ÍNDICE Claves para ser un diseñador grafico exitoso.
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7 Reglas de oro para crear un logo perfecto.
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Los colores preferidos por los diseñadores.
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7 beneficios que te ofrece estudiar esta disciplina.
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MADRID | Tendencias en la industria del diseño gráfico en 2020.
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Evolución de las portadas de revista.
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Clasificados.
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Las mejores tables para arte y diseño gráfico.
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“Mister Doddle“ el mago del dibujo.
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Yehuda Adi Devir.
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Claves para ser un diseñador gráfico exitoso. Un currículum ganador
Pasión
Ser parte de la industria creativa del diseño significa que eres apasionado, el diseño es un trabajo de amor. El trabajo imEl trabajo es diferente y lo que se nos exige plica, inevitablemente, las horas extra, largas también, no puede ser de otra manera. ediciones, briefs exYa puedes empezar a escribir un currículum traños y cargas de trapara darte a conocer a tu target. Y tu target, bajo difíciles. Tienes pues esa gente espera alguien con dotes cre- que usar esa pasión para seguir adelante ativos, alguien sorprendente y profesional. cuando se han agotado, pero sabes que poCréate una drías hacerlo mejor. Damos por hecho que eres un tipo creativo, alguien que tiene soluciones para todo, así que tu currículum no puede ser el típico curriculum que nos van a pedir para amontonar latas de salsa de tomate en un supermercado.
identidad digital
Tienes que tener presencia online, un buen facebook para mostrar un poco quien eres, un buen instagram donde puedan ver imágenes tuyas y de lo que haces, un buen linkd profesional, etc. Nadie va a contratarte si no te conoce tu persona y trabajo. 4
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Solucionar problemas Ser diseñador gráfico implica solucionar problemas que no sólo tienen que ver con la estética. Debes pensar logísticamente y críticamente. La creatividad no sólo es producir algo brillante, sino también para averiguar cómo encajan las piezas y convierten las ideas en un producto terminado.
Capacidad para aceptar las críticas Posiblemente lo más difícil para cualquier diseñador, pero todo el mundo tiene que lidiar con la crítica. Como diseñador, tienes que ser bueno para mejorar su trabajo y construir sobre la comunicación.
Tienes que ser autodidacta
Hay que trabajar, aunque sea gratis Si tu objetivo final es que te contraten como diseñador gráfico no puedes dejar pasar ninguna oportunidad para ampliar tu porfolio. Al principio será difícil que te paguen por hacer lo que te gusta, así que si tienes la oportunidad hazlo de forma voluntaria, búscate una ONG o parecido y trabaja gratis, que la gente te conozca. Es un win-win, ellos tendrán lo que quieren y tu porfolio crecerá. Tus oportunidades crecerán de forma exponencial y si lo haces bien, llegará el fantástico día en que podrás dejar el voluntariado y empezar a cobrar por tu trabajo.
Una buena red de contactos Igual que sucede con la búsqueda de un trabajo ordinario, tener una buena red de contactos es primordial para darse a conocer. La mejor forma de conseguir esto es creando una buena red de amigos en las redes sociales y además asistir a workshops y encuentros de diseñadores gráficos de tu zona. Búscalo bien y seguro que hay encuentros de emprendedores en tu zona, en ellos te vas a encontrar con gente como tu que quiere las mismas cosas, puedes intercambiar opiniones y consejos con los demás, es una buena forma de aprender y darse a conocer.
Mejora tu dotes de comunicación Si es cierto, eres un tipo creativo, con mucha calidad y todo eso, pero, ¿que hay de tus dotes de comunicación? Hazlo como quieras pero debes mejorar tus dotes comunicativos, tienes que aprender a venderte y a vender tu trabajo.
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7 reglas de oro para crear un logo perfecto. Originalidad El logo debe ser único, mostrar su diferencia con respecto a otros. Por muy buenos logos que existan, hacer una ‘versión’ de éstos no garantiza el contagio del éxito. Para no hablar de las complicaciones legales.
Libre de ‘trucos’
Adaptabilidad
Los efectos especiales y filtros, suelen ser muy usados por diseñadores inexpertos, en aquellos logos de negocios a los que ‘les falta algo’. Evita utilizar biseles, sombras o brillos.
