ENCUADRE - Una mirada personal de la fotografía by Alejandro Bohórquez

Una mirada personal de la fotografĂa

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contenido Arquitectura

Artística

Documental

Formas y texturas

Naturaleza y animales

Retratos

General

DIRECCIÓN Alejandro Bohórquez CONCEPTO GRÁFICO Y DISEÑO Alejandro Bohórquez FOTOGRAFÍA Alejandro Bohórquez CORRECCIÓN Diana Carrillo PRODUCCIÓN Alejandro Bohórquez FOTOGRAFÍA EDITORIAL Jhan Carlos Salcedo Prohibida su reproducción total o parcial, así como su traducción a cualquier idioma sin autorización escrita del titular. Derechos reservados. Publicación editada por EDIAGRAM. Copyright © 2016

EDIAGRAM

Caleño emprendedor y apasionado por el cine y la fotografía. Motivado por su amor por las artes audiovisuales, en 2013 emprende el camino de preparación que lo ha llevado a expandir su visión del entorno, perspectiva mediante la que busca cautivar en su obra. De mente exageradamente inquieta. Creativo y de aptitudes para las letras, con inclinación hacia las ideas abstractas que intenta plasmar eventualmente en sus proyectos fotográficos. Su pasión por la fotografía se define por la libertad de expresar sus pensamientos y la posibilidad de capturar al espectador a través de un mensaje; responsable, desocupado y eventualmente fiestero, amante del buen café y partidario de lo minimalista. Fundador del movimiento “Amotro-Dancer” caleño y plenamente identificado por el dicho que señala que “Se mueve más un Alka-Seltzer en una mazamorra”. Buen amigo siempre dispuesto a dar una mano, las dos manos, un consejo o una madreada, lo primero que sea necesario. Alma de viajero, autodidacta en gran parte, escritor cuando la pereza no lo adula, amante de la música y el buen vino.

alejobr AlterAlejo @AlterAlejo behance.net/alejobr 2

ARQUITECTURA

Selección de fotografías de estructuras que captan la atención por su diseño, materiales o la forma de su construcción.

ENTORNO Y MOVIMIENTO Una obra de arquitectura rara vez se piensa de forma aislada, como ente independiente, por lo que el entorno suele ser muy importante tanto en el diseño como en la forma. Por tanto, aunque es fundamental plasmar bien el edificio en sí, alejarse y verlo en contexto e interactuando con elementos urbanos existentes es muy interesante. La fotografía de arquitectura suele ser también muy estática, en ocasiones incluso aséptica, por lo que a veces conviene utilizar elementos que provoquen cierto movimiento en la imagen. Pueden ser desde personas que no tengan relación con el edificio, a usuarios del mismo, pasando por vehículos o incluso objetos completamente ajenos al entorno. Al menos, tendremos fotos que generazrán algo de dinamismo en el reportaje. Hay que saber lo que queremos contar, y cómo queremos contarlo, y a partir de ahí intentar conseguir la imagen que queremos. Los espacios los usan las personas, y a veces merece la pena fotografiarlos en uso.

DETALLE, TEXTURA Y CREATIVIDAD La fotografía de arquitectura es muy técnica, y para fotografiar una obra arquitectónica lo principal es mostrar el edificio y sus espacios más importantes. Pero eso no significa que no podamos reservar una parte del reportaje a mostrar detalles interesantes del edificio y puntos de vista diferentes o dar rienda a nuestro lado más creativo. Se deben buscar detalles interesantes y rincones únicos, no siempre hay que mostrarlo todo. Conseguirás tener un reportaje completo y con un punto de originalidad. Por último probar a buscar texturas, juegos de líneas, encuadres especiales, jugar con el uso del blanco y negro cuando el color no aporte nada, a desaturar las imágenes, a añadirles filtros creativos, etc.

En definitiva, este tipo de fotografía es un juego que busca componer con lo abstracto y permite explorar el lado más creativo. Muchas veces las reglas están para romperlas y ese punto diferente será el que posibilitará conseguir la mejor visión de la obra arquitectónica.

