El Renacimiento

Esquema •

EL RENACIMIENTO Siglos XV al XVI (1400-20 a 1600)

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I) GENERALIDADES

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A) Contexto histórico-cultural

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Cosmovisión de época Aspecto Socio-Político-económico Los cambios Socio-Político-económicos y su impacto en el arte

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B) Contexto del arte renacentista

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La Europa del Renacimiento

Figuras del arte renacentista

C) Contexto Musical 

Géneros Musicales

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Características compositivas generales Sistema Musical Análisis paramétrico de: Altura y duracion

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a)Altura

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Alturas en la sucesión (melodía)

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Alturas en la simultaneidad ("acordes)

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Digresión: La música ficta

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El sistema de mensuración durante el Renacimiento

b) Duraciones

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Principales teóricos

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II) EL RENACIMIENTO MUSICAL

A

Renacimiento Temprano (1400–1467)

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“Manera inglesa” o “Sonido inglés”

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El genio de Josquín

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La Reforma Protestante y La Contrarreforma- El Concilio de Trento

B C

Renacimiento Pleno (1467-1534) Renacimiento Tardío (1534 - 1600)

EL RENACIMIENTO Siglos XV al XVI (1400-20 a 1600) I) GENERALIDADES

A) Contexto histórico-cultural La Europa del Renacimiento • Renacimiento: resurrección de las antiguas civilizaciones de Grecia y de Roma.

Revalorización de los antiguos escritos Griegos y Romanos.

• Tuvo origen en Italia donde se lo llama Quattrocento y Cinquecento. Existencia de referentes de la antigüedad clásica proporcionados por monumentos y demás legados en el suelo italiano. Además del contacto de mercaderes con el mundo bizantino.

Cosmovisión de época • Antropocentrismo: Se pasa de una cultura Teocéntrica, a una Antropocéntricamente orientada.

Contribuyen a esta cosmovisión: – El Heliocentrismo: Copérnico y Galileo Galilei anuncian esta teoría en la que el sol es el centro del Universo y no la tierra.

– La expansión colonial : Cambio en la visión de la tierra (Cristóbal Colón y Fernando de Magallanes ampliando los límites de un mundo centrado en Europa)

Aspecto Socio-Político-económico •

Se evoluciona del viejo sistema feudal al moderno estado jerárquico.

Establecimiento de monarquías autoritarias con burocracias eficaces y ejércitos permanentes. En España los Reyes Católicos. En Francia Los Borbones con Luís XIV. En Inglaterra los Tudor.

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Economía con base agraria. Estado lamentable de los campesinos debido a que debían mantener los gastos de los terratenientes.

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Prospera la clase burguesa, enriquecida con el comercio.

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Artesanos y personas con oficios se encuadraban en gremios.

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Desarrollo de instrumentos financieros.

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Expansión colonial

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Otras ideas políticas: Nicolás Maquiavelo (1469 - 1527) - Aunque nunca lo dijo, se le atribuye la frase "el fin justifica los medios", ya que resume muchas de sus ideas. Considerado como uno de los teóricos políticos más notables del Renacimiento, abre el camino a la modernidad en su concepción de la política y la reestructuración social. Considera que en toda comunidad el del pueblo y los poderosos (que quieren gobernar al pueblo), están en constante conflicto. Sostiene en los “Discursos” que el mejor régimen es una República donde contener el conflicto político dentro de la esfera pública.

Los cambios Socio-Político-económicos y su impacto en el arte • La expansión colonial, cuyo objeto y resultado es una infame transferencia de riquezas desde las colonias a diferentes ciudades de Europa, hace posible un activo intercambio musical que genera los fundamentos de un estilo internacional.

• Aparece el mecenazgo. El incremento en la subvención del arte a través de cortes ricas, gobiernos de municipios e instituciones religiosas, contribuye al desarrollo en el arte, que se considera como medida del desarrollo del conocimiento y la cultura.

• Los cambios socio-políticos, el desarrollo de la cultura, de la vida urbana y los avances científico-tecnológicos abrieron nuevos horizontes que ya no podían satisfacer las ideas heredadas de la Edad Media. De ahí que se buscara inspiración en la antigüedad clásica.

En lo esencial, el sistema de valores consolidado durante el Renacimiento, continĂşa vigente en nuestros dĂ­as.

B) Contexto del arte renacentista • Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.

• Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón.

• Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo.

• Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la razón universal, les dan una validez permanente.

Figuras del arte renacentista •

Francesco Petrarca (1304 –1374) antecesor del renacimiento. Lírico y humanista italiano, cuya poesía dio lugar a una corriente literaria que influyó en autores como Garcilaso de la Vega (en España), William Shakespeare y Edmund Spenser (en Inglaterra), bajo el nombre genérico de Petrarquismo. De concepción humanista, intentó armonizar el legado grecolatino con las ideas del Cristianismo. Predicó la unión de Italia para recuperar la grandeza del Imperio romano.

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Sandro Botticelli (1445– 1510) - Pintor cuatrocentista italiano bajo el mecenazgo de Lorenzo de Médici, Su obra se ha considerado representativa de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento, y El nacimiento de Venus y La primavera son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más conocidas.

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Piero della Francesca (1415 –1492) fue un pintor italiano del Quattrocento (siglo XV). Especialista en frescos, también matemático, maestro de la perspectiva y de la geometría euclidiana. Su pintura se caracterizó por su sereno Humanismo y el uso de las formas geométricas, particularmente en relación con la perspectiva y la luz. Es uno de los principales y fundamentales personajes del Renacimiento, aunque jamás trabajó para los Médicis y pasó poco tiempo en Florencia.

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Raffaello Sanzio conocido como Rafael (1483 – 1520). Fue un pintor y arquitecto italiano del Renacimiento pleno. Como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.

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Michelangelo Buonarroti (1475 –1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.

Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos

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Leonardo da Vinci (1452- 1519). Notable polímata del Renacimiento italiano (a la vez Pintor, anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista). Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Boloña y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I. Es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido. Sus pinturas más célebres, La Gioconda, La Última Cena y el Hombre de Vitruvio, Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló ideas muy adelantadas a su tiempo, tales como el helicóptero, el carro de combate, el submarino y el automóvil. Muy pocos de sus proyectos llegaron a construirse (entre ellos la máquina para medir el límite elástico de un cable), puesto que la mayoría no eran realizables aún en esa época. Como científico, Leonardo da Vinci hizo progresar mucho el conocimiento en las áreas de anatomía, la ingeniería civil, la óptica y la hidrodinámica.Maquiavelo.

C) Contexto Musical • Hay una consistencia estilística marcadamente uniforme. El dogma, "...el arte imita a la naturaleza", se traduce en una exigencia de naturalidad en la música.

• La aparición de la impresión en la música, permite un mayor acceso a partituras y tratados teóricos de música.

Géneros Musicales • Tres géneros musicales predominan en el Renacimiento: • Música Sacra: continuación de géneros anteriores como la Misa y los Motetes.

• Música Profana: nuevas formas generadas a partir de corrientes nacionales como por ejemplo el Madrigal Italiano o la Chanson Francesa.

• Música instrumental: favorecida en su desarrollo por la impresión musical.

Características compositivas generales – En las texturas contrapuntísticas, todas las líneas tienen la misma jerarquía. El desarrollo melódico y la imitación, permiten la nivelación en grado de importancia de todas las voces.

– El acorde es producto de la superposición de líneas, pero a fines del siglo XVI comienzo, a percibirse como unidad y paulatinamente se impone la sonoridad triádica. A partir de aquí, la composición por estratos es reemplazada por la composición simultánea.

– Desarrollo de las Cláusulas, fórmulas de cierre: son importantes en la definición de la Tonalidad.

– La melodía es sencilla, balanceada en frases, y estructurada según la respiración humana.

– El ritmo es más fluido, suave, uniforme y menos complejo.

– El canto gregoriano es sustituido como fundamento de la composición, por melodías de canciones populares.

– En la relación texto-música, el texto es en general tratado indiferentemente en cuanto al significado, al ritmo y a la entonación de las palabras, pero en determinadas situaciones se busca reproducir su contenido expresivo.

