Revista Screen

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mi semana con

MARILYN Michelle Williams

ESPECIAL Actrices de

70

2 Nominaciones a los Oscar

REPORTAJE Camino a los Oscar 2012 ESTRENOS Infierno Blanco The Turin Horse Shame El invitado ENTREVISTA John Malkovich “Premonición”

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Editorial

Reencuentros, risas y anécdotas marcan el tradicional almuerzo de los nominados de la 84ª edición de los Oscar

Oscars

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F

alta todavía poco más de dos semanas para la entrega de los Oscar, será el próximo 26 de febrero, pero ayer ya pudimos ver a los candidatos a la preciada estatuilla, en el tradicional almuerzo previo a la gran noche del cine, que tuvo lugar en Los Ángeles.

En torno a 150 invitados se dieron cita en el hotel Beverly Hilton, en un ambiente mucho más relajado que el que veremos el día de la gala, aunque es inevitable que los nervios ante el gran día estuvieran en el ambiente. En esta ocasión los trajes de chaqueta y los vestidos de cóctel sustituyeron al formal esmoquin y a

los espectaculares vestidos de la alfombra roja y los reencuentros marcaron este almuerzo de la 84ª edición de los Oscar.

Una de las anécdotas la protagonizaron Brad Pitt y George Clooney, amigos y rivales en su candidatura al Oscar al mejor actor, por Moneyball y Los descendientes respectivamente. Por la amistad que les une, muchos piensan que estas dos estrellas se veían muy a menudo, pero lo cierto es que no y por eso estuvieron mucho rato hablando, poniéndose al día y de paso, poniendo un toque de humor al almuerzo.

“La gente en casa piensa que nosotros quedamos a menudo, pero la verdad es que no veía a Brad desde hace un año y es divertido ponernos al día”, explicaba George Clooney.

Por su parte Brad, que también dijo a la prensa que estaba encantado por este reencuentro con su amigo, acudió acompañado por su compañero de reparto en Moneyball, Jonah Hill, que está nominado por primera vez en su carrera en la categoría de actor de reparto.

Director: Alejandro Rodríguez Fernández - Título: Screen® - Autor: Alejandro Rodríguez - Maquetación y Diseño: Alejandro Rodríguez - Fotos: www.labutaca.net, www.fotogramas.es, http://thefabulousbirthdayblog.blogspot.com, http://www.allstarpics.net - Edita: Alejandro Rodríguez Fernández, S.L.U., C/ Almeria, 6, 11203 (Algeciras) - Fotomecánica: Digital Screen - Impresión: Printer Algeciras - Depósito Legal: B.48016-2012.

La Actualidad

Jamie Blackley: 300 Battle of Arthemisia, John Cusack: Adult World...

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Sumario 9

Especial

De Estreno

Infierno Blanco The Turin Horse Shame El Invitado

Actrices de los 70

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Reportaje

Camino a los Oscars 2012

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En Portada

Mi Semana con Marylin

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Entrevista

John Malkovich nos habla sobre su papel en “Premonición”.

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La Actualidad

300

Jamie Blackley encarnará al joven Calisto en “300: Battle of Artemisia” Poco a poco vamos conociendo el reparto de “300: Battle of Artemisia”, el spin-of de “300” que Noam Murro (“Smart people [Gente inteligente]“) dirigirá para Warner Bros y Legendary Pictures.

Así, hace unos días supimos que Sullivan Stapleton (“Animal kingdom”) sería su protagonista masculino, y ahora nos enteramos por medio de Deadline New

Adult World

John Cusack, mentor de Emma Roberts en la comedia negra “Adult World”

York que Jamie Blackley (“Blancanieves y la leyenda del cazador”) también se dejará ver en el filme.

No obstante, las informaciones sobre su argumento son un tanto confusas. En teoría se nos relatará la odisea de Temístocles, quien lideró a los griegos para derrotar al poderoso ejército persa. De Jerjes no se ha vuelto a saber nada, aunque siempre se habló de que este personaje tendría un papel importante en el filme.

Respecto a Blackley, se pondrá en la piel de Calisto, un adolescente que, como su padre, quiere llegar a ser un heroico soldado, de ahí que para ello se convierta en el líder de un pequeño grupo de guerreros.

Scott Coffey ya ha comenzado a filmar “Adult World”, película cuyo cartel encabeza Emma Roberts (“El arte de pasar de todo”).

John Cusack (“El enigma del cuervo”) y Evan Peters (“Kick-Ass: Listo para machacar”) se han unido al reparto de esta comedia negra de TreeHouse Pictures y Anonymous Content.

En el filme, Amy Anderson (Roberts) es una joven que, tras concluir sus estudios universitarios, se muda a vivir con sus padres para escribir poesía, puesto que cree que será la próxima estrella dentro del mundo

literario. Sin embargo, sus progenitores le obligan a que se busque un trabajo de verdad, y ella lo encuentra como dependienta de Adult World, una librería erótica. Cusack encarnará a Rat Billings, el héroe y mentor de la protagonista (de hecho, se trata de un individuo que fue uno de los grandes poetas de comienzos de los 90). Peters se pondrá en la piel de un personaje llamado Manny.

Según Deadline New York, Andrew Cochran es el autor del guión de la película.

Jennifer Aniston y Dennis Quaid se suman al reparto de “Switch” Dan Schechter es el realizador de “Switch”, cinta en la que participarán Ty Burrell (“Morning glory”), John Hawkes (“Contagio”) y Yasiin Bey (“Rebobine, por favor”); este último conocido por el nombre de Mos Def. Según Deadline New York, Jennifer Aniston (“Cómo acabar con tu jefe”) y Dennis Quaid (“Qué esperar cuando estás esperando”) se hallan en negociaciones para formar parte de su elenco.

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La película se basará en una novela de Elmore Leonard, y, aunque aparecen personajes que formaban parte del libro que dio pie a “Jackie Brown”, conviene aclarar que no estamos hablando de una precuela del filme de Tarantino. La historia se centrará en una mujer (Aniston) que es secuestrada por dos ex convictos (Hawkes y Bey), quienes piden un rescate a su marido (Quaid) para liberarla. Sin embargo, éste no cumple con sus exigencias, puesto que quiere desembarazarse de su esposa, quien luego no duda en aliarse con los delincuentes para sacarle todo el dinero que pueda a su pareja.