ARTÍSTICA

Selección de trabajos que proponen una mirada sensible de la fotografía como un arte y forma de expresión de sentimientos; a través de la exploración de técnicas, esta recopilación plantea la intención de mostrar una visión personal del entorno. La fotografía en sí es un arte y el fotógrafo es aquel ser sensible que está en permanente contacto con la cultura visual para reproducirla en sus fotografías. Como la etimología indica: “escribe con luz”. El ojo debe entrenarse como cualquier otro órgano. Sólo se puede juzgar, y por ende producir, si se posee una mirada sensible y formada, que nos enfrente a la mayor comprensión de las imágenes y, a la vez, de su disfrute, más allá de gustos personales o de criterios tan arbitrarios como “bonito” o “feo”. “Cuando un individuo toma una cámara”, el universo de creaciones posibles se dispara. Desde la fotografía del recién nacido hasta el paisaje, una multitud de temas comunes llenan los ordenadores de cientos de “artistas”, pero en sí el arte es entendido generalmente como cualquier actividad realizada por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, a través de la cual se expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos.

¿A qué podemos llamar fotografía artística? Esta pregunta nos la hemos hecho muchas veces. Creo que la respuesta es que, a pesar de que en la captación de una imagen intervienen “factores técnicos”, que deberán ser lo más perfectos posible: longitud focal, tipo de enfoque, velocidad de obturación, abertura de diafragma, encuadre, etc., también serán importantes las condiciones ambientales, es decir: el escenario, el momento, si la imagen captada conecta con el observador, las emociones que en ella se transmiten, si invita a observarla, etc. Estos factores, unidos a la técnica utilizada por el fotógrafo, pueden crear, sin duda, una obra de arte. Estos son aspectos que enriquecen mucho a una fotografía para que destaque sobre las demás, y a través del desarrollo de ambas cualidades, el artista

“La poesía y el progreso son dos ambiciosos que se odian con un odio instintivo, y, cuando coinciden en el mismo camino, uno de los dos ha de valerse de otro. Si se permite que la fotografía supla al arte en algunas de sus funciones pronto, gracias a la alianza natural que encontrará en la necedad de la multitud, lo habrá suplantado o totalmente corrompido. Es necesario, por tanto, que cumpla con su verdadero deber, que es el de ser la sirvienta de las ciencias y de las artes, pero la muy humilde sirvienta, lo mismo que la imprenta y la estenografía, que ni han creado ni suplido a la literatura.” busca romper con los prototipos y se atreve a explorar. La fotografía “consiste en buscar algo interesante en un lugar común y corriente”. Cuando una persona decide hacer arte es porque está buscando como expresar su personalidad, su concepto de algo específico, ese algo que le mueve dentro de una forma particular, desde su propia personalidad. El fotógrafo deja que su obra hable por sí sola, no necesita explicaciones y si bien, en ocasiones, algunos presentan tendencias mucho más abstractas que otros, el punto clave radica en su construcción, de qué manera la fotografía habla, de qué manera cobra vida. Toda fotografía artística es una combinación de suerte y disciplina técnica. Saber esperar la luz, la imagen o el movimiento perfectos para capturar lo que el fotógrafo está intentando expresar, son a la vez un arte y una ciencia. Los fotógrafos que se han hecho famosos por su talento y formación han

pasado años desarrollando técnicas y estilos para conseguir que sus fotos sean verdaderamente únicas. En definitiva, la fotografía artística es una forma maravillosa de capturar imágenes para transmitirlas a las futuras generaciones. El propósito de la fotografía artística va mucho más allá de la mera representación de la realidad. Las fotos artísticas no se toman sino que se crean y dependen

fundamentalmente de la creatividad del fotógrafo y de su modo de plasmarla en una imagen. En este tipo de imágenes la intencionalidad del fotógrafo cobra vital importancia. Su humor, sus sentimientos, sus deseos y sus pensamientos se hacen protagonistas de la imagen más allá de la representación física que queda plasmada en la foto. Este es uno de los ejemplos que ilustran eso de que la inmensa mayoría de las imágenes pueden categorizarse de varias maneras, sobre todo en lo que a fotografía artística se refiere debido a la subjetividad de la principal característica de este tipo de fotos. Las emociones. Por lo tanto, este tipo de expresión artística habla más de su autor que de su objeto o sujeto retratado. El escritor estadounidense John Steinbeck decía que “la fotografía podía ser una extensión de la mente y del corazón y que sería tan buena como el hombre que la hiciera”. A pesar de esta acepción de la fotografía artística, también se intenta combinar la expresión de aspectos personales del fotógrafo con cuestiones y sentidos universales para poder acercarse a la mayor parte del público.

