No. 9 December. English/Español edition
SAN MIGUEL ART magazine
MARY JEAN MILLER - STEVE ISAAC - MARI OSA PATY de MURGA - SHINO WATABE - ALTIRADO
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www.sanmiguelartmagazine.com editor@sanmiguelartmagazine.com
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Mary Face behind Face - Rostro detroas de Rostro
Los Artistas de la Iconograf a
jean miller valentín gómez s e t s i t r A c i h p a r g o n o c I e h T F
ew married couples can work on the same piece to bring it to life. These two have been working together for 40 years. Traditional iconography where the past and present, the earth and the divine all come together. "When we walk in the studio, it's absolute rest. It's rest from thinking and rest from struggling and rest from trying to figure out if the world is correct or not. Time out from any kind of analysis, like being held. Here, we can play and pray, we simply show up or do your work. There is no other style of work we want to do. " Mary Jane and Valentin are experienced and committed artists who welcome visitors to see and experience an ancient technique nearly forgotten in today's world. Valentin is a master in repoussé , 100 % hand tooled pewter. He is a delight to watch his hands push the soft metal with his magnificent tools. Mary Jane works with the dirt, dry earth pigments brought to San Miguel de Allende, Mexico, from around the world. They are both master craftspeople and have endless insights about life well lived.
P
ocas parejas en matrimonio pueden trabajar en la misma pieza de arte para darle vida. Ellos han estado trabajando juntos durante 40 años. Iconografía tradicional donde el pasado y el presente, la tierra y lo divino se unen. "Cuando entramos en el estudio, es un descanso absoluto. Es descansar de pensar y descansar de las tensiones de la vida, descansar de tratar de descubrir si el mundo está en lo correcto o no. Ponerse lejos de cualquier tipo de análisis que nos ate. Nos podemos a jugar o rezar, y simplemente nos ponemos a hacer nuestro trabajo. No hay otro tipo de trabajo que deseemos hacer ". Mary Jane y Valentín son artistas experimentados y comprometidos que invitan a los visitantes a ver y experimentar una técnica antigua casi olvidada en el mundo de hoy. Valentín es un maestro en repujado estañado 100% a mano. Es una delicia ver cómo sus manos empujan el suave metal con sus magníficas herramientas. Mary Jane trabaja con la tierra, pigmentos de tierra seca traídos a San Miguel de Allende, México, de cualquier parte del mundo. Ambos son maestros artesanos y tienen ideas interminables sobre la vida bien vivida.
Face of Christ Rostro de Cristo
"Painting with Dirt" The tempera technique goes back to Byzantine times, egg yolk is the substance which gives life to the chicken and in this case symbolizes the raw potential for life. The yolk is mixed with ground earth pigment which represents eternity, reminding us that our earth is a multi-colored, billion-year-old rock hurling through space and time. The orthodox icon painters teach that these two natural elements are mixed together to create divine images. In reality it is the practice of making seen the unseen, the process is a metaphor that illustrates the mystery of how flesh and spirit intermingle.
Mary Jean Miller
"Pintando con tierra" La técnica de temple al huevo se remonta a la época bizantina. La yema de huevo es la sustancia que da vida al pollo y, en este caso, simboliza el potencial bruto de la vida. La yema se mezcla con pigmento de tierra que representa la eternidad, recordándonos que nuestra tierra es una roca multicolores de un billón de años que se lanza a través del espacio y el tiempo. Los pintores de iconos ortodoxos enseñan que estos dos elementos naturales se mezclan para crear imágenes divinas. En realidad, es la práctica de hacer lo que no se ve, el proceso es una metáfora que ilustra el misterio de cómo la carne y el espíritu se entremezclan.
Mary jewels MarĂa con joyas
the ressult is inevitably harmonious because the pigments have always naturally existed side by side, layer upon layer, icon painters simply change the order or placement. Ancient earth history in layers, mixed with our human desire to awaken to the divine – all from pushing around little particles of sand. What a blast! Miller says, "I don't think I've ever been an artist." She speaks with a balance of selfawareness and a sense of humor. Their marriage of depth and whit is matched by a good bit of humility. "I never thought that I would be one of those artists that was driven. When I was 45 I realized that I wanted to paint these images until I die. I found what really feeds my soul. For me, this ancient Orthodox style holds one of the highest resonances for beauty and spirit, I never get tired of looking at icons."
Cracked pots - Ollas agrietadas
el resultado es inevitablemente armonioso porque los pigmentos siempre han existido naturalmente uno al lado del otro, capa por capa, los pintores de iconos simplemente cambian el orden o la colocación. La historia de la tierra antigua en capas, mezclada con nuestro deseo humano de despertar a lo divino, todo al empujar pequeñas partículas de arena. ¡Qué maravilla! Miller dice: "Yo creo que nunca he sido artista". Ella habla con un equilibrio de autoconciencia y sentido del humor. Su matrimonio de profundidad y simplicidad se combina con un poco de humildad. "Nunca pensé que sería una de esas artistas que son manejadas en alguna forma. Cuando tenía 45 años me di cuenta de que quería pintar estas imágenes hasta morir. Encontré lo que realmente alimenta mi alma. Para mí, este antiguo estilo ortodoxo tiene una de las más altas resonancias de belleza y espíritu, nunca me canso de mirar iconos ".