– Idiomas_ Predomina el Latín en la Iglesia Católica, el Alemán e Inglés en la Iglesia Protestante, y los idiomas vernáculos en la música popular.

Sistema Musical •

Sistema Modal, en común con la época anterior. Las diferencias aparecen en el tratamiento particular de cada uno de los parámetros del sonido.

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Lenguaje escalístico Serie diatónica de sonidos: Do, re, mi, fa, sol, la, si.

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Cada modo tiene un sonido jerárquicamente más importante: la nota Final o Principal. Un segundo grado jerárquico es la quinta del Modo, nota Tenor, (salvo cuando recae sobre el Si en cuyo caso se traslada una 2da arriba). En los Hipomodos este sonido está una 3ra por debajo de su correspondiente modo auténtico, con la misma excepción para el Si.

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En el siglo XVI aparecen citados por primera vez por Glareanus, dos modos más: Eólico (sobre la) y Jónico (sobre DO). En la práctica los dos modos se usan desde mucho antes. El modo Locrio (sobre si) completa el sistema, pero no es utilizado por problemas cadenciales.

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Cada Final genera dos modos: Auténtico y Plagal, Modos e Hipomodos, de acuerdo al ámbito de la melodía: Dórico re - re, Hipodórico la - la, una cuarta más abajo.

Análisis paramétrico de: Altura y duracion a) Altura 1. Alturas en la sucesión (melodía) 2. Alturas en la simultaneidad ("acordes) 3. Digresión: La música ficta a) Duraciones

a) Alturas 1) Alturas en la sucesión (melodía) •

El espacio musical (ámbito) del modo esta limitado a una octava, más un sonido agregado a cada extremo (a veces dos en un extremo, pero no en los dos). El máximo ámbito para una melodía es entonces una octava más una cuarta.

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Melodías con carácter eminentemente vocal, rara vez virtuosísticas, diatónicas (salvo en la obra de Gesualdo, que constituye una excepción), en un espacio musical reducido, cuidadosamente balanceada en sus movimientos ascendentes y descendentes, y en el tratamiento de los saltos. La ornamentación melódica es discreta y se concentra principalmente en las cadencias, sobre todo a partir de notas de paso y bordaduras. La línea del bajo, está igualmente jerarquizada que las superiores, aunque suele tener un poco menos de actividad rítmica.

Participa en los pasajes imitativos con las restantes voces.

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Cromatismo: Uno de los problemas que plantean en la práctica estas escalas, es el uso del trítono fa-si, por su difícil entonación (Diabolus in música). La solución es el descenso del Si a Sib, y más raramente el ascenso del Fa al Fa#. La coexistencia Si - Sib es la génesis del

2) Alturas en la simultaneidad ("acordes) •

Predominio de los intervalos de 3ras y 6tas en contraste a la sonoridad estática de 5tas y 8vas. Técnica del fauxbourdon.

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Composiciones a cuatro voces. Como norma, ya a fines del siglo XV. El punto de partida es la composición a dos voces de los siglos XI-XII con tenor gregoriano (cantus), y voz superior (discantus). Quedando establecida una configuración de cuatro voces con los siguientes componentes: – – – –

Discantus o sopranus: conductor de la melodía.

Contratenor altus o contralto, voz de relleno armónico.

Tenor, a veces con el cantus firmus, voz conductora de la composición.

Contratenor bassus o bajo: voz más grave, soporte armónico.

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Armonía tríadica pretonal: Armonía primariamente modal, no funcional salvo en las cadencias. Los picos de tensión y relajación son producto del movimiento de las voces. Consonancias a partir del bajo. Acordes muchas veces completos.

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Cláusulas, fórmulas de cierre: son importantes en la definición de la Tonalidad.

3) Digresión: La música ficta (Musica Falsa) Se caracteriza por: •

Frecuentes sensibilizaciones sobre los modos (ascenso de la sensible) que comienzan a hacer derrumbar un sistema eminentemente diatónico. Las alteraciones usadas son: do#, fa#, sol#, sib y mib.

– – – –

Do#: sensible del Dórico.

Fa#: sensible del Mixolidio.

Sol #: sensible del Eólico. Usado a veces junto al Fa # (Fa#-Sol#-La).

Sib: en todos los modos evita el trítono, y también el efecto de sensible en una secuencia ascendente (sol-la-si-do). En los modos transportados mantiene las relaciones interválicas originales del modo.

– Mib: para evitar el trítono en los modos transportados.

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Multimodalidad y Polimodalidad: diferentes secciones de una obra pueden aparecer en diferentes modos o, diferentes modos en diferentes voces.

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Son las únicas versiones cromáticas de estos sonidos hasta el siglo XVI aproximadamente (do# y no re b etc.). La ausencia de un sistema de temperamento igual, hace imposible el uso de los equivalentes enarmónicos.

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El uso de enarmonías en Gesualdo o en otros compositores, constituyen casos aislados, y quedan limitados a la práctica vocal.

b) Duraciones • Valores rítmicos: Máxima, Longa, Cuadrada (Breve), semibreve, mínima, semimínima, fusa y semifusa.

• Condiciones métricas: predominio de compases de 4/2 (en menor medida 3/1). El pulso lo establece la blanca. Se considera acentuada la primera de cada dos blancas. El compás 4/2 en la Polifonía Renacentista es una referencia para la ubicación de disonancias, valores métricos, etc. En la práctica la acentuación agógica (duraciones largas con respecto a cortas) en conjunción con el texto, produce una métrica completamente irregular en cada una de las partes, no coincidente con el metro.

• Tempo: constante en toda la obra, con cambios producidos en nuevas secciones. Cambios siempre proporcionales. Metro [flujo regular de pulsos (tactus)]. La percepción del metro es variada. En las polifonías horizontales (música religiosa principalmente) la acentuación agógica, genera en forma natural una polimetría en el conjunto de las partes.

El sistema de mensuración durante el Renacimiento Los primeros aspectos que se pueden detallar del sistema mensurable del renacimiento son aquellos elementos de la notación moderna que están ausentes en la escritura musical de los siglos XV y XVI. •

Ausencia de barras de compás. Las barras de compás aparecen cerca del año 1600, cuando las partituras comienzan a ser publicadas en forma vertical, mostrando la superposición entre las diferentes partes. Previamente las partes individuales se imprimen una a continuación de la otra, yuxtapuestas, no superpuestas.

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Ausencia de ligaduras de prolongación. Esto limita los valores posibles, a las duraciones del sistema y a las posibles con puntillos.

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Subdivisión ternaria. Actualmente cualquier duración tiene una división natural en dos duraciones menores. La subdivisión ternaria es producto de valores artificiales.

En el Renacimiento tanto la subdivisión ternaria como la binaria son posibles.

La Ternaria, incluso, se considera más importante (Ternaria = Perfecta, Binaria = Imperfecta).

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Los valores de las fiiguras, pueden variar. Por lo expuesto arriba, una figura puede en determinados momentos modificar su duración si pasa de una mensuración ternaria a una binaria. El Tactus, es el pulso. Significa golpe. Un Tactus de aproximadamente MM=70-80, es válido para la mayoría de las obras de este período.

Principales teóricos: • Johannes Tinctoris: "Liber de arte contrapuncti" (1477) • Franchino Gaffurio: "Theorica musice" (1492) "Practica musice" (1496) "De harmonia musicorurn intramentorum opus" (1518). Incorpora aspecto del saber "clásico" Griego en a la teoría musical.

• Heinrich Glareanus: "Dodekachordon" (1547) incorpora cuatro nuevos modos a los ocho existentes, el Eolio y el Jónico, cada uno con sus correspondiente hipomodos.

• Gioseffo Zarlino: "Le Institutioni harmoniche" (1558) expone reglas estrictas en el manejo de las disonancias, cadencias, etc.

II) EL RENACIMIENTO MUSICAL • El Renacimiento abarca la música de cerca 200 años.

• Durante este periodo la composición experimenta importantes cambios que se manifiestan en una gran variedad de estilos.

