PUERTAS ABIERTAS: RESIDENCIAS RAER 2014-2015 by Alejandría Cinque

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índice / indice _ __ _ __ r e p e n s a r l a A c a d e m i a > p.4 _ __ r i p e n s a r e l ’ A c c a d e m i a > p.6 _ __ b e c a r i o s / b o r s i s t i _ ___ 1 Antoni Abad > p.10 _ ___ 2 Greta Alfaro > p.12 _ ___ 3 Enrique Bordes > p.14 _ ___ 4 Jesús Donaire > p.16 _ ___ 5 Joan Espasa > p.18 _ ___ 6 María Cristina García González > p.20 _ ___ 7 Miriam Isasi Arce > p.22 _ ___ 8 Yann Leto> p.24 _ ___ 9 Samuel Leví > p.26 _ ___ 10 Almudena Lobera > p.28 _ ___ 11 Joan Morey > p.30 _ ___ 12 Álvaro Ortiz > p.32 _ ___ 13 Adrián Silvestre > p.34 _ ___ 14 Giuseppe Vigolo y Antonella Zerbinati > p.36 _ __ _

REPENSAR LA ACADEMIA implica una renovada estrategia de mediación cultural que articule virtuosamente la relación entre la institución, el investigador-creador-productor en residencia, la comunidad académica y el sector artístico y creativo, para facilitar que la institución se consolide como plataforma de referencia permitiendo, como equipamiento público que es, generar un retorno a la ciudadanía en forma de conocimiento, saberes y producción tangible. Merced a las nuevas becas de la Real Academia de España en Roma, introducidas en el curso 2014-2015, los artistas e investigadores cuentan con un presupuesto concebido específicamente para la financiación de sus respectivos proyectos. De este modo, la Academia se convierte en un laboratorio y centro de producción potencialmente homologable a los que desarrollan otros centros de creación e investigación artística de referencia internacional. Todo ello permitirá seguir construyendo una comunidad artística y cultural en torno a la Academia que trascienda sus muros y cree vínculos sólidos y duraderos con el exterior, potenciando el intercambio institucional, las colaboraciones con otros espacios y la coproducción de iniciativas. Puertas abiertas presenta los 14 proyectos producidos en la Academia desde prácticas académicas transversales en lo disciplinar y desde posiciones profesionales relacionadas con la investigación, la innovación, la experimentación, el compromiso social y el valor patrimonial. Con esta nueva promoción de artistas e investigadores residentes, se pone una vez más en valor el espíritu de excelencia, comunidad y compromiso social sobre el que se fundó la Academia en 1873, plasmándose a través de los nuevos lenguajes y de las vanguardias actuales.

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RIPENSARE L’ACCADEMIA implica una rinnovata strategia di mediazione culturale che articoli virtuosamente il rapporto tra l’istituzione, il ricercatore-creatore-produttore in residenza, la comunità accademica e il settore artistico e creativo, per permettere all’istituzione di consolidarsi come piattaforma di riferimento, consentendo, da ente pubblico quale è, di generare un ritorno alla cittadinanza sotto forma di conoscenza, sapere e produzione tangibile. Grazie alle nuove borse di studio della Reale Accademia di Spagna a Roma, introdotte nel corso 2014-2015, gli artisti e i ricercatori possono contare su un budget concepito specificatamente per il finanziamento dei loro rispettivi progetti. In questo modo, l’Accademia diventa un laboratorio e un centro di produzione potenzialmente omologabile a quelli che sviluppano altri centri di creazione e ricerca artistica di rilievo internazionale. Tutto ciò permetterà di continuare a costruire una comunità artistica e culturale intorno all’Accademia che vada oltre le proprie mura e crei vincoli solidi e duraturi con l’esterno, potenziando lo scambio istituzionale, le collaborazioni con altri spazi e la coproduzione di iniziative. Porte aperte presenta i 14 progetti prodotti in Accademia partendo da pratiche accademiche trasversali nel disciplinare e da posizioni professionali correlate all’indagine, l’innovazione, la sperimentazione, l’impegno sociale e il valore patrimoniale. Con questo nuovo gruppo di artisti e ricercatori residenti si valorizza, ancora una volta, lo spirito d’eccellenza, comunità e impegno sociale con cui venne fondata l’Accademia nel 1873, plasmandosi attraverso i nuovi linguaggi e le avanguardie attuali.

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Antoni

Abad

Antoni Abad [Lleida, 1956], licenciado en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona y European Media Master por la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, en 2006 recibe el Premio Nacional de Artes Visuales de la Generalitat de Cataluña y el Golden Nica Digital Communities del Prix Ars Electronica en Linz, Austria. Ha participado en las bienales de Venecia, Lima, Mercosul Porto Alegre y Sevilla. Sus proyectos han sido presentados en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, La Casa Encendida y Matadero en Madrid; Museo de Arte Contemporáneo y Centre d’Art Santa Mónica en Barcelona; New Museum y P.S.1. en Nueva York; Hamburger Banhof en Berlín y ZKM de Karlsruhe en Alemania, Musac en León, Centre d’Art Contemporain en Ginebra, Museo de Arte Moderno en Buenos Aires, Laboratorio de Arte Alameda y Centro Cultural de España en México, y Centro Cultural São Paulo y Pinacoteca do Estado de São Paulo en Brasil, entre otras sedes. Desde 2004 centra su actividad en la realización de proyectos de comunicación audiovisual en Internet, a partir del uso de teléfonos móviles por parte de grupos en riesgo de exclusión de Europa, América y norte de África, que han sido participantes activos de estas experiencias, publicando día a día sus propias crónicas audiovisuales en www.megafone.net.

Desarrolla en Roma el proyecto blind. wiki, un prototipo de red ciudadana en Internet, concebido para personas ciegas y con baja visión. Los participantes utilizan smartphones para realizar registros de audio geolocalizados de sus experiencias cotidianas en la ciudad. Diseñado para reflejar el paisaje urbano tal como lo experimentan las personas con diversidad visual, el proyecto promueve la creación colaborativa de una cartografía pública sensorial que pueda extenderse a otras ciudades y de la que pueda beneficiarse no solo el propio colectivo, sino también el resto de la sociedad.

Sviluppa a Roma il progetto blind. wiki, un prototipo di rete cittadina in Internet, concepito per persone cieche e ipovedenti. I partecipanti utilizzano smartphone per realizzare registrazioni audio geolocalizzate delle loro esperienze quotidiane nella città. Disegnato per riflettere il paesaggio urbano così come viene vissuto dalle persone non vedenti, il progetto promuove la creazione collaborativa di una cartografia pubblica sensoriale che possa estendersi ad altre città e della quale possa beneficiare non soltanto il proprio collettivo, ma anche il resto della società.