Vrgin of Bladimir Virgen de Bladimir
Mary Jean miller
Sorrowful Mary -- MarĂa afligida
Mary of tenderness MarĂa de la ternura
Web site - Sitio web http://sacrediconretreat.com/ Appointments to visit the studio. Citas para visitar estudio http://millericons.com/
Cracked pots Vasijas rotas. Classic Iconography http://www.sanmiguelicons.com/ Workshops offered http://www.sacrediconretreat.com/ Art Installation for Peace
http://peacebestill.net/
PATy de MURGA y los / and the
Alecuijes WHAT ARE ALECUIJES? They are a mirror of the soul, the integration of the spiritual with the world. The integration of your gifts and virtues, so that they flow in the cycle of life. Man in ancient societies believed that animals had a tight bond with the divine. A bond, that allotted them a special place in myths and legends. In ancient Mesoamerican cultures, man was linked from birth to an animal and that animal spirit allowed each individual it’s own unique powers. This is also associated with shamans and nahuales. Generally worried about their future, man sought different ways to find out, forgetting the past and his origins. Our ancestors, who lived in this land we now call MÊxico, solved the problem by understanding the world around them and their relationship with all living beings and with mother earth. That relationship between the planet, animals and man, allows us to acknowledge our past, our present and our future, using a unique combination of our ancestors ancient knowledge and modern techniques. Enrique de Murga 12
¿QUÉ SON LOS ALECUIJES? Son el espejo del alma. Son la integración de tu ser al mundo. Es la integración de tus dones y virtudes para fluir en el ciclo de la vida. El hombre de las sociedades antiguas consideraba que los animales tenían una relación estrecha con lo divino, lo que los dotó de un lugar especial en los mitos y leyendas. Muchos grupos humanos de Mesoamérica se vinculaban con un animal desde su nacimiento y este espíritu animal daba poder al hombre que los poseía. Esto también estaba asociado con los chamanes y los nahuales. Los hombres generalmente preocupados por su futuro recurren a diferentes formas de averiguarlo, olvidando su pasado y sus orígenes. Nuestros antepasados que vivieron en esta tierra que hoy llamamos México, solucionaron esto entendiendo su entorno y su relación con los seres vivos y la madre tierra. La relación que guardan los animales y la tierra con el hombre hacen posible conocer nuestro pasado, presente y futuro utilizando una combinación de los conocimientos ancestrales de nuestros antepasados con técnicas modernas. Enrique de Murga
El inusual e interesante caso de estudio, asimilación, interpretación y composición abstracta que hace Patricia de Murga, “PM”, se le conoce como : “Alecuije” Es a partir del establecimiento y reconocimiento de las múltiples relaciones de cada individuo con su esencia de lo natural que Patricia visualiza, compara, estudia y reconoce gestos y características al inicio de uno de sus procesos y, claro, también sobrepone, superpone y complementa con su habilidad y conocimientos tanto numerológicos como con principios de eneagrama. A partir de lo anterior Patricia interpreta libremente y crea un alecuije exclusivo de cada caso, cada individuo, cada historia implícita y cada hallazgo resultante de su peculiar y lúcido proceso creativo. Tal vez sobraría mencionar lo fácilmente relacionable de su lenguaje con el de los tradicionales alebrijes oaxaqueños, algunos otros seres oníricos, fantasías de otras tradiciones artesanales de oriente lejano y / o seres mítológicos como de imaginaria selección de un gran elenco divino universal. Tal vez por ello las piezas resultantes de Patricia resultan ser –en cualquiera de los casos- interesantes personajes como híbridos descendentes de poesía surrealista y creación plástico escultórica.
It’s a very unusual and interesting case study: the abstract interpretation and composition that Patricia de Murga “PM” does is known as “ALECUIJE”. With her ample knowledge of numerology and enneagramic principals, Patricia starts by recognizing and establishing the multiple relationships of each individual with his or her own natural essence. With that knowledge she visualizes, compares, recognizes and determines the facets and characteristics at the beginning of the process. Patricia freely interprets and creates a specific and exclusive Alecuije for each case, each individual, each implicit story and the resulting findings of her own peculiar and lucid creative process. It’s worth mentioning how easily relatable her language is with traditional Alebrijes Oaxaqueños, other oneiric beings, traditional fantasies from the far east and all the imaginary selection of the divine universal repertoire. Maybe it’s because of this that Patricia’s resulting pieces, - every one -, are interesting hybrid descendants of surrealistic poetry and plastic sculpture. LUIS FELIPE JR.
El mundo de los alecuijes es alterno al nuestro, viaja con nosotros permanentemente....
The world of the Alecuijes is alternate to ours, it travels with us permanently‌
Paty descubre de la pintura Encontré que en la pintura lograba una forma diferente de poder expresar mis sentimientos – nos dice Paty de Murga. Era, de pronto, para mí como la necesidad de decir algo. Estaba haciendo escultura y con los Alecuijes lograba expresar las formas de ese mundo alterno que me permitía ver la vida desde otro punto de vista. Puedo decir que el arte me encontró, o quisá, yo acudí a una cita con el arte sin saber lo que eso significaba. Quería expresar lo que sentía en otra forma y tomé un lienzo sin tener instrucción ni dirección. No buscaba otra cosa que pintar imágenes que me brotaban en torrentes incontrolables. De inmediato sentí que surgía un diálogo, el lienzo me hablaba y yo plasmaba colores y formas. Encontré que había una especie de magia, en ver surgir las imágenes que los lienzos me ofrecían como resultado de ese diálogo que aprendí a sostener mientras pinto. En cada cuadro encuentro que ha sido un viaje de descubrimientos, de lograr algo que yo no sabía si sería capaz. Recientemente completé la serie de “Cuatro Elementos” Agua, Fuego, Aire y Tierra y estoy trabajando activamente con muchas ideas.
