecer cierta coherencia. Por su parte, Renoir fue el pintor que nos convence de que la estética del impresionismo fue, sobre todo, hedonista. El placer parece la cualidad más evidente de su obra, el placer inmediato y ardiente que produce en él la pintura. Nunca se dejó agobiar por problemas de estilo y llegó a decir que el objeto de un cuadro consiste simplemente en decorar una pared y que por eso era importante que los colores fueran agradables por sí mismos.

De todos los impresionistas, Monet fue el que con más énfasis practicó el plenairismo, es decir la práctica de la pintura al plein-air (en francés: 'aire pleno, total' y también –y ese es el significado que aquí más nos importa– aire libre), la pintura al aire libre. Aunque existe gran cantidad de pintores paisajistas previos a Monet, se nota en ellos que la factura de sus obras ha sido realizada principalmente dentro del taller tras un previo esbozo.

Hasta la segunda mitad de s. XIX, las pinturas (óleo, temple) eran realizadas artesanalmente y envasadas en frascos, vejigas, etc. La invención de los pomos (un positivo producto de la Revolución industrial), permitió a los pintores llevar sus óleos o témperas al aire libre, bajo el sol, sin que estos elementos se secaran u oxidaran rápidamente como había sucedido hasta entonces.

Claude Monet, Woman With Parasol Facing Left.

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Al aire libre, bajo la luz directa del sol, pudo minuciosamente observar y plasmar

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Artistas casi inmediatamente, con pinceladas libres, los efectos de la luz sobre los objetos, los cambios, las vibraciones de esa luz; por esta razón la pintura de Monet resulta especialmente vital y llena de armonías.

Inspirado en el ambiente de sus jardines en Giverny, inició en 1906 la serie de cuadros sobre plantas florales acuáticas, (los cuadros de ninfeas y nenúfares que pueden admirarse actualmente en el museo parisino de La Orangerie).

Todo puede deducirse de una simple afirmación que realizara el artista:

ʻʻEl motivo es para mí del todo secundario; lo que quiero representar es lo que existe entre el motivo y yoʼʼ- Claude Monet Aunque algunos autores siguen atribuyendo a su problema en la vista su abstracción pictórica, considerando su retorno a un estilo más controlado luego de las operaciones de cataratas en 1923. †

Claude Monet, Autoportret.

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Artistas

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MARY CASSAT Dibujante, Pintora y Grabadora Americana Por Sabeli Castillo Romero

»Mary Cassatt fue conocida como una de "Las Tres Grandes Damas" del impresionismo, junto a Marie Bracquemond y Berthe Morisot« Mary Stevenson Cassatt fue una pintora y grabadora americana. Aunque nacida en Pensilvania, pasó gran parte de su vida adulta en Francia, donde forjó amistad con Edgar Degas y se incorporó al movimiento impresionista. Cassatt pintó, principalmente, imágenes representando la vida social y privada de las mujeres, con especial énfasis en los lazos entre ellas y sus hijos.

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Al regresar a Europa, en otoño de 1871, la situación de Cassatt cambió. Su pintura Two Women Throwing Flowers During Carnival fue bien recibida y comprada en el Salón de 1872. En Parma atrajo la atención del público y fue apoyada y alentada por la comunidad artística: «Todo Parma está hablando de la señorita Cassatt y de sus imágenes, todo el mundo está ansioso por conocerla».

Después de terminar su encargo en Italia, Cassatt viajó a Madrid y Sevilla, donde pintó algunas obras basadas en diferentes temáticas españolas, entre ellas Spanish Dancer Wearing a Lace Mantilla (1873, Museo Nacional de Arte Americano de la Institución Smithsonian).

En 1874, tomó la decisión de establecer definitivamente su residencia en Francia. Se instaló con su hermana Lydia, compartiendo apartamento con ella, y abrió un estudio en París. La hermana de Louisa May Alcott, Abigail May Alcott, era en ese momento estudiante de arte en París y visitaba constantemente a Cassatt. Por ese tiempo Mary criticó nuevamente la política del Salón y el estilo tradicional que en él prevalecía. Cassatt fue contundente en sus comentarios, según la información proporcionada por Sartain, quien escribió: «está totalmente loca, desaira todo el arte moderno, desdeña las imágenes de Cabanel, de todos los nombres que hemos reverenciado».

Cassatt advertía que las obras pintadas por mujeres eran tratadas, a menudo, con desprecio, a menos que la artista tuviera un amigo o protector en el jurado, y ella se negaba a coquetear con los miembros del jurado para ganarse su favor. Su cinismo creció cuando uno de los dos cuadros que presentó en 1875 fue rechazado por el jurado que, sin embargo, lo aceptó al año siguiente después de simplemente oscurecer el fondo. Cassatt discutía constantemente con Sartain, quien consideraba a Cassatt demasiado abierta y centrada en sí misma, hasta que finalmente se separaron. En esa época Cassatt decidió alejarse de la pintura de género y centrarse en temas más de moda, con el fin de atraerse los encargos de retratos de personajes de la alta sociedad estadounidense en el extranjero, pero el intento dio pocos frutos al principio.