• El Renacimiento musical se divide en tres épocas: • Renacimiento Temprano (1400–1467) • Renacimiento Pleno (1467-1534) • Renacimiento Tardío (1534 - 1600)

• Mientras la música del Renacimiento temprano parece ser la continuación de la Edad Media, el Renacimiento tardío prepara el Barroco. El primer gran compositor del Barroco, Claudio Monteverdi, fundador de la ópera, inicia su carrera con madrigales renacentistas.

• En los siglos XV y XVI los géneros musicales más cultivados son la Misa, el Motete y las canciones sobre poemas profanos.

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En el siglo XV las composiciones todavía utilizan las fórmulas preestablecidas como el cantus firmus, el color y la talea. El paso más importante que caracteriza el nuevo estilo es el uso de la 3ª como consonancia. La textura vuelve más clara gracias a las tríadas.

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Nace la Misa cíclica: los cinco movimientos (Kyrie-​Gloria-​Credo-​Sanctus y Agnus Dei) se relacionan a través de utilizar las mismas ideas.

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Durante la época del Renacimiento pleno los compositores se liberan cada vez más de las formulas preestablecidas. Aparece una nueva técnica compositiva que consiste en elaborar las obras mediante el desarrollo temático; nace el estilo imitativo –contrapuntístico. Esta técnica conlleva que por primera vez en la historia de la música, las voces se compongan simultáneamente.

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La técnica imitativa influye al aspecto tonal: la dimensión armónica adquiere cada vez más importancia cambiando el sistema modal al sistema tonal – funcional. Los compositores del Renacimiento tardío aumentan el cromatismo hasta el límite que aguanta el sistema de afinación natural.

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En el siglo XVI, por la influencia del humanismo italiano, la expresión del texto adquiere cada vez más importancia no sólo por su forma, sino por su espíritu.

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La música del Renacimiento nace en el Norte de Europa (Inglaterra, Flandes, Borgoña). Sin embargo, sobre finales del siglo XVI Italia recupera su papel dominante en el arte de la música.

El renacimiento temprano (1400–1467) “Manera inglesa” o “Sonido inglés” •

Según los contemporáneos, el nuevo estilo musical nace en Inglaterra por Dunstable y de allí pasa al Norte del continente donde los compositores franco-flamencos Dufay y Binchois escriben obras novedosas a la manera inglesa.

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“Manera inglesa” significa una sonoridad más rica en colores que en la música anterior. Esta sonoridad es resultado de tres novedades técnicas: 1.

nuevas consonancias como la tercera y la sexta que frente a las consonancias antiguas, son variables

2.

la utilización de la tríada como producto de las nuevas consonancias que produce una textura más clara homofónica

3.

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esto produce a su vez el tratamiento cuidadoso de las disonancias

La música Inglesa del siglo XV tiene una fuerte conexión con el estilo folclórico. Predomina una tendencia hacia la tonalidad Mayor antes que a los Modos Gregorianos y a texturas homorrítmicas (Polifonía vertical) antes que a líneas independientes. Hay que mencionar que la mayor claridad de la textura va junto con una mayor claridad en la forma: las melodías son más sencillas pero son elegantes; no están sobrecargadas de adornos y melismas que desdibujan su línea y ritmo.

Se contrastan las partes “tutti” y las partes solistas.

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Son características las composiciones politextuales

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Esta primera etapa es la de la técnica faburden, con la voz principal en el medio. Su característica principal es un movimiento paralelo de voces formando acordes de 3ra-6ta, ubicados entre acordes de 5ta-8va en los comienzos y finales. (No es difícil descubrir en ello la herencia del organum).

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El principal compositor de este período es John Dunstable (ca. 1390-1453). Quedan de él, registro de unas 70 obras, entre las cuales hay secciones del Ordinario de la Misa, Motetes a tres voces (12 de ellos isorrítmicos) utilizando la técnica del faburden y canciones profanas a tres voces.

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En el continente a esta técnica se la denóminó fauxbourdon (bajo falso), con algunas diferencias compositivas: voz superior más ornamentada y rítmica, y canto llano en la voz inferior.

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A partir de las décadas que abren el siglo XV, se desenvuelve un proceso que tuvo como resultado la emergencia de lo que hoy llamamos tríada o acorde perfecto, conceptos por lo demás desconocidos por Dunstable, Dufay y sus contemporáneos, quienes habrían analizado sus obras y enseñado a otros cómo componer en términos de intervalos. La tríada pronto se convirtió en la base del proceso compositivo y transformó el sonido en general.

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La principal fuente de música escrita del período es el "Old Hall Manuscript", contiene 147 composiciones que datan del período 1370-1420. Dentro de ellas hay más de un centenar de realizaciones del Ordinario, en el estilo del Discanto Inglés, utilizando canto llano en voces interiores. El resto son motetes,

himnos,

isorrítmicas.

secuencias.

Varias

de

estas

composiciones

son

El “Quam Pulchra Es” de Dunstable •

No hay ejemplo mejor del “sonido inglés” que el Quam pulchra es, de John Dunstable (ca. 1390-1453). ¿Qué hay en esta pieza que hubiera llamado la atención a los oídos continentales de principios del siglo XV? Sin duda fue (utilizando una terminología moderna) la cualidad triádica, casi de do mayor, de la pieza, o (en términos más familiares para un músico del siglo XV) la preponderancia de las consonancias imperfectas (terceras y sextas) y la disonancia estrictamente controlada. En efecto, no hay una sola disonancia sin preparación entre dos voces cualesquiera en un pulso que sea estructuralmente importante, característica que ha llevado a los investigadores actuales a aplicar el término de “panconsonante” a esta obra y otras parecidas.

Tampoco hay ningún caso de consonancias perfectas paralelas (cuartas, quintas y octavas), que seguían siendo toleradas por los compositores continentales contemporáneos.

El Renacimiento pleno (1467-1534) •

El lenguaje, formado por Dufay, transformándose otra vez por la nueva generación del Norte, se forma el lenguaje expresivo del Renacimiento. elmáximo representante del nuevo estilo es Josquin Desprèz [Desprès o des Près (1440 – 1521)].

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Josquin a diferencia de Ockeghem, abandona las formas fijas, utiliza textos estróficos, y su construcción textural, en vez de ser estratificada es uniformemente imitativa. Es el primer compositor que domina todas las dimensiones de la composición tanto la melódico-lineal como la armónico-vertical. Algunos teóricos opinan, con razón, que con Josquin comienza la impronta de la música europea.

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Josquin descubre el motivo y lo utiliza para desarrollar de ello las frases musicales. Para ello inventa la técnica imitativa, fuente del contrapunto, que establece la independencia e igualdad de las voces.

Por primera vez en la historia de la música, las voces se componen simultáneamente. Cada frase de la obra se desarrolla de un motivo diferente formando una estructura libre. Los diferentes tipos de imitación sirven para formar texturas contrastantes: textura que se aumenta de solo a tutti por la

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Josquin recibe su formación contrapuntística en el Norte. Sin embargo, se traslada a Italia donde descubre una música de carácter popular y de textura homofónico – acórdica. El compositor consigue unir el estilo contrapuntístico del Norte y el estilo homofónico, del Sur.

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Los instrumentos participan cada vez más en la interpretación duplicando o sustituyendo las voces.

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La obra de Josquin comprende misas, motetes y canciones profanas. La mayor parte de sus obras se editaron después de su muerte. En una época en que no se interpretaron más que música actual, la popularidad de las obras de Josquin después de su muerte es un hecho notable. Su fama fue tan grande que Lutero le llamó "maestro de las notas”.

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Sus obras más destacadas son los motetes, cuya forma libre posibilita la realización de las ideas más extravagantes del compositor.

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El nuevo estilo, formado sobre todo por Josquin será confirmada cerca 50 años más tarde por el Concilio de Trento (1545 – 1563) como el estilo oficial (stile antico) de la iglesia.

Fuentes de manuscritos: los Códices de Trento • Siete volúmenes que actualmente se hallan en la biblioteca del Museo Nacional en el Castello del Buonconsiglio de Trento, y que contienen en total más de 1600 composiciones escritas entre 1420 y 1475 aprox. Las transcripciones de éste y otros manuscritos de este periodo se han reimpreso en ediciones modernas.

