100 Artists by Alya Marchenko

100

великих художников России •

www.mediacrat.ru

2012

Эксклюзивное подарочное издание «100 великих художников России» – подарок Промсвязьбанка своим клиентам и партнерам. Этот богато иллюстрированный альбом являет собой своеобразную историю российской живописи в лицах и позволяет представить всех великих мастеров, разные эпохи и течения. Написать сегодня без них историю мирового изобразительного искусства уже невозможно.

Ксения Апель

100 великих

художников России •

От а втора

азвитие той или иной национальной школы нередко определяют мастера, имеющие совсем иное происхождение, иноземные корни. Так, ключевые фигуры в русской литературе – не совсем «русские» Пушкин и Гоголь. Или, например, французское изобразительное искусство XVII столетия в основном представлено именами художников из Лотарингии, которая тогда была самостоятельным герцогством, а фундаментально значимый для французов Никола Пуссен почти всю жизнь провел в Риме, где и похоронен. Но мы все равно относим его к французской школе. В Риме XVIII века встречались, общались и творили мастера самых разных европейских школ. Так возник феномен «римской художественной жизни», без знакомства с которой сложно понять, что происходило в тот период в европейском искусстве. Во второй половине XIX века роль Рима перешла к Парижу. От импрессионистов до авангардистов самых разных течений – все искали и находили себя во французской столице. Так родился феномен «парижской школы». И опять же без погружения в парижскую культурную среду сложно представить формирование большинства мас теров второй половины XIX – первой половины XX века. Кто определял развитие русской школы живописи? На этот вопрос и отвечает наше издание. Понятия гражданства и национальности часто не совпадают с самоощущением мастера. Кому принадлежит Пабло Пикассо: Испании или Франции? В развитии искусства на просторах гигантской Российской, а затем советской империи зна-

От а втора

чимым было участие в очень насыщенной культурной жизни Мос квы и Санкт-Петербурга и обмен между столицами. Также сложно определить границу между российским и советским искусством, да ее, по сути, и не было. Остается транслировать понятие национальности «русский» на исторически-географическую и, конечно, мировоззренческую реальность, сформировавшую мастеров, о которых и пойдет речь в предлагаемой книге. Исходя из этого, армянин Айвазовский оказывается великим русским художником. В странах Латинской Америки, к слову, нет подобной разницы понятий. «Откуда ты? – Я из Колумбии!» И нет вопроса: «А колумбиец ли ты?» Да и при обращении к каталогам музейных собраний или аукционных стрингов мы встретим только понятие «русский художник», а уж кто он: грузин, еврей или украинец – какая разница, ведь он либо подданный Российской империи, либо гражданин Советского Союза. Та фантастическая полиэтническая смесь, которая возникла в истории русского искусства, действительно может быть сравнима только с ситуаций культурного обмена в Риме и Париже. Чтобы отобразить спектр интеллектуального и стилистического разнообразия, в настоящем издании собраны статьи о художниках, принадлежавших к разным течениям, направлениям, группировкам. Нам казалось важным продемонстрировать как «чистых» представителей того или иного стиля, так и живописцев, эволюционировавших от одного направления к другому. Также нам хотелось показать и тех, кто существует только в рамках региональной школы, и, конечно, мастеров, оказавших влияние на все мировое искусство.

Ксения Апель

огла вление

1. Айвазовский (Гайвазовский) Иван Константинович 2. Альтман Натан Исаевич 3. Антропов Алексей Петрович 4. Аргунов Иван Петрович 5. Бакст (Розенберг) Лев Самойлович 6. Бенуа Александр Николаевич 7. Билибин Иван Яковлевич 8. Борисов-Мусатов Виктор Эльпидифорович 9. Боровиковский Владимир Лукич 10. Брюллов Карл Павлович 11. Васильев Федор Александрович 12. Васнецов Виктор Михайлович 13. Венецианов Алексей Гаврилович 14. Верещагин Василий Васильевич 15. Вишняков Иван Яковлевич 16. Врубель Михаил Александрович 17. Ге Николай Николаевич

огла вление

18. Головин Александр Яковлевич 19. Гончарова Наталья Сергеевна 20. Грабарь Игорь Эммануилович 21. Григорьев Борис Дмитриевич 22. Дейнека Александр Александрович 23. Добужинский Мстислав Валерианович 24. Зверев Анатолий Тимофеевич 25. Иванов Александр Андреевич 26. Кандинский Василий Васильевич 27. Кипренский Орест Адамович 28. Кончаловский Петр Петрович 29. Коровин Константин Алексеевич 30. Крамской Иван Николаевич 31. Краснопевцев Дмитрий Михайлович 32. Крымов Николай Петрович 33. Кузнецов Павел Варфоломеевич 34. Куинджи Архип Иванович

огла вление

35. Куприн Александр Васильевич 36. Кустодиев Борис Михайлович 37. Лабас Александр Аркадьевич 38. Лансере Евгений Евгеньевич 39. Ларионов Михаил Федорович 40. Лебедев Владимир Васильевич 41. Левитан Исаак Ильич 42. Левицкий Дмитрий Григорьевич 43. Лентулов Аристарх Васильевич 44. Лучишкин Сергей Алексеевич 45. Маврина Татьяна Алексеевна 46. Малевич Казимир Северинович 47. Малявин Филипп Андреевич 48. Машков Илья Иванович 49. Митурич-Хлебников Май Петрович 50. Назаренко Татьяна Григорьевна

огла вление

51. Немухин Владимир Николаевич 52. Нестеров Михаил Васильевич 53. Нисский Георгий Григорьевич 54. Осмеркин Александр Александрович 55. Остроумова-Лебедева Анна Петровна 56. Перов Василий Григорьевич 57. Петров-Водкин Кузьма Сергеевич 58. Пименов Юрий (Георгий) Иванович 59. Поленов Василий Дмитриевич 60. Поленова Елена Дмитриевна 61. Попков Виктор Ефимович 62. Попова Любовь Сергеевна 63. Пуни Иван Альбертович 64. Рабин Оскар Яковлевич 65. Репин Илья Ефимович 66. Розанова Ольга Владимировна

огла вление

67. Рокотов Федор Степанович 68. Саврасов Алексей Кондратьевич 69. Салахов Таир Теймуразович 70. Самохвалов Александр Николаевич 71. Сапунов Николай Николаевич 72. Сарьян Мартирос Сергеевич 73. Серебрякова Зинаида Евгеньевна 74. Серов Валентин Александрович 75. Сомов Константин Андреевич 76. Сорока (Васильев) Григорий Васильевич 77. Судейкин Сергей Юрьевич 78. Суриков Василий Иванович 79. Татлин Владимир Евграфович 80. Тропинин Василий Андреевич 81. Тырса Николай Андреевич 82. Тышлер Александр Григорьевич 83. Удальцова Надежда Андреевна

огла вление

84. Уткин Петр Саввич 85. Фаворский Владимир Андреевич 86. Фальк Роберт Рафаилович 87. Федотов Павел Андреевич 88. Фешин Николай Иванович 89. Филонов Павел Николаевич 90. Чекрыгин Василий Николаевич 91. Чехонин Сергей Васильевич 92. Чистяков Павел Петрович 93. Шагал Марк Захарович 94. Шевченко Александр Васильевич 95. Шишкин Иван Иванович 96. Штеренберг Давид Петрович 97. Щедрин Сильвестр Феодосиевич 98. Экстер Александра Александровна 99. Юон Константин Федорович 100. Яблонская Татьяна Ниловна

Айвазовский (Гайвазовский) Иван Константинович 1817–1900 Вряд ли найдется еще один мастер русской школы живописи, имеющий титул почетного члена не только отечественной alma mater, но и академий художеств в Амстердаме, Риме, Париже, Флоренции, Штутгарте. Но все это имелось у Ивана Айвазовского.

Наиболее значимые работы Ивана Айвазовского «Восход солнца в Феодосии», 1955, Государственная картинная галерея Армении «Девятый вал», 1850, Государственный Русский музей (ГРМ) (на иллюстрации справа) «Море. Коктебель», 1853, Феодосия, Картинная галерея им. И. К. Айвазовского «Черное море», 1881, Государственная Третьяковская галерея (ГТГ) «Среди волн», 1898, Феодосия, Картинная галерея им. И. К. Айвазовского

астоящее имя знакомого всем российским школьникам мариниста – Ованес Айвазян. Его отец был разорившимся коммерсантом, а мать вышивальщицей. Всего в семье родилось пятеро детей. Один из братьев Константина – Габриэл – стал известным армянским историком и священником. Скромное происхождение художника компенсировалось его талантами (Айвазовский самостоятельно научился играть на скрипке) и удачей. Губернатор Тавриды содействовал приему одаренного юноши в гимназию. Сохранились свидетельства учителей о том, что обучался Айвазовский «российской грамматике и логике, всеобщей российской истории и географии, начальным основам алгебры и геометрии, начальным правилам немецкого языка с успехом изрядным, начальным правилам латинского и французского языков – с хорошим, начаткам зоологии и линейному рисованию – с очень хорошим, вообще рисовальному искусству – с превосходным...». Затем Айвазовский переехал в Петербург для поступления в Академию художеств. Его наставником стал французский пейзажист Филипп Таннер. Окончив академию с большой золотой медалью, отныне признанный мастер, чьи работы вскоре приобрел царь, получил право на оплачиваемую (пенсионерскую) поездку по Крыму, а позже по Европе. Маршруты путешествий Айвазовского весьма разнообразны: Италия, Германия, Франция, Швейцария, Испания, Португалия, Голландия, Турция, Греция, Малая Азия, Египет, Америка! Принадлежащий романтической традиции, очарованный морем, живописец-виртуоз в некотором смысле предвосхищает поиски мастеров последней четверти XIX века, так как показывает один объект при разном освещении, в разных состояниях. Конечно, при этом его техника, «гладкая» манера, остается в рамках первой половины столетия. Чрезвычайно любопытным представляется факт встречи с другим великим пейзажистом-романтиком – Уильямом Тернером. В 1865 году Айвазовский на свои средства открыл в родной Феодосии первую художественную школу, а спустя 15 лет – картинную галерею, которая сегодня носит имя мастера. Живописное наследие мастера составляет около 6000 полотен.

100 великих художников России

Флорентийская академия заказала художнику автопортрет, который сейчас хранится в знаменитой галерее Уффици во Флоренции, а в 1856 году Иван Айвазовский был награжден орденом Почетного легиона

Альтман Натан Исаевич

1889–1970 Известный широкой публике прежде всего как автор портрета Анны Ахматовой, Натан Альтман также занимался скульптурой, книжной графикой, сценографией, оформлением интерьеров, сотрудничал с фарфоровым заводом.

Наиболее значимые работы Натана Альтмана «Портрет Ахматовой», 1914, ГРМ (на иллюстрации справа) «Кувшин и томаты», 1912, ГРМ «Женщина с собакой», 1911, ГРМ «Натюрморт. Цветовые объемы и плоскости», 1918, ГРМ Эскиз оформления площади Урицкого (Дворцовой), 1918, ГРМ Тарелка «Земля трудящимся», 1919

одным городом Альтмана была Винница. Его художественное образование не было систематическим. Сначала Натан Альтман обучался в Одесском училище, затем в парижской Свободной школе Васильевой. Специфика учебы в этом заведении, устроенном мастерами русской колонии, заключалась в том, что здесь не имелось преподавателей. Во Франции Альтман проникся приемами кубизма, элементы которого будет постоянно использовать в дальнейшем. Именно в Париже в 1911-м состоялось его знакомство с Анной Ахматовой, встречавшейся тогда с Модильяни. В Париже Альтман участвовал в выставках Салона Национального общества изящных искусств, организованного символистами Пюви де Шаванном и Одилоном Редоном. Из мастеров русской школы здесь выставлялись Бакст, Бенуа, Борисов-Мусатов. С 1912 года художник жил в Петербурге. После революции помимо живописи и графики он создавал агитационный фарфор, эскизы оформления городских пространств к революционным праздникам. Кстати, Альтман исполнил цикл порт ретных рисунков Ленина, опубликованных в виде альбома и снискавших завидную популярность. Возможно, наиболее ярко талант Альтмана реализовался в работе для театра. Мас тер сотрудничал с Вахтанговым, Ленинградским театром драмы им. Пушкина, оформил «Мистерию-буфф» Маяковского. Вместе с Еврейским государственным театром в 1928 году художник поехал на гастроли по Европе. Во Франции Альтман оставался до 1935 года. Когда вернулся в Советский Союз, здесь уже господствовал соцреализм, поэтому более-менее свободно Альтман, как и другие модернисты, мог работать лишь в театре, книжной графике и прикладном искусстве. В 1955 году он исполнил эскизы костюмов к фильму Козинцева «Дон Кихот». Главную роль в ленте сыграл выдающийся актер Николай Черкасов.

100 великих художников России

В 2003 году на аукционе Christie’s «Портрет женщины с розами» Натана Альтмана при эстимейте 3000–5000 английских фунтов был продан за 16 625, а одна из иллюстраций к гоголевскому «Носу» (рисунок «Кибитка») на аукционе MacDougall’s в 2009 году была оценена в 10–15 тысяч фунтов 15

Антропов А лексей Петрович

1716–1795 Не имея в анамнезе Античности и Возрождения, русское искусство в XVIII веке совершает неимоверный скачок из Cредневековья в Новое время. Примером проявления этого процесса стало творчество Алексея Антропова.

Наиболее значимые работы Алексея Антропова

«Портрет статс-дамы А. М. Измайловой», 1759, ГТГ (на иллюстрации справа) «Портрет архиепископа С. Кулябки», 1759–1761, ГРМ «Портрет казацкого а тамана Ф. И. Краснощекова», 1761, ГРМ «Портрет Петра III», 1762, ГТГ «Портрет графини М. А. Румянцевой», 1764, ГРМ

дним из первых русских светских живописцев стал сын солдата. Алексей Антропов учился у французского мастера Луи Каравака, приехавшего по приглашению Петра I. Также учителем Антропова был Андрей Матвеев, художник, принадлежащий к первой волне русских пенсионеров (то есть находившихся на государственном пенсионе во время учебной командировки в Европу). К числу наставников Антропова относятся Иван Вишняков и мастер женских головок Пьетро Ротари. Последнему Антропов иногда подражал, выполняя работы не столько творческого толка, сколько необходимые для улучшения своей финансовой ситуации.

В некоторых картинах художника еще ощутима связь с парсуной – специфическим типом живописного произведения, существовавшим в XVII – начале XVIII века и являвшимся переходом от иконы к портрету. Эта «парсунность» сказывается в застылости моделей, отсутствии эмоций на их лицах, диспропорциях. Другую категорию составляют произведения конца 1750-х – начала 1760-х годов. Среди них наиболее известны портреты статс-дам. Для этих работ, наоборот, характерны индивидуализация, передача психологических характеристик и внимание к костюму. При этом модели представлены на нейтральном фоне. К третьей группе относятся парадные полноформатные портреты, исполненные в барочной стилистике. В них подчеркивается богатство интерьера, подробно демонстрируются статусные аксессуары, так что сама персона несколько теряется за антуражем. В Петербурге Антропов получил должность главного художника Святейшего синода. От мастера требовалось контролировать иконописные мастерские и выполнять портреты духовных лиц государства. В Москве художник принимал участие в оформлении коронационных торжеств по случаю вступления на престол Екатерины II. Интересно, что у Антропова была своя школа. Наиболее известным из его учеников стал Дмитрий Левицкий.

100 великих художников России

Помимо создания портретов, Алексей Антропов исполнил в Киеве росписи Андреевского собора, построенного Растрелли, также художник декорировал интерьеры дворцов в Петербурге и его пригородах, Москве

Аргунов Иван Петрович

1729–1802 Как и Василий Тропинин, и Григорий Сорока, Иван Аргунов был крепостным. Его семья принадлежала князьям Черкасским, затем перешла в качестве приданого роду Шереметевых. Художник исполнял не только функции портретиста, но и мажордома. Он управлял в Петербурге Миллионным домом своего хозяина – графа Петра Борисовича Шереметева.

Наиболее значимые работы Ивана Аргунова «Портрет неизвестной в русском костюме», 1784, ГТГ (на иллюстрации справа) «Портрет Екатерины II», 1762, ГРМ «Портрет князя И. П. Голицына»,1760-е, Самарский областной художественный музей «Портрет калмычки Аннушки», 1767, Музей-усадьба «Кусково» «Портрет Т. А. Ветошниковой», 1786, ГТГ

ргунов учился у Георга Христофора Гроота, немецкого мастера, работавшего при дворе императрицы Елизаветы. Кстати, именно царица обязала Аргунова взять в обучение трех юношей, один из которых, Антон Лосенко, станет наиболее известным представителем академизма. Вместе со своим учителем (по другим данным – по его поручению) Аргунов создавал иконы для церкви Екатерининского дворца в Царском Селе и для Ново-Иерусалимского монастыря. Своеобразие развития русской живописной школы, миновавшей стадию Возрождения и перешедшей сразу от средневекового религиозно-символического к реалистическому светскому изображению, привело к тому, что стили европейского искусства появились в России практически одновременно. В парадных портретах Аргунова присутствуют черты барокко (бурное движение, разнообразный антураж) и классицизма (фрагмент колонны, статуарность). Таковы портреты Великой княгини Екатерины Алексеевны, Екатерины II. В других портретах (Ветошниковой, калмычки Аннушки), наоборот, проявляются камерность и интимность, соотносимые с рококо и сентиментализмом. Двоюродный брат художника Федор Семенович также был крепостным Петра Шереметева. Освоив профессию архитектора, он участвовал в постройке знаменитого Фонтанного дома Шереметевых в Петербурге, оранжереи и павильона «Грот» в Кускове. Сыновья Ивана Аргунова продолжили дело отца. Николай, получивший вольную, был удостоен звания академика живописи (он также в основном создавал портреты). Павел Аргунов стал архитектором, к числу его работ относится оранжерея в Останкине, в имении Шереметевых. С 1793 года он руководил постройкой Останкинского дворца, декорировал некоторые из его интерьеров. Яков Аргунов был рисовальщиком и гравером. Именем Аргуновых названа одна из улиц Москвы.

100 великих художников России

Будучи выдающимся портретистом своего времени, крепостной Иван Аргунов воспитал немало талантливых учеников и даже основал собственную артистическую династию: все сыновья также стали художниками 19

Бакст (Розенберг) Лев Самойлович

1866–1924 В своем творчестве он соединил ар-нуво (модерн) и ар-деко. Работы Льва Бакста, особенно произведения, созданные для дягилевских «Русских сезонов», хорошо известны парижской публике и стали одним из основных источников формирования стиля ар-деко.

Наиболее значимые работы Льва Бакста «Ужин», 1902, ГРМ «Портрет Сергея Дягилева с няней», 1906, ГРМ «Портрет Зинаиды Гиппиус», 1906, ГТГ «Танец семи покрывал». Эскиз костюма Саломеи к драме Уайльда «Саломея», 1908, ГТГ (на иллюстрации справа) «Нижинский в роли фавна в балете Клода Дебюсси “Послеполуденный отдых фавна”», 1912, Уодсворт Атенеум, Хартфорд

тец художника был коммерсантом и, естественно, предполагал для сына иной путь. Но после окончания гимназии, настояв на своем, Лев Самойлович поступил в Академию художеств в качестве вольнослушателя. Однако курса не окончил, так как традиционная художественная подготовка шла вразрез с его устремлениями. Уйдя из академии, Бакст зарабатывал иллюстрациями. Подружившись с Бенуа, Сомовым, Дягилевым, он стал одним из лидеров «Мира искусства». Образ этого легендарного журнала во многом создан Бакстом. Художник занимался оформлением и других известных журналов («Золотое руно», «Аполлон», «Сатирикон»). Его прикладной талант выразился и в декорировании интерьеров экспозиций. О степени осведомленности в вопросах искусства высших лиц в государстве говорит тот факт, что Лев Бакст был приглашен в качестве учителя рисования к детям Великого князя Владимира. Для произведений мастера характерны свойственное модерну линеарное начало, гиперэстетизированное отношение к цвету, обращение к образу роковой женщины («Ужин», «Саломея», «Портрет Зинаиды Гиппиус»). Основной сферой творчества Бакста стал театр. Его декорации и костюмы поражали не меньше, чем сама хореография «Русских балетов». Шедеврами мировой сценографии стали «Клеопатра», «Шахерезада», «Послеполуденный отдых фавна», «Карнавал», «Дафнис и Хлоя». Кстати, именно Лев Бакст придумал костюм Лебедя для Анны Павловой. Напряженная ритмика фигур бакстовских эскизов, зигзагообразные построения, пленительная экспрессия и красочная выразительность были заимствованы мастерами ар-деко. В декоративно-прикладном искусстве 1920–1930-х годов часто возникают прямые или косвенные цитаты из композиций Бакста. Хотя в основном художник жил в Париже, в 1914 году он был избран членом Академии художеств Санкт-Петербурга.

100 великих художников России

Луи Картье под впечатлением от «варварского колорита» декораций Льва Бакста стал сочетать в одном изделии сапфиры и изумруды, а парижанки стремились выглядеть «наложницами в восточном серале»

Бенуа А лександр Николаевич 1870–1960 Сын известного архитектора, выдающийся художник, критик, теоретик и историк искусства, один из вдохновителей «Мира искусства», занимавшийся также оформлением театральных постановок, Александр Бенуа был по образованию юристом.

Наиболее значимые работы Александра Бенуа «Прогулка короля», 1906, ГТГ (на иллюстрации справа) «Китайский павильон», 1906, ГТГ «Купальня маркизы», 1906, ГТГ Эскиз фронтисписа к поэме Пушкина «Медный всадник», 1904 «Итальянская комедия», 1906, ГРМ

снователь рода Бенуа – Луи-Жюль, сын учителя, стал кондитером. Посланник Пруссии, на которого он работал, взял его с собой в Петербург, где почитателями его гастрономического таланта стали князья Нарышкины, Голицыны и даже сама императрица Мария Федоровна. Она крестила его сына Николая Леонтьевича, впоследствии ставшего главным архитектором императорских театров и отцом самого знаменитого представителя рода – Александра Бенуа.

Когда Бенуа получил выписанную из Германии книгу «История живописи в XIX веке» Рихарда Мутера, он предложил автору добавить главу о русском искусстве. Изначально такой раздел запланирован не был, но Мутер согласился и, в свою очередь, предложил Бенуа написать эту часть за два месяца. В роли научного консультанта выступил Андрей Сомов (отец художника Сомова), хранитель Эрмитажа, знаток живописи. Позже Бенуа напишет четырехтомную «Историю живописи всех времен и народов» и «Историю русской живописи в XIX веке». Сложно определить, какая часть натуры Бенуа доминировала – искусствовед или художник. Ведь его произведения переносят зрителя в совсем иные времена: век «короля-солнце», Петербург Екатерины II и Павла I. Манящий мир версальского прошлого, драгоценные видения эстета Бенуа – это художественное мифотворчество, свойственное искусству рубежа веков. Бенуа-иллюстратор прославился оформлением «Пиковой дамы» и «Медного всадника» Пушкина, «Азбукой в картинках». Бенуа – театральный художник известен в Европе и Америке как соратник Сергея Дягилева, волшебник «Русских сезонов» (он заведовал художественной частью). Кстати, именно Бенуа и убедил Дягилева создать труппу. Помимо дягилевских постановок, из которых наиболее известен «Петрушка» Стравинского, Бенуа оформил оперу Вагнера «Гибель богов» и балет «Павильон Армиды» для Мариинского театра. Также он создавал декорации для МХАТа, сотрудничая со Станиславским и Немировичем-Данченко. Театральная линия продолжилась в творчестве сына художника. В 1926 году Александр Бенуа эмигрировал во Францию, затем переехал в Италию, где в течение 30 лет руководил постановочной частью знаменитого «Ла Скала».

100 великих художников России

На торгах Christie’s в октябре 2009 года работа Александра Бенуа «Граф Орлов покидает Гатчину», выполненная в смешанной технике (акварель, гуашь, бумага), была продана за более чем 62 тысячи долларов

Билибин Иван Яковлевич

1876–1942 Для многих образы русских и пушкинских сказок – это образы, созданные Иваном Билибиным. Точно найденные пластические формулы, безошибочные орнаментальные решения позволили иллюстрациям этого мастера войти в когорту шедевров мировой книжной графики.

Наиболее значимые работы Ивана Билибина «Иван-царевич и Жар-птица», илл. к «Сказке об Иванецаревиче, Жар-птице и о Сером Волке», 1899 (на иллюстрации справа) «Баба-Яга», илл. к сказке «Василиса Прекрасная», 1900 «Красный всадник», илл. к сказке «Василиса Прекрасная», 1900 «Во все время разговора он стоял позадь забора...», илл. к «Сказке о царе Салтане» А. C. Пушкина, 1904 «Руслан и голова», илл. к поэме А. C. Пушкина «Руслан и Людмила», 1917, ГРМ

ашедший свою узкую специализацию, Иван Билибин был одарен разносторонне. Будущий выдающийся график родился в селе Тарховка под Петербургом, в семье военного врача, принадлежащей к старинному роду. О художественной карьере речи не шло. Билибин учился на юридическом факультете университета. Правда, параллельно посещал рисовальную школу при Обществе поощрения художеств. Некоторое время он учился в одном из передовых культурных центров Европы – в Мюнхене, в студии словенца Ашбе. Там же в разное время обучались Добужинский, Кандинский, Веревкина, Грабарь, Явленский, Петров-Водкин. Также в качестве вольнослушателя Билибин занимался в мастерской Репина в академии. Художник входил в объединение «Мир искусства» с 1900 года. В начале XX века Билибин активно участвовал в международных выставках в Европе. Также по заданию этнографического отдела Русского музея ездил по разным областям России, собирая материалы о деревянном зодчестве, народном искусстве. На основе этих экспедиций Билибин написал несколько статей, а фотографии передал Грабарю для его «Истории русского искусства». Помимо иллюстрации Билибин занимался оформлением театральных постановок. В его декорациях в разных театрах шли «Фуэнте Овехуна» Лопе де Веги, «Чистилище святого Патрика» Кальдерона, «Честь и месть» Сологуба, оперы «Садко», «Золотой петушок», «Снегурочка» Римского-Корсакова, «Руслан и Людмила» Глинки и другие. Находясь в эмиграции (через Крым он выехал в Каир, затем жил в Александрии и только потом в Париже), Билибин сотрудничал с труппой Анны Павловой. Во Франции Билибин создавал костюмы и декорации для русских оперных сезонов, работал для издательств. В 1936 году вернулся в Россию. Его жизнь прервалась во время первой зимы в блокадном Ленинграде.

100 великих художников России

«Только совершенно недавно, точно Америку, открыли старую художественную Русь, вандальски искалеченную, покрытую пылью и плесенью. Но и под пылью она была прекрасна, так прекрасна, что вполне понятен первый минутный порыв открывших ее: вернуть! вернуть!» – писал Иван Билибин о так любимой им допетровской Руси

Борисов-Мусатов Виктор Эльпидифорович 1870–1905 Мгновенно узнаваемые, похожие на старинные гобелены картины Виктора Борисова-Мусатова, демонстрирующие ускользающую красоту дворянских гнезд, созданы в необычной технике. Художник сочетал на холсте масло и темперу.

Наиболее значимые работы Виктора Борисова-Мусатова «Автопортрет с сестрой», 1898, ГРМ «У водоема», 1902, ГТГ (на иллюстрации справа) «Призраки», 1903, ГТГ «Изумрудное ожерелье», 1903–1904, ГТГ «Реквием», 1905, ГТГ

орбун из Саратова, сын железнодорожника, бывшего крепостного, Виктор Борисов-Мусатов не получил систематического художественного образования. Тем не менее обучался в лучших заведениях: Академии художеств в Петербурге, в мастерской Павла Чистякова, Московском училище живописи, ваяния и зодчества (сейчас – Российская академия живописи, ваяния и зодчества), посещал парижскую студию Фернана Кормона. В Московском училище Борисов-Мусатов встретил будущую супругу – художницу Елену Александрову. Она принадлежала к дворянскому роду, в числе ее предков философ и поэт XVIII века Григорий Сковорода. После Москвы Елена обучалась в Мюнхене в знаменитой школе Ашбе. Среди русских художников, занимавшихся там же, были Кандинский и Петров-Водкин, Веревкина и Явленский, Билибин и Грабарь, Добужинский и многие другие. Именно Елена часто давала названия картинам мужа. В Париже Борисова-Мусатова избрали в члены Салона Национального общества изящных искусств. Возникшее как оппозиция официальному салону, это сообщество было организовано Пюви де Шаванном, мастером символизма, оказавшим глубокое воздействие на русских художников. Творчество Борисова-Мусатова перекликается с искусством французских символистов второго поколения (Пьер Боннар, Морис Дени, Эдуар Вюйяр). В обоих случаях видимый образ является отсылкой к другому миру. Это понимание образной системы не было заимствовано Борисовым-Мусатовым, а родилось самостоятельно, так как эстетическое восприятие художника воспитывалось на тех же образцах французской живописи. По возвращении в Россию Борисов-Мусатов жил в Саратове, затем в Подольске. Ему были близки литераторы-символисты, печатавшиеся в журнале «Весы». Творчество Борисова-Мусатова сильно повлияло на художников объединения «Голубая роза», двое представителей которого, Павел Кузнецов и Петр Уткин, также родились в Саратове. В 1905-м, на последнем году жизни, у мастера родилась дочь. Родители назвали ее Марианной, в честь друга семьи – художницы Веревкиной. Впоследствии Марианна Борисова-Мусатова тоже стала живописцем, занималась книжной графикой. Ее супругом был искусствовед, первый выборный директор Эрмитажа Сергей Тройницкий.

100 великих художников России

Хотя произведения мастера ценили не только российские коллеги, Виктор Борисов-Мусатов почти не имел заказов, даже Третьяковская галерея при жизни художника приобрела его картину лишь по настоянию Валентина Серова

Боровиковский Владимир Лукич

1757–1825 Природа наделяет художественным даром мастеров не одинаково: одни абсолютно свободны и с жанровой точки зрения, и с технической, другие могут работать только в пределах пейзажа или портрета. Владимир Боровиковский удивляет свободой формата: от ювелирно выписанных миниатюр до масштабных портретов в полный рост.

Наиболее значимые работы Владимира Боровиковского «Портрет М. И. Лопухиной», 1797, ГТГ (на иллюстрации справа) «Портрет А. Б. Куракина», 1801–1802, ГТГ «Портрет сестер Гагариных», 1802, ГТГ «Портрет Екатерины II на прогулке в Царскосельском парке»,1794, ГТГ «Портрет ЛобановаРостовского и его жены Александры Григорьевны, ур. Кушелевой», 1814, ГРМ

азвитие русского искусства в XVIII веке завершают два виртуозных мастера портрета – Владимир Боровиковский и Дмитрий Левицкий. Их творчество резюмирует путь от иконы к светскому портрету, проделанный в России с феноменальной скоростью – всего за несколько десятилетий (в искусстве Западной Европы он занял несколько столетий). Подобно отцу и двум братьям, Боровиковский начинал как иконописец. Однажды кто-то заметил картины, написанные для одного из путевых дворцов Екатерины II, и уже через год художник попал в столицу и был принят в доме известного архитектора Николая Львова (кстати, предка Василия Поленова). Некоторое время Боровиковский обучался у придворного портретиста Иоганна Баптиста Лампи, возможно, также его консультировал Дмитрий Левицкий. В 38 лет Боровиковский уже стал академиком живописи. Он создал все градации портрета: интимные, камерные, изящные вещицы и парадные, симфонические, официальные. В многочисленных изображениях барышень присутствуют атрибуты, призванные подчеркнуть сентиментальный характер произведений. Музыкальные инструменты и ноты указывают на чувствительность и артистичность натур сестер Гагариных, румянец кожицы яблока соотносится с румянцем аппетитной кокетки Арсеньевой, слегка растрепанные локоны Лопухиной (которые заботливый парикмахер укладывал три часа) намекают на романтическую сущность, а роза является стандартным литературным сравнением мадемуазель с распустившимся бутоном. Хрестоматийно сравнение портретов Екатерины II кисти Левицкого и Боровиковского. У первого согласно нормам классицизма императрица представлена сообразно своему государственному статусу. Она похожа на памятник собственным деяниям, что подчеркивает орденская лента. У Боровиковского Екатерина – премилая бабулечка, прогуливающая ненаглядную левретку Земиру.

100 великих художников России

При создании «Капитанской дочки», описывая сцену встречи Маши с Екатериной II, Александр Пушкин держал в памяти именно портрет самодержицы работы Владимира Боровиковского

Брюллов Карл Павлович

1799–1852 О признании таланта Карла Брюллова в Европе красноречиво свидетельствует перечень регалий художника, получившего титулы почетного члена академий художеств в Милане, Парме, Риме, Флоренции и Болонье. А самое его известное полотно «Последний день Помпеи» было удостоено Гран-при в Париже в 1834 году.

Наиболее значимые работы Карла Брюллова «Итальянское утро», 1823, Кунстхалле (Киль, Германия) (на иллюстрации справа) «Вирсавия», 1832, ГТГ «Всадница», 1832, ГТГ «Последний день Помпеи», 1833, ГРМ «Портрет графини Самойловой, удаляющейся с бала с приемной дочерью Амацилией Пачини», 1839–1840, ГРМ

XIX веке все дороги, по крайней мере для художников, действительно сходились в Италии. Сложился своеобразный жанр – «итальянизирующий», ярким представителем которого в России считался Карл Брюллов. Цветущие темноволосые красавицы в роскошных интерьерах или на залитых солнцем террасах, степенные мужчины, не нуждающиеся в самоутверждении, холеные животные – идеальный мир идеальных людей. Эта прекрасная греза и воплощена в картинах Брюллова. И даже режиссируя катастрофу в «Последнем дне Помпеи», художник показывает идеальное поведение физически прекрасных людей: юноши уносят старика, отец семейства и в последнюю минуту пытается защитить красавицу жену и детей. Отец Брюллова Павел Иванович был академиком орнаментальной скульптуры, старший брат Александр – известным архитектором. Именно он оформил многие известные интерьеры Зимнего дворца после пожара 1837 года. С 1809-го Карл Брюллов обучался в Академии художеств, которую окончил с большой золотой медалью. Последовала пенсионерская поездка в Италию, куда он отправился вместе с братом. В процессе пребывания за границей художники отчитывались, отсылая в академию работы, одна из которых должна была стать большой исторической картиной. В 1827 году Брюллов посетил Помпеи. Над своим знаменитым полотном он работал три года, что совсем немного, если учесть его грандиозные размеры: 456 на 651 сантиметр. Для сравнения: Александр Иванов трудился над «Явлением Христа народу» 20 лет. В 1835 году Брюллов вернулся в Россию триумфатором. Удостоился аудиенции императора Николая I. Вскоре художник получил должность профессора и приступил к преподаванию, что делал с удовольствием. Замыслы новых исторических картин остались в эскизах. Брюллов в основном исполнял великолепные портреты. Росписи Исаакиевского собора художнику не удалось завершить. В 1849-м он уехал на лечение в Европу. Мастер скончался неподалеку от Рима, похоронен на кладбище Монте-Тестаччо.

100 великих художников России

Старший брат художника Александр, предложивший Карлу Брюллову идею для масштабной картины, участвовал в раскопках Помпеи и Геркуланума и даже разработал проект реконструкции помпейских терм

Васильев Федор А лександрович 1850–1873 Проживший всего 23 года, в истории русской живописи Федор Васильев занимает такое же место, что Джон Констебл в английской или художники-барбизонцы во французской. Как и они, Васильев разрабатывал реалистический пейзаж, уделяя особое внимание передаче атмосферы и созданию эффектов освещения.

Наиболее значимые работы Федора Васильева «Мокрый луг», 1872, ГТГ (на иллюстрации справа) «Крестьянин с хворостом на горной дороге», 1871–1873, ГРМ «Вечер в Крыму», 1871–1873, ГТГ «Утро», 1871–1873, ГРМ «Рассвет», 1871–1873, Вятский художественный музей

едор Васильев родился в Гатчине. Его отец, воспитанный в сиротском приюте, был мелким служащим в почтовом ведомстве. В семье росло четверо детей, причем Федор и его сестра Евгения родились до того, как родители официально поженились. Профессиональное становление Васильева началось с обучения в Рисовальной школе при Обществе поощрения художеств в Петербурге. Параллельно будущий художник, семья которого имела очень скромный доход, пошел работать помощником реставратора живописи при Академии художеств. После смерти отца в 1865 году Федор также служил на почте и брался за любую подработку, так как фактически оказался единственным кормильцем в семье. В конце 1866 года Васильев познакомился с Иваном Крамским и Иваном Шишкиным. Лето и часть осени следующего года он провел вместе с Шишкиным, уже имевшим титул академика, на этюдах на Валааме. Вскоре тот женился на сестре Васильева. Вернувшись в Петербург, 17-летний Федор Васильев впервые продемонстрировал свои работы на выставке Общества поощрения художеств. Символом признания таланта юного мастера стала покупка одного из его этюдов графом Строгановым. А в 1869 году граф предложил Васильеву с близкими провести лето в его имении. Через Крамского художник познакомился с Ильей Репиным, вместе с которым в 1870-м отправился в путешествие по Волге. Репин поражался артистизму младшего коллеги, не обучавшегося в академии: «Как он чувствует пластику каждого листка, стебля!.. Какая богатейшая память у Васильева на все эти, даже мельчайшие, детали!» Художник успел почувствовать радость признания, его картины покупали, в том числе Третьяков. Васильев получал премии на выставках Общества поощрения художеств, у него были друзья-единомышленники. Когда художнику исполнился 21 год, и он обязан был пойти служить в армию, и даже был арестован, его друзья срочно нашли 1000 рублей залога. После этого Васильев поступил вольнослушателем в Академию художеств, что уладило вопрос с военной службой. Но простудившись, он заболел туберкулезом. Художника не спасли ни перемена климата, ни поездка по Крыму, он скончался в Ялте, где и похоронен.