La Actualidad

Son varios los proyectos que Tony Scott (“Imparable”) tiene en su agenda, si bien parece que por fin habría elegido el que se convertirá en su siguiente largometraje. Se trataría de “Lucky strike”, cinta en la que se menciona a Vince Vaughn (“Neighborhood watch”) como su posible protagonista.

La película, cuyo guión ha escrito Henry Bean (“Sobrepasando el límite”), nos contará la historia de un agente de la DEA que se alía con un traficante de drogas para de esta manera acabar con un peligroso cártel. Según Deadline New York, su rodaje comenzaría a finales del verano o a comienzos del otoño, siendo su presupuesto de 80 millones de dólares. Emmett/Furla Films financiará este título de acción.

Lucky Strike

Tony Scott podría dirigir a Vince Vaughn en la cinta de acción “Lucky strike”

Nikolaj Coster-Waldau luchará contra los invasores alienígenas en “Oblivion” Dado que “Oblivion”, la nueva película de Joseph Kosinski (“Tron: Legacy”), comenzará a rodarse el próximo mes de marzo en Luisiana, no es de extrañar que sus responsables quieran completar su reparto durante las próximas semanas. Así, a los ya confirmados Tom Cruise, Andrea Riseborough, Olga Kurylenko y Morgan Freeman, ahora habría que

añadir el nombre de Nikolaj Coster-Waldau (la serie de televisión “Juego de tronos”).

El filme, que se basará en una novela gráfica del propio Kosinski, se desarrollará en un futuro apocalíptico en el que la mayoría de los humanos viven en el cielo, puesto que la Tierra se ha convertido en un lugar imposible de habitar. Jak (Cruise) y Vika (Kurylenko) se dedican

a reparar las máquinas no tripuladas que caen a la superficie de nuestro astro a causa de los combates que mantienen con una raza alienígena.

Cuando aparece Julia (Riseborough), una misteriosa mujer cuya nave se ha estrellado en el lugar, el héroe del relato comienza a cuestionarse la forma en la que ve el mundo. Freeman encarnará a Malcolm Beech, el líder de la resistencia, mientras que, según informan en Deadline New York, Coster-Waldau se pondrá en la piel de Sykes, un experto en tecnología militar y armamento que es extremadamente inteligente y atlético.

Se habla de Russell Crowe como estrella de “Harker”, nueva versión de “Drácula” Hace más de un año se dijo que Jaume Collet-Serra (“Sin identidad [Unknown]“) dirigiría “Harker”, película que contaría con Leonardo DiCaprio como uno de sus productores. El caso es que Warner Bros. le encargó a dicho cineasta que se ocupara de “Akira”, si bien ya sabemos que este último proyecto se ha paralizado debido a que el estudio considera el presupuesto demasiado elevado.

Es por ello que ahora el español puede volver a tomar las riendas de la citada adaptación de “Drácula”, la popular obra de Bram Stoker. De hecho, en Vulture aseguran que el últimamente muy solicitado Russell Crowe (“Man of Steel”) se hallaría en negociaciones para protagonizar el filme.

Lo más probable es que éste se ponga en la piel de Jonathan Harker, quien aquí sería un detective de Scotland Yard que le seguiría la pista al vampiro más conocido de todos los tiempos. Lee Shipman y Brian McGreevy son los autores del guión.

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Especial: Actrices de los 70

Diane Keaton Fue educada en el Santa Ana College de California y recibió formación profesional en el Neighborhood Playhouse de Nueva York.

La primera vez que se subió a un escenario lo hizo para participar en los coros del musical “Hair”.

Su primer papel importante le llegó cuando Woody Allen la escogió para actuar junto a él en una obra teatral, “Sueños de un seductor”.

Poco después esta relación profesional pasó al plano sentimental y Diane Keaton formó pareja del reputadísimo actor y director. A partir de entonces ella se convertiría en su musa y en la actriz principal de las producciones de Allen.

Incluso después de finalizar su relación, Diane Keaton ha sido una presencia casi obligatoria en todos los rodajes de Woody Allen.

Su carrera alcanzó su punto álgido durante la década de los setenta con la película “El padrino” de Francis Ford Coppola (más tarde intervendría en las dos siguientes películas de la saga). El mismo año de “El padrino” rodó la versión cinematográfica de la obra “Sueños de un seductor” a las órdenes de Woody Allen En 1977 le fue concedido un Oscar por “Annie Hall” película a la que prestó su propio apellido.

Hasta el momento ha sido nominada dos veces más al galardón, la primera de ellas por la película “Rojos”, dirigida y protagonizada por Warren Beaty. La segunda vez por el drama “La habitación de Marvin”.

En 1987 Diane Keaton debutó como realizadora de una producción llamada “Heaven”. Además de su carrera de actriz es también una reputada fotógrafo y directora de televisión. De su vida sentimental hemos de destacar un rumor acerca de su sonado romance con el también actor Al Pacino.

Fecha y lugar de nacimiento 5 de Enero de 1946 en Los Ángeles (California, Estados Unidos).

Premios • De las cuatro veces que ha sido nominada al Oscar, lo ha ganado en una ocasión con “Annie Hall”.

• De las nueve veces que ha sido nominada al Globo de Oro, lo ha ganado en dos ocasiones, también por “Annie Hall” y por “Cuando menos te lo esperas” (“Something’s Gotta Give”, 2003, Garry Marshall).

• Obtuvo el Fotogramas de Plata en 1979.

CUESTIÓN DE ESTILO Diane Keaton contagió a Annie Hall su manera de vestir, su moda, creando tendencia con sus prendas superpuestas, holgadas y contrastadas: “Mi forma de vestir venía directamente del Soho de Nueva York -admitía-. Creo que en la calle es donde se encuentran las más inagotables fuentes de imaginación”.

Volvió loca a la diseñadora de vestuario, Ruth Morcey, pero el resultado valió la pena: marcó toda una época.

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Especial: Actrices de los 70

Sally Field De pequeña era la chica más bromista de su colegio, y siempre tuvo muy claro que quería seguir los pasos de sus progenitores.

