ENTREACTO2017 concepto, comisariado y coordinación Emilia García-Romeu imagen y audiovisuales Alejandría Cinque y Raquel G Ibáñez redes sociales Pablo Durango actividades Alejandría Cinque, Pablo Durango, María García Marqués y Lola Visglerio Gómez organización Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid, Elena Blanch (decana); Margarita González (vicedecana de Cultura); Antonio Ferreira (becario) Encuentros Complutense, José Manuel García Vázquez (director); Marcos Casero Martín (becario) financia Facultad de Bellas Artes (UCM) y Encuentros Complutense (UCM). Con la colaboración desinteresada de los siguientes espacios y colectivos: Cruce, Galería Bacelos, García Galería, El Cuarto de Invitados + Función Lenguaje, Galería Alegría, Galería Silvestre, C.O.S.A (Centro de Operaciones de Sustancias Artísticas) + El Fin del Mundo y El CoroFón estudiantes de Bellas Artes (UCM) Nicholas Callaway Julia Sara Martínez de la Fuente Guadalupe Meca Javier Rodríguez Lozano María Román García Ricardo Pueyo Tania Tsong de O’Pazo estudiantes de Historia del Arte (UCM) Alicia Álvarez-Crespo Álvaro García Ugedo Mireia Monjo Eroles Inés Molina Agudo Sandra María Muñoz
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entreacto 2017
entreacto es un proyecto pedagógico que tiene como objetivo acompañar a estudiantes de Bellas Artes e Historia del Arte de la UCM en el desarrollo de un proyecto artístico, acercándoles así al mundo profesional del arte y fomentando la relación entre diversos agentes del ámbito artístico madrileño. Incluye actividades como el visionado de portfolios, visitas a espacios artísticos y sesiones colectivas de reflexión y crítica. Culmina con la exposición durante un día de los proyectos seleccionados en los espacios artísticos de la calle Doctor Fourquet (Madrid), aprovechando el tiempo que media entre el desmontaje de una exposición y el montaje de la siguiente. entreacto está financiado por la Facultad de Bellas Artes (UCM) y Encuentros Complutense.
CRUCE
Nicholas Callaway
BACELOS
Javier Rodríguez Lozano
GARCÍA GALERÍA
Julia Sara Martínez de la Fuente
EL CUARTO DE INVITADOS + FUNCIÓN LENGUAJE
María Román García
C.O.S.A. + EL FIN DEL MUNDO
Ricardo Pueyo
ALEGRÍA
GALERÍA SILVESTRE
Guadalupe Meca
Tania Tsong de O’Pazo
entreacto
2 3 m ayo 2 0 1 7
c alle Doctor Fourquet
D E R R A PA N D O “Parafraseando a mi abuelo, o al de todos: ‘Todo esto antes era campo’. Supongo que Doctor Fourquet antes de “la milla de oro de las galerías de Madrid” era una calle más de la ciudad. Con todo lo que ello implica: las gemelas de Lavapiés paseando del brazo, las señoras mayores subiendo una cuesta con el carro de la compra rollo crossfit castizo, chicos en pantalón de chandal paseando el perro, un montón de musculitos fumando en la puerta de la academia para opositar a la Policía, jubilados dando la brasa un lunes a la mañana en lo que era la oficina del Bankia, niños comiendo arena en Esta es una Plaza, o una turista mirando el google maps, incapaz de entender que Doctor Fourquet es una calle torcida, con dos tramos separados por una rotonda (como todo en este país, por cierto). entreacto es un proyecto torcido también. Es un proyecto que no pretendía desviar, ni desviarse, pero
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EMILIA GARCÍA-ROMEU
que, como todo lo que tiene vida, se escapa de lo planeado. Un proyecto que ha evolucionado para ir más allá de “ocupar” las galerías durante una tarde. Más allá de los cuadros sobre la pared, meticulosamente rectos gracias a un nivel láser. Este año ha dado un volantazo para torcerse por completo: porque no sólo existen las galerías, participan C.O.S.A. (Centro de Operaciones para Sustancias Artísticas), porque hay más agentes implicados que los artistas (historiadores, comisarios) porque el jurado, formado por Julia Morandeira, Christian Fernández Mirón, María Menchaca y Marta Abril, no es uno de estos dignos de los Got Talent, sino que están bien curtidos en comprender procesos pedagógicos. Porque el equipo este año ha organizado un programa de acompañamiento integral a los seleccionados, de tal manera que entreacto ha sido un recorrido repleto de desvíos y atascos que termina hoy, donde siete