El logo se usará en todo aquello que sea posible y necesario. Esto significa que debe poder adaptarse a diversos tamaños y materiales, sin perder su calidad de diseño. Debe verse bien en todas las opciones de impresión.
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Escala Para usar el logo, éste debe tener la capacidad de poder minimizarse sin perder su esencia y sin deformarse. Aquellos que se logran distinguir a distancia sin importar su tamaño, suelen ser los más simples.
Intemporalidad
El color es secundario
Cada cierto tiempo, surgen tendencias y modas a nivel de diseño, que suele contagiar a la creación de logos. Si bien es cierto que existen elementos que sugieren ideas y deben ser usados, aferrarse a una tendencia momentánea puede servir un tiempo pero luego quedará obsoleta, especialmente porque muchas derivan de nuevas posibilidades de herramientas de diseño, que luego son superadas por otras y así hasta el infinito. El logo debe ser capaz de mantenerse durante años, sin verse anticuado al primer cambio de tendencia.
El color es extremadamente importante. Y es lógico que se utilicen los colores corporativos como parte de la marca de la empresa. Sin embargo, cuando se trata de diseñar el logo, el color es secundario. Aquellos logos que se asientan demasiado en el color, tienden a mezclarse cuando se minimizan, a menos que el contraste de, por ejemplo, los dos colores usados, sea pronunciado. El uso de varios colores en un logo, si se trata de reproducciones de baja resolución, es aún más complicad de mantener con calidad y legibilidad.
Simple Esta es la norma universal de todos os l logos en todos los sectores. El logo tiene que ser simple. Una palabra y una imagen que definan la empresa reducidas a su mínima expresión. Ejem: El logo de The North Face es mucho más fácil de identificar y recordar. Además, al ser más sencillo es también más fácil de escalar a diferentes tamaños Edición Marzo - Color full
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Los colores preferidos por los diseñadores. Así como la tipografía resulta fundamental para el diseño del logotipo y demás elementos gráficos de una marca, igual importancia tiene el uso del color.Los colores producen diferentes emociones e influyen de manera decisiva en nuestra percepción de la realidad. Colores primarios y secundarios, en sus infinitas combinaciones entre sí y con un determinado tipo de letra, tienen el poder de transmitir un mensaje o emoción concreta, así como definir por completo la personalidad de la empresa.
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A Z U L
El color azul es el más utilizado por las empresas. Evoca profundidad, seriedad, confianza y solemnidad. Ha sido utilizado por marcas como Pepsi, HP, Twitter y Facebook. Según estudios de profesionales del marketing, es un color idóneo para productos de limpieza, líneas aéreas y aeropuertos, por representar al agua y el cielo. De hecho, NASA también utiliza este color en su emblema.
R O J O
El rojo es un color pasional, intenso, excitante, en cierto modo agresivo, y refleja valores como la vitalidad y la fortaleza. Algunas marcas famosas que han empleado este color son Coca Cola, Ferrari y Levi’s. En el caso de una empresa podría transmitir un mensaje de energía, aunque también un mensaje de peligro. En marketing se utiliza para llamar la atención y estimular la mente de los consumidores.
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V E R D E
A M A R I L L O
En el libro La interacción del color por Josef Albers, demostró que nuestro ojo nunca percibe un color como realmente es
El verde es un color tranquilo y apacible, y representa aspectos como la esperanza, la salud, y la paz. Ha sido utilizado por grandes marcas como Starbucks, XBOX, Whole Foods, Tropicana, Spotify, y Android. Pero también representa frescura, naturalidad, serenidad, crecimiento. Suele ser utilizado por empresas relacionadas con la naturaleza o con el cuidado del medio ambiente.
El amarillo es un color luminoso y cálido, y refleja cualidades como el optimismo y la claridad. National Geographic, Nikon, SubWay, IKEA y McDonald’s son solo algunas entidades que optaron por incluirlo en su logo como color principal. representa alegría, entusiasmo, vitalidad, juventud, suele relacionarse con el sol y con la luz.