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Antoni Abad [Lleida, 1956], ha conseguito la laurea in Storia dell’Arte all’Università di Barcellona e l’European Media Master all’Università Pompeu Fabra a Barcellona. Nel 2006 gli sono stati conferiti il Premio Nazionale di Arti Visive della Catalogna e il Golden Nica Digital Communities del Prix Ars Electronica a Linz, Austria. Ha partecipato alle biennali di Venezia, Lima, Mercosul Porto Alegre e Siviglia. I suoi progetti sono stati presentati al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, La Casa Encendida e Matadero a Madrid; Museu d’Art Contemporani e Centre d’Art Santa Mònica a Barcellona; New Museum e P.S.1. a New York; Hamburger Banhof a Berlino e ZKM di Karlsruhe in Germania; Musac a León; Centre d’Art Contemporain a Ginevra; Museo de Arte Moderno di Buenos Aires; Laboratorio de Arte Alameda y Centro Cultural de España in Messico, e Centro Cultural São Paulo e Pinacoteca do Estado de São Paulo in Brasile, tra le altre sedi. Dal 2004 concentra la sua attività sulla realizzazione di proget-ti di comunicazione audiovisuale in Internet, partendo dall’utilizzo di telefoni cellulari da parte di gruppi a rischio di esclusione in Europa, America Latina e Nordafrica, che hanno partecipato attivamente a queste esperienze pubblicando giorno dopo giorno le proprie cronache audiovisuali su www.megafone.net.

Greta

Alfaro

Greta Alfaro, [Pamplona, 1977], es artista visual. Desarrolla su trabajo en diferentes medios: vídeo, fotografía, instalación y collage, a menudo desde una orientación site-specific. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia y Master in Fine Arts por el Royal College of Arts de Londres. Sus últimas exposiciones individuales incluyen Still Life with Books, en Artium, Vitoria (2014); European Dark Room, en la galería Rosa Santos en Valencia (2014); In Praise of the Beast, MoCA, Hiroshima, Japón (2013). Ha participado en numerosas muestras colectivas en Europa y América. Su trabajo en vídeo se ha mostrado también en festivales de cine, entre los que destacan el International Film Festival de Rotterdam y el festival Punto de Vista de Pamplona.

En este proyecto, la artista aborda una revisión de la iconografía del martirio y de las leyendas de los mártires del cristianismo primitivo en cuya historia, la comida o la cocina, ocupan un papel relevante poniéndolas en relación con la tradición pictórica de la naturaleza muerta. Reflexiona sobre lo contemporáneo a través de la revisión de narrativas ligadas tanto a la tradición (leyendas, mitos, fábulas, cuentos populares) como a la Historia del Arte. Utiliza un imaginario obsoleto en apariencia, lejano a nuestras rutinas y nuestro presente, pero que, instalado en un sustrato anterior a nuestros saberes y creencias, es reconocible y todavía nos afecta, y lo pone en diálogo con circunstancias contemporáneas, ligándolo a reflexiones que están relacionadas con el mundo actual. A través del encuentro de contrarios, de la yuxtaposición de elementos opuestos, busca una relectura de cada uno de ellos, y la generación de una situación nueva, procurando que surja lo inesperado, que se produzca una lógica diferente, que no sea la lógica de los acontecimientos cotidianos.

In questo progetto, l’artista affronta una revisione dell’iconografia del martirio e delle leggende dei martiri del cristianesimo primitivo, nella cui storia il cibo o la cucina rivestono un ruolo rilevante, e li mette in relazione con la tradizione pittorica della natura morta. Riflette sulla contemporaneità attraverso la revisione delle narrative legate sia alla tradizione (leggende, miti, favole, racconti popolari) che alla storia dell’arte. Utilizza un immaginario apparentemente obsoleto, lontano dalla nostra quotidianità e dal nostro presente, ma che, inserito in un sostrato precedente al nostro sapere e alle nostre credenze, è riconoscibile e ancora ci influenza, e lo mette in dialogo con circostanze contemporanee, riportandolo a riflessioni legate al mondo attuale. Attraverso l’incontro di contrari, la giustapposizione di elementi contrapposti, cerca una rilettura di ognuno di essi, e la creazione di una situazione nuova, tentando di far scaturire l’inatteso, di produrre una logica diversa che non sia la logica degli avvenimenti quotidiani.

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Greta Alfaro [Pamplona, 1977], è un’artista visuale. Per il suo lavoro utilizza diversi mezzi: video, fotografia, installazioni e collage, spesso con un orientamento site-specific. Ha una laurea in Belle Arti conseguita all’Università Politecnica di Valencia e un Master in Fine Arts del Royal College of Arts di Londra. Fra le sue ultime mostre personali ci sono Still Life with Books, a Artium, Vitoria (2014); European Dark Room, nella galleria Rosa Santos a Valencia (2014); In Praise of the Beast, MoCA, Hiroshima, Giappone (2013). Ha partecipato a numerose mostre collettive in Europa e in America Latina. I suoi lavori video sono stati mostrati anche a festival di cinema, tra cui spiccano l’International Film Festival di Rotterdam e il festival Punto de Vista di Pamplona.

Enrique

Bordes

Enrique Bordes [Madrid, 1975], es arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Madrid. En 1998, en Venecia, con el estudio Tapiro, entra en contacto con el mundo del diseño y la museografía. Desde entonces ha trabajado entre lo foto/gráfico y lo espacial centrado muchas veces en la creación de espacios efímeros y expositivos. Desde 2002 compagina su actividad profesional con la docencia, actualmente como profesor de Ideación Gráfica en la ETSAM.

Durante la estancia en la Academia, Enrique Bordes trabaja en un estudio detallado de las Pieles Narrativas de la ciudad. El primer paso, utilizando un brazo robótico y una cámara digital, es un escaneado de alta resolución de fragmentos de los principales monumentos narrativos al que se han ido añadiendo otras muestras que delatan la profundidad histórica de Roma. El objetivo es una traslación de estas narraciones e imágenes a distintos medios (desde el museográfico al editorial) partiendo de medios foto/gráficos. Fotografiar, documentar, mediar la visión a través de una máquina, un monstruo que emula uno de nuestros sentidos. Esto es mucho más patente cuando se trabaja con un brazo robótico como el Gigapan que separa al fotógrafo del contacto con la cámara. La mirada elige un sujeto y se aparta para dejar actuar al artilugio. Posteriormente, como ya lo hiciera Michael Wolf en su Google Street View Paris, la mirada puede volver a intervenir y descubrir nuevas instantáneas que traerán más reflexiones sobre el sujeto. El primer resultado de este trabajo es una colección de Piel a Tiras. Disponer de tanto detalle nos permite casi pasar el dedo sobre las paredes de Roma y descubrir palabras, texturas, o las diminutas flores que crecen sobre el Arco de Constantino y la pirámide Cestia.

Durante il soggiorno in Accademia, Enrique Bordes lavora a uno studio dettagliato delle Pieles Narrativas della città. Il primo passo, utilizzando un braccio robotico e una macchina fotografica digitale, è una scannerizzazione ad alta risoluzione di frammenti dei principali monumenti narrativi ai quali si sono aggiunte altre prove che svelano la profondità storica di Roma. L’obiettivo è una traslazione di queste narrazioni e immagini a diversi mezzi (da quello museografico a quello editoriale) partendo da mezzi foto/grafici. Fotografare, documentare, mediare la visione attraverso una macchina, un mostro che emula uno dei nostri sensi. Questo è molto più evidente quando si lavora con un braccio robotico come il Gigapan che separa il fotografo dal contatto con la macchina fotografica. Lo sguardo sceglie un soggetto e si allontana per lasciar agire lo strumento. In un secondo momento, come ha già fatto Michael Wolf su Google Street View Paris, lo sguardo può intervenire di nuovo e scoprire nuove istantanee che porteranno ad altre riflessioni sul soggetto. Il primo risultato di questo lavoro è una collezione di Piel a Tiras. Avere a disposizione tanti dettagli ci permette quasi di far scorrere le dita sulle pareti di Roma e scoprire parole, consistenze, o i minuscoli fiori che crescono sull’Arco di Costantino o sulla Piramide Cestia.