estudiantes mostrarán en distintos espacios de Doctor Fourquet, proyectos que han mutado, evolucionado a lo largo de estos meses. El sarao empieza a las 16 y termina a las 20. Os animo a que os paséis y paseéis por la calle donde hay árboles así, ya sabéis, torcidos”. Raquel G. Ibáñez en Facebook, 23 de mayo de 2017 En 2013, como dice Raquel G. Ibáñez, todo era campo abierto y el viento soplaba a nuestro favor. Con el 15M y la propia Facultad de Bellas Artes en ebullición, parecía que nuevas formas de hacer estaban aquí para quedarse y que la realidad se alineaba con nuestro deseo. Tanto las recién inauguradas galerías de la calle Doctor Fourquet como las veteranas se mostraban, aun con cierta reticencia, dispuestas a participar en el proyecto, y justo cuando íbamos a iniciar una campaña de crowdfunding, gracias a Selina Blasco, apareció Fundación Banco
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Santander para financiarlo. Empezaron los derrapes. Quizás es que las prácticas que querían augurar que lo importante, finalmente, sería lo importante no fueron las que se instalaron, sino las de la crisis: la falta de financiación para la educación en general y la universidad en particular; el desinterés del Estado por la cultura; la precariedad del sector; el descuido de las relaciones laborales; la necesidad de presentar resultados inmediatos en proyectos de bajo presupuesto y pensados a largo plazo… Con el tiempo, algunas galerías de Doctor Fourquet cerraron y otras tuvieron que multiplicar por cuatro su actividad para sortear los malos tiempos. En 2015 Fundación Banco Santander vio reducido su presupuesto y retiró su apoyo. El horno dejó de estar para bollos y hoy, en 2017, cuando supuestamente salimos de la crisis, nuestra impresión es que lejos de disolverse se ha solidificado entre nosotras de formas a veces previsibles y otras inimaginables.
cuestionar el mismo fin del proyecto: la profesionalización de los estudiantes de Bellas Artes. Porque, ¿en qué consiste tal profesionalización? ¿Se parece la carrera de una artista actual a la de hace veinte años? ¿Quién vive hoy por hoy exclusivamente de la venta de obra? ¿Son las galerías siquiera una opción para las artistas jóvenes o están, en general, fuera de su alcance? ¿Estamos creando falsas expectativas, limita el proyecto su horizonte? ¿Profesionalizar significa solo exponer? ¿No serían los ámbitos de la acción, la mediación y la educación terrenos más fértiles que las galerías? ¿O el mismo trabajo con comisarias, educadoras y espacios alternativos?
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No es nuestra intención caer en el victimismo sino más bien llamar la atención sobre la devaluación del trabajo de los profesionales de la cultura (desde la educación a la gestión y la producción), porque sospechamos que se ha establecido un canon, unas formas de hacer, que una futura prosperidad no va a revertir. En efecto, en tanto que parte de un proyecto pequeño y trabajadoras de la cultura, hemos sido testigos del deterioro del sector, lo cual ha nos ha llevado a
A medias obligadas por las circunstancias, a medias inspiradas por ellas y el deseo de ser más proceso y menos concurso, en 2017 incorporamos a entreacto dos colectivos curatoriales y prácticas con los siguientes objetivos: servir de apoyo en la elaboración de los proyectos a lo largo del periodo de convocatoria; fortalecer el acompañamiento a las alumnas; actuar enlace entre los espacios participantes y el alumnado; provocar el acercamiento entre las estudiantes; crear una comunidad de apoyo en el desarrollo de la propia obra.
se convirtió en un espléndido bar que, decorado con claveles y mantones de Manila, albergó una de las obras. No nos pareció que desmereciera, muy al contrario: el azar había abierto un boquete en el proyecto y nos dispusimos a atravesarlo. (A alguna, entonces, se le ocurrió organizar un festival de vídeo en las pantallas de los bares de la zona: excelente idea). Quisimos también que El CoroFón actuara desde los balcones de la calle para cantar a la cultura que habitaba la calle Doctor Fourquet, pero hubiéramos necesitado más previsión y un trabajo prolongado con el vecindario. En su defecto, el 23 de mayo escuchamos embelesados su interpretación, entre la entrada de un garaje y la calzada.