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Mary Cassat, The Cup of Tea.

En 1877 las dos pinturas que presentó al Salón fueron rechazadas y por primera vez en siete años no tenía obras expuestas en él. En este punto bajo de su carrera, Edgar Degas la invitó a mostrar sus obras a los impresionistas, un grupo de artistas que habían comenzado a exponer de forma independiente en 1874 con mucha notoriedad. Los impresionistas (también conocidos al principio como los "independientes" o "intransigentes") no proponían un manifiesto formal y variaban considerablemente en el tema y la técnica. Preferían la pintura al aire libre y la aplicación de colores puros no mezclados en la paleta a base de pinceladas sueltas, lo que permitiría al ojo combinar los resultados de una manera "impresionista". Los impresionistas habían cosechado la ira de los críticos desde hacía varios años. Henry Bacon, un amigo de Cassatt, pensaba que los impresionistas eran tan radicales que estaban «afectados por alguna enfermedad de los ojos hasta entonces desconocida». En ese momento ya contaban con un miem-

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bro femenino, la pintora Berthe Morisot, quien se convertiría en amiga y colega de Cassatt.

Mary Cassat, After the Bullfight.

Obra Destacada Mary Cassatt eligió un tema esencialmente español, la ejecución de esta pintura de un torero en el ajuar completo fue durante su estancia prolongada en Sevilla.

Después de haber entrenado en Filadelfia y París, Cassatt aventuró sola a España para estudiar maestros del país y para seguir la trayectoria artística de los pintores modernos como Édouard Manet.

La pintura representa al torero en un momento relajado, muy alejado del espectáculo y la violencia del ring, Cassatt eludió detalle narrativo. En cambio, con una sensibilidad moderna, se centró en la figura masculina en una pose casual y emplea la pincelada vigorosa y rica pigmento para describir su traje. A pesar de la bravuconería característica del torero, también hace alusión a un coqueteo con una contraparte femenina fuera del marco.

Por Alejandra Pérez Chan

Cassatt admiraba a Degas, cuyos pasteles le habían causado una poderosa impresión cuando los vio en el escaparate de una galería de arte en 1875. «Yo solía ir a aplastar mi nariz contra la ventana y absorber todo lo que podía de su arte» recordó más tarde, «me cambió la vida; vi arte como quería verlo». Aceptó la invitación de Degas con entusiasmo y comenzó a preparar cuadros para la próxima exposición impresionista, prevista para 1878, que (después de un aplazamiento debido a la Feria Mundial) tuvo lugar el 10 de abril de 1879. Se sentía ya parte del grupo de los impresionistas y se unió a su causa con entusiasmo, declarando: «estamos llevando una lucha desesperada y necesitamos todas nuestras fuerzas».

Al no poder asistir a las reuniones en los cafés sin llamar una atención desfavorablemente, se reunía con ellos en privado y en las exposiciones. Ahora esperaba obtener éxito comercial y vender sus pinturas a los parisinos sofisticados que preferían las obras de avant-garde. Su estilo había ganado una nueva espontaneidad durante esos dos años en los que adoptó la costumbre de llevar siempre con ella un cuaderno de dibujo en el que esbozaba las escenas que veía.

En 1877, Cassatt se reunió en París con sus padres, que llegaron a la capital francesa con su hermana Lydia, con la idea de compartir un gran apartamento en el quinto piso del número 13 en la avenida Trudaine. Mary valoraba su compañía, ya que ni ella ni Lydia se habían casado. Cassatt había decidido que el matrimonio sería incompatible con su carrera. Lydia, que fue pintada con frecuencia por su hermana, sufría ataques recurrentes de enfermedad y su muerte en 1882 dejó a Cassatt momentáneamente incapaz de trabajar.

Mary Cassatt insistía, a pesar de la presencia de su padre, en cubrir los gastos del estudio con sus ventas, que seguían siendo escasas. Con miedo de tener que acabar pintando obras mediocres pero de fácil venta para llegar a fin de mes, se aplicó en la creación de obras de calidad con destino a la próxima exposición impresionista. Tres de sus obras más importantes en 1878 fueron: Portrait of the Artist (autorretrato), Little Girl in a Blue Armchair y Reading Le Figaro (retrato de su madre).

Degas tuvo una influencia considerable en Cassatt. Mary llegó a ser extremadamente competente en el uso de colores al pastel, realizando, con el tiempo, muchas de sus obras más importantes con este medio.

Degas también le introdujo en el grabado, del que era un maestro reconocido. Durante un tiempo trabajaron juntos y su dibujo lineal ganó fuerza bajo su tutela. Degas la mostró en una serie de grabados en sus visitas al Louvre. Ella atesoraba su amistad, pero aprendió a no esperar demasiado de su naturaleza voluble y temperamental después de frustrarse un proyecto en el que estaban colaborando en ese momento: una revista dedicada al grabado, que fue abruptamente abandonada por Degas. El elegante y sofisticado Degas, a sus 45 años, fue uno de los invitados a la cena de bienvenida en la residencia Cassatt y era bienvenido a sus soirées.