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Enrique Bordes [Madrid, 1975], è diventato architetto alla Scuola Tecnica Superiore di Madrid. Nel 1998, a Venezia, con lo studio Tapiro, entra in contatto con il mondo del design e della museografia. Da allora ha lavorato tra il foto/grafico e lo spaziale, concentrandosi molte volte nella creazione di spazi effimeri ed espositivi. Dal 2002 concilia la sua attività professionale con la docenza, attualmente come professore di Ideazione Grafica alla ETSAM.

Jesús

Donaire

Jesús Donaire [Ciudad Real, 1974], arquitecto por la Universidad Politécnica de Madrid y Master por Columbia University de Nueva York, con Premio Honorífico a la excelencia en Proyectos y Premio William Kinne. Becario Fulbright, del Consejo Social de la UPM y de la Real Academis de España en Roma gracias a la Fundación Rafael del Pino. Profesor Asociado en la UPM, en la Universidad Nebrija y en Suffolk University de Boston. Ha sido Profesor Ayudante en el Barnard + Columbia College of Architecture de Nueva York, y ha impartido conferencias en universidades europeas, de los EEUU y Canadá. Dirige Jesús Donaire Architecture + Communication office (www.jesusdonaire.com) realizando proyectos de arquitectura, comisariado, y difusión. Secretario del Premio Internacional de Arquitectura BigMat y Editor Jefe del Blog de cultura arquitectónica BigMat International Architecture Agenda (BMIAA). Galardonado con los premios Architizer A+ en Nueva York, el de la International Interior Design Association en Chicago o el Distinciones del COA de Madrid entre otros. Sus proyectos han sido publicados internacionalmente y expuestos en la XIII Bienal de Arquitectura de Venecia y en la III edición de la Trienal de Arquitectura de Lisboa.

Su trabajo de investigación en la Real Academia de España en Roma consiste en el análisis de estructuras renacentistas y barrocas de la città eterna para revisar la evolución del concepto de fachada arquitectónica en clave contemporánea. Incluye el estudio analítico de una serie de edificios fundamentales de ambas épocas históricas tomando el Tempietto renacentista de Bramante como punto de inflexión hacia el espacio dinámico propuesto por Borromini, especialmente en las iglesias de San Carlo alle Quattro Fontane y Sant’Ivo alla Sapienza. El estudio de las herramientas y conceptos relativos a la construcción de la fachada en la arquitectura de Roma se resume en la investigación como una serie de temas convergentes entre la composición geométrica y el espacio interior resultante.

Il suo lavoro di ricerca alla Accademia Reale di Spagna consiste nell’analisi di strutture rinascimentali e barocche della città eterna per riconsiderare l’evoluzione del concetto di facciata architettonica in chiave contemporanea. Include lo studio analitico di una serie di edifici fondamentali delle due epoche storiche, prendendo il Tempietto rinascimentale del Bramante come punto di flesso verso lo spazio dinamico proposto da Borromini, specialmente nelle chiese di San Carlo alle Quattro Fontane e Sant’Ivo alla Sapienza. Lo studio degli strumenti e dei concetti relativi alla costruzione della facciata nell’architettura di Roma si riassume nella ricerca come una serie di temi convergenti tra la composizione geometrica e lo spazio interno che ne risulta.

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Jesús Donaire [Ciudad Real, 1974], laurea in Architettura conseguita all’UPM e Master alla Columbia University, New York, con menzione onorifica all’eccellenza in Progetti e Premio William Kinne. Borsista Fulbright, del Consiglio Sociale della UPM e della Accademia Reale di Spagna grazie alla Fondazione Rafael del Pino. Professore associato all’UPM, all’Università Nebrija e alla Suffolk University, (Boston). È stato assistente professore al Barnard + Columbia College of Architecture, New York, e ha tenuto conferenze in università europee, degli Stati Uniti e del Canada. Dirige Jesús Donaire Architecture + Communication office (www. jesusdonaire.com) realizzando progetti di architettura, di diffusione e come curatore mostre. Segretario del Premio Internazionale di Architettura BigMat e capo redattore del blog di cultura architettonica BigMat International Architecture Agenda (BMIAA). Insignito dei premi Architizer A+ a New York, l’International Interior Design Association a Chicago o il Distinciones del COA di Madrid, tra gli altri. I suoi progetti sono stati pubblicati a livello internazionale ed esposti alla XIII Biennale di Architettura a Venezia e alla III edizione della Triennale di Architettura a Lisbona.

Joan

Espasa

Joan Espasa [Madrid, 1976], tras licenciarse en Filología Clásica en la Universidad Complutense de Madrid y obtener el título de profesor de clarinete, amplía sus estudios en la Sorbona (París IV), donde realiza los cursos de doctorado y obtiene el DEA en Literatura Griega. Posteriormente ha cursado los estudios Dramaturgia en la RESAD, donde se licenció en 2006. Es autor, entre otras, de las obras, El corazón de Ofelia: últimas horas de Macbeth en el bosque desnudo de Birnam, La noche del millón de mundos (Ed. Fundamentos 2005 y 2007), Códigos y Medea: usted decide. También es miembro del colectivo de improvisación libre maDam y colaborador del fanzine klof y el programa de Radio Vallekas Perro Flaco.

Tiempo muerto plantea un mundo en el que sometiéndose a un tratamiento de Regeneración Celular Completa (RCC) el ser humano puede detener el envejecimiento y vivir hasta los 294 años, salvo en caso de suicidio, asesinato o accidente. Para someterse al RCC (en la calle lo llaman hacerse el cromo) es necesario mucho dinero y estar entre los veinte y los cuarenta años. Casi todo el mundo quiere hacérselo, muchos hipotecan su vida por regenerarse. Para la mayoría, el problema está en conseguir el dinero, aunque unos pocos cuestionan el tratamiento negándose a someterse a él por principios. Todos los personajes principales verán sus ideales puestos a prueba, teniendo que elegir entre adaptarse a un mundo con el que no están de acuerdo o embarcarse en una huida de final incierto, cada uno por razones y principios distintos. El proyecto, que apuesta por un estilo narrativo con muchos diálogos, trata de abordar la obsesión por la juventud y las desigualdades sociales en un futuro distópico con aire de presente, de la mano de una estudiante idealista y su padre (cirujano rico) y una pareja a punto de llegar a los 40 con dudas y problemas económicos para afrontar la regeneración celular.