A medio camino tuvimos que tomar una curva cerrada y barajamos sustituir uno de los espacios (de baja a última hora) con un camión. Finalmente, verbigracia de lo intrincado de las ordenanzas municipales y de la generosidad de El Fin del Mundo, el camión
Quizás el viento vuelva a soplar a nuestro favor o quizás sigamos derrapando calle abajo, aprovechando los obstáculos para improvisar nuevas posibilidades. En cualquier caso, ganas no nos van a faltar. Finalmente, nuestro agradecimiento a la Facultad de Bellas Artes (UCM) y Encuentros Complutense por su tesón. Sin ellos esto hubiera sido imposible.
WHY CAN’T WE BE FRIENDS
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Doctor Fourquet huele puertas. O retirando apoy después del día D. Hablar a primavera el día de yos. O menospreciando tu está bien, y en primavera entreacto. En la última trabajo. O haciéndote sentir todas podemos ser amigas. edición, 2017, tiras de rosas que te están perdonando la Quizás hablando más y colgaban de la puerta vida por querer hacer algo cuidando nuestra relación de El Fin del Mundo, y el altruista. Una posibilidad podamos por fin desterrar almendro de la plaza que que es el amigo con el que la pregunta que nos recuersegmenta la calle en dos te apetece quedar pero da a todas la canción que se vistió con toda su lujuria trabajas demasiado para (no tan) en secreto odiamos para desdicha de las más ver, o la forma en la que un poquito: Why can’t we be alérgicas. Y tras horas de podrían ser las cosas pero friends? montajes accidentados y que también nos obliga a las el en carte de siado estrés por falta pensar dema o boquetes inoportunos terror de final de mes. Un en paredes sacralizafilósofo italiano afirmaba: das, las colegas de las “La amistad es la forma #entreacters empiezan a de salir de la explotación patear calle arriba calle actual”. Entonces, ¿por qué abajo buscando su amiga no podemos ser amigas? estrella o una cerveza gratis que haga pasar el “Tenemos que hablar” es calorcito. Todas felicitamos la frase que se entiende a artistas, galeristas, #encomo sinónimo de un treacters y coordinadoras problema en muchas repor lo bonito e interesante laciones humanas. Hablar de esta propuesta que de algo es hacerlo real, lleva meses en desarrollo. Y identificar un problema como si se tratase del final surgido de un análisis e de una película noventera intentar aproximarse a su de instituto americano, se resolución. Una frase que despliega una estética de genera miedo al receptor lo amigable que bien podría y que hace pensar que las tener de fondo el tema con cosas no van bien. Y por el que hace veinte años otro lado, una posibilidad Smash Youth nos taladró de encontrar una nueva en el cerebro y no podemos forma de hacer las cosas. escuchar sin sentir cierta Una vía de comunicación de vergüenza: Why can’t we be lo todavía inexplorado que friends? ¿Y qué hacer con quizás nos pueda ayudar a todos estos feelings, con fortalecer nuestra relación esta satisfacción y estas si sabemos jugar nuestras ganas de seguir juntas y cartas. pasarlo bien? ¿Es posible inaude tirarnos los días Vente a entreacto, habrá guración en inauguración cerveza fría y buena tomando cerveza y soluconversación. Hablemos de cionando los problemas qué ha funcionado y de qué del mundo? La posibilidad no, quién es aliado y quién de ser todas amigas es ha preferido mantenerse a una entre un millón. La un lado, cómo se han desaposibilidad de pensarnos rrollado los acontecimienrevolucionarias por trabajar tos. Hablemos de cómo como amigas, a pesar del podemos hacer que venga estado de precariedad al más gente, tejer relaciones que nos enfrentamos en más sólidas, ofrecer más determinados mundos oportunidades a futuros del arte, flota en el aire #entreacters y luchar concomo un futurible que se tra la autoexplotación que erosiona cada vez que una nos precariza. Hablemos de tras otra se van cerrando ser amigas antes, mediante
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PABLO DURANGO
COROFÓN
recogido en Jueces 12:5-6 similar al relatado, este término pasó a significar un tipo de “palabra clave” cuyas características fonéticas permiten identificar si alguien pertenece o no a un determinado grupo lingüístico. Todos los alimentos presentes en la instalación de Nicholas Callaway son shibboleth, pues fueron utilizados en nueve masacres ejecutadas en diversos lugares y periodos históricos.