Agua / Water
Matriz / Womb
Paty discovers painting I found that in painting I achieved a different way of expressing my feelings - Paty de Murga tells us. It was, suddenly, for me as the need to say something. I was doing sculpture and with the Alecuijes I was able to express the forms of that alternate world that allowed me to see life from another point of view. I can say that art found me, or may be, I went to a meeting with art without knowing what that meant. I wanted to express what I felt in another way and I took a canvas without instruction or direction. I was not looking for anything other than painting images that came to me in uncontrollable torrents. Immediately I felt that a dialogue was emerging, the canvas spoke to me and I captured colors and shapes. I found that there was a kind of magic, in seeing the images that the canvases offered me as a result of that dialogue that I learned to hold as I paint. In each painting I find that it has been a journey of discoveries, of achieving something that I did not know if I would be capable of. I recently completed the series of "Four Elements" Water, Fire, Air and Earth and I am actively working with many ideas.
Fuego / Fire
However, after two years of work, with which I never thought that I could get anywhere, nor interested in any other way, I had the audacity to show it to a painter friend and he told me that he liked it a lot, that I should continue painting. Sure, I was surprised by his comments. I understand that these are my first attempts and that I have a long way to go, but I am excited that from now on, my works are being watched with different opinions. An example of this are these pages, which Al Tirado is publishing to make known what has now become an illusion. I have already been invited to exhibit in galleries. Along with the Japanese artist based in Mexico, Shino Watabe (see article in this same edition) we are planning an exhibition project where we will show joint works in the same canvas, as a somewhat crazy idea, but that could be interesting, and also , with our works separately. The Alecuijes are still my best expression, but I find that every day, in each new canvas, I discover new forms and that fills me with life, excites me enthusiasm.
Las puertas de San Miguel The doors of San Miguel
Mi viaje My trip
Sin embargo, después de dos años de trabajo, con el que nunca pensaba que eso pudiera llegar a ningún lado, ni me interesaba de otra forma, tuve la audacia de enseñarlo a un amigo pintor y me dijo que le gustaba mucho, que debería seguir pintando. Claro, estaba sorprendida por sus comentarios. Yo entiendo que son mis primeros intentos y que tengo mucho camino por recorrer, pero me entusiasma que desde ya, mis trabajos están siendo tomados en cuenta con diversas opiniones. Una muestra de ello son estas páginas, que Al Tirado está publicando para dar a conocer lo que ahora ya se ha convertido en una ilusión. Ya me han hecho invitaciones para exponer en galerías. Junto con la artista japonesa radicada en México, Shino Watabe (ver artículo en esta misma edición) estamos planeando un proyecto de exposiciones en donde mostraremos trabajos conjuntos en el mismo lienzo, como una idea un tanto disparatada, pero que podría resultar interesante, y también, con nuestras obras por separado. Los Alecuijes siguen siendo mi mejor expresión, pero encuentro que cada día, en cada nuevo lienzo, voy descubriendo nuevas formas y eso me llena de vida, me enciende el entusiasmo.
About Photography by Steve Isaac
Edward J. Kelty “Step Right this Way” “Congress of Freaks” 1929
"Pase por aquí"
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Acerca de Fotografía por Steve Isaac
"Congreso de Fenómenos" 1929
Edward J. Kelty
I have often been intrigued by what motivates some photographers to work outside the traditional areas of popular or commercial imagery. Material choices are as varied as snowflakes, yet some photographers find a niche, spending a life-long career to chronicle a subject. Edward J. Kelty was such a photographer. During the 1920’s and 30’s Edward J. Kelty spent an extensive amount of time away from his successful photographic business Century Flashlight Photographers in New York traveling to photograph carnivals and circuses throughout the United States. Aside from his technique which was distinctive, what makes his images extraordinary was the subject matter. The sword swallower, Monkey Man, bearded lady, snake charmer, Lobster Boy, Pinhead, the smallest and largest, and many human oddities who during their time were considered entertainment performing in “Freak Shows” throughout the country. These were the subjects that intrigued Kelty the most. His hallmark image, “Congress of Freaks” taken in 1929 during the Barnum & Bailey Circus would be rediscovered decades later to inspire a book chronicling his work and life. ("Step Right This Way: The Photography of Edward J. Kelty" (Barnes & Noble, 144 pages, $30). Throughout his career, while other photographers were trading their cameras for more practical and lighter equipment, Kelty maintained his style using “large-format” cameras, often set on a tripod, and mounted atop his truck or ladder where he was able to capture highly detailed photographs; his equipment alone could weigh 50 lbs., and with his custom-made “banquet camera” he was able to produce the most memorable images with negatives up to 12” x 20” (30 x 51cm). Kelty was also an adept organizer and was able to assemble spectacular group shots, as witnessed by his 1937 capture of the entire cast of the Ringling Brothers and Barnum & Bailey Circus, upward of 1000 people.
20 years photographing human oddities. The shortest and the tollest El más chaparrito y el más grandote.