100 великих художников России

«Он, этот мещанин по происхождению, держал себя всегда и всюду так, что не знающие его полагали, что он, по крайней мере, граф по крови» – из воспоминаний Ивана Крамского о Федоре Васильеве

Васнецов Виктор Михайлович

1848–1926 Имя Виктора Васнецова ассоциируется прежде всего с его картинами на сюжеты сказок. При этом художник расписывал Владимирский собор в Киеве, был автором фасада здания Третьяковской галереи, по его проекту построена церковь в Абрамцеве.

Наиболее значимые работы Виктора Васнецова «Иван-царевич на Сером Волке», 1889, ГТГ (на иллюстрации справа) «Чаепитие в трактире», 1874, Харьковский государственный музей украинского искусства «Три царевны подземного царства», 1879, ГТГ «Портрет Е. Праховой», 1894, ГТГ «Единородный сын Слово Божие», 1885, ГТГ

иктор Васнецов родился в селе Лопьял Вятской губернии, в семье сельского священника. Сначала учился в духовной семинарии, затем переехал в Петербург и был принят в рисовальную школу при Обществе поощрения художеств. В 1868 году он поступил в академию. Именно в столице сложился круг друзей: Иван Крамской, Василий Поленов, Илья Репин, Константин Савицкий. В конце 1860-х – начале 1870-х Васнецов выполнил иллюстрации к журналам «Всемирная история», «Семья и школа», к книгам «Детские рассказы и стихотворения», «Новая книга для маленьких детей», «Народная азбука», «Русская азбука для детей», «Тарас Бульба» и другим. В 1870-м, отколовшись от академии, группа художников образовала Товарищество передвижных художественных выставок. Творческая концепция объединения заключалась в стремлении изображать актуальные, социально значимые сюжеты. С 1874 года Васнецов принимал участие в выставках передвижников. Ранние васнецовские полотна исполнены в духе передвижнической эстетики: в фокусе художника прежде всего социальные проблемы, тяготы жизни «маленьких людей». Только в следующем десятилетии Васнецов смог найти по-настоящему свою тему: сказки и былины. Его кисть рождает образы богатырей, витязей, героев русских сказок. В этом же тематическом контексте Васнецов работает, выполняя эскизы декораций и костюмов к операм «Снегурочка» Римского-Корсакова, «Русалка» Даргомыжского для Театра Саввы Мамонтова. Время накануне рождения модерна в истории живописи получило название «историзм». В разных странах мастера (например, прерафаэлиты в Англии) стали интересоваться национальным прошлым, фольклором, возрождать старинные техники ремесел. В России этот процесс представлен деятельностью кружка княгини Тенишевой в Талашкине и абрамцевского кружка Мамонтова, куда входил Васнецов.

100 великих художников России

Федор Шаляпин оставил описание дома Виктора Васнецова, который художник построил сам: «Замечателен был дом. Нечто среднее между современной крестьянской избой и древним княжеским теремом, срубленный из дерева. Внутри не было ни мягких кресел, ни кушеток, ни бержеров» 35

Венецианов А лексей Гаврилович

1780–1847 Деревенский мир Венецианова – это идиллия застывшего времени, вернее его цикличное развитие, где череда времен года соответствует сельскохозяйственным работам и стадиям жизни человека. Такая изобразительная традиция восходит еще к средневековым часословам.

Наиболее значимые работы Алексея Венецианова «Захарка», 1825, ГТГ «На пашне. Весна», первая половина 1820-х, ГТГ «На жатве. Лето», середина 1820-х, ГТГ «Спящий пастушок», 1823, ГРМ (на иллюстрации справа) «Девушка с васильками», 1820-е, ГТГ

тец будущего художника был московским купцом, чьи предки происходили из Греции и носили фамилию Венециано. Его торговый дом специализировался на «смородине, тюльпанах и прочих товарах». Сына Гавриил Юрьевич направил обучаться в пансион. Как такового художественного образования Венецианов не имел. Пытаясь начать профессиональную карьеру, он приехал в Петербург и поместил в газете объявление о том, что художник «списывает предметы с натуры пастеллем в три часа». Однако таким образом заказчиков Венецианов не привлек и вынужден был вернуться в Москву (родной дом художника сгорел во время пожара в 1812 году). Но через пять лет, в 1807-м, он снова оказался в столице, поступив на службу в канцелярию директора почт. В это время Алексей Гаврилович начал регулярно бывать в Эрмитаже и познакомился с Владимиром Боровиковским, в доме которого даже жил.

В 1811-м Венецианов получил титул академика живописи, после чего бросил службу и, отправившись в свое поместье, решил полностью предаться любимому делу. С 1819 года он проживал в Тверской губернии, где писал то, что видел: будни крес тьян à la natura. Помимо крестьянского жанра, художник обращался к портрету, мифологическому жанру. В 1830 году император Николай I пожаловал ему звание придворного живописца, что приносило 3000 рублей ежегодно. С конца 1810-х годов Венецианов занимался с учениками. Вокруг него сформировалась группа талантливых молодых людей (Капитон Зеленцов, Федор Славянский, Сергей Зарянко). Юноши были простого происхождения, и мастер обучал их на свои средства, что заставило его влезть в долги и заложить имение. После смерти Венецианова, погибшего из-за того, что лошади понесли, его собственные дочери оказались в очень затруднительном положении. Всего к числу учеников Венецианова относится 70 человек. Но больше других Алексей Гаврилович ценил крепостного живописца Григория Сороку, для которого добивался вольной.

100 великих художников России

Во время службы в Петербурге Алексей Венецианов начал издавать журнал карикатур, вскоре запрещенный по личному распоряжению императора Александра I, которому через некоторое время художник подарил вызвавшую зрительский восторг картину «Гумно»

Верещагин Василий Васильевич

1842–1904 Художника-пацифиста, открывшего новые возможности батального жанра в живописи, обвиняли в антипатриотизме и даже грозили арестом. Вместо парадных изображений битв Василий Верещагин создавал гуманистические работы в традициях философии ужасов войны Калло и Гойи.

Наиболее значимые работы Василия Верещагина «Апофеоз войны», 1871, ГТГ (на иллюстрации справа) «Двери Тимура», 1872, ГТГ «Мавзолей Тадж-Махал в Агре», 1874–1876, ГТГ «Китаец», 1873, ГТГ «Гора Казбек», 1897, ГРМ

иография Василия Верещагина очень необычна, так как война и искусство соединились в его жизни. Он много воевал, при этом художника преследовали армейские власти, считавшие его полотна вредными и опасными. Василий Василь евич умер на войне: он нес службу на броненосце «Петропавловск», взорванном во время русско-японских военных действий. Личность живописца удивительна: он отказался от звания профессора Императорской академии художеств, потому что считал чины в искусстве вредными, был награжден орденом Святого Георгия 4-й степени, участвовал в легендарных боях на Шипке, путешествовал не только по России и Европе, но и был в США и Японии. Художник дважды сжигал свои произведения: сначала студенческую картину, положенную на мифологический сюжет, одобренную советом академии, затем – по требованию командования армией – картины, в которых показывал настоящее положение вещей. Как и многие мастера дворянского происхождения, Верещагин должен был получить сначала адекватное статусное образование. Александровский кадетский, затем Морской корпус и только потом Академия художеств. Однако академическая система не соответствовала его устремлениям. Некоторое время в 1864 году Верещагин учился в Париже у Жан-Леона Жерома, любившего восточный колорит и тщательную проработку деталей. Восточная тема будет одной из основных в его работах. Путешествие по Кавказу, добровольная служба в Туркестане, участие в русско-турецкой войне, проживание в Индии, Сирии позволяли исполнять этнографически точные полотна, поражающие пристальным вниманием к костюмам, антуражу. Александр Бенуа писал о Верещагине: «Он не был никогда художником, но вся его неутомимая, бескорыстная, беззаветно преданная науке и “видимой правде” личность не лишена известной грандиозности и принадлежит к самому значительному и достойному, что в этом роде дала Россия». У художника было четверо детей: три дочери и сын. Старшая девочка умерла от туберкулеза. В доме Верещагиных также содержалась воспитанница, дочка умершей домработницы.

100 великих художников России

Однажды дочери художника прибежали к нему с просьбой нарисовать лицо кукле, сделанной няней. Василий Верещагин исполнил просьбу, но положил еще и тень, чем озадачил девочек, вынудив их обратиться к матери с объяснениями, что «папа не умеет рисовать»

Вишняков Иван Яковлевич

1699–1761 Биография Ивана Вишнякова демонстрирует пример блестящей карьеры XVIII века: сын шатерных дел мастера в возрасте 46 лет становится дворянином, будучи возведенным в ранг коллежского асессора, то есть обращаться к художнику следовало «Ваше высокоблагородие».

Наиболее значимые работы Ивана Вишнякова «Портрет Сарры Элеоноры Фермор», 1750, ГРМ (на иллюстрации справа) «Портрет Вильгельма Георга Фермора», 1750-е, ГРМ «Портрет императрицы Елизаветы Петровны», 1743, ГТГ «Портрет К. И. Тишининой», 1755, Рыбинский музейзаповедник «Портрет Ф. Н. Голицына в возрасте 9 лет», ~1760, ГТГ

астер парадного портрета, Вишняков занимался также монументально-декоративными работами и создавал иконы (Андреевский собор в Киеве). Его учителем был самый известный представитель россики (так называли иностранных мастеров, работавших при русском дворе) француз Луи Каравак. С его именем связано распространение стиля рококо (рокайль) в русском искусстве. Зародившийся в начале XVIII века как антитеза пафосному искусству Людовика XIV, этот стиль достиг кульминации к середине столетия. Рококо показывает зрителю лишь то, что приятно для глаза и может удовлетворить потребность в любовании изыс канным колоритом. В творчестве Вишнякова рококо возникает, конечно, не в чистом виде. Фоны его картин темны, модели принужденно застыли. Однако игривость взглядов, кокетливость легчайших полуулыбок и особенно дамские платья с их мерцающими жемчужными переливами сложных пастельных оттенков – это рокайльные черты. Так как в XVIII веке очень большое значение придавалось статусу персоны в обществе, показателем которого является костюм, Вишняков весьма тщательно разрабатывает наряды своих моделей. Наиболее известные полотна Вишнякова представляют детей Виллима Фермора, начальника Канцелярии от строений. В «живописной команде» канцелярии и работал художник. Сначала его начальником был один из первых русских пенсионеров (то есть художников, стажировавшихся в Европе) Андрей Матвеев. После его смерти должность перешла к Вишнякову, что означало руководство всеми живописными работами по оформлению резиденций в Петербурге, пригородах и Москве. Помимо чисто административной деятельности Иван Вишняков погружался непосредственно в сами работы. При этом еще успевал писать портреты, работать над заказами императрицы и заботиться о большой семье.

100 великих художников России

Иван Вишняков был женат дважды. Первая супруга подарила ему трех сыновей, вторая – также трех сыновей и дочь. Два отпрыска Ивана Яковлевича стали живописцами, причем один из них возглавил «живописную команду»

Врубель Михаил А лександрович 1856–1910 Если самым ярким воплощением эпохи Возрождения стал Леонардо да Винчи, барокко – Питер Рубенс, рококо – Франсуа Буше, то в отношении времени символизма и модерна ключевым для Европы будет имя Густава Климта, а для русской школы – Михаила Врубеля.

Наиболее значимые работы Михаила Врубеля «Демон сидящий», 1890, ГТГ (на иллюстрации справа) «Сирень», 1900, ГТГ «Царевна-Лебедь», 1900, ГТГ «Принцесса Греза», 1896, ГТГ «Роза», 1904, ГТГ

скусство мастеров модерна основано во многом на традициях романтизма. От романтиков они унаследовали драматическое мироощущение лирического героя, для которого камертоном служит чувство одиночества. Один из самых узнаваемых образов рубежа XIX–XX веков – врубелевский «Демон сидящий», перекликающийся с его иллюстрациями к поэме «Демон» Михаила Лермонтова. Как и у Лермонтова, демон Врубеля вовсе не имеет отношения к силам зла. Он странник, одинокий прекрасный дух, утративший свободу вместе с обретением тела. Художник показал его на стыке миров. Поэтому реальные объекты, растения превратились в россыпь мозаики кристаллов. Концепция двоемирия, взаимопроникновения миров пришла в модерн из романтизма. С ней же связана и любовь к состояниям трансформации, присутствия и «там», и «здесь», что возможно при погружении в сновидение или грезы. Поэтому зритель не сможет сказать однозначно, действительно ли в картине «Сирень» присутствует девушка на фоне куста, или же она привиделась и это лишь игра света и тени. Как и другие мастера эпохи, Врубель работал в разных техниках и с разными материалами. Его наследие поражает разномасштабностью: от миниатюрных графических шедевров до крупноформатных панно. Кстати, любовь к панно вообще характерна для модерна. Еще один вектор творчества художника – керамика. В Абрамцеве с 1891-го Врубель руководил керамическими мастерскими. А на Всемирной выставке в Париже 1900 года его керамика была удостоена золотой медали. К слову, на рубеже веков декоративно-прикладное искусство переживало новый расцвет. Биография Михаила Врубеля разнообразна географически. Художник родился в Омске, десть лет, с 1874 по 1884 год, учился в столице (у Павла Чистякова и Ильи Репина), путешествовал по Европе. Затем до 1889 года в его жизни был период работы в Киеве (росписи Кирилловской церкви и Владимирского собора). Следующий этап – 1890-е годы – связан с Москвой, с Саввой Мамонтовым. Отметим, что своего сына, рожденного в 1901-м нежно любимой супругой, известной певицей Надеждой Забелой-Врубель, мастер назвал Саввой в честь мецената. Через год, в 1902-м, случилась катастрофа – художника поразило душевное расстройство. Спустя четыре года к нему добавилась еще и полная слепота. Мастер скончался в Москве, где и похоронен на Новодевичьем кладбище.

100 великих художников России

Как Сезанн, Поленов и позже Кандинский, Михаил Врубель должен был стать юристом. Правда, отец художника, военный юрист, сам водил ребенка на занятия рисунком и живописью в Петербурге, Одессе, Саратове

Ге Николай Николаевич

1831–1894 Поиск себя в совершенно разных областях в биографии Николая Ге поражает: физико-математический факультет, Академия художеств, разочарование в живописи, погружение в сельское хозяйство и печных дел мастерство – и вновь возвращение к художественному творчеству.

Наиболее значимые работы Николая Ге «Что есть Истина? Христос и Пилат», 1890, ГТГ «Голгофа», 1893, ГТГ (на иллюстрации справа) «Мост в Вико», 1858, ГТГ «Закат на море в Ливорно», 1862, ГТГ «Портрет неизвестной в голубой блузе», 1868, ГТГ

радед художника, французский дворянин, бежал в Россию во время Великой революции 1789 года. Отец, офицер в отставке, участвовал во взятии Парижа в 1814-м. Мать, Елена Садовская, дочь ссыльного поляка, умерла через три месяца после родов. У Николая Ге было два старших брата. Николай учился в Киевской гимназии, потом в университете, из которого перевелся в Петербург. Картина Карла Брюллова «Последний день Помпеи» произвела сильное впечатление на юношу, и он решил стать художником. Окончив академию с большой золотой медалью, Ге отправился на стажировку в Европу. В 1856 году он женился на Анне Забелло, сестре друга, скульптора Пармена Забелло. Во время пребывания в Италии Николай Ге познакомился с Александром Ивановым и увидел его «Явление Христа народу». Эта картина стала для него вторым художественным потрясением. Он тоже взялся за разработку евангельской темы. Так появилась знаменитая «Тайная вечеря», которая, с одной стороны, имела в Петербурге большой успех, а с другой – была запрещена цензурой. Спустя 12 лет после отъезда, в 1869 году, Ге вернулся в Россию. И стал одним из организаторов Товарищества передвижных выставок. В 1871-м художник создал одну из наиболее известных своих работ – «Петр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе». Ге работал и над другими историческими картинами и портретами. В конце 1870-х художник переживал кризис, в результате уехал из Петербурга, стал жить на хуторе в Черниговской губернии. «К женщинам Ге относился с душевной нежностью; всех красивых итальянок звал Беатрисами; женщины всегда интересовались им и охотно его слушали; в этих отношениях, часто очень нежных, пол и возраст не играли роли. В своей жене он, несмотря на то что она была далеко не из красивых, видел все совершенства», – вспоминал о художнике Иван Мясоедов. В конце 1880-х Ге вернулся к живописи и создал наиболее сложные и экспрессивные работы. В неоконченной картине «Голгофа» художник предсказывает тот путь, по которому пойдет живопись в начале XX столетия.

100 великих художников России

В XIX веке российские императоры не только коллекционировали произведения искусства, но и активно интересовались художественным процессом. Одну картину Николая Ге купил Александр II, другую запретил к показу Александр III

Головин А лександр Яковлевич

1863–1930 Намного больше, чем своими работами в жанре натюрморта и портрета, Александр Головин известен декорациями и костюмами, созданными для различных театров: Мариинского, Большого, Александринского, труппы Сергея Дягилева.

Наиболее значимые работы Александра Головина «Портрет дамы», Картинная галерея Смоленского областного краеведческого музея (на иллюстрации справа) «Портрет Ф. Шаляпина в роли Олоферна», 1908, ГТГ «Фарфор и цветы», 1915, ГТГ «Гробница Эвридики в уединенной роще из лавров и кипарисов», эскиз к опере К. Глюка «Орфей и Эвридика», 1910-е, ГТГ «Кладбище», эскиз декорации к комедии Ж.-Б. Мольера «Дон Жуан», 1910, ГРМ

удущий мастер родился в Москве, недалеко от Плющихи, в семье священника. Он учился в известном лицее Каткова, затем в прославленной Поливановской гимназии на Пречистенке, одной из лучших в городе. Александр Головин вспоминал, что сам Поливанов был шекспироманом, поэтому в гимназии постоянно ставили спектакли на сюжеты драм великого англичанина. Здесь мальчик и почувствовал глубокую любовь к театру: «У меня поджилки тряслись от восторга, когда взвивался занавес». В 1881 году Головин поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Сначала обучался на архитектурном отделении, но вскоре перевелся на живописное. Здесь сформировался круг общения – Исаак Левитан, Михаил Нестеров, Константин Коровин, а преподавал в училище Василий Поленов, чья живопись стала откровением в тот период. Картины Поленова поражали молодых художников красочностью, светом и воздухом. Как и его друзья, Головин попал под опеку уважаемого мастера, называвшего их «художественными детьми». Благодаря Поленову Головин, Коровин, Серов, Левитан вошли в дом выдающегося мецената Саввы Мамонтова, познакомились с его частной оперой, где блистал Федор Шаляпин. Младшая сестра Василия Поленова, Елена, пристрастила Головина к рисовальным и акварельным вечерам, обучила резьбе по дереву и работе с керамикой. Значительно позже, на знаменитой Всемирной выставке в Париже 1900 года, Головин получит золотую медаль в отделе декоративно-прикладного искусства и серебряную за майолику. В 1889 году Александр Яковлевич поехал в Париж, где занимался в частной художественной школе Коларосси, затем в студии Витти. В этом же году проходила Всемирная выставка в Париже, которую помимо Головина, приехавшего с Поленовым, посетили Репин, Суриков, Коровин, Левитан, Серов. Художник участвовал в выставках передвижников, «Союза русских художников», «Мира искусства». С театрами Головин сотрудничал с 1900 года.

100 великих художников России

«Декорации Адександра Головина прямо бесподобны, и его вызывали на аплодисменты публики. Когда поднялся занавес на “Вече”, то публика стала аплодировать», – писал директор Императорских театров Владимир Теляковский о премьере оперы «Псковитянка»

Гончарова Наталья Сергеевна

1881–1962 Амазонка русского авангарда Наталья Гончарова не случайно является тезкой супруги Пушкина. Ведь она приходилась ей двоюродной правнучкой.

Наиболее значимые работы Натальи Гончаровой «Павлин под ярким солнцем (стиль египетский)», 1911, ГТГ (на иллюстрации справа) «Московская зима», 1900-е, Ульяновский областной художественный музей «Испанки», 1916, ГТГ «Ангелы и аэропланы», 1914, частная коллекция «Зима, сбор хвороста», 1911, ГТГ

удожница родилась в имении бабушки, в деревне Лодыжино Тульской губернии, неподалеку от Ясной Поляны и Бежина луга. О первой стадии своего образования Наталья Гончарова вспоминала так: «В гимназию поступила прямо из деревни. От всех доставалось, за все доставалось. Особенно от словесника за орфографию. Тульскую. Говорила по-тульски “х” вместо “ф” и “а” писала, как говорила». В 1901 году Гончарова поступила в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Здесь она встретила Михаила Ларионова, ставшего ее супругом и в жизни, и в искусстве (правда, официальное оформление брака произошло только в 1950-м, когда Гончаровой уже исполнилось 69 лет). В 1904 году она получила малую серебряную медаль, но бросила училище, чтобы отправиться в путешествие. Наталья творила без устали, участвовала в выставках Московского товарищества художников и «Мира искусства». Потом последовали авангардные выставки объединений «Бубновый валет», «Ослиный хвост», «Мишень». Как и для большинства авангардистов, для Гончаровой отправной точкой творческой эволюции стал импрессионизм. Постижение принципов символизма, фовизма, экспрессионизма, кубизма, футуризма, обращение к народному искусству привели к рождению собственного стиля, частично определяемого понятием «неопримитивизм». Легко узнаваемые коренастые, крепко сбитые крестьяне Гончаровой выглядят очень осязаемо, даже монументально. Возможно, так проявилось ее скульптурное начало. Да и в московском училище Наталья Сергеевна училась на скульптурном отделении у Павла Трубецкого, посещая при этом для себя и класс Константина Коровина. В 1906 году по приглашению Сергея Дягилева Гончарова участвовала в русской экспозиции Осеннего салона в Париже. Затем имя художницы оказалось прочно связанным с «Русскими сезонами» Дягилева, буквально потрясшими Европу. Сочетание декоративности и монументальности, такое притягательное для художника, как раз позволяют воплотить театральные декорации. В оформлении Гончаровой родились спектакли «Золотой петушок», «Садко» на музыку Римского-Корсакова, «Русские сказки» на музыку Лядова, «Свадебка», «Жар-птица», «Литургия» на музыку Стравинского, «Испанская рапсодия» на музыку Равеля. Помимо живописи и сотрудничества с театрами, Гончарова занималась книжной иллюстрацией (к сочинениям Хлебникова, Крученых). В 1914-м Гончарова и Ларионов покинули Россию. С 1919 года они жили в Париже, на улице Жака Калло. По свидетельству друга семьи, Юрия Анненкова, Гончарова «даже в сорокалетнем возрасте оставалась еще молодой и очень стройной красавицей».

100 великих художников России

Среди русских авангардистов Наталья Гончарова – один из самых экспонируемых и дорогих художников. В 2010 году на торгах Christie’s ее картина «Испанки» была продана за 6,43 миллиона фунтов стерлингов

Грабарь Игорь Эммануилович

1871–1960 Самый последовательный из русских художников, увлекавшихся импрессионизмом, Игорь Грабарь известен и как искусствовед, написавший фундаментальную «Историю русского искусства», по которой до сих пор учат в школах, училищах, вузах.

Наиболее значимые работы Игоря Грабаря «Белая зима. Грачиные гнезда», 1904, ГТГ «Хризантемы», 1905, ГТГ (на иллюстрации справа) «Мартовский снег», 1904, ГТГ «Иней. Восход солнца», 1941, Иркутский областной художественный музей «В саду. Грядка дельфиниумов», 1947, Курская государственная картинная галерея им. А. А. Дейнеки

удожник родился в Будапеште. Когда семья переехала в Россию, то сначала обосновалась в Москве. В 1889 году Игорь Грабарь отправился в Петербург, где поступил в университет и учился одновременно на юридическом и историко-филологическом факультетах. Но затем оказался в Высшем художественном училище при Академии художеств. В этот петербургский период Грабарю удалось пройти обучение и в мастерской Ильи Репина. В процессе учебы он зарабатывал иллюстрированием журналов и написанием юмористических рассказов. Как и многие современники, Игорь Грабарь не стал довольствоваться одной школой и поехал в 1895 году в Европу, где в Мюнхене поступил в частную студию Антона Ашбе. Здесь в разное время занимались Иван Билибин, Кузьма Петров-Водкин, Алексей Явленский, Василий Кандинский, Мстислав Добужинский, Марианна Веревкина. Спустя некоторое время Грабарь станет одним из преподавателей студии. В Париже Игорь Эммануилович продолжил совершенствоваться в школе Коларосси и в Академии Жюльена. Германия, Италия, Франция… Знакомство с творчеством старых мастеров и с современными направлениями в живописи захватило художника. Грабарь возвратился в Россию только в 1900-м. Обретенные впечатления и знания выразились в творческом расцвете. Именно в 1900-е Грабарь создаст свои наиболее известные картины, а также примет участие в выставках объединений «Мир искусства» и «Союз русских художников». В 1913-м он стал членом Академии художеств и в этом же году получил назначение на должность директора Третьяковской галереи. В течение семи лет (с 1909-го) Грабарь работал над созданием «Истории русского искусства». Еще одна сфера деятельности на редкость разностороннего мастера – реставрация. В 1919-м им были организованы Государственные реставрационные мастерские, успешно развивающиеся и сегодня. Им присвоено имя Грабаря.

100 великих художников России

«И за столом, во время импровизированного совещания, он успевал всем налить кофе, предложить что-то еще, словом, быть гостеприимным хозяином. Организованность его была видна и здесь тоже. В 11 часов вечера Игорь Эммануилович говорил “покойной ночи”» – из воспоминаний Александра Лабаса

Григорьев Борис Дмитриевич

1886–1939 Один из множества русских эмигрантов, ярчайший мастер, существовавший сам по себе, Борис Григорьев смог вписаться в западную артистическую жизнь. При жизни его персональные выставки проходили в Париже и Праге, Рио-де-Жанейро и Нью-Йорке, Берлине и Сантьяго.

Наиболее значимые работы Бориса Григорьева «Улица блондинок», 1917, Музей-квартира И. Бродского, Санкт-Петербург (на иллюстрации справа) L’E´tranger («Автопортрет»), 1916, собрание семьи Р. Леви, Новый Орлеан «Портрет В. Мейерхольда», 1916, ГРМ «Старуха-молочница» из цикла «Расея», 1916, ГТГ «Девочка», 1916, ГТГ

Советском Союзе его имя, конечно, относилось к числу «неправильных» художников. Хотя в Большой советской энциклопедии и промелькнула статья о нем, творчество было охарактеризовано всевозможными негативными в советском контексте эпитетами. А персональная выставка Бориса Григорьева состоялась только на излете СССР – в 1989-м. В 2011-м в Третьяковке прошла экспозиция его живописи и графики, приуроченная к 125-летию со дня рождения. Происхождение Григорьева тоже было «неправильным» с точки зрения советской истории искусства. Мать – шведка, родившаяся на Аляске, где ее нянчила индианка. Ее отец, дед Григорьева, был настоящим капитаном-мореплавателем. Отец художника управлял отделением банка в Рыбинске. Здесь будущий живописец и окончил гимназию. Затем три года обучался в Москве, в Практической академии коммерческих наук, как того пожелал отец, у которого, помимо Бориса, было еще пятеро детей. Но в итоге Григорьеву удалось отстоять право на творчество, и он поступил в Строгановское училище. В то время там преподавали Коровин и Врубель. Там же Григорьев познакомился с будущей женой Елизаветой фон Браше. К его глубоким московским впечатлениям относятся спектакли МХТ, выставка «Голубой розы», знакомство с работами Ван Гога, Сезанна, Матисса из коллекции Щукина. Затем Григорьев уехал в Петербург и оказался в училище при Академии художеств, откуда был исключен в 1913 году и одновременно принят в «Мир искусства». Город на Неве открыл ему другую реальность: стихи Хлебникова, эксперименты Бурлюка (с обоими Григорьев сдружился), артистические кабаре «Бродячая собака» и «Привал комедиантов». Стиль Григорьева сочетает чрезвычайную выразительность, меткость характерис тик, экспрессию образов. Гротеск, общая театрализованность соединяются в графике и живописи мастера с гиперэстетизмом, сложными колористическими гармониями. В 1919 году Григорьев покинул Россию, отправившись в Берлин. С 1920-го мастер жил во Франции. Он получил приглашение на должность профессора чилийской Академии художеств. После пребывания в Латинской Америке в 1930-е художник вернулся во Францию.

100 великих художников России

Александр Бенуа оставил такой портрет Бориса Григорьева: «Противоречия этого странного характера многих шокировали. Кто-то боялся его, считал за какого-то опасного скандалиста. Получалась такая репутация вследствие крайней впечатлительности художника»

Дейнека А лександр А лександрович 1899–1969 Фантастически одаренный художник, смелый новатор, Александр Дейнека представляет ту часть советского художественного наследия, которая входит в мировую историю искусства, так как является уникальным и технически совершенным воплощением эпохи.

Наиболее значимые работы Александра Дейнеки «На стройке новых цехов», 1926, ГТГ «Мать», 1932, ГТГ «Оборона Севастополя», 1942, ГРМ «Берлин. Наводят мост», 1945, Курская картинная галерея им. А. А. Дейнеки «Оборона Петрограда», 1956, ГТГ (на иллюстрации справа)

лександра Дейнеку справедливо сравнивают с Владимиром Маяковским, с которым он был в приятельских отношениях. Оба мастера – значительные фигуры в искусстве, приняли новую власть, искренне поверили в идеи возможности строительства справедливого общества. Оба воспевали новую жизнь, создавали новые мифы и при этом обладали удивительной творческой свободой, что и позволило их творениям войти в вечность. Родившийся в Курске Дейнека был сыном железнодорожника. Началом образования стало обучение в железнодорожном училище и студии живописи. Затем последовало Харьковское художественное училище. После революции Дейнека активно участвовал в художественно-оформительской деятельности: агитпоезда, плакаты (для курских «Окон РОСТА»), спектакли – новая власть самоутверждалась примерно так же, как сегодня продвигается на рынке новый бренд. Затем начался московский период. Дейнека учился во ВХУТЕМАСе (Высших художественно-технических мастерских) у Владимира Фаворского. В 1925 году вошел в объединение ОСТ (Общество станковистов). Оно возникло как антитеза беспредметному искусству. Остовцы выступали за реалистическую станковую живопись, но в обновленной форме, а также за участие в строительстве социализма. Подобно тому как в отношении работ французского художника Эдгара Дега существует проблема, что первично: его композиции или фотография, – так и в отношении работ Дейнеки зритель задается вопросом об источнике и заимствовании: живопись или кинематограф? Сергей Эйзенштейн полагал, что визуальный ряд должен строиться как череда шоковых воздействий на зрителя, «монтаж аттракционов». На своих занятиях он любил анализировать «монтаж» и «раскадровку» знаменитых живописных работ, в числе которых и «Оборона Петрограда» Дейнеки. Композиции художника как раз и строятся на «монтаже» разных ракурсов, игре масштаба, кинематографичности действий, экспрессивности поз и жестов. Помимо живописи, Александр Дейнека занимался журнальной графикой, книжной иллюстрацией, созданием композиций для мозаик московского метро (станции «Маяковская», «Новокузнецкая»). В 1918 году он некоторое время работал фотографом в уголовном розыске, в 1919–1920 годах служил в Красной армии, потом сотрудничал с журналами «Безбожник у станка» и «Прожектор».

100 великих художников России

В 1937 году панно «Знатные люди Страны Советов» Александра Дейнеки было удостоено золотой медали на Всемирной выставке в Париже. А в 1939-м архитектурный проект станции «Маяковская», для которой художник делал мозаики, завоевал Гран-при на Нью-Йоркской международной выставке

Добужинский Мстислав Валерианович 1875–1957 График, поэт, театральный художник, блестящий иллюстратор… Как и все основные участники объединения «Мир искусства», Мстислав Добужинский поражает многогранностью натуры.

Наиболее значимые работы Мстислава Добужинского «Домик в Петербурге», 1905, ГТГ «Окно парикмахерской», 1906, ГТГ «Мужчина в очках» (Портрет поэта и художественного критика К. А. Сюннерберга), 1905–1906, ГТГ (на иллюстрации справа) «Городские типы» («Гримасы города»), 1908, ГТГ Обложка к сказке Чуковского «Бармалей» «Мойка», илл. к повести Ф. М. Достоевского «Белые ночи», 1922

стислав Добужинский происходил из дворянской литовской семьи, жившей в Новгороде. Отец будущего художника был артиллерийским офицером в отставке. Его сын не получил систематического художественного образования (впрочем, как и большинство «мирискусников»). После окончания гимназии в Вильно (сегодня – Вильнюс) Добужинский обучался на юридическом факультете университета в Петербурге. Попытка поступить в Академию художеств оказалась неудачной, и художнику пришлось заниматься в мюнхенских студиях, в том числе у Ашбе (там же учились Василий Кандинский, Марианна Веревкина, Иван Билибин, Кузьма Петров-Водкин). Помимо сотрудничества с журналами «Мир искусства», «Золотое руно», «Аполлон», создания иллюстраций к «Белым ночам» Достоевского, «Бедной Лизе» Карамзина, «Бармалею» Чуковского, «Трем толстякам» Олеши, Добужинский с удовольствием преподавал. Вместе со Львом Бакстом они обучали желающих в частной студии, организованной ученицей Ильи Репина Елизаветой Званцевой. Эта студия располагалась в доме на Таврической улице, под квартирой знаменитого поэта, знатока античности Вячеслава Иванова. По сути, образовался общий литературно-художественный кружок, куда, помимо Добужинского, входили Гиппиус, Мережковский, Блок, Белый, Сологуб, Розанов, Сомов, Комиссаржевская, Мейерхольд, Кузмин, Судейкин. После революции Добужинский переехал в Каунас, где регулярно работать мог только для театра. Всего в Литве он оформил около 40 постановок. В 1939 году вместе с режиссером Михаилом Чеховым (племянником писателя) Добужинский отправился в США для оформления постановки «Бесов» Достоевского. Изначально планировалось, что спектакль будет осуществлен в Англии, но началась Вторая мировая война. В Америке Добужинский сотрудничал с Нью-Йоркской городской оперой, Новой оперной компанией Нью-Йорка, театром «Метрополитен».

100 великих художников России

«Раз мы с Блоком и Вяч. Ивановым поехали вместе в одном купе в спальном вагоне III класса, было очень холодно, и Блок над моей головой улегся, как был. Мне это показалось глубоко символическим (особенно калоши!), точно этим выражалась забронированность поэта от “презренной действительности”. Я это ему заметил и насмешил», – вспоминал Мстислав Добужинский

Зверев Анатолий Тимофеевич 1931–1986 Художник, связавший русский авангард первой половины XX века с искусством второй половины столетия, живший почти в нищете, сегодня является одним из самых дорогих и часто фальсифицируемых.

Наиболее значимые работы Анатолия Зверева «Женский портрет», 1966 (на иллюстрации справа) «Портрет Г. Костаки», 1958, собрание Костаки, Афины «Портрет Наташи Костаки», 1957, частное собрание, Москва «Сидящая девушка», 1963, частное собрание, Стокгольм «Красные кони», 1963, частное собрание, Стокгольм «Шекспир», 1964, частное собрание, Стокгольм

Анатолия Зверева было происхождение самого обычного советского человека. Отец художника, инвалид Гражданской войны, служил счетоводом, мать работала в кафе посудомойкой. В детстве Анатолий бессистемно занимался в кружках в домах пионеров, затем поступил в Училище памяти 1905 года, но вскоре его исключили за неподчинение: он дерзал спорить с преподавателями и отказывался исправлять работы. Окончив ремесленное училище, Зверев работал маляром. А своим учителем считал Леонардо да Винчи, любил Врубеля, Ван Гога, Веласкеса, Серова, Кандинского. Художник, не получивший специального образования, чьи работы уже в 1950-х годах приобрел Музей современного искусства в Нью-Йорке, не расставался с карандашом и блокнотом. В транспорте, даже в кинотеатре он делал наброски, очень любил делать зарисовки в зоопарке. «Когда Господь помазывал нас, художников, он опрокинул чашу на голову Толи» – такая поговорка ходила тогда в художественных кругах. Коллекционер, почитатель таланта Зверева Георгий Костаки, пораженный техникой художника, работавшего маслом только одной широкой кистью, а не десятком разных, попросил разъяснить, как тому удается сохранять чистоту цвета. Зверев, не пользуясь скипидаром, выдавливал на палитру краску, аккуратно набирал нужную и наносил ее на холст в те места, где требуется, после чего брал следующий цвет. Ужасно одетый, небритый, в надвинутой на глаза кепке, способный часами с мальчишками гонять консервную банку, он поражал собеседников интеллектом. Зверев говорил, что «настоящий художник, даже если у него нет и одной краски, должен уметь рисовать при помощи кусочка земли или глины». Сам он иногда писал бритвенным помазком. Его знакомые вспоминали, что Зверев обладал какой-то гипнотической силой воздействия на окружающих, прекрасно играл на фортепиано, ловко выигрывал партии в шашки.