Tras estudiar interpretación, se presentó a multitud de castings de películas como “El graduado”, para la que no la escogieron, y finalmente debutó con la telecomedia “Gidget”, donde interpretaba a una chica surfera, hija de un profesor viudo. La serie alcanzó una enorme popularidad.

Lo mismo ocurrió poco después con “La monja voladora”. La actriz interpretaba a una religiosa que gracias a la intervención divina, tenía la capacidad de volar. Justo en ese momento le llegó un papel memorable basado en un personaje real, la protagonista de Norma Rae, una madre soltera sureña que organiza a sus compañeras para mejorar sus condiciones laborales. Por este trabajo, Sally Field recibió el Oscar a la mejor actriz.

Le siguieron “Más allá del Poseidón”, uno de los grandes éxitos del cine de desastres, “Vuelven los caraduras”, inevitable secuela de “Los caraduras”, y sobre todo “Ausencia de malicia”, desgarrador análisis del poder de la prensa de Sydney Pollack, en el que Sally Field encarnaba a una ambiciosa periodista. Por su trabajo en el film “En un lugar del corazón”, ganó su segundo Oscar en poco tiempo, lo que le dio a la actriz un inmenso prestigio. A continuación, su carrera es bastante irregular, aunque apenas conoce el fracaso, con títulos como “El romance de Murphy” y sobre todo “Magnolias de acero”. En los 90, se especializa en papeles secundarios, a veces memorables, como la esposa, algo histérica, de Robin Williams, en “Señora Doubtfire”, o la madre abnegada en “Forrest Gump”, que le decía a su hijo aquello de que “tonto es el que hace tonterías”. Tras divorciarse de su segundo marido, el productor Alan Gresiman, su carrera atraviesa un enorme bache. La actriz interpreta papeles secundarios en subproductos como “Dime que no es verdad” y “Una rubia muy legal 2”. Acaba de finalizar el rodaje de Two Weeks, una tragicomedia en la que interpreta a la protagonista.

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Fecha y lugar de nacimiento 6 de noviembre de 1946 en Pasadena (California, Estados Unidos).

Premios • Mejor Actriz en el Festival de Cannes por “Norma Rae”, por la que también ganó el Oscar y el Globo de Oro. • Otro Oscar y otro Globo de Oro por “En un lugar del corazón”.

• 6 Nominaciones más a los Globos de Oro. • 2 Emmys, por “Sybil” y un episodio de “Urgencias”.

DE ARMAS TOMAR Para conseguir el papel de “Stay Hungry”, Sally Field montó un número de los que hacen época. Ni corta ni perezosa se fue a la oficina de Rafelson, que no quería verla, y no se movió de allí hasta que la atendió, vendiéndose como la mejor actriz novata de la ciudad. Más tarde, se sentó en las rodillas del guionista, que le daba la réplica de un modo bastante mecánico, le arrebató el guión y lo tiró al suelo, como pidiéndole una implicación en la prueba más allá de la lectura literal del texto. Y se fue.

Especial: Actrices de los 70

Ali MacGraw Inició su vida laboral como asistente de fotografía en la ilustre revista de moda Harper’s Bazaar, y posteriormente fue asistente durante seis años de Diana Vreeland, experta en últimas tendencias, en la revista Vogue. Fue también modelo, estilista y decoradora de interiores.

Tras aparecer en algún anuncio televisivo, debutó en el cine con un rol muy breve en Sindicato de asesinos, que protagonizó Kirk Douglas. Quedaba tan bien en la pantalla que en su segundo trabajo ya le dieron el papel protagonista. Se trataba de Complicidad sexual, adaptación de una novela de Philip Roth, donde era una chica adinerada que se enamora de un humilde bibliotecario.

Era justamente lo contrario, la pobre que se une a un chico de buena familia, en su film más famoso. Aunque lloró cuando le pasaron el guión de Love Story, con el paso del tiempo no la recuerda como una película sobresaliente.

“Ahora ya no lloro cuando la veo en pantalla. Era un film sensible, pero no memorable”, explica la actriz. Por la cinta, obtuvo un Globo de Oro y una candidatura al Oscar.

Fue un fenómeno social, y catapultó a la fama a MacGraw en todo el mundo. Pero ella siempre ha sabido llevar muy bien la popularidad. “Si quieres ser una estrella armando jaleo a tu alrededor, lo puedes conseguir, como John Travolta”, explica la actriz. “Pero yo he elegido habitar en una comunidad de Malibú donde viven otros actores famosos y nadie vuelve la cabeza cada vez que pasa Barbra Streisand. Puedo ir a la farmacia con tranquilidad, y mi hijo Joshua ha crecido con normalidad”.

Love Story estaba producida por Paramount, cuya alma madre en aquel momento era el legendario Robert Evans, con el que se había emparejado Aly MacGraw tras divorciarse de un tal Robin Hoen. Evans estaba destinado a producir títulos del calibre de El padrino y Chinatown, y fue el padre del único hijo de la actriz, Josh Evans, actor en títulos como Nacido el cuatro de julio o The Doors.

Dejó a Evans después de caer en los brazos de Steve McQueen, durante el rodaje de La huida, de Sam Peckinpah.

“Cuando una mujer te deja, no es fácil, nunca lo es. Pero cuando esa mujer te deja por el actor más grande del mundo, digamos que te sientes muy pequeño”, recuerda Evans en el fascinante documental El chico que conquistó Hollywood.

El idilio acaparó las portadas de los tabloides, pero no fue el único romance sonado que se inició mientras se filmaba esta legendaria cinta, pues el propio Peckinpah se casó con Joie Gould, la ayudante de producción.

Fecha y lugar de nacimiento 1 de abril de 1938 en Pount Ridge (Nueva York, Estados Unidos).

Premios Globo de Oro a la Mejor Debutante por “Complicidad Sexual” y a la Mejor Actriz por “Love Story”. Por esta película también ganó el David de Donatello y fue nominada al Oscar.

CUESTION DE ESTILO Muchos piensan que Steve McQueen se casó con Ali MacGraw para convertir en su criada a la actriz más prometedora de Hollywood. Él era machista, egocéntrico y brutal: “Tienes un culo estupendo -solía decirle-, pero es mejor que empieces a hacer ejercicio, porque no quiero despertarme un día al lado de una mujer que tiene el culo de un soldado japonés de setenta años”.