A menudo me ha intrigado lo que motiva a algunos fotógrafos a trabajar fuera de las áreas tradicionales de imágenes populares o comerciales. Las elecciones de materiales son tan variadas como los copos de nieve, sin embargo, algunos fotógrafos encuentran un nicho, pasando una carrera de por vida para hacer una crónica de un tema. Edward J. Kelty era un fotógrafo así. Durante las décadas de 1920 y 1930, Edward J. Kelty pasó una gran cantidad de tiempo alejado de su exitoso negocio fotográfico Century Lighlight Photographers en Nueva York para fotografiar carnavales y circos en todo Estados Unidos. Aparte de su técnica que era distintiva, lo que hace que sus imágenes sean extraordinarias fue el tema. El traficante de espadas, el Hombre mono, el barbudo, el encantador de serpientes, el niño langosta, cabeza de alfiler, el más pequeño y más grande, y muchas rarezas humanas que durante su tiempo fueron consideradas entretenimientos en los "Espectácilo de Fenómenos" en todo el país. Estos fueron los temas que más intrigaron a Kelty. Su imagen distintiva, la del "Congreso de Fenómenos", tomada en 1929 durante la temporada del Circo Barnum & Bailey, sería redescubierta décadas más tarde para inspirar un libro que relata su trabajo y su vida. ("Pase por aquí” : Fotografía de Edward J. Kelty" (Barnes & Noble, 144 páginas, $ 30). A lo largo de su carrera, mientras otros fotógrafos intercambiaban sus cámaras por equipos más prácticos y ligeros, Kelty mantuvo su estilo usando cámaras de "gran formato", a menudo montadas en un trípode, y se subía en su camión o en escalera para poder capturar sus detalladas fotografías; su equipo solo podía pesar 25 kilos, y con su "cámara para banquetes" hecha a medida pudo producir las imágenes más memorables con negativos de hasta 12 "x 20" (30 x 51 cm). Kelty también fue un hábil organizador y pudo montar espectaculares tomas grupales, como lo demuestra su captura en 1937 de todo el elenco de los Ringling Brothers y Barnum & Bailey Circus, más de 1000 personas.
His fascinating visual record, by today’s standards, would be considered “politically incorrect” or “outrageous”, but there is something about the “excitement” they invoke. The circus, in its inception, provided the essential elements for a “pop culture” over generations. It would not be until modern medicine evolved to label those conditions which created deformities and abnormal physical characteristics that such performances would become socially obsolete. After a career spanning 20 years, this enigmatic man seemingly vanished into obscurity. He had moved to Chicago around 1942, and so far as anyone knows, never took another photograph. The legacy that he left behind is perhaps one of the best visual insights into “Life under the Big Top” and the culture of an era lost but not forgotten.
Su fascinante récord visual, según los estándares actuales, sería considerado "políticamente incorrecto" o "indignante", pero hay algo acerca de la "emoción" que invocan. El circo, en su inicio, proporcionó los elementos esenciales para una "cultura pop" a lo largo de generaciones. No sería hasta que la medicina moderna evolucionara para etiquetar esas condiciones que crearon deformidades y características físicas anormales que tales actuaciones se volverían socialmente obsoletas. Después de una carrera que abarca 20 años, este enigmático hombre aparentemente desapareció en la oscuridad. Se había mudado a Chicago alrededor de 1942, y, por lo que se sabe, nunca tomó otra fotografía. El legado que dejó atrás es tal vez una de las mejores visiones visuales de "La vida debajo de la gran carpa" y la cultura de una era perdida pero no olvidada.
20 años f
fotografiando rarezas humanas
alTirado
For a long time I have tried to make sculpture. First, I was a photographer, then I added writing as my second means of expression. These two united voices took me on many and distant paths to write graphic stories for travel magazines. The shapes, the colors, the rhythm, always caught my attention. From my father I took the love of aesthetics, the harmony of objects and the song of life. But I think that the need to search for the so-called third dimension was always beating in me. Many years ago - as an adult - I enrolled in a sculpture workshop ... I liked, but I did not continue. Sometime later I had the privilege of taking some classes with Maestro Tarrag, a magnificent Catalan sculptor who lived in Mexico City. That's where my short education as a sculptor came from, so I can really consider myself as an autodidact, admirer of some great sculptors, especially August Rodin.
Por mucho tiempo he tratado de hacer escultura. Primero fui fotógrafo, después añadí la escritura como mi segundo medio de expresión. Estas dos voces unidas me llevaron por muchos y lejanos caminos para escribir historias gráficas para revistas de viajes. Las formas, los colores, el ritmo, siempre llamaron mi atención. De mi padre pintor saqué el amor a la estética, a la armonía de los objetos y al canto de la vida. Pero creo que siempre latía en mi la necesidad de buscar la llamada tercera dimensión. Hace muchos años – ya adulto – me inscribí en un taller de escultura… me gustó pero no continué. Tiempo después tuve el privilegio de tomar algunas clases con el maestro Tarrag, magnífico escultor catalán que vivía en la Cd. de México. Hasta ahí llegó mi corta educación como escultor, por lo que realmente me puedo considerar como autodidacta, admirador de algunos grandes escultores, especialmente August Rodin. En los últimos años es cuando he retomado el trabajo con mayor ambición. Creo que a partir de este año estoy dispuesto a poner todos mis esfuerzos en lograr mi búsqueda de la expresión en esa profundidad de la tercera dimensión. Mi preferencia por la figura humana es muy marcada y hasta he sido criticado por mi constancia en la figura femenina. Me declaro culpable. Al igual que en mis historias noveladas, el personaje central, o la causa de los conflictos es una mujer. ¿Por qué no? He sido un enamorado de la vida romántica y he tenido la fortuna de haber vivido algunos tórridos romances, así que ellas son mis musas, son la energía que me llega al cuerpo y me sale por la punta de los dedos cuando se trata de modelar el barro, la plastilina, el yeso…
Homo Trep (Detail - D
Homo Trepadoris (Detail - Detalle)
padoris Detalle)
in recent years In
is when I have returned to work with greater ambition. I believe that from this year on I am willing to put all my efforts into achieving my search for expression in that depth of the third dimension. My preference for the human figure is very marked and I have even been criticized for my constancy in the female figure. I plead guilty. As in my written stories, the central character, or the cause of conflicts, is a woman. Why not? I have been in love with the romantic life and I have been fortunate to have experienced some torrid romances, so they are my muses, they are the energy that reaches my body and comes out of my fingertips when it comes to modeling clay, plasticine, plaster ...