Tiempo muerto prospetta un mondo in cui, sottoponendosi a un trattamento di Rigenerazione Cellulare Completa (RCC), l’essere umano può arrestare l’invecchiamento e vivere fino ai 294 anni, salvo nei casi di suicidio, assassinio o incidente. Sottoporsi al RCC (gergalmente chiamato “tirarsi a lustro”) richiede molto denaro e un’età compresa tra i venti e i quarant’anni. Quasi tutti vogliono farlo, molti ipotecano la propria vita per la rigenerazione. Per la maggior parte delle persone, il problema consiste nel reperire i soldi, sebbene alcuni mettano in discussione il trattamento rifiutandosi di sottoporvisi per principio. Tutti i personaggi principali vedranno i loro ideali messi alla prova, obbligati a scegliere tra l’adattarsi a un mondo con cui non si trovano d’accordo e l’avventurarsi in una fuga dal finale incerto, ognuno per ragioni e principi diversi. Il progetto, che punta su uno stile narrativo con molti dialoghi, cerca di affrontare l’ossessione per la giovinezza e le disuguaglianze sociali in un futuro distopico che sembra presente, dalla mano di una studentessa idealista e suo padre (ricco chirurgo) a una coppia sulla soglia dei quarant’anni con dubbi e problemi economici correlati alla rigenerazione cellulare.

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Joan Espasa [Madrid 1976], dopo essersi laureato in Filologia Classica alla UCM e aver ottenuto il titolo di docente di clarinetto, approfondisce gli studi alla Sorbona (Parigi IV), dove segue i corsi di dottorato e ottiene il DASE in Letteratura Greca. In seguito ha studiato Drammaturgia alla RESAD, dove si è laureato nel 2006. È autore, tra le altre opere, di El corazón de Ofelia: últimas horas de Macbeth en el bosque desnudo de Birnam, La noche del millón de mundos (Ed. Fundamentos 2005 e 2007), Códigos y Medea: usted decide. È anche membro del collettivo di libera improvvisazione maDam e collaboratore della fanzine klof e del programma di Radio Vallekas Perro Flaco.

María

Cristina

García

González

María Cristina García González [Oviedo, 1967] es arquitecta por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid y doctora arquitecta por la Universidad Politécnica de Madrid, donde ha obtenido el Premio Extraordinario de Doctorado con una tesis realizada en el Departamento de Urbanística y Ordenación del Territorio de la ETSAM. Ha impartido docencia en la titulación de Arquitectura de la Universidad de Alicante desde 2005 y ha formado parte de diferentes proyectos de innovación docente sobre la enseñanza del urbanismo en la titulación de Arquitectura y participado en talleres internacionales de diseño urbano. Su campo de especialización es la historia urbana como herramienta para el estudio de los procesos y las dinámicas que caracterizan al urbanismo contemporáneo. Ha participado en diferentes proyectos de investigación y sus resultados han sido presentados en congresos científicos internacionales, como los organizados por la International Planning History Society en Chicago (2008), Estambul (2010) y Lisboa (2013), la Universidad Politécnica de Cataluña (2010) y la Universidad de Navarra (2010 y 2012), y publicados en revistas especializadas y diversas monografías.

El proyecto de investigación propuesto para realizar durante su estancia en la Real Academia de España en Roma tiene como objetivo estudiar la cultura urbanística romana del periodo de entreguerras, como preámbulo de la construcción simbólica de la Tercera Roma por parte de Mussolini y sus arquitectos. Con este proyecto se pretende también constatar y poner de manifiesto los estrechos vínculos existentes entre las culturas urbanísticas italiana y española durante la década de los años treinta y cuarenta del pasado siglo XX como parte de las redes internacionales del urbanismo.

Il progetto di ricerca da realizzare durante il soggiorno nella Reale Accademia di Spagna a Roma ha come obiettivo studiare la cultura urbanistica romana nel periodo fra le due guerre, come preambolo della costruzione simbolica della Terza Roma da parte di Mussolini e i suoi architetti. Con questo progetto si intende anche constatare e dimostrare lo stretto legame esistente tra le culture urbanistiche italiana e spagnola durante gli anni Trenta e Quaranta del secolo scorso come parte delle reti internazionali dell’urbanesimo.

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María Cristina García González [Oviedo, 1967] è diventata architetto presso la Scuola Tecnica Superiore di Architettura di Madrid e ha preso un dottorato in architettura all’Università Politecnica di Madrid, dove ha ottenuto il Premio Straordinario di Dottorato con una tesi realizzata nel Dipartimento di Urbanistica e Studio del Territorio della ETSAM. È docente di Architettura all’Università di Alicante dal 2005 e ha partecipato a diversi progetti di innovazione sull’insegnamento dell’urbanesimo ad Architettura e ha partecipato a laboratori internazionali di progettazione urbana. Il suo ambito di specializzazione è la storia urbana come strumento per lo studio dei processi e delle dinamiche che caratterizzano l’urbanesimo contemporaneo. Ha partecipato a diversi progetti di ricerca e i suoi risultati sono stati presentati in convegni scientifici internazionali, come quelli organizzati dall’International Planning History Society a Chicago (2008), Istanbul (2010) e Lisbona (2013), dall’Università Politecnica di Catalogna (2010) e dall’Università di Navarra (2010 e 2012), e pubblicati su riviste specializzate e numerose monografie.

Miriam

Isasi

Arce

Miriam Isasi Arce [Vitoria-Gasteiz, 1981], es licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco / Euskal Herrico Unibertsitatea, habiendo cursado parte de sus estudios en la Accademia di Belle Arti de Bologna. Su trabajo se centra en conjugar diferentes sinergias de lo social, desde la supervivencia y el parasitismo, buscando el vacío legal como estrategia metodológica. Intentando, con todo ello, generar una experiencia, una situación, o un lugar donde confluyen partes de realidad desde lo absurdo, la ironía y la ambigüedad de los límites establecidos. La instalación es el medio que Isasi emplea para formalizar sus proyectos. Los procesos de trabajo son parte importante y son presentados como registros en la formalización del proyecto, siendo parte activa de lo sucedido, y que, a su vez, narran la metodología como parte de un todo, generando un contexto específico que sitúa al espectador en un espacio/tiempo concreto de la representación.

El proyecto a realizar durante su residencia en la Academia de España en Roma, traza un recorrido de lo geológico a lo antropológico, mediante la investigación de los grupos partisanos que se localizaron en las montañas vecinas a Roma durante 1943-1945; con el objetivo de encontrar metralla de los diferentes conflictos y transformar estas piezas en joyas con memoria. [Memoria (in)material. Cartografías antropológicas que hacen aflorar alianzas de acero errático en los montes de Italia. Kilómetros recorridos en búsqueda arqueológica de objetos de muerte que tornan en cuerpos estéticos, cuyo valor radica en su memoria y significado. Joyas conceptuales que albergan historia en el interior de relicarios. Residuo mutado, de tasación lejana a la mercantil de los diamantes labrados, cercana al valor incalculable de la historia que nos ha modelado. Del mismo modo que el herrero fragua la metralla, en acto alquímico, consiguiendo ese objeto provisto de concepto. Mini-monumentos portables.]

Il progetto da realizzare durante il soggiorno nell’Accademia di Spagna a Roma traccia un percorso dal geologico all’antropologico, mediante la ricerca dei gruppi partigiani che si stabilirono sulle montagne nei pressi di Roma tra il 1943 e il 1945; con l’obiettivo di trovare schegge di ferro dei diversi conflitti e trasformare questi pezzi in gioielli con memoria. [Memoria (im)materiale. Cartografie antropologiche che fanno affiorare fedi nuziali di acciaio erratico sulle montagne d’Italia. Chilometri percorsi alla ricerca archeologica di oggetti di morte che diventano corpi estetici, il cui valore consiste nella loro memoria e significato. Gioielli concettuali che racchiudono storia all’interno di reliquari. Residuo mutato, di stima lontana a quella mercantile dei diamanti lavorati, vicina al valore incalcolabile della storia che ci ha modellato. Allo stesso modo in cui il fabbro forgia le schegge di ferro, in atto alchemico, ottenendo questo oggetto provvisto di concetto. Mini-monumenti portatili.]