RENACIMIENTO TARDÍO (1534 - 1600) La Reforma Protestante y La Contrarreforma- El Concilio de Trento La Reforma Protestante •

El Cristianismo experimenta un nuevo cisma iniciado por Martín Lutero, que indignado particularmente por la Venta de indulgencias, la noche antes del 31 de octubre de 1517, clavó en la puerta de la Iglesia de Wittenberg, sus 95 tesis académicas.

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Las nuevas ideas que se empiezan a extender por Europa (Calvinismo, anglicanismo,…) tienen en común la falta de reconocimiento de la autoridad del Papa.

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Ante esta situación, la Iglesia reaccionará afirmando sus principales dogmas y tratando de depurar usos y abusos que habían caracterizado su última época (Concilio de Trento y Contrarreforma).

La Contrarreforma- El Concilio de Trento •

Fue un concilio ecuménico de la Iglesia Católica Romana desarrollado Trento (ciudad del norte de la Italia), en periodos discontinuos durante 25 sesiones, entre el año 1545 y el 1563, que abarcaba todas las cuestiones de la iglesia, incluida la música litúrgica.

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Las decisiones tomadas y expresadas por decretos adquieren el nombre de contrarreforma.

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El concilio de Trento decretó que las artes y la música deberían de ser más accesibles a los no educados, a la masa.

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El arte y la música deberían tener como único objetivo servir y aclarar la fe cristiana.

Por eso se fue dejando el manierismo, que se consideraba elitista y deliberadamente complejo.

Música Religiosa protestante del Renacimiento tardío - Alemania •

Martín Lutero que admira la polifonía religiosa y sobre todo la de Josquin, fue un excelente tañedor de laúd y cantante. El personalmente pondrá en marcha esta nueva forma de entender la Música Religiosa:

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Toma su base en el Gregoriano con influencias de los trovadores alemanes y la polifonía franco flamenca.

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En las misas los himnos alemanes sustituyen la mayoría de los cánticos del Ordinario, siendo sustituido el latín por el alemán para ser cantados por el pueblo . Los textos proceden de la Biblia que el propio Lutero se atreverá a traducir al alemán.

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La música se simplifica con respecto al decorativismo y virtuosismo imperante en el periodo Ars Nova.

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Se cristalizará en una nueva forma compositiva creada por el propio Lutero: El Coral Protestante. Una música sencilla, regular rítmicamente y con una polifonía sencilla que se pone al servicio de la letra.

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La música protestante, a partir de la sencillez del Coral, dará ricos frutos musicales en el Periodo Barroco con figuras como Bach.

Formas musicales luteranas •

El Coral Luterano: es un himno congregacional estrófico, cuyos elementos primarios son el Texto y la melodía. Son melodías simples para cantar al unísono, sin acompañamiento, ni armonización.

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Coral Polifónico: Johann Walter (1496-1570), el principal colaborador musical de Lutero, publica un volumen con 38 Corales Polifónicos y 5 Motetes Latinos.

Son corales para coros casi profesionales, no para congregaciones. En la ejecución se alternan el coro y la congregación cantando al unísono. Los instrumentos en algunos casos duplican las partes corales.

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Contrafactura: "Parodias" de canciones profanas en las que se retiene la melodía, pero se modifica el texto. La adaptación de canciones profanas o polifonía profana para ser utilizada en la Iglesia es una práctica común en el siglo XVI.

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Estilo cancional: acórdico, rítmicamente sencillo, con la melodía principal en la voz superior.. Principales compositores: Hans Leo Hassler (1564-1612), Michael Praetorius (1571-1621), Johann Hermann Schein (1586-1630).

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Motete Coral: es un desarrollo de fines del siglo XVII. Los compositores luteranos comienzan a utilizar melodías tradicionales como material compositivo.

Los principales compositores son: Hans Leo Hassler, Johannes Eccard (15531611), Leonhard Lechner (1553-1606), Michael Praetorius.

La música de la Reforma fuera de Alemania • De todos los reformistas, el más radical en cuanto al uso de la música en los servicios religiosos fue Jean Calvin (1509-1564). De sus reformas, que excluían cualquier tipo de referencia a música de origen católico, surge el Salterio Francés con melodías compuestas por Loys Bourgeois (15101561). Realizaciones de los Salmos hay de los compositores: Claude Goudimel (15051572), Claude Le Jeune (1528 o 1530 – 1600 ) en Francia y J.P. Sweelinck (15621621) en los Países Bajos.

II) La música religiosa Católica del Renacimiento tardío • La música religiosa y Católica del Renacimiento tardío se arraiga en los preceptos emergentes del Concilio de Trento también llamado contrarreforma, con el que

la iglesia

respondía a las reformas realizadas por Martín Lutero, La iglesia católica orientada por la contrarreforma señaló como modelo para la composición el “stile antico”, el estilo Josquin Despréz.

Giovanni Pierluigi da Palestrina (Italia), Orlando di Lasso (Países Bajos), William Byrd (Inglaterra) y Tomás Luis de Victoria (España) son los compositores de música Sacra más importantes de este período.

Compositores católicos del Renacimiento tardío •

Giovanni Pierluigi da Palestrina (ca. 1525-1594) Cuando el obispo de Palestrina accedió al trono papal con el nombre de Julio III, le nombró maestro del coro de la Cappella Giulia del Vaticano. Giovanni Pierluigi da Palestrina fue el máximo representante del estilo requerido por el Papa.

Palestrina marca la culminación del estilo polifónico. Su música, prácticamente toda ella de carácter sacro y a cappella, sin acompañamiento instrumental de ningún tipo, se distingue por su belleza pura, su profunda y serena espiritualidad y su severidad constructiva. No fue un autor innovador como su contemporáneo Lasso, sino más bien un tradicionalista que, a partir de los procedimientos y las técnicas usados antes que él, llevó a su culminación más perfecta y ortodoxa un arte que tenía sus raíces en la Edad Media, de tal manera que su obra representa el paradigma de tal proceder.

Palestrina fue un compositor prolífico en el que cantidad y calidad no están reñidas. Las misas son las obras en que más se evidencia la maestría del músico. Unas veces construidas sobre un cantus firmus de procedencia gregoriana, otras basadas en temas procedentes de motetes o madrigales, tanto propios como de otros autores contemporáneos o, incluso, de canciones populares.

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William Byrd (1543-1623) Es el último gran compositor, ejecutante y maestro católico del siglo XVI. Escribe 3 Misas (para 3, 4 y 5 voces respectivamente), oficios anglicanos incluyendo el Gran Servicio , 60 anthems anglicanos, piezas para teclados y Motetes. Pasó parte de su niñez como cantor de la Chapel Royal, bajo la dirección del gran Thomas Tallis.

Entre sus discípulos más famosos podemos mencionar a Thomas Tomkins y Thomas Morley.

•

Orlando di Lasso (1532-1594) Luego de trabajar en Nápoles y Roma, viaja a Francia e Inglaterra. En 1555 vuelve a los Países Bajos, donde publica sus primeros trabajos. Un año después, se une a la corte del Duque Albrecht de Baviera, quien intentaba crear un centro musical en Munich (donde permanecerá por el resto de su vida).. Lasso ganó fama en Europa, y los compositores iban a Munich a estudiar con él, como los músicos de la Escuela Veneciana Andrea y Giovanni Gabrieli (Ver La Sonata y la Escuela Veneciana).

Entre 1570 y 1580 hizo varias visitas a Italia, donde se puso en contacto con los géneros musicales y las tendencias más modernas de la Escuela polifónica veneciana.

Fue uno de los más prolíficos, versátiles y universales compositores del Renacimiento tardío, especialmente evidenciado su talento en sus variados y exquisitos motetes. Escribió más de 2000 composiciones, incluyendo música vocal con textos en latín, francés, italiano y alemán, en todos los géneros conocidos en su época. Esto incluye motetes, madrigales, villanellas, chansons francesas, y lieder alemanes. Algunas de sus misas, muestran la influencia de la Escuela polifónica veneciana, particularmente en el uso del género policoral (por ejemplo en la “Missa osculeter me”, a ocho voces, basada en sus propios motetes). Tres de estas Misas son para doble coro, y deben haber influenciado a su vez en los venecianos. Aunque Lasso usó el género sonoro veneciano, su lenguaje armónico permaneció conservador, adaptando la textura veneciana a sus propios fines.