Ahora presta atención. Un hombre aprieta un machete contra tu garganta. “¡Di perejil!”, grita. Sabes que si lo pronuncias mal te llevarán con los demás. “¡Di perejil!”, aún más fuerte. Sabes que no lo dirás bien. No puedes. “¡Di perejil!” última oportunidad. Tu muerte estaba escrita desde que aprendiste a hablar.
Por absurdo que parezca, una situación así tuvo lugar en la frontera entre Haití y la República Dominicana. En la década de los años treinta aumentó de forma notable la llegada de haitianos a la República Dominicana para ser contratados como mano de obra barata. Bajo el pretexto de defender los puestos de trabajo de los campesinos dominicanos, se fomentó el odio y la xenofobia. El dictador Rafael Leónidas Trujillo, justificando de esta manera sus actos, puso fin a la situación de forma radical un 12 de octubre de 1937. La Masacre del Perejil debe su nombre a la fórmula utilizada para diferenciar a los negros dominicanos de los negros haitianos. Al igual que se hacía para recaudar los impuestos de migración, se les obligaba a decir la palabra española “perejil”. Si pronunciaba correctamente la “r” se presumía que eran nativos de allí. Sin embargo, los haitianos no lograban pronunciar bien la “r” ni la “j” por tratarse de fonemas ausentes en su idioma materno, el créole (derivado del francés). Alrededor de 30.000 hombres, mujeres y niños, murieron a machetazos y sus cuerpos fueron arrojados al río. Shibboleth es una palabra hebrea que significa “espiga”. A partir de un episodio
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CRUCE
SHIBBOLETH*
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Á LVA R O G A R C Í A U G E D O
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Nicholas F. Callaway plantea en su obra una reflexión sobre la fonética y la comida como identidad. Nos habla de su importancia en contextos de carácter bélico, donde la pronunciación de una palabra puede marcar el límite entre la vida y la muerte, presentando el alimento como vínculo de unión, pero al mismo tiempo como criterio de exclusión, pone sobre la mesa la imposibilidad de escapar a una condena cultural.
* Instalación realizada en colaboración con Ali & Cía A LVAG A 0 8 @ U C M . E S
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N I C H O L A S C A LL A W AY « WWW.NFCALLAWAY.COM
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Nicholas F. Callaway (California, 1985) explora a través de la escultura, la instalación y técnicas gráficas temas como la violencia, el lenguaje y lo familiar desde la inquietud y la extrañeza. Licenciado en Lingü ística (Reed College, 2007), obtiene su formación artística en distintos centros, entre ellos la Escuela de Arte de Oviedo. En 2012 lleva a cabo una estancia como becario en la Peggy Guggenheim Collection y en 2013 en el Beirut Art Center. En la actualidad reside en Madrid donde cursa el Máster de Investigación en Arte y Creación en la Universidad Complutense. Ha realizado tres exposiciones individuales, Insider Out (2011), The Beasts (2012) y Estancias (2016). Como miembro del colectivo El Quinto Espacio ha realizado las exposiciones Los monstruos juegan con las flores (2016) y Exonario (2017).
BACELOS
(HACER, DESHACER, REPETIR) Un trazo que parece una O desdibujada. Un fragmento de un dibujo mayor resiste sobre la superficie. Un rastro azul apenas perceptible sobre un rosa portugués. Una palabra escrita con spray con el mismo gesto que en otra pieza se despinta con alcohol…
acción inútil derivada de mi entorno vital y urbano, ligada en este caso a la materialidad del objeto y al dilatado tiempo de producción de la obra.