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Especial: Actrices de los 70

Ornella Muti Empezó su carrera como modelo, y a los 15 años ya debutó en el séptimo arte.

Ha desarrollado su carrera tanto en el cine italiano, como en el francés y en el hollywoodense. Con su belleza implacable se convirtió en un símbolo del cine europeo.

La bella Ornella Francesca Romana Rivelli, conocida en el mundo como Ornella Muti, de padre napolitano y madre estonia, tiene una hermana gemela que se llama Claudia.

Comenzó posando para novelas ilustradas. A los 15 años, su hermana -reina de la fotografía italiana-, la presentó al realizador Damiano Damián. Así fue como en 1970 debutó en la pantalla grande en “La Esposa más hermosa”.

Al año siguiente hizo dos filmes: “Un Posto ideale per uccidere” y “Il sole nella pelle”. De ahí en adelante, esta actriz participó en numerosas películas, y no sólo del cine italiano.

En 1975-1976 llegó al cine francés con

Fecha y lugar de nacimiento 9 de marzo de 1955 en Roma (Italia).

Premios En 1976, con 21 años, recibió un David de Donatello en honor a todas sus interpretaciones, aunque era, obviamente, un reconocimiento por “La Última mujer”.

el film “La dernière femme”. También ha sido figura en los Estados Unidos, donde estuvo unos cincos años (junto a su segundo esposo, Federico Facchinetti). Allí, actuó por primera vez en 1980 en “Flash Gordon”, además apareció en “Oscar” (1991) y “Once Upon a Crime...” (1992), entre otras. En total, ha participado en más de 65 filmes; aunque también ha hecho televisión, entre series y programas en vivo.

Esta es su filmografía: “Las maletas de Tulse Luper” -segunda parte- (2004), “Esther” (2000), “Tierra del fuego” (2000), “Tatiana, la muñeca rusa” (1995), “El amante bilingüe” (1993), “Sólo falta el asesino” (1992), “Esta noche en casa de Alicia” (1990), “El amor de Swann” (1984), “Flash Gordon” (1980), “La chica del atardecer” (1978), “¡Qué viva Italia!” (1978), “Virginidad” (1975), “Una chica y un señor” (1973).

También ha actuado en: “People”, “Jet Set”, “Panni sporchi”, “Everybody Dies”.

Su impecable belleza -ojos verdes, pelo negro y unas exhuberancias que matan a cualquiera-, es un aliciente que salta a la vista, motivo por el que, además, se ha convertido en un icono del cine europeo.

FERRERI FOREVER La relación Ferreri-Muti fue muy íntima, muy auténtica. En 1983 tenían que rodar una nueva película juntos, pero ella se quedó embarazada y declinó la oferta. Ferreri reaccionó deprisa: “Cambiaré de historia”, le dijo, y raudo y veloz se sacó de la manga un proyecto antiguo protagonizado por una mujer encinta. Era “El futuro es mujer”.

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Especial: Actrices de los 70

Barbra Streisand Sin lugar a dudas, Barbra Streisand se ha convertido en todo un modelo de perfección polifacética en cada uno de los variados aspectos del mundo del arte en el que se ha movido con gran soltura. Atractiva por encima de bella, Barbra es poseedora de una fuerte y perfilada personalidad: o bien se adora o bien se detesta. Sus primeros años navegan entre el fallecimiento de su padre a los quince meses, los estudios en el Beis Yakov y en el Erasmus Hall o en su participación en concurso musical, aún en su adolescencia; y, por el otro, la catapultó a cantante de cabaret, sobre todo en un famoso bar gay del Greenwich Village, y a producciones independientes de Broadway.

Hechos ambos que le reportaron el éxito necesario como para que la Columbia Records se fijara en ella y firmara un contrato con Barbra para dar al mundo a conocer a la última diva del show business en que hoy se ha convertido la Streisand.

La televisión, que le ha reportado cinco Emmys, y su aparición en los escenarios de Broadway (“I Can Get It For You Wholesale” o “Funny Girl”), con el saldo de un Tony o dos álbumes de estudio que recogían con acierto grandes temas de legendarios musicales (“The Broadway Álbum” y “Back To Broadway”); en el aspecto cinematográfico, se ha convertido en una de las figuras “con personalidad” que aparecieron a finales de los sesenta para hacer sobrevivir al recientemente acabado “Star System” en el Hollywood moderno. Dos Oscars y diez Globos de oro lo avalan. Así, engrosan la lista musicales como “Funny Girl” (muy aplaudido Óscar para ella con Katharine Hepburn), “Hello, Dolly!” o “Ha nacido una estrella”; comedias como “¿Qué diablos pasa aquí?”, “¿Qué me pasa, doctor?” o “Combate a fondo”; y dramas tales como “Tal cómo éramos” (nueva nominación al Óscar), “All night long” o “Loca”. La misma Barbra dirigió con acierto “Yentl”, “El príncipe de las mareas” y “El amor tiene dos caras”. Su segundo Óscar vino de la mano de la canción “Evergreen”, compuesta por ella para “Ha nacido una estrella” y le fue nominado su tema

“I Finally Found Someone” por “El Amor tiene dos caras”. Otros temas galardonados, aunque no compuestos por ella, lo fueron el bellísimo “The Way We Were” para “Tal como éramos”, sito en el álbum homónimo, y “No Matter What Happens” para “Yentl”.

Por lo demás, produjo varias películas, propias y ajenas, fundando el Barwood Films en 1972, o las concesiones del premio del Instituto Americano del Cine por su trabajo en el 2001, la Medalla Nacional de las Artes conferida por el gobierno de los Estados Unidos o la del gobierno de Francia con la Orden de las Artes y las Letras.

Como curiosidad, se produjo una gran controversia cuando “El príncipe de las mareas” fue nominada para varios Oscar, incluida mejor película y, sin embargo, Barbra Streisand no fue nominada como mejor directora. Algunas opiniones lo achacaron a su bien conocido temperamento duro e intransigente, mientras otros pensaban que Hollywood la castigaba por ser mujer, ya que de haber sido hombre, incluso con el mismo temperamento, se lo hubieran concedido.