Fuente: fotonostra.com marccirujeda.com

DOCUMENTAL

FotografĂas que registran mĂşltiples aspectos de la realidad y que se constituyen como una prueba o evidencia de diferentes eventos de la cotidianidad. 13

Se conoce como fotografía documental a aquella que representa fielmente y congela un fragmento de la realidad. Aunque la fotografía documental puede responder a varias y amplias definiciones, el concepto más extendido y al que nuestro inconsciente está acostumbrado es el que dice que la foto documental nace con la intención de plasmar la realidad en una imagen fija. Este tipo de fotografía consiste en registrar la realidad, no sólo capturar momentos maravillosos, transmitir un sentimiento o simplemente realizar una imagen con sentido meramente estético. Suele tener como propósito generar conciencia social y aunque a veces se confunde con el fotoperiodismo no es exactamente lo mismo, a pesar de que en muchas ocasiones se nutren mutuamente. El fotoperiodismo se centra más en la noticia, en la actualidad relevante, mientras que la fotografía documental tiene como objetivo retratar una realidad, un contexto y unos personajes que viven esa realidad, al margen de que sean o no noticia en ese momento. Puede entenderse que todo tipo de fotografía es documental ya que muestran algo que está ocurriendo delante de la cámara en su sentido más estricto. Si bien este tipo de foto sólo hace referencia a las imágenes que se convierten en pruebas y evidencias de que un evento ha pasado y que seguiría siendo así de no haber estado el fotógrafo.

La textura es un elemento visual que posee, al tiempo, cualidades ópticas y táctiles. Este último aspecto es el más sobresaliente, ya que la textura es un elemento visual que sensibiliza y caracteriza materialmente las superficies de los objetos o sujetos fotografiados Una textura nos puede ayudar a expresar sensaciones al reconocer visualmente, algo que anteriormente hemos tocado o sentido de algún modo.

FORMAS Y TEXTURAS Una composición fotográfica está llena de objetos y cada uno de ellos tiene su textura, pero el reto real de un fotógrafo es conseguir destacarla, por ejemplo si disparamos a una textura muy marcada, esto proporcionará realismo a la imagen, además de crear volumen. El hecho de que un objeto o una persona no tenga una textura marcada, no quiere decir que carezca de ella y por supuesto también puede jugar un papel importante, por ejemplo, en una cara poco marcada podemos reflejar juventud, suavidad, pureza o algo nuevo si se trata de un objeto. Como siempre la luz tomará un papel importante, dependiendo de donde venga y su intensidad, podremos captar texturas más o menos marcadas. La mejor manera de conseguir texturas marcadas o resaltadas, es iluminar de un modo lateral, de este modo la profundidad de la misma se notará más y creará sombras más definidas. En cuanto a la forma, esta es un elemento visual que puede ser tanto real como perceptivo, lo cual sucede porque el ser humano reconoce una forma gracias a otras formas que tiene almacenadas previamente en el cerebro. Debido a este conocimiento previo y a esta “memoria” podemos reconocer los objetos que nos rodean. La imagen fotográfica es bidimensional pero la iluminación, el contraste tonal y cromático resaltan los volúmenes haciendo que se plasmen las tres dimensiones de la vida real. Esto desembocará en que en fotografía hablemos más de forma que de figura. Las formas en fotografía son aquellas que definen y determinan el espacio. El espacio positivo es donde las formas existen y el negativo es el espacio vacío que queda alrededor de esa forma. Para que una fotografía tenga sentido debe haber un equilibrio entre ambos espacios. Fuentes: desarrollomultimedia.es, fotonostra.com