100 великих художников России

«Каждый взмах его кисти – сокровище. Художники такого масштаба рождаются раз в столетие. Бесполезно учить его тому, что известно вам. Ему открыто то, о чем другие не подозревают», – писал Роберт Фальк об Анатолии Звереве

Иванов А лександр Андреевич

1806–1858 История искусства знает много трагедий. Один из самых драматичных эпизодов – создание «Явления Христа народу» Александра Иванова. Главное произведение художника отняло 20 лет его жизни и в результате было очень прохладно встречено на родине.

Наиболее значимые работы Александра Иванова «Аполлон, Гиацинт и Кипарис, занимающиеся музыкой и пением», 1831–1843, ГТГ «Явление Христа народу» («Явление Мессии»), 1837–1857, ГТГ «Оливы у кладбища Альбано. Молодой месяц», вторая половина 1830-х – 1840-е, ГТГ «Ветка», вторая половина 1830-х – 1840-е, ГТГ (на иллюстрации справа) «Почва и дали», 1830–1840-е, ГТГ

ын профессора Академии художеств Александр Иванов обучался как вольнослушатель, поэтому пенсионерская поездка в Италию была им осуществлена на средства Общества поощрения художеств. В 1831 году он приехал в Рим. И здесь его настигла грустная новость о том, что отца уволили на пенсию. Через пять лет Александр Иванов сам был удостоен звания академика за картину «Явление Христа Марии Магдалине после воскресения». С 1837 года он работал над «Явлением Христа народу» в том формате, в котором сегодня картина представлена в Третьяковской галерее. Хотя ее замысел возник еще в 1833-м и нынешнему полотну предшествовал вариант меньшего размера. Сюжет происходит из первой главы Евангелия от Иоанна. На берегу реки Иордан Иоанн Креститель совершает обряд крещения, и в этот момент появляется Иисус. Сам художник называл этот момент всемирным. В картине левее фигуры Иоанна Крестителя, указывающего на приближающегося Спасителя, показаны апостолы, за ними старик и юноши, совершившие обряд. Правую часть композиции замыкают обнаженные фигуры обнадеженных отца с дрожащим сыном, за ними спускающиеся с холма книжники и фарисеи. Отдельно ото всех смотрится фигура оборачивающегося мужчины, кутающегося в коричневые драпировки. Художник дружил с Гоголем, его черты он и придал этому персонажу. Также Иванов ввел скрытый автопортрет в образе путешественника, чье изображение расположено под правой рукой Иоанна Крестителя. Иванов стремился к максимальной достоверности и убедительности, исполнив в общей сложности около шести сотен эскизов. Эта работа так заворожила художника, что решение конкретных жизненных проблем ушло на второй план. Он жил впроголодь, не имея постоянного дохода или покровителя. Когда закончилось его затянувшееся пенсионерство, Александр Андреевич перебивался случайными пособиями. Все больше погружаясь в работу на пленэре, создавая этюды к картине, Иванов нашел тот путь, по которому позже и пошло развитие живописи. Однако синтезировать эти открытия в «Явлении», органично связать идеи и форму не сов сем удалось.

100 великих художников России

«Кто бы мог думать, чтобы моя картина “Иисус с Магдалиной” производила такой гром? Сколько я ее знаю, она есть начаток понятия о чем-то порядочном… Как жаль, что меня сделали академиком, мое намерение было никогда никакого чина не иметь, но что делать, отказаться от удостоения – значит обидеть удостоивших», – писал сам художник

Кандинский Василий Васильевич

1866–1944 «Цвет – это клавиш. Глаз – молоточек, душа – многострунный рояль. Художник есть рука, которая посредством того или иного клавиша целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу», – писал Василий Кандинский в трактате «О духовном в искусстве».

Наиболее значимые работы Василия Кандинского «Мурнау», 1908, ГТГ «Дамы в кринолинах», 1909, ГТГ «Москва. Красная площадь», 1916, ГТГ (на иллюстрации справа) «Смутное», 1917, ГТГ «Сумеречное», 1917, ГРМ

одобно тому как онтогенез повторяет филогенез, художник проходит предшествовавшие стадии развития живописи. Так, Василий Кандинский эволюционировал от реалистических этюдов в духе Поленова и Левитана, импрессионистических сцен, через постижение ритмики линий модерна и экспрессии цветового пятна, к нефигуративному искусству. Кандинский происходил из семьи московского коммерсанта. Отец поощрял увлечение сына живописью и музыкой. В гимназии юный Василий обучался в Одессе, затем возвратился в Москву, чтобы поступать в МГУ, куда и был зачислен на юридический факультет. Научный руководитель был доволен своим подопечным и предлагал ему серьезно заняться диссертацией. Кандинского даже приглашали в Университет Дерпта (Тарту). Однако художник победил исследователя экономики и права. В период студенчества Кандинского глубоко впечатлили выставка импрессионистов (прежде всего «Стог сена» Клода Моне) и постановка «Лоэнгрина» Рихарда Вагнера в Большом театре. Художника увлекла мысль об универсальности и неизобразительности музыки, он хотел того же добиться от живописи: чтобы само по себе сочетание цветов и форм вызывало сильные эмоции у зрителя. Кандинский поехал учиться в Мюнхен, один из основных европейских художественных центров рубежа веков. Там посещал известную студию Ашбе, где сблизился с художниками Марианной Веревкиной и Алексеем Явленским. Затем продолжил обучение у Франца Штука, профессора Королевской академии художеств. В 1902 году Кандинский основал художественное объединение «Фаланга», развившее идеи стиля модерн (югендштиль) и организовавшее около 20 выставок. Сам же Василий Васильевич вел занятия пейзажного класса при «Фаланге». Размышления о свойствах цвета, его воздействии на зрителя оказались близки немецким экспрессионистам и французским фовистам. В 1912 году Кандинский вместе с Францем Марком начал издавать художественный альманах «Синий всадник», подаривший название новому выставочному объединению. После начала Первой мировой войны Кандинский вернулся в Россию и начал активно участвовать в культурной жизни, занимал должность вице-президента Российской академии художественных наук. В 1921 году отправился в Германию, где преподавал в Высшей школе архитектуры и художественного конструирования – Баухаузе. После прихода нацистов к власти и закрытия Баухауза Кандинский переехал во Францию.

100 великих художников России

27 сентября 2012 года на аукционе Christie’s «Коричневое безмолвие» Василия Кандинского было продано за 2 миллиона евро, а в 2008-м на торгах в Нью-Йорке «Эскиз к импровизации № 3» обошелся покупателю в 16,9 миллиона долларов

Кипренский Орест Адамович

1782–1836 Мастер портрета Орест Кипренский известен прежде всего своими живописными работами, однако не меньшего внимания заслуживает и графическое наследие этого выдающегося представителя русского романтизма.

Наиболее значимые работы Ореста Кипренского «Портрет А. А. Челищева», 1808–1809, ГТГ «Портрет Е. В. Давыдова», 1809, ГРМ «Портрет А. С. Пушкина», 1827, ГТГ «Бедная Лиза», 1827, ГТГ (на иллюстрации справа) «Портрет В. А. Жуковского», 1816, ГТГ

конце XVIII – начале XIX века Европу захватило новое литературно-художественное направление: романтизм. При отсутствии общих стилистических черт, произведения романтиков Германии, Англии, Франции объединяло определенное трагическое мироощущение. Романтики противопоставляли интуитивное рациональному, чувства – разуму, личность – толпе. Русский романтизм, младший брат немецкого, представлен в литературе произведениями Василия Жуковского, в живописи – Ореста Кипренского. Собственно, портрет Жуковского, чрезвычайно близкий картинам немецкого романтика Отто Рунге, и является манифестом русского романтизма. Он демонстрирует творческую личность во вдохновенном состоянии, что подчеркивают растрепавшиеся, взъерошенные волосы. Фоном служит пейзаж, где присутствуют руины средневековой башни (один из излюбленных романтических штампов). У романтиков доминирует чувственная реальность, отсюда происходит интерес к изменению внутренних состояний – от увлеченности, мечтательности в детских образах до состояний переживания разнообразных страстей и их угасания во взрослых портретах. Кипренский был незаконнорожденным сыном помещика Дьякова от крестьянки. При рождении будущий художник получил вольную. В шестилетнем возрасте его направили в Воспитательное училище при Академии художеств. В 30 лет Кипренский уже стал академиком. Портреты художника пользовались огромным успехом. После окончания войны с Наполеоном мастер смог отправиться в пенсионерскую поездку по Италии. Показательно, что он получил заказ от знаменитой флорентийской галереи Уффици на исполнение автопортрета! Когда Кипренский возвращался в Петербург, то по пути, в Мариенбаде, познакомился с Гете и сделал его графические портреты. В 1828 году, после пяти лет пребывания в России, где дела складывались не особенно хорошо, Кипренский вновь поехал в Италию. Но и здесь фортуна не сопутствовала мастеру – увы, это уже было время Карла Брюллова. Постепенно заказчики стали забывать Кипренского, он влез в долги. В Италии художника настигла смерть.

100 великих художников России

Чтобы жениться на Анне-Марии Фалькуччи (Мариучче), Орест Кипренский перешел в католичество. Спустя всего четыре месяца после венчания художник умер в Риме от воспаления легких, так и не увидев свою дочь – Клотильду

Кончаловский Петр Петрович

1876–1956 Зять Василия Сурикова, тесть Сергея Михалкова, дед Андрона Кончаловского и Никиты Михалкова, Петр Кончаловский в свою эпоху стал тем, кем тогда только и следовало быть, – художником-революционером, погруженным в бурлящий водоворот культурной жизни.

Наиболее значимые работы Петра Кончаловского «Сухие краски», 1912, ГТГ «Портрет Жоржа Якулова», 1910, ГТГ (на иллюстрации справа) «Портрет В. Мейерхольда», 1938, ГТГ «Агава», 1916, ГТГ «Порт в Сиене», 1912, Ивановское объединение художественных музеев

тец художника был известным издателем и переводчиком. Семья жила в Харьковской губернии, в городе Славянске. Параллельно с обучением в харьковской гимназии Петр Кончаловский занимался в частной художественной студии. Когда семейство переехало в Москву, он стал посещать вечерние классы Строгановского училища. Отец, через которого начинающий художник познакомился с такими мэтрами, как Василий Суриков, Илья Репин, Исаак Левитан, Константин Коровин, Валентин Серов, Виктор и Аполлинарий Васнецовы, настоял на том, чтобы Петр поступил в университет, на естественный факультет. Однако Коровину удалось убедить многообещающего юношу в необходимости творческого самосовершенствования в Париже. Здесь, в центре культурной жизни Европы, Кончаловский учился в Академии Жюльена. Вернувшись в Россию, продолжил заниматься в Высшем художественном училище при Академии художеств в Петербурге. В 1902 году Кончаловский женился на Ольге Васильевне Суриковой. Среди гостей на их свадьбе присутствовали Михаил Врубель и Валентин Серов. Через год родилась дочь Наталья, чей портрет Третьяковская галерея приобретет в 1916 году. А в 1905-м в семье появился сын Михаил, также ставший художником. Во время Первой мировой войны Кончаловского мобилизовали как офицера артиллерии. На следующий год в одном из боев он получил контузию, и в 1917-м был окончательно демобилизован. На протяжении всей жизни Кончаловский много путешествовал и по России, и по Европе. И так же много выставлялся. Это были и выставки объединений «Бубновый валет», «Мир искусства», журнала «Золотое руно», знаменитый Салон Издебского, объединявший на одной площадке картины российских новаторов с произведениями Брака, Матисса, Синьяка, Руссо, и выставки Салона независимых и Осеннего салона в Париже. Также работы Кончаловского были представлены на выставках 1910-х годов в Лондоне и Амстердаме, 1920-х – в Германии. На Венецианской биеннале 1924 года ему предоставили отдельный зал. С 1918 по 1921 год Петр Кончаловский преподавал во Вхутемасе, где среди его студентов были Александр Лабас и Петр Вильямс.

100 великих художников России

«Основывая “Бубновый валет”, наша группа ничуть не думала “эпатировать” буржуа, как теперь принято говорить. Ни о чем, кроме живописи, решения своих задач в искусстве, мы тогда не думали» – из воспоминаний Петра Кончаловского

Коровин Константин А лексеевич 1861–1939 Увидев на Всемирной выставке в Париже 1900 года картину Константина Коровина «Испанки Леонора и Ампара», директор Люксембургского музея писал: «Она прелестна по своим скромным и мягким тонам и обличает живую и остроумную наблюдательность художника». Работа была удостоена золотой медали.

Наиболее значимые работы Константина Коровина «У балкона. Испанки Леонора и Ампара», 1888, ГТГ (на иллюстрации справа) «В лодке», 1888, ГТГ «Бумажные фонари», 1898, ГТГ «Париж. Кафе де ля Пэ», 1906, ГТГ «Ловля рыбы на Мурманском море», 1896, ГТГ

емья Константина Коровина некогда процветала. Предприимчивый дед художника держал ямской извоз на торговых путях. После его смерти, и особенно после прокладки железных дорог, семейство разорилось, и Коровины вместо купеческого статуса имели отныне статус мещан. Константин и его старший брат Сергей поступили в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Сергей Коровин также стал живописцем, одним из передвижников. Константин вначале учился на архитектурном отделении, но перешел на живописное. Его преподавателями были Перов, Прянишников, Саврасов. После ухода последнего руководство пейзажным классом взял Поленов, с которым у Коровина сложились теплые отношения. Он всегда был желанным гостем у Поленовых, а на их даче в Жуковке написал картины «За чайным столом», где изобразил Елену Поленову, и «В лодке», где показал себя и художницу Марию Якунчикову, близкую подругу Елены. Благодаря своему наставнику Коровин познакомился с меценатом Саввой Мамонтовым, вошел в абрамцевский кружок и начал получать заказы на оформление спектаклей его частной оперы. Сотрудничество с театрами – важное направление в творчестве Коровина. Художник оформил около 150 спектаклей, создал декорации для Большого театра. А в 1910-м его назначили главным декоратором и консультантом московских императорских театров. В 1880-е художник совершил путешествие по Европе. Очень важным для него стало знакомство с импрессионистами, о которых раньше Коровин знал только по рассказам Поленова. «У них я нашел все то самое, за что так ругали меня дома», – писал он. Не менее важным оказалось путешествие на Север в 1894-м. Мамонтов, занятый разработкой железной дороги в Архангельске, предложил Коровину и Серову познакомиться с этим направлением. Планируя Нижегородскую ярмарку 1896 года, Мамонтов поручил Коровину оформление Северного павильона, построенного известным московским архитектором Львом Кекушевым. В творчестве Коровина отразились разные тенденции эпохи: и пленэрная живопись в традициях Поленова, и импрессионистическое видение, и декоративность модерна. Художник был награжден орденом Почетного легиона. В 1905 году получил звание академика. Через пять лет после революции Коровин уехал во Францию.

100 великих художников России

Константин Коровин и Валентин Серов настолько сдружились, что их прозвали Коров и Серовин. Первому была свойственна некоторая ветреность, второй же аккуратно возвращал друга к реальности, напоминая, например, что надо идти в училище преподавать

Крамской Иван Николаевич

1837–1887 Его имя вписано в историю русского искусства, однако заслугой Ивана Крамского является не столько собственно творческая деятельность, сколько умение организовать новый художественный процесс. В современном мире он бы замечательно исполнял функции куратора.

Наиболее значимые работы Ивана Крамского «Неизвестная», 1883, ГТГ (на иллюстрации справа) «За чтением. Портрет С. Н. Крамской», 1866, ГТГ «Христос в пустыне», 1872, ГТГ «Неутешное горе», 1884, ГТГ «Букет цветов. Флоксы», 1884, ГТГ

рамской был инициатором знаменитого «бунта четырнадцати», поворотного эпизода в истории развития русской школы, когда студенты Академии художеств решительно отказались писать дипломные работы на предложенные темы и вышли из академии. Во всех официальных европейских академиях художников обучали примерно одинаково. Идеал – это искусство античности, на него ориентировались, корректируя натуру в соответствии с правильными пропорциями. Высшие жанры живописи – библейский и исторический. То есть эта система (с тех пор мало изменившаяся) предполагала штудирование антиков, исполнение копий и освоение перспективы.

Четырнадцать студентов просили разрешения самостоятельно выбрать тему работ. Их неоднократные прошения были восприняты как неслыханная дерзость. Покинув alma mater, художники во главе с Крамским организовали Артель художников, проповедовавшую высокие нравственные идеалы. Желание отказаться от приоритета античности сближает артель с возникшим в начале XIX века сообщест вом художников, названным Братством назарейцев, и английским Братством прерафаэлитов, появившимся в 1848 году. Следующий успешный проект Крамского – Товарищество передвижных художест венных выставок. Среди членов – учредителей товарищества были Николай Ге, Иван Мясоедов, Алексей Саврасов, Василий Перов. Идея заключалась в организации мобильных экспозиций, которые должны были познакомить зрителя провинции с актуальным художественным процессом. Товарищество стало, пожалуй, после корпорации Рубенса самым успешным проектом с точки зрения артменеджмента. Оно просуществовало с 1870 по 1923 год и имело два отделения, в Москве и Петербурге. Всего было организовано 48 экспозиций. Крамской пытался охватить все жанры. Наиболее удачными его работами считаются портреты. Также художник принимал участие в росписях храма Христа Спасителя, писал иконы для разных церквей. Как и Иван Шишкин, Крамской скончался, сидя за мольбертом.

100 великих художников России

Учениками Ивана Крамского были члены царской семьи, обучавшиеся у него рисунку, а также Илья Репин и Елена Поленова. Дети живописца тоже выбрали для себя творческие профессии: старший сын стал архитектором, а единственная дочь – художницей

Краснопевцев Дмитрий Михайлович

1925–1995 Ситуацию в русском искусстве второй половины XX века часто представляют как полюсы: конформизм и нонконформизм. Творчество Дмитрия Краснопевцева относится ко второму. Представитель московского андеграунда 1960-х – 1970-х годов разработал свою творческую концепцию, определяемую понятием «метафизический натюрморт».

Наиболее значимые работы Дмитрия Краснопевцева «Натюрморт с пером», 1972, кол. Колодзей, США «Кувшины в земле», 1969, ГТГ «Натюрморт со стрелами», 1969, ГТГ «Ваза на привязи», 1979, Музей актуального искусства «Натюрморт с цветком», 1964, частное собрание (на иллюстрации справа)

…Произведение искусства смертно, материал, в котором оно воплощено, будь то камень или бумага, дерево, бронза или холст, уничтожим. Но сама идея, предмет произведения, то, что отражено и изображено в нем, должно быть выше времени и изменений, должно быть незыблемым, вечным, не подверженным смерти и уничтожению…» – писал Дмитрий Краснопевцев. Его почти монохромные натюрморты демонстрируют ненужные вещи, сломанные ветки, треснувшие вазы, которые приобретают значительность, начинают звучать монументально. Странные комбинации ненужных элементов, бессмыслица вдруг получают новый, важный смысл. Эти объекты формируют особую атмосферу, напоминающую своей густой тишиной «зону» в «Сталкере» Андрея Тарковского (кстати, фильм был снят в 1979 году), где все подчиняется каким-то иным законам. Особая атмосфера существовала и в мастерской художника, где возник удивительный ансамбль, объединивший растения, камни, ракушки, корабельную цепь, икону. Сегодня мастерская частично реконструирована в экспозиции Музея личных коллекций. Художник полагал, что задача искусства не в изображении, а в преображении. Гармония, которую Краснопевцев называл художественным порядком, строится на контрастах прямого и кривого, холодного и теплого. Именно противопоставление и является условием гармонии, иначе работа получается скучной. Композицию же мастер считал архитектурой картины. Художник говорил, что она где-то зреет, а потом появляется «невзначай». Дмитрий Краснопевцев родился в Москве. В 1942 году поступил на второй курс Московского художественного училища памяти 1905 года. Однако вскоре отправился на войну, служил на Дальнем Востоке. Вернувшись, продолжил образование, преподавал в школе. В 1949 году Дмитрий Михайлович был принят в институт имени Сурикова. Художник дружил со Святославом Рихтером, собиравшим его картины. Также произведения Краснопевцева вошли в известную коллекцию Костаки.

100 великих художников России

Около 700 работ Дмитрия Краснопевцева Музею личных коллекций передала его жена Лидия Павловна. Они познакомились еще в школе, сидели за одной партой, и потом, на протяжении всей жизни, она бережно охраняла его от невзгод обыденного существования

Крымов Николай Петрович

1884–1958 Творчество Николая Крымова является одной из точек соприкосновения искусства XIX и XX веков: развитие традиций русской реалистической пейзажной школы с прививкой новаторских исканий символизма и примитивизма.

Наиболее значимые работы Николая Крымова «Ветреный день», 1908, ГТГ «Желтый сарай», 1909, ГТГ «Ночь серебристая», 1907, частное собрание «Новый трактир», 1909, ГТГ «Пейзаж», 1947, Екатеринбургский музей изобразительных искусств (на иллюстрации справа)

иколай Крымов родился в семье художника-портретиста. Его старший брат преподавал рисование. С 1904 года Николай обучался в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у Валентина Серова и Константина Коровина. Уже через два года после начала учебы его пейзаж был куплен Серовым для Треть яковки. Пристрастие к ноктюрну, эффектам лунного света, радуги, игре солнечных пятен выдает увлечение Крымова живописью Архипа Куинджи.

В 1907 году художник принимал участие в культовой выставке символистов «Голубая роза», подарившей название этому новому художественному объединению. Один из самых ярких представителей «Голубой розы» Николай Сапунов был близким другом Николая Петровича. Они виделись каждый день, любили ходить на ипподром и в цирк. Крымов сотрудничал со знаменитыми журналами «Золотое руно» и «Аполлон», был членом Союза русских художников, преподавал во Вхутемасе и Художественном училище памяти 1905 года. Его интересовало теоретическое осмысление творческого метода. Сохранились рассуждения художника о локальном цвете и тоне в живописи. В отношении к этому предмету Крымов – традиционалист, противостоящий идеям о необходимости интенсификации цвета, которые питали мастеров объединения «Бубновый валет» и их последователей. Ученики художника вспоминают о нем с большой теплотой, подчеркивая, что он очень внимательно рассматривал их работы, а все теоретические измышления доказывал на примере своих пейзажей. Помимо преподавательской деятельности и занятия живописью, Крымов сотрудничал с Московским художественным театром, по приглашению Станиславского исполнил декорации для «Вишневого сада» (с которыми театр отправился на гаст роли в Америку), для «Горячего сердца» (комедии Островского), разработал эскизы к «Волкам и овцам», «Бесприданнице», «Талантам и поклонникам», «Унтиловску» Леонида Леонова и другим спектаклям. С 1949 года Крымов – член-корреспондент Академии художеств, а в 1956-м ему было присвоено звание народного художника.

100 великих художников России

«Николай Петрович был очень веселый, шумный, с ним никогда не было скучно. Он интересно рассказывал о своем детстве, о быте их семьи, немного чудном, чем-то напоминавшем быт пьес Островского» – из воспоминаний супруги о Николае Крымове

Кузнецов Павел Варфоломеевич

1878–1968 Русский символизм, одним из наиболее ярких представителей которого был Павел Кузнецов, не только локальное проявление общеевропейской тенденции, но и, как модерн в архитектуре, параллельное французскому движение в сторону принципиального обновления художественного языка.

Наиболее значимые работы Павла Кузнецова «Мираж в степи», 1912, ГТГ (на иллюстрации справа) «Спящая в кошаре», 1911, ГТГ «Голубой фонтан», 1905, ГТГ «Белая ночь», 1902, ГТГ «Натюрморт. Утро», 1916, ГТГ

ак и его идейный учитель, Павел Кузнецов родился в Саратове. Из-под Саратова происходили и друзья художника – Кузьма Петров-Водкин и Петр Уткин. Начала профессионального мастерства Кузнецов воспринял от своего отца-иконописца. Затем обучался в рисовальной школе при Саратовском обществе любителей изящных искусств. В 1897 году поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества к Константину Коровину и Валентину Серову. В 1906 году работы Кузнецова были представлены на Осеннем салоне в Париже. Следующий год принес ему и его друзьям известность благодаря московской выставке «Голубая роза». Само название, которым затем стало именоваться и объединение художников-символистов, замечательно выразило их творческую концепцию: поиск образов, отсылающих к другой, чувственной реальности. В работах Кузнецова первого десятилетия XX века проявилась и общая тенденция европейского символизма к сближению картины с декоративным панно.

В 1910-е годы, после путешествий по степям Средней Азии, творчество художника изменилось. Вообще неоднократно обновление европейского искусства происходило за счет обращения к другим культурам, особенно к Востоку. Серия картин «Киргизская сюита» переносит зрителя в измерение ясного взаимодействия человека и природы. Ритуальная статичность фигур в картинах этого цикла подчеркивает вневременной характер происходящего. После революции Кузнецов преподавал в Московском и Строгановском училищах, входил в комиссию по охране памятников. Кстати, его жена, Елена Кузнецова-Бебутова, также занималась живописью, их совместная выставка, проходившая в 1923 году в Париже, пользовалась большим успехом. В 1929-м Кузнецов получил звание заслуженного деятеля искусств, и в том же году в Третьяковке была организована его персональная выставка. В 1940–1950-е годы, причисленный к формалистам, он оказался вне советской художественной жизни, не мог выставляться. Затем лишился и возможности преподавать.

100 великих художников России

«Себя я помню с трехлетнего возраста, с тех пор, когда впервые увидел восходящее солнце весной, при переезде моей семьи в цветущие сады... На озаренном зелено-фиолетовом небе показалось золотое солнце, отражаясь в весенних водах гигантского пространства Волги» – из воспоминаний Павла Кузнецова

Куинджи Архип Иванович

1841–1910 В детстве – сиротство и нищета, а под конец жизни – миллионное состояние и полная художественная свобода. Архип Куинджи проделал жизненный путь, которому могут позавидовать многие его коллеги-живописцы.

Наиболее значимые работы Архипа Куинджи «На острове Валааме», 1873, ГТГ «Березовая роща», 1879, ГТГ «Лунная ночь на Днепре», 1882, ГТГ (на иллюстрации справа) «Эльбрус. Лунная ночь», 1890–1895, Пермская государственная художественная галерея «Днепр утром», 1881, ГТГ

тец художника был греком и зарабатывал на жизнь сапожным ремеслом. В Приазовье семья переселилась из Крыма. Детство будущего пейзажиста прошло на реке Калке, той самой, где в XIII веке русские князья были разгромлены монголо-татарами. Оба родителя рано умерли, и маленький Архип оказался на попечении родственников. С десяти лет он вынужден был работать. Но мальчику повезло: хлеботорговец, к которому он поступил в услужение, заметил склонность к рисованию и дал рекомендательное письмо к Ивану Айвазовскому. В 1855 году Куинджи пешком проделал путь от Мариуполя до Феодосии, где жил великий маринист. Однако контакт установился не с самим маэстро, а с его учеником Адольфом Фесслером. Затем в течение 10 лет Куинджи работал ретушером в Мариуполе, Одессе, Петербурге. В Академию художеств ему удалось поступить только как вольнослушателю, но его первая работа сразу принесла ему звание свободного художника. В академии Куинджи сдружился с Ильей Репиным. В 1873 году Архипу Ивановичу начала улыбаться удача. Третьяков купил его картину «На острове Валааме», после чего следил за его выставками и неоднократно приобретал произведения. Одну из картин даже наградили бронзовой медалью на Всемирной выставке в Лондоне. Так как Репин был другом Куинджи, то вступление в Товарищество передвижных выставок выглядело вполне закономерным шагом. Седьмая выставка объединения 1876 года, где Куинджи представил «Украинскую ночь», принесла ему известность. По выражению Михаила Нестерова, зрители восторгались «до истомы». Куинджи интересовался науками, и особенно астрономией. В университете посещал занятия, где изучал свойства краски и светочувствительность глаз художников (у него самого она была феноменальной) под руководством Дмитрия Менделеева и физика Федора Петрушевского. Куинджи начал экспериментировать с краской, что в итоге не лучшим образом сказалось на его работах. Например, он использовал асфальтовую краску, которая привела к потемнению картин. «Лунная ночь на Днепре» стала его триумфом. Полотно приобрел великий князь Константин и взял с собой в путешествие во Францию, где по просьбе Ивана Тургенева продемонстрировал парижской публике. Когда Куинджи достиг материального благополучия, он выгодно вложил капитал в недвижимость и перестал участвовать в выставках. Художник с тех пор работал исключительно для себя, показывая произведения только близким людям. Также мастер вел преподавательскую деятельность в академии.

100 великих художников России

Эффекты люминесценции, которых добивался Архип Куинджи, так поражали зрителей, что на выставках они постоянно заглядывали за картины в поисках спрятанных лампочек

Куприн А лександр Васильевич 1880–1960 Имя Александра Куприна, современника Михаила Ларионова, Казимира Малевича и Василия Кандинского, оказывается оттесненным на второй план. Революция в изобразительном искусстве, совершенная мастерами авангарда, потребовала большой пласт живописной культуры 1910-х – 1930-х годов обозначить словом «модернизм».

Наиболее значимые работы Александра Куприна «Лежащая обнаженная», 1917, ГТГ «Обнаженная натурщица на фоне азиатского ковра», 1918, Мордовский республиканский музей изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи (на иллюстрации справа) «Натюрморт с тыквой», 1912, ГТГ «Гудауты. Дома», 1912, Томский областной художественный музей «Тополя. Бахчисарай», 1927, ГТГ

удожник родился в Борисоглебске, маленьком городке в Воронежской облас ти, в семье преподавателя. Прежде чем открыть в себе живописца, Куприн работал конторщиком на железной дороге. В 1902 году он отправился в Петербург, где учился в частной студии. Затем переехал в Москву, занимался у Константина Юона и через год поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где его преподавателями были Абрам Архипов и Константин Коровин. Александр Куприн мечтал учиться у Валентина Серова, но к моменту, когда студент достиг соответствующего курса, тот уже ушел из училища. В 1905-м художник женился на Анастасии Полозанцевой, с этой женщиной он проживет более полувека и вместе переживет страшную трагедию – смерть сына, утонувшего в Москве-реке. Во время учебы Куприн обрел друзей, вместе с которыми участвовал в рождении нового художественного объединения «Бубновый валет», представившего и новое понимание художественной культуры. По сравнению с другими «валетами» – Михаилом Ларионовым, Ильей Машковым, Аристархом Лентуловым – Куприн гораздо более классичен. Его колорит не столь агрессивен, нет жесткой примитивизации форм. Как и для остальных «валетов», главным ориентиром в истории искусства для Александра Куприна был Поль Сезанн. Как известно, Сезанн повлиял и на становление кубизма, воздействие которого ощутимо в упрощенных индустриальных купринских пейзажах 1920-х годов и натюрмортах. В конце 1920-х художник начал склоняться к более реалистической трактовке мотивов, помноженной на импрессионистскую тонкость колористических и световых сочетаний. Особенно хороши его южные пейзажи этого периода. Живое дыхание пленэра в 1930-е Куприн перенес и в индустриальный пейзаж, изображающий заводы и фабрики. Помимо собственного творчества, Александр Куприн был занят преподаванием: в 1920-е годы он работал во ВХУТЕМАСе-ВХУТЕИНе и в Московском текстильном институте. Также Куприн преподавал в художественных мастерских Нижнего Новгорода.

100 великих художников России

«Теперь в Питере приходится круто. Спать, гулять и закрывать глаза не полагается. Скоро побегу очертя голову искать заработка. Для этого нужно немного обозлиться» – из письма Александра Куприна невесте в Воронеж в начале 1900-х годов

Кустодиев Борис Михайлович

1878–1927 Картины Бориса Кустодиева – окошко в исчезнувший мир России купеческой. Яркие, как деколи кузнецовского фарфора, из которого те же купцы попивали чай в трактирах, они колористически передают русский вариант оды радости жизни, то, что французы называют vive la joie!

Наиболее значимые работы Бориса Кустодиева «Большевик», 1920, ГТГ «Московский трактир», 1916, ГТГ (на иллюстрации справа) «Масленица», 1916, ГТГ «Карусель», из серии «Русь. Русские типы», 1920, Музей-квартира И. И. Бродского, Санкт-Петербург «Портрет Ф. Шаляпина», 1922, ГРМ

асколько художник «вчувствован» в свою эпоху – тема всегда занимательная. В культуре, ее знаках и символах, власть и общество всегда «оговариваются по Фрейду», то есть проговаривают истинное положение вещей. Так, «Большевик» Бориса Кустодиева – образ архетипический. Этот титан принадлежит миру других пропорций. Его место скорее среди гигантов и олимпийцев Пергамского алтаря, а не среди людей. Его масштабная поступь – раскаты грома. Просто в силу своей сверхчеловеческой природы он не может узреть микроскопический мир частных жизней обычных людей, такого измерения не существует в системе координат его вселенной, где действуют иные законы. Конечно, там, где пролегает путь этого сверхчеловека, не остается места для веселых масленичных гуляний, ярмарок и чаепитий. Они остались в мире церквей и приземистых зданий, от которого вскоре сохранится только воспоминание. Борис Кустодиев родился в Астрахани, в семье преподавателя духовной семинарии, который скончался от чахотки, когда будущему художнику исполнилось немногим более года. Помимо него в семье имелось еще трое детей. Их всех мать Екатерина Прохоровна (25 лет от роду) должна была накормить и одеть на полагавшуюся пенсию в 30 рублей. Несмотря на нищету и тяготы, уже в девятилетнем возрасте маленький Борис твердо решил стать художником. В Московское училище его принять не смогли, так как к тому времени Кустодиеву уже исполнилось 18 лет. Зато он смог поступить в Высшее училище при Академии художеств в Петербурге. И попал в мастерскую к Илье Репину, которому помогал при работе над масштабным произведением «Торжественное заседание Государственного совета». Карьера Кустодиева складывалась очень успешно: он писал портреты, получил золотую медаль и право на заграничную поездку, влюбился и женился. Из пенсионерской командировки Кустодиев вернулся досрочно. В Заволжье построил себе дом, погрузился в радость творчества и воспитание детей: сына Кирилла и дочери Ирины. Помимо жанровых картин и портретов, художник занимался книжной иллюстрацией и оформлением театральных постановок. В 1916 году, когда ему было 38 лет, его настигла катастрофа: в результате заболевания он лишился ног. Оставшиеся 11 лет жизни Кустодиев провел в инвалидном кресле, продолжая создавать удивительно жизнеутверждающие картины.

100 великих художников России

«Это был молодой человек среднего роста, нежного сложения, блондин, с мягкими, легкими, слегка рыжеватыми волосами, с белой кожей лица и рук, со здоровым румянцем на щеках. Характер у него был мягкий, склонный к незлобливому юмору, к радостному, заразительному смеху» – из воспоминаний о Борисе Кустодиеве

Лабас А лександр Аркадьевич 1900–1983 Единомышленник Александра Дейнеки и Юрия Пименова в отношении увлеченности современностью, Александр Лабас был совсем непохожим на них с точки зрения живописного стиля.

Наиболее значимые работы Александра Лабаса «Первый советский дирижабль», 1931, ГТГ (на иллюстрации справа) «В метро», 1972, ГТГ «Девушка 1980-х» («Портрет Ольги Лабас»), 1981, собрание БескинойЛабас «Дирижабль и детдом», 1930, ГРМ «Москва вечером», 1947, частное собрание

тец будущего художника работал редактором в издательстве Смоленска, играл на скрипке, любил рисовать мифических крылатых животных. Мать умерла, когда Александру было всего два года. Старший брат Абрам обладал музыкальным талантом. В семилетнем возрасте Александр начал заниматься в частной художественной школе. Затем семья на два года уехала в Ригу, где мальчик также посещал художественную школу, потом Лабасы обосновались в Москве. В 1912 году он поступил в Строгановское училище, но параллельно обучался в частных мастерских, в том числе у Ильи Машкова. После революции Лабас продолжал образование в Высших художественно-технических мастерских. В 1919 году художник отправился на фронт. На войне его старший брат потерял руку, что заставило забыть о музыкальном поприще, но в итоге ему удалось сделать воинскую карьеру. Правда, в 1937-м Абрам Лабас был расстрелян, получив обвинение по делу маршала Тухачевского. По возвращении с фронта Александр Лабас продолжил учебу. Среди его преподавателей были Петр Кончаловский, Аристарх Лентулов, Казимир Малевич, Василий Кандинский. Когда Лабас закончил ВХУТЕМАС как студент, он остался там в качестве преподавателя по приглашению Владимира Фаворского. С началом кампании против формализма в искусстве в 1930-е и вплоть до хрущевской оттепели Лабас был практически лишен возможности выставляться и зарабатывать. В его картинах, за исключением портретов, как правило, присутствуют приметы современности: гигантские дирижабли, метро, поезда. Художник зачарован этими объектами – порождением цивилизации, и его восторг передается зрителю. Интерес к машинам был уже у футуристов, но у них весь мир становился машинным. У Лабаса, наоборот, машины оживляются. Этим они похожи на столь же удивительные механизмы анимационных фильмов Хаяо Миядзаки. Фантазии о городах будущего, полетах в космос (обратим внимание на то, что это темы картин 1930-х годов) отличаются от работ Дейнеки и Пименова, в них меньше оглядки на советские мифы. Скорее это прекрасные мечты, и, как и положено грезам, образы несколько размыты. Когда в 1966 году состоялась выставка, где участвовали картины мастера, в книге отзывов Андрей Тарковский оставил очень короткий, но показательный комментарий: «Ранний Лабас – прекрасен!»