Fecha y lugar de nacimiento 24 de abril de 1942 en Nueva York (Estados Unidos).

Premios • Ha ganado 8 Globos de Oro, entre ellos por “La gatita y el búho” y “Ha nacido una estrella”.

• 2 Oscar, uno de ellos por la canción original de la película de Frank Pierson.

El American Film Institute le otorgó el premio a toda una carrera en 2001.

ALERGIA AL DESNUDO Tímida y recatada, Barbra Streisand siente aversión por los desnudos. En una escena de “La gatita y el Búho” debía enseñar los pechos y a la hora de hacerlo se negó por temor a que la viera su madre. El director tuvo que sentarse a su lado más de una hora para convencerla que debía acceder. Accedió y repitió, pero no contenta con el resultado consiguió eliminar la escena.

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De Estreno

“Infierno blanco” es una película de supervivencia con personajes de poco recorrido y algún atrevimiento visual.

Una aventura que por momentos sabe a fantaterror y que cuenta con un solvente Liam Neeson como protagonista.

A partir de cierto punto del relato, casi podríamos jugar a ver “Infierno blanco” como un calco de los esquemas narrativos de las películas de zombis: un menguante grupo de supervivientes huyen de unos seres monstruosos, hambrientos y temibles que se los quieren zampar. La diferencia es que en este sangriento juego de cazadores y presas los supervivientes son unos trabajadores de una compañía petrolífera cuyo 14

avión se ha estrellado en un agujero blanco del invierno de Alaska; y los monstruos perseguidores, una manada de lobos que quiere proteger de intrusos su coto privado.

Casi todas las emociones que se ponen en juego penden de impulsos primitivos, principalmente del ancestral instinto de subsistencia. “Infierno blanco” va de comer o ser comido. Va del pulso que las hostilidades de la naturaleza le echan al ser humano.

De Estreno En la mejor tradición del survival o cine de supervivencia, “Infierno blanco” no se limita a contar su particular épica del hombre frente a la naturaleza. Si bien la apertura del filme no invita al optimismo y lleva a pensar en uno de esos relatos que narra la tragedia con voz en off y la gravedad del derrotado, pronto la historia deriva hacia sorprendentes derroteros que aproximan la cinta a un sorprendente fantaterror de pocos complejos: la matanza de un grupo de supervivientes a manos de lobos de proporciones sobrenaturales no parece, en principio, más premisa para una odisea ramplona de sobremesa que para un episodio de serial de terror, uno en que los aullidos calan más que el inagotable frío de los confines del mundo.

A partir del relato corto “Ghost walker”, que escribe el también co-guionista Ian Mackenzie Jeffers, el director —y co-guionista— Joe Carnahan consigue una aventura cruda y desesperanzada en la que domina un siempre consistente Liam Neeson. Neeson encabeza un grupo de desarraigados, ex convictos y proscritos que sacan su lado más humano a medida que la muerte

cerca sus pasos. Sin embargo, y frente a la definición psicológica, tortuosa del líder al que interpreta el actor norirlandés, no es esta una película que destaque por estudiar en la proximidad a sus personajes —de escaso recorrido— o su nuevo microcosmos social en medio del horror, algo que sí hacían títulos como “Defensa” (John Boorman, 1972) o “El vuelo del Fénix” (Robert Aldrich, 1965). Más bien, los méritos de “Infierno blanco” se concentran en sus pequeños atrevimientos visuales que revelan, una vez más, el carácter inconformista de Carnahan a la hora de representar la acción en el plano. Y en ese sentido, los resultados son desiguales: frente al espléndido encuadre que muestra el ataque cruzado de dos lobos sobre el último hombre de la columna, la escena en el abismo deja al descubierto carencias en un ambicioso salto al vacío.

Capaz de superar la expectativa de producto tipo del subgénero pero no de sobreponerse a cierta levedad rutinaria, el prometedor primer tramo de este survival —excelentes las secuencias del accidente de avión y del primer encuentro del grupo de supervivientes con la manada— se desinfla, a medida que avanza el metraje, en un humanismo que llega tarde y mal, y en la insistencia de evitables efectismos que culminan en una tramposa revelación final en la memoria del protagonista. El otro final, el rotundamente físico, en cambio, intenta ganar una última batalla más sincera, apostando por el carácter indomable y la voluntad invencible del macho alfa.

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De Estreno

The Turin Horse El 3 de enero de 1889 en Turín, Italia, Friedrich Nietzsche es testigo del maltrato infligido por un carretero a su caballo que, agotado, no se quiere mover.

Nietzsche rodea el cuello del caballo con sus brazos, se echa a llorar, y pierde la conciencia y el habla hasta el fin de sus días.

En algún lugar en el campo: una granja, un

carretero, su hija, una carreta y el viejo caballo. Afuera, una tormenta despiadada y violenta lo domina todo.

Dos horas y media de metraje en un escenario casi único, árido y desnudo como pocos, en sombrío blanco y negro, y con una docena de planos secuencia como único andamiaje. Un granjero y su hija luchando contra los elementos, el viento permanente y demoledor, los escasos alimentos, el caballo decaído. Un Béla Tarr que se despide del cine con un film de rarísima belleza, enganchado a los gestos cotidianos de un lugar en el fin del mundo, aferrado a unas vidas al borde de la nada. Árido y conmovedor a un tiempo, impenetrable si no se tiene predisposición, Tarr envuelve y fascina con sus movimientos de cámara en medio de la austeridad y la desoladora música.

“Pocas veces tiene uno la sensación de experimentar algo radicalmente diferente en el cine.

Con The Turin Horse, sí.”

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Brandon (Michael Fassbender) vive en Nueva York. Es atractivo, elegante, impecable, tiene un buen trabajo. Y es adicto al sexo. La visita de su hermana (Carey Mulligan) lo va a trastocar todo. Todo.

Tras la dolorosísima polémica “Hunger” (2008), Steve McQueen presenta su segundo largometraje, “Shame”, nuevo asomo a los abismos de la complejidad humana -por motivos radicalmente diferentes, por supuesto- que le constata como uno de los cineastas más interesantes del

circuito ajeno al público masivo y palomitero. No recomendamos sus trabajos para una sesión doble, eso sí; demasiada demolición. Pero ya le tenemos ganas a “Twelve years a slave”.