(hacer, El proyecto deshacer, repetir) investiga y emula una suerte de lucha inútil, unos haceres de resistencia: la de los graffitis de las zonas que frecuento, que se pintan para luego ser borrados, para luego volverse a pintar y volver a borrarse, en una especie de ciclo continuo. Encuentro en estos eventos una suerte de línea de fuga, de inutilidad, de lucha fútil, que dentro de nuestra sociedad de rendimiento se presenta como una resistencia. El título de la serie hace referencia a las ), que en flechas ( algunos programas informáticos como el editor de textos Word o el Photoshop simbolizan esas mismas acciones. Para mí, estas flechas, sus significados y funciones, no solo se relacionan con la infinitud de acciones que se realizan sobre los muros de las calles sino que también reproducen gráficamente el gesto mismo de pintar y borrar.
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A partir de esta serie han surgido otras piezas en las que me centro en los huecos, intersticios y zonas de tránsito, tanto de una manera simbólica como física. Son losas de mármol Travertino, famoso por sus oquedades, que relleno laboriosamente a mano con pintura acrílica. Al igual que en las piezas anteriores, hay aquí una suerte de
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JAVIER RODRÍGUEZ LOZANO
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JAVIER RODRÍGUEZ LOZANO «
Javier Rodríguez Lozano, Madrid (1992). Vive y trabaja en Madrid. Es graduado en Bellas Artes (2010-2014) y actualmente está cursando el Máster de Investigación en Arte y Creación de la Universidad Complutense de Madrid (2015-2017). Ha sido becado para estudiar en la Akademie der Bildenden Künste de Múnich. Ha sido asistente de Ángela de la Cruz (Londres, 2014) y Marlon de Azambuja (Madrid, 2015-2016). Su trabajo ha podido verse de manera individual y colectiva en exposiciones como: Panorama 2017 (Galería Fran Reus, Palma de Mallorca, 2017); Futuro Presente (comisariada por Semíramis González, Sala Amadís, Madrid, 2017); XXVII Circuitos de Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid (comisariada por Virginia Torrente, Sala de Arte Joven, Madrid, 2017); CALL_16 (Galería A del Arte, Zaragoza 2016, recibiendo el premio de adquisición); STEAM (ArteLateral, Madrid, 2016 *individual*); JustMAD16, Stand UCM (Madrid, 2016); Climb every mountain (comisariada por Alberto Centenera, Azuqueca de Henares, 2016); FROM: Different approaches in art education (Harts Lane Studios, Londres, 2014); Jahreausstelung (AdBK, Múnich, 2014); Anthesis (Real Jardín Botánico, Madrid, 2013). Ha sido uno de los ganadores del Primer Premio ArteLateral Complutense, realizado en 2016. Junto a Ramón Mateos y Ángela Cuadra participó en el coloquio Levantarse, desmontar, rehacer, completar, en Nadie Nunca Nada No.