100 великих художников России

«Мне кажется, что мир человеческих знаний и представлений как бы висит над нашей планетой параллельно с атмосферой, с космическими лучами, гравитацией, и хотя мы его не видим, он так же реален, как мир видимый и реальный…» – из размышлений Александра Лабаса

Лансере Евгений Евгеньевич

1875–1946 Прославленный род Бенуа-Лансере обладал, видимо, особыми художественными генами, судя по тому, сколько мастеров высочайшего уровня – художников, скульпторов, архитекторов – он подарил русскому искусству. Евгений Лансере избрал своей областью графику.

Наиболее значимые работы Евгения Лансере «Императрица Елизавета в Царском Селе», 1905, ГТГ (на иллюстрации справа) «Петербург в XVIII веке. Здание Двенадцати коллегий», 1903, ГРМ «Санкт-Петербург», обложка к изданию, приуроченному к 200-летию столицы, 1903, ГРМ Фронтиспис к циклу стихотворений Черубины де Габриак, 1910 «Дорога в Царское Село во времена Анны Иоанновны», заставка к книге Бенуа «Царское Село в царствование императрицы Елизаветы Петровны», 1904, ГТГ

ын скульптора, племянник Александра Бенуа, старший брат Зинаиды Сереб ряковой, Евгений Лансере учился в рисовальной школе при Обществе поощрения художеств. Затем в Париже занимался в известной Академии Коларосси. Эту же частную школу посещали Александр Бенуа, Александр Головин, Игорь Грабарь, Павел Кузнецов, Кузьма Петров-Водкин, Валентин Серов, Константин Сомов и другие выдающиеся мастера. Помимо Академии Коларосси, Лансере занимался в Академии Жюльена, также весьма популярной студии как у русских, так и у французских художников. Вполне естественно, что Лансере стал одним из важнейших участников объединения «Мир искусства», созданного по инициативе Александра Бенуа. Евгений Евгеньевич сотрудничал с журналами «Мир искусства», «Золотое руно», «Аполлон», оформлял театральные постановки (Старинный театр Петербурга и Малый театр Москвы), творил как книжный график. Утонченный стиль художника, впитавший, конечно, не только русскую, но и обще европейскую традицию, очень естествен для рубежа веков, эпохи модерна и символизма. Любовное отношение к линии, изысканным цветовым созвучиям вообще характерно для творчества «мирискусников». Другую грань натуры Лансере представляют его работы для журналов «Жупел», «Зритель», «Адская почта». Переехав в Москву в 1933 году, Лансере попробовал себя в качестве монументалиста, исполнив росписи плафонов ресторана Казанского вокзала, гостиницы «Москва», зала Большого театра, панно для станции метро «Комсомольская». Помимо путешествий по Европе, художник совершил поездки по Сибири, Кавказу, Манчжурии, Японии. После революции, с 1917 по 1933 год, семья Лансере жила в Дагестане и Тбилиси. Здесь художник занимался преподаванием, участвовал в этнографических экспедициях.

100 великих художников России

«Корни искусства Лансере не в московских старопечатных книгах, но в дивно иллюстрированных хрониках Фруассара, в венецианских изданиях XVI века, отчасти и в современных английских книгах», – писал Александр Бенуа о Евгении Лансере

Ларионов Михаил Федорович

1881–1964 Один из радикальных реформаторов живописи, Михаил Ларионов по степени воздействия на развитие искусства в XX веке занимает место, сопоставимое с местом Поля Сезанна и импрессионистов в XIX веке.

Наиболее значимые работы Михаила Ларионова

«Акация весной», 1904, ГРМ «Отдыхающий солдат», 1911, ГТГ (на иллюстрации справа) «Кельнерша», 1911, ГТГ «Петух (Лучистый этюд)», 1912, ГТГ «Весна. Времена года. Новый примитив», 1912, ГТГ

ын военного фельдшера из провинциального Тирасполя Михаил Ларионов взорвал художественную жизнь Москвы. В 1898 году будущий авангардист поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где его наставниками были Валентин Серов и Константин Коровин. Однажды во время одного из обычных учебных просмотров, где также участвовал Сергей Судейкин, Ларионов показал очень много работ. Вошедший совет молча покинул помещение через несколько минут. На следующий день появилось объявление о том, что Судейкин и Ларионов исключены на четыре года «за растлевающее влияние на товарищей». По прошествии четырех лет художники вынуждены были вернуться, так как, не имея аттестата, дававшего привилегии, они обязаны были служить три года как обычные солдаты. На момент возвращения оба уже были признаны «всеми, до Третьяковки включительно». Правда, через год их снова исключили. В училище Ларионов встретился со своей спутницей и в жизни, и в работе – художницей Натальей Гончаровой. Как и она, и многие другие художники, Ларионов начинал с полотен в духе импрессионизма. Но затем произошло расширение художественного сознания. Обратившись к совсем иному культурному пласту – народному лубку, вывескам, уличному фольклору, наивному искусству, художник открыл для себя неопримитивизм. Будучи сверстником младших «мирискусников», Ларионов предложил альтернативное художественное видение, создавая принципиально иную, «неэстетичную» эстетику, во многом предопределившую положение вещей в искусстве второй половины XX столетия. Ларионов был не только художником, но и теоретиком и организатором экспозиций. Кстати, именно он придумал название знаменитой выставки 1910 года – «Бубновый валет». Его следующее открытие – лучизм. Идея состоит в изображении не самого предмета, а форм, появляющихся при отражении лучей света от предмета. Художник участвовал в сражениях Первой мировой войны в 1914 году. Был контужен. Вместе с Гончаровой покинул Россию. Семья обосновалась во Франции. Супруги сотрудничали с русской труппой Дягилева. Для него Ларионов оформил спектакли «Ночное солнце», «Кикимора», «Русские сказки» и другие. Нина Берберова оставила нам такой словесный портрет мастера русского авангарда: «Как и многие из его современников, Ларионов был озорником и таковым прожил свою долгую жизнь. Всегда он что-то придумывал, иногда – с хитрой улыбкой, иногда – захлебываясь от удовольствия и часто – назло кому-нибудь. Он никого не признавал, кроме “своих”, зато со своими бывал сентиментально ласков…»

100 великих художников России

Произведения Михаила Ларионова, показанные в галерее Поля Гийома в Париже, получили такую оценку поэта Аполлинера: «Рафинированное искусство лучизма является наиболее свободным и наиболее новым выражением современной русской художественной культуры»

Лебедев Владимир Васильевич

1891–1967 Ленинградский график, мастер книжной иллюстрации, оформивший более 50 изданий, автор серии утонченнейших ню и эмблематических плакатов, Владимир Лебедев принадлежал к той сложной, многогранной культуре, которая совсем не попадала в советский мейнстрим, но существовала параллельно.

Наиболее значимые работы Владимира Лебедева «Женщина с гитарой», 1930, ГРМ (на иллюстрации справа) «Натурщица со спины», 1927, ГТГ «Катька», 1918, ГРМ Обложка книги С. Я. Маршака «Усатый-полосатый», 1930 «Натюрморт с гитарой», 1930, Тульский художественный музей

асто графика воспринимается как вспомогательный вид искусства. Всевозможные «истории живописи», от региональных до всемирных, переполняют полки книжных магазинов и библиотек, в то время как изданий, посвященных истории графики, в мировом искусствознании почти нет. Владимир Лебедев – один из тех мастеров, кто утвердил самоценность графики как таковой. Он не имел систематического художественного образования. Одно время занимался в студии баталиста Франсиса Рубо, учился в разных частных школах. Довольно рано стал сотрудничать с журналами, работал в «Окнах РОСТА». В 1920-е годы Лебедев создал серии, изображавшие окружающую жизнь: «Панель революции», «НЭП», «Новый быт». Эти рисунки печатали в журналах. В 1920-е же он виртуозно исполнил «сюиту» из многочисленных рисунков обнаженных. Они словно продолжают традицию пастелей Эдгара Дега, но по своей поэтической изысканности, возможно, даже превосходят работы великого француза. С 1921 года художник начал оформлять детские книги. В известном доме Зингера в Петербурге, на третьем этаже находилась редакция «Детгиза», где стараниями Лебедева и Маршака возникла настоящая школа детской книжной иллюстрации. Друг и ученица Лебедева, Татьяна Шишмарева, вспоминает: «Про него ходили легенды. Говорили, что он создал в издательстве удивительную творческую атмосферу, что с молодежью там возятся, учат, подбирают ей работу. Это совсем не то, что частные издательства, где царит вкус хозяина». Почти 90 лет дети в России читают Маршака, Киплинга, русские сказки в иллюстрациях Владимира Лебедева. В 1930-е годы художник оказался в числе неугодных талантов. Его работы критиковали в печати. А в 1936-м в «Правде» появилась разгромная статья «О художникахпачкунах», где мишенью автора стали Владимир Лебедев и Владимир Конашевич.

100 великих художников России

«Он был боксером, и увлекался боксом, и судил, и был освобожден от этого “за кровожадность”, как сам говорил. Знал всех боксеров, встречался с ними, собирал журналы, фото и материалы о боксерах и матчах» – из воспоминаний о Владимире Лебедеве

Левитан Исаак Ильич

1860–1900 Насколько легкими и ясными кажутся полотна Исаака Левитана, настолько же трудным и заковыристым был путь к признанию мастера, руководимого музами Эрато и Эвтерпой.

Наиболее значимые работы Исаака Левитана «Над вечным покоем», 1894, ГТГ (на иллюстрации справа) «Весна. Большая вода», 1897, ГТГ «Вечерний звон», 1892, ГТГ «Сумерки. Стога», 1899, ГТГ «Уборка сена», 1900, ГТГ

еликий мастер российской школы живописи происходил из бедной семьи, проживавшей в литовском городке Кибартай. Его дед был раввином. Отец, владевший французским и немецким, служил переводчиком при строительстве железнодорожного моста, затем кассиром. В семье росло четверо детей. Желая дать им образование, родители переехали в Москву. Исаак Ильич и его старший брат поступили в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Учителями Исаака Левитана стали Алексей Саврасов, а после его ухода – Василий Поленов. Руководство, зная о сложном положении семьи и видя целеустремленность юношей, освободило их от платы за обучение. Когда Исааку исполнилось пятнадцать лет, умерла мать. Спустя два года Левитаны потеряли отца. Совет училища поддержал студента, определив ему небольшое пособие. Удача улыбнулась Левитану в 1880-м: его картину «Осенний день. Сокольники» прямо на студенческой выставке купил Павел Третьяков. Следующий год принес художнику серебряную медаль и стипендию, предназначавшуюся для поездки на Волгу. Однако деньги пришлось потратить на лечение сестры. Зимой 1884–1885 годов художник был на грани самоубийства – настолько безотрадным казалось его положение. Ситуация повторилась летом 1886-го. Мастера спасли Чеховы, буквально забравшие его к себе на дачу. Поленов познакомил Левитана с Саввой Мамонтовым. Работа над декорациями для частной оперы помогла художнику поправить дела и осуществить мечту: поехать на юг. Крымские этюды приносят признание и успех. Он выставляется, преподает, совершает путешествие по Волге. Новые яркие впечатления подарил Левитану 1890 год, когда художник впервые отправился за границу. Италия, Париж – другое освещение, другой колорит и световоздушная среда. В конце 1890-х друг за другом несколько событий подтверждают славу мастера. Он получает звание академика живописи. В Мюнхене проходит выставка его работ. А на легендарной Всемирной выставке в Париже 1900 года Левитан был представлен четырьмя картинами. Увы, но в том же году Левитан скончался. Только в 1941-м его прах был перенесен с не сохранившегося до наших дней подмосковного кладбища на Новодевичье. Теперь его могила находится рядом с Чеховым.

100 великих художников России

После смерти родителей, лишившись дома и средств к существованию, будущий виртуоз пейзажа был вынужден ночевать где придется: у друзей, в училище, даже на скамейках

Левицкий Дмитрий Григорьевич

1735–1822 Произведения Дмитрия Левицкого маркируют переход русской школы живописи на качественно иной уровень. Теперь уроки европейских мастеров не просто усвоены: у Левицкого появляется долгожданная свобода владения кистью, озаренной интеллектом художника.

Наиболее значимые работы Дмитрия Левицкого «Портрет А. Ф. Кокоринова», 1769, ГРМ (на иллюстрации справа) «Портрет Е. И. Нелидовой», 1773, ГРМ «Портрет П. А. Демидова», 1773, ГТГ «Портрет М. А. Дьяковой», 1778, ГТГ «Портрет Екатерины II в виде законодательницы в храме Правосудия», нач. 1780-х, ГТГ

сновы ремесла художника Левицкому преподал его отец, продолжатель старинного рода, священник, увлекавшийся гравированием. В портретах учителя Левицкого – Алексея Антропова – еще разобщены пространство и фигуры. Федор Рокотов, ровесник Левицкого, хотя тоже выходил на европейский уровень, ставил иные задачи, концентрируясь на камерном портрете. У Левицкого же появляется стопроцентный парадный портрет, где персона представлена сообразно своему социальному статусу. В работах мастера проявились черты, свойственные неоклассицизму. Так, модели художника обязательно указывают на плоды своих усилий. Архитектор Александр Кокоринов (будущий ректор академии) демонстрирует план Академии художеств. Мультимиллионер Никита Демидов (на его племяннице был женат Кокоринов) небрежно широким жестом направляет взгляд зрителя на растения в горшках, за которыми на заднем плане виднеется фрагмент здания Воспитательного дома, построенного на средства портретируемого. Параллель между выращиванием цветов и заботой о детях очевидна. Этот портрет примечателен еще тем, что его парадность маскируется домашним костюмом и позой Демидова. На другом полотне императрица Екатерина, чьи заслуги перед Россией подчеркивает орденская лента, указывает на жертвенник в храме богини правосудия. Отдельную группу представляют портреты воспитанниц Смольного института благородных девиц, первого отечественного учебного заведения для женщин. Обу чение в институте длилось 12 лет. Каждому из четырех возрастов соответствовал свой цвет форменного платья. Кофейный тон для младшего возраста символизировал близость к земле. Его высветление по мере перехода в более старшие классы означало возрастание аккуратности и образованности. В портретах Левицкого, написанных по заданию Екатерины II, смолянки деятельны и демонстрируют плоды образования: игру на музыкальном инструменте, инсценировку пьесы, умение изящно танцевать.

100 великих художников России

Архитектор Александр Кокоринов, чей портрет принес Дмитрию Левицкому звание академика, был несправедливо обвинен в растрате государственных денег, выделенных на благоустройство Академии художеств, о которой Кокоринов заботился, как о ребенке. Архитектор покончил с собой, не дождавшись решения комиссии, в итоге оправдавшей его

Лентулов Аристарх Васильевич

1882–1943 В рецензии на выставку «Венок» 1909 года Александр Бенуа писал: «Аристарх Лентулов – прекрасный красочный дар. Не бросать грязью нужно в этого человека, а нужно ценить его ясный, радостный талант, его бодрое отношение к делу. Картины его поют и веселят душу».

Наиболее значимые работы Аристарха Лентулова «Мужчина и женщина (Две фигуры)», 1910, Псковский государст венный объединенный историко-архитектурный и художественный музейзаповедник «Женский портрет», 1917, Пермская государст венная художественная галерея «Василий Блаженный», 1913, ГТГ (на иллюстрации справа) «Ай-Петри», 1926, ГТГ «Страстная площадь ночью. Москва», 1928, ГРМ

тец Аристарха Лентулова, священник села Воронье, умер, когда будущему художнику не исполнилось и трех лет. Матери нужно было воспитать троих детей. Как сын священника, Аристарх имел право на зачисление в духовную школу и после в семинарию. Как только было организовано Пензенское художест венное училище, Лентулов поступил туда в первом наборе. Вскоре перешел в Киевское училище. Затем попытал счастья в Петербурге. Хотя в академию не прошел, его пригласил в свою мастерскую помощник Ильи Репина Дмитрий Кардовский. В 1907 году Лентулов познакомился с авангардистом Николаем Кульбиным. Спустя некоторое время в Москве подружился с Михаилом Ларионовым и братьями Бурлюками, стал участвовать в новаторских выставках. В 1908 году художник женился на курсистке Марии Рукиной. Ее родители, пре успевающие новгородские купцы, были против этого брака. Девушка отказалась от наследства. Супруги поселились в Москве, на Садовой-Кудринской. В гости к ним регулярно захаживали Алексей Толстой и Владимир Маяковский, Игорь Северянин и Велимир Хлебников, Валерий Брюсов и братья Бурлюки. Лентулов стал одним из организаторов культовой выставки 1910 года «Бубновый валет». В сентябре следующего года художник с супругой отправился в Париж, где посещал академию «Ля Палетт» («Палитра»), напрямую познакомившись с кубизмом. На выставках Лентулов видел работы Жоржа Брака, Хуана Гриса, Фернана Леже, Робера Делоне, Кееса ван Донгена. В 1912 году семейство поехало в Италию, но в том же году вернулось в Москву. После революции художник преподавал в бывшем Строгановском училище и бывшем Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Помимо станковой живописи, он занимался оформлением революционных празднеств и сотрудничал с театрами. В его декорациях были поставлены спектакли Таирова, Комиссаржевского, Немировича-Данченко.

100 великих художников России

Когда Аристарх Лентулов держал экзамен в академию, он положил зеленую тень, что заставило преподавателя заметить: «Где же это вы видите, молодой человек, на носу модели зеленый цвет?» «А разве вы не видите? В таком случае мне вас жаль», – последовал ответ художника

Лучишкин Сергей А лексеевич

1902–1989 Этот художник долго и много искал себя: реальное училище, курсы декламации, режиссерские курсы, наконец, Высшие художественно-технические мастерские. Сюда Сергей Лучишкин попал в тот период, когда здесь преподавали великие амазонки авангарда: Любовь Попова, Александра Экстер, Надежда Удальцова.

Наиболее значимые работы Сергея Лучишкина «Шар улетел», 1926, ГТГ «Старт перед финишем», конец 1920-х, ГТГ (на иллюстрации справа) «Праздник книги» («Тверской бульвар»), 1927, ГТГ «Лыжники», 1926, ГРМ «Мавзолей Гур-Эмир. Самарканд», 1970-е, частное собрание «Спартакиада народов СССР», 1932, ГТГ

самой известной картине Сергея Лучишкина «Шар улетел» есть нечто, напоминающее городские пейзажи сюрреалиста Джорджо де Кирико, ощущение безлюдности, пустого города. Хотя в окнах домов у Лучишкина зритель видит людей, они слишком маленькие, ничтожные по сравнению со Сциллой и Харибдой зданий, между которыми находится одинокая фигурка девочки, упустившей шар. Игра с перспективой, «опрокидывание» домов на-от зрителя позволяют художнику заворожить, втянуть в картину. А очень нежный колорит, диссонирующий с назойливым красным акцентом шарика, создает мучительное навязчивое ощущение, что «что-то не в порядке». При повторном кружении взгляда по картине обнаруживается источник этого «непорядка» – фигура повесившегося в одном из окон. И все это на фоне бескрайнего неба. Столь жуткое и притягательное произведение создано в 1920-е годы, когда еще искренний оптимизм переполнял многих мастеров (отметим, что коллегой Лучишкина по ОСТу был Александр Дейнека). Уже через год после написания эта картина, купленная по предложению Игоря Грабаря, поступила в Третьяковку – тогда Лучишкину было всего 25 лет. Позже в книге воспоминаний, вышедшей в 1988 году, он писал, что хотел передать в этой работе ощущение маленького ребенка на дне двора-колодца: «Сюжет картины возник как бы изнутри от смутного чувства утраты желаемого, столь часто охватывающего нас в детстве, и, увы, сопровождающее нас всю жизнь». Художник родился в семье лавочника, где любили музыку и интересовались теат ром. После одного концерта Сергей попросил родителей, чтобы его отдали учиться игре на скрипке, и в течение 10 лет постигал это мастерство. Увлеченность театральным искусством проявилась в студенческие годы, когда Лучишкин принимал участие в постановках «Проекционного театра», где пытались поставить беспредметный спектакль, своеобразный прообраз перформанса. Хотя у Сергея Алексеевича было слабое здоровье (ему даже отказали в прохождении военной службы), он увлекся спортом и темой спорта в живописи. Так появляются знаменитые, но не самые его удачные полотна, посвященные Спартакиаде народов СССР, а также пентаптих «О спорт, ты – мир» 1983 года.

100 великих художников России

Дебютом Сергея Лучишкина в кино стал знаменитый фильм «Цирк» режиссера Григория Александрова. Выступив в нем в качестве художникапостановщика, Лучишкин исполнил огромное число покадровых эскизов, в том числе со знаменитым «танцем на пушке», придав всей картине немного лукавую образную канву

Маврина Татьяна А лексеевна

1900 (1902) – 1996 В 1976 году Международный совет по книгам для молодежи наградил Татьяну Маврину медалью Андерсена за ее вклад в дело иллюстрирования детских книг. За год до этого художница стала лауреатом Государственной премии за иллюстрации к детским книгам.

Наиболее значимые работы Татьяны Мавриной Илл. к «Сказке о царе Салтане» А. С. Пушкина (на иллюстрации справа) «Истра. Синяя вода», 1970, частное собрание «Лошади», 1981, из альбома «Один день. Вербное воскресенье», частное собрание «Снегопад», 1990, частное собрание «Лимоны», 1991, частное собрание

удущая художница родилась в Нижнем Новгороде в семье учителей. Ее отец был литератором, а мать преподавала в пятиклассном училище. В семье росло четверо детей. Брат художницы, Сергей Маврин, впоследствии стал академиком, основоположником советской кибернетики, создал первый советский компьютер. После революции отца Татьяны часто переводили из города в город. В итоге его вызвал в Москву сам Луначарский для того, чтобы наладить диапозитивное дело (то есть проекции при помощи слайдов). В Москве Маврина училась во ВХУТЕМАСе (Высших художественно-технических мастерских). Важнейшим фактором, повлиявшим на становление живописного видения, сама художница называла знакомство с коллекциями Щукина и Морозова. Любимыми мастерами русского искусства для Мавриной стали Михаил Врубель, Виктор Васнецов, «мирис кусники». После выставки группы «13», названной так по количеству участников (среди которых были Давид Бурлюк, Александр Древин, Надежда Удальцова), в 1931 году Маврину обвинили в «бездарности, буржуазном эротизме, гнилом буржуазном эстетизме». Жизнеутверждающие, яркие произведения Татьяны Мавриной, напоминающие то детские рисунки, то лубок, то полотна Анри Матисса, создают атмосферу сказки, разудалой песни. Среди многочисленных работ художницы наиболее известны иллюстрации к детским книжкам, особенно «Сказочная азбука», вышедшая в 1969 году. Маврина также оформляла сочинения Бальзака, Стендаля, Гофмана, Лермонтова. В 1980 году были изданы альбом «Пути-дороги», посвященный русским городам, их архитектуре, и совместные книги Мавриной и классика детской литературы второй половины XX века Юрия Коваля. Во время войны Татьяна Алексеевна стремилась зафиксировать все московские церкви, памятники архитектуры, боясь, что они могут погибнуть. Художница признавалась, что стеснялась рисовать на улице, поэтому старалась максимально точно запомнить все детали и воспроизводила их, уже стоя в каком-нибудь подъезде. В ее зарисовках постройки оживают. Маврина наделяла их выразительностью, свойственной и ее словесным описаниям. Например, узоры храма Василия Блаженного она называла огородом чудовищных овощей. Девяностолетняя художница поражала визитеров фонтанирующей энергией, она жила в маленькой квартирке, где стены были оклеены золотой и серебряной бумагой.

100 великих художников России

100

В 1996 году, незадолго до своей кончины, Татьяна Маврина передала в дар Русскому музею не только собственные произведения, но и свою уникальную коллекцию древнерусского и народного искусства – иконы XVI–XIX веков, мелкую пластику, расписные прялки XIX столетия 101

Малевич Казимир Северинович

1878–1935 По количеству мифов и эмоциональных толкований «Черный квадрат» Казимира Малевича как артефакт, наверное, находится на одном месте с египетскими пирамидами. Их сближает и навязчивая геометрия.

Наиболее значимые работы Казимира Малевича «Весна. Цветущий сад», 1904, ГТГ «Цветочница», 1903, ГРМ «Супрематизм», 1915, ГРМ «Спортсмены», 1928, ГРМ «Женщина с граблями», 1930–1931, ГТГ «Сестры», 1930, ГТГ (на иллюстрации справа)

еликая революция Казимира Малевича, которую он совершил в живописи, заключалась в тотальном отказе от изобразительности. У Василия Кандинского, казалось бы, живопись беспредметна, но в его картинах угадываются очертания тех или иных объектов, пусть даже и на уровне ассоциаций. У Казимира Малевича же наступает буквально конец предмета. В каком-то смысле эта идея близка проблеме, которой озадачивается Алиса в знаменитой сказке Льюиса Кэрролла: «Попробуй представь себе множество. – Множество чего? – Ничего, просто множество…» Так и «Черный квадрат» – это изображение ничего, просто изображение. Это направление в искусстве получило название супрематизм (от лат. supremus – высший). Концепцию своей деятельности Малевич раскрывает в манифесте «От кубизма к супрематизму. Новый живописный реализм». Рефлексирующие, теоретизирующие художники XX века очень любили писать свои истории искусства по этому принципу – «от и до». Здесь показателен акцент на процессе и обозначении точки отсчета. Хотя эволюция Малевича, как и всех художников первой половины XX столетия, началась с импрессионизма, постимпрессионизма и так далее. Ключевым событием стала футуристическая выставка «0,10», где автор представил 49 беспредметных композиций. В красном углу на месте иконы красовался «Черный квадрат». Но также там были «Черный круг», «Черный крест» и «Красный квадрат». Позже появился «Белый квадрат». Вот что сам художник писал о них: «Супрематические три квадрата есть установление определенных мировоззрений и миростроений… Черный как знак экономии, красный как сигнал революции и белый как чистое действие». Казимир Малевич сотрудничал с Государственным фарфоровым заводом (бывшим Императорским). Он разработал знаменитые получашки, когда половина чашки буквально отсекается по вертикали. Его супрематические композиции на драгоценном белоснежном фарфоре оказались очень удачным декоративным решением. Наиболее плодотворными в этой области стали эксперименты ученика Малевича, Николая Суетина, возглавлявшего лабораторию при заводе.

100 великих художников России

102

Казимир Малевич – рекордсмен мировых аукционов. В 2000 году его «Супрематическая композиция» ушла за 10 миллионов долларов, в 2008-м Sotheby’s выручил за картину художника более 60 миллионов

103

Малявин Филипп Андреевич

1869–1940 История жизни Филиппа Малявина, которого Александр Бенуа назвал Геркулесом живописи, напоминает сюжеты литературных бестселлеров: провинциальный крестьянин, монах-иконописец, академик, эмигрант.

Наиболее значимые работы Филиппа Малявина «Вихрь», 1905–1906, ГТГ (на иллюстрации справа) «Бабы» («Зеленая шаль»), 1914, ГТГ «Автопортрет с женой и дочерью», 1911, Окружная художественная галерея, Ханты-Мансийск «Портрет Елизаветы Мартыновой», 1897, ГРМ «Портрет А. С. Боткиной» («Лисичка»), 1902, ГТГ

удожник родился в селе Казанки Самарской губернии в многодетной крес тьянской семье. В 16 лет Филипп Малявин поехал на Афон и стал послушником в монастыре, где работал в иконописной мастерской. Судьба свела его с известным скульптором Владимиром Беклемишевым, преподавателем Академии художеств, также приехавшим на Афон. Увидев работы Малявина, Беклемишев не только убедил его поступать в академию, но даже предоставил свой дом в Петербурге. В академию Малявин был зачислен в качестве вольнослушателя на живописное отделение. Когда открылась мастерская Ильи Репина, бывший афонский послушник оказался в числе наиболее ярких учеников (вместе с Константином Сомовым и Игорем Грабарем). Очень быстро Малявин добился успеха: его картины покупал Третьяков, о нем писали в газетах, ему заказывали портреты. Важно, что еще до заграничных поездок художника волновали чисто живописные проблемы – вопросы гармонизации красных и зеленых оттенков (собственно, с решения именно этой задачи и начался радикальный поворот в истории французской живописи в XIX веке). Александр Бенуа писал о молодом художнике: «Таких красивых сочетаний красок, такой бравурности в технике, такой великолепной простоты и смелости не найти на всем протяжении истории русской живописи». Настоящим триумфом становится для Малявина показ его картин на крестьянскую тему в Европе. Как это ни странно на первый взгляд, но работы художника перекликаются с Густавом Климтом. В обоих случаях происходит соединение декоративности панно, разложения костюмов на цветовую мозаику при реалистически убедительном изображении лиц. Другое дело, что малявинские композиции отсылают к совсем иному пласту культуры, к тому бурному народному веселью, которое в европейском искусстве изображали мастера фламандской школы. Конечно, русская версия должна была пленять европейского зрителя своей экзотичностью. В 1900-е Малявин смог купить усадьбу в Рязанской области, где и поселился с семь ей. Затем он отправился на три года в пенсионерскую поездку. В 1920-м переехал в Москву, но спустя два года оказался в Париже, где его картины экспонировались с большим успехом. Во время Второй мировой войны художнику предъявили обвинение в шпионаже, но затем подозрения не подтвердились и его отпустили. Последний удивительный эпизод его биографии – пеший путь из Брюсселя домой в Ниццу, где Малявин и скончался.

100 великих художников России

104

Картина Филиппа Малявина «Смех», отвергнутая советом профессоров Академии художеств Петербурга, тем не менее была отправлена в Париж на Всемирную выставку 1900 года и удостоена там золотой медали, после чего ее купил Музей современного искусства Венеции

105

Машков Илья Иванович

1881–1944 Русский сезаннист, один из идеологов «Бубнового валета», любящий эпатаж, Илья Машков работал в основном в портрете и натюрморте. Эти два жанра у него как бы менялись местами. Фрукты на его картинах хохочут, а модели застывают как фарфор.

Наиболее значимые работы Ильи Машкова «Натюрморт со сливами и розовым цветком», 1910-е, частное собрание (на иллюстрации справа) «Натюрморт. Фрукты на блюде», 1910, ГТГ «Снедь московская. Хлебы», 1924, ГТГ «Пейзаж с акведуком. Италия. Нерви», 1913, ГТГ «Автопортрет», 1911, ГТГ

ровинциал, родившийся в станице Михайловская-на-Дону (Волгоградская область), он своей сочной и «наглой» живописью взрывал искушенную Москву. Эксцентричный темперамент Ильи Машкова просится в сценарий. Художник, которого, по законам жанра, исключили из Московского училища живописи, ваяния и зодчества (где его преподавателями были Валентин Серов, Константин Коровин, Аполлинарий Васнецов), основал свою студию (вместе с Петром Кончаловским). И она стала самой дорогой и самой популярной в Москве. Эта мастерская, открытая в 1904 году, дожила до 1917-го. В общей сложности в ней учились более 3000 (!) человек. Среди них были Роберт Фальк, Владимир Татлин, Александр Осмеркин. В юности Машков был мальчиком на побегушках у торговцев, с семи утра до девяти вечера он должен был быть на ногах. Правда, будущий художник с удовольствием исполнял «торговые плакаты», а также копировал лубки. Задействование такой изобразительной культуры (вывески, плакаты, лубок) будет затем характерно для «Бубнового валета». Примитивизм как средство усиления выразительности использовался художниками и России, и других европейских стран. Интересно, что в позднем творчестве будут доминировать реалистические интонации, предметы в натюрмортах Машкова станут гораздо более осязаемыми, уйдет декоративизм, композиции приобретут академическую точность. С 1918 года Машков преподавал в Высшем художественно-техническом институте в должности профессора. В 1930-е, в контексте программы коллективизации, Наркомат по просвещению командировал его на родину, в Михайловскую, где был организован колхоз имени Ворошилова. От художника требовалось изобразить счастливое колхозное строительство. Однако Машков, потрясенный деградацией станицы, разработал проект создания образцового социалистического городка. Проект предусматривал строительство новых дорог, машинно-тракторной станции, изменение архитектурного облика. Центром жизни города должен был стать Дом социалистической культуры, в котором предполагалось обустроить кинотеатр, театр, буфет, обсерваторию и спортзал. Причем Машков отнюдь не был утопистом, он занялся этим проектом всерьез, даже вложил собственные средства, а также организовал сбор пожертвований, закупку и доставку материалов и оснащения для Дома соцкультуры. В 1931 году ДК был открыт и просуществовал до 1960-х. Удалось открыть библиотеку, футбольное поле, провести радио, электричество, построить парашютную вышку (Машков сам с нее прыгал), поставить на улицах фонари.

100 великих художников России

106

Илья Машков считается одним из крупнейших мастеров натюрморта в русском искусстве. А в годы нэпа такие его работы, как «Хлебы», «Мясо и дичь», воспринимались как своего рода символы наступившего благополучия. Кроме того, в 1937 году картины Машкова были отмечены золотой медалью на Всемирной выставке в Париже

107

Митурич-Хлебников Май Петрович

1925–2008 Его тончайшее, изысканное искусство, впитавшее графическую культуру дореволюционной России, как ни странно, получило официальное признание в Советском Союзе. Май Митурич был удостоен звания народного художника РСФСР, был членом Российской академии художеств, в 1978 году стал лауреатом Международной премии имени Андерсена.

Наиболее значимые работы Мая Митурича «Поэт», 2001, частная коллекция (на иллюстрации справа) «У ручья», 1972, ГТГ «Муха-цокотуха», илл. к книге К. И. Чуковского «Тараканище», илл. к книге К. И. Чуковского Обложка сборника японских сказок «Веер молодости» «Дракон», илл. к сборнику японских сказок «Веер молодости»

ай Митурич был сыном выдающегося графика, племянником поэта Велимира Хлебникова. Его мать Вера Хлебникова также занималась живописью. Как сказал сам Май Петрович: «В такой семье я был просто обречен стать художником». Естественно, его первыми учителями были родители. В 1942 году Май Митурич отправился на фронт и через Курскую дугу вместе с Советской армией дошел до Берлина. После окончания войны, в 1948-м, поступил в Полиграфический институт, где впоследствии преподавал. Семейную художест венную традицию продолжили дочь и внучка Мая Петровича. Основная сфера деятельности художника – книжная иллюстрация. Он оформил более 100 детских книг. Из них наиболее известны иллюстрации к японским сказкам (выдержавшим несколько изданий), произведениям Чуковского, Маршака, Снегирева, Барто, Михалкова, Киплинга, Кэрролла, Аксакова. За иллюстрации к «Стихам для детей» Самуила Маршака художник получил серебряную медаль и диплом Международной выставки искусства книги в Лейпциге в 1965 году. Также Митурич оформил «Одиссею» Гомера. Другой важной его работой стало оформление Палеонтологического музея. Художник расписал совместно с Виктором Дувидовым более 200 квадратных метров. За этот проект в 1993 году Митурич получил Государственную премию РФ. Художник много путешествовал. В 1960-е – 1970-е побывал на Камчатке, Белом море, Алтае, в Заонежье, Бурятии, Туве. У Митурича сложились особенные отношения с Японией. Искусство этой страны стало одним из его творческих ориентиров. По приглашению владельца галереи, специализирующейся на русском искусстве, Май Петрович неоднократно приезжал в Японию в 1990-е годы, жил на Хоккайдо, его работы выставлялись по всей стране. Помимо известных по иллюстрациям к книгам акварелей, художник написал около 130 «японских» картин. Даже иллюстрировал Басё. В 2005-м Май Митурич был награжден правительственной наградой Японии – стал кавалером ордена Восходящего солнца.

100 великих художников России

108

Традиция японской каллиграфии и рисунки тушью были для Мая Митурича одним из главных источников вдохновения. Даже свои произведения он иногда подписывал на японский манер – маленькой красной печатью со своим именем, стилизованным под иероглифы 109

Назаренко Татьяна Григорьевна

Родилась в 1944 году «Я все время занимаюсь одним, варьирую одну и ту же тему – тему одиночества. Одиночество представляется мне одной из самых значительных драм человека». Наиболее яркая представительница семидесятников, с 1966 по 1980 год Татьяна Назаренко принимала участие во всех молодежных выставках, от городских до всесоюзных. Ее картины очень узнаваемы благодаря языку метафор и аллюзий.