N A R A N J A
El naranja es dinámico y radiante, y transmite una sensación amigable, de confidencia. Algunos ejemplos de su uso son los logos de Nickelodeon (cadena televisiva de programación infantil, a la cual este color le proporciona ese toque cercano y amistoso), VLC, Fanta, Amazon, y Blogger, entre otros. Es utilizado por empresas relacionadas con el entretenimiento o la comida.
G R I S
El gris establece el equilibrio entre el blanco y el negro, dando un aspecto de solemnidad, neutralidad y calma. Apple, tras varios cambios en su logo, utilizó este color para su último (¿y definitivo?) diseño. Otras marcas que hacen uso del gris son Wikipedia, y Honda. También es muy utilizado en el sector automotriz, tecnológico y de joyería por su relación con el metal.
Esto supone un hecho a tener en cuenta, ya que un color puede ser percibido de diferente manera dependiendo del color con el que haga contraste. Es por ello importante que se realicen diferentes estudios de color, que se prueben diferentes combinaciones hasta dar con aquella que realmente funcione.
M O R A D O
N E G R O
El morado es un color que refleja la creatividad en estado puro, así como la imaginación y la sabiduría. Es el color principal de empresas como Yahoo, SyFy, Hallmark, y Taco Bell. El púrpura representa prosperidad, riqueza, sofisticación, sabiduría, espiritualidad, misterio. En el caso de una empresa podría transmitir un mensaje de exclusividad o de alto estatus.
El blanco y negro suelen utilizarse en conjunto, transmitiendo una sensación de seriedad similar al gris. Son los colores utilizados por empresas como Cartoon Network, Puma, Nike, y Herald Tribune. En cuanto al marketing algunas empresas lo utilizan para enviar un mensaje de exclusividad, de estatus, de alta calidad, y también para añadir un toque de misterio.
Así como la tipografía resulta fundamental para el diseño del logotipo y demás elementos gráficos de una marca, igual importancia tiene el uso del color.Los colores producen diferentes emociones e influyen de manera decisiva en nuestra percepción de la realidad. Colores primarios y secundarios, en sus infinitas combinaciones entre sí y con un determinado tipo de letra, tienen el poder de transmitir un mensaje o emoción concreta, así como definir por completo la personalidad de la empresa. Por ello, no es recomendable obviar ni subestimar la decisión de un diseñador de emplear un color específico a la hora de crear la identidad corporativa e imagen de una marca. Edición Marzo - Color full
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7 beneficios que te ofrece estudiar esta disciplina Los estudios de diseño gráfico cada vez gozan de mayor popularidad en el mercado laboral, especialmente en todo lo referido al campo de la publicidad. Además, esta profesión de naturaleza artística y creativa brinda la posibilidad de trabajar con independencia y flexibilidad, ofreciendo numerosos beneficios a nivel económico y personal. Sin embargo, a la hora de elegir cualquier carrera profesional, siempre surgen ciertas dudas y temores. Es por eso que en este artículo se presentan algunas de las ventajas que proporciona estudiar diseño gráfico para poder decidirte con total seguridad:
1.Amplia demanda
En todas las áreas productivas se necesita de alguien que transmita un mensaje mediante una imagen. Por este motivo, el trabajo del diseñador es uno de los más requeridos a la hora de publicitar cualquier tipo de marca. De acuerdo con esto, hacer la carrera completa o un curso online de diseño gráfico te dará las herramientas necesarias para tener un empleo seguro.
2.Creatividad sin límites
Para quienes trabajan en este ámbito, la creatividad y la imaginación constituyen su materia prima. A través de diversos instrumentos, el diseñador expresa todo su ingenio, imprimiendo un estilo personal a cada uno de sus proyectos. Si bien los diseños se realizan a pedido de un cliente, éstos siempre tendrán su toque de originalidad.
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(Todo es diseño, ¡todo)
3. Aprendizaje constante
Este tipo de carreras requieren de un aprendizaje constante, dado que los avances tecnológicos revolucionan continuamente los instrumentos, formatos y técnicas en los que se puede diseñar. Además, alienta la formación autodidacta, ya que existen infinidad de cursos por Internet de diseño gráfico y publicitario que ofrecen un paso a paso detallado para que puedas empezar a aplicar las tendencias más novedosas en tus trabajos.