«Algunos la cagan continuamente». Lo verdaderamente conmovedor de la película -que puede extrapolar su contenido a cualquier adicción física, psicológica o emocional-, firmada por el director junto a Abi Morgan, es el dibujo que se hace del protagonista a partir de una fantástica y sutil diseminación de informaciones sobre su persona, escasas pero perfectamente establecidas para conformar las causas de la aplastante bipolaridad de su comportamiento. Martilleando en la frágil fachada que nos separa de los otros, en la necesaria barrera que distingue lo público de lo privado, el cineasta contagia progresivamente la angustia de quien se sabe solo incluso sumido en el bullicio de la capital del mundo. Y va perdiendo el control. McQueen luce una madurez creativa sorprendente ya en su segundo largo, disponiendo la cámara con un gusto exquisito en el dominio tanto de la explicitud como de la contención visual; y si bien su puesta en escena es menos arriesgada que en su opera prima, el conjunto técnico -edición y banda sonora especialmente- potencian la irresistible emoción del drama. Fassbender, una vez más -y van…- cambia de registro y abre una interpretación integral increíblemente honesta y delicada, acompañado en segundo plano de una Carey Mulligan efectiva como turbio detonante de su pérdida del equilibrio y lastre necesario. Muy, muy bien. Qué dolor tan palpable…

“Steve McQueen demuestra una contundente madurez creativa con un segundo trabajo complejo, tormentoso y exquisitamente presentado.

Michael Fassbender vuelve a cambiar de registro, y nuevamente está espléndido”.

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MEJOR PELICULA “La invención de Hugo” (5 Galardones - 11 nominaciones) Después de vencer en 2007 con “Infiltrados” (2006), Scorsese vuelve a la noche de los Oscars® y lo hace como firme candidato. Eso sí, no lo tiene fácil, ya que su película tiene más competidoras que la última vez (8), y una de ellas es “The artist”, el fenómeno que ha arrasado en múltiples premios y certámenes. La gran atracción, pues, será ver cuál de las dos se proclama triunfadora, si el palmarés reparte suerte entre ambas o si se repite para el director la debacle de 2003, en la que su “Gangs of New York” (2002) se fue de vacío pese a contar con 10 candidaturas.

“The Artist” (5 Galardones - 10 nominaciones) Es, a priori, la favorita de la noche, una condición que viene apuntalada por su impecable recorrido: éxito de crítica y público, ganadora de los Globos de Oro® y también de los BAFTA, “The artist” es la que más papeletas tiene para ser la oscarizada de la noche. Para unos, puede ser el triunfo de un sentido homenaje al cine. Para otros, podría convertirse en la confirmación de que Hollywood premia un año más el populismo amable, en esta edición por delante de grandes nombres como Martin Scorsese, Woody Allen o Terrence Malick.

“Moneyball”: Rompiendo las reglas (Sin Galardones - 6 nominaciones)

Uno de los éxitos de la temporada, tanto de crítica como de público, impulsado por un carismático Brad Pitt como estrella protagonista. “Moneyball: Rompiendo las reglas”, segundo filme del director Bennett Miller, no tiene demasiadas opciones de llevarse el Oscar® a la Mejor Película, pero podría salir ganador en alguna de las categorías a las que está nominado, a saber el Mejor Guion Adaptado para el problemático —pero finalmente solvente— libreto en el que comparten créditos Aaron Sorkin y Steven Zaillian, o para alguno de sus actores.

“War Horse” (Sin Galardones - 6 nominaciones) La Academia compensa el desaire a “Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio” (Steven Spielberg, 2011) con seis nominaciones para “War horse (Caballo de batalla)”. La cinta de Spielberg lo tiene difícil para dar la sorpresa, pero en cambio es una de las favoritas para dominar en los apartados técnicos, en los que “Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres (2011)” es quizá su mayor rival.

“Los Descendientes” (1 Galardón - 5 nominaciones) Podría dar la sorpresa, pero es poco probable que “Los descendientes” lo haga en esta categoría. Más bien, sus opciones pasan por George Clooney, este sí uno de los favoritos al Mejor Actor Protagonista, y, en menor grado, por el guion de Alexander Payne —que ya ganó el Oscar® por el libreto de “Entre copas (Sideways)” (2004)—, Nat Faxon y Jim Rash que adapta la novela de la hawaiana Kaui Hart Hemmings.

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MEJOR PELICULA “Criadas y Señoras” (Help) (1 Galardón - 4 nominaciones) “Criadas y señoras” es la favorita en la categoría de Mejor Actriz de Reparto —en la que tiene a dos actrices nominadas, Octavia Spencer y Jessica Chastain—, menos favorita en la de Mejor Actriz Protagonista (Viola Davis), y posible alternativa en la de Mejor Película. Si hay un tapado de cara al galardón, ése es la película de Tate Taylor, pero parece difícil que pueda hacerse hueco en el palmarés, más allá del probable Oscar® para Octavia Spencer.

“Midnight en Paris” (1 Galardón - 4 nominaciones) Es, a priori, la favorita de la noche, una condición que viene apuntalada por su impecable recorrido: éxito de crítica y público, ganadora de los Globos de Oro® y también de los BAFTA, “The artist” es la que más papeletas tiene para ser la oscarizada de la noche. Para unos, puede ser el triunfo de un sentido homenaje al cine. Para otros, podría convertirse en la confirmación de que Hollywood premia un año más el populismo amable, en esta edición por delante de grandes nombres como Martin Scorsese, Woody Allen o Terrence Malick.

“El árbol de la Vida” (Sin Galardones - 3 nominaciones) Resulta de lo más estimulante encontrar a “El árbol de la vida” y a Terrence Malick entre los candidatos de la noche, si bien sus opciones son escasas. Con esta nominación, la Academia se cura en salud para no repetir errores pasados, estos son, pasar por alto algún que otro título a la postre imprescindible en la historia del cine.

Emmanuel Lubezki podría tener posibilidades en el apartado de Mejor Fotografía.