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Artistas

La exposición impresionista de 1879 fue la de mayor éxito hasta la fecha, a pesar de la ausencia de Auguste Renoir, Sisley, Manet y Cézanne, que intentaban una vez más obtener el reconocimiento en el Salón. A través de los esfuerzos de Gustave Caillebotte, que organizó y financió el evento, el grupo obtuvo beneficios y vendió muchas obras, aunque la crítica siguió tan dura como siempre. La Revue des Deux Mondes escribió: «El señor Degas y la señorita Cassatt son, sin embargo, los únicos artistas que se distinguen... que ofrecen cierta atracción, una excusa en un espectáculo pretencioso de escaparatismo y embarradura infantil».

Cassatt mostró once obras, incluyendo Lydia in a Loge, Wearing a Pearl Necklace. Aunque los críticos afirmaron que los colores de Cassatt eran demasiado brillantes y que sus retratos eran demasiado precisos para ser halagadores, su trabajo no fue atacado ferozmente como el de Monet, cuyas circunstancias eran las más desesperadas de todos los impresionistas del momento. Cassatt utilizó sus ganancias para comprar una obra de Degas y otra de Monet. Participó en las exposiciones impresionistas de 1880 y 1881 y continuó siendo un miembro activo del círculo impresionista hasta 1886. En 1886, Cassatt presentó dos cuadros para la primera exposición impresionista en los EE.UU., organizado por Paul Durand-Ruel. Su amiga Louisine Elder se casó con Harry Havemeyer en 1883 y con Cassatt como asesora, la pareja comenzó a coleccionar cuadros impresionistas a gran escala. Gran parte de su vasta colección se encuentra ahora en el Museo Metropolitano de Arte en Nueva York.

Mary Cassat, Child in a Straw Hat .

Cassatt hizo, también, varios retratos familiares en este período, entre ellos el Retrato de Alexander Cassatt y su hijo Robert Kelso que está considerado como una de sus mejores obras. El estilo de Cassatt evolucionó a partir de allí y se fue alejando del impresionismo en busca de un enfoque más sencillo. Después de 1886, Cassatt se dejó de identificar con cualquier movimiento de arte y experimentó con variedad de técnicas. †

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Alemania, Bélgica, y España El Impresionismo Alrededor del Mundo Por Martha Meza Conde

Alemania

Los criterios que se utilizan para evaluar el fenómeno estilístico internacional, llamado Impresionismo, es la proximidad o el alejamiento respecto a la pintura francesa de este período. Esto es válido también para los países de habla germana.

Entre los precursores alemanes de la pintura al aire libre podemos mencionar a: Karl Blechen, Carl Gustav Carus, Johann Georg Dillis, Wilhelm Leibl, Adolph von Menzel, Carl Schuch, y Johannes Sperl.

Muchos pintores impresionistas alemanes tuvieron estadías más o menos prolongadas en París, que había desplazado a Roma como meca de la peregrinación.

Este desplazamiento fue fuertemente impulsado por el surgimiento de academias, escuelas privadas de arte y por las exposiciones universales que se organizaron en París desde 1855.

Algunos artistas de la época fueron: Lovis Corinth y Max Liebermann.

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Lovis Corinth

Fue un pintor, grabador y escultor alemán cuyo trabajo maduro realizó una síntesis del impresionismo y expresionismo. Entre sus obras destacan: Ecce Homo (Basilea, Pinacoteca), Autorretrato con esqueleto (1896; Galería Estatal de la Casa Lenbach) y La familia del dios Marte (1910; Kunsthistorisches Museum de Viena). Dejó además una amplia producción gráfica.

Su único ejemplo en museos de España ha de ser la pintura La modelo del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Su obra fue exhibida en la célebre exposición Entartete Kunst en Múnich, los nazis lo consideraron arte degenerado.

Max Liebermann

Pintor y grabador judeo-alemán, destacado representante del impresionismo en Alemania, país donde lideró la pintura vanguardista durante más de 30 años.

En general, el "hallazgo" de las nuevas tendencias de la pintura francesa, es reconocida por los pintores alemanes, a partir de los años 90. Algunos autores consideran que estas afirmaciones tienen por finalidad evitar que fuera puesta en duda la originalidad de la propia pintura.

Bélgica

Con la proclamación del Reino de Bélgica en 1830, y a causa del creciente sentimiento nacionalista, surgieron esfuerzos destinados a perfilar un arte belga independiente.

El arte belga, derivado de las tradiciones de los Países Bajos, y que con los pintores flamencos Peter Paul Rubens (1577 – 1640) y Pieter Bruegel el Viejo (1525/30 – 1569) podían enorgullecerse de una importante tradición pictórica propia, pero a mediados del siglo XIX, se encontraba bajo una fuerte influencia de sus vecinos franceses.

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Los paisajes pintorescos y escenas campesinas, inspiradas en Holanda, son algunas de las expresiones más representativas de este pintor. Inicialmente, Liebermann ejecutó obras de marcado naturalismo, durante las últimas décadas de siglo XIX, el berlinés adoptó en su pintura el modernismo.

