Le style, c'est l'homme . 1925 . Acontecimentos no campo das artes

Histoire: Le style, c’est l’homme - Personnalités et mouvements artistiques au XXe siècle Jean-Paul MIDANT

1925

Ana Beatriz MAZZI N° 17002 Inscrite en Mobilité Master 01 - 2016/2017

1925

1925 est une année marqué par différents styles et mouvements qui se déroule au même temps.

L’année après André Breton a publié son “Manifeste Surréaliste”, les idées de ce mouvement se propage très rapidement entre les artistes, entraînant dans une Exposition de Peinture Surréaliste cette année avec la présence de grands-maîtres.

C’est l’année de l’affirmation du style art déco à cause de l’importante Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes à Paris.

L’idéal moderne est présent dans tout le monde, ce qui rend un moment important de la production artistique au Brésil, qui change l’art et passe de l’avant-garde pour le modernisme. L’influence artistique à Allemagne est sans relâche et très intense pour un pays qui est encore blessé par la guerre, cette année il l’y a une affirmation de une nouvelle tendance artistique, la Nouvelle Objectivité, au même temps que l’École Bauhaus est à son apogée en raison du changement de l’école de Weimar à Dessau, qui a résulté dans un nouveau bâtiment, mais, principalement, dans une nouvelle et restructuré école.

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LITTÉRATURE FRANCE Blaise Cendrars publie son premier roman “L’Or (sous-titré La Merveilleuse Histoire du général Johann August Suter)” BRÉSIL Oswald de Andrade publie son livre de poésie “Pau-Brasil”, qui est illustré par Tarsila do Amaral et publié par la maison d’édition parisienne Au Sans Pareil.

CINÉMA ÉTATS-UNIS Sortie de le film “Le Fantôme de l’Opéra”, de Rupert Julian et “La Ruée vers l’or” de Charlie Chaplin

VIE DES ARTS

La crise personnelle de Picasso reflète dans ses oeuvres

GRAND-MAÎTRE

Wassily Kandinsky: oeuvre manifeste et son enseignement au Bauhaus

ARCHITECTURE

Walter Gropius conçoit l’école Bauhaus à Dessau

EXPOSITION

Exposition internationale des Arts Décoratifs et industriels modernes à Paris Pavillon l’Esprit nouveau de Le Corbusier

PEINTURE

UNION SOVIÉTIQUE l’Exposition Internationale des Arts Décoratifs et industriels modernes décerne une médaille d’or pour le film “La Grève” de Serguei Eisenstein AUTRICHE Sorti de le film “Le Chevalier à rose” (titre original : Der Rosenkavalier) réalisé par Robert Wiene

SPECTACLE FRANCE Francis Picabia fini le spetacle de danse, “Relâche”, au Théatre de Champs Elysées.

La pièce de théâtre“Les Marchands de gloire” de Marcel Pagnol et Paul Nivoix est représenté au Théâtre de la Madeleine

L’influence du Mouvement Surréaliste en Joan Miró

NOUVELLES DES ARTS

Mondrian renoncé de Stijl Modernisme brésilien, la poésie Pau Brasil d’Oswald de Andrade Première Exposition de Peinture Surréaliste Émergence de la photographie abstrait aux États-Unis En bref...

Bureau-bibliothèque de l’Ambassade française de Pierre Chareau. Paris.

1925. Exposition internationale des Arts Décoratifs et industriels modernes à Paris © Les Arts Décoratifs

VIE DES ARTS 1925

LA CRISE PERSONELLE DE PABLO PICASSO REFLÈTE DANS SES OEUVRES Picasso montre avec ce oeuvre divers sentiments: le désir, la séduction, le répulsion, l’angoisse, l’attirance et la perversité. On reconstitue les figures des deux personnages, il retraite la femme à partir de une approche de la passion ou désir, il n’a pas essayé de faire une oeuvre qui mettent en valeur la beauté des femmes, on peut relier ça avec une citation d’André Breton : « la beauté sera convulsive ou ne sera pas ».

Au delà d’une simple allusion à la crise conjugale entre Picasso et son épouse Olga, le tableau se relationne avec l’intérêt surréaliste pour le cannibalisme.

Cette année était une rupture radicale dans la production artistique du peintre Pablo Picasso, il a commencé à peindre des tableaux extrêmement violent et choquant, en créant des figures complètement déformé. Ce désir de dépeindre son enfer personnel doit beaucoup à l’influence des Surréalistes, mais il traite de uma manière beaucoup plus pragmatique qui le rêve matérialisé dans le toile.

Il peindre deux grands oeuvres surréalistes: Le Baiser et La Danse.