No se conoce música suya estrictamente instrumental.

Es uno de los compositores del género conocido como música reservata. El significado exacto del término es motivo de debate, aunque existe consenso entre los musicólogos que implica una disposición de los textos intensamente expresiva, cromatismo, y lo que podría explicarse como música para conocedores.

Un famoso ejemplo es su serie de 12 motetes titulados Prophetiae Sibyllarum (Profecías de la Sibila), plenos de un amplio cromatismo que recuerda a Gesualdo.

Tomás Luis de Victoria (1548 – 1611) •

Nació en Ávila (España) donde inicia sus estudios musicales. En 1567 emprende viaje a Roma. donde pudo recibir lecciones de Giovanni Pierluigi da Palestrina, de quien tuvo influencias muy notables en sus primeras composiciones.

•

En su música, enteramente religiosa, da un tratamiento muy expresivo al texto. (En esto se diferencia de su maestro Palestrina. Victoria siempre está dispuesto a interrumpir el contrapunto fluido para destacar una palabra o frase

).

• Sus melodías abundan de saltos, la línea melódica no osa de equilibrio, sino de expresión. Tal dramatismo también se manifiesta por el contraste de diferentes texturas (homofónicas y contrapuntísticas). . Victoria utiliza una gran variedad de tipos de imitación consiguiendo de esta manera un cambio constante de la densidades texturales.

La obra de Victoria es poca en comparación con la de sus coetáneos: Una de sus mejores obras es el Oficio de Semana Santa.

Manierismo • A finales del siglo XVI, acabando el Renacimiento,

se

desarrolló

un

estilo

manierista radical. En música profana, especialmente en el madrigal, había una tendencia hacia la complejidad y hasta el cromatismo extremo (como se observa en las madrigales de Luzzaschi, Marenzio, y Gesualdo).

La escuela Borgoñona - los compositores franco-flamencos

• El ducado de Borgoña (Flandes), es un feudo que florece como centro cultural en el siglo XV y desaparece en el año 1477, comprendía lo que actualmente es Holanda, Bélgica, Luxemburgo y nordeste de Francia.

Es el centro de la escena musical del siglo XV. Su capital fue Dijon.

• El arte franco-flamenco de esta época se considera un nuevo Ars Nova a partir de 1430.

• Los compositores franco-flamencos dominaron el escenario europeo entre 1450 y 1550 , por lo general al servicio del rey de Francia, del papa o del Emperador del Sacro Imperio Romano (servicio éste que podía llevarlos a España, Alemania, Bohemia o Austria o Italia, donde las cortes o ciudades de Nápoles, Florencia, Ferrara, Módena, Mantua, Milán y Venecia eran los centros principales de los compositores franceses, flamencos y neerlandeses.

Formas musicales borgoñonas Misa, Magnificat, Motete y Chanson •

Misas: El siglo XV, es el comienzo de la tendencia hacia las Misas Cíclicas donde los 5 movimientos del Ordinario utilizan el mismo tenor en todos los movimientos (Misa de Tenor o Misa de Cantus Firmus). El tenor puede no ser litúrgico y al igual que en los motetes, el tenor (canto-llano) pasa a ser la voz inmediata a la inferior. A mediados del siglo XV la distribución usual es a cuatro voces: bajo (contratenor bassus), tenor, contralto (contratenor altus) y soprano (discantus o sopranus = superior).

Las primeras misas cíclicas las escriben los compositores ingleses. A partir de 1450, se extiende el género entre los compositores continentales.

•

El magníficat es un género de música polifónica vocal religiosa, basado en un pasaje bíblico de Evangelio de Lucas que comienza «Magnificat anima mea Dominum» (engrandece mi alma señor) y que no pertenece al año litúrgico.

El magníficat era interpretado antes de las misas en festividades religiosas extraordinarias.

• Motetes: al igual que las misas y la chanson con la voz superior (treble) melódicamente libre, acoplada a un tenor y a un contratenor bassus completando las tres partes.

Algunos motetes todavía hacen uso de la isorritmia. En el motete medieval, el canto llano estaba en el Tenor, la voz más grave. En el siglo XV, la voz inferior queda libre para funcionar como fundamento armónico, sobre todo en las cadencias. Por lo tanto el tenor pasa a ser la voz inmediata a la inferior y tiene el canto-llano.

• La chanson es una realización polifónica con texto francés (las llamadas “formes fixes” trovadorescas: rondeau, virelai y Ballade). La temática principal es el amor y sobre todo el amor frustrado. Su estructura principal es el rondeaux.

Características compositivas de la Escuela Franco-Flamenca •

Melodía: es más redondeada, fraseada, respetando la respiración, claramente articulada, con frecuentes terceras mayores y formación de tríadas.

•

Ritmo: predominio del metro triple (equivalente a un 3/4) y de proporciones sencillas por influencia de la danza.

• • •

Armonía: la resultante del fauxbourdon.

•

Estructura de la composición: formación de períodos simples.

Imitación y variación como recursos de repetición o reiteración.

Alternancia de partes similares o no, incluyendo contrastes en la densidad textural como forma de articulación (alternancia de partes escritas para 1, 2, 3 o 4 voces).

Densidad polifónica: en los comienzos 3 voces. Desde mediados del siglo XV la norma son 4 voces.

COMPOSITORES FRANCO FLAMENCOS •

Primera generación franco-flamenca (1400-1470) El abordaje de la Primera Escuela Franco-Flamenca, o Escuela de Borgoñona, en los inicios del siglo XV, debe resaltar la importancia del compositor, porque la técnica de dicha escuela dominará todo el siglo XVI y se extenderá a lo largo y ancho del Continente europeo.

•

Los principales compositores son:

•

Guillaume Dufay (1400-1474)

•

Gilles Binchois (1400-1460)

•

Las misas de Dufay y Bonchois presentan ya voces de similar importancia, texturas a cuatro voces, imitaciones y control de la disonancia; sin embargo en sus chansons podemos reconocer aún ciertos rasgos medievales, como las formas trovadorescas (rondeau, virelay, ballade), la textura a tres voces de las que las dos inferiores se cruzan y parecen instrumentales... Incluso sus motetes, como el célebre Nuper rosarum flores de Dufay, presentan aún isorritmia y otros rasgos ya obsoletos. Con estos dos compositores las ciudades de Cambray y Dijon, respectivamente, se transforman en importantes centros polifónicos.

Guillaume Dufay (1400-1474) •

Sonoridades basadas en tríadas completas, armonía direccional incipiente, tratamiento cuidadoso de las disonancias, melodía más fluida rítmicamente, con curvas melódicas más trabajadas y texturas homogéneas.

•

Predominio de canciones a tres voces, con algunas a cuatro, sobre un tenor más simple, pero también finamente trabajado y un contratenor completando los acordes.

•

Melodía acompañada como textura. Métrica simple, con pocas síncopas sobre el compás.

•

Uso de hemiola. [patrón métrico en el cual dos barras en compás ternario simple (3/2 o 3/4 por ejemplo) se articulan como si fueran tres barras en compás binario simple (2/2 o 2/4)].

•

Con Dufay se produce el último florecimiento de la técnica isorrítmica que ya se considera fuera de estilo en esta época y se asemejan a aquellos del siglo anterior: dos estratos diferenciados rítmicamente, voces superiores con gran actividad rítmica y las inferiores lentas. Utiliza talea, y color.

•

Dufay utiliza las técnicas de las Misas cíclicas. La más conocida es la Misa "Se la face ay pale" basada en la canción homónima, utilizada como cantus firmus en todos los movimientos.

Gilles Binchois (1400-1460).

• Uso de 3ras y 6tas, técnica del fauxbourdon y formación de acordes triádicos en la melodía.

• Melodía claramente articulada, redondeada, fraseada, respetando la respiración.

• Ritmo influenciado por la danza. Proporciones sencillas. Frecuentes compases de 3/4.