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GARCÍA GALERÍA
R E T R AT O D E U N A E S PA Ñ A B A J O L A T I E R R A Ochenta años después de modo directo, sino también la sublevación militar cona un sector más amplio de tra la Segunda República la población, generando así legalmente establecida en un contexto de reflexión soEspaña, y cuarenta años bre la responsabilidad que tras la promulgación de la totalidad de la sociedad una Ley de Amnistía inespañola tiene para con compatible con el Derecho dicha causa. Internacional por impedir juzgar delitos considerados La instalación desplaza como imprescriptibles, la tierra del monte de La nuestro país sigue sumido Pedraja en Burgos, donde en polémicos e interminaentre los años 2010 y 2011 bles debates acerca de la se localizaron dos fosas naturaleza y la magnitud comunes en las que yacían del conflicto bélico y el pos136 cuerpos, y donde se terior régimen establecido, sabe que fueron asesinamientras más de 1.820 das e inhumadas alrededor fosas comunes derivadas de 300 personas en fosas de la Guerra Civil están que aún no han podido ser todavía por abrir. Asocialocalizadas, dotando de ciones de familiares han este modo a la obra de una recuperado los restos de estructura simbólica prounas 5.200 víctimas, pero funda donde la importancia la cifra de desaparecidos radica en el relato que la supera los 100.000. Reabrir acompaña, lo que la obra las fosas y otorgar a los arrastra y cada uno se lleva familiares y a los propios consigo. fusilados la posibilidad de una sepultura propia es un proceso de dignificación, respeto y justicia que debe ser llevado a cabo desde la legitimidad que requiere. El arte contemporáneo, por su condición de arma dialéctica, juega un papel fundamental en la modificación de las representaciones sociales que nos fueron impuestas en el pasado y que a día de hoy permanecen latentes en nuestra sociedad, para que de este modo podamos asumir la trascendencia del pasado violento que sufrió España, y revertir la situación de entierro infrahumano de aquellos que fueron brutalmente asesinados. El objetivo último de la presente obra radica en trasladar la realidad anteriormente expuesta a escenarios públicos comúnmente transitados para de este modo acercarla no solo a quienes se ven afectados por ella de un
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JULIA SARA MARTÍNEZ DE LA FUENTE
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JULIA SARA MARTÍNEZ DE LA FUENTE
JSARQUIARTE@GMAIL.COM
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Nací en 1989 en Burgos y he crecido en la ciudad Burgalesa de Briviesca. Entre 2007 y 2014 estudié Arquitectura en Pamplona, en la Universidad de Navarra, y en 2015 cursé el Máster en Profesorado de Educación Secundaria, Bachillerato y FP en la misma universidad mientras colaboraba como arquitecta en el estudio de Miguel Ángel Martínez Movilla. Actualmente curso el Master de Investigación en Arte y Creación en la Universidad Complutense de Madrid.
E L C UA RTO D E I N V I TA D O S
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FUNCIÓN LENGUAJE
S I N T Í T U LO Un grupo de tres máquinas dibujan en cadena sobre un papel de forma autónoma. Las máquinas realizan movimientos aleatorios que ellas mismas producen. De este modo, es la máquina la que decide y la aleatoriedad hará que cada dibujo sea único y distinto de los demás. Los movimientos de las máquinas, cambiantes y constantes, generarán dibujos que no estarán completos hasta que la máquina se apague o el papel sea cambiado, por lo que el tiempo determinará que los dibujos sean de una forma u otra. Al igual que Bruno Munari con sus máquinas inútiles –esculturas colgantes de carácter cinético–, María Román García defiende la posibilidad del error y la labor liberadora del artista que vive en una sociedad plenamente mecanicista. Mientras que las máquinas de Munari destacaban por el movimiento resultante de reacciones naturales (viento, aire), las de Román García lo hacen por su movimiento propio y mecánico.
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W W W . E LC UA RTO D E I N V I TA D O S . C O M
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Al ser las máquinas las que dibujan, Román García analiza, a la vez que critica de forma constructiva, la deshumanización de la era actual. Al mismo tiempo, plantea nuevas posibilidades de hacer arte: ya no es el artista el que dibuja, sino su propia creación, haciendo que nos preguntemos si la obra de arte es la propia máquina o su dibujo.
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SANDRA MARÍA MUÑOZ
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SANDRAEMEEME@GMAIL.COM
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MARÍA ROMÁN GARCÍA « MROMAN04@UCM.ES
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Mi nombre es María Román Garc ía y soy estudiante de cuarto curso de Bellas Artes. La modalidad artística que encuentro más interesante es la del dibujo, puesto que me parece la forma más honesta y transparente de hacer arte. El año pasado una estancia en Gipuzkoa con el artista Fermín Jiménez Landa me ayudó a comprender el arte de una manera mucho más amplia y efectiva. Actualmente, y sin dejar de lado el dibujo, me inclino por lo electrónico, que me permite dar un poco más de vida a la obra. He estado acudiendo a talleres de Medialab Prado, donde he tenido la suerte de contagiarme de una filosofía, conceptos y modos de trabajo muy beneficiosos. Mi último proyecto ha sido el montaje de una impresora 3D, con la que puedo diseñar y fabricar piezas para otros proyectos.
C.O.S.A.