Caballero à guila Eagle warrior ´
Emotion invades me when I start a figure. Having in my hands a handful of clay and an idea in the head is a moment that I enjoy a lot, and that continues with the emotions of seeing those materials converted into a figure, whatever it may be ... woman, animal or some surrealist figure. It is certain that all sculptors feel the same, it could not be otherwise. In some way one feels as a creator of a world from that figure lives, that inert figure that begins to sprout taking life of its own. Begins to smile, its anatomy takes the required form, can be an old man, can be a bull, can be a woman ... And I caress the smoothness of the skin, I go through its forms until I achieve the softness I look for, until I find the curvature that It indicates its beauty. In animals, their complexion, their docility or fierceness, the tension in the muscles that indicates their movement. If I succeed, the spectator will believe my proposal ... if I failed, I will go unnoticed. There is the challenge that every artist has before him. Not for the viewer appreciation. The challenge is with oneself, the artist has to be sure of himself before going public. My style from the very beginning has been realistic figurative. Sometimes I have flashes that lead me to the surreal, because there are things that can not belong to a reality as such. A dream reflects a reality handled in the subconscious. A fantasy is the explanation of something that goes beyond reality and can be a sunset of fading beauty or a woman wrapped in her dreams. That is why I like sculpture, because it can be something that I have impregnated life with my hands and that from the place it occupies, will continue to express their feelings.
La emoción me invade cuando empiezo una figura. Tener en mis manos un puño de barro y una idea en la cabeza es un momento que disfruto mucho, y que se continúa con las emociones de ver esos materiales convertidos en una figura, cualquiera que sea… mujer, animal o alguna figura surrealista. Es seguro que todos los escultores sienten lo mismo, no podría ser de otra manera. En alguna forma uno se siente creador de un mundo donde habita ese ser, esa figura inerte que empieza a brotar tomando vida propia. Empieza a sonreír, su anatomía cobra la forma requerida, puede ser un viejo, puede ser un toro, puede ser una mujer… Y yo acaricio la tersura de su piel, recorro sus formas hasta lograr la suavidad que busco, hasta encontrar la curvatura que indica su belleza. En los animales, su complexión, su docilidad o fiereza, la tensión en los músculos que indica su movimiento. Si lo logro, el espectador va a creer mi propuesta… si fallé, pasaré desapercibido. Ahí está el reto que todo artista tiene frente a sí. No para que el espectador lo crea. El reto es con uno mismo, el artista tiene que estar seguro de sí mismo antes de salir a la luz pública. Mi estilo ha sido desde mis principios figurativo realista. En ocasiones tengo destellos que me llevan a lo surrealista, porque hay cosas que no pueden pertenecer a una realidad como tal. Un sueño es un reflejo de una realidad manejada en el subconsciente. Una fantasía es la explicación de algo que va más allá de la realidad y puede ser un atardecer de fugaz belleza o una mujer envuelta en sus sueños. La belleza de una mujer es sólo explicada en la mente fantasiosa del espectador. Es por eso que me gusta la escultura, porque puede ser algo a lo que le he impregnado vida con mis manos y que desde el lugar que ocupe, va a seguir expresando sus sentimientos.
Melancoly Melancolía
Leda and the Swan Leda y el Cisne
Love - Amor
El surrealism escenas onĂr pesadillas), a o vinculadas
Finish line. / La meta
The figurativ to dream sce nightmares), linked to the
Leonora riding a dream. (In tribute to Leonora Carrington) Leonora cabalgando un sueĂąo. Homenaje a Leonora Carrington.
mo figurativo da lugar a ricas (sueĂąos y absurdas, monstruosas s al subconsciente.
ve surrealism gives rise enes (dreams and , absurd, monstrous or subconscious
Malabare
Descubrí que quería ser artista pintora por necesidad. De niña tenía yo problemas sicológicos y no quería hablar, no podía expresarme. Mis padres buscaron otros medios para ayudar a expresarme. Empecé a tocar el piano y no me gustó… quise aprender ballet y no me dejaron. Encontré que pintando podía expresar mis sentimientos, lo que en la cultura japonesa no se puede hacer. Afortunadamente en la escuela secundaria donde yo estudiaba, tenía anexada la escuela de arte y así empecé a pintar. En ese tiempo mi vista era completamente normal, con astigmatismo, pero nada que no se pudiera corregir con lentes de contacto. Tenía 16 años de edad cuando decidí que quería ser pintora. A los 20 años salí de Japón para venir a México, lo que interrumpió mis estudios de arte, pues aquí no me revalidaron lo que ya tenía cursado. Pero no me detuve porque asistía como oyente para estudiar grabado durante 4 años. A los 24 años tuve mi primera exposición. Después me llegaron los tiempos difíciles y tuve que dejar de pintar para ponerme a trabajar para ganarme la vida.
SHINO
WATABE I discovered that I wanted to be a painter by necessity.
As a child I had psychological problems and I did not want to talk, I could not express myself. My parents looked for other means to help me to express myself. I started playing the piano and I did not like it ... I wanted to learn ballet and they did not let me. I found that painting could express my feelings, what in Japanese culture can´t be done. Fortunately, in the high school where I studied, I had the art school annexed and that's how I started painting. At that time my vision was completely normal, with astigmatism, but nothing that could not be corrected with contact lenses. I was 16 years old when I decided I wanted to be a painter. When I was 20 years old I left Japan to come to Mexico, which interrupted my studies of art, because here I couldn´t revalidate what I had already studied. But I did not stop because I attended classes as a listener for 4 years. At 24 years old I had my first exhibition. Then the difficult times came, and I had to stop painting to get to work and make my living.