• Aunque escribió significativas obras sagradas es más conocido por su obra secular o profana . Su fama se basa particularmente en las canciones (chanson), casi siempre a tres voces con textos humorísticos y picarescos.

Segunda generación franco-flamenca (1450-1520 ) •

Johannes Ockeghem (1420-1497). Sus 17 misas son similares a las de Dufay a cuatro voces con textura contrapuntística No hace un uso extensivo de la imitación. Si de la técnica del Canon, sobre todo de aquellos con estructuras rígidamente calculadas. El método predominante para escribir canon consiste en derivar una o más voces adicionales de una única voz dada. Las voces adicionales pueden estar escritas por el compositor o cantarse a partir de las notas de la voz dada, modificada de acuerdo a determinadas instrucciones. 1

•

Jacob Obrecht (1452-1505). En su producción hay Misas, Motetes, chansons, canciones holandesas y piezas instrumentales. En las Misas, hay un uso frecuente de pasajes canónicos. El cantus firmus está basado más en canciones profanas que en cantos gregorianos. En algunas, la melodía principal es utilizada en todos los movimientos. Como contrapartida a esta unidad temática, la Misa "Carminum" tiene cerca de 20 melodías populares diferentes. En las chansons paulatinamente se incrementa el uso del contrapunto imitativo.

Utiliza las formas fijas tradicionales.

•

Josquin Desprèz (des Près, des Prèz, Desprès) (1440 – 1521) (ver renacimiento pleno Pág.

6).

1

Canon retrógrado, entre dos voces, Canon de proporciones, una misma línea ejecutada en un metro diferente, posibles solo en escritura mensurable, y a veces con indicaciones en clave para ejecutar las voces no escritas (canon enigmático). Las proporciones usuales son 2:1 y 1:2. Doble canon: dos cánones ejecutados simultáneamente.

•

Heinrich Isaac (1450-1517). Su producción es de carácter internacional. Pasó la mayor parte de su carrera en Italia, especialmente en Florencia, pero fue el primer maestro del estilo polifónico franco flamenco que tanto vivió en Alemania, haciendo posible el desarrollo de la música de contrapunto allí.Tuvo muchos estudiantes como Ludwig Senfl . La belleza y calidad de sus obras, más de 100 misas, docenas de motetes y canciones seculares, han inducido a muchos a considerarlo como el segundo de sus contemporáneos, sólo detrás de Josquin des Prez.

•

Pierre de la Rué (1460-1518) representante característico del estilo llamado neerlandés.

•

Fuentes

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Es importante como fuente musical en esta época, el "Odhecaton" de 1501 de Ottaviano de Petrucci, que contiene una antología de chansons (96 canciones polifónicas) de la generación de Obrecht, Isaac y Desprèz. La mitad de ellas son a tres voces. Muestra las siguientes evoluciones: canciones a cuatro voces con un desarrollo de una textura mas "llena", contrapunto imitativo cada vez más frecuente, estructura armónica más clara, mayor equiparación de las voces.

Tercera generación franco-flamenca (1520 a 1550) •

El estilo dominante de los compositores franco-flamencos comienza perder espacio. La Misa de Imitación (con pasajes polifónicos imitativos) reemplaza gradualmente la Misa de cantus firmus. La densidad polifónica se incrementa de cuatro voces a cinco o seis voces regulares.

•

Los compositores más importantes son:

•

Orlando di Lasso (1532-1594)

•

Nicolás Gombert (1495-1556) Gombert representa el estilo del motete de los franco-flamencos: frases imitativas con cadencias entrelazadas, articuladas con breves secciones, con cambio de metro y armonías de fauxbordon.

•

Jacobus Clemens o "Clemens non Papa" (1510-1556) - compositor de 15 Misas, basadas en modelos polifónicos, 200 motetes, 4 libros de salmos escritos en polifonías de tres partes utilizando melodías populares.

•

Adrián Willaert (1490-1562) Más progresista que los anteriores. (Gombert,Clemens,). Maestro de Zarlino, Cipriano de Rore, Andrea Gabrieli. Su producción principal es sagrada. Fue fundador de la escuela veneciana.

•

Jacob Arcadelt (1505-1568) Autor de motetes salmos, madrigales y chansons. El estilo de Arcadelt es refinado, puro, melodioso y simple. Su música fue inmensamente popular en Italia y Francia por más de cien años. Su primer libro de madrigales fue reimpreso 34 veces, un récord espectacular para la época).

EL SURGIMIENTO DE LOS ESTILOS NACIONALES

Se crean en la primera mitad del siglo XVI .

PAÍS

FORMAS MUSICALES

Italia

madrigal

Alemania

lied

Francia

chanson

Inglaterra

Ayres

España

Villancico

ITALIA •

Compositores italianos y extranjeros radicados en Italia pasan a ser líderes en el campo musical. Adrián Willaert en Venecia y posteriormente su sucesor A. Gabrieli (1520-1586) son dos de los más importantes representantes de este surgimiento. Italia se transforma en el centro de la actividad musical durante aproximadamente 200 años.

•

La Frottola: Petrucci imprimió más de diez coleccones de canciones estróficas italianas, realizadas silábicamente, a cuatro partes, con patrones rítmicos bien marcados, armonías diatónicas simples y textura homorrítmica (Polifonía Vertical). Su apogeo se produce entre finales del siglo XV y principios del XVI. En su ejecución, probablemente se cantaba solo la voz superior, dejándose las restantes para cualquier combinación instrumental. La Frottola es un antecedente importante del Madrigal Italiano.

•

Lauda: contraparte religiosa de la Frottola. Es una canción polifónica popular devocional pero no litúrgica. El texto varía entre Latín e Italiano. Es a cuatro voces, utiliza melodías de canciones populares.

Su ejecución es vocal o con acompañamiento de tres instrumentos. Es silábica, homofónica, con ritmo regular, melodía siempre en la voz superior, y realización armónica simple.

•

El Madrigal: Es el género más importante en Italia en el siglo XVI. El texto es una estrofa simple, con rima libre y un número moderado de versos de 7 y 11 sílabas, tratados libremente. La poesía es más refinada que en la Frottola y siempre de los principales poetas (Petrarca, Bembo, Tasso). En la primera mitad del siglo XVI, predominan los madrigales a 4 voces. Desde mediados de siglo, los hay a 5 voces, a veces extendiéndose hasta 8 voces. El contenido del texto es sentimental y amatorio con abundantes imágenes y alusiones de poesía pastoral

El Madrigal • Primera Etapa del Madrigal: a cuatro voces en compás binario, con alternancia de polifonía vertical y horizontal, Compositores: Bernardo Pisano (1490-1548), Francesco de Layolle (1492-1540), Philippe Verdelot (ca. 14801545), Constanzo Festa (1490-1545), Adrián Willaert (ca. 1490-1562) , Jacob Arcadelt, Pietro Bembo (1470-1547), quien a su vez es responsable por la veneración de Petrarca.

• Segunda Etapa:

a cinco voces o más, con interpretación musical del

texto, manierismos como ruidos y efectos sonoros o incluso visuales en las partituras. Compositores: Willaert, Cipriano de Rore (1516-1565) Este último realiza exploraciones cromáticas motivada por experimentos para revivir la música de la Grecia antigua. Dentro de la misma tendencia Nicola Vicentino, publica en 1555 "L'antica musica ridotta alla moderna prattica" (La Música Antigua adaptada a la Práctica Moderna) y diseña un archichémbalo y un archiórgano, capaces de ejecutar progresiones cromáticas y microtonales imposibles para cualquier otro instrumento de esta época.

Catedral de Ferrara. La ciudad de Ferrara fue el principal centro de experimentaci贸n crom谩tica de la segunda mitad del siglo XVI.

Archicembalo

Archiórgano: Instrumento musical cordófono de tecla, inventado por el teórico y maestro de capilla de la corte de Ferrara, Nicola Vicentino, en el siglo XVI. Se trata de un aparatoso órgano de seis teclados, en los que la octava se divide en 31 partes. Ajustándose a la teoría griega, el archiórgano abarcaba los géneros cromático, diatónico y enarmónico.