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EL FIN DEL MUNDO
VAREO [L a aceituna pierde aceite, en la horca del olivo,] La tercera parte de la pulpa de las aceitunas se compone de aceite; desde la antigüedad, este se ha extraído fácilmente ejerciendo presión sobre los frutos con una prensa o molino. Este proceso se lleva a cabo en un recinto llamado almazara, del árabe al-mas’sara, que significa “extraer, exprimir”.
Vareo: acción de varear, derribar frutos con una vara. Se trata de una de las técnicas empleadas en la recolección de la aceituna, por la cual se golpean con una pértiga las ramas del olivo. A pesar de provocar vecería —al año siguiente, el olivo que ha sido víctima de un vareo no produce la misma cantidad de aceitunas—, es el método más extendido por su gran productividad.
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[y en la plata de sus ramas, esperando está el martirio.]
el olivo acogen al marica andaluz como la gloria celeste a la Asunción de la Virgen. Una pareja de figuras enmascaradas, sin identidad, Pueblo, preparan un picnic folclórico en una suerte de ritual kitschcatólico. El marica andaluz preside un escenario preparado para otorgarle su absolución: él sabe que de esta iconoclastia ácida, feroz pero tierna, emergerá una identidad fuerte y libre, una identidad preparada para empoderarse de la marca en cruz sobre su piel.
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[Las aceitunas son maricas. Las aceitunas son maricas porque están rebosantes, cargadas de aceite. A veces se les escapa, a veces lo pierden. Las aceitunas son maricas y su castigo es el vareo, su martirio, ¿su redención?]
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Vareo reflexiona sobre la figura del marica andaluz, un cuerpo en el que interseccionan dos opresiones diferentes: la que deriva de la disidencia sexual y aquella que se desprende del habitar una periferia geográfica. Un cuerpo cruzado por la inoperancia de la norma. Los sonidos del campo sevillano — pinzones, alguna cigarra, la leve brisa, un Padre Nuestro ad infinitum— y
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INÉS MOLINA AGUDO
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INMOLINA@UCM.ES
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RICARDO PUEYO « RICARDOPORDIOS@GMAIL.COM
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Nacido en Cantillana (Sevilla) en 1994, Ricardo Pueyo es graduado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla desde 2016. Actualmente está cursando el Máster de Investigación en Arte y Creación en la Universidad Complutense de Madrid. Ha participado en varias exposiciones colectivas: Algo más alegre, Calle Feria n º 7, Sevilla (2015); Lemon Gallery. Teatro Municipal. San Bartolomé de la Torre, Huelva (2015); y Lemon Gallery. Espacio del convento de Santa Clara, Trigueros, Huelva (2014). Partiendo de las raíces que constituyen ese bagaje oculto que todos llevamos, que siempre nos acompañan y que están íntimamente relacionadas con nuestras costumbres e identidad, como artista investigo y genero obras valiéndome de la apropiación del icono y lenguaje popular para crear códigos de nueva lectura, en definitiva, de la resignificación del folklore.
GALERÍA ALEGRÍA
S E P U E D E T O C A R - ATA C A B O S Atacabos es un proyecto escultórico que nace accidentalmente durante una jornada de experimentación artística en la que Guadalupe Meca ensayaba con escayola. Al depositarla en el interior de los globos y atarlos con cuerdas, se generaron volúmenes singulares. En un primer momento decidió quitarles el globo y dejar la pieza de escayola desnuda, minimalista, estableciendo una relación entre tensión, huella e identidad. Posteriormente dio un paso atrás y conservó los globos y las cuerdas para mantener la presencia sugerente de los colores y la posibilidad de jugar con las cualidades visuales y materiales del caucho. Esta elección por parte de la artista se debe al interés por contrastar la apariencia leve y el comportamiento volátil de un globo lleno de gas y sus esculturas, imposiblemente atadas, densas, pesadas.
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La obra es el resultado del goce creador y estético que lleva cautivando durante más de dos años a la artista. Su lectura es sencilla, pues es su sensualidad la que la conecta con el espectador.
WWW.GALERIAALEGRIA.ES
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El color, la textura y el interés por la forma y el tacto proporcionan un marco amplio a la interpretación. Se trata de una solidificación del vacío que deviene en pura curiosidad y goce, de una obra que entra por los ojos y pide a gritos ser tocada y
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explorada.