4. Trabajo portátil La creatividad nos rodea; en los hogares donde vivimos, los automóviles que conducimos, la ropa que usamos, y los alimentos que comemos.
Gracias a los avances tecnológicos, el trabajo de los diseñadores puede realizarse prácticamente desde cualquier parte del mundo. Con la conectividad instantánea, es posible ejecutar todas las tarea de esta índole ya sea en un café, en una oficina o, inclusive, desde la comodidad del hogar.
Cuando estás buscando inspiración creativa, ¿a dónde recurres? ¿Haces una búsqueda rápida en Google, escaneas Behance, o te sumerges en Dribbble? La inspiración viene de muchas formas y tamaños, pero a veces la mejor inspiración viene de aquellos que han estado en la misma situación y lo han hecho antes.
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Echemos un vistazo a las 100 frases de algunos de las mentes más creativas de la historia.
Gastos materiales mínimos
Si bien en un comienzo debes equiparte con una buena computadora, luego los costos serán mínimos. Los gastos de impresión suelen ser lo más caro, pero generalmente corren a cargo del cliente, por lo que se trata de una profesión que casi no requiere de inversión monetaria, ni de costosos equipamientos.
6. Opción freelance 7. Promoción digital En caso de preferir trabajar de manera independiente, sin horarios ni jefes, esta profesión te brinda la posibilidad de desenvolverte como freelancer. Es decir, trabajando online a pedido y cobrando por cada proyecto. Así, tendrás la libertad de manejar tus tiempos y de diversificar tu clientela.
Para los diseñadores gráficos, la digitalización y la conectividad son herramientas fundamentales a la hora de promocionarse en el mercado laboral. A diferencia de otras áreas, la del diseño es muy fácil de publicitar a través de imágenes subidas en diferentes formatos y redes.
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MADRID | Tendencias en la industria del diseño gráfico en 2020 Por su propia naturaleza, el diseño gráfico está sometido a una evolución constante Cada año, a cada momento, las modas y las tendencias cambian y evolucionan. Lo que se llevaba la temporada pasada, mañana deja de estar de actualidad y se ve como algo desactualizado.
Por eso, si tienes un negocio al que quieres dar publicidad, por ejemplo con flyers o pegatinas personalizadas, es importante de que te asegures que presentas un diseño en línea con las tendencias de este 2020, pues de lo contrario parecerá algo de temporadas anteriores y los potenciales clientes ni le prestarán atención.
A continuación, vamos a presentarte una selección de las que, según los especialistas en diseño, serán las tendencias para esta temporada, de modo que puedas escoger la que mejor se adapta a tu negocio y a tu propio gusto para asegurarte de que tienes una publicidad a la última.
Vuelven los 80 En diseño, vuelven los 80. En realidad, la década de los 80 ha vuelto muchas veces: al cine, a la moda y a otros sectores. Ahora llega al diseño, que recuperan algunos elementos esenciales de la década: los cromados, los colores neones y toda la inspiración retro serán tendencia en el diseño gráfico en este año 2020. Por ejemplo, los cromados y los colores neones va a predominar especialmente en el diseño web y en diseño de carteles. Es importante cuidar el juego entre los distintos tipos de gamas cromáticas y las combinaciones de colores, y prestar especial atención en fase de impresión. Edición Marzo - Color full
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El regreso a los ochenta se notará también en las tipografías más utilizadas, que van a inspirarse mucho en los primeros videojuegos arcade. La elección de la tipografía es muy importante para dar a todo el cartel la homogeneidad que requiere. Dicho de otro modo, la elección de una tipografía no acorde con la inspiración general del cartel arruinará el conjunto.
Objetos 3D
Texturas con contraste en impresión Según los expertos, esta será otra tendencia de la nueva temporada. Se trata de incorporar distintos tipos de texturas entre los materiales impresos. Se pueden usar papeles con relieves, texturizados o metalizados, siempre que el resultado final sea un conjunto armónico. Esta tendencia podremos verla en tarjetas de 14
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visita, etiquetas, empaquetados, bolsas, sobres y hasta documentos corporativos. Ahora bien, para que esto funcione debe hacerse con esmero y por especialistas: no es fácil mezclar texturas diferentes. Por eso, los expertos recomiendan crear un recurso gráfico que sirva como punto de unión entre las distintas piezas y no sobrecargar el diseño con demasiadas texturas.