Tercera etapa: Orlando di Lasso (1532-1594), más importante dentro de la música religiosa, pero también compositor de chansons, madrigales y lieder; Philippe de Monte (1521-1603), también compositor de música religiosa, profana y en cuya producción hay madrigales profanos y espirituales; Giaches de Wert (1535-1596), quien continúa el estilo comenzado por Rore, incluyendo

saltos

melódicos,

declamación

similar

al

recitativo, contrastes extravagantes, etc.; Carlo Gesualdo (1561-1613), llega al climax del cromatismo respuesta al texto.

Los madrigales de Monteverdi (1567-1643) Sus madrigales representan la culminación del género y producen la transición de la polifonía vocal al solo o dueto acompañado instrumentalmente, la monodia acompañada característica del barroco. De la "Prima prattica" donde la música guía el texto, a la "Seconda prattica“ donde el texto guía la música.

•Están agrupados en 9 libros, ocho de los cuales fueron publicados en vida del autor entre 1587 y 1638, y el noveno libro póstumamente en 1651.

• Los cuatro primeros libros de madrigales se sitúan dentro de la prima prattica (primera práctica), el estilo polifónico tradicional, aunque Monteverdi utiliza un lenguaje armónico cada vez más innovador, con disonancias más audaces conforme avanza la serie. Están compuestos para 5 voces a capella.

•El quinto libro constituye el punto de inflexión hacia la seconda prattica (segunda práctica), donde la música se subordina a la expresión emocional del texto poético, en consonancia con la naciente ópera y los principios del humanismo florentino. Desde entonces, en los libros posteriores el madrigal evoluciona hacia formas dramáticas y de estilo representativo, con combinaciones más variadas de las voces y partes solistas, y con el acompañamiento instrumental del bajo continuo.

•Un recurso que utiliza Monteverdi en sus últimas obras es el denominado stilo concitato (agitado), que consiste en el uso de figuraciones musicales violentas, notas repetidas rápidamente, vigorosos trémolos, rápidas escalas y arpegios, todos ellos utilizados para expresar emociones violentas como la ira, o describir situaciones como el galope desenfrenado de caballos, el golpe de las espadas y el fragor de la batalla.

FRANCIA •

La nueva Chanson francesa: en los comienzos del siglo XVI los compositores franceses comienzan a apartarse gradualmente del "estilo internacional“ y desarrollan un tipo de chanson más distintivamente nacional en la música y en la poesía.

•

Chanson Franco-Flamenca (posterior): Gombert, Clemens non Papa, Pierre de Manchicourt (m.1564), y Thomas Crecquillon (m.1557) aparecen en compilaciones de chansons impresas que incluyen transcripciones instrumentales. Son más contrapuntísticas que las de francesas , con texturas mas llenas, líneas más melismáticas y ritmo menos marcado.

•

Air o Air de cour: Alrededor de 1550 surge un nuevo tipo de Chanson llamadas Air o Air de cour (Aire de corte), de homorrítmicas, estróficas y cortas, a veces con refranes, ejecutadas como solo con acompañamiento de laúd. En un principio son llamados vaudevilles. Los principales compositores son: Claude Le Jeune (1528-1600), Guillaume Costeley (1531-1606), Jacques Maduit (1557-1627).

Alemania Los músicos franco-flamencos son por primera vez escuchados en Alemania cerca de 1530.

Previamente el arte Monofónico de los Minnesinger, en el siglo XIV y el de los Meistersinger en el XV y XVI, prevalecen en las ciudades germanas. Alrededor de 1550, las cortes y municipios germanos comienzan a contratar compositores franco-flamencos e italianos, que no imponen sus estilos nacionales, sino que se insertan en la vida musical, contribuyendo al desarrollo del Lied y de la música de alemana sacra Católica y Luterana. Orlando di Lasso, es el principal compositor en Alemania en la segunda mitad del siglo XVI. Escribe 7 colecciones de Lieder Alemanes, en los que no enmascara el Tenor en una red contrapuntística, sino que escribe el texto a la manera del madrigal, en la que todas las voces son igualmente importantes y con un gran nivel de interacción entre motivos, imitación, ecos, etc.

•

Lied: Los primeros maestros del Lied polifónico son Heinrich Isaac, Heinrich Finck (1445-1527), Paul Hofhaimer (1459-1537), Ludwig Senfl. El principal centro cultural en Alemania es Nuremberg hasta 1550. En esta época decae el Lied en favor del estilo italiano.

•

Quodlibet: Un género que tiene importancia en Alemania es el Quodlibet, pieza hecha de la

Inglaterra •

La época dorada de la canción profana inglesa es posterior a la continental (últimas décadas del siglo XVI).

•

El madrigal Inglés: Sus particularidades estilísticas son: texturas homorrítmicas, con la melodía principal en la voz superior, métrica de danza, secciones diferentes articuladas por cadencias. El compositor más importante en este momento es Thomas Morley (1557-1602). Destacaron también Thomas Weelke y John Wilbye (1574-1638).

El Madrigal Inglés difiere del Italiano en los siguientes aspectos: mayor atención a la estructura musical, preocupación por recursos puramente musicales y resistencia a seguir musicalmente las articulaciones del texto.

Al declinar la popularidad del madrigal inglés, es desplazado por las canciones para laúd o «aires».

•

Aires (del inglés ayres). Son canciones inglesas (aires) para Laúd. Es un poema con un patrón métrico y versos regulares, con un esquema de rimas predecible y generalmente estrófico. . Sus compositores más importantes son: John Downland (1562-1626) y Thomas Campion (15671620).

• El

estilo

musical

del

ayre

está

caracterizado

por:

acompañamiento del Laúd subordinado a la voz, pero con cierto grado de independencia melódica y rítmica. El mismo laudista suele ser el que interpreta la canción. Los ayres de Dowland, estaban concebidos como canciones para solista con acompañamiento de laúd en tablatura, pero la mayoría se publicó en un formato múltiple que también permitía cantarlos a cuatro voces.

• Canciones para consorts: es otro género de fines del siglo XVI,

canciones

para

una

voz

o

para

dueto

con

acompañamiento de un consort de violas. William Byrd publica colecciones de obras dentro de este género.

(Un consort es un conjunto de cámara formado por instrumentos de diferentes tallas pertenecientes a una misma familia instrumental. Es el conjunto prototípico de la música instrumental del Renacimiento).

España I) S XV- La música en la época de los reyes católicos.

El hecho de que la capilla de los Reyes Católicos esté formada exclusivamente por músicos españoles da origen al surgimiento de una escuela nacional. Poco a poco se va adquiriendo una personalidad propia en el terreno musical que desembocará en la llegada del llamado Siglo de Oro. Formas musicales a.

a.

Religiosas –

El motete: no forma parte de la Misa ni de los Oficios. En el S. XV el estilo será más sencillo, volviéndose más complejo y contrapuntístico en el siglo siguiente debido a las influencias de las escuela franco-flamenca.

–

El villancico religioso: tiene las mismas características que el villancico profano, pero de temática religiosa y carácter popular (no litúrgica, es decir, no pertenece a la Misa). Se componían fundamentalmente para las festividades de Navidad y Corpus Christi. Se escriben en castellano, no en latín.

Profanas –

El villancico: es la forma predominante. Deriva de la palabra "villano" (habitante de las villas o poblados), lo que denota su origen popular. Tiene una temática muy variada: amorosa, religiosa, erótica, pastoral, amor cortés,...

Su forma que se compone de Estribillo y Copla, tiene origen en estructuras medievales, aunque puede presentar muchas variaciones. Su composición es polifónica, y busca la máxima expresividad adaptando la música al texto. Se tiende al silabismo y la homofonía, excepto en las cadencias donde encontramos melismas.

–

El romance: es una composición de un número limitado de estrofas con cuatro versos octosílabos. El texto varía en cada estrofa, pero la música es la misma siempre. Suele tener temática heroica y política. Destacan Juan de la Encina y Luis de Milán, que adapta romances para voz y vihuela, aunque eso será ya en el S. XVI.

• Juan de la Encina (1468-1530): es el más importante compositor de la época. Además de músico fue un gran literato, creador de una poesía culta. Entre sus composiciones, destacan sus villancicos, tanto villancicos religiosos como profanos. También escribió romances y canciones.