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MIREIA MONJO EROLES
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MIREIMON@UCM.ES
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GUADALUPE MECA « GUADALUPE.MECA@GMAIL.COM
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Me llamo Guadalupe Meca y soy estudiante de cuarto curso de Bellas Artes. A su vez, estudio Administración y dirección de empresas en la UNED, puesto que creo que es de suma importancia saber complementar diferentes ámbitos de creación para sacar el máximo rendimiento a mis proyectos. Es por eso que actualmente formo parte de las prácticas de la empresa Mr Broc, lo que me esta aportando una gran base para saber hacer llegar mis ideas al público a través del diseño. A lo largo de la carrera he ido definiendo mi trayectoria artística, que se basa en las grandes influencias que he adquirido desde la infancia de mi tierra, Galicia. Se centra en la sutileza de las texturas, el colorido, las composiciones y las formas, tomando como elemento principal los cabos.
“There just isn’t enough time ”, “That was just a dream” o “Todos duermen ya” son algunas de las frases que aparecen en Sopa de letras, la obra de Tania Tsong de O’Pazo. Se trata de un conjunto de pequeñas piezas de tela distintas entre sí. Tras recortar los fragmentos del textil, la artista recorre con la aguja, puntada a puntada, el perfil de cada pieza. Tsong de O’Pazo dibuja el mismo contorno una y otra vez, realizando de forma cíclica el mismo recorrido y reduciendo el cerco con cada vuelta. La técnica nos muestra cómo, desde el exterior de las piezas, el proceso creativo sumerge a la artista en el núcleo de la obra. Es precisamente en esa zona central donde inscribe lo que ella considera los nuevos textos sagrados: versos de canciones pop que reproduce con letras de pasta. Con ello retiene la cualidad efímera que caracteriza la música de consumo rápido. La artista logra elevar la música pop a categoría sagrada, convirtiendo sus piezas en pequeños altares dedicados a la cultura de masas, una cultura destinada al consumo pasivo y susceptible de pasar desapercibida pero que, inevitablemente, forma parte de nuestro imaginario colectivo.
resistencia contra la superproducción y el consumo actual, la artista rescata materiales como el hilo o la tela, fotografías u objetos encontrados y reciclados. De este modo, su trabajo resignifica, mediante la intervención, elementos desterrados de su ciclo de producción original. Tsong de O’Pazo se relaciona de una forma íntima con sus obras y en ellas consigue retener el tiempo. No solo la técnica de bordado exige un proceso pausado y meditativo, también la selección de las letras de pasta y su posterior pegado requieren la dedicación y minuciosidad de la artista. Durante el proceso de bordado de sus obras, los versos de las canciones pop resuenan en su mente como si de mantras se trataran, convirtiéndose en un proceso altamente místico a través del cual la artista rescata esos versos/ mantras, los hace suyos y los obliga a perdurar en el tiempo.
La producción artística de Tania Tsong de O’Pazo surge del más que apresurado panorama actual. Consciente de la aceleración a la que se ve sometido el discurrir de la vida, la atención de Tsong de O’Pazo se dirige hacia la cotidianidad más olvidada. Sus obras germinan de la nostalgia, ofreciéndosenos como pequeños refugios de calma. En un movimiento de
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G A L E R Í A S I LV E ST R E
S O PA D E L E T R A S
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A L I C I A Á LVA R E Z - C R E S P O
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JUNNUSE@GMAIL.COM
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TA N I A T S O N G D E O ’ PA Z O
TA N I ATS O N G @ G M A I L . C O M
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Tania Tsong de O’Pazo, nacida el 1983 en Taiwán, es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Actualmente se encuentra cursando el Máster en Investigación en Arte y Creación impartido por esta misma universidad. Entre sus últimas muestras individuales destacan: La Tierra es plana (2010), Casa de la Cultura, Azuqueca de Henares; Todo es lo que parece (2012), Gài Art Gallery, Taipei; El mundo se disuelve cuando pienso en ti (2013), IT-Park, Taipei; La distancia entre 1 y 2 (2017), Café Showroom, Taipei.
ยก H A S TA
PRONTO !
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