NATURALEZA Y ANIMALES 20

La fotografía de animales en la naturaleza no es apta para todos los fotógrafos. Este tipo de foto puede ser una labor bastante ardua y tediosa. Sin embargo, los resultados que ofrece pueden hacer que el esfuerzo merezca la pena. Para fotografiar animales en libertad hay que tener mucha paciencia y sensibilidad. En las fotos de animales hay que seguir las mismas pautas que en las personas, descubrir su personalidad y tratar de plasmarla. No se le puede pedir a un animal que sonría, que se quede completamente inmóvil o que se coloque en un lugar iluminado en la dirección que se quiera. Se debe esperar y aprender a anticiparse a su comportamiento. La fotografía paisajes no supone demasiada dificultad en cuanto a la técnica pero sí se debe tener la creatividad despierta si se quieren buenos resultados y fotografías originales. Para ello no sólo el lugar será importante en la foto de paisaje sino que se debe cuidar al máximo el encuadre, la luz, las condiciones atmosféricas y las variaciones cromáticas qué estas dos ofrecen. Un paisaje singular viene dado por el contraste de los colores y la armonía de sus curvas, la convergencia de las líneas, la perfecta combinación de formas y colores, así como por la repetición rítmica de los elementos. Los fotógrafos de paisajes pretenden tener toda su toma enfocada, desde el primer plano hasta el infinito. Para ello, algunos tienen en cuenta las nociones básicas para tener mucha profundidad de campo y otros realizan los cálculos para conocer cuál es la hiperfocal. La hiperfocal es la distancia más cercana a la cámara de fotos a la que puede enfocarse un motivo para que toda la escena que tenga por detrás esté enfocada hasta el infinito. Además de esto, si disparamos a la hiperfocal, la mitad de la distancia por delante, también quedará enfocada. Es decir, si los cálculos para hallar la hiperfocal nos dicen que debemos colocar el objeto a 4 metros para que todo esté enfocado por detrás, debemos saber que todo lo que haya 2 metros por delante también se verá nítido.

RETRATOS El retrato no por ser el tipo de fotografía más extendida resulta, también, la más fácil, ni mucho menos. Conseguir un buen retrato es mucho más difícil de lo que en principio pueda parecer. Con los retratos, no sólo se ha de tener en cuenta aspectos como la iluminación, la composición o el encuadre, sino que se ha de intentar reflejar la personalidad o los sentimientos del sujeto retratado. Esta es la cuestión que añadirá dificultad a toda la técnica fotográfica. Un fotógrafo no debe hacer retratos sin tener en cuenta el carácter o el humor del individuo que tiene en frente. En caso contrario, la fotografía resultante no será más que una representación gráfica de un ser humano. Un buen retrato debe transmitir el estado de ánimo del sujeto en el momento del disparo y para ello es importantísimo observar a la persona que se pretende retratar. Al fotografiar a personas es muy importante que se les vea bien. Hay muchas formas de resaltar la fisonomía del personaje jugando con la luz, el fondo, la perspectiva y la composición.

“Si sabes esperar la gente se olvidará de tu cámara y entonces su alma saldrá a la luz.”

Steve McCurry.

Para sacar un buen retrato hay que tener en cuenta todos los elementos que saldrán en la foto, incluido el fondo. Lo más recomendable es restarle importancia desenfocándolo. De esta forma se resaltará al sujeto y no se desviará la atención. En el caso de la luz, es importante que el sujeto tenga sombras en la cara que resalten sus facciones, si no es así, aparecerá una cara “plana” sin relieve. Una luz de relleno lateral puede ayudar. En cuanto a la composición, depende de si se quiere hacer un primer plano o no. En cualquier caso hay que tratar de que el sujeto ocupe buena parte de la imagen y sea el protagonista de la misma. El objetivo perfecto para el retrato del rostro suele ser el que conocemos como “normal” de 50 o 35 mm según la película o sensor. Los teleobjetivos evitan las distorsiones de la perspectiva (la nariz o mentón pronunciados) provocadas por el acercamiento excesivo de la cámara a la cara y permiten acortar la profundidad de campo para desenfocar el fondo. En los primeros planos, una nitidez acentuada puede poner en relieve posibles defectos de la piel del sujeto. Para suavizar la imagen se puede colocar un filtro difusor que aporta al retrato un aire romántico, permitiendo disimular las imperfecciones del rostro; aunque, eso sí, también puede imprimir un carácter bastante artificial a la foto. Fuente: fotonostra.com

GENERAL Selección de todas las fotografías que no tienen clasificación definida y abordan diversas temáticas no englobadas en las demás categorías.