It was natural that at school I began to paint with the traditional Japanese style, and even though I wanted to express myself in another way. I must accept that culturally I keep contact with my roots and they are reflected in my current painting. When I discovered the works of José Clemente Orozco, I was impressed by the strength of his coloring and the vigor of his forms. I also knew the work of Saturnino Herrán and I loved it. I already wanted to paint like Mexican artists. I understand that I can´t force myself to separate from my original culture even though I have been living in Mexico for 27 years. The best thing that has happened to my work is to have the richness of these two cultures that in some way are shown in my work. Since I arrived in Mexico I have been studying. I have been with Gilberto Pérez Navarro for many years now, and although I admire him a lot, I do not want to imitate him, I want to paint what I want. From him I learn to be an artist and he has taught me a lot. I love the colors of Mexico, they are brighter, they are different from Japan. That has greatly influenced my work. I live the magic and the
energy that springs up everywhere. I think I'll stay here for the rest of my life. When I lost my sight, I also lost my job, so I found that I could dedicate myself completely to painting. I think that by losing sight, my style has changed a lot. I learned new techniques and continued to express myself intensely. They were very hard changes and my life is different. I was crying and angry, but I drew strength from the bottom of my heart and told myself I would never give up. Now I feel much happier, I have the life that I want and I am capable of doing everything by myself, it has not been easy. I have received many criticisms from other artists. And I have very different opinions from the people who see my exhibitions. There are people who pity me for my limitation. I do not want that, I feel happy to do what I do although it sounds somewhat like a contradiction: I have visual disability and what I do is precisely visual expression. There are times when I despair and I get angry at myself, in those moments I realize that I must invest that courage in my work.
Era natural que en la escuela empezara a pintar con el estilo tradicional japonés, y aun cuando yo quería expresarme en otra forma debo aceptar que culturalmente conservo contacto con mis raíces y se reflejan en mi pintura actual. Conocí la pintura de José Clemente Orozco y me impresionó la fuerza de su colorido y el vigor de sus formas. También conocí la obra de Saturnino Herrán y me encantó. Ya quería pintar como los artistas mexicanos. Comprendo que no puedo forzarme a separarme de mi cultura original aunque ya tengo 27 años de vivir en México. Lo mejor que le ha pasado a mi trabajo es tener la riqueza de estas dos culturas que en alguna forma se transparentan en mi trabajo. Desde que llegué a México he estado estudiando. Tengo ya muchos años con el maestro Gilberto Pérez Navarro, y aunque lo admiro mucho, no quiero imitarlo, quiero pintar lo que yo quiero. De él aprendo a ser artista y me ha enseñado mucho. Amo los colores de México, son más brillantes, son diferentes al Japón. Eso ha influido mucho en mi trabajo. Vivo la magia y la energía que brota por doquier. Creo que me quedaré aquí
para el resto de mi vida. Cuando perdí la vista, perdí también mi trabajo, entonces encontré que me podía dedicar de lleno a la pintura. Creo que al perder la visión, mi estilo se ha modificado mucho. Aprendí nuevas técnicas y seguí expresándome intensamente. Fueron cambios muy duros y la vida es otra. Lloraba y me enfurecía, pero saqué fuerzas desde el fondo de mi corazón y me dije que nunca me daría por vencida. Ahora me siento mucho más feliz, tengo la vida que quiero y me basto en todo por mi misma. De ninguna manera ha sido fácil. He recibido muchas críticas de otros artistas. Y tengo muy diversas opiniones de la gente que ve mis exposiciones. Hay gente que me compadece por mi limitación. Yo no quiero eso, yo me siento feliz de hacer lo que hago aunque suena en cierta forma como una contradicción: Tengo incapacidad visual y lo que hago es precisamente expresión visual. Hay veces que me desespero y me enojo conmigo misma y en esos momentos me doy cuenta que ese coraje lo debo invertir en mi trabajo.
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z d e r Ăą i e n u i c e R em d
of d rs oo oi lh i em h M yC m
Estoy utilizando la técnica de pintar sobre lámina de acrílico transparente que tiene por debajo una pintura. Raspo los contornos para darle textura, lo que también sirve para los incapacitados visuales puedan tocarlo y apreciar las formas. Al ponerlos en contraluz se convierten en una transparencia. Me critican mi pintura y me dicen que yo debo pintar para ciegos, pero yo quiero transmitir mis emociones al espectador en general. Quiero que mi trabajo sea valorado por lo que es sin que se tenga que catalogar que soy incapacitada. Quiero ser considerada como cualquier otro artista. Pati de Murga es muy amiga mía y estamos trabajando juntas, aquí en San Miguel de Allende, México. Queremos tener obra pintando las dos en el mismo lienzo y ya planeamos tener exposiciones. Tal vez es una idea loca, porque nuestros estilos son muy diferentes, pero tenemos confianza en que puede resultar algo muy interesante. Actualmente tengo una exposición individual en el Museo de la Luz en la ciudad de México. Tiene cuatro temas: Autorretrato, Figura humana, Amor a la naturaleza y El Mar, como una dedicatoria a mi padre recién fallecido, que era un amante del mar. ¿Cuál es mi siguiente paso? Tengo muchas ideas que quiero llevar acabo. Despierto a media noche con nuevas imágenes. Quiero decir que quiero trabajar mucho, superarme y tener muchas exposiciones.