Dicen que el diseño de objetos en tres dimensiones es una manera muy eficaz de conseguir que un elemento gráfico llame la atención. Esta tendencia va a ser protagonista especialmente en el diseño web, porque las plataformas digitales permiten que el diseño 3D luzca en todo su esplendor y cobre vida. Además, será muy utilizada en vídeos publicitarios y cartelería. Esta tendencia combina con el uso de colores glossy (algo, a su vez, también muy ochentero), y permite jugar con diferentes texturas (la segunda tendencia de la que te hemos hablado), tipo plástico, goma o incluso metalizados. Estas son algunas de las tendencias del diseño gráfico para esta nueva temporada, que harán que tu cartelería, flyers o pegatinas estén a la última y llamen la atención del público.
Evolución de las portadas de revistas La revista Cosmopolitan no siempre fue un hervidero de absurdos consejos sexuales protagonizados por donuts y el National Geographic solía centrarse más en el texto que en las imágenes, pero el New Yorker prácticamente no ha cambiado desde 1925. Al igual que la moda, el arte y la arquitectura van cambiando con las estaciones, las revistas que los representan han ido creciendo y transformándose en gran medida a lo largo de los años. “Las portadas de las revistas tienen que competir
para destacar desde las estanterías”, explica a The Creators Project Karen X. Cheng, artista y cineasta que hace poco creó una historia visual de las portadas de revistas. “Resulta muy interesante ver a dónde han llevado 100 años de evolución. “Está claro que nos hemos vuelto más sexualizados, más superficiales, leemos menos, nuestro nivel de atención ha disminuido, pero también nos hemos hecho más abiertos. A continuación puedes echar un vistazo a la evolución de las portadas:
Revista
Revista
Revista
Revista
Cosmopolitan desde 1937
National Geographic desde 1896
Time desde 1925
The New Yorker desde 1925 Edición Marzo - Color full
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Revista
Seventeen desde 1955
Revista
Vogue desde 1916 El diseñador de productos Jerry Gabra yuxtaponen los leviatanes de la industria de las revistas modernas, como Vogue, TIME y Vanity Fair con sus versiones del siglo XX. Sus observaciones del estilo de arte, logos, texto y mensajes que transmiten reflejan la capacidad de adaptación de una industria que algunos aseguran que es incapaz de competir con internet. Todavía resulta importante el reflejo de la cultura de las diferentes eras en las que empezó cada una de las revistas. Cheng utiliza el proyecto Robots Reading Vogue de Lindsay King y Peter Leonard ocupa la evolución visual de la revista. En particular, la trayectoria de Vanity Fair desde el dibujo de mujeres en traje de baño hasta la icónica portada de “Call me Caitlyn”, representa los cambios a todos los niveles, desde lo visual hasta lo social. 16
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“A lo largo de los años, nos hemos vuelto mas sexualizados, superficiales, leemos cada vez menos, pero también vamos siendo mas abiertos con algunos temas sociales.” Brenda Santabarbara nos recuerda que Gracias a estudios sociales, se pudo comprobar que durante los años, nos hemos vuelto mas sexualizados y que nuestra atención ha disminuido en temas generales, pero a su vez nos hemos vuelto mas abiertos con cada nuevo paso en temas que antes no se hablaban. Así la sociedad ha ido aumentando el límite de lo que consideramos aceptable.
¿Cómo se adaptó la industria a este comportamiento social?
El estilo de arte, logos, texto, y mensajes que transmiten, reflejan la capacidad de adaptación de las revistas y los grandes cambios que van surgiendo en la sociedad. Tenemos el ejemplo de Vanity Fair, que sus publicaciones comenzaron desde 1915 con dibujos de mujeres en traje de baño, hasta la icónica tapa llamada Call me Caitlyn, mostrando la transformación de Bruce Jenner en su cambio de sexo, un ex atleta conocido por su medalla de oro en los Juegos Olímpicos de Montreal 1976.