Наиболее значимые работы Татьяна Назаренко «Цветы. Автопортрет», 1979, ГТГ «Казнь народовольцев», 1969–1972, ГТГ (на иллюстрации справа) «Импровизация “История доктора Фауста” А. Шнитке», 1984, коллекция П. Людвига, Кельн «Танец», 1980, Министерство культуры СССР «Мастерская», 1983, ГТГ

удожница родилась в конце войны, в 1944 году, в Москве. Ее отец был на фронте. Когда война закончилась, его перевели на Дальний Восток. Татьяна с бабушкой (деда репрессировали в 1930-е и реабилитировали в конце 1950-х) осталась в Москве. Девочка окончила художественную школу, где нашла подруг, впоследствии также ставших известными художницами: Наталью Нестерову, Ксению Нечитайло, Ирину Старженецкую. Благодаря культовой выставке шедевров Дрезденской галереи, показанных в 1955 году в ГМИИ им. Пушкина, Назаренко познакомилась с искусством Северного Возрождения, оказавшим на нее глубокое воздействие. В 1962 году Татьяна поступила в институт им. В. И. Сурикова, где в то время преподавали Алексей Грицай и Дмитрий Жилинский. Во второй половине 1960-х Назаренко путешествовала по Средней Азии, вдохновившей ее на многие картины. Вернувшись в Москву, она нашла новую тему – жизнь своего поколения. Поэтому часто в картинах появляется образ самой художницы и сливаются бытовой жанр и групповой портрет. «Мне кажется, что у нас очень много маскарада в жизни, в рассуждениях, выступ лениях, искусстве – люди прикрывают лицо маской – это стало нормой… Семидесятые заставили прибегнуть к иносказанию, двусмысленное время, когда вроде бы многое разрешено, и вместе с тем снова нет, снова закрыто». Живопись Назаренко символична, за видимыми явлениями скрыты другие пласты смыслов. Художница полагала, что в искусстве должен быть секрет, который каждый может по-своему раскрывать. Назаренко говорила, что ей не хочется работать, когда все лучезарно и прекрасно. В отличие от озадачившего ее когда-то Анри Матисса, называвшего искусство креслом уставшего человека, Назаренко ориентировалась на зрителя, старающегося понять. Для нее искусство – это работа не только для автора, но и для зрителя. С 1969 года Татьяна Назаренко была членом Союза художников СССР. В том же году она посетила Италию. В 1972-м побывала на Кубе, спустя семь лет – в Норвегии. В 1984 году художница совершила поездку в ФРГ, потом в США. Ее работы экспонировались на выставках в Венгрии, ГДР, ФРГ, Болгарии.

100 великих художников России

110

«Я часто сталкивалась с тем, что зрители вообще не знают, что у нас есть изобразительное искусство. На выставки ходят лишь очень немногие. Сколько раз москвич был в Третьяковской галерее? Один раз? И то в детстве» – из рассуждений Татьяны Назаренко

111

Немухин Владимир Николаевич Родился в 1925 году Еще не так давно картины Владимира Немухина, ярчайшего представителя московского неофициального искусства, одного из участников знаменитой «бульдозерной выставки» 1974 года, увидеть в России было почти невозможно. Сегодня же они хранятся в Третьяковской галерее и Русском музее.

Наиболее значимые работы Владимира Немухина «Голубой день», 1959, собрание фонда «Екатерина» «Преферанс № 4», 1974, частное собрание (на иллюстрации справа) «Черный ломберный», 1990, ГТГ «Посвящение А. Ремизову», 1986, бронза, ГТГ «Композиция», 1960, частное собрание «Затмение», 1995, частное собрание

ладимир Немухин родился в семье рабочего, переехавшего из деревни. В одном из интервью художник делился воспоминаниями о первом походе в Третьяковку. Тогда отец долго рассказывал ему о картине Ильи Репина «Иван Грозный убивает своего сына». Мальчик настолько проникся, что даже упал в обморок. Немухин сначала посещал занятия в изостудии Петра Ефимовича Соколова, ученика Малевича, затем поступил в Строгановку. Оформительская деятельность, создание плакатов давали заработок. Во второй половине 1950-х годов Немухин познакомился и сблизился с Оскаром Рабиным, вместе с которым и стал одним из организаторов знаменитой «бульдозерной выставки» 1974 года (получившей такое название из-за того, что полотна художников московского андеграунда были раздавлены бульдозерами). В 1960-х –1970-х годах ему удалось активно выставляться за пределами СССР: в Италии, Франции, Дании, США, ФРГ, Швейцарии. Сегодня художник живет и работает в Германии, лишь периодически наведываясь в Россию. Немухин развивает традиции нефигуративного искусства. Появившийся в начале XX века авангард, пусть и ушедший в андеграунд в советское время, стал альтернативной художественной реальностью. К ней принадлежит и творчество Владимира Николаевича, проходившего, что естественно, в своей личной эстетической эволюции через разные «измы» (абстракционизм, концептуализм). Художник рассуждал: «Инвентарь элементов изобразительного языка состоит в первую очередь из предметов. Они были и прежде – деревья, банки, коробки, газеты, то есть как бы простые, узнаваемые объекты. В конце 1950-х все это перешло в абстракцию, и вскоре сама эта абстрактная форма меня стала утомлять». Примечательно, что художник подчеркивает свою принадлежность к московской школе живописи, связывая разницу в восприятии и мировоззрении москвичей и ленинградцев с различной организацией города, другими масштабами. Говоря о современной Москве, ее изменениях, Владимир Немухин высказывал мысль о том, что «новая эклектичная архитектура, которую, наверное, отнесут к стилю новых русских, все же пытается быть новой».

100 великих художников России

112

«”Бульдозерная выставка” – схватка доведенных до отчаяния художников с властью. Художники не знали, что делать, где выставляться. Власть не знала, что делать с этими авангардистами... Получился скандал на весь мир… Насилие властей над искусством всегда проигрывает» – из рассуждений Владимира Немухина о «бульдозерной выставке» 1974 года

113

Нестеров Михаил Васильевич

1862–1942 Мастер религиозной живописи в младенчестве был хилым ребенком, и однажды родители даже решили, что он умер. Но по дороге на кладбище Михаил вдруг ожил и начал дышать. Мать не сомневалась, что сына спас святой Тихон Задонский, чью икону она положила на грудь мальчика.

Наиболее значимые работы Михаила Нестерова «Молчание», 1903, ГТГ «Портрет дочери Ольги» («Амазонка»), 1906, ГРМ «Философы», 1917, ГТГ «Портрет Павлова», 1935, ГТГ «Портрет Мухиной», 1940, ГТГ (на иллюстрации справа)

ормирование Михаила Нестерова как художника приходится на эпоху историз ма, когда в моду входит интерес к национальному культурному достоянию, возникает неорусский стиль в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве. Другой процесс связан с проблемой обновления религиозного искусства, превратившегося к последней трети XIX столетия в симулякр. Также 1880-е годы – это время рождения символизма и модерна. Нестерову удалось органично объединить, свести в целое все эти тенденции. Результатом стало появление религиозных картин, наполненных русским колоритом, но стилистически близких модерну. Именно от последнего к художнику приходят разбеленная гамма, тяготение к изысканной монохромности, атмосфера недосказанности. Прием максимального приближения фигуры к границам картинной плоскости на фоне панорамного пейзажа, что создает эффект аппликации, также восходит к символизму и модерну. Особенно ярко связь творчества Нестерова с этими художественными течениями видна на примере работ 1900–1910-х годов. В позднем творчестве, в 1930–1940-е, доминирует жанр портрета. Причем художника интригуют образы людей – носителей творческой и научной энергии. Нестеров родился в Уфе в семье купца. После окончания гимназии обучался в Москве в реальном училище. Затем в 1876-м поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где его преподавателями были Василий Перов, Владимир Маковский, Илларион Прянишников. В Москве Нестеров познакомился с Исааком Левитаном и Константином Коровиным. В Петербурге в академии учился у Павла Чистякова. Северная столица познакомила его с Иваном Крамским. В 1883 году Нестеров вернулся в московское училище. Спустя два года женился, вопреки воле родителей, на Марии Мартыновской. Однако супруга умерла через сутки после родов, оставив художнику дочь Ольгу. Помимо станковой живописи, Нестеров участвовал в росписи Владимирского собора в Киеве по приглашению Виктора Васнецова, создавал мозаики церкви Спаса на Крови в Петербурге, расписывал Марфо-Мариинскую обитель в Москве и церковь Александра Невского в Абастумане на Кавказе.

100 великих художников России

114

«Жаль только, что этот одаренный истинно мистической натурой художник до такой степени спутан чем-то весьма похожим на честолюбие, до того погружен в чисто суетные интересы, что мистический идеал, живущий в его душе сильно, с каждым годом меркнет и теряется», – писал Александр Бенуа о Михаиле Нестерове

115

Нисский Георгий Григорьевич

1903–1987 В 1934 году выдающийся французский пейзажист Альбер Марке приехал в СССР. Художник много ходил по музеям, и когда его спросили, какая же картина ему запомнилась, то он без долгих раздумий назвал пейзаж Георгия Нисского «Осень».

Наиболее значимые работы Георгия Нисского «Подмосковье. Февраль», 1957, ГТГ (на иллюстрации справа) «Подмосковная рокада», 1957, Львовская картинная галерея «Осень. Семафоры», 1932, ГТГ «Самолет в ангаре», 1930-е, Чувашский государственный художественный музей «На путях. Май», 1933, Волгоградский музей изобразительных искусств

роблема передачи движения интересовала художников начиная с эпохи Возрождения. По мере развития европейской цивилизации, создания новых механизмов мастера живописи пытались передавать движение паровоза, парохода, ощущение ритма и скорости. Эту традицию развивал и Георгий Нисский. В его картинах появляются приемы, которые позже стали использоваться в компьютерных играх. Например, зритель видит пейзаж с той точки зрения, какая должна быть у машиниста электропоезда («На путях. Май»). При этом линии классической перспективной коробки, видоизменяясь, превращаются в линии рельсов. Георгий Нисский родился на станции Новобелица, которая сегодня находится в городской черте Гомеля и является уже территорией Белоруссии. Его отец служил станционным доктором. Основы художественной грамоты будущий художник получил в Гомельской школе им. Врубеля. Затем учился во ВХУТЕМАСе, где его наставниками стали Александр Древин и Роберт Фальк. Глубокое воздействие на Нисского оказали произведения Александра Дейнеки. Об этом говорят приемы монтажа, комбинации ракурсов. Небо, провода, поезда – вот основные мотивы, которые варьирует художник. Его пейзажи перекликаются с произведениями Александра Лабаса, также входившего в объединение ОСТ (Общество станковистов). В обоих случаях художники делятся со зрителем ощущением восторга от движения огромной махины (только в одном случае это дирижабль, а в другом – поезд). Нисский входил в Союз художников, был членом Академии художеств, трижды становился лауреатом Госпремии СССР и награждался орденом Трудового Красного Знамени. На Всемирной выставке в Париже в 1937 году его картина «Встреча» получила бронзовую медаль. Другая грань натуры художника хорошо раскрывается через его хобби. Нисский был заядлым яхтсменом: «В гавани он всегда появлялся в кожаной куртке, кажется, даже на меху и форменной фуражке с яхтсменским крабом». Георгий Григорьевич близко дружил с Дмитрием Леонидовичем Зворыкиным, одним из самых известных советских тренеров по парусному спорту. Кстати, в свою очередь Зворыкин приходился двоюродным племянником Владимиру Козьмичу Зворыкину, изобретателю телевидения.

100 великих художников России

116

«По характеру и творческому призванию он был романтиком. Много ездил по стране, с восторгом и упоением изображал стройки, новые заводы, мосты, плотины. Очень любил море, корабли, бухты, порты, надутые ветром паруса яхт. И не желая быть только наблюдателем, стал яхтсменом и даже руководил командой московского яхт-клуба» – из воспоминаний Евграфа Кончина о Георгии Нисском

117

Осмеркин А лександр А лександрович 1892–1953 Если в XIX веке художники шли от реализма к новому видению, будь то импрессионизм или символизм, то в XX столетии многие мастера, в числе которых и Александр Осмеркин, проделали обратный путь – от кубизма к реализму.

Наиболее значимые работы Александра Осмеркина «В кафе», 1919, ГТГ «Натюрморт с бандурой», 1920, ГРМ «Портрет Е. Барковой», 1921, ГРМ «Красная гвардия в Зимнем дворце (Взятие Зимнего дворца)», 1927, ГРМ (на иллюстрации справа) «Новая Голландия», 1948, ГРМ

емья Осмеркина имела крестьянские корни, отец был землемером. Однако дядя, будучи выпускником Московского училища живописи, ваяния и зодчества, освоил профессию архитектора. Сначала Осмеркин обучался в Киеве, в рисовальной школе Общества поощрения художеств, затем в Киевском художественном училище, а в 1913-м переехал в Москву, где занимался в студии Ильи Машкова. Участвовал в выставке объединения «Бубновый валет», представители которого, воспевающие Поля Сезанна, соединили принципы кубизма и фовизма. На жизнь Осмеркин зарабатывал театральными декорациями. Преподавал во Вхутемасе (Высшие художественно-технические мастерские), потом во Вхутеине (Высшем художественно-техническом институте). Принимал участие в украшении Москвы по случаю революционных празднеств, оформлял агитпоезда. Создал два панно для театра Московского совета рабочих депутатов. Осмеркин много спорил с Владимиром Маяковским о роли и занятии художника во время революции. Поэт полагал, что художник не имеет права тихо работать в мастерской над портретами и натюрмортами, как это делал Осмеркин. Сам же художник мечтал о выполнении большой тематической картины, какой должна была стать «Красная гвардия в Зимнем дворце». Это полотно принесло ему премию. Осмеркин сотрудничал с театрами. В Москве в 1936-м в его декорациях был поставлен Александром Таировым в Камерном театре «Евгений Онегин» на музыку Прокофьева. В 1937 году к юбилею Пушкина Осмеркин оформил «Маленькие трагедии» для ленинградского Большого драматического театра. В Северной столице с 1932 года художник вел мастерскую живописного факультета в академии и считал, что главное в преподавании – «воспитание художественной культуры» в студентах. Известно, что последние его любили. Во время войны художник находился в эвакуации в Загорске. С 1948 года он был лишен права преподавания.

100 великих художников России

118

«Рассеянный, мягкий лирик, любитель поэзии, человек абсолютного живописного слуха, артист, лишенный какого бы то ни было делячества, самозабвенно влюбленный в искусство, для которого оно было чем-то неизмеримо большим, чем любые практические соображения …» – писал Дейнека об Александре Осмеркине

119

Остроумова-Лебедева Анна Петровна

1871–1955 Ученица Ильи Репина и Джеймса Уистлера, супруга известного химика Сергея Лебедева, нашедшего способ получения каучука, она, увлеченная гравюрой, нашла те ракурсы Санкт-Петербурга, которые затем стали многократно тиражироваться в фотографиях и открытках. Именно гравюра Анны Остроумовой «Сфинкс» была напечатана на пригласительном билете на первый концерт Седьмой симфонии Шостаковича.

Наиболее значимые работы Анны ОстроумовойЛебедевой «Первый снег», 1917, ГРМ (на иллюстрации справа) «Диоскуры на Капитолийской площади в Риме», 1911, частное собрание «Пейзаж с мостиком», 1922, Нижегородский художественный музей «Развалины монастыря в Испании. Сеговия», 1916, Кировский областной художественный музей имени В. М. и А. М. Васнецовых

тец художницы был тайным советником. Анна Остроумова, в замужестве Лебедева, училась в Литейной гимназии вместе с дочкой Достоевского. По вечерам Анна посещала занятия в Художественном училище барона Штиглица и именно здесь почувствовала любовь к технике гравюры. Затем поступила в Академию художеств, в мастерскую Ильи Репина. Спустя некоторое время мэтр посоветовал барышне отправиться в Париж, где в 1898-м Остроумова выбрала студию Джеймса Уистлера, проведя там два года. В Париже Остроумова сблизилась с художниками круга Александра Бенуа, потом вместе с Евгением Лансере ездила в Италию. С 1900 года она участвовала в выставках «Мира искусства», в одноименном журнале репродуцировались ее произведения. Гравюра на дереве, офорт, акварель – вот техники, в которых работала Остроумова. В 1901 году Сергей Дягилев заказал ей для своего журнала десять видов Петербурга. Так была обретена тема всей творческой жизни. Но, конечно, не только столица стала героем произведений Остроумовой-Лебедевой, много путешествовавшей и умевшей очаровываться и другими городами. В 1905 году Анна Петровна вышла замуж за выдающегося химика Сергея Васильевича Лебедева, тогда простого лаборанта. Они прожили вместе 29 лет, в 1934-м Лебедев скончался (за три года до смерти он был награжден орденом Ленина). Художница пережила революцию (после нее Анна Петровна преподавала в Институте фотографии), две мировые войны, блокаду, наблюдая за изменениями любимого города и его жителей. Во время бомбежек блокадного Ленинграда у нее не было сил спускаться в бомбоубежище. Анна Петровна продолжала работать, оборудовав себе кабинет в ванной, так как там меньше были слышны взрывы.

«Медный всадник и Академия художеств», 1922, ксилография «Александровский дворец в Детском Селе», 1934

100 великих художников России

120

«Милый Репин! Я то люблю его, то ненавижу! Интересно его видеть, когда он работает. В блузе, лицо совсем меняется, ничего не видит, кроме натуры, чувствуется сила в нем, и вместе с тем он почему-то возбуждает во мне жалость», – писала Анна Остроумова-Лебедева о своем учителе Илье Репине

121

Перов Василий Григорьевич 1834–1882 Бытовой жанр – позднее явление в живописи, он появился только в XVII веке. Одна из его разновидностей – эмоционально окрашенное изображение сцен из жизни «маленьких людей», получившее в России название «критический реализм», – возникла лишь в XIX веке. И в русском искусстве ассоциируется прежде всего с именем Василия Перова.

Наиболее значимые работы Василия Перова «Сельский крестный ход на Пасху», 1861, ГТГ «Чаепитие в Мытищах», 1862, ГТГ «Тройка», 1866, ГТГ «Последний кабак у заставы», 1868, ГТГ «Портрет Ф. М. Достоевского», 1872, ГТГ (на иллюстрации справа)

амилия Перов произошла от прозвища, которым наградил мальчика его учитель за аккуратное письмо. А изначальная фамилия Васильев досталась от крестного отца. Будущий художник был добрачным сыном барона Григория Карловича Криденера, занимавшего должность прокурора в Тобольске. В течение семи лет (с 1853-го) Василий Перов обучался в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где его преподавателем был ученик Венецианова, Сергей Зарянко. Впоследствии Перов будет преподавать в училище (с 1870-го). Картина «Проповедь на селе» 1861 года принесла художнику большую золотую медаль, а вместе с ней право на пенсионерскую поездку. С конца 1862-го по 1864 год Перов вместе с молодой женой провел в Германии и Франции. В Россию он вернулся досрочно, по собственному желанию. Перов писал совету академии: «Осмеливаюсь покорнейше просить о позволении возвратиться мне в Россию… Живя за границею… я не мог исполнить ни одной картины, которая бы была удовлетворительна; незнание характера и нравственной жизни народа делают невозможным довести до конца ни одной из моих работ... Посвятить же себя на изучение страны чужой несколько лет я нахожу менее полезным, чем по возможности изучить и разработать бесчисленное богатство сюжетов как в городской, так и сельской жизни нашего отечества». Живопись Перова повествовательна. Такой она будет и у остальных передвижников. Его цель художника – создать визуальный рассказ о несправедливости, социальных проблемах. Вслед за художником зритель включается в ситуацию активного восприятия сюжета и сострадания. Так, в работах второй половины 1860-х годов Перов часто использовал диагональные построения, динамизирующие композицию, затягивающие зрителя в картину (в то время как в первой половине 1860-х предпочитал круговые, замкнутые построения). Пейзажные декорации в его картинах также были призваны прежде всего усилить драматическое звучание произведений.

100 великих художников России

122

«Будучи человеком очень впечатлительным и нервным, Перов не мог оставаться равнодушным во время всеобщего исступления, и в его картинах стало отражаться то желчное озлобление, которое овладело передовым русским обществом в начале 1860-х годов», – писал Александр Бенуа о Василии Перове

123

Петров-Водкин Кузьма Сергеевич

1878–1939 В истории искусства много примеров того, как талантом небеса награждают кого угодно и где угодно: Рембрандт был сыном мельника, Джотто родился в семье крестьянина, Кузьма Петров-Водкин – сапожника.

Наиболее значимые работы Кузьмы Петрова-Водкина «Купание красного коня», 1912, ГТГ (на иллюстрации справа) «Утренний натюрморт», 1918, ГРМ «Селедка», 1918, ГРМ «Петроградская мадонна» («1918 год в Петрограде»), 1918, ГТГ «Портрет Ахматовой», 1922, ГРМ

втор эмблематически иконного «Купания красного коня» появился на свет в провинциальном городке Хвалынске Саратовской губернии. Об этих мес тах он рассказывал в автобиографической повести «Хлыновск», посвященной дочери. Азы художественного образования Петров-Водкин получил в Самаре. В Московском училище, где его друзьями стали Николай Кузнецов, Петр Уткин, Мартирос Сарьян, он попал в мастерскую Валентина Серова. В «Хлыновске» Пет ров-Водкин говорит о своем учителе с великим пиететом: «Серов был немногоречив, зато брошенная им фраза попадала и в бровь и в глаз работы и ученика». Стремление к путешествиям, желание ознакомиться с памятниками мирового искусства и отсутствие средств сподвигли художника совершить велотур по Европе. Он взял велосипед напрокат в обмен на рекламу велосипедной фирмы. Как и многие современники, Петров-Водкин отправился в Мюнхен, где обучался в студии Ашбе. Помимо поездок по Старому Свету, он путешествовал по Африке. Созданные там работы были представлены в Париже на выставке Салона 1908 года. Также мастер посетил Среднюю Азию. Склонный к теоретическому обобщению, анализируя опыт как старых мастеров, так и открытия конца XIX – начала XX века, Петров-Водкин нашел собственный стиль, соединяя достижения символистов и фовистов. Его синтез означает не подражание Пюви де Шаванну или Анри Матиссу, а использование определенных конструкций языка живописи. Творчество Петрова-Водкина разнообразно с жанровой точки зрения, при этом бытовой и крестьянский жанры у него переходят в степень аллегории, сцены приобретают совсем иной, значительный масштаб. А натюрморты – это не только мастерские экзерсисы на тему вещного мира, а своего рода декларация положения вещей. В голодном Петрограде селедка с ее жемчужными переливами становится настоящей драгоценностью, граненый стакан с чаем (час то встречающийся мотив в творчестве Петрова-Водкина) излучает тепло и свет, а полевые цветы в простых стеклянных банках напоминают о естественной красоте природы.

100 великих художников России

124

Во время пребывания в Италии Кузьму Петрова-Водкина по ошибке похитили бандиты. Его спас альбом с эскизами, ознакомившись с которым «романтики с большой дороги» предложили художнику подделывать антиквариат. Подробно об этом приключении мастер рассказал в книге «Пространство Эвклида»

125

Пименов Юрий (Георгий) Иванович 1903–1977 Как в живописи отобразить новую жизнь советского человека, ее ритм и пульс? Именно решением этого вопроса занимался Юрий Пименов вместе с другими представителями Общества станковистов – Александром Дейнекой, Петром Вильямсом, Александром Лабасом.

Наиболее значимые работы Юрия Пименова «Новая Москва», 1937, ГТГ (на иллюстрации справа) «Даешь тяжелую индустрию!», 1927, ГТГ «Свадьба на завтрашней улице», 1962, ГТГ «Следы шин», 1944, ГТГ

рий Пименов родился в Москве, в семье юриста. Как и другие остовцы (члены Общества станковистов), он учился в Высших художественно-технических мастерских, а его преподавателем был Владимир Фаворский. Произведения Пименова 1920-х годов указывают на увлеченность художника немецким экспрессионизмом с его грубоватой выразительностью. В 1930-е стиль начинает смягчаться, в нем появляется интонация импрессионизма, от которого пришло понимание цвета и света, элементы техники. Как и Александр Дейнека, Пименов творил визуальные образы советских мифов о новом Эдеме. В его картинах, как ранее в религиозной живописи, свет приобретает сакральный смысл. Конечно, это метафора светлого будущего, которое уже присутствует в настоящем, осталось только достроить новые кварталы, положить асфальт и убрать трубы под землю. Но это мелочи. Главное, что в воздухе витает счастье и оптимистические мысли переполняют героев. Конечно, в период Великой Отечественной войны Пименов создавал иные работы, в темной гамме, почти монохромные. Интересно, что во «Фронтовой дороге» художник буквально занимается самоцитированием, повторяя мотив молодой женщины за рулем, появившийся в картине «Новая Москва», одном из самых знаменитых полотен мастера. После войны Юрий Пименов преподавал во ВГИКе. Также был главным художником фильма Ивана Пырьева «Кубанские казаки», снятого на «Мосфильме» в 1949 году. В 1962-м стал членом Академии художеств. Вместе с художником Гончаровым под псевдонимом Пиго Пименов оформлял журналы «Самолет», «Прожектор», «Советский экран». Юрий Иванович дважды удостаивался Сталинской премии (в 1947 и 1950 годах), а в 1967-м – Ленинской премии. В 1970 году он получил звание народного художника СССР.

100 великих художников России

126

«Пименов был очень деятельным, быстрым, живым, много смеялся, любил поболтать о пустяках, любил одеться, пофрантить. Было впечатление, что он все делает не задумываясь, на ходу, с улыбочкой, иногда с усмешкою, любил посмеяться над кем-нибудь, а потом все это мгновенно забывалось, и он уже говорил и смеялся по другому поводу» – из воспоминаний Александра Лабаса

127

Поленов Василий Дмитриевич

1844–1927 Живопись была не единственной сферой творчества Василия Поленова. Разносторонне одаренный, художник проявил себя и в музыке. Так, в 1906 году в Большом зале Московской консерватории состоялась премьера его оперы «Призраки Эллады».

Наиболее значимые работы Василия Поленова «Московский дворик», 1878, ГТГ (на иллюстрации справа) «Бабушкин сад», 1878, ГТГ «Эрехтейон. Портик кариатид», 1882, ГТГ «Мечеть Омара», 1882, Музей-усадьба «Поленово» «Парфенон», 1881–1882, ГТГ

асилий Поленов происходил из интеллигентной дворянской семьи. Его отец был известным ученым-археологом, библиографом, членом-корреспондентом Академии наук. Мать увлекалась живописью и сочиняла литературные произведения для детей. Младшая сестра Елена также стала художницей. Поленов одновременно учился в Петербурге на юридическом факультете университета и в Академии художеств, где подружился с Ильей Репиным. Даже тему дипломной работы они выбрали одну и ту же, и оба в 1871 году получили большую золотую медаль, дававшую право на учебную командировку в Европу на деньги государства. Три года, с 1873-го по 1876-й, Поленов провел во Франции, познакомился с новейшими направлениями и принципами пленэрной живописи, оказавшими огромное влияние на его понимание жанра пейзажа. В Париже художник встретил Ивана Тургенева, а затем в салоне Полины Виардо повстречался с Эмилем Золя.

По возвращении в Россию живописец был удостоен звания академика. Вскоре в качестве художника-корреспондента он отправился в составе Русской добровольчес кой армии на сербско-турецкую войну, а затем на болгарский фронт. Вернувшись, перебрался в Москву. Здесь и были найдены мотивы его самых известных полотен. Поленов преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (пейзажный класс). Среди его учеников оказались Левитан и Коровин, Архипов и Головин. Одной из важных граней творчества Поленова стало сотрудничество с Абрамцевским кружком. Дом Мамонтова в Абрамцеве являлся по сути культурным центром, где можно было встретить Васнецова, Репина, Серова, Врубеля, Коровина и других. Именно здесь Поленов стал оформлять театральные спектакли. Сначала создавал декорации для домашних спектаклей, а затем и для постановок частной оперы. Успех художнику в этой области принесли декорации «Волшебный замок» к сказке «Алая роза» и к опере «Фауст». В Абрамцеве Поленов принимал участие в оформлении интерьера церкви. Хотя в историю русской живописи Поленов вошел прежде всего как пейзажист, сам он мечтал о развитии идей Александра Иванова. В отличие от него Поленову, вообще много путешествовавшему, удалось дважды посетить Палестину. Результатом поездок и раздумий о евангельских сюжетах стали работы библейского жанра.

100 великих художников России

128

Художник активно занимался благотворительностью. На его средства была построена школа в селе Страхове, а в Москве на участке, также купленном на деньги Василия Поленова, по его же проекту возведено здание Секции содействия фабричным и деревенским театрам

129

Поленова Елена Дмитриевна

1850–1898 Младшая сестра знаменитого автора «Московского дворика», оставаясь в тени своего прославленного брата, сыграла значительную роль в развитии русского модерна. Елена вовсе не подражала Василию Поленову, хотя, конечно, он был в числе ее учителей.

Наиболее значимые работы Елены Поленовой «Жар-птица», 1897–1898, ГТГ «Иван-царевич и Жар-птица», 1896 «Зверь», («Змий»), 1895–1898, ГТГ (на иллюстрации справа) «Заводь в Абрамцеве», 1888, Государственный мемориальный историкохудожественный музейзаповедник «Поленово»

одерн (ар-нуво во Франции, югендштиль в Германии, либерти в Италии) – международный стиль, зародившийся в 1880-е годы. Его пик пришелся на рубеж XIX–XX веков. Мастера модерна обращались к интуитивному, природному, стихийному. Их произведения призваны были разбудить фантазию зрителя, перенести его в волшебный мир сказок и мифов. Елена Поленова создала замечательные иллюстрации к сказкам. То сочетая контрастные оранжевый с ультрамарином и кобальтом, то разрабатывая градации оттенков в пределах одной гаммы, она всякий раз завораживает зрителя игрой цветовых созвучий, декоративностью работ.

Излюбленной техникой Поленовой была акварель. С дотошностью ученого художница рассматривает разнообразные растения. Однако ее флоральные акварели не ботанические штудии, а художественно проработанные образы. Мастера модерна стремились приблизить произведения человеческих рук к творениям природы. Поэтому изгибы балконных решеток уподоблены изгибам ветвей, колонны превращены в гигантские стебли, а лестницам приданы очертания волн. Конечная цель – изменение предметной среды человека. Эти идеи привели к рождению дизайна. Поэтому модерн очень внимательно всматривается в разные явления природы. В эту эпоху в художественный лексикон входят изображения тех растений, которые раньше не воспринимались как объект изображения: полевые цветы, травы, чертополохи. Подобные флоральные мотивы – источник образности стекла Эмиля Галле, ювелирных шедевров Рене Лалика. Другой важной сферой модерна стал интерес к декоративно-прикладному искусству. В разных странах мастера увлеченно экспериментировали с керамикой, стеклом, деревом. Поленова также погрузилась в работу с разными материалами, а в квартире брата она устроила «керамические четверги». Выдающийся меценат Савва Мамонтов в своем имении Абрамцево организовал мастерские, где творили Врубель, Серов, Васнецов. Елена руководила мастерской резчиков по дереву, где обучались деревенские юноши. Внутри модерна существовала национальная линия, отсылающая к фольклору, народному творчеству. Так, формы предметов, выполненных по эскизам Поленовой, и их декор восходят к образцам народных ремесел. Кстати, Василий Поленов коллекционировал образцы и мечтал создать в своей усадьбе музей народного искусства.

100 великих художников России

130

Первая персональная выставка Елены Поленовой состоялась только спустя четыре года после смерти художницы и вплоть до зимы 2011–2012 годов оставалась единственной

131

Попков Виктор Ефимович

1932–1974 От монументальной мощи сурового стиля знаменитой работы «Строители Братской ГЭС» Виктор Попков придет к тонким, символичным, многогранным образам цикла «Мезенские вдовы». Найденный им тип картины получил название полифонической притчи.

Наиболее значимые работы Виктора Попкова «Строители Братской ГЭС», 1960–1961, ГТГ «Воспоминания. Вдовы», 1966, ГТГ «Шинель отца», 1970–1972, ГТГ «Осенние дожди (Пушкин)», 1974, ГТГ (на иллюстрации справа) «Ссора. Ночь», 1970, картина уничтожена

тец художника погиб на фронте. Мать, простая крестьянка, воспитывала четверых детей. Попков окончил Художественный институт им. Сурикова. «Оттепель», 1960-е, грандиозные проекты СССР. Попков много ездит по стране, создавая образы обычных советских людей. Его язык, очевидно, находится под воздействием творчества Александра Дейнеки. Север восточнее Архангельска, окрестности Велегожа, деревушка, застрявшая на грани жизни и смерти. Полупустые дома, обитательницы которых – вдовы ушедших на войну. Попков, считавший художника ответственным за духовную жизнь своего народа, пораженный миром горького одиночества этих женщин, создает свои лучшие картины. В его жизнь также вмешалась война, поэтому Попков и замыслил ансамбль, в котором отдельная работа – своеобразная нота определенной высоты. Вместе они слагаются в грустную песнь мезенских вдов. Драматизм этих образов усиливается за счет колористического решения: монохромные интерьеры из темных оттенков и алеющие одежды как будто одеревенелых старух. Художник так выстраивает пропорции, чтобы пространство становилось маленьким, а фигуры значительными. «Боже мой, ведь во всей избе только они, обиженные войной в самой молодости – теперь уже старухи-вдовы. И только я, случайный человек, свидетель их бабь ей проклятой одинокой доли… Остались одни воспоминания». Работая над этим циклом, Попков писал сразу на холсте. Большинство работ мастера автобиографичны, он часто вводит в композиции автопортрет, тем самым как бы подтверждая достоверность увиденного-изображенного и подчеркивая эмоциональное участие в сцене. Введение автопортрета Попкову нужно, чтобы показать, что вот этот современный момент прожит и прочувствован им самим.

Художник погиб трагически и нелепо: не найдя такси, попросил водителя инкассаторской машины подвезти до Киевского вокзала, последовал выстрел, хотя автомобиль уже отъезжал. Попков был посмертно удостоен Государственной премии 1975 года.

100 великих художников России

132

Во время пребывания в Михайловском Виктор Попков проникся пушкинской атмосферой: он заказал фрак, облачил в него приятеля-художника, чтобы писать Пушкина, а иногда и сам примерял костюм, дабы «войти в роль»

133

Попова Любовь Сергеевна

1889–1924 Первая четверть XX века только в России подарила мировому искусству столько женщин-художников, сколько не было за всю историю. К числу амазонок авангарда относится и Любовь Попова.

Наиболее значимые работы Любови Поповой

«Композиция с фигурами», 1913, ГТГ (на иллюстрации справа) «Пространственносиловое построение», 1921, ГТГ «Скрипка», 1915, ГТГ «Живописная архитектоника», 1918, Нижегородский художественный музей «Кувшин на столе. Пластическая живопись», 1915, ГТГ

тец Любови Поповой был московским фабрикантом. Помимо обучения в частных художественных студиях Москвы, вместе с Надеждой Удальцовой Любовь занималась в академии «Ля Палетт» в Париже у кубистов Метценже и Ле Фоконье. С другими течениями авангарда Попова познакомилась в студии Татлина «Башня», находившейся на Кузнецком Мосту (здесь она подружилась с архитектором-конструктивистом Александром Весниным), в окружении Казимира Малевича, в Институте художественной культуры, где ее руководителем был Василий Кандинский. В итоге Попова разработала свой вариант освобождения от предмета в живописи, то есть пришла к нефигуративному искусству, отличному от систем Малевича и Кандинского. Кроме живописи, Попова преподавала в Высших художественно-технических мас терских, занималась плакатом. Сотрудничала с Театром Мейерхольда, оформила спектакли «Великодушный рогоносец» и «Земля дыбом». Кстати, знаменитый режиссер позвал Попову читать его студентам в Государственных высших режиссерских мастерских курс «Вещественное оформление спектакля». Хотя термин «дизайн» появился только в 1960-е, Попова занималась дизайном одежды, исполняла рисунки тканей, эскизы супрематических вышивок для предприятия «Вербовка». Вместе с супругой Александра Родченко Верой Степановой работала на Первой ситценабивной фабрике, разрабатывала модели производственной формы. Попова говорила, что художественные успехи радуют ее намного меньше, чем вид крестьянки или работницы, приобретающей ее ткани. Как и ее соученица по студии Константина Юона Ольга Розанова, Любовь Попова рано умерла. Прожив всего 35 лет, она увидела, как смерть забрала ее мужа и сына (его Попова похоронила за два дня до собственной кончины).

100 великих художников России

134

«Попова и я осмотрели все по возможности, начали искать мастерскую. Мы предполагали работать у Матисса, но его школа была уже закрыта. Пошли в мастерскую Дени, наткнулись на сидящего индейца и убежали. Кто-то сказал о мастерской “Ля Палетт” Ле Фоконье, пошли туда и сразу решили, что это то, что надо» – из воспоминаний близкой подруги Любови Поповой, Надежды Удальцовой

135

Пуни Иван А льбертович

1892 (1894) – 1956 Итальянец по крови, подданный российского императора, затем гражданин Франции, Иван Пуни был самым настоящим гражданином мира. Сразу после смерти художника его творчество оказалось забыто, однако в 1970-х, на волне возросшего интереса к творчеству авангардистов, его имя вновь было открыто широкой публикой.