Desde 1945 en adelante, las obras de Liebermann que habían sido expoliadas durante la Segunda Guerra Mundial fueron y aún son gradualmente restituidas tanto a los museos europeos como a sus propietarios legítimos o a sus herederos. La obra de Liebermann figura en no menos de doce museos alemanes y diversas muestras de la obra pictórica de Liebermann fueron organizadas en ese país europeo en 2011.

Max Liebermann, Im Schwimmbad.

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En los años sesenta y comienzo de los setenta fue adquiriendo fuerza la admiración de la nueva pintura francesa, especialmente de Courbet, Millet, Degas y Manet.

Sin embargo el Impresionismo entró con vacilación y demora en la pintura belga. En esta penetración tuvo un importante rol la llamada Escuela de Tervueren. En 1884 surgió el grupo llamado Les XX (Los Veinte), del cual participaba, como fundador, uno de los pintores más famosos de la época, Isidore Verheyden ( 1846 – 1905), quien se manifestaba escéptico respecto a las últimas consecuencias del impresionismo, lo cual lo condujo más tarde a abandonar el movimiento. Una de las discípulas más conocidas de Verheyden fue Anna Boch ( 1848 – 1936) quien también pertenecía al “Les XX”, percibía con gran lucidez la problemática y las tendencias del arte moderno. La pintora compró muy pronto obras de Seurat y Gauguin, y adquirió la única pintura que Van Gogh logró vender en el transcurso de su vida.

El grupo de “Les XX” tuvo un rol fundamental en la entrada, la difusión y el conocimiento de la pintura impresionista en Bélgica.

En el grupo de "Les XX" se encontraban, entre otros: Georges Lemmen, Guillaume Vogels, Alfred William Finch, Théo van Rysselberghe, Fernand Khnopff, y Henry van de Velde.

por qué ser una influencia impresionista por sí, y estaba presente con anterioridad en la pintura española. El plenairismo en la pintura de paisaje se venía empleando también. Los efectos luminosos y cromáticos son las verdaderas novedades. No obstante, hay una genérica consideración como "impresionistas" o "pre-impresionistas" de muchos pintores del último tercio del siglo XIX. Muchos de ellos evolucionaron hacia el impresionismo a partir del realismo (denominación también muy problemática). También se utiliza la etiqueta "luminista" (no menos ambigua), especialmente para los pintores valencianos (luminismo valenciano) de entre los que destacan Joaquín Sorolla o Teodoro Andreu. Otros nombres que se suelen asociar al impresionismo español son Darío de Regoyos, Ignacio Pinazo, o Aureliano Beruete. Avanzado el final del siglo, especialmente en Cataluña, cambian los presupuestos estilísticos de la pintura de vanguardia, que se redefine como modernismo (modernismo catalán, Santiago Rusiñol, Ramon Casas).

Otros artistas importantes fueron: Adolfo Guiard, Anselmo Guinea Ugalde, Luis Jiménez, Aranda, Martín Rico, Luis Gallardo, y Marceliano Santa María.†

Para varios pintores del grupo de "Los Veinte", la manera impresionista y neoimpresionista no fue otra cosa sino una etapa de transición hacia las corrientes simbolistas y expresionistas, fenómeno que se ha intentado atribuir a un componente místico de la pintura flamenca.

España

La pintura española aportó una fuerte contribución al impresionismo francés.

La entonación grisácea y terrosa predominante en algunas obras de Velázquez (1599-1660), Murillo (1618-1682), Francisco de Zurbarán (1598-1664) y Francisco de Goya (1746-1828), despertaron gran interés entre los impresionistas franceses, especialmente en Manet, que manifestó una gran admiración por la "Edad dorada" de la pintura española, y visitó España en 1865 una única vez, aunque su admiración por este país es anterior a este viaje, y le llegó a través de un amigo de su padre, el crítico de arte Charles Blanc.

El impacto de la revolución del impresionismo en los pintores españoles no es algo muy claro. Obviamente, se conocían las innovaciones técnicas y estéticas, pero su aplicación no fue ni inmediata ni total. El uso de la pincelada suelta no tiene

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Joaquin Sorolla, Rocas de Jávea y el Bote Blanco.

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ESTADOS UNIDOS MOTIF • Abril 2016

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Por Mariana Castillo Aguirre

El Desarrollo del Estilo en América »A pesar que el arte impresionista americano no es de los mas conocidos, es importante reconocer la belleza de las pinturas« El impresionismo americano es un movimiento artístico que se presentó entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX. El impresionismo surgió como un estilo artístico en Francia durante los años 1860.

Varias exposiciones de obras impresionistas francesas en Boston y Nueva York durante los años de 1880 introdujeron el estilo al público estadounidense. Los primeros artistas estadounidenses de estilo impresionista, como Theodore Robinson, pintaron, desde finales de los años 1880 después de visitar Francia y conocer a artistas como Claude Monet. Otros, como Childe Hassam, prestaron atención al número creciente de obras impresionistas francesas en exposiciones estadounidenses.