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Las mejores tablets para arte y diseño gráfico Completa selección de las mejores tablets y equipos 2 en 1 que habitualmente son utilizados por grandes diseñadores, ilustradores y creativos para llevar a cabo sus trabajos más profesionales. Lo mejor y peor de cada una de ellas. Si resulta que eres un artista, diseñador, creativo o ilustrador que buscas una nueva tableta o tablet con la que trabajar y llevar a cabo tus proyectos profesionales, has llegado al lugar adecuado. Hemos preparado este artículo con ayuda de profesionales del sector.
Antes de entrar al detalle de lo que ofrece cada producto, recopilamos toda una serie de consejos a tener en cuenta a la hora de elegir el dispositivo en función del precio, el tamaño, la resolución de la pantalla, así como la sensibilidad de cada lápiz digital.
¿Tablet o portátil 2 en 1? ¿Cuál me conviene? Hemos querido centrarnos en los dispositivos que básicamente son tablet o equipos 2 en 1 dotados de procesamiento y con pantallas que cumplen con las mejores condiciones para poder dibujar, pintar o incluso escribir.
encontrarás en el artículo otros dispositivos convertibles o transformables con pantallas más grandes de 13 o 14 pulgadas, en las que podrás ejecutar las mismas aplicaciones que en tu equipo de sobremesa.
Equipos con WinMás allá de incluir dows, como es el el iPad y alguna que caso de la Surface otra tablet Android, Pro 7 de Microsoft o 20
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la ZBook X2 de HP, ofrecen pantallas generosas y sus respectivos lápices digitales, además de poder ejecutar aplicaciones del tipo Adobe Creative Cloud. La mayoría de estos modelos ofrecen teclados con clip que se adhieren al dispositivo, motivo por el que algunos fabricantes a veces los denominan ‘desmontables’, ofreciendo una gran versatilidad a la hora de manejar la pantalla sin el teclado adosado. Analizamos el factor de forma de cada una de ellas y comentamos cuando es mejor utilizar un formato frente a otro y los motivos. Destacar que muchos de los comentarios vertidos pertenecen al ilustrador digital Sam Gilbey.
Las mejores tablets para arte y diseño
Microsoft Surface Pro 7
La Surface Pro 7 corre con Windows 10 Pro, por lo que podrás instalar y ejecutar versiones completas de programas como Photoshop, Illustrator o XD. Los artistas que buscan la mejor experiencia de dibujo y pintura también encontrarás una completa herramienta para dibujo vectorial.
Samsung Galaxy Tab S3
iPad Pro de 12,9” (2018)
El iPad Pro de 2018 puedes encontrarlo en tamaños de 11 o 12,9 pulgadas, el primero de ellos reemplazando al modelo anterior de 10,5 pulgadas. En nuestra review, notamos cómo son más delgados y menos curvados en la parte posterior, y Microsoft sin los biseles típicos. Surface Pro X A pesar de lo cual, las resoluciones son Surface Pro X es un idénticas. poco como Surface Pro: es una tableta que ejecuta Windows 10 y se convierte en un ordenador portátil cuando conectas un teclado que es casi idéntico al Surface Pro, pero en muchos sentidos, está más cerca del iPad Pro que de una Surface.
La Galaxy Tab S3 no tiene la pantalla True Tone del iPad Pro (todo lo que puedes hacer es activar de manera opcional el filtro de luz azul) y puede ser un poco reflectante. Sin embargo, incluye el lápiz S Pen que tiene cuatro veces más sensibilidad que el Apple Pencil.
Wacom MobileStudio Pro
La generación 2019 de Wacom MobileStudio Pro 16 reproduce el 85 por ciento del espacio de color Adobe RGB, además de que sus pantallas son multitáctiles. El resto de las nuevas especificaciones muestran mejoras considerables en gráficos GPU, CPU y memoria SSD.