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Miriam Isasi Arce [Vitoria-Gasteiz, 1981] si è laureata in Belle Arti all’UPB/EHU, svolgendo parte dei suoi studi all’Accademia di Belle Arti di Bologna. Il suo lavoro si concentra sulla coniugazione di diverse sinergie del sociale, dalla sopravvivenza e dal parassitismo, cercando il vuoto giuridico come strategia metodologica. Nel tentativo, con tutto ciò, di generare un’esperienza, una situazione o un luogo in cui confluiscano porzioni di realtà a partire dall’assurdo, l’ironia e l’ambiguità dei limiti stabiliti. L’installazione è il mezzo che Isasi utilizza per dare forma ai suoi progetti. I processi lavorativi sono importanti e vengono presentati come registrazioni nello sviluppo del progetto, poiché partecipano attivamente all’avvenimento e, a loro volta, raccontano la metodologia come parte di un tutto, generando un contesto specifico che colloca lo spettatore in uno spazio/tempo concreto della rappresentazione.

Yann

Leto

Yann Leto [Burdeos, 1979], artista francés residente en España. Ha trabajado con importantes galerías, exponiendo en numerosas ferias de arte contemporáneo. Su obra se encuentra presente en colecciones como el MOMA de San Francisco, Benetton Foundation o CAC de Málaga. Su medio principal es la pintura pero trabaja también con la instalación. Su pintura es densa, detallada y tiene un claro fondo crítico y funciona a modo de collage donde varios elementos tipográficos, conviven con elementos clásicos y modernos. Actualmente, se encuentra preparando su primera exposición individual en EEUU, y trabajando en una obra de gran tamaño, precisamente la obra más grande de la pintura española prevista para 2015 y titulada Mother of all battles.

Iconofobia es el título del proyecto desarrollado por el artista en Roma, que lleva tres años cumpliendo objetivos expositivos con él (Murcia, Nueva York, Bordeaux o Madrid fueron algunas de las ciudades que lo han acogido) y Roma le pareció una ciudad idónea para seguir produciendo obra bajo este título, con la voluntad de mezclar la iconografía romana clásica y actual, combinándola con elementos mediáticos recibidos a través de Internet y de la prensa. El proyecto pretende usar el arte para desestabilizar la mirada insensibilizada del espectador sobre hechos mediáticos y el uso a veces inadecuado de imágenes de fuerte contenido por los medios de comunicación. El objetivo es desvelar la capacidad constructora de la imagen en el hecho violento, señalar la tendenciosidad de nuestra mirada, evidenciar la relación que existe entre la violencia y los medios de comunicación, y cómo recibimos, a partir de la imagen, los hechos angulares de la historia contemporánea. Iconofobia ha reunido varias obras divididas en subseries, en este caso The Romanes, el título que eligió Leto para dar forma a la obra realizada en Roma en la que quiso establecer una comparación entre la violencia en la época romana como medio de divertimiento a través de los juegos y de lo establecido en la sociedad antigua y la violencia contemporánea que nos imponen de manera sistemática nuestras pantallas.

Iconofobia è il titolo del progetto sviluppato dall’artista a Roma, che da tre anni realizza obiettivi espositivi con esso (Murcia, New York, Bordeaux o Madrid sono tra le città che lo hanno accolto) e Roma gli è sembrata una città adatta per continuare a produrre opere sotto questo titolo, con la volontà di mescolare l’iconografia romana classica e attuale, combinandola con elementi mediatici recepiti attraverso Internet e la stampa. Il progetto mira a usare l’arte per destabilizzare lo sguardo dello spettatore reso insensibile rispetto agli eventi mediatici e all’uso a volte inadeguato di immagini di forte contenuto da parte dei mezzi di comunicazione. L’obiettivo è svelare la capacità costruttrice dell’immagine nell’atto violento, segnalare la tendenziosità del nostro sguardo, evidenziare il rapporto che c’è tra la violenza e i mezzi di comunicazione, e il modo in cui recepiamo, a partire dall’immagine, gli eventi fondamentali della storia contemporanea. Iconofobia ha riunito diverse opere divise in sottosezioni, in questo caso The Romanes, il titolo che ha scelto Leto per dare forma all’opera realizzata a Roma, nella quale ha voluto stabilire un paragone tra la violenza in epoca romana come mezzo di divertimento attraverso i giochi e quanto stabilito nella società antica, e la violenza contemporanea che ci impongono in modo sistematico i nostri schermi.

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Yann Leto [Bordeaux, 1979], artista francese residente in Spagna. Ha lavorato con importanti gallerie, esponendo in numerose mostre d’arte contemporanea. La sua opera è presente in collezioni come il MoMA di San Francisco, Benetton Foundation o CAC di Malaga. Il suo mezzo principale è la pittura, ma lavora anche con l’installazione. La sua pittura è densa, dettagliata e ha un chiaro fondo critico e funziona come un collage in cui vari elementi tipografici convivono con elementi classici e moderni. Attualmente sta preparando la sua prima mostra personale negli Stati Uniti, e sta lavorando a un’opera di grandi dimensioni, per la precisione l’opera più grande di pittura spagnola prevista per il 2015 e intitolata Mother of all battles.

Samuel

Leví

Samuel Leví [Vigo, 1982], inicia su formación musical en el Conservatorio de Música Mayeusis de Vigo. Años más tarde se traslada a Madrid donde prosigue sus estudios en la Uiversidad Complutense de Madrid. Allí, publica Con mis propias manos, su carta de presentación musical. Publica su primer disco como autor, intérprete y ejecutante, Turno de noche, del que se agotó la 1ª edición de más de mil ejemplares. Se traslada al Instituto Superior de Arte de La Habana (Cuba) donde reside un año, y es el primer español en actuar en el renovado Centro Hispanoamericano de la Cultura, pasando por el Festival Longina de la Trova, y el Teatro América entre otros. A su regreso a Vigo, dirige un proyecto cultural, juvenil, y solidario, en colaboración con Amnistía Internacional. Su proyecto Concierto en las aulas le lleva por distintos centros educativos de Galicia, y se encarga también de ciclos de conciertos, festivales y eventos. Premiado en 2009 por el Instituto de la Juventud Española como el mejor autor novel de canciones en español dentro del género “canción de autor”, ha sido el primer artista vigués en presentarse en el Auditorio Mar de Vigo de su ciudad. En los últimos años, ha estudiado la carrera de músico profesional en la Escuela de Música de Buenos Aires (Argentina), y ha publicado su segundo disco Y tú más!, que ha obtenido el reconocimiento de crítica y público a partes iguales.

Actualmente desarrolla en la RAER su tercer álbum, que verá la luz en verano de 2015 con una gira de conciertos y de “peregrinación cultural” entre Roma y Santiago de Compostela, que se completará con una película documental “cómo se hizo”, además de con videoclips de los temas del disco. Junto a sus músicos, conocidos bajo el sobrenombre de Los Niños Perdidos, pretende llevar su música a todos/as los/as peregrinos/as con los que se cruce en su camino.