I'm using the technique of painting on transparent acrylic sheet that has a painting underneath. I scrape the contours to give it texture, which also serves for the visually impaired can touch it and appreciate the shapes. By putting them in backlight they become a transparency. They criticize my painting and tell me that I must paint for the blind, but I want to transmit my emotions to the spectator in general. I want my work to be valued for what it is without having to be classified as work of incapacitated artist. I want to be considered like any other artist. Pati de Murga is a very close friend of mine and we are working together, here in San Miguel de Allende, Mexico. We want to have work painting both in the same canvas and we already plan to have exhibitions. Maybe it's a crazy idea, because our styles are very different, but we are confident that it can be very interesting. I currently have an individual exhibition at the Museo de La Luz, in Mexico City. It has four themes: Self-portrait, Human figure, Love of nature and The sea, as a dedication to my recently deceased father, who was a lover of the sea. What is my next step? I have many ideas that I want to carry out. I wake up at midnight with new images. I want to say that I want to work hard, improve myself and have many exhibitions.
Photo Steve Isaac
Essential bodies The dance collective of the artistic
director Patricia Rincรณn presented Myth Project: Essential Bodies the past November 1st, 2017 at Casa de Europa, as part of the many celebrations in San Miguel de Allende, Mexico, for the Day of the Dead. Essential Bodies is a dance theater production, with the choreography and direction of the teacher and artistic director Patricia Rincon, and written by the dramatist Monica Holth. The magic of life and eternity is explored, inspired by the vision of the death dream of the Aztecs, and touching our inevitable future transit through those waters.
El colectivo de danza de la directora
artística Patricia Rincón presentó el pasado Iro. de Noviembre, 2017 en Casa de Europa, durante los múltiples festejos que conmemoraron el Día de Muertos en San Miguel de Allende, México, su Proyecto Mito: Cuerpos Esenciales. Cuerpos Esenciales es una producción de teatro danza, con la coreografía y dirección de la profesora y directora artística Patricia Rincón, y escrita por la dramaturga Monica Holth. Se explora la magia de la vida y la eternidad, inspirada por la visión del sueño de la muerte de los aztecas, y tocando nuestro inevitable transito futuro por esas aguas.
Photo alTirado
Cuerpos esenciales
The rites about The Dead are one of the most important Mexican traditions. They are of preHispanic origin and have been preserved from generation to generation. The celebration consists of the belief that, during those days, the first and the second of November, our deceased relatives will come spiritually to visit us. For this, they are welcomed and offered food, drink, music and many flowers in the form of altars. Ofrenda (offer) is called and they are presented in homes and cemeteries. Symbolically and more, philosophically, Monica Hoth has taken the elements of pre-Hispanic and current cultures to present a vision full of fantasy. The dance, the acrobatics and the music of hallucinating and mythical rhythms mark a continuous rhythm in the representation of a single act. The movement of the dancers revolves around the ideas of human experience, its fragilities, humor and transitory states that allow actors to travel within infinity, passing from life to death, from the earth to the universal. Recreating life for its transitory existence and celebrating death for its reality of infinite permanence. To achieve this, she counted with the participation of local and international dancers and actors, puppets, aerial dance and characters on stilts, with original music, clothing and artistic scenography. Among them: Christian Baumgartner and Diana Hoogestegar, professional dancer, Sarah Navarrete, Tara Casone Weinberg, and Amaranta Aguilar Cardoso as well as the circus performer Jenny Sales, the artist Mari Osa, Arturo Hernández and Abril Olvera. The dance group of Patricia Rincón is a non-profit organization that crosses borders, the sponsorship for Mith Proyect: Essential bodies, is possible through a scholarship from the University of San Diego California, COR Arts Research and with the sponsorship of Casa de Europa, with additional support from the Tourist office of San Miguel de Allende and El Sindicato community cultural center. Patricia Rincón has directed, participated and choreographed annual workshops and presentations in Mexico, Argentina, Europe and California. As Artistic Director of the Dance Collective Patricia Rincón has continued annually developing her popular Blurred Bordes Dance Festival and Myth Project: American Dream dance and theater series, each year held in San Diego, USA.
The movement of the dancers revolves around the ideas of human experience
San Miguel photographer Steve Isaac has interpreted the performance in a series of composite images as shown, soon to be published as part of a new book entitled “Myth Project”.
Los ritos que tradicionalmente se celebran en nuestro país, son una de las principales tradiciones mexicanas. Son de origen prehispánico y se han ido conservando de generación a generación. La celebración consiste en la creencia de que, durante esos días, el primero y el dos de noviembre, nuestros familiares fallecidos vendrán espiritualmente a visitarnos. Para ello se les ofrece comida, bebida, música y muchas flores en las ofrendas erigidas en los hogares y panteones. Simbólicamente y más, filosóficamente, Monica Hoth ha tomado los elementos de las culturas prehispánicas y los actuales para presentar una visión llena de fantasía. La danza, la acrobacia y la música de ritmos alucinantes y míticos marcan un ritmo continuo en la representación de un solo acto. El movimiento de las piezas gira en torno a las ideas de la experiencia humana, sus fragilidades, el humor y estados transitorios que permiten a los actores a viajar dentro del infinito, pasando de la vida a la muerte, de lo terreno a lo universal. Recreando la vida para su transitoria existencia y celebrando la muerte para su realidad de permanencia infinita. Para lograrlo contó con la participación de bailarines y actores locales e internacionales, marionetas, danza aérea y personajes en zancos, con música original, con vestimenta y escenografía artística. Entre ellos: Christian Baumgartner y Diana Hoogestegar, bailarina profesional Sarah Navarrete, Tara Casone Weinberg, y Amaranta Aguilar Cardoso así como la interprete circense Jenny Sales, la artista Mari Osa, Arturo Hernández y Abril Olvera. El colectivo de Danza de Patricia Rincón es una organización sin fines de lucro que cruza fronteras, el patrocinio para Proyecto Mito: Cuerpos Esenciales” es posible por una beca de la Universidad de San Diego California, COR Investigación de las Artes y con el patrocinio de Casa de Europa, con apoyo adicional de la oficina de turismo de San Miguel de Allende y El centro cultural comunitario El Sindicato.