Наиболее значимые работы Ивана Пуни «Универсальный музыкант», 1921, Берлинская галерея современного искусства (на иллюстрации справа) «Натюрморт. Красная скрипка», 1919, ГРМ «Рельеф», 1915–1916, Лондон, галерея Тейт «Парикмахер», 1915, Музей современного искусства, Париж «Белый шар», 1917, Музей современного искусства, Париж

ед художника Цезарь Пуни (Чезаре Пуньи) был известным композитором из Генуи. Он приехал в Россию в 1851 году, получив приглашение занять должность сочинителя балетной музыки при Императорских театрах, где сотрудничал с выдающимся хореографом Мариусом Петипа. Вместе они создали 35 (!) балетов. Сын автора музыки к «Дочери фараона», «Коньку-Горбунку» Альберт (Андрей) Пуни стал виолончелистом Мариинского театра. Семейство Пуни были соседями Репиных по даче в Куоккале (сейчас это территория Финляндии). Так великий Репин начал давать уроки юному Ивану Пуни. С 1900-го по 1908 год художник учился в Императорской Николаевской военной академии. Затем открыл в Петербурге собственную художественную студию. Но через год уехал во Францию, где обучался в Академии Жюльена и школе Коларосси. Главное – в Париже Пуни был завсегдатаем легендарного кафе «Ротонда», где встречались Анненков, Цадкин, Кислинг, Шагал, Фужита и куда захаживали Модильяни, Аполлинер, Пикассо. Когда, Пуни вернулся в Россию, он погрузился в не менее насыщенную, чем во Франции, художественную жизнь, последовательно проходя через разные «измы» авангарда. В 1913 году мастер женился на художнице-авангардистке Ксении Богуславской, с которой занимался организацией выставок. Вместе с Казимиром Малевичем в 1916 году Пуни устроил конференцию, посвященную проблемам современного искусства. После революции Пуни вместе с Богуславской, как Натан Альтман и многие другие художники, участвовал в оформлении городских пространств к разным революционным праздникам, сотрудничал с Государственным фарфоровым заводом (бывшим Императорским), занимался преподавательской деятельностью. По приглашению Марка Шагала Пуни в 1919 году отправился обучать начинающих художников в Витебск. В 1920-м Пуни и Богуславская через Финляндию бежали в Германию, а затем обосновались во Франции. В эмиграции карьера художника сложилась успешно: его персональные выставки проходили в Европе, США, даже Японии. Пуни был награжден орденом Почетного легиона. Художник похоронен в Париже, на кладбище Монпарнас.

100 великих художников России

136

Произведения Ивана Пуни, многие из которых входят в частные коллекции, нередко появляются на антикварном рынке. Так, в 2008 году на торгах Christie’s картина «Интерьер, белый шкаф и черный стул» была продана за 37 250 английских фунтов при изначально ожидаемой цене в 12 тысяч

137

Рабин Оскар Яковлевич

Родился в 1928 году Нонконформист, признанный классик современности, называемый на Западе Солженицыным в живописи, он постановлением президиума Верховного Совета СССР был лишен советского гражданства и выслан из страны.

Наиболее значимые работы Оскара Рабина «Натюрморт с сеткой», 1989, Московский музей современного искусства (на иллюстрации справа) «Один рубль №3», 1967, ГТГ «Лита Лианозовская», 1963, Музей искусств Джейн Вурхис Зиммерли, университет Ратгерс, Нью-Джерси, США «Pompes Funebres с шампанским Rothschild», 2004, частное собрание «Ура-2», 1991, ГТГ

дин из главных лидеров нонконформистского искусства, Оскар Рабин пытался получить традиционное образование: сначала учился в Академии художеств в Риге, затем в Москве, в институте имени Сурикова. Но его исключили, обвинив в формализме. Главным учителем Рабина стал Евгений Кропивницкий. На его дочери Валентине, также художнице, Оскар Рабин и женился. Супруги жили в бараке в Лианозове. В 1974 году Рабин стал одним из организаторов знаменитой «бульдозерной выставки» – наиболее известной публичной акции неофициального искусства в СССР. 15 сентября 20 художников московского андеграунда устроили просмотр своих работ на пленэре – на окраине Москвы, в Беляеве, у пересечения Профсоюзной улицы и улицы Миклухо-Маклая. Однако примерно через полчаса к месту проведения экспозиции были направлены милиция и бульдозеры, которыми и уничтожили картины. Правда, через две недели власти все же пошли на попятную и дали художникам официальное разрешение на организацию выставки в Измайлове. Не будучи членом Союза художников, Рабин, конечно, не мог и думать о профессиональной карьере живописца в СССР. Чтобы не попасть под статью о тунеядстве (которое было в Советском Союзе уголовным преступлением), он работал на железной дороге, в строительной бригаде, но при этом продолжая писать картины. В 1978 году, как и многие участники «бульдозерной выставки», он был вынужден уехать из СССР. Сегодня художник живет в Париже. В своих произведениях, тяготеющих к монохромности, Оскар Рабин часто пользуется приемом коллажа, вводя изображения газет, этикеток, фрагментов вещной реальности. Фактурность объектов художник подчеркивает широким «мясистым» черным контуром. Сегодня его картины хранятся в Третьяковской галерее, Музее современного искусства в Москве, Русском музее в Санкт-Петербурге, частных коллекциях. Выставки художника проходят в разных странах.

100 великих художников России

138

Существует история, обошедшая газеты: однажды тогдашний президент Франции Франсуа Миттеран увидел работу Оскара Рабина и воскликнул: «Такую картину я бы с удовольствием повесил у себя дома!»

139

Репин Илья Ефимович

1844–1930 Нет еще такого прибора для измерения масштаба таланта, степени воздействия на последующее развитие искусства. Однако творчество Ильи Репина поражает широтой диапазона и гибкостью – от критического реализма до пугающих фантомов его поздних работ.

Наиболее значимые работы Ильи Репина «Бурлаки на Волге», 1870–1873, ГРМ «Иван Грозный и его сын Иван 16 ноября 1581 года», 1885, ГТГ (на иллюстрации справа) «Портрет М. П. Мусоргского», 1881, ГТГ «Стрекоза», 1884, ГТГ «Портрет Э. Дузе», 1891, ГТГ

удожник родился в городе Чугуеве Харьковской губернии в семье военного поселянина, занимавшегося торговлей лошадьми. В 10 лет Илья Репин начал посещать Школу военных топографов. Через три года поступил в ученики к иконописцу, исполнявшему также и портреты. В 19 лет приехал в Петербург для поступления в Академию художеств. Готовясь к экзамену, Репин жил у архитектора Алексея Шевцова, на дочери которого, Вере, впоследствии женился. Пройдя обучение в рисовальной школе, Репин выдержал экзамен в академию. Как и Василий Поленов (который, правда, параллельно с академией еще учился на юридическом факультете университета), он выбрал для дипломной работы сюжет воскрешения дочери Иаира. Оба художника были удостоены большой золотой медали, дававшей право на совершенствование мастерства за границей. Принципиально, что в Европе Поленов и Репин оказались именно в 1870-е годы, когда в искусстве совершили революцию импрессионис ты, а пленэрная живопись барбизонцев уже была признана. Еще до отъезда в Европу художник создал один из своих хрестоматийных шедевров – картину «Бурлаки на Волге». Заказ на эту работу был получен от вице-президента Академии художеств великого князя Владимира Александровича. И вплоть до открытия Русского музея «Бурлаки» висели у него в бильярдной. Посещение Вены, Рима, Неаполя, Помпеев, Лондона, знакомство с современным искусством, конечно, оказали воздействие на художника. Вернувшись в Россию, он стал писать иначе, применяя европейские «уроки». Его критиковал Иван Крамской, идеолог передвижников, посчитавший, что живопись Репина стала слишком легкой и бессюжетной. В 1877 году Репин с увеличившейся семьей (в 1872 году у художника родилась дочь Вера, через два года – Надежда, а в 1877 году – сын Юрий) переехал в Москву. И включился в жизнь кружка, сформировавшегося вокруг предпринимателя и мецената Саввы Мамонтова. Спустя пять лет художник вернулся в Петербург. В 1880-е Репин создал наиболее известные свои работы, много путешествовал, активно участвовал в выставках. В 1887-м художник развелся с супругой, с которой прожил 15 лет и имел от нее четверых детей. В это время Репин сблизился с Толстым. В 1890-х путешествовал, преподавал, написал много портретов. На рубеже веков сошелся с художниками «Мира искусства». Центром жизни стала его дача «Пенаты». Здесь он жил со второй женой и двумя детьми. После признания независимости Финляндии и закрытия границ Репин оказался вне России.

100 великих художников России

140

Замысел картины «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года» возник у Ильи Репина во время прослушивания оперы Римского-Корсакова «Месть». «Эти звуки завладели мною, и я подумал, нельзя ли воплотить в живописи то настроение, которое создалось у меня под влиянием этой музыки. И я вспомнил о царе Иване», – писал художник

141

Розанова Ольга Владимировна

1886–1918 Одна из амазонок русского авангарда, Ольга Розанова прожила совсем немного – всего 32 года. В советское время ее имя было вычеркнуто из истории искусства. Сегодня картины Розановой – желанные участники выставок в любом музее мира.

Наиболее значимые работы Ольги Розановой «Метроном», 1915, ГТГ «Автопортрет», 1912, Ивановский областной художественный музей (на иллюстрации справа) «Рабочая шкатулка», 1915, ГТГ «Бубновая дама», 1915, Нижегородский государственный художественный музей «Город», 1913, Нижегородский государственный художественный музей

оэт Алексей Крученых называл ее «первой художницей Петрограда», Владимир Маяковский посвятил ей – «Светлой О.В.Р.» – сюиту стихотворений, она восхищала художников и поэтов. Ольга Розанова, которую Петр Митурич назвал «Ольроз», родилась в городке Меленки Владимирской губернии в семье чиновника. Окончив владимирскую гимназию, она приехала в Москву. Стала заниматься в Училище живописи и скульптуры Анатолия Большакова, затем в студии Константина Юона вместе с Надеждой Удальцовой и Любовью Поповой. Здесь же Розанова познакомилась с Алексеем Крученых, сыгравшим важную роль в ее жизни. Помимо московских студий, обу чалась в Петербурге в школе Елизаветы Званцевой, где ее наставниками стали Мстислав Добужинский и Кузьма Петров-Водкин. По сути, Розанова жила между Петербургом, Москвой и Владимиром. Художницу поддерживали меценаты Жевержеев и Шемшурин. Помимо станковой живописи, в которой преломились все основные «измы» авангарда, Розанова занималась оформлением книг. Хотя термин «оформление» не совсем применим к тому, что она делала. Вместе с футуристом Крученых она искала графические эквиваленты звуку-букве-слову, чтобы создать единый образ, и они вместе исполнили более 20 книг. Кстати, сама художница писала стихи, изданные в 1919 году, уже после ее смерти. Розанова глубоко интересовалась теорией искусства. Она читала манифесты итальянских футуристов и размышления Метценже о кубизме, ходила на лекции Давида Бурлюка и сама писала теоретические статьи. Розанова участвовала в знаменитых авангардных выставках «Трамвай В», «0,10». На последней был представлен «Черный квадрат» Казимира Малевича и другие его картины. Художница с большим вниманием отнеслась к супрематизму.

100 великих художников России

142

«Писать стихи, писать на продажу картины, писать серьезные статьи, писать картины для выставки, делать бесчисленное количество рисунков для книг, шить кофты, вязать чулки – все это как будто несколько много для одного человека… Нельзя ронять свое имя до степени мастерового, работающего за грош» – из воспоминаний Ольги Розановой

143

Рокотов Федор Степанович

1735(?) – 1808 Биографических сведений о Федоре Рокотове, первом русском мастере европейского уровня, сохранилось немного. Точно не известно, когда художник родился, неизвестны и имена многих его моделей.

Наиболее значимые работы Федора Рокотова «Портрет Екатерины II», 1763, ГТГ «Портрет А. П. Струйской», 1772, ГТГ (на иллюстрации справа) «Портрет неизвестной в розовом платье», 1770-е, ГТГ «Портрет В. И. Майкова», 1775–1778, ГТГ «Портрет А. М. РимскогоКорсакова», конец 1760-х, ГТГ

оподлинно известно, что Федор Рокотов был одним из крепостных князя Репнина. Видимо, Рокотов занимал привилегированное положение. Точно не установлено, когда художник переехал из Москвы в Петербург, где ему покровительствовал выдающийся государственный деятель, основатель МГУ и Академии художеств Иван Шувалов. Его устного настояния было достаточно, чтобы Рокотова зачислили в 1760 году в академию. В доме Шувалова давал уроки знаменитый художник Пьетро Ротари – мастер женских головок (многие из них украшают интерьеры пригородов Петербурга). У Ротари, скорее всего, Рокотов и заимствовал идею камерности. Спустя два года после поступления в академию художник уже был удостоен звания адъюнкта (за портрет Петра III), и ему полагалось жалованье в размере 300 рублей. Его обязанности не исчерпывались чисто художественными занятиями. Он должен был также смотреть за классами и учениками, «наблюдая порядок и чистоту поведения и опрятность». Спустя еще три года Рокотову было присвоено звание академика. Исполнение портрета Екатерины II, существующего в многочисленных копиях, в том числе авторских, и фаворита императрицы Григория Орлова способствовало успешной карьере мастера. Заказы посыпались один за другим. В 1767 году Рокотов вернулся в Москву. Здесь он написал портрет известного литератора Василия Майкова, подкупающий характерностью, точностью образа. В 1770-е годы Рокотов уже мог позволить себе выбирать моделей. Художник сосредоточился на камерных портретах. Среди лучших работ Рокотова – портреты супругов Струйских, с которыми художник был дружен. Портретам Рокотова свойственны мягкое освещение, легкая дымка, окутывающая лица, что придает им таинственность. Как правило, художник использовал погрудный или поясной формат и нейтральный фон. Все внимание мастера сосредоточено на лице персоны, а антураж, предметное наполнение отсутствуют. Рокотов был похоронен на территории Новоспасского монастыря. Его могила не сохранилась. На протяжении XIX столетия творчество мастера не вызывало интереса. По сути, XX век открыл его заново.

100 великих художников России

144

Как и многие художники, Федор Рокотов участвовал в оформлении празднеств, проходивших в Москве по случаю коронации Екатерины II и длившихся почти год, с 13 сентября 1762-го по 12 июля 1763-го

145

Саврасов А лексей Кондратьевич 1830–1897 Картина Алексея Саврасова «Грачи прилетели» стала настоящей сенсацией первой выставки передвижников. Казалось бы, автор, сказавший действительно новое слово в истории русского пейзажа, далее должен был бы почивать на лаврах. Однако умер художник в нищете и забвении. Его хоронили только два человека: Павел Третьяков и швейцар училища.

Наиболее значимые работы Алексея Саврасова «Проселок», 1873, ГТГ «Грачи прилетели», 1871, ГТГ (на иллюстрации справа) «Домик в провинции», 1878, ГТГ «Закат над болотом», 1871, ГРМ «Лосиный остров в Сокольниках», 1869, ГТГ

ак часто это и бывает, отец Алексея Саврасова, занимавшийся галантерейной торговлей, сопротивлялся желанию сына стать живописцем, так как рассчитывал, что он продолжит купеческое дело. Только благодаря заступничеству товарищей по Московскому училищу живописи, ваяния и зодчества, преподавателя Карла Рабуса (друга Александра Иванова) и обер-полицмейстера Москвы отец позволил Саврасову вернуться в училище. Окончив пейзажный класс, художник методично шел к успеху. В 24 года уже получил звание академика. Ему удалось привлечь внимание великой княгини Марии Николаевны, заказавшей ему картину. В 1857 году Саврасов возвратился в alma mater в качестве преподавателя. Вместе с Василием Пукиревым (также представленным в истории искусства одной картиной) Саврасов разработал пособие для училища. Его учениками были Константин Коровин и Исаак Левитан, высоко ценившие своего наставника. В том же 1857-м Саврасов женился на сестре своего приятеля Софье Карловне Герц. Другой ее брат был искусствоведом и одним из основателей кафедры истории искусства в Московском университете. Он же занимал должность секретаря Московского общества любителей художеств, на средства которого Саврасов смог съездить за границу, посетить Лондонскую всемирную выставку, побывать во Франции, Дании, Швейцарии. Его предпочтением в европейском художественном процессе стали английские пейзажисты и барбизонцы, которых объединяло обращение к родному, не идеализированному в античном вкусе пейзажу. В доме Саврасова бывали Сергей Боткин, Павел Третьяков, Василий Перов. После смерти Перова, который покровительствовал Саврасову, художник ушел из училища и потерял казенную квартиру. Это стало началом конца. Разладилась и семейная жизнь. Саврасов не имел постоянного пристанища, регулярного дохода. При этом обзавелся гражданской женой и детьми. Друзья пытались принять участие в судьбе мастера, но безуспешно.

100 великих художников России

146

«В 1871 году картина Алексея Саврасова была прелестной новинкой, целым откровением, настолько неожиданным, странным, что тогда, несмотря на успех, не нашлось ей ни одного подражателя. Может быть, потому и сам Саврасов ничего уже больше не сделал подобного…» – Александр Бенуа о картине «Грачи прилетели» 147

Салахов Таир Теймуразович

Родился в 1928 году Перечень регалий, званий и титулов Таира Салахова, вице-президента Российской академии художеств, занимает почти целую страницу, однако мастер не открывает демонстративно свою галерею в непосредственной близости от Кремля. Художник вошел в историю русского (советского) искусства как мастер «сурового» стиля.

Наиболее значимые работы Таира Салахова «Портрет композитора Кара Караева», 1960, ГТГ (на иллюстрации справа) «Айдан», 1976, ГТГ «Портрет Варвары с письмом», 1997, Московский музей современного искусства «У Каспия», 1967, ГТГ «Мстислав Ростропович», 2000, ГТГ

аир Салахов родился в Баку. После окончания Азербайджанского художест венного училища продолжил образование в Москве, в институте имени Сурикова. В работах Салахова (как и других представителей «сурового» стиля: Виктора Попкова, Николая Андронова, Павла Никонова, Андрея Васнецова) происходит монументализация образов рабочих, обычных людей, занятых своим тяжелым и важным делом. «Суровый» стиль стал своеобразной параллелью и антитезой визуализации советских мифов об улыбающихся, неустающих рабочих, пышнотелых красавицах, спортсменках, колхозницах, «всегда готовых» отроках. Суровые картины 1960-х показывают людей, утомленных работой, сосредоточенных и не склонных к сантиментам. Впечатление внутренней целостности натур, представленных в картинах Таира Салахова, достигается благодаря редуцированию красочной гаммы, приближению к монохромности. Помимо живописи, Салахов, как и многие выдающиеся мастера XX века, также занимался оформлением театральных постановок на разных сценах. Среди них «Кабинетная история», «Антоний и Клеопатра», «Гамлет», «Кёр-оглы», «За зеленой дверью». Другая сфера деятельности мастера – административная, в течение 19 лет он занимал должность первого секретаря правления Союза художников СССР. Салахов дважды был удостоен Государственной премии Азербайджанской ССР, Государственной премии СССР, имеет звания Героя Социалистического Труда, Народного художника СССР и России. Салахов награжден орденом Французской академии «Искусство и литература», орденом Славы и чести III степени Русской православной церкви, орденом Ленина, орденом Трудового Красного Знамени, «За заслуги перед Отечеством» II и III степени. Художник является членом Французской академии искусств, членом-корреспондентом Королевской академии изящных искусств Сан-Фернандо в Мад риде, членом Академии изящных искусств Азербайджана, почетным членом Общества деятелей изобразительного искусства Австрии, почетным членом Федерации культуры и образования штата Монтана (США).

100 великих художников России

148

Дочь Таира Салахова, Айдан, чей детский портрет был напечатан на советских марках, сегодня одна из самых известных и экстравагантных галеристок и художниц, ее выставки проходят в Италии, Франции, Германии

149

Самохвалов А лександр Николаевич 1894–1971 Картины Александра Самохвалова – образы советской мечты о физически крепких, здоровых и счастливых рабочих и спортсменах, идеальных женщинах – комсомолках, метростроевках, устанавливающих рекорды. Это новая советская мифология.

Наиболее значимые работы Александра Самохвалова «Девушка в футболке», 1932, ГРМ (на иллюстрации справа) «Ремонт паровоза», 1931, ГРМ «Кондукторша», 1928, ГРМ «Метростроевка со сверлом», 1937, ГРМ «После кросса», 1934–1935, ГРМ

дин из творцов советских грез, Александр Самохвалов имел «неблагонадежное» происхождение. Его отец был купцом, и мальчику нанимали репетитора для поступ ления в реальное училище. Семья проживала в Бежецке, маленьком городке Тверской губернии. Редкий случай, когда отец не сопротивлялся стремлению сына к живописи. И в 1914 году тот поступил на архитектурный факультет Высшего художественного училища при Академии художеств. После революции Самохвалов на время прервал занятия и участвовал в оформлении революционных праздников. Вернувшись в город на Неве, он отдал предпочтение живописи, обучаясь у Кузьмы Петрова-Водкина. С ним в составе экспедиции Института материальной культуры отправился в поездку по Средней Азии.

Образы картин Самохвалова являются гораздо более полнокровными и запоминающимися, чем у многих его современников, также работавших в официально одобренном направлении, – возможно, потому, что сам автор искренне восхищался современностью. К тому же он успел получить те воспитание и образование, которые позволяли ему сравнивать кондукторшу с Орантой (иконография Богоматери) и фантазировать, какой была бы реакция Афины при встрече с этой кондукторшей. Самохвалов почувствовал, что суть изменения советской действительности – в принципиально иной роли женщины в обществе. Теперь эта женщина, скульптурно-монументальная, рожает детей не мужу, а государству, и интересует ее не домашний уют, а выполнение плана или результат эстафеты. С точки зрения живописного языка работы Самохвалова очень интересны, так как в них соединились и элементы импрессионизма и авангарда, и неравнодушное отношение к колориту. Также заметно воздействие композиций Александра Дейнеки. При этом автопорт рет 1928 года художник исполнил в духе Модильяни. Любопытно и то, что в произведениях Самохвалова появляется почти табуированное в советском искусстве изображение обнаженной натуры. Правда, ее показ всегда имеет какое-нибудь сюжетное обоснование («После кросса», «После бани»).

100 великих художников России

150

Имя Александра Самохвалова сейчас мало что говорит неспециалистам, но разные поколения советских школьников помнят его «Девушку в футболке», получившую, между прочим, золотую медаль на Международной выставке в Париже в 1937 году 151

Сапунов Николай Николаевич

1880–1912 Интересной особенностью театральных работ Николая Сапунова является тот факт, что его картины написаны после спектаклей, то есть, по сути, мы можем увидеть фрагмент глазами зрителя.

Наиболее значимые работы Николая Сапунова «Голубые гортензии», 1907, ГТГ «Натюрморт. Вазы, цветы и фрукты», 1907, ГРМ (на иллюстрации справа) «Шарф Коломбины», 1910, Государственный центральный театральный музей им. А. А. Бахрушина «Карусель», 1908, ГРМ Эскиз декорации к пьесе Э. Гумпердинка «Гензель и Гретель», 1904, Государственный центральный театральный музей им. А. А. Бахрушина

удожник происходил из купеческой семьи, владевшей маленьким свечным заводом. В 16 лет Николай Сапунов поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где учился у Исаака Левитана. Уже в 20 лет он представил свой пейзаж на престижной передвижной выставке. Эта же работа была напечатана в знаменитом журнале «Мир искусства». В 1901-м художник окончил училище с серебряной медалью. Но реализовался Сапунов прежде всего как театральный художник. Сотрудничал с МХТ, Большим театром (где его руководителем был Константин Коровин), Мейерхольдом, Комиссаржевским, Станиславским. Именно у последнего Сапунов и Сергей Судейкин стали сами создавать декорации, а не просто исполнять эскизы. Их произведения относятся ко второй волне русского символизма, вслед за Михаилом Врубелем и Виктором Борисовым-Мусатовым. Но в отличие от старших современников с их утонченно-элегическим восприятием Сапунов и Судейкин кружат зрителя в вихре пестрого карнавала. Имя Сапунова зазвучало в 1906-м, после постановки Мейерхольдом «Гедды Габлер» Ибсена на сцене театра Комиссаржевской в Санкт-Петербурге. Правда, декорации вызвали у зрителей смешанные чувства. Следующей совместной работой с Мейерхольдом стала пьеса Блока «Балаганчик». Поэт назвал постановку идеальной. Тонкий, сложный колорист, увлекающий зрителя феерией цветовых гармоний, при этом Сапунов постоянно вводит элементы несуразности, гротеска (его лишены, пожалуй, только натюрморты). С любовью к гротеску замечательно сочеталась пьеса «Шарф Коломбины», над декорациями к которой Сапунов работал в 1910 году. Сюжет пьесы пародирует любовные треугольники и «Ромео и Джульетту». Арлекин женится на Коломбине. Однако, встретившись с Пьеро, сгорающим от любви к ней, она признается ему в любви. Пьеро предлагает умереть вместе и выпивает яд. Коломбина убегает к веселящимся гостям. Затем возвращается к телу Пьеро, где ее обнаруживает ревнующий Арлекин. Он запирает Коломбину. Отчаявшись выбраться, она допивает яд и замертво падает рядом с Пьеро. К этому сюжету, точнее ко второму действию, Сапунов вновь обратился в одной из своих самых знаменитых картин.

100 великих художников России

152

Любитель гротеска в живописи, Николай Сапунов ушел из этого мира не без трагической комичности: не умевший плавать, он утонул, когда перевернулась лодка, на которой художник катался с друзьями. Ему было всего 32 года 153

Сарьян Мартирос Сергеевич

1880–1972 Произведения Мартироса Сарьяна близки французским фовистам и немецким экспрессионистам. Для него, как и для европейских коллег, главным выразительным средством является цвет.

Наиболее значимые работы Мартироса Сарьяна «Глицинии», 1910, ГТГ «Улица. Полдень. Константинополь», 1910, ГТГ (на иллюстрации справа) «Финиковая пальма. Египет», 1911, ГТГ «Озеро фей», 1905, ГТГ «Голова девушки», 1912, ГТГ

удожник родился в городке Новая Нахичевань (сейчас входит в состав Ростова-на-Дону) в семье земледельцев, владевших небольшим участком. У Мартироса Сарьяна было семеро братьев и сестер. В 1895 году, окончив армянско-русское училище, он поступил на службу в почтовую контору. Старший брат познакомил его со своим другом – студентом Московского училища живописи, ваяния и зодчества, и тот помог Мартиросу подготовиться к экзаменам. В 1897 году он успешно их сдал и попал в мастерские училища к Валентину Серову и Константину Коровину. В училище Сарьян подружился с саратовскими художниками Павлом Кузнецовым и Петром Уткиным, а также с Николаем Сапуновым, сформировавшими ядро символистского художественного объединения «Голубая роза». В их выставках принимал участие и Сарьян (также он выставлялся вместе с «мирискусниками», Союзом русских художников). Однако его живопись экспрессивнее, гамма ярче, цвет насыщеннее. Сарьян использует элементы примитива, черный контур для достижения большей выразительности. Художник много путешествовал. В 1901–1903 годах побывал на Кавказе. Как об откровении, он вспоминал о поездке в Ани – древнюю столицу Армении. В 1910-м Сарьян съездил в Константинополь, где его поразили ритм улицы и жизнь бездом ных собак. Затем в 1911-м отправился в Египет и в 1913-м – в Персию. Сарьян мечтал оказаться еще восточнее, съездить в Китай, Японию, Индию. Препятствием стало начало Первой мировой войны. В 1914 году Сарьян принимал участие в деятельности армянского этнографичес кого общества. В 1916-м он был в числе основателей «Товарищества армянских художников» в Тифлисе. Следующий год принес долгожданное венчание с Лусик Агаян, дочерью известного писателя. Сарьян оформил антологию «Поэзия Армении», которую издали в Москве под редакцией Валерия Брюсова. Вскоре художник уехал в Новую Нахичевань, где занялся основанием Армянского краеведческого музея в Ростове-на-Дону. Позже в Ереване он создал Музей этнографии, археологии и изобразительного искусства. Именно Мартирос Сарьян придумал герб и флаг Советской Армении. Сыновья художника унаследовали стремление отца к творчеству: Саркис Сарьян стал литературоведом, а Газарос – композитором.

100 великих художников России

154

«Краски, как и люди, обладают неповторимой индивидуальностью, и надо ее уважать. Краски в картине должны быть как солисты в ансамбле, а не как певчие в хоре… Что за удовольствие видеть вместо отдельных интересных лиц безликую толпу» – из размышлений Мартироса Сарьяна

155

Серебрякова Зинаида Евгеньевна

1884–1967 В ее картинах радость жизни всегда превалировала над событиями историческими и биографическими. Может быть, потому, что Зинаида Серебрякова родилась в родовом поместье Нескучное, рядом с которым находилось село Веселое.

Наиболее значимые работы Зинаиды Серебряковой «За туалетом. Автопортрет», 1909, ГТГ (на иллюстрации справа) «Беление холста», 1917, ГТГ «За завтраком», 1914, ГТГ «Балетная уборная. Снежинки», 1923, ГРМ

тец Зинаиды – известный скульптор Евгений Лансере – умер, когда дочери не было и двух лет. Ее дед – архитектор Николай Бенуа, дядя – художник, критик, историк искусства Александр Бенуа, брат – график Евгений Лансере. Друзьями семьи были Лев Бакст, Константин Сомов, Сергей Дягилев. Воспитываясь в такой среде, наверное, невозможно было не стать художником. Однако замуж Зинаида вышла за инженера Бориса Серебрякова (правда, его мать – Зинаида Лансере – приходилась теткой художнице). Медовый месяц новобрачные провели в Париже: Зинаида обучалась в Академии де ла Гранд Шомьер, а Борис – в Высшей школе мостов и дорог. В 1919 году Серебрякова лишилась супруга и осталась практически без средств, с четырьмя детьми и больной матерью. Во время революции поместье Нескучное, где были написаны лучшие картины художницы, сожгла банда проезжавших анархистов. К слову, местные крестьяне, многие из которых выступали моделями Серебряковой, с почтением относились к знаменитому семейству. Художница устроилась работать в Харьковский археологический музей. Затем ее пригласили в Петроград, в Академию художеств, она переехала, но преподавать не решилась. Имея возможность бывать за кулисами бывшего Мариинского театра, Серебрякова увлеклась балетной темой. Картины Серебряковой, в которых соединились интонации живописи Венецианова, женская грация и монументальная мощь, были признаны не только в России. В 1924 году на выставке русского искусства в США они успешно продавались. Эти деньги помогли отважиться на поездку во Францию, где художница (не готовая к сотрудничеству с новой властью и не имевшая постоянного дохода) предполагала найти средства к дальнейшей жизни. Побывать на родине Серебрякова смогла только благодаря хрущевской оттепели, в 1965 году, когда открылась ее первая персональная выставка в СССР. К тому моменту художнице уже исполнилось 80 лет. В Париже же она активно выставлялась в 1920–1930-х годах.

100 великих художников России

156

Отправляясь во Францию в 1924 году, Зинаида Серебрякова рассчитывала вскоре вернуться. Из четверых детей она смогла вывезти только двоих. Однако через некоторое время возвращение стало невозможным

157

Серов Валентин А лександрович 1865–1911 На стыке XIX и XX столетий именно Валентин Серов стал во многом точкой соединения классического и новаторского крыла русской живописи. Его произведения были хорошо известны не только в России, но и за границей. Художник принимал участие в выставках объединения «Сецессион» в Мюнхене и Берлине, в знаменитом Осеннем салоне 1906 года в Париже и Международной выставке в Риме.

Наиболее значимые работы Валентина Серова «Девочка с персиками. Портрет В. Мамонтовой», 1887, ГТГ (на иллюстрации справа) «Портрет И. А. Морозова», 1910, ГТГ «Портрет Иды Рубинштейн», 1910, ГРМ «Похищение Европы», 1910, ГТГ «Петр I», 1907, ГТГ

мя Серова ассоциируется прежде всего с великолепными портретами представителей аристократии и творческой, интеллектуальной элиты, образами детей. Разнообразные со стилистической точки зрения (реализм, импрессионизм, модерн), портреты Серова вариативны и с точки зрения техники (от традиционной холст/масло до дерзкого сочетания угля и темперы на холсте огромного размера). Талант этого мастера полифоничен. Он обращался к пейзажу, мифологическому жанру, анималистике, исторической картине, занимался печатной графикой, иллюстрировал басни Крылова, оформил постановку оперы своего отца «Юдифь» в Мариинском театре, создал занавес к балету «Шахерезада» и афишу балерины Анны Павловой для «Русских сезонов» Сергея Дягилева. Серов был участником Товарищества передвижных художественных выставок, объединений «Мир искусства», «Свободная эстетика», членом Московского общества любителей художеств, петербургской Академии художеств. Его творчество стало тем узлом, где сплелись достижения русской реалистической школы и широкий спектр эстетических устремлений XX века. Современники характеризовали Серова как человека замкнутого, немногословного, не любившего фотографироваться и очень скромно одевавшегося. Художник часто именовал себя злым, а автокарикатуру назвал «Скучный Серов». При этом в компании близких людей становился остроумным и словоохотливым. Имеющий очень четкие нравственные критерии, Серов вышел из состава членов Академии художеств, так как считал ее президента виновным в расстреле демонстрации 9 января 1905 года. Валентин Серов происходил из семьи композитора. Помимо обучения у Репина, Чистякова, в Академии художеств, Серов также посещал парижские студии: Академию Жюльена (где ранее учился Матисс), Академию Коларосси (там Модильяни познакомился со своей женой). Сблизившись с незаурядным меценатом Мамонтовым, Серов стал активным участником жизни абрамцевского художественного кружка. В течение 12 лет (1897–1909) он преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. У него учились Крымов, Кузнецов, Машков, Петров-Водкин, Сапунов, Судейкин, Юон.

100 великих художников России

158

В 1900 году на Всемирной выставке в Париже известный преподаватель живописи Кормон, в чьей студии занимались Ван Гог и Тулуз-Лотрек, был заинтригован работами Валентина Серова, а в 1911–1912 годах о русском художнике писал культовый английский журнал The Studio

159

Сомов Константин Андреевич 1869–1939 Живописец, график, мастер книжной иллюстрации, Константин Сомов также воплотил в фарфоре образы Дамы с маской и Влюбленных, балансирующие на грани серьезности. Его театрализованные характеры всегда отличались многоуровневостью аллюзий.

Наиболее значимые работы Константина Сомова «Дама в голубом» («Портрет Мартыновой»), 1897–1900, ГТГ (на иллюстрации справа) «Дама с маской», 1906, Императорский фарфоровый завод «Портрет А. Блока», 1907, ГТГ «Осмеянный поцелуй», 1908, ГРМ «Арлекин и дама» («Фейерверк»), 1912, ГТГ

онстантин Сомов родился в артистической семье. Его отец был личностью незаурядной: окончив физико-математический факультет, преподавал в Горном институте, Морском кадетском корпусе, печатал свои переводы сочинений Галилея, увлекался живописью, состоял в жюри Всемирной парижской выставки 1878 года, редактировал «Вестник изящных искусств», был старшим хранителем Эрмитажа, выпустил трехтомный каталог музея, написал статьи о Павле Федотове и Карле Брюллове. Мать Константина была музыкантом, сестра стала художницей и певицей. Сам же Константин Сомов обучался у Репина в Академии художеств. Не окончив ее, отправился в Париж, где посещал Академию Коларосси. Там же познавали тайны живописи Евгений Лансере и Альберт Бенуа, с которым Сомова будет в дальнейшем связывать крепкая дружба. Именно эти художники образуют ядро объединения «Мир искусства». Их творческая концепция заключалась в ретроспективизме, завороженности образами прошлых эпох. При этом, в отличие от предшествовавшего направления историзма (с которым они также были связаны), «мирискусники» не подражали приемам, техникам прошлого, а переживали ностальгию по ушедшему миру. Прекрасные времена Людовика XIV и Людовика XV – вот источники их образов. Персонажи Сомова навеяны «галантными празднествами» XVIII века – картинами Антуана Ватто, живописующими общество дам и кавалеров на фоне парковых декораций. Как и у Ватто, у Сомова нет однозначного ответа, что за сцена предъявлена зрителю: видим ли мы настоящих актеров, Арлекинов и Коломбин, или перед нами благородные сеньоры, надевшие карнавальные костюмы. В 1920-е годы Сомов уехал из России. Сначала оказался в США, затем переехал во Францию, где и жил до конца своих дней. Похоронен художник на знаменитом парижском кладбище Сент-Женевьев де Буа, где находится церковь Успения, построенная по проекту Альберта Бенуа. Здесь же похоронены Зинаида Серебрякова, Андрей Тарковский, актриса Глебова-Судейкина, Зинаида и Феликс Юсуповы, Ирина и Николай Шереметевы и многие другие русские эмигранты.