Características comunes de las formas Religiosas y Profanas españolas del siglo XV – Motete »Melodía cantable en la voz superior

– Villancico religioso »Armonía sencilla.

– Villancico »Estructuras simples

– Romance

II) Siglo XVI - El siglo de oro de la música española.

•

•

• •

época de florecimiento para la música española tanto vocal como instrumental, religiosa y profana. Sin embargo, el mayor auge se da en la polifonía vocal religiosa, que será la causante de que a este periodo se denomine "el siglo de oro".

Formas musicales Se siguen las formas del siglo anterior (romance, villancico,...), cultivándose además el madrigal. La música es más culta, al igual que el texto, y emplea recursos musicales rebuscados para dar expresividad al texto (madrigalismos).

Compositores Cristobal De Morales (1500-1533) Es el polifonista español más universal del siglo XVI. Compuso 22 misas (sobre canciones castellanas, temas gregorianos, parodias...), motetes, himnos, magnificats y villancicos. En cuanto a su estilo, nunca llegó a las complejidades de la escuela francoflamenca, siendo fiel al estilo de austeridad y a los principios estéticos de la tradición española.

• •

Francisco Guerrero (1527-1599) Discípulo y sucesor de Morales. Compuso obras religiosas (misas, motetes, pasiones,...) y profana, con texto en castellano (conocidas gracias al Cancionero de Medinaceli). Sus "Canciones y Villanescas", impresas en Venecia en 1539 son obras en castellano con tema religioso. Gozó de un éxito póstumo enorme en las colonias americanas españolas.

•

Tomás Luis De Victoria (1548-1611)

Relación entre la música instrumental y la vocal en los comienzos del siglo XVI • Hay una estrecha relación en estilo y ejecución entre la música vocal y la instrumental. Los instrumentos a menudo doblan o reemplazan voces en composiciones sacras

o

profanas.

El

Magnificat

de

la

Misa

frecuentemente se ejecuta alternando coro (versos impares) con el órgano (versos pares). Pequeñas piezas para órgano a menudo sustituyen partes cantadas del servicio. Aparecen Himnos para órganos, basados en cantus firmus.

La Música Instrumental en el siglo XVI •

La música del período que va desde 1450 a 1550 es básicamente vocal, a pesar de haberse desarrollado algunos géneros instrumentales.

•

Hasta fines del siglo XV la música instrumental había permanecido relegada a un segundo plano con respecto al prominente lugar ocupado por la música vocal. La música instrumental en un principio sigue una tradición oral hasta la invención de la Imprenta, que permite la publicación de libros y tratados describiendo instrumentos.

•

Recién durante el siglo XVI, la creación de obras instrumentales puras empieza a desarrollarse con tal autonomía que consigue ascender al mismo plano de importancia de la música vocal, de cuya influencia se desprende gradualmente.

•

A comienzos del siglo XVI aparecen numerosas publicaciones de música instrumental solista, especialmente para laúd y teclado (órgano o clave), originándose nuevas formas tales como la fantasía, el ricercar, el tiento, él capriccio y la canzona, las que se extienden, a mediados del mismo siglo, a la música de conjunto. Estas formas resultan de la transcripción para instrumentos de obras vocales polifónicas como el motete y la chanson, siendo su rasgo común el contrapunto de estilo imitativo.

Combinaciones instrumentales • Hasta fines del siglo XVI no existían reglas fijas salvo muy pocas convenciones elementales como: instrumentos fuertes (cornetti, chirimías, trombones) para ejecuciones al aire libre, en grandes salones o iglesias, e instrumentos suaves (violas, flautas, laúdes, etc.) para la música de cámara u hogareña.

• Las diversas combinaciones instrumentales posibles podrían dividirse en dos grupos principales: conjuntos de una misma familia, llamados antiguamente "whole consorts" y conjuntos mixtos o "broken consorts".

• Los consorts más habituales estaban formado, por los instrumentos más extendidos, tales como las flautas de pico o las violas da gamba, pero también eran comunes los formados por bajones, laúdes, etc. El actual cuarteto de cuerda (formado por dos violines, viola y violonchelo) es un ejemplo de consort originado en torno a 1600 y que pervive aún en la actualidad.

•

Con el crecimiento de la música instrumental, se jerarquiza el rol del músico instrumentista.

•

Hay dos aspectos importantes referidos a la música instrumental de esta época: 1. La cantidad de instrumentos de viento 2. Los instrumentos construidos en series o familias cubriendo un amplio rango desde el registro de soprano al del bajo (Flautas dulces, Violas).

Podemos clasificar formas instrumentales del renacimiento en dos categorías: • A) Formas instrumentales surgidas a partir de modelos vocales: •

RICERCARE, CANZONA:

• B) Formas puramente instrumentales: •

DANZAS, VARIACIÓN, TOCCATA, PRELUDIO, FANTASÍA

Música para la danza • Su auge es a partir de la impresión musical.

Música con patrones rítmicos regulares, poco uso del contrapunto, melodía principal ornamentada.

• Secciones claramente perceptibles agrupadas en pares (o de a tres). Una combinación usual es: danza lenta en compás binario, seguida de otra rápida en compás ternario y con la misma melodía (pavana y galliarda, o Passamezzo y saltarello). Otras danzas populares son la Allemanda y la Courante. Esta práctica antecede a la suite.

Piezas Improvisatorias Improvisación a partir de la ornamentación de una línea melódica, de la realización de una contramelodía o de la improvisación de una danza sobre un tenor anterior. Son piezas improvisatorias, los Preludios, los Preámbulos, la fantasía y ricercare. La Toccata es el principal genero improvisatorio para teclado. El Ricercare es la contraparte del Motete. Utiliza contrapunto imitativo y es ejecutado por ensambles o solistas.

Variaciones Se desarrollan a partir de la pr谩ctica improvisatoria sobre una melod铆a de danza. La improvisaci贸n y composici贸n de variaciones sobre ostinatos cortos fueron los prototipos para las futuras chaconas y pasacaglias.

La Sonata • Es un término utilizado para piezas instrumentales.

• En Italia, en el siglo XVI, la Sonata es la contraparte sagrada de la Canzona.

• Venecia es uno de los principales centros de música instrumental.

• Los principales compositores son : Merulo, Andrea Gabrieli y Giovanni Gabrieli (15571612) quien escribe 7 sonatas y 36 canzonas.

Su "Sonata pian'e forte de la Sacrae symphoniae" (1597), es probablemente la primera obra con indicaciones dinámicas.

Música inglesa para teclado • Virginalistas: Los principales compositores ingleses de música para teclado de fines del siglo XVI son: William Byrd, John Bull, Orlando Gibbons, Thomas Tomkins.

• Fuentes: el "Mulliner Book" (ca. 1540-1585) y el "Fitzwilliam Virginal Book (ca. 1609-1619) contienen transcripciones de madrigales, fantasías contrapuntísticas, danzas, preludios, series de variaciones, en algunos casos basadas en melodías populares.

(El virginal es un tipo de clave, clavicémbalo o espineta pero más pequeño, de forma diferente (oblonga o rectangular). Se difundió en los Países Bajos (en el 1500) y en Inglaterra (en el 1600). Sus cuerdas corrían paralelamente al teclado o, a veces, en diagonal).

INSTRUMENTOS DEL RENACIMIENTO

• Una de las fuentes más importantes que describe la gran variedad de instrumentos empleados en el Renacimiento es la obra de Michael Praetorius De Organographia, Wolfenbüttel, 1619.

• Este libro muestra una importante característica de la época, a saber, la construcción de instrumentos en familias. Puesto que la música instrumental se componía de obras polifónicas derivadas de modelos vocales, casi cada especie de instrumento se construía en tres, cuatro o más tamaños, que correspondían, en principio, a los distintos registros de la voz humana: soprano, contralto, tenor y bajo: • Familia de flautas • de doble lengüeta (antecesores de la familia del oboe) • Instrumentos de boquilla (trombón, antiguamente llamado "sacabuche“) • Familia de violines • Familia de violas da gamba • Instrumentos de cuerda punteada

FIN