Patricia Rincón ha dirigido, participado y coreografiado talleres anuales y presentaciones en México, Argentina, Europa y California. Como Directora Artística del Colectivo de Danza Patricia Rincón ha continuado anualmente desarrollando su popular festival Blurred Bordes Dance Festival y Myth Project: American Dream series de danza y teatro, cada año realizado en San Diego, USA. La compañía completo una gira de presentaciones en Buenos Aires, Argentina en 2012, y TANZINOLTEN Dance Festival, con presentaciones adicionales en Zurich en el 2014. Se le han otorgado numerosos becas de la Universidad de San Diego California (UCSD) para investigación y desarrollo en la serie documental Latino Now: Landscape of Desire sobre el sueño americano y el debate de inmigración, y su más reciente proyecto The Myth Project : Threads to the Otomi con Andrea Holguín de Danza Viral en 2016. La película Waiting ha sido seleccionada en varios festivales de cine, incluyendo el 15 anual San Diego Latino Film Festival en marzo 2010. Cada verano por los pasados 30 años la Patricia Rincón es invitada para liderar los talleres de la Universidad de Heidelberg, Frankfurt, Mannheim, y Konstanz, Alemania. Ella también enseño por muchos años en la Universidad de Zurich, Bern, y Lugano en Suiza, en 2011 ella era artista en residencia con su compañía, en la prestigiosa IUNA instituto Universitario Nacional de Arte en Buenos Aires. Patricia ha recibido el premio de la Universidad de California en San Diego del Rector y asociados de facultad, el premio de servicio comunitario y en septiembre 2016, se le presento el prestigioso KPBS LOCAL HERO AWARD por el mes de herencia Latina. Este año es el 34 aniversario de la compañía de danza colectiva de Patricia Rincón.
www.rincondance.org
Photo alTirado The company completed a tour of presentations in Buenos Aires, Argentina in 2012, and TANZINOLTEN Dance Festival, with additional presentations in Zurich in 2014. It has been awarded numerous scholarships from the University of San Diego California (UCSD) for research and development in the documentary series Latino Now: Landscape of Desire about the American dream and the immigration debate, and his most recent project The Myth Project: Threads to the Otomi with Andrea HolguĂn from Viral Dance in 2016. The film Waiting has been selected in several film festivals, including the 15th annual San Diego Latino Film Festival in March 2010. Every summer for the past 30 years Patricia Rincon is invited to lead the workshops of the University of Heidelberg, Frankfurt, Mannheim, and Konstanz, Germany. She also taught for many years at the University of Zurich, Bern, and Lugano in Switzerland, in 2011 she was an artist in residence with her company, at the prestigious IUNA National University Institute of Art in Buenos Aires. Patricia has received the award from the University of California at San Diego del Rector and faculty associates, the community service award and in September 2016, the prestigious KPBS LOCAL HERO AWARD was presented for the month of Latin heritage. This year is the 34th anniversary of the Patricia RincĂłn collective dance company.
www.rincondance.org
DanzaVida por/by MariOsa
Danza Vida is a dance of life and many of us find the dance takes us to magical places through art, whether that be painting, dancing, photography, sculpture , or writing. We look to express the world we see in a way that will touch others. Alejandro Palomores found himself being attracted to the world of animation early in his life while watching cartoons. He saw the art behind the stories and as long as he could remember he had an intense desire to follow the arts as a life career. and was a Comic Book Artist / Illustrator . Here is his story. "I always found magic in art and what my hands could do. I do art because, in a nut-shell, art is simply the mirror in which I reflect myself in, the vehicle that I use to learn about Life and myself, that infinite image that takes time and inner sight to fully see and understand. For me this is as basic and necessary as air. I am inspired the most by two things mainly, the inner experience; the one that continuously transforms me and my art and the outer one, which is about the viewer. I am inspired that people get to experience my art and how they are touched and transformed by it. A recent experience I would like to share is a perfect example of why I do art. A few weeks ago a woman saw me painting at the gallery and as I turned around I noticed she was overwhelmed and trying hard not to cry. Then she said, "Th-is iis am-azing work.". I had a huge smile an said: "Thank so much, you are so kind." and smiled again, paying respect to her feelings. Then she tried to continue on her way, but her feet won't let her, so she turned around again, came close to me, grabbed my face gently with both her hands and she gave me the sweetest and most loving kiss in the cheek and simply said "Thank you." And then, she just walked away. If that's not magic then I don't know what it is. I hope as an artist to transmit a feeling. I want people to be swept away and that incident clearly told me I am on the right tract. I am new to San Miguel but I love everything about it and am so grateful to have a small gallery space at 30 Umeran called OCHRE and teaching art at the Instituto. I don't do comics anymore . My current interests are the visual arts basically, painting, drawing, illustration...
Alejandro Palomores
Mary Jean Miller
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Paty de Murga
Steve Isaac
Shino Watabe
MariOsa Danza Vida
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Isis Bobadilla
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Editor alTirado
magazine
Asesor administrativo Daniel Tirado Navalón Diseño Gráfico/Graphic Design J.O. Romero
No. 9 December, 2017
Publicación de Published by FreeLancelot SMA
Contacto editor@sanmiguelartmagazine.com www.sanmiguelartmagazine.com San Miguel Art magazine es una publicación electrónica de frecuencia mensual. Circula la primera semana de cada mes, desde San Miguel de Allende, GTO. México Monthly publication. Runs first week of every month. All rights reserved. Copyright 2017
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