100 великих художников России

160

Героиня самой известной картины Константина Сомова – печальная «дама в голубом» – его знакомая, художница Елизавета Мартынова, которую современники характеризовали как человека веселого нрава. Но, возможно, в своей невеселой картине Сомов предугадал ее раннюю смерть

161

Сорока (Васильев) Григорий Васильевич

1823–1864 Биография последнего выдающегося крепостного живописца – Григория Сороки, любимого ученика Алексея Венецианова, так не похожа на идиллическую историю другого известного крепостного мастера, Ивана Аргунова.

Наиболее значимые работы Григория Сороки «Портрет Е. Н. Милюковой», 1840-е, ГРМ «Рыбаки», 1840–1850, ГРМ (на иллюстрации справа) «Кабинет дома в Островках, имении Н. П. Милюкова», 1844, ГРМ «Вид на озеро Молдино в усадьбе Островки, имении Н. П. Милюкова», конец 1840-х, ГРМ «Портрет художника А. Г. Венецианова», 1840-е, Государственный Эрмитаж

пейзажах Григория Сороки, очень тонких в отношении освещения, возникает особая атмосфера звонко-звучной тишины. Действия крестьян, всегда присутствующих в пейзаже, ритуально безмолвны. Также художник писал интерьерные сцены и портреты Милюковых. Сохранился альбом его зарисовок дворовых людей. Григорий Васильев, в историю русской живописи вошедший под псевдонимом Сорокa, родился в крестьянской семье в деревне Покровское, принадлежащей помещикам Милюковым. Их род, известный с XVI века, происходил из крещеных татар. Крестным отцом хозяина Сороки – Николая Петровича Милюкова – был сам император Александр I. Уйдя в отставку, Николай Петрович завел у себя в имении Островки хор из крепостных и пытался организовать театр. Соседом Милюковых оказался Алексей Венецианов, у него-то и обучался Сорока. Хозяин отпускал талантливого юношу на несколько месяцев. Там Сорока общался с другими художниками, один из них, Федор Михайлов (Славянский), также крепостного происхождения, был выкуплен Венециановым и впоследствии поступил в академию. Сохранились письма Венецианова к Милюкову, из которых следует, что он ценил талант Сороки очень высоко. И в одном из посланий писал, что тот превзошел его другого ученика – Плахова, выпускника Академии художеств, стажировавшегося за границей. Однако Милюков отказывался давать вольную Сороке и сделал его своим садовником. После смерти Венецианова в 1847 году крепостной живописец лишился заступника. В 1852-м он женился на дворовой девушке Милюковых Александре Нестеровой. У них родилось трое детей. Семью Сорока содержал, зарабатывая иконописью. Они имели отдельный дом с мастерской, где Григорий работал с учениками, подмастерьями и пытался обучать крестьянских детей. После отмены крепостного права, одним из ярых противников которой был Милюков, отношения бывшего хозяина и Сороки обострились. Связано это было с условиями выкупа земель. Художник писал жалобы на бывшего господина, а тот обвинял его в подстрекательстве к бунту. В возрасте 41 года художник покончил с собой. Прозвище Сорока стало фамилией его детей. Их жизнь сложилась довольно успешно. Младший сын Александр (взявший впоследствии фамилию Новосильцев) даже окончил Катковский лицей, преподавал математику, латынь и греческий. А его внучка, Варвара Новосильцева, была известной балериной.

100 великих художников России

162

Существовала крестьянская легенда о взаимной любви Григория Сороки и дочери помещика Лидии, из-за чего хозяин не давал художнику вольную и насильно его женил. Но ни подтверждений, ни опровержений такой версии развития событий пока не найдено

163

Судейкин Сергей Юрьевич

1882–1946 Он был художником играющим. Ключевые слова для описания произведений Сергея Судейкина – «балаган» и «маскарад», о чем свидетельствуют уже сами названия работ: «Петрушка», «Масленичное гулянье», «Сад Арлекина». Да и сама его жизнь, похоже, управлялась духом карнавала.

Наиболее значимые работы Сергея Судейкина «У Олимпии». Эскиз декорации к «Сказкам Гофмана» Ж. Оффенбаха, 1915, Бахрушинский театральный музей (на иллюстрации справа) «Саксонские фигурки», 1911, ГРМ «Артистическое кафе», 1915, частная коллекция «Карусель», 1910, частная коллекция «Венецианские куклы», 1910, Тверская областная картинная галерея

овременник Кузнецова, Машкова, Куприна, Гончаровой, Ларионова, Пет рова-Водкина, Сергей Судейкин родился в Санкт-Петербурге в семье жандармского полковника. Спустя семь лет после изгнания из Московского училища живописи, ваяния и зодчества, в 1909-м, он поступил в Академию художеств. В Петербурге сблизился с мастерами объединения «Мир искусства», членом которого стал в 1911 году. Как Бенуа и Сомов, Судейкин обращался в своем творчестве к прошлым эпохам – но менее явно, на уровне отсылок. Творчество Судейкина обычно определяют как близкое символизму. Художник участвовал в знаковых выставках «Алая роза» и «Голубая роза», сотрудничал с символистским журналом «Весы», оформлял книги своего друга – поэта Михаила Кузмина. Работы Судейкина отличает особый, театрализованный характер. Ирония пронизывает весь строй произведений – от композиции, поз, жестов до колорита, в котором сталкиваются горячие и холодные, красные, желтые, синие, зеленые тона. Даже когда речь идет о таком неэмоциональном жанре, как натюрморт, изображение оказывается динамично-вакхическим. Это пестрый шумный вихрь, застывший в гротеске. Тяготение к театрализации выразилось и в активном сотрудничестве с театрами самых разных форматов. Судейкин оформлял постановки театра «Эрмитаж» в Москве, Малого драматического, Русского драматического и театра Комиссаржевской в Петербурге, в эмиграции исполнил декорации и костюмы для дягилевских представлений, кабаре «Летучая мышь», «Русской оперы», балета Анны Павловой, театра «Аполло», Метрополитен-оперы, труппы Баланчина. Интересно, что Судейкин был и автором декораций для голливудского фильма «Воскресение» по роману Толстого. Кстати, первой женой художника стала незаурядная актриса Ольга Глебова, а второй – актриса и художница Вера де Боссе, впоследствии жена композитора Игоря Стравинского. Близкой Судейкину сферой деятельности было и оформление различных кабаре. Так, его росписи украшали интерьеры петербургских кабаре «Бродячая собака» и «Привал комедиантов», тифлисского «Химериони». Художник прожил 64 года. В 1917 году покинул Петербург, отправляясь в Крым. Затем были Тифлис и Париж в 1920-м. Спустя три года Судейкин переехал в США, где и умер в бедности.

100 великих художников России

164

Оформивший интерьер кабаре «Бродячая собака», Сергей Судейкин стал и героем гимна этого заведения: «И художники не зверски пишут стены и камин. Тут и Белкин, и Мещерский, и кубический Кульбин. Предводительствует дерзкий, словно ротой гренадерской, сам Судейкин, сам Судейкин, сам Судейкин господин»

165

Суриков Василий Иванович

1848–1916 Имя Василия Сурикова ассоциируется прежде всего с его историческими полотнами. Новизна подхода художника заключалась в обращении к относительно недавнему отечественному прошлому. Как сказал один из исследователей, Суриков «воссоздавал архетипы русской истории».

Наиболее значимые работы Василия Сурикова «Вид памятника Петру I на Сенатской площади в Санкт-Петербурге», 1870, ГТГ «Утро стрелецкой казни», 1881, ГТГ «Меншиков в Березове», 1883, ГТГ «Зубовский бульвар зимою», 1885–1887, ГТГ «Боярыня Морозова», 1887, ГТГ (на иллюстрации справа)

удожник принадлежал к старинному казачьему роду. Его предки вместе с Ермаком пришли с Дона и осели в Сибири. Василий Суриков родился в Красноярске. Слухи о его ранних успехах в изобразительном искусстве дошли до городского главы, который поощрил начинающего живописца стипендией на обучение в Академии художеств. В Санкт-Петербурге Суриков сначала поступил в рисовальную школу при Обществе поощрения художеств. Пять лет, с 1870-го по 1875-й, он совершенствовался в академии. Художник жил в Петербурге до 1877 года, а затем переехал в Москву, где и нашел свой путь. В 1870-е Суриков работал над росписями храма Христа Спасителя. В начале следующего десятилетия появился и первый из суриковских исторических шедевров – «Утро стрелецкой казни». Историю возникновения замысла картины, рассказывающей о расправе Петра I над стрельцами, сам художник описывал так: «И вот однажды иду я по Красной площади, кругом ни души. Остановился недалеко от лобного места, засмотрелся на очертания Василия Блаженного, и вдруг в воображении вспыхнула сцена стрелецкой казни, да так ясно, что даже сердце забилось». Другая знаменитая картина мастера – «Меншиков в Березове» – навеяна видом домашних, собравшихся дождливым днем на даче. И самый яркий пример работы творческого воображения художника дает «Боярыня Морозова», образ которой родился, когда Суриков увидел ворону на снегу. Разработка всех трех полотен происходила почти одновременно, между замыслом и окончательной реализацией прошло несколько лет, в течение которых художник работал и над другими картинами. Василий Суриков нередко пренебрегал исторической достоверностью деталей ради психологической убедительности. Его внимание сосредоточено на том сложном историческом этапе, который прочерчивал грань между Русью, старой Московией, и Россией, новой великой империей. Во времена художника к этому этапу было приковано внимание многих мыслящих людей. Именно там видели корень большинства проблем XIX века. И в эту дискуссию Василий Суриков, безусловно, внес свой особый живописный вклад.

100 великих художников России

166

«Я не понимаю действий отдельных исторических лиц без народа, без толпы, мне нужно вытащить их на улицу», – писал Василий Суриков. И художник действительно искал вдохновения прежде всего на улице, в окружающей жизни

167

Татлин Владимир Евграфович

1885–1953 Экстравагантнейший ученик Михаила Ларионова, один из самых радикальных мастеров XX века, Владимир Татлин вошел в историю мирового искусства как основатель русского конструктивизма – направления в изобразительном искусстве и архитектуре, изменившего мир.

Наиболее значимые работы Владимира Татлина «Натурщица», 1913, ГТГ (на иллюстрации справа) «Продавец рыб», 1911, ГТГ Макет памятника III Интернационалу («Башня Татлина»), 1919–1920, ГТГ «Летатлин», летающий аппарат (орнитоптер), 1930–1931, Музей истории авиации, Монино, Московская область «Лес», эскиз декорации для 4-го действия неосуществленной постановки оперы М. И. Глинки «Жизнь за царя», 1913, ГТГ

удожник родился в Москве, его отец был инженером. В 14 лет Владимир Татлин убежал из дома и пошел юнгой на корабль. Так он путешествовал, бывал даже у берегов Африки. Потом Татлин любил рассказывать о своих приключениях. В 1902 году он поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Однако вскоре был отчислен и опять ушел в море матросом. По возвращении стал студентом Пензенского художественного училища. Затем совершенствовался в частных студиях Москвы и Петербурга. В 1914 году Татлин оказался в Париже, где встретился с Пабло Пикассо, которого воспринял как равного. В беседах с Юрием Анненковым Татлин говорил, что «современная фабрика представляет собой высший образец оперы и балета, а чтение книг Эйнштейна гораздо интереснее, чем какой-нибудь роман Тургенева». Смысл этих высказываний в том, что для Татлина само по себе чистое искусство не имеет смысла, оно должно быть функциональным, полезным. Очень похожие идеи в 1920-е годы бытовали в Германии, в Баухаузе. Татлин занимался дизайном мебели, одежды, посуды; преподавал в Государственных свободных художественных мастерских, Киевском художественном институте, во ВХУТЕИНе. Он открыл собственную студию на Кузнецком Мосту, вскоре ставшую очень известной. Главной работой Татлина стал проект памятника III Интернационалу. Эта башня должна была быть на 100 метров выше Эйфелевой. Внутри предполагалось разместить радиостанцию, телеграф, кинозалы, выставочные залы. Татлин хотел стереть границы между техникой и архитектурой. Проект остался неосуществленным. После признания соцреализма единственным верным направлением Татлин, как и большинство оставшихся в Союзе авангардистов, оказался не у дел. Однако его идеи получили развитие за пределами СССР.

100 великих художников России

168

«У него были коротко подстриженные светлые волосы, голова островатым орехом вверх и сидит на шее высоко. Чтобы говорить с ним, приходилось задирать голову изрядно в ожидании от него неторопливого ответа» – из воспоминаний о Владимире Татлине

169

Тропинин Василий Андреевич

1776–1857 Крепостной художник, кондитер, лакей… Василий Тропинин вынужден был осваивать самые разные специальности и представать в разных амплуа, следуя прихотям своего хозяина. Выдающийся мастер живописи получил вольную только в возрасте 47 лет.

Наиболее значимые работы Василия Тропинина «Золотошвейка», 1826, ГТГ «Портрет сына», 1818, ГТГ «Портрет А. С. Пушкина», 1827, Всероссийский музей А. С. Пушкина (на иллюстрации справа) «Пряха», 1820-е, ГТГ «Старуха с курицей (Портрет жены художника)», 1856, ГРМ

озяин Василия Тропинина, граф Ираклий Иванович Морков, направил его в ученики к кондитеру. Но в этот период талантливый крепостной тайком посещал еще и рисовальную школу. Узнав о способностях своего крестьянина, Морков решил отдать Василия в академию, где Тропинин попал в класс к ученику Дмитрия Левицкого. Картина Тропинина, представленная на выставке, обратила на себя внимание императрицы. Не пройдя полного курса, художник был отозван хозяином и отправился с ним на Украину в новое поместье. Имея там разные хозяйственные обязанности, он писал портреты членов семьи графа, делал копии с полотен европейских мастеров, исполнял иконы для местной церкви. Но находил время и на создание произведений для себя. В 1823 году Тропинин стал свободным. Вскоре он получил звание академика, за которым последовало предложение остаться в академии в качестве преподавателя. Однако художник не захотел жить в Петербурге и перебрался в Москву. Он много работал на заказ, создав в общей сложности около трех тысяч картин, правда, нам известно гораздо меньше. Обучавшийся в Петербурге в академии, Тропинин тем не менее представляет именно московскую школу живописи. Дом, где жил мастер, находится недалеко от Кремля, на Волхонке, напротив нынешнего здания ГМИИ имени Пушкина (тогда его, конечно же, еще не существовало). Свою принадлежность к московскому образу жизни, который современниками (как, впрочем, и сегодня) воспринимался как антитеза петербургскому, Тропинин подчеркнул в автопортрете на фоне Кремля. Хрестоматийно также и сравнение его портрета Пушкина с образом великого поэта, созданным Орестом Кипренским и знакомым каждому российскому школьнику. У Кипренского мы видим величавого, торжественного Александра Сергеевича, в наполеоновской позе, со скрещенными на груди руками. У Тропинина же главный национальный поэт изображен в домашней обстановке – в халате, в «неге праздной». Получились два разных поэта: Пушкин петербургский и Пушкин московский. Светский человек, немного замкнутый, и душка-барин. Интересно, что оба художника выбрали почти одинаковый ракурс.

100 великих художников России

170

«Кто же любит в жизни смотреть на сердитые, пасмурные лица? Зачем же передавать полотну неприятное, которое останется без изменений, зачем производить тяжелое впечатление, возбуждать тяжелые воспоминания в любящих этого человека? Пусть они видят его и помнят в счастливую эпоху жизни» – из размышлений Василия Тропинина 171

Тырса Николай Андреевич

1887–1942 Первая половина XX века в русском искусстве так насыщенна, что многие талантливейшие мастера, к числу которых принадлежит и Николай Тырса, оказались на обочине известности.

Наиболее значимые работы Николая Тырсы «Портрет Ахматовой», 1928, ГТГ (на иллюстрации справа) «Сидящая обнаженная», 1937, ГРМ «Про слона», обложка книги Б. Житкова «Снежная книга», обложка книги В. Бианки «Мойщица окон», 1925–1926, частная коллекция, Германия

ын кубанского казака, родившийся в селе Аралых на территории Турции, Николай Тырса впитал эстетизм петербургской школы графики. После Екатеринодарского реального училища Тырса учился в Академии художеств в Петербурге на архитектурном отделении, посещал занятия школы Елизаветы Званцевой, где преподавали Мстислав Добужинский и Лев Бакст.

В 1909–1912 годах Тырса ездил по городам России, изучая древнерусское искусство. Художник принимал участие в реставрации фресок (собор Святого Василия в Овруче). В 1911-м помогал Николаю Рериху расписывать церковь в Талашкине. Спустя несколько лет Тырса вернулся к монументальной живописи, но в ее светском, декоративном варианте. Вместе с Сергеем Чехониным он оформлял новую часть Юсуповского дворца в Петрограде. В 1916 году художник был призван на фронт. Он служил в качестве рядового солдата в броневом автомобильном дивизионе. После революции Тырса активно включился в новую художественную жизнь, преподавал во многих учебных заведениях, занимал должность комиссара Первых государственных свободных мастерских декоративных искусств. Любопытно, что с 1939 года Тырса руководил художественным советом при ленинградском отделении Торговой палаты, то есть курировал сектор рекламы. Художник занимался станковой живописью, промышленной графикой. Но основная сфера его деятельности – книжная графика. Тырса оформил множество книг, среди них произведения Каверина, Бианки, Горького, Житкова, Пушкина, Толстого, Лермонтова. В 1928 году художник работал над сюитой графических профильных портретов Ахматовой. Перед началом Великой Отечественной войны Тырса вместе с Верой Мухиной занимался разработкой предметов из стекла на Ленинградской зеркальной фабрике. В 1941 году открылась его персональная выставка. Но через неделю началась война. Художник умер сразу после блокады Ленинграда зимой 1942-го: его эвакуировали, но сил на выживание не хватило.

100 великих художников России

172

«Шкидцев рисовали и после Тырсы – и у нас, и за границей, и никому никогда не удалось так верно, так легко, весело и победно схватить не только фактуру, но и самый дух нашей беспризорной мальчишеской республики», – писал Алексей Пантелеев об иллюстрациях Николая Тырсы к «Республике ШКИД» 173

Тышлер А лександр Григорьевич 1898–1980 «Живет рядом с нами веселый и добрый человек... а потом оказывается, он-то и есть великий художник...» – писал об Александре Тышлере Осип Мандельштам. Утонченное сложное искусство этого мастера как будто доказывает теорию Карла Юнга о коллективном бессознательном, откуда являлись образы к художнику, имевшему совсем простое происхождение.

Наиболее значимые работы Александра Тышлера Серия «Карусель», 1973–1975, Музей личных коллекций, Москва «Женщина и аэроплан», 1926, частное собрание «Из лирического цикла», 1928, ГТГ «Портрет жены», 1926, ГТГ «Парад», 1920-е, Музей личных коллекций, Москва «Женский портрет», 1934, ГРМ (на иллюстрации справа)

ед художника, как и прадед, был столяром. Семейное дело продолжил отец, а потом и два брата. Сама фамилия Тышлер означает «столяр». В семье росло восемь детей, из них трое – девочки. По воспоминаниям художника, младшего ребенка, его в детстве завораживали маляры, доверявшие иногда мальчику расписывать повозки и кровати. Когда Александру исполнилось 14 лет, одна из сестер отвезла его в Киевское художественное училище (семья жила в Мелитополе). В Киеве Тышлер попал в мастерскую к Александре Экстер (у нее же училась Надежда Мандельштам), познакомился с Осипом Мандельштамом, Ильей Эренбургом, Виктором Шкловским. Студенческая жизнь, как и положено, была полуголодной, но интеллектуально насыщенной. Во время Гражданской войны Тышлер пошел добровольцем в Красную армию. Затем, возвратившись в Мелитополь, работал в украинских «Окнах РОСТа», а основным заработком тогда было исполнение портретов Ленина. Родной город подарил художнику невесту, девушку Анастасию из крестьянской семьи, ставшую впоследствии женой и моделью. В 1920-е Тышлер перебрался в Москву, поступил во ВХУТЕМАС, где его преподавателем стал Владимир Фаворский. Комнату на Мясницкой, где проживали супруги Тышлер, посещали Маяковский, Брики, Мандельштам. В то время художник сблизился с группой ОСТ (куда входили Александр Дейнека, Давид Штеренберг, Александр Лабас, Юрий Пименов). Следующее десятилетие принесло обвинение в формализме, что означало исключение из художественной жизни. Многие художники тогда спасались, обращаясь к книжной иллюстрации, декоративно-прикладному искусству, театру. Так же поступил и Тышлер. Он был главным художником цыганского театра «Ромэн», Московского государственного еврейского театра. Всего художник оформил около 100 постановок.

100 великих художников России

174

«У Александра Григорьевича Тышлера была чудная ребячливая улыбка, вернее, усмешка чудного ребенка, доброго, не лукавого, но не простоватого, претерпевшего положенный опыт многознания. Простодушно, но не простоумно, с превосходством детской хитрецы взирал он на события жизни», – вспоминала Белла Ахмадулина 175

Удальцова Надежда Андреевна

1886 (1887) – 1961 Одна из «амазонок» русского авангарда, Надежда Удальцова прошла через кубизм и супрематизм, чтобы признать приоритет цвета и вернуться в позднем творчестве к предметной живописи.

Наиболее значимые работы Надежды Удальцовой «Автопортрет с палитрой», 1915, ГТГ (на иллюстрации справа) «Кубизм», 1914, Мадрид, Музей Тиссен-Борнемиса «Натюрморт. Музыкальные инструменты», 1915, ГРМ «Машинистка», вторая половина 1910-х, частная коллекция «Алтай. На току», 1932, Орловский художественный музей

адежда Удальцова, в девичестве Прудковская, родилась в Орле, в семье офицера. В 1892 году семья переехала в Москву. Юная художница училась у очень разных мастеров: в Москве в студии Константина Юона, затем у Владимира Татлина, в Париже в академии «Ля Палетт» у Анри Ле Фоконье и Жана Метценже (там же обучались Любовь Попова, Аристарх Лентулов, Вера Мухина, Сергей Шаршун). В 1920-х Удальцова преподавала в Высших художественных мастерских в Москве (ВХУТЕМАСе), где помогала Казимиру Малевичу, сотрудничала с Институтом художественной культуры. Также художница преподавала в Московском текстильном институте. В конце 1920-х она отправилась в путешествие, посетила Армению, Алтай и Урал. Эти поездки произвели на нее очень сильное впечатление, что, безусловно, отразилось и в живописи того периода. В 1930-е Удальцова, как и многие «левые» художники, не работавшие в рамках соцреализма, была обвинена в формализме. По сути, это означало профессиональный приговор. В 1938 году был расстрелян ее муж, художник Александр Древин. Надежде Андреевне удалось спасти его картины, названные бездарностью и антисоветскими происками: она рискнула выдать их за свои. Сама художница скончалась в Москве в 1961 году. Ее сестра и племянник также были живописцами, все они похоронены на Новодевичьем кладбище. За последние 12 лет интерес к творчеству Удальцовой в России заметно возрос. В 2001 году в московской галерее «Риджина» прошла выставка ее поздних работ. До этого ранние произведения художницы были показаны в Третьяковской галерее в рамках знакового проекта «Амазонки авангарда». В 2008 году к творчеству Надежды Андреевны обратилась галерея «Дом Нащокина», а в 2012-м – галерея «Проун». Обе выставочные площадки представили близкую концепцию экспозиций: творческий и семейный тандем Удальцовой и Древина. Как и полотна других мастеров русского авангарда, работы Удальцовой сегодня успешно продаются на крупнейших мировых аукционах. Так, супрематическая «Композиция с желтым треугольником» 1916 года, исполненная гуашью на бумаге, в 2000 году на торгах Christie’s ушла за 4935 английских фунтов при эстимейте в 2000–3000 фунтов, а в 2006-м «Композиция» (тоже гуашь, бумага, 1916) была куп лена за 4800 фунтов при предполагаемой цене 600–800.

100 великих художников России

176

В 1920-е годы Надежда Удальцова входила в группу «Амазонки русского авангарда». Это художественное объединение оказалось в центре бурных дискуссий о том, какое искусство необходимо новому времени. Но и тогда самоценность традиционной станковой живописи для Надежды Андреевны была очевидна 177

Уткин Петр Саввич

1877–1934 «Голубая роза» – красивая мечта о несуществующей гармонии, само название художественного объединения, куда входили Петр Уткин и его друзья-символисты, программно. Свою задачу художники видели в создании удивительных образов другой реальности.

Наиболее значимые работы Петра Уткина «Утренняя молитва», 1908, частная коллекция «Торжество в небе», 1905, Государственный художественный музей имени А. Н. Радищева, Саратов «Сон», 1905, ГРМ «Окрестности Саратова (Пруд)», 1925, Государственный художественный музей имени А. Н. Радищева, Саратов «Дом Я. Жуковского в Кучук-Кое», 1910-е, собрание В. И. Палеева, Санкт-Петербург (на иллюстрации справа)

тец будущего живописца Савва Корнилович служил начальником железнодорожной станции, а мать происходила из семьи торговцев зерном. После того как отец бросил семью, юноша помогал маме, зарабатывавшей вышивкой, составлять флоральные орнаменты. Петр Уткин был другом и земляком Кузьмы Петрова-Водкина и Павла Кузнецова. Художники подружились в Московском училище живописи, ваяния и зодчест ва. Наставниками Уткина в это время были Валентин Серов, Константин Коровин и Исаак Левитан, авторитетнейшими предшественниками – Михаил Врубель и Виктор Борисов-Мусатов. Уткин стал одним из организаторов и участников знаковых выставок «Алая роза» и «Голубая роза». Помимо живописи он занимался книжной иллюстрацией, сотрудничал с журналом «Золотое руно». Есть сведения, что Уткин работал в Абрамцеве у Саввы Мамонтова в керамической мастерской, однако его произведения неизвестны. Вместе с Кузнецовым и Петровым-Водкиным Уткин расписывал церковь Казанской Божией Матери в Саратове. Когда работы были окончены, последовал скандал, так как росписи в храме оказались слишком далеки от строгих церковных канонов. После почти двухлетней тяжбы с епархиальными властями росписи признали еретическими и по решению суда уничтожили. Увлекавшийся символизмом, идеями синтеза искусств выпускник филологического факультета Санкт-Петербургского университета, финансист, действительный статский советник Яков Жуковский пригласил Уткина, Кузнецова и скульптора Александра Матвеева в Крым для оформления своей усадьбы в Кучук-Кое. Этот уникальный проект захватил период с 1908 по 1914 год. Уткин исполнил росписи усадебного дома. С 1918 года художник жил в Саратове, где и преподавал. Затем в 1931-м переехал в Ленинград. Здесь продолжил обучать нюансам мастерства живописца в Академии художеств и Институте живописи, скульптуры и архитектуры. Во время блокады Ленинграда большая часть творческого наследия Петра Уткина погибла.

100 великих художников России

178

«К Петру Саввичу шла учиться всегда лирически настроенная молодежь – любители грустных саратовских волжских песен, нежных гамм. Мастерская его всегда утопала в голубых лирических “обстановках”, аромате нежности, грусти и ласки», – вспоминал художник Давид Загоскин

179

Фаворский Владимир Андреевич

1886–1964 Мастер гравюры, выдающийся график, он был вне мейнстрима – как советского, так и антисоветского. Хотя искусство Владимира Фаворского имело камерный характер, что вообще свойственно графике, художник был признан официально. И можно сказать, что его произведения – связующая нить между первой и второй половинами XX века.

Наиболее значимые работы Владимира Фаворского «Руфь под деревом», 1904, гравюра, ГТГ (на иллюстрации справа) «Портрет Ф. М. Достоевского», 1929, гравюра «Моцарт и Сальери», илл. к «Маленьким трагедиям» А. С. Пушкина, 1959–1961, гравюра, ГТГ «Годы революции. Октябрь», 1928, гравюра «Затмение», илл. к «Слову о полку Игореве», 1948, гравюра

римечательна семья художника. Его дед был священником, отец – юристом, кандидатом права, поднадзорным полиции (так как в молодости некоторое время имел связи с революционерами), депутатом Государственной думы III созыва, представлявшим Нижегородскую область. Дядя художника – Алексей Фаворский, ученик Александра Бутлерова, был известным химиком, членом Академии наук. Мать художника, давшая первый творческий импульс, приходилась дочерью архитектору Владимиру Шервуду, построившему здание Исторического музея на Красной площади. Женой Фаворского стала Мария Дервиз, художница, которая, как и ее будущий супруг, посещала частную студию Константина Юона. Образ ее матери Надежды Дервиз (урожденной Симонович) запечатлен в портрете кисти Валентина Серова (ГТГ), приходившегося Марии двоюродным дядей. С отцом Марии, Владимиром Дервизом, Серов дружил и оставил нам виды поместья Дервиза – Домотканова. Мария Дервиз-Фаворская преподавала, иллюстрировала книги, делала панно для музеев. Владимир Фаворский посещал занятия по скульптуре в Строгановском училище. Но основное образование получил в Мюнхене, в частной мастерской Шимона Холлоши, и в университете, где изучал историю искусств на философском факультете. С 1907 года Фаворский учился в Московском университете, с этого же года занимался гравюрой. Дипломную работу он посвятил Проторенессансу. К оформлению книги Фаворский подходил как к созданию единого эстетического организма. Его иллюстрации лапидарны и выразительны. В 1962-м художник был удостоен Ленинской премии, а спустя год – звания народного художника СССР. Владимир Андреевич также сотрудничал с театром, создавая кукол-марионеток, декорации, костюмы. Творческую деятельность Фаворский совмещал с преподаванием во ВХУТЕМАСе-ВХУТЕИНе, Полиграфическом институте, Институте изобразительных искусств, Институте прикладного и декоративного искусства. У Фаворского учились Александр Дейнека и Юрий Пименов.

100 великих художников России

180

В начале 1860-х годов дед Фаворского архитектор Владимир Шервуд приехал в Англию по приглашению Чарлза Диккенса, чтобы написать портреты его близких. Спустя 70 лет Владимир Фаворский создал фронтиспис к «Тяжелым временам» Диккенса

181

Фальк Роберт Рафаилович

1886–1958 Произведениям Роберта Фалька свойственна психологизация, и это касается как пейзажа, так и натюрморта. Разные объекты в картинах мастера становятся «отражателями» внутреннего мира.

Наиболее значимые работы Роберта Фалька «Портрет Михада Рефатова», 1915, ГТГ «Портрет Нарышкиной. Париж», 1929, Государственная картинная галерея, Новосибирск «Красная мебель», 1920, ГТГ (на иллюстрации справа) «В белой шали», 1946–1947, ГРМ

емью, в которой родился Роберт Фальк, можно назвать состоятельной. Отецюрист был также присяжным, увлекался шахматами. В доме, где росли три мальчика, говорили на немецком. Роберт учился в московской школе, где все преподавание также велось на немецком. В Фальке-мальчике спорили увлечения живописью и музыкой. Все решил подарок на 17-летие – набор масляных красок. В 1905 году Фальк поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Конечно, родители видели его в другой профессии. Их успокоило только то, что по конкурсу он прошел одним из первых. Фальк учился у Валентина Серова, Константина Коровина, Аполлинария Васнецова, Абрама Архипова. В училище встретил свою первую жену – Елизавету Сергеевну Потехину, принадлежавшую к старому, но обедневшему дворянскому роду. Их брак расстроил родителей с обеих сторон, лишивших молодую чету материальной поддержки. Молодожены-художники зарабатывали преподаванием рисования в школах. В училище же сложился и круг друзей Фалька: Машков, Кончаловский, Куприн, – образовавших в 1910 году объединение «Бубновый валет». Фальк вспоминал, что это название происходило от старых итальянских игральных карт, где бубновый валет держал палитру. Но, возможно, такая этимология – миф, придуманный Михаилом Ларионовым. Уже первая выставка «Бубнового валета» имела огромный резонанс. Те отрицательные эпитеты, которыми тогда награждали художников критики, тот ажиотаж, который они вызвали, сегодня – мечта любого куратора. Первая выставка принесла и первый гонорар за проданную картину – 300 рублей. Эти деньги Фальк потратил на путешествие по Италии. Произведения того периода сам художник охарактеризовал так: «…Я любил яркие, контрастные сочетания, обобщенные выразительные контуры, даже подчеркивал их темной краской. <…> В какой-то мере я отдал дань кубизму: многие вещи мои того периода отличаются сдвигами формы». В 1920-е годы Наркомпрос отправил Фалька в Витебск, чтобы «унять» Казимира Малевича и «разгул супрематизма». В Витебске его поразило, насколько все соответствовало картинам Марка Шагала. Примечательно, что в кармане у Фалька лежал ордер на арест Малевича, которым художник не воспользовался. Но переманил часть его учеников. К их числу принадлежала и Раиса Идельсон, ставшая музой и второй женой Фалька. В Москве художник преподавал во ВХУТЕМАСе, занимал должность декана живописного факультета ВХУТЕИНа, был членом Академии художественных наук, Союза работников искусств. Роберт Фальк похоронен в Москве, на Калитниковском кладбище.

100 великих художников России

182

«Помню, как лет с семи я с увлечением вел своеобразный рисовальный “дневник”, зарисовывая на листах бумаги все впечатления дня. Дневник этот я вел с определенной целью: вернувшись в Москву, хотел подробно все путешествия рассказать нашей кухарке, которую очень любил» – из воспоминаний Роберта Фалька

183

Федотов Павел Андреевич

1815–1852 Будучи одним из наиболее ярких и самобытных талантов, Павел Федотов тем не менее вошел в историю русского искусства еще и как одна из самых трагических его фигур. Отставной офицер, вольнослушатель Академии художеств, начинавший с жанровых акварелей, в итоге он пришел к произведениям столь же глубоким и драматичным, как творения Гоголя и Достоевского.

Наиболее значимые работы Павла Федотова «Свежий кавалер. Утро чиновника, получившего первый крестик», 1846, ГТГ «Сватовство майора», 1848, ГТГ (на иллюстрации справа) «Завтрак аристократа» («Не в пору гость», «Ложный стыд»), 1849–1850, ГТГ «Анкор, еще анкор», 1851–1852, ГТГ «Игроки», 1852, Киевский государственный музей русского искусства

ворческий путь Павла Федотова начался с изображения сценок из хорошо знакомой художнику-дилетанту жизни военных и горожан. Федотов мечтал затмить Уильяма Хогарта – английского живописца XVIII века, открывшего жанр сатирических серий, призванных исправлять пороки общества. Картины Федотова, правда, не объединены в циклы, но цель его совпадает с хогартовской и, как и у прославленного англичанина, полотна наполнены множеством занимательных, красноречивых подробностей, усиливающих эффект комического. Так, в «Свежем кавалере» главный герой, подбоченясь, хвастается первой наградой, в то время как в его жилище царит разгром и беременная домработница указывает на прохудившиеся сапоги. Как и Хогарт, Федотов любил давать словесный комментарий к изображению. В данном случае он звучит так: «Где завелась дурная связь, там и в великий праздник грязь». В «Завтраке аристократа» герой прикрывает книгой кусок черного хлеба – весь завтрак человека, живущего напоказ, желающего произвести впечатление. В «Разборчивой невесте» зритель видит подглядывающих за сценой объяснения родителей немолодой невесты, сокрушающихся об ее необоснованном кокетстве. Помимо знаменитых жанровых картин, Федотов также писал портреты близких ему людей (в основном семейства Жданович).

Кульминацией творчества стали работы «Анкор, еще анкор» и «Игроки». Что касается первой (она считается неоконченной), то само название своей тавтологией (encore с французского – «еще») указывает на алогичность ситуации, бессмысленную цикличность действий. Застрявший в глуши офицер занят единственно тем, что заставляет собачонку снова и снова прыгать. Примечательно, что лицо героя зритель не может разглядеть. Так художник подчеркивает типичность ситуации, в которой оказывается следующее поколение «лишних» людей. В «Игроках» Федотов обращается к симптоматичной для русского искусства теме рока и его проявлений через карточную игру. И в «Пиковой даме» Пушкина, и в «Игроке» Достоевского игра в карты воспринималась как поединок с судьбой, фортуной. У Федотова игроки, потягивающиеся в предрассветный час, превращаются в фантомы – за счет почти гротескных поз. На стенах висят призраки картин – пустые рамы. Вся сцена приобретает инфернальный характер. За столом остается только обескураженный проигравший.

100 великих художников России

184

«Он жил в крошечной и холодной квартире, питался плохо... Он отказался от женитьбы на богатой и симпатичной девушке, изъявившей желание выйти за него замуж, и не раз отказывался от выгодных заказов, например копий со своих же собственных произведений» – из воспоминаний Александра Бенуа о Павле Федотове

185

Фешин Николай Иванович

1881–1955 Судьба Николая Фешина сложилась очень странно, как бы одновременно говоря и «да», и «нет». Художнику сопутствовал профессиональный успех и на родине, и в эмиграции, его имя не было выкорчевано из истории отечественной живописи и в советское время, тем не менее его почти забыли.