“Tan fuerte, tan cerca” (Sin Galardones - 2 nominaciones)

premios por categorias

Es la única de las nominadas que sólo podremos ver después de la entrega —no se estrena hasta marzo—. Se trata de un drama con el 11-S de fondo que firma Stephen Daldry, el director de “Las horas” (2002) y “The reader (El lector)” (2008) que ya ha sido nominado dos veces como mejor director, pero que en esta ocasión tendrá que conformarse con la inclusión de su último trabajo en la categoría de Mejor Película. Más allá de eso, la única oportunidad de Oscar® la tiene Max von Sydow, el veterano actor sueco que está nominado como Mejor Actor de Reparto.

Mejor Película “The artist” - Mejor Dirección: Michel Hazanavicius, por “The artist” - Mejor Actor Protagonista: Jean Dujardin, por “The artist” - Mejor Actriz Protagonista: Meryl Streep, por “La Dama de Hierro” - Mejor Actor de Reparto: Christopher Plummer, por “Beginners (Principiantes)” - Mejor Actriz de Reparto: Octavia Spencer, por “Criadas y señoras (The help)” - Mejor Guion Original: Woody Allen, por “Midnight in Paris” - Mejor Guion Adaptado: Alexander Payne, Nat Faxon y Jim Rash, por “Los descendientes” - Mejor Película de Animación: “Rango” - Mejor Fotografía: Robert Richardson, por “La invención de Hugo” - Mejor Montaje: Kirk Baxter y Angus Wall, por “Millennium (2011)” - Mejor Dirección Artística: Dante Ferretti y Francesca Lo Schiavo, por “La invención de Hugo” - Mejor Banda Sonora Original: Ludovic Bource, por “The artist” - Mejor Canción Original: Bret McKenzie, por Man or Muppet (“Los Muppets”) - Mejor Mezcla de Sonido: Tom Fleischman y John Midgley, por “La invención de Hugo” - Mejor Montaje de Sonido: Philip Stockton y Eugene Gearty, por “La invención de Hugo” - Mejor Vestuario: Mark Bridges, por “The artist” - Mejor Maquillaje: Mark Coulier y J. Roy Helland, por “La Dama de Hierro” - Mejores Efectos Visuales: Rob Legato, Joss Williams, Ben Grossman y Alex Henning, por “La invención de Hugo” - Mejor Película de Habla No Inglesa: “Nader y Simin, una separación” (Irán) - Mejor Largometraje Documental: “Undefeated” - Mejor Cortometraje Documental: “Saving face” Mejor Cortometraje de Animación: “The fantastic flying books of Mr. Morris Lessmore” - Mejor Cortometraje de Acción Real: “The shore”.

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En Por tada

E

Una película menor que encuentra en una estupenda Michelle Williams el mejor de sus valores. Ritmo irregular y contenidos solamente interesantes en parte chocan con un buen diseño de producción y un reparto sólido.

Mi

semana

Marilyn con

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n el verano de 1956, la actriz Marilyn Monroe (Michelle Williams) viajaba por primera vez a Reino Unido. Se acababa de casar con el dramaturgo Arthur Miller (Dougray Scott) y, coincidiendo con su luna de miel, se desplazaba a las islas para rodar “El príncipe y la corista”, en la que compartiría cartel con Sir Laurence Olivier (Kenneth Branagh), además director de la cinta.

En ese rodaje coincidió con Colin Clark (Eddie Redmayne), un joven de 23 años licenciado en Oxford que pisaba por primera vez un set de rodaje y que había aceptado el trabajo de ayudante de producción.

En Por tada

C

lark recogió su experiencia durante aquellos meses de filmación en el libro autobiográfico “El príncipe, la corista y yo”. Sin embargo, en el libro se omitía una semana, siete días que no serían desvelados hasta una secuela publicada años más tarde, “Mi semana con Marilyn”. En ella, narraba los secretos de la semana que pasó con una de las mayores estrellas de la historia, un relato que ahora recoge el productor televisivo Simon Curtis en su primer largometraje para cine. “Mi semana con Marilyn” retoma, pues, a la adorable criatura a la que una vez se refirió Truman Capote, la mítica actriz que grabó a fuego su condición de icono y que ahora se reencarna en la piel de Michelle Williams (“Mamut”, “Shutter Island”).

En un relato a la vez cómico y conmovedor, Mi semana con Marilyn ofrece un punto de vista íntimo y poco conocido del icono de Hollywood, trazando la breve y emotiva relación que estableció con un hombre que pareció comprenderla mejor que nadie.

Así pues, es ésta una adaptación que recoge un punto de vista personal y poco conocido de Monroe, que parte de la fascinación de Curtis por una historia que ignoraba: «Para muchos Marilyn es más un icono que una actriz» afirma el realizador. «Entré en este proyecto porque me enamoré de los dos libros de memorias de Colin Clark (…) Me pareció fascinante descubrir esta historia». Tras adquirir los derechos de “Mi semana con Marilyn”, Curtis se alió con los productores David Parfitt y Harvey Weinstein para llevar a cabo el proyecto, y desde el principio se pensó en Michelle Williams como la única actriz posible para desempeñar el rol de Marilyn Monroe. Williams, además, tenía una querencia especial por la actriz: «Crecí con un póster suyo en la habitación», dice. «Siempre me ha interesado más la cara más humana de Marilyn, la apenas conocida (…) Incluso cuando era pequeña me seducía más la conexión no tanto con su faceta pública como por su personalidad al margen de los focos».

Junto a Williams, un interesante reparto en el que se cuentan Kenneth Branagh (“Valkiria”, “Radio encubierta”) como Sir Laurence Olivier, Eddie Redmayne (la serie “Los pilares de la Tierra”, “Les misérables [Los miserables]“) como Colin Clark, Judi Dench (“J. Edgar”, “Skyfall”) como la actriz Sybil Thorndike, Emma Watson (la saga “Harry Potter”), Dominic Cooper (“Tamara Drewe”, “Capitán América: El primer vengador”) como el fotógrafo Milton Greene, Toby Jones (“Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio”, “El topo”) como Arthur Jacobs, Derek Jacobi (“Templario”, “Anonymous”) como Sir Owen Morshead, Dougray Scott (“Misión: Imposible 2″, “Encontrarás dragones”) como Arthur Miller y una Julia Ormond (“La conjura de El Escorial”, “El curioso caso de Benjamin Button”) que interpreta a Vivien Leigh.