Attualmente sta realizzando nella RAER il suo terzo album, che uscirà nell’estate del 2015 con una tournée di concerti e di “pellegrinaggio culturale” tra Roma e Santiago di Compostela, la quale si completerà con un film documentario sul making-of, e con dei videoclip dei brani del disco. Insieme ai suoi musicisti, conosciuti con il soprannome de Los Niños Perdidos, intende portare la sua musica a tutti/e i/le pellegrini/e che incontrerà sul suo cammino.

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Samuel Leví [Vigo, 1982], inizia la sua formazione musicale al Conservatorio di Musica Mayeusis di Vigo. Anni più tardi si trasferisce a Madrid dove prosegue gli studi alla UCM. Lì pubblica Con mis propias manos, il suo biglietto da visita musicale. Pubblica il suo primo disco come autore, interprete ed esecutore, Turno de noche, del quale è andata esaurita la prima edizione di più di mille esemplari. Si trasferisce all’Istituto Superiore d’Arte dell’Avana (Cuba) dove risiede per un anno, ed è il primo spagnolo a esibirsi nel restaurato Centro Ispanoamericano della Cultura, passando per il Festival Longina della Trova, e il Teatro America, tra gli altri. Ritornato a Vigo dirige un progetto culturale, giovanile e solidale, in collaborazione con Amnesty International. Il suo progetto Concierto en las aulas lo porta in diversi centri educativi della Galizia, e si impegna anche in tournée di concerti, festival ed eventi. Premiato nel 2009 dall’Istituto della Gioventù Spagnola come miglior novello autore di canzoni in spagnolo per il genere “canzone d’autore”, è stato il primo artista di Vigo a presentarsi all’Auditorio Mar de Vigo della sua città. Negli ultimi anni ha seguito il corso di laurea per musicista professionale alla Scuola di Musica di Buenos Aires (Argentina) e ha pubblicato il suo secondo disco Y tú más!, che ha ottenuto sia il riconoscimento della critica che quello del pubblico.

Almudena

Lobera

Almudena Lobera [Madrid, 1984] es artista visual, Máster en Bellas Artes, ha ampliado estudios en la UdK Berlín y ha sido recientemente admitida en HISK Gante, Bélgica. Ha participado en numerosas muestras colectivas internacionales y ha expuesto individualmente en Europa y Latinoamérica. Sus exposiciones individuales recientes incluyen Un reclamo particular a la verdad en la Galeria Arroniz, Ciudad de México (2015) e Instrumentos Visionarios en el Espacio de Creación Contemporánea ECCO en Cádiz, España (2015). Ha recibido premios como el Generación 2012 Caja Madrid o el INJUVE 2011. Considerando el espacio y el espectador como elementos activadores y alterando las lógicas de percepción, representación y lectura establecidas, el trabajo de Lobera indaga en los modos en que se configura la experiencia visual y en las diferentes naturalezas inmateriales de la imagen.

Con El mundo como factor radiante, el ojo como instrumento captor, la artista comienza en Roma un proyecto de investigación y práctica artística en el que hace converger diferentes mecanismos vinculados a la producción de imágenes de tres momentos de la Historia: el Renacimiento, la invención de la Fotografía y la era actual de la imagen inmaterial. La artista juega con las características formales coindicentes –la limitación rectangular de la imagen (re)presentada, la visión por un solo ojo y la composición geométrica y reticular– para plantear una serie de trabajos –fotografía, dibujos, objetos– que invitan a la reflexión sobre cómo vemos y construimos imágenes hoy, cuestionando las ideas y las prácticas heredadas. En Oltre la griglia, oltre il vetro (Más allá de la cuadrícula, más allá del cristal) la artista juega con la ventana de su estudio aludiendo a la visión fotográfica en la pintura antes de la fotografía y planteando un modo poético de ver el paisaje exterior a través de una ventana que es instrumento, cuadro e interfaz de enfoque de una realidad que, por lejana y no bidimensional, se nos muestra difusa.

Con El mundo como factor radiante, el ojo como instrumento captor, l’artista comincia a Roma un progetto di ricerca e pratica artistica in cui fa convergere diversi meccanismi vincolati alla produzione di immagini di tre momenti della Storia: il Rinascimento, l’invenzione della Fotografia e l’attuale era dell’immagine immateriale. L’artista gioca con le caratteristiche formali concomitanti –la limitazione rettangolare dell’immagine (rap)presentata, la visione monoculare e la composizione geometrica e reticolare– per esporre una serie di lavori –fotografia, disegni, oggetti– che invitano alla riflessione sul come vediamo e costruiamo immagini oggi, mettendo in discussione le idee e le pratiche ereditate. In Oltre la griglia, oltre il vetro l’artista gioca con la finestra del suo studio alludendo alla visione fotografica nella pittura prima della fotografia e suggerendo un modo poetico di vedere il paesaggio esterno attraverso una finestra che è strumento, quadro e interfaccia di messa a fuoco di una realtà che, essendo lontana e non bidimensionale, si mostra a noi imprecisa.

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Almudena Lobera [Madrid, 1984], Master in Belle Arti, ha approfondito gli studi alla UdK a Berlino ed è stata recentemente ammessa all’HISK Gante, in Belgio. Ha partecipato a numerose mostre collettive internazionali e ha fatto mostre personali in Europa e America Latina. Tra le sue mostre personali recenti ci sono Un reclamo particular a la verdad, Galleria Arroniz a Città del Messico (2015) e Instrumentos Visionarios, Espacio de Creación Contemporánea ECCO a Cadice, Spagna (2015). Ha ricevuto premi come il Generación 2012 Caja Madrid o l’INJUVE 2011. Considerando lo spazio e lo spettatore come elementi attivatori e alterando le logiche prestabilite della percezione, rappresentazione e lettura, il lavoro di Lobera indaga sui modi in cui si configura l’esperienza visuale e sulle diverse nature immateriali dell’immagine.

Joan

Morey

Joan Morey [Mallorca, 1972], es licenciado y DEA en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Su práctica artística explora principalmente el lenguaje de la performance generando acontecimientos (por medio de actores o intérpretes), intervenciones específicas (partiendo del lugar o contexto que alberga la obra) y obras derivadas. El elemento vertebrador de su discurso es la relación poco ortodoxa entre “Amo/Esclavo” −que va desde la dialéctica del amo y el esclavo en Hegel a las prácticas sub-culturales “BDSM” − en un acercamiento o estudio de los dispositivos de poder con el fin de resituarlos en un plano de actuación artística.

Durante su estancia en Roma Joan Morey desarrolla el proyecto Body Language [Linguaggio del Corpo] centrado en el estudio del cuerpo en la escultura clásica y su “traducción” al medio vivo de la performance. Fijando puentes conceptuales entre la antigüedad clásica, la modernidad y la posmodernidad, el proyecto evita la utilización de parámetros historiográficos y adopta una actitud crítica frente a la (re)presentación del cuerpo. Body Language genera una estructura de trabajo que permite desarrollar una serie de performances en las que varios intérpretes se someten a un rígido sistema de instrucciones o reglas (impedimentos motrices, esquemas coreográficos, patrones de interpretación...) colocando el cuerpo del performer en primer plano con la intención de cambiar la forma convencional de entender la escultura. Body Language supone así un giro lingüístico en las maneras de hacer del artista que, en esta ocasión, aplica una serie de constricciones contextuales (reduciendo el marco de trabajo a la ciudad de Roma) y metodológicas (auto-imponiéndose una serie de negaciones formales y argumentales a modo de manifiesto) que no solo cuestionan el espacio democrático de la obra, sino también su propia naturaleza.