Наиболее значимые работы Николая Фешина «Обнаженная в ванной», до 1923-го, Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан «Портрет Вари Адоратской», 1914, Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан «Портрет Н. М. Сапожниковой», 1915, Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан «Натюрморт», 1910-е, Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан

удущий художник родился в Казани, в семье резчика иконостасов. После окончания художественной школы Николай Фешин поступил в училище при академии в Петербурге, где его наставником стал Илья Репин. Мэтр хорошо относился к своему ученику. «Прежде всего, он ценил мою способность к большим композициям и всегда убеждал меня идти этой дорогой. Но его поддержка не вдохновляла меня! Я понял, что композиционный тип работы не мог быть совершенным без полного знания человеческого лица, и вопреки его советам я стал работать исключительно в портретном жанре», – писал Фешин в автобиографии. Живопись мастера, влюбленного в колорит, очутилась в каком-то своем, особом измерении. Усвоив лучшее, что было в реализме, импрессионизме и искусстве рубежа веков, художник работал в своей специфической манере, игнорируя все последующие «измы» авангарда. Признание пришло к Фешину быстро. Когда ему было 27 лет, музей Академии художеств купил его «Портрет неизвестной». Эта же картина принесла Николаю Ивановичу золотую медаль Мюнхенской международной выставки. Получив звание художника по окончании училища, он отправился на стажировку за границу. Как вспоминала его дочь, Европа не поразила Фешина: «Не было ничего такого особенного, чем бы отец был восхищен. Ему не нравился Париж. Там не было ничего, что впечатлило бы его. Он был в Италии, и только в Неаполе рыбный базар заинтересовал его». Фешин преподавал в родной художественной школе в Казани, участвовал во многих выставках, писал портреты. В 1923 году уехал в США, где у него было много заказов. Там подружился с Сергеем Коненковым. После развода Фешин рассматривал вариант возвращения в Советский Союз, но остался в Америке ради дочери.

«Купальщица», 1910, Челябинская областная картинная галерея (на иллюстрации справа)

100 великих художников России

186

В течение нескольких лет Николай Фешин вместе с нежно любимой супругой строил дом в Таосе. Однако когда работы были закончены, они развелись, и бывшая жена переехала в мексиканскую деревню, а сам мастер, потрясенный произошедшим, – в Мехико-сити 187

Филонов Павел Николаевич

1882 (1883) – 1941 Биография Павла Филонова доказывает тезис о том, что талант может появиться в любой среде и в любых условиях. Сын кучера и прачки стал одним из классиков XX века. Наличие его работ – показатель статуса музея современного искусства.

Наиболее значимые работы Павла Филонова «Пропевень о поросли мировой», костюмы и декорации к постановке трагедии «Владимир Маяковский», 1913–1915 «Первая симфония Шостаковича», 1935, ГТГ (на иллюстрации справа) «Победа над вечностью», 1920, ГРМ «Животные», 1925, ГРМ «Нарвские ворота», 1929, ГРМ «Земля в пространстве», конец 1920-х, ГТГ

изненный и творческий путь Павла Филонова был очень непростым. Постоянная борьба за физическое выживание, бедность, порой настоящий голод. И фантастическое стремление к творчеству, только такому, каким его представлял сам художник, никаких компромиссов. Другое удивительное свойство натуры Филонова – тяга к теоретизированию. Мастер разрабатывал сложную концепцию аналитического искусства. Изложил свои идеи в манифесте «Сделанные картины» и «Декларации мирового расцвета». Собственно, Филонов показывал в картинах не что-то, какие-либо объекты, а процессы их формирования. Его произведения похожи на гигантскую мозаику, макромодель, состоящую из микроэлементов. Сам художник давал такие инструкции: «Упорно и точно рисуй каждый атом. Упорно и точно вводи прорабатываемый цвет в каждый атом, чтобы он туда въедался, как тепло в тело, или органически был связан с формой, как в природе клетчатка цветка с цветком». Тексты Филонова своеобразны по стилю, они представляют собой нечто среднее между трактатом и стихом: «Так как я знаю, вижу, интуирую, что в любом объекте не два предиката, форма да цвет, а целый мир видимых или невидимых явлений, их эманаций, реакций, включений, генезиса, бытия, известных или тайных свойств, имеющих, в свою очередь, иногда бесчисленные предикаты, – то я отрицаю вероучение современного реализма “двух предикатов” и все его право-левые секты, как ненаучные и мертвые, – начисто». Несколько раз Филонов пытался поступить в Академию художеств. Наконец, после того как в течение пяти лет он занимался в частной студии (еще ранее посещал рисовальную школу при Обществе поощрения художеств), Филонов был зачислен в академию как вольнослушатель. Но через два года его исключили. Потом приняли обратно, но вскоре Филонов ушел сам. В 1916 году он был призван на Румынский фронт. В Петербург (тогда уже ставший Петроградом) мастер вернулся после революции и начал активно участвовать в художественной жизни. В 1925-м организовал сообщество «Мастера аналитического искусства», куда входило несколько десятков художников. Сам Филонов, харизматик, воспринимался ими как гуру, учитель (то же характерно и для учеников Казимира Малевича). После разработки концепции соцреализма как магистрального направления в искусстве Филонов, как и многие мастера, оказался не у дел. Он умер в блокадном Ленинграде. Его картины выжили благодаря сестре, Евдокии Глебовой.

100 великих художников России

188

В 1929 году Русский музей предложил Павлу Филонову устроить персональную выставку, была сформирована экспозиция и подготовлен каталог, однако открытие так и не состоялось. Выставка великого мастера в Русском музее прошла только в 1988 году, спустя почти шесть десятилетий

189

Чекрыгин Василий Николаевич

1897–1922 Именно Василий Чекрыгин создал первые иллюстрации к первой книге стихов Владимира Маяковского «Я!». Художнику, студенту Московского училища живописи, ваяния и зодчества, было тогда всего 15 лет.

Наиболее значимые работы Василия Чекрыгина «Женская голова», 1910 (на иллюстрации справа) Цикл «Расстрел», 1920 Цикл «Сумасшедшие», 1921 Цикл «Голод в Поволжье», 1922 Цикл «Воскрешение мертвых», 1921–1922 Местонахождение полотен неизвестно

ениальный мастер родился в провинции, в городке Жиздра Калужской облас ти, в семье приказчика. Его детство прошло в Киеве, где он обучался в иконописной школе Киево-Печерской лавры. В Москве, в стенах училища, куда Чекрыгин с легкостью поступил, он подружился с футуристами: Владимиром Маяковским, Давидом Бурлюком, Львом Жегиным, сыном архитектора Федора Шехтеля. В доме последнего и жил Чекрыгин. В училище, где его прозвали Чекрыжкой, он попал в класс Константина Коровина. Благодаря стипендии Чекрыгин мог не платить за обучение. Однако после того как художник представил свои работы на юбилейной выставке училища, последовал скандал. Чекрыгин вынужден был уйти из училища. В 1914 году он принял участие в авангардной выставке «№ 4. Футуристы, лучисты, примитив», организованной Михаилом Ларионовым. Когда началась Первая мировая война (Чекрыгин в то время путешествовал по Европе), оба художника были мобилизованы. Артистическими ориентирами для художника стали Андрей Рублев, Александр Иванов, Михаил Врубель. Особое воздействие на мировоззрение и творчество Чекрыгина оказали идеи религиозного философа, библиотекаря Румянцевского музея Николая Федорова. Его размышления о бессмертии и прогрессе интересовали и Маяковского. Под впечатлением от трудов Федорова Чекрыгин задумал Собор Воскрешающего Музея, и работы художника стали эскизами будущих фресок. Этот замысел он раскрыл в одноименном теоретическом тексте. Там, например, есть такие слова: «Все, что открывает себя в героизме, солнечном свете, любви, отваге и блаженстве, что светит в порыве благорастворенных воздухов, фиалке, доверчивом взгляде кроткого лика зверя и всего живого, – погасающий свет Духа – ибо человек далек от себя. В глубине своей ищет он прекраснейшего закона вечности, но, ища в отвлечении, находит сон, и во сне, разъединенностью от Отца и брата, предается смерти». Судьба художественного наследия Чекрыгина печальна. В 1922-м (год смерти художника) на выставке «Искусство – жизнь» была показана 201 его работа. В сталинское время имя мастера надолго исчезло из истории русского искусства. В период «оттепели» прошла выставка в музее Маяковского и затем, в 1970-м, – в ГМИИ им. Пушкина. В 2006-м музей организовал еще одну выставку Чекрыгина. В 1980-е внучка художника, проживающая на Кубе, передала в дар советским музеям около 300 работ. Дар был принят, но с нарушением условий, вплоть до того, что местонахождение ряда произведений до сих пор неизвестно.

100 великих художников России

190

Мистик и философ Василий Чекрыгин пробыл в этом мире всего 25 лет. Однако именно он был одним из вдохновителей московского объединения художников и поэтов «Искусство – жизнь» (после 1924 года – «Маковец»). В журнале объединения печатались Борис Пастернак и Велимир Хлебников 191

Чехонин Сергей Васильевич

1878–1936 Произведения Сергея Чехонина, входившего в объединение «Мир искусства», проникнуты тончайшим эстетизмом, хотя мастер был очень скромного происхождения.

Наиболее значимые работы Сергея Чехонина «Натюрморт», 1916, ГРМ (на иллюстрации справа) Тарелка «Красная лента», 1919 Тарелка «Женщина», 1921 Обложка художественного журнала «Жар-птица», 1912 Фронтиспис журнала «Аполлон», 1917

дореволюционной России действительно талантливый человек мог реализовать свои способности. Биография Сергея Чехонина подтверждает этот тезис. Удивительно разносторонний мастер родился в селе Лыкошино Новгородской губернии, в семье машиниста. Будучи подростком, брался за любую работу (кассиром на пароходной станции, конторщиком, чертежником). Затем перебрался в столицу, где учился в рисовальной школе при Обществе поощрения художеств и у Николая Репина в одной из школ, организованных княгиней Тенишевой. Чехонин пробовал возможности разных техник и материалов. Декоративно-прикладное искусство в его творчестве играло важную роль. Одним из значимых видов искусства для него стала керамика. В первой половине 1900-х художник работал в абрамцевской керамической мастерской под руководством Михаила Врубеля. Небезызвестный керамический декор гостиницы «Метрополь» в Москве частично исполнен Чехониным – он автор эскизов мозаик балконов и панно на боковом фасаде. Его керамика украшает и здания Петербурга. Художник также расписывал интерьеры, как частные, так и общественные, занимался миниатюрной живописью, финифтью, иллюстрацией, карикатурой. В 1913 году Министерство земледелия отправило художника в Берлин для подготовки экспозиции русских кустарных изделий. С 1918 года Чехонин был художественным руководителем Государственного (бывшего Императорского) фарфорового завода. Создание агитационного фарфора – уникального явления в истории искусства – непосредственно связано с его именем. Чехонин привлек к сотрудничеству с заводом многих талантливых мастеров. Сегодня чехонинский и вообще ранний советский фарфор представляет большую коллекционную ценность. В 1920-е художник принимает активное участие в русских (советских) выставках за рубежом: Первой художественной в Берлине, Международной книжной во Флоренции, 14-й Международной выставке искусств в Венеции, экспозициях русского искусства в Нью-Йорке и Лос-Анджелесе, Международной выставке художественной промышленности и декоративных искусств в Милане, Выставке советского искусства в Токио. Стоит подчеркнуть, что Чехонин также участвовал в знаковой парижской выставке декоративных искусств 1925 года, которая послужила источником термина «ар-деко». В 1928 году Чехонин уехал из Советской России, жил во Франции, Германии.

100 великих художников России

192

Сергей Чехонин усыновил детей своей жены Лидии Вычегжаниной. Один из них – Петр Вычегжанин, впоследствии взявший псевдоним Пьер Ино, – стал известным во Франции художником

193

Чистяков Павел Петрович

1832–1919 Этот художник известен прежде всего не как мастер, а как выдающийся преподаватель Академии художеств. Учениками Павла Чистякова были Валентин Серов и Михаил Врубель, Василий Поленов и Илья Репин, Виктор Васнецов и Василий Суриков – каждый из них оставил о нем самые благоговейные воспоминания.

Наиболее значимые работы Павла Чистякова «Джованнина, сидящая на подоконнике», 1864, ГРМ «Великая княгиня Софья Витовтовна на свадьбе великого князя Василия Темного в 1433 году срывает с князя Василия Косого пояс, принадлежавший некогда Дмитрию Донскому», 1861, ГРМ (на иллюстрации справа) «Римский нищий», 1879, Пензенская областная картинная галерея им. К. А. Савицкого «Джованнина», 1863, ГТГ «Портрет матери художника», 1880, ГРМ

одители Павла Чистякова происходили из крепостных крестьян помещика Тютчева, далекого родственника поэта. Отец был управляющим имением, и его сыну барин пожаловал вольную при крещении. Юноша блестяще учился в уездном училище. Затем поступил в Академию художеств и окончил ее с большой золотой медалью, что позволило за государственный счет отправиться в путешествие по Италии для продолжения образования. Вернувшись в Санкт-Петербург в 1870 году, Чистяков был удостоен звания академика. Помимо преподавания в академии, он вел частные занятия. Занимаясь с учениками в своей мастерской столь же упорно и добросовестно, как и в академии, художник не брал с них денег. Преподавателем Павел Чистяков был строгим, требовательным, но любил и пошутить. Будучи одним из сильнейших наставников академии, учил главным образом живому отношению к натуре, системному видению предмета, а не академическим принципам. На Врубеля глубочайшее воздействие оказал чистяковский метод рисунка путем отсечения плоскостей. Смысл его в том, что художник не заполняет форму внутри контура, а постепенно убирает все лишнее вокруг нее, и форма выкристаллизовывается сама. В академии Чистяков также заведовал мозаичным отделением и, например, курировал исполнение мозаик для храма Христа Спасителя в Москве и Исаакиевского собора в Санкт-Петербурге. «В основу преподавания Павел Петрович клал изучение формы предметов в связи с рисунком, светотенью и колоритом. Он шел не от рисунка, а именно от формы. Он настаивал, чтобы эта последняя выражалась художником с одинаковой свободой, с какой бы точки зрения ни писался данный предмет», – вспоминал Васнецов. Художник женился на своей талантливой ученице Вере Мейер. Она была младше супруга на 16 лет и подарила ему троих детей (двух дочерей и сына). В Царском селе открыт для посещения Дом-музей Чистякова. Само здание построено в 1870-е, в эпоху историзма.

100 великих художников России

194

Однажды один из раскритикованных учеников пожаловался Павлу Чистякову на неудачное место, на что соученик заметил: «Не место красит человека». «Вот вы и красьте», – последовал ответ Павла Петровича

195

Шагал Марк Захарович

1887–1985 Его имя стоит в одном ряду с именами Пабло Пикассо и Амедео Модильяни. Как и они, Марк Шагал приехал покорять Париж и в итоге вошел в историю мировой живописи как один из самых блистательных представителей «парижской школы».

Наиболее значимые работы Марка Шагала «Часы», 1914, ГТГ «Над городом», 1914–1918, ГТГ (на иллюстрации справа) «Зеленый скрипач», 1923–1924, Нью-Йорк, Музей С. Гуггенхайма «Прогулка», 1917, ГРМ «Белла в белом воротничке», 1917, частная коллекция «Корова с зонтиком», 1944, частная коллекция

арк Шагал родился в городке Лиозно под Витебском. Отец художника работал грузчиком в селедочной лавке. В их большой семье жило сразу несколько поколений родственников: дедушки, бабушки, тетки и много-много детей. О них, о доме, об устройстве скромного быта художник рассказал в книге «Моя жизнь». Эта летопись воспоминаний имела интересную историю. Изначально написанная по-русски, до российского читателя она дошла в двойном переводе: книга увидела свет на идише, французском и других европейских языках, так как издать ее в СССР в 1930-е было невозможно. В 1906 году Шагал поступил в Витебскую художественную школу. Затем в Петербурге посещал рисовальную школу при Обществе поощрения художеств и частную студию Елизаветы Званцевой, где преподавали Мстислав Добужинский и Лев Бакст. Четыре года, с 1910-го по 1914-й, он провел в Париже, с головой погрузившись в чрезвычайно бурную на тот момент художественную жизнь. Вернувшись в Витебск спустя некоторое время после революции, Шагал получил должность комиссара искусств и открыл школу, участвовал в выставках. После конфликта с Казимиром Малевичем переехал в Москву. А в 1922-м покинул Россию, сначала жил в Германии, затем во Франции (семь лет, с 1941-го по 1948-й, провел в США). В 1915 году художник женился. Нежно любимая супруга Белла, образ которой возникает во многих картинах Шагала, также была натурой творческой. Она хотела стать актрисой, занималась в студии Станиславского. Ее литературный дар воплотился в переводе сочинений мужа и позже в собственных мемуарах (книга «Заж женные огни», написанная на идише). Сюрреалисты считали Шагала своим мастером. Однако сам художник полагал иначе и был не согласен с идеей автоматического письма, говоря: «Я всегда спал спокойно без Фрейда». Его образы символичны. В картинах Марка Шагала переплетаются прошлое, настоящее и будущее. Часто художник создает визуальный эквивалент словесным выражениям, идиомам. Поэтому его влюбленные буквально парят в небе от счастья, а весь мир сжимается, превращаясь в маленький островок.

100 великих художников России

196

«Да, сынок, я вижу, у тебя есть талант. Но послушай меня, деточка. Может, все-таки лучше тебе стать торговым агентом. Мне жаль тебя. С твоими-то плечами. И откуда на нас такая напасть?» – из отзывов матери об одной из картин Марка Шагала

197

Шевченко А лександр Васильевич 1883–1948 Лояльность, открытость этого художника разным путям проявились в том, что он состоял почти во всех значимых художественных группировках первой четверти XX века: в «Мире искусства» и «Ослином хвосте», «Маковце» и Обществе московских художников.

Наиболее значимые работы Александра Шевченко «Дамы на бульваре», 1911, ГТГ «Вывесочный натюрморт. Вино и фрукты», 1913, ГТГ (на иллюстрации справа) «Джаз», 1935, ГРМ «Девушка с грушами», 1933, ГРМ «Проходной двор», 1944, ГРМ

рименительно к творчеству Александра Шевченко обязательно встает вопрос: что же перед нами – авангард или модернизм? Искусство авангарда предполагает тотальное изменение отношения к натуре, модернизм же использует отдельные элементы нового языка без революционного отказа от старых достижений. Авангард не может быть «мягким», но в довольно авангардных по духу работах Шевченко нет радикализма, в их основе все равно остается предмет, пусть даже и увиденный через призму кубизма и футуризма. А в позднем творчестве он и вовсе возвращается к сплаву реализма с импрессионизмом. Сам же мастер утверждал, что «нет искусства старого и нового… ибо оно вневременно и внепространственно». Александр Шевченко родился в Харькове. Его отец был торговым служащим. Сначала будущий художник занимался в Харьковском реальном училище. После переезда семьи в Москву обучался в Строгановском училище, в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (у Константина Коровина и Валентина Серова). В 1904-м Шевченко совершил поездку в Каир, Стамбул и Афины. А в следующем году отправился в Париж, где посещал Академию Жюльена. В конце XIX – начале XX века в эту частную студию заходили многие известные художники: Евгений Лансере, Валентин Серов, Иван Пуни, Лев Бакст, Петр Кончаловский. Также Шевченко занимался в мастерской символиста Эжена Карьера. В итоге его работы были представлены на выставке Салона независимых. Как и многие художники той эпохи, Александр Шевченко стремился к теоретическому осмыслению изменений в искусстве. Результатом стали манифесты и эссе «Цветодинамос и тектонический примитивизм», «Принципы кубизма и других современных течений», «Неопримитивизм». После революции мастер работал над созданием Музея живописной культуры. Был членом комиссии по охране памятников культуры и искусства, преподавал в разных художественных вузах. Глубокое воздействие на художника оказала командировка в Батуми. Он также совершил поездки в Азербайджан, Дагестан и Аджарию.

100 великих художников России

198

«Вышло так, что первыми моими товарищами по школе были два совершенно противоположных человека и вместе с тем исключительных: Судейкин и Ларионов. Последний как раз и сыграл наибольшую роль в моем развитии как живописца» – из воспоминаний Александра Шевченко

199

Шишкин Иван Иванович

1832–1898 Условия и обстоятельства жизни Ивана Шишкина как будто программно подбирались друг к другу, дабы создать эпический образ легендарного русского пейзажиста.

Наиболее значимые работы Ивана Шишкина «Лесные дали», 1884, ГТГ «Утро в сосновом лесу», 1889, ГТГ (на иллюстрации справа) «Лесная заводь. Осень», 1870-е, Плесский государственный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник «Дубы. Вечер», 1877, этюд, ГТГ «Осенний лес», 1876, Волгоградский областной музей изобразительных искусств

о-первых, само имя-отчество как нельзя лучше подходит одной из знаковых фигур русской живописной школы. Во-вторых, современники называли внешность Ивана Шишкина не иначе как богатырской. В-третьих, он приехал из провинции – города Елабуги Вятской губернии (из тех же краев происходили Васнецовы). В-четвертых, Шишкин обрел разнообразные официальные регалии, включая звание академика живописи. Отец художника был купцом второй гильдии, городским старостой, увлекавшимся историей и археологией (вместе с сыном он участвовал в раскопках). Иван Васильевич Шишкин даже написал «Историю Елабуги». Мать художника принадлежала к мещанскому сословию. Супруги имели шестерых детей. В 1852 году Иван Шишкин поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где обучался у ученика Алексея Венецианова – Аполлона Мокрицкого. Затем последовал переезд в Петербург и поступление в академию. Окончив ее с большой золотой медалью, Шишкин отправился в пенсионерскую поездку по Европе. Его маршрут пролегал через Чехию, Францию, Бельгию, Голландию, Швейцарию, Германию. Наибольшее воздействие на художника оказала дюссельдорфская школа. Из разных свидетельств следует, что Шишкин очень скучал по России, поэтому он вернулся раньше положенного срока, хотя за границей его дела шли хорошо: большим успехом пользовались рисунки мастера и перед отъездом была организована большая выставка его работ. Хозяин галереи, с которой сотрудничал художник, даже признавался, что только на графике Шишкина может сделать состояние. Вернувшись в 1865 году в Петербург, Шишкин получил звание академика. Через три года он женился на сестре пейзажиста Васильева. Брак, продлившийся всего шесть лет, был счастливым, однако Иван Иванович пережил свою супругу. Осталось двое детей. Через некоторое время умер сын художника. В 1877 году Шишкин встретил художницу Ольгу Ладогу, ставшую впоследствии его второй женой. Но и ее мастер пережил. Самого же маэстро смерть настигла за мольбертом.

100 великих художников России

200

Хотя во время стажировки в Швейцарии Иван Шишкин учился у анималиста Коллера, в хрестоматийной картине «Утро в сосновом лесу» фигуры медведей написаны другом художника Константином Савицким, попросившим убрать его имя, изначально стоявшее в подписи

201

Штеренберг Давид Петрович

1881–1948 Известный критик Абрам Эфрос так писал о Давиде Штеренберге: «Он родился в Житомире, учился в Париже, художником стал в Москве». При этом во французской столице Штеренберг жил в знаменитом «Улье» – коммуне художников-авангардистов, общался с Пабло Пикассо, Альбером Марке, Фернаном Леже.

Наиболее значимые работы Давида Штеренберга «Простокваша», 1919, ГТГ «Селедки», 1919, ГТГ «Бал в Бюиллье», 1913, собрание семьи художника «У Сены», 1913, собрание семьи художника «Аниська», 1926, ГТГ (на иллюстрации справа)

Давида Штеренберга не было классического художественного образования, да и учиться живописи он начал довольно поздно, уже после 20 лет. Сначала Одесская художественная студия, затем парижская Академия Витти, где преподавал Кес ван Донген, стали ступенями в постижении законов композиции и цветового воздействия. Но главным на момент пребывания в Париже, где Штеренберг провел 10 лет (с 1907 года), оказалось погружение в насыщеннейшую культурную жизнь. Художник участвовал в таких выставках, как Осенний салон и Салон Независимых. Соседями по экспозиции были Анри Матисс, Морис Утрилло, Амеде Озанфан. После революции 1917 года Штеренберг вернулся в Россию, где получил должность заведующего отделом изобразительных искусств наркомата по просвещению (то есть пост, примерно соответствующий позиции замминистра культуры). Собственный творческий эксперимент художника заключался в соединении находок авангарда с элементами реализма (например, навязчивое сочетание плоскостей локальных цветов, синего и желтого, на фоне которых возникает вполне объемная лампа). Штеренберг стал организатором и председателем объединения ОСТ (Общества станковистов). Остовцы (Дейнека, Анненков, Тышлер, Лабас, Лучишкин, Пименов) были увлечены идеей отображения современной действительности, ее индустриальных примет; настаивали на приоритете станковой живописи. В том же 1925 году Штеренберг был директором русского отдела Международной выставки декоративных искусств в Париже. В истории мирового искусства та выставка, ознаменовавшая расцвет ар-деко, имеет такое же значение, как и выставка 1900 года, где главенствующим стилем был ар-нуво. Штеренберг сотрудничал с театрами, оформлял книги, преподавал. Во время Великой Отечественной войны работал в Иркутске в «Окнах ТАСС». Сын художника Давид и дочь Виолетта унаследовали профессию отца. У Штеренберга был еще один сын, получивший другую фамилию, – выдающийся ученый Владимир Векслер, изобретатель синхрофазотрона.

100 великих художников России

202

«Я не сторонник изображать обстановку с этой сумасшедшей техникой. Хватит, что она есть в жизни. Электрический поезд, аэроплан, автомобиль – это очень хорошо, но я писать это не хочу, я хочу совсем другое: природу, чистый воздух, цветы и так далее – вот что хочется» – из беседы Давида Штеренберга с Александром Лабасом

203

Щедрин Сильвестр Феодосиевич 1791–1830 Миф о бедном голодном художнике сложился на основе биографий мастеров конца XIX – начала XX века. Жизненный путь многих мастеров других эпох представляет вполне респектабельные сюжеты. Сильвестр Щедрин был как раз одним из них. Его картины пользовались большой популярностью, а сам живописец вел светскую жизнь и был вхож в высшее европейское общество.

Наиболее значимые работы Сильвестра Щедрина «Терраса в Сорренто», 1825, ГТГ «Большая гавань на острове Капри», 1827, ГТГ «Вид в окрестностях Сорренто. Вечер», конец 1820-х, ГРМ «На веранде», 1829, ГРМ «Грот Матримонио на острове Капри», 1827, ГТГ «Терраса на берегу моря. Каруччини близ Сорренто», 1827, ГРМ (на иллюстрации справа)

ед художника, солдат лейб-гвардии Преображенского полка, решил подготовить своих сыновей к другой карьере и определил их в Академию художеств. Оба добились успеха в сфере изящных искусств. Так, дядя Сильвестра Семен стал известным пейзажистом, преподавателем академии, где вел класс ландшафтной живописи и ландшафтной гравюры. А отец, Феодосий, выбрал профессию скульп тора, занимал должность ректора академии. Сам Сильвестр поступил в академию в возрасте девяти лет! Затем и его младший брат Аполлон также стал студентом этого же учебного заведения. Усердие в познании живописи увенчалось победой: Сильвестр окончил учебу с большой золотой медалью, позволявшей далее стажироваться в Европе. Однако из-за войны с Наполеоном поездку пришлось отложить до 1818 года. В Италии художник оказался в 27 лет. Прежде всего его поразил тамошний климат: «Представьте себе… в январе я работаю с натуры, перед моими окошками стоит апельсинное дерево, наполненное фруктами, которые доспевают зимой, нет ни снежинки». Как и другие русские художники, Щедрин получил заказ великого князя Михаила Павловича, брата императора. Пейзажисту предстояло написать виды Неаполя. Так началась история любви художника к югу Италии. В Неаполе он подружился с поэтом Константином Батюшковым. Благодаря ему художник был принят в доме русского посланника в Риме и, как следствие, начал получать заказы. К концу жизни он еле успевал их выполнять. Причем картины Сильвестра Феодосиевича покупали не только русские, но и сами итальянцы, французы, англичане, американцы. Щедрин отказался от «правильного» идеализированного пейзажа, его захватывало то, что он видел в реальности. Примечательно, что даже персонажей, населяющих полотна, художник писал с натуры. Сильвестр Щедрин скончался в Сорренто, не дожив до 40 лет. Он был похоронен в местной церкви Сан-Винченцо. Надгробный памятник исполнил выпускник академии, друг художника скульптор Самуил Гальберг.

100 великих художников России

204

«Здесь шум, крик, говорят все громко, а как начнут все браниться, то выноси всех святых. Смотря фейерверк, народ не только что хвалит красивые огни, но каждую фигурку скопирует ртом, как она шипит или хлопнет» – из писем Сильвестра Щедрина об итальянцах

205

Экстер А лександра А лександровна 1882–1949 Имя Александры Экстер стоит в одном ряду с именами Натальи Гончаровой, Ольги Розановой, Любови Поповой и Надежды Удальцовой. Амазонки русского авангарда прорвались в начале века в мужскую историю искусств, ведь до этого момента женщин-художниц мирового значения было всего несколько за 300 лет.

Наиболее значимые работы Александры Экстер «Город ночью», 1919, ГРМ Эскиз занавеса и портала сцены Московского камерного театра, 1916, Государственный центральный театральный музей имени А. А. Бахрушина «Венеция», 1918, ГТГ (на иллюстрации справа) «Мост (Севр)», 1912, Государственный музей украинского изобразительного искусства, Киев

еятельность Александры Экстер была такой же яркой и разнообразной, как и ее работы. Она писала станковые картины, занималась декоративно-прикладным искусством (была одной из тех, кто формировал понятие дизайна), оформляла спектакли Московского камерного театра и МХТ, выставочные павильоны, преподавала, исполняла рисунки для тканей, сотрудничала с Московским ателье мод, создавала авторские книги. Александра Экстер родилась в городе Белостоке Гродненской губернии. Ее отец Александр Григорович был коллежским асессором. Барышня окончила гимназию, затем обучалась в Киевском художественном училище. В 1903-м вышла замуж за адвоката Николая Экстера. Через четыре года, в 1907-м, отправилась в Париж, где училась в Академии де ла Гранд Шомьер («Большая хижина»). Это же заведение, где преподавали Эмиль Бурдель, Теофиль-Александр Стейнлен, посещали Зинаида Серебрякова и Вера Мухина. Художница сняла в Париже студию, куда периодически приезжала. Среди ее парижских знакомых были Пабло Пикассо, Жорж Брак, Макс Жакоб, Фернан Леже, Гийом Аполлинер. В России Экстер жила как в Петербурге и Москве, так и в Киеве. В ее творческой эволюции присутствуют этапы познания импрессионизма, пост импрессионизма, кубизма, футуризма. Художница экспериментировала с геомет рической абстракцией и одно время даже входила в группу Малевича. В ее произведениях доминирует интерес к колористическим и ритмическим созвучиям. Безусловно, произведения Экстер повлияли на сложение стиля ар-деко. В России ее работы были представлены на известных авангардных выставках. В Париже она принимала участие в Салоне независимых, Интернациональной свободной футуристической выставке. Отправившись в 1924 году в Венецию для оформления советского павильона к Международной выставке, Экстер больше не вернулась в СССР. Во Франции она продолжила сотрудничество с театром и преподавала в Академии современного искусства, куда ее пригласил Леже. С творческим наследием Экстер сегодня связано много вопросов, в том числе касающихся подлинности произведений.

100 великих художников России

206

В 1920-е годы Александра Экстер разрабатывала форму для Красной армии, художница также придумала костюмы для новаторской киноленты «Аэлита» по мотивам повести Алексея Толстого

207

Юон Константин Федорович 1875–1958 Мороз и солнце, радость жизни, наполненной светом, – таковы холсты Константина Юона, мастера, ненавязчиво стягивающего степенный XIX и бунтарский XX века. Юоновский пейзаж – своего рода чудодейственное средство гармонизации расшатавшейся действительности.

Наиболее значимые работы Константина Юона «Голубой куст», 1908, ГТГ «Волшебница Зима. Лигачево. Московская губерния», 1912, ГРМ «Купола и ласточки», 1921, ГТГ «Новая планета», 1921, ГТГ (на иллюстрации справа) «День Благовещения», 1922, ГТГ

иография художника удивляет отсутствием острых углов. С 1894 года Константин Юон учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Сначала на архитектурном отделении, затем на живописном – у Валентина Серова, Константина Савицкого и Абрама Архипова. В 1890–1900-е путешествовал по Европе, в Париже посещал частные студии. Сотрудничал с Сергеем Дягилевым. С 1910 года мастер занимал должность главного художника Малого театра в Моск ве. А его проект занавеса Большого театра был удостоен премии. Юон принимал участие в выставках «Мира искусства», затем выступил как один из организаторов Союза русских художников. Получил всевозможные официальные знаки внимания: звание академика, звание народного художника СССР, степень доктора искусствоведения. В конце 1940-х заведовал НИИ истории и теории изобразительного искусства Академии художеств СССР. В пейзаже Юона, основанном на пленэрном этюдизме, получают продолжение традиции Валентина Серова. А общая нарядность, праздничность, «масленичность» восходит к живописи Бориса Кустодиева. С его же работами ассоциируется прием сопоставления безбрежной природы, масштаба древних зданий и мельтешащих фигурок людей. Хотя приоритетен для художника был пейзаж, одна из самых известных и наиболее часто репродуцируемых картин мастера исполнена в аллегорическом жанре. «Новая планета» 1921 года, созданная, конечно, как реакция на революционные события, эмблематична. Здесь появляется мотив сотворения светил, то есть возникает отсылка к библейскому тексту, но теперь история творится заново и революция пишет новую книгу. Интересно, что в этой работе художник использует элементы языка авангарда, сопоставляя контрастные горячие и холодные тона, показывая темные силуэты на светлом фоне. Эти миниатюрные люди театрально-драматично воздевают руки к небесам, так как на их глазах творится великая мистерия рождения нового мира.

100 великих художников России

208

Будучи представителем символизма и модерна, Константин Юон органично продолжил эти традиции и в советскую эпоху. При этом его учениками были художник Владимир Фаворский, скульпторы Василий Ватагин и Вера Мухина

209

Яблонская Татьяна Ниловна

100

1917–2005 Обладательница множества громких титулов и званий, официально признанная властью, Татьяна Яблонская, в отличие от многих коллег-современников, создавала очень искренние работы.

Наиболее значимые работы Татьяны Яблонской «Утро», 1954, ГТГ «Хлеб», 1949, ГТГ «Весна», 1950, ГРМ «Лен», 1977, ГТГ «Лето», 1967, ГТГ (на иллюстрации справа)

з года в год школьники продолжают писать сочинения по картине Татьяны Яблонской «Утро», столь же знакомой, как и решетниковская «Опять двойка». Написанные в один период, эти работы отражают разные модусы советской действительности 1950-х. У Федора Решетникова, подобно морализирующим кинолентам соответствующего периода, эмоциональная реакция окружающих лишний раз напоминает маленькому гражданину о его бесконечных долгах прогрессивному государству. У Яблонской совсем иная интонация. Лирическим счастьем затопляет свет жизненное пространство стройной девочки (на полотне изображена старшая дочь художницы Елена). Конечно, для передачи такого оптимистично-восторженного состояния как метод идеально подошел бы импрессионизм. Эмблематическая метафора «утро как утро жизни» традиционна в живописи. Девочка стоит на фоне арочного балконного проема, то есть на пороге жизни (а по сути, в преддверии хрущевской оттепели). В жизни Елены эта картина сыграла мистическую роль. Когда девушка поехала в Москву, чтобы поступать в Строгановское училище, она познакомилась с юношей, признавшимся, что желание стать художником разожгла в нем именно картина «Утро». Позже он стал супругом Елены. Татьяна Яблонская родилась в семье преподавателя словесности смоленской гимназии. Ее отец был известен в городе и как живописец. Затем семья перебралась на Украину. Яблонская обучалась в Киевском художественном институте, потом там же преподавала. Дважды выходила замуж – и оба раза за живописцев. Все три дочери Татьяны Ниловны также стали художницами. Яблонская была трижды удостоена Государственной премии СССР (за картины «Хлеб», «Весна», «Лен»), звания народного художника СССР и Украинской ССР, Героя Украины, награждена орденами Трудового Красного Знамени, Дружбы народов, «За заслуги». ЮНЕСКО объявило 1997-й годом Татьяны Яблонской. Ее произведения не столько идеологичны, сколько соотносимы с понятием бытового жанра. То есть зрителю демонстрируют сценки из обычной жизни советского человека.

100 великих художников России

210

Однажды, беседуя с начинающими художниками, Татьяна Яблонская поделилась своими впечатлениями от поездки по Италии и Испании, работ Франсиско Гойи, Франсиско де Сурбарана, Пьеро делла Франчески, сказав: «Боже, я не умею рисовать!»

211

Автор Ксения Апель Главный художник Алевтина Марченко Издатели Игорь Борисенко, Арман Джилавян, Армен Джилавян, Алексей Медведев, Наталья Шастик Продюсер Дарья Фигуркина Фоторедакторы Евгения Сутырина, Анна Репка Иллюстрации East News, РИА Новости, MEDIACRAT Выпускающие редакторы Екатерина Литонина, Ирина Кузнецова Корректоры Анна Симонян, Екатерина Оспенникова, Любовь Боровикова, Марина Карнаухова, Марина Карнович, Наталья Жебелева Цветокорректоры Иван Смирнов, Ирина Молотова

• Отпечатано в ОАО «Типография “Новости”» Тираж 3500 экз. Подписано в печать 30.10.2012