Entre los años 1890 y 1910, el impre-

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Theodore Robinson, Correspondence.

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sionismo americano prosperó en las "colonias artísticas"; grupos de artistas afiliados que convivían y trabajaban juntos y compartían una visión estética común.

Artistas impresionistas se reunieron en Cos Cob y Old Lyme en Connecticut; New Hope en Pensilvania y el Condado de Brown, Indiana. También prosperaron artistas impresionistas en California, Nueva York y Boston.

El impresionismo en los Estados Unidos perdió su situación relativa en el mundo del arte en 1913 cuando en la armería del 69º regimiento de la Guardia Nacional en Nueva York tuvo lugar una exposición histórica de arte moderno.

La Armory Show, (Exposición Internacional de Arte Moderno) se convirtió en un punto de inflexión para las artes en Estados Unidos en dirección al denominado "arte moderno", especialmente acentuado por la Primera Guerra Mundial, la Gran Depresión y el comienzo de la Segunda Guerra Mundial.

Childe Hassam

Frederick Childe Hassam fue un pintor impresionista estadounidense. En 1886 viajó a París para estudiar arte en la Académie Julian (1886-1889). Tuvo como maestros a Gustave Boulanger y Jules Joseph Lefebvre. Hassam regresó a Estados Unidos en 1889, residiendo en Nueva York.

Childe Hassam, Improvisation.

El impresionismo francés y el arte de Monet tuvieron una fuerte influencia en Hassam. Formó parte del Ten American Painters, una asociación de pintores norteamericanos impresionistas. Entre sus obras más conocidas está la Flag series, treinta cuadros que comenzó a pintar en 1916 cuando se inspiró en el desfile de los voluntarios para la preparación de los Estados Unidos en la Primera

Guerra Mundial en la Quinta Avenida. Fue realizada al final de su vida. La más famosa pintura de la serie, The Avenue in the Rain (1917) representando banderas de Estados Unidos y sus reflejos en la lluvia es parte de la colección de la Casa Blanca y Barack Obama la situó en la Oficina Oval al comienzo de su presidencia.†

El Arte Japonés en el Impresionismo Americano Otra de las grandes influencias del nacimiento y desarrollo del Impresionismo en Estados Unidos es la estampa japonesa. El pintor Robert Blum, que vivió en Japón entre 1890-92, colaboró en la Exposición de Chicago de 1893, donde se expuso una gran muestra de grabados japoneses, que despertó en los pintores americanos el interés por la estampa.

Por Ximena Pérez Chan

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HOLANDA, HUNGRÍA E ITALIA

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Mihály Munkácsy, The Rivals

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El Dominio de la Luz

nes Warnardus Bilders, Bernard Blommers, Hendrik Pieter Bremmer, Théophile de Bock, Johannes Bosboom, Paul Gabriël, Johannes Hubertus Leonardus de Haas, Jacob Hendricus, Matthijs Hendricus, Gerrit van Houten, Jozef Israëls, y Jacob Maris.

Hungría

La autoestima de los húngaros resultó profundamente dañada a raíz del fracaso de su sublevación contra los Habsburgo en 1848/49. El país, caracterizado por una producción agropecuaria basada en el latifundio, se encontraba significativamente retrasado respecto a los países de Europa Occidental. Este hecho ha influenciado también el desarrollo de las artes en este período. Las principales motivaciones para los artistas húngaros de este período se encontraban la representación de la propia historia nacional, y los festejos en torno a las celebraciones del “milenio” de la conquista del país por parte de los jinetes magiares, y el descubrimiento y valoración de las particularidades de la vida popular y de las particularidades del paisaje.

»Para los impresionistas la luz era la palabra clave en sus composiciones« Por Steven Tyler

Holanda

La pintura holandesa del siglo XVII tuvo una gran influencia en los pintores impresionistas franceses de la Escuela de Barbizon, quienes encontraban en los paisajes de Salomon van Ruysdael, por ejemplo, una concepción de la naturaleza moderna que correspondía a sus propias aspiraciones.

Los impresionistas franceses también reconocieron esas cualidades y en la década de los sesenta, los pintores Frans Hals (1585 1666) y Jan Vermeer (1632 - 1675) despertaron profundo interés de aquellos artistas. En la obra de Hals apreciaban en especial la pincelada ancha y libre, mientras que en Vermeer admiraban la virtuosa coloración de sus obras, la cual la hacia llamativa, fresca y diferente.

Los pintores franceses de la época impresionista conocieron estos pintores, no solo a través de los cuadros expuestos en el Museo del Louvre, sino que también a través de los artículos del crítico de arte francés Théophile Thoré (1824 - 1869), y a través de numerosos contactos personales. Monet, por ejemplo consideraba al holandés Johan Barthold Jongkind (1819 - 1869) como su maestro más importante, junto a Boudin. En Jongkind se pone de evidencia, en forma muy especial la acción reciproca que se dio entre los pintores holandeses y franceses, que resultaron más tarde muy importantes para el impresionismo.