Durante il suo soggiorno a Roma, Joan Morey sviluppa il progetto Body Language [Linguaggio del Corpo] concentrato sullo studio del corpo nella scultura classica e la sua “traduzione” nel mezzo vivo della performance. Fissando ponti concettuali tra l’antichità classica, il moderno e il postmoderno, il progetto evita l’utilizzo di parametri storiografici e adotta un atteggiamento critico davanti alla (rap)presentazione del corpo. Body Language genera una struttura che permette di sviluppare una serie di performance in cui vari interpreti si sottomettono a un rigido sistema di istruzioni o regole (ostacoli motori, schemi coreografici, modelli di interpretazione) collocando il corpo del performer in primo piano nell’intento di cambiare il modo convenzionale di concezione della scultura. Body Language suppone una svolta linguistica nei modi di fare dell’artista che, in questa occasione, applica una serie di limitazioni contestuali (circoscrivendo il lavoro alla città di Roma) e metodologici (autoimponendosi una serie di negazioni formali e argomentative a mo’ di manifesto) che mettono in discussione non soltanto lo spazio democratico dell’opera, ma anche la sua stessa natura.

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Joan Morey [Maiorca, 1972] ha una laurea e un DASE in Belle Arti conseguiti all’Università di Barcellona. La sua pratica artistica esplora principalmente il linguaggio della performance generando eventi (attraverso attori o interpreti), messe in scena (come mise en scène o ambientazioni) o interventi specifici (partendo dallo spazio o dal contesto che ospita l’opera) che danno luogo (oppure no) a opere derivate. L’elemento che costituisce l’ossatura del suo discorso è il rapporto poco ortodosso tra “Padrone/Schiavo” – che va dalla dialettica del padrone e dello schiavo in Hegel alle pratiche sub-culturali “BDSM” – in un avvicinamento o studio dei dispositivi di potere con il fine di ricollocarli su un piano di rappresentazione artistica.

Álvaro

Ortíz

Álvaro Ortiz [Zaragoza, 1983], estudió diseño gráfico en la Escuela Superior de Diseño de Aragón e Ilustración en la Escola Massana de Barcelona. Después de ganar varios concursos de cómic –entre ellos, el Premio Injuve en 2003–, participa en álbumes colectivos como Tapa Roja y Lanza en Astillero de la editorial Sins entido, y en varias autoediciones. En 2005 publica Julia y el Verano Muerto, al que seguiría en 2009 Julia y la Voz de la Ballena, ambos publicados en Edicions de Ponent; gracias a este último estaría nominado como mejor autor revelación en el Salón del Cómic de Barcelona en 2010. A finales de ese año, vuelve a la autoedición con Fjorden, dibujado durante su estancia en la residencia para artistas Messen de Alvik, en Noruega (cuya versión digital se puede descargar en www.veranomuerto.blogspot.com), antes de embarcarse en su proyecto más ambicioso hasta la fecha, Cenizas, cómic realizado entre 2011 y 2012 gracias a la beca de cómic de Alhóndiga Bilbao en la Maison des Auteurs de Angoulême. Cenizas está publicado en España por Astiberri, en Francia por Editions Rackham y en Alemania por Egmont. A finales de 2014 vio la luz su último cómic, Murderabilia, editada por el momento en España y en Francia.

Actualmente trabaja en la Real Academia de España en Roma en una nueva novela gráfica. El proyecto, sin título definitivo todavía, consiste en una serie de historias que giran en torno a temas como la creación, la locura o la brujería, protagonizadas por personajes que van desde una pareja que busca localizaciones para rodar una serie de televisión o un jubilado aficionado a la talla en madera pasando por un escritor que trabaja en un local de kebabs.

Attualmente sta lavorando, nella Reale Accademia di Spagna a Roma, a una nuova graphic novel. Il progetto, ancora senza titolo, consiste in una serie di storie che ruotano attorno a temi come la creazione, la pazzia o la stregoneria, e che hanno come protagonisti diversi personaggi, tra cui una coppia che cerca location per una serie televisiva, un pensionato appassionato di sculture in legno e uno scrittore che lavora in un negozio di kebab.

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Álvaro Ortiz [Zaragoza, 1983], ha studiato graphic design alla Scuola Superiore di Design in Aragona e Illustrazione alla Scuola Massana di Barcellona. Dopo aver vinto diversi concorsi di fumetti – tra cui il Premio Injuve nel 2003 – partecipa ad album collettivi come Tapa Roja e Lanza en Astillero della casa editrice Sins entido, e a diverse autopubblicazioni. Nel 2005 pubblica Julia y el Verano Muerto, e nel 2009 Julia y la Voz de la Ballena, entrambi editi da Edicions de Ponent; grazie a quest’ultimo è stato nominato miglior scrittore rivelazione al Salone del Fumetto di Barcellona nel 2010. Alla fine dello stesso anno, ritorna all’autopubblicazione con Fjorden, disegnato durante il soggiorno nella residenza per artisti Messen de Alvik, in Norvegia (la cui versione digitale si può scaricare su www.veranomuerto.blogspot.com), prima di intraprendere il suo progetto, ad oggi, più ambizioso, Cenizas, fumetto realizzato tra il 2011 e il 2012 grazie alla borsa di studio di Alhóndiga Bilbao alla Maison des Auteurs di Angoulême. Cenizas è pubblicato in Spagna da Astiberri, in Francia da Editions Rackham e in Germania da Egmont. Alla fine del 2014 è venuto alla luce il suo ultimo fumetto, Murderabilia, pubblicato attualmente in Spagna e in Francia.

Adrián

Silvestre

Adrián Silvestre [Valencia, 1981], licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid, Diplomado en Dirección por la ECAM y Máster de Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual por la Universidad Autónoma de Madrid y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. También ha cursado varias especializaciones en la EICTV, en Cuba. Sus películas suelen ir precedidas por procesos de trabajo con comunidades específicas, poniendo en escena a actrices profesionales junto a personas reales, explorando los límites entre la realidad y la ficción. Ha dirigido el cortometraje Dácil (Seminci, 2009), la película interactiva Exit, Un Corto a la Carta (Cineteca-Matadero de Madrid, 2012), y el documental Natalia Nikolaevna (Festival de Málaga, 2014).

Durante su estancia como becario en la RAER (2014-2015), ha desarrollado el proyecto Los Objetos Amorosos, un largometraje de ficción que toma como punto de partida el estudio de la migración femenina en la ciudad de Roma. La producción fue precedida por un proceso de investigación de tres meses, donde programó una serie de talleres de intercambio de experiencias con mujeres migrantes (procedentes de Latinoamérica, Europa del Este y África), residentes en tres ciudades: Roma, Madrid y Germersheim. En estos talleres, se analizaron distintos temas asociados al estudio del fenómeno migratorio y la experiencia de ser mujer y migrante en el continente europeo; se abordaron conceptos como la integración, el choque cultural, la condición de género, la xenofobia, la inserción laboral, las cadenas de cuidado, etc. Se fue recopilando toda una serie de relatos, tanto escritos como filmados, constituyendo una extensa documentación que inspiró parte del guion de la película. Los Objetos Amorosos es una ficción basada en personas y anécdotas reales, y que además cuenta en el reparto con algunas de las mujeres participantes en los talleres.