Candidata a dos Oscars® —Branagh como Mejor Actor de Reparto y Williams como Mejor Actriz Protagonista— y ganadora del Globo de Oro® para su actriz protagonista, “Mi semana con Marilyn” apenas costó dos millones de dólares y lleva recaudados cerca de veinte millones a nivel global. Como opción especialmente recomendada para mitómanos de la Monroe y fans de biopics selectivos con grandes elencos, se estrena el 24 de febrero en los cines españoles.

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Entrevista

John Malkovich E N T R E V I S T A

El actor John Malkovich llega el próximo fin de semana a las pantallas de cine españolas con la película Premonición. El propio actor nos habla de su papel de Dr. Kay en la producción dirigida por Gilles Bourdos.

Premonición ¿Cómo entraste en contacto con este proyecto?

En un principio, el guión no me llegó por el papel, sino que llegó a mi productora Mr. Mudd, porque la película se iba a filmar en Estados Unidos con un equipo francés y necesitaban ayuda logística.

¿Qué fue lo que hizo que quisieras actuar en el filme?

Pensé que el guión estaba bien escrito y que el papel del Doctor Kay era muy interesante, pero más allá de eso, respondí a la historia como un todo más que a un papel en particular. Lo que me sorprendió fue la combinación de una sensibilidad, actitud y temas típicamente europeos con una eficiencia absolutamente acorde con el estilo de Hollywood. Estaba muy impresionado con el guión.

También encontré el proyecto más satisfactorio, a nivel emocional, que muchas películas que ves en Europa. Los personajes estaban bien definidos y te importaba lo que les ocurría.

¿Cómo te preparaste para el papel?

Para mí, preparar un papel consiste en numerosos ensayos y sesiones de trabajo, pero con el tiempo y los métodos dados para los rodajes, tienes que descartar eso, en mayor o menor medida. En cualquier caso, no estoy seguro de que se tenga que entrar en la psicología del personaje. Primero tienes que leer y aprenderte el guión. Tienes que saber qué pasa en la película y qué es lo que le va a ocurrir a tu personaje y después interpretar las escenas tal y como se han escrito y las ha percibido el director. De hecho, la mayoría de mis conversaciones con Gilles Bourdos fueron sobre la película en general, pero con un énfasis especial en el diálogo y en la manera en la que debía ser expresado.

Para acercarme más al tema, también leí un libro que me dio Gilles sobre una mujer que dirige un centro de cuidados paliativos. Era muy interesante.

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Entrevista

Te hace pensar sobre lo que es la vida, lo fugaz que es y lo valiosa que es.

Descubrir cómo la gente se enfrenta a las distintas etapas de la muerte fue un hallazgo enriquecedor, la manera en la que pasan del rechazo a la ira y de aceptarlo a tener esperanza y, a veces, hasta trascendencia.

Tengo algo de experiencia personal en la materia. Siempre me he juntado con personas más mayores que yo o más adultas que yo. Estas personas nunca han sido difíciles de encontrar.

¿Nos puedes hablar de tu personaje, el Doctor Kay? Es un hombre que aparece en la vida de Nathan como un misterio, parece saber cuánto les queda por vivir a algunas personas. En el guión, se le describe como alguien que acompaña a personas a las que les queda muy poco tiempo de vida. Según avanza la historia, descubrimos otros aspectos de él. Básicamente, eso es todo lo que puedo decir sin estropear la historia.

destaque Gilles es que además es muy bueno dirigiendo actores. Realmente observa las interpretaciones de los actores y siempre les hace comentarios constructivos. Eso es poco común. En mi experiencia, es muy inusual tener talento visual y ser un buen director (de actores) al mismo tiempo.

Gilles mantiene una mente abierta pero sabe lo que quiere. Siempre venía a trabajar con gran entusiasmo.

Evidentemente, le gustan los actores, lo cual no se puede decir de todos los directores con los que he trabajado. Pienso en algunos que preferirían trabajar con marionetas. Gilles no es así. Le gustan sus actores, le gusta verles y ver qué hacen, y eso fue un placer para mí.

¿Cómo trabajaste con Romain Duris?

Kay vive bajo una especie de maldición. No es fácil creer en la vida cuando constantemente “ves” que ciertas personas están a punto de morir. Kay trabaja en la unidad de cuidados paliativos de un centro, pero no sólo les ve ahí; le puede ocurrir en un restaurante o en la calle.

Romain me gusta mucho como persona y es un actor excelente. Trabaja increíblemente duro. Ya conocía su trabajo a través de mis hijos antes de conocerle trabajando en este film. Es intenso, pero de una manera natural, no como algunos actores que tienen poses molestas. Lo que hizo fue realmente duro porque estaba actuando en un idioma que no era el suyo. Hay que tener valor para aceptar un papel como aquel, en un idioma extranjero. Disfruté enormemente trabajando con él.

¿Cuál es tu opinión de Gilles Bourdos?

¿Qué crees que puede aportar esta película al público?

Es un cineasta con estilo y trabaja con un director de fotografía, Mark, que también tiene un estilo propio. Creo que su película A SIGHT FOR SORE EYES se merecía mucho más éxito del que obtuvo. Gilles tiene un sentido visual innato y su gusto artístico es muy coherente. Afortunadamente, esas son cualidades que comparte con muchos directores. Lo que hace que

Cualquier obra de arte que sea buena puede mover a las personas y hacerles pensar sobre sí mismas. Si el público sale de la sala pensando en la manera en que viven, el valor de la vida, el valor del momento y lo que sienten acerca de las personas a su alrededor, será maravilloso.

Lo que sí puedo decir es que su carácter cambia a la vez que su relación con Nathan evoluciona. Kay hace que el joven abogado se enfrente a la idea de la muerte, puede que hasta la suya.

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En el próximo número...

Primer Contacto

Tan Fuerte, Tan cerca

Oskar Schell (Thomas Horn) es un excepcional niño para sus once años: inventor amateur, francófilo, pacifista.

Tras encontrar una misteriosa llave que le dejó su padre (Tom Hanks), muerto en los atentados del 11-S, comienza una jornada que le llevará a una búsqueda por los cinco barrios de Nueva York. En su recorrido Oskar se encontrará con la humanidad de todo tipo de supervivientes.

De Estreno

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