László Páal amigo de Munkácsy, vivió sus pocos años creativos en una situación muy difícil en París y Fontainebleau. Después de estudiar en Múnich, fue quien introdujo los principios de la Escuela de Barbizon en la pintura húngara.

Los principales pintores húngaros que se adhirieron al Impresionismo son: László Páal, Pál Szinyei Merse, Károly Ferenczy, y József Rippl-Rónai.

Italia

El desarrollo que el impresionismo tuvo en Italia fue algo particular, gracias a la experiencia de Federico Zandomeneghi y Giuseppe De Nittis, y de los Macchiaioli.

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En esta línea tuvo importancia, en las décadas de los setenta y ochenta, la llamada Escuela de la Haya, de la cual participaron, entre otros: Floris Arntzenius, Adolph Artz, Gerard Bilders, Johan-

Mihály Munkácsy contemporáneo de Monet y Liebermann, adquirió buena reputación internacional en Düsseldorf y en París, donde permaneció entre 1872 y 1896. Su fama se basó en su vigoroso realismo, pero manteniendo simultáneamente una eficaz “pintura de salón”, utilizando una amplia gama de temas que fueron desde las escenas de la alta sociedad y lujosas decoraciones hasta obras Frans Hals, Lachende jongen. en torno a dramas sociales y las cruentas luchas de liberación. La luz y el color, en las obras de Munkácsy no fueron influenciadas por la pintura al aire libre, siendo que solamente sus estudios tenían esa frescura y espontaneidad.

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Los macchiaioli (en italiano manchistas o manchadores) conformaron un movimiento pictórico que se desarrolló en la ciudad italiana de Florencia en la segunda mitad del siglo XIX. El término fue acuñado en 1862 por un columnista anónimo del periódico "Gazzeta del Popolo", que con esa expresión despreciativa definió al grupo de pintores que en torno a 1855 había originado una renovación antiacadémica de la pintura italiana. Estos jóvenes artistas se reunían en el "caffè Michelangiolo", en la Vía Cavour (en aquel entonces Vía Larga), donde bullían las nuevas ideas con que querían contribuir a la pintura de su época.

Pintura de Les Macciaoili, autor desconocido.

Macchiaioli vs Impresionismo Francés

El movimiento se propone renovar la cultura pictórica nacional. Los macchiaioli se oponían al Romanticismo y al Academicismo y afirmaban que la imagen de la realidad es un contraste de manchas de colores y de claroscuro.

Según algunos autores el movimiento de los "Macchiaioli" se ha adelantado en 10 años al surgimiento del Impresionismo en Francia. Por otra parte, en Italia, la pintura se desarrolla principalmente a nivel regional, donde se

destacan centros como Florencia, Roma, Milán, Nápoles y Turín, contrariamente en Francia se desarrolla principalmente a nivel de la ciudad capital, París.

Contrariamente a la mayoría de los impresionistas franceses, los integrantes del grupo de los "Macchiaioli" tuvieron desde su inicio un abierto compromiso revolucionario. Los "Macchiaioli" desarrollaban sus actividades en el medio rural, de orientación agrícola, mientras que los impresionistas franceses provenían, en su mayoría, de un ambiente aburguesado.†

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Legado

POST IMPRESIONISMO

Por Kwon Ji Yong

Posimpresionismo o postimpresionismo es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX posteriores al impresionismo. Lo acuñó el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en 1910. Este término engloba diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de este.

Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Sus exponentes reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.

Antecedentes

Todos los artistas agrupados bajo el término posimpresionismo conocieron y practicaron en algún momento los postulados impresionistas, un movimiento pictórico que se desarrolló en la segunda mitad del siglo XIX y que rompió los supuestos académicos, sociales y económicos vigentes en el arte. Supuso una revolución y sus obras recibieron fuertes críticas.

Al ser rechazados en los circuitos oficiales, el grupo de los pintores impresionistas organizó sus propias exposiciones y mantuvo una cohesión que duró hasta que, décadas después, algunos de ellos alcanzaron cierto reconocimiento. De la disgregación de ese movimiento nació el

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Legado

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postimpresionismo en parte como evolución y en parte como ruptura.

El impresionismo supuso una ruptura de los conceptos dominantes en la pintura y la escultura. Si hasta entonces primaban el estudio racional de la obra, la composición sobre dibujos previos y la claridad de las líneas, los impresionistas abandonaron ese suelo para tratar de captar

en sus obras la impresión espontánea, tal como llegaba a sus sentidos. No les importaba tanto el objeto que se quería pintar como la sensación recibida. La sensación fugaz, efímera, difícilmente perceptible y reproducible.

“Quiero hacer del impresionismo algo sólido y perdurable como el arte de los museos” –Cézanne

Van Gogh, The Starry Night.

Los pintores impresionistas abandonaron los talleres y salieron al exterior. Sus modelos fueron la calle, el edificio, el paisaje, la persona, el hecho pero no en su concepción estática y permanente sino percibidos en ese momento casi único. El pintor impresionista pintaba in situ y terminaba la obra con rapidez. Utilizaba trazos sueltos, cortos y vigorosos. Los objetos y el propio espacio no se delimitaban con líneas siguiendo los cánones renacentistas sino que se formaban en la retina del observador a partir de esos trazos imprecisos.