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MR. Doodle: El mago del dibujo En la cabeza y en las manos de Sam Cox, el joven británico más conocido por el sobrenombre de Mr. Doodle, los dibujos brotan sin parar y luchan por encontrar su sitio en la maraña de composiciones que parecen surgir de su imaginación, casi por arte de magia y de manera atropellada, casi como una plaga, llenando cada milímetro de pintura blanca que se encuentre a su paso. Los dibujos y composiciones de Mr. Doodle son infinitas suficientes para mantenerle trabajando durante cuarenta y ocho horas, pintando una habitación de arriba a abajo, incluidos todos sus muebles; o para estampar con sus dibujos todo tipo de elementos de mobiliario urbano. Marcas como MTV, Adidas o WeWork han colaborado con Mr. Doodle y sus dibujos ya forman parte del adn de cada una de ellas. Lo que empezó como un garabateo juvenil en sus libros de texto y otros objetosse ha convertido en una carrera profesional Los personajes en blanco y negro de Mr. Dood- y un nuevo univerle describen situaciones absurdas y divertidas. so entero llamado DoodleLand. Mr. Doodle limita su paleta de colores al blanco y al negro, igual que lo hace su álter ego maligno: Dr. Scribble. Uno y otro comparten pasión por el dibujo y la muestran, cada uno a su manera, negro sobre blanco y blanco sobre negro respectivamente.
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Sam Cox es un artista de 23 años, mejor conocido como Mr Doodle, quien describe lo que hace como “OCD – obsessive-compulsive drawing”
Sobretodo su obra se trata de pasarlo bien y tomar las cosas menos serio. “A mucha arte le falta un sentido de humor” dice Cox. “Es divertido poder dibujar y crear tu propio mundo, y aveces es chistoso. No temo que la gente se ría de mi o que no me entiendan.” Su proyecto soñado sería algo a la escala de una mansión blanca gigante o un parque de atracciones, DoodleLand, donde todo fuese garabatos y personajes por toEl objetivo de sus dibujos es que el espectador dos lados”. mire fijamente las historias contadas en cada uno de los garabatos. Mientras tanto, está trabajando en lo que “Si alguien piensa que mi trabajo se encuentra tiene ser un proyecen la categoría de garabatos, graffiti, street art, to soñado: dibujar en el dibujo […] no cambia nada, porque simple- vivo en el festival Henmente hago lo que hago”, dijo el artista en una ley. Estará allá todos entrevista. los días entre el 5 y el 9 de julio, creando gaSus creaciones son tan versátiles, que se han rabatos gigantes de adaptado a sectores como moda, arte urbano, 10m por 2m para que diseño de muebles y más, un entorno al que el los visitantes los lledefine como Doodleland. Su identidad también nen con colores. se ha convertido en garabatos ya que así es su habitación y su vestimenta.
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Yehuda Adi Devir Yehuda Adi Devir vive en Tel Aviv junto a su esposa, Maya. Se gana la vida como dibujante de cómics y diseñador de personajes. Hace unos meses presentaron una encantadora serie de viñetas que hizo mostrando sus aventuras domésticas junto a su esposa. Y fue tan popular y cálida su acogida entre todos nosotros que hemos querido enseñaros sus últimas obras, parte de su serie en progreso “One of those days” (Uno de esos días), donde sigue mostrando esas pequeñas cosas de la vida que todos los que tengamos o hayamos tenido una relación de pareja entenderemos.
WORKAHOLIC
Exhaustion
“
Hanging by a thread
She’s got my back!
Mi esposa, Maya y yo hemos estado juntos durante casi 8 años y nos conocimos hace mucho tiempo en nuestro servicio militar después de un largo período de amistad, comenzamos a salir y nos casamos hace un año y medio.
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“Creo que está preparada”
Hace unos meses en sus creaciones lo vemos a él y a su mujer Maya emprender el fantástico viaje de quedarse embarazados; al documentar cada alegría y dificultad en el camino, Yehuda ha capturado perfectamente lo que
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Creo que a la gente le gustan nuestros cómics porque se identifican con ellos y reviven los bellos momentos que son partes importantes para dar forma a su propia relación. Los lectores ven su propia vida y sienten que no están solos, hay otros en el mundo como ellos, con los altibajos en las relaciones, y les da sensación de alivio.
- Maya Devir
se necesita para crear vida. Los sueños, las ilusiones, los métodos, los deseos y los procesos que conllevan este viaje emocional los trata con humor y dosis de sarcasmo. Lo ilustra todo como un plan estratégicamente calculado.
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Hemos estado juntos durante tanto tiempo que nuestra amistad y nuestro amor parecen ser tan fuertes que parece que podemos lograr todo si trabajamos juntos; los desafíos nos hacen más fuertes”.
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- yehuda Devir
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