Durante il suo soggiorno come borsista nella RAER (2014-2015), ha sviluppato il progetto Los Objetos Amorosos, un lungometraggio che prende come punto di partenza lo studio della migrazione femminile nella città di Roma. La produzione è stata preceduta da una ricerca di tre mesi, durante la quale ha organizzato una serie di laboratori di scambio di esperienze tra donne migranti (provenienti dall’America Latina, Europa dell’Est e Africa), risiedenti in tre città: Roma, Madrid e Germersheim. In questi laboratori sono stati analizzati diversi temi associati allo studio del fenomeno migratorio e all’esperienza di essere donna e migrante nel continente europeo; sono stati affrontati concetti come l’integrazione, lo shock culturale, la condizione di genere, la xenofobia, l’inserimento nel mercato del lavoro, le catene di solidarietà etc. È stata raccolta una serie di racconti, scritti e filmati, che ha costituito un’ampia documentazione e che ha ispirato parte della sceneggiatura del film. Los Objetos Amorosos è un film basato su persone e aneddoti reali, e nel cui cast può annoverare inoltre alcune delle donne che hanno partecipato ai laboratori.

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Adrián Silvestre [Valencia, 1981], ha una laurea in Comunicazione Audiovisuale conseguita all’UCM, un diploma in Regia all’ECAM e un master di Storia dell’Arte Contemporanea e Cultura Visiva all’UAM e al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Ha anche frequentato diverse specializzazioni alla EICTV, a Cuba. I suoi film sono solitamente preceduti da un processo lavorativo con determinate comunità, mettendo in scena attrici professioniste accanto a persone reali, esplorando i limiti tra realtà e finzione. Ha diretto il cortometraggio Dácil (Seminci, 2009), il film interattivo Exit, Un corto a la Carta (Cineteca-Matadero de Madrid, 2012), e il documentario Natalia Nikolaevna (Festival de Málaga, 2014).

Giuseppe

Vigolo

Antonella

Zerbinati

Giuseppe Vigolo [Vicenza, 1979], licenciado en Artes Visuales y Artes Escénicas, sección Artes Gráficas por la Academia de Bellas Artes de Venecia. Ha realizado residencias artísticas en lugares como la Academia de Bellas Artes de Varsovia (2010) y ha sido galardonado con importantes premios como 1er Premio Internacional Bienal de Grabado de Monsummano Terme Tributo a Andy Warhol y Giorgio Morandi (2009) y el Premio Arte 2006 en el Palazzo della Permanente Milano. Entre sus exposiciones individuales y colectivas destacan Dolomiti Contemporanee: Et un’oseliera et non vi è (2013) en el Castello di Andraz – Belluno, Giuseppe Vigolo (2014) en la GAMeC– Bergamo y Estaciòn XV (2014) en la Real Academia de San Fernando en Madrid. Antonella Zerbinati [Vicenza, 1982], licenciada en Pintura por la Academia de Bellas Artes de Venecia. Ha realizado residencias artísticas en lugares como la Academia de Bellas Artes de Varsovia (2010). Entre sus exposiciones individuales destacan Inside 7b (2010) en el 10º aniversario de la Copa del Mundo Rolex Fei en Italia - Verona, Erotismo quotidiano (2013) en la Galería de Arte Pramantha Contemporarygallery Lamezia Terme y Photissima Art Fair & Festival (2015) Chiostri dei Frari, Venezia.

El proyecto Santos Días tiene como objetivo realizar una obra de grabado que genere un diálogo a diferentes niveles: la tradición gráfica española (a través de la interpretación de temas recogidos por Francisco de Goya en los Desastres de la guerra); la tradición de la fe católica representada en todo el mundo a través del Vaticano y su extensa iconografía; y la relación de la sociedad contemporánea con grandes temas como la guerra. La obra se compone de 365+1 imágenes de santos grabadas sobre el mismo número de balas del calibre 50, adquiridas directamente de los proveedores de las bases militares americanas presentes en Italia, dada la importancia del ejército americano en los conflictos mundiales. La elección de las balas como soporte sobre el que grabar es intencionada ya que, al imprimir una imagen de un santo sobre un claro icono de guerra, la bala se transforma en un objeto simbólico paradoxal. La idea de crear un calendario representando la imagen de un santo sobre un número de balas igual a los días del año es un modo de exorcizar la muerte, y a la vez, reflexiona sobre el valor de la vida día a día.

Il progetto Santos Días ha come obiettivo la realizzazione di un’opera di incisione che instauri un dialogo a diversi livelli: la tradizione grafica spagnola (attraverso l’interpretazione di temi raccolti da Francisco de Goya ne i Disastri della guerra); la tradizione della fede cattolica rappresentata in tutto il mondo attraverso il Vaticano e la sua estesa iconografia; e il rapporto della società contemporanea con grandi temi come la guerra. L’opera si compone di 365+1 immagini di santi incise sullo stesso numero di pallottole calibro 50, acquistate direttamente dai fornitori delle basi militari americane presenti in Italia, data l’importanza dell’esercito americano nei conflitti mondiali. La scelta delle pallottole come supporto sul quale incidere è intenzionale dato che, imprimendo l’immagine di un santo su una chiara icona di guerra, la pallottola si trasforma in un oggetto simbolico paradossale. L’idea di creare un calendario rappresentando l’immagine di un santo su un numero di pallottole uguale ai giorni dell’anno è un modo per esorcizzare la morte e, contemporaneamente, per riflettere sul valore della vita giorno dopo giorno.

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Giuseppe Vigolo [Vicenza, 1979], ha conseguito la laurea in Arti Visive e Discipline dello Spettacolo, indirizzo Grafica d’Arte presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia. È stato ospite di residenze artistiche in luoghi come l’Accademia di Belle Arti di Varsavia (2010) ed è stato insignito di importanti premi come Primo Premio Internazionale Biennale di Incisione di Monsummano Terme Tributo a Andy Warhol e Giorgio Morandi (2009), e il Premio Arte 2006 nel Palazzo della Permanente di Milano. Tra le mostre personali e collettive spiccano Dolomiti Contemporanee: Et un’oseliera et non vi è (2013) al Castello di Andraz – Belluno, Giuseppe Vigolo (2014) alla GAMeC– Bergamo, e Estaciòn XV (2014) all’Accademia San Fernando – Madrid. Antonella Zerbinati [Vicenza, 1982], ha conseguito la laurea in Pittura all’Accademia di Belle Arti di Venezia. È stata ospite di residenze artistiche in luoghi come l’Accademia di Belle Arti di Varsavia (2010). Tra le sue mostre personali spiccano Inside 7b (2010) in occasione del 10° Anniversario del Rolex Fei World Cup in Italia – Verona, Erotismo quotidiano (2013) nella Galleria d’Arte Pramantha Contemporarygallery a Lamezia Terme, e Photissima Art Fair & Festival (2015) a Chiostri dei Frari, Venezia.

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