La pintura impresionista descubrió el valor cambiante de la luz y su movimiento, utilizando una rica paleta cromática de la que excluyeron el negro porque el color negro, según decían, no existía en la naturaleza.

Van Gogh

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Vincent Willem van Gogh fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo.

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Legado Pintó unos 900 cuadros (entre ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y realizó más de 1600 dibujos. Una figura central en su vida fue su hermano menor Theo, marchante de arte en París, quien le prestó apoyo financiero de manera continua y desinteresada.

A pesar que desde muy joven tuvo inclinación hacia el dibujo, su primer trabajo fue en una galería de arte. Más tarde se convirtió en pastor protestante y en 1879, a la edad de 26 años, se marchó como misionero a una región minera de Bélgica, donde comenzó a dibujar a la gente de la comunidad local. En 1885 pintó su primera gran obra Los comedores de patatas. En ese momento su paleta se componía principalmente de tonos sombríos terrosos. La luz de colores vivos por la que es conocido surgió en obras posteriores, cuando se trasladó al sur de Francia, consiguiendo su plenitud durante su estancia en Arlés en 1888. La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte, en una exposición retrospectiva en 1890, considerándose en la actualidad uno de los grandes maestros de la pintura.

“A menudo pienso que la noche está más viva y más rica de colores que el día” – Van Gogh Falleció a los 37 años por una herida de bala de pistola; aún no se sabe con seguridad si fue un suicidio o un asesinato accidental. A pesar de que existe una tendencia general a especular que su enfermedad mental influyese en su pintura, el crítico de arte Robert Hughes cree que las obras del artista están ejecutadas bajo un completo control, de hecho, el pintor jamás trabajó en los periodos en los que estaba enfermo.

Paul Cézanne

Fue un pintor francés postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna, cuyas obras establecieron las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente.

Mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Fue un «pintor de pintores», que la crítica y el público ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación.

Cézanne intentó conseguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico. Al igual que Zola con el realismo literario, Cézanne manifestó un interés progresivo en la representación de la vida contemporánea, pintando el mundo tal como se presentaba ante sus ojos, sin preocuparse de

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Toulouse-Lautrec, La Toilett.

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Toulouse-Lautrec, Jane Avril.

idealizaciones temáticas o afectación en el estilo. Luchó por desarrollar una observación auténtica del mundo visible a través del método más exacto de representarlo en pintura que podía encontrar. Con este fin, ordenaba estructuralmente todo lo que veía en formas simples y planos de color.

Henri de Toulouse-Lautrec

Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Monfa conocido simplemente como Toulouse Lautrec, fue un pintor y cartelista francés. Además, por la representación de la vida nocturna parisina de finales del siglo XIX. Se lo enmarca en la generación del postimpresionismo pero hay debates sobre si la intención subversiva de su obra contra el statu quo de las relaciones extra-matrimoniales debe hacer su obra única, creando su categorización propia e inconmensurable.

Su obra se caracteriza por su estilo fotográfico, al que corresponden la espontaneidad y la capacidad de captar el movimiento en sus escenas y sus personajes, siendo el suyo un estilo muy característico. A esto hay que añadir la originalidad de sus encuadres, influencia del arte japonés, que se manifiesta en las líneas compositivas diagonales y el corte repentino de las figuras por los bordes.

Poseía una memoria fotográfica y pintaba de forma muy rápida. Sin embargo, su primera influencia fue la pintura impresionista y, sobre todo, la figura de Degas, de quien siguió la temática urbana alejándose de los paisajes que interpretaban Monet o Renoir. Fue la vanguardia del modernismo y del art nouveau.†

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Otros Medios

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LITERATURA

»El impresionismo literario se propuso a registrar primariamente las sensaciones, restaurando al mismo tiempo una nueva era imaginativa« Por Alicia Chuc Ochoa/Libro En Busca del Tiempo Perdido de Marcel Proust, Foto recuperada de la biblioteca de la UNAM.

La Literatura del Impresionismo fue un movimiento literario nacido en Francia en la segunda mitad del siglo XIX. Corresponde al impresionismo pictórico inaugurado por Manet en 1856. El impresionismo surgió como una reacción contra el realismo y se propuso en el terreno literario, lo mismo que en la pintura, registrar primariamente las sensaciones, restaurando al mismo tiempo una nueva era imaginativa. Trataba de suprimir el elemento intelectualista y reflexivo en literatura, haciendo que el escritor se identificara con las cualidades del objeto observado. Una novela impresionista presenta a sus personajes en una serie de detalles, palabras, reacciones, gustos y preferencias que terminan por caracterizarlos para el lector.

El impresionismo literario fue iniciado en Francia por los hermanos Goncourt, quienes publicaron numerosas novelas de este tipo, y fundaron su famosa Revista en 1856. Octave Mirbeau es el mejor ejemplo de la novela impresionista del fin de siglo. La obra de Marcel Proust, por su constante tendencia a la evocación y la captación del mundo de los sentidos puede considerarse dentro de esta tendencia. Igualmente el teatro de Chejov, en el que la historia y las motivaciones de los personajes se van revelando fragmentariamente y la trama se divide en varias subtramas, ha sido considerado por algunos críticos dentro de este estilo y otros.

Marcel Proust

Valentin Louis Georges Eugène Marcel Proust fue un novelista, ensayista y crítico francés cuya obra maestra, la novela En busca del tiempo perdido (título original en francés: À la recherche du temps perdu), compuesta de siete partes publicadas entre 1913 y 1927, constituye

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una de las cimas de la literatura del siglo XX, enormemente influyente tanto en el campo de la literatura como en el de la filosofía y la teoría del arte.

En general la obra de Proust posee un estilo literario muy característico e inconfundible, influido por el impresionismo y con marcado carácter simbolista. Domina un tipo de descripción atomizada y narrativamente recurre a un tempo lento y moroso, de párrafo amplio y complejo; su manera de abordar cualquier cuestión es siempre indirecta, en espiral.

Huyendo del realismo artístico y sus excesos naturalistas, Marcel Proust mostrará su transfiguración de la realidad por medio de distintas formas de subjetivismo, como por ejemplo la forma imaginativa de tratar el tiempo y sus observaciones y descripciones impresionistas, pero todas estas técnicas quedan resguardadas a la sombra de la principal característica de la obra de Proust: el fluir proteico de la conciencia, reducida a la durée bergsoniana.

Proust hace uso del monólogo indirecto, el cual supone la presencia de un narrador omnisciente que presenta pensamientos no articulados por la palabra y regularmente conduce al lector a través de una estructura episódica que también es una modificación de la clásica estructura tradicional, por dos razones: por el uso de la analepsis o flashback y por su especial contenido temático. El contenido de la novela no es lineal, y solo reduciéndolo a la caricatura puede denominarse argumental, porque no narra sucesos, como en la escuela tradicional, sino el efecto que producen en la sensibilidad, el pensamiento, la imaginación y la memoria. La obra de Proust presenta también diálogos simultáneos que suceden en un mismo tiempo-espacio.

Los cambios de narración, de lugar, de tiempo, de perspectiva y de narrador, hechos a partir de recuerdos, ofrecen una impresión especial. La novela proustiana posee un tiempo psicológico, manipulado por el narrador.†

Otros Medios

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CINE

La Emoción Como Elemento Central

Por Matthew James Bellamy

Tras la guerra y frente a la hegemonía alcanzada por el cine americano, se hizo necesario volver a levantar la industria cinematográfica francesa. En este sentido destacó la labor realizada por un grupo de artistas con una profunda formación intelectual, encabezados por Louis Delluc, teórico, crítico y fundador de varias revistas que, a partir de 1920, se pasa a la dirección. Influido por el cine norteamericano -y sobretodo por el sueco- opta por un cine psicológico, que intentaba librar a la imagen de la materia, mostrando visualmente el pensamiento, el alma de los personajes.

En torno a Delluc, surgió un grupo de artistas, próximos en su afán innovador y vanguardista, que rechazaba el cine como una mercancía para las masas. Era la que será llamada Escuela Impresionista en la que destacaron Marcel L'Herbier (cuya aportación más destacable fueron los decorados con fuertes influencias del cubismo y el expresionismo en la ambiciosa L´inhumaine (1924), Abel Gance (Vd. Autores) y Jean Epstein que sorprendió por la sutileza con la que se acercó a la realidad social tras unos inicios más literarios con la brillante La caída de la casa Usher (La chute de la maison Usher).

Abel Gance destacó por una obra ambiciosa y visionaria que exploró nuevos caminos en el cine. Es autor de obras esenciales como la antibélica Yo acuso (J´accuse , 1919) y la vanguardista La rueda (La roue, 1923), que impactó notablemente a sus contemporáneos. En su desmesurado Napoleón exploró nuevos caminos expresivos y técnicos.

Esa confluencia del cine con las vanguardias artísticas de la época se canalizó a través de un nutrido grupo de estudiosos y teóricos, habituales de los Cine-Clubs, término creado por Louis Delluc, fundador además del primero de la historia, en 1920.

A ese impulso contribuyó Germaine Dulac, teórica de arte, que se inició en 1915 con películas convencionales, pero que será una de las principales impulsoras del cine Avant-garde con películas que aspiraban a la abstracción y que daban más espacio a sentimientos y sueños. En 1928 dirigió y montó el considerado primer film surrealista.

“El cine debía liberarse de toda influencia literaria o teatral, transformándose en un medio a través del cual el artista pudiese expresar sus sentimientos” -Ricciotto Canudo Otro teórico, el italiano afincado en París Ricciotto Canudo, empleó por primera vez la expresión "Séptimo Arte", en 1914, en su Manifiesto de las siete artes.†

Jean Epstein, La Caída de la Casa Usher.

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