Le deux fait allusion à vie matrimoniale du artiste. Il est marié avec une danseuse russe, Olga Koklova, après son période cubiste. Elle était une source d’inspiration pour lui peindre des corps féminines, il aussi réalisé beaucoup de portraits d’Olga. Au fil du temps, elle ne partage pas plus de passion pour la peinture et la crise personnelle de Picasso commence à réfléchir sur ses oeuvres, il semble que ce soit la cause de la recherche pour d’un nouveau mouvement artistique qui lui apportera le monde des Surréalistes.

Il développe une manifestation des nouvelles possibilités d’expression avec la peinture Le Baiser qui est un chef d’œuvre de la transformation des formes traditionnelles.

L’oeuvre est agressive et haut en couleur, entraînant étonnamment expressive, est une des compositions plus proche du surréalisme.

De cette façon, Le Baiser va à l’encontre des valeurs bourgeoises, il transgresse les limites imposées sur le sujet de la relation sexuelle.

PABLO PICASSO : La Dance. 1925. Londres.

The Tate Gallery.

PABLO PICASSO: La Baiser. 1925. Paris.

Musée Picasso.

Dans La Danse, on peut aussi voir une tension assez violente avec la présence des trois corps féminins au centre de la toile. Picasso semble traiter la danse comme un rituel de crucifixion, qui lui veut faire référence au amour, aimer c’est accepter d’être crucifié, en parlent de nouveau de sa relation avec son épouse, le profil au fond dans la sombre à droite pourrait toutefois ne pas être celui du peintre, mais celui caché de Olga.

Picasso a relationné sa douleur et sa souffrance à cause de sa mauvaise relation avec Olga avec les pensée surréalistes, qui a marqué un moment de violence éclate sous le pinceau. Au cours du temps, les figures sont plus déformé, ne sont plus une dissection méticuleuse comme à l’époque du cubisme analytique.

GRAND-MAÎTRE 1925

KANDINSKY: OEUVRE MANIFESTE ET SON ENSEIGNEMENT AU BAUHAUSS Wassily Kandinsky est professeur du Bauhaus avec Paul Klee a partir de 1922 et, à ce moment, sa forme de peinture change à cause de son association avec l’école en devenant plus géométrique. Ses théories et pratiques artistiques reflètent dans ses cours. Il se consacre pour l’enseignement de la forme et la couleur, afin d’atteindre une familiarisation de ses élèves avec la langage formelle de l’abstraction de la peinture et du dessin. Ainsi, certains oeuvres de Kandinsky résultent de son travail comme professeur, ses écrits et peintures devient références essentiels pour ses élèves.

En cette année, il revient à utiliser des lignes courbes et des dégradés de couleurs dans ses compositions, ce qui on peut relationner avec changement de l’école Bauhaus de Weimar à Dessau. L’oeuvre JauneRouge-Bleu peut être considéré une transposition des théories développé dans son écrit “Point, ligne, plan”, mais l’oeuvre est plus complexe qui ça. C’est le moment en que Kandinsky veut changer le système formel de la peinture non figurative, que reste toujours dans le cercle ou carré. Il réussit en ouvrir nouvelles possibilités avec ce oeuvre, allant au-delà que Mondrian, par exemple, qui reste sur le carré, ce qui rend l’oeuvre dans un manifeste.

“Jaune-Rouge-Bleu” développe soit l’abstraction géométrique soit l’abstraction lyrique, il bien synthétise

VASSILY KANDINSKY : JAUNE-ROUGE-BLEU. 1925. Paris. Musée National d’Art moderne

ses deux aspects d’art abstrait.

L’oeuvre est divisé en deux partie et se caractérise pour l’opposition entre couleurs, formes et lignes.

A partir de l’opposition du jaune chaud, qui est lié au mouvement, et du bleu froid, qui on peut associé au stable, est mise un jeu sur ce tableau.

Dans des notes de cours Kandinsky s’exprime qui au centre de la composition, entre le jaune et le bleu, il crée le naissance du rouge et est la couleur à laquelle il fait plus d’attention et redonne toute sa force expressive. L’essentiel de ce tableau sont les couleures primaires et son équilibre des éléments dans un jeu d’oppositions et de complémentarités.

Il fait avec cet important oeuvre une comparaison entre la peinture et la musique, il a dit qu’il a composé ce tableau comme un mu-

sicien compose la musique, en créant des énergies et tensions, effets d’équilibre et mouvement dans sa représentation abstrait. Ce relation est aussi présent dans son ouvrage écrits “Point, ligne, plan”. De cette façon, “Jaune-rouge-bleu” est beaucoup plus que l’illustration de ses théories, est un chef-d’oeuvre dans la peinture non figurative.

Dans ses cours au Bauhaus, il enseigne sur la succession de couleurs primaires et comme faire un jeu d’opposition et association entre forme et couleurs dans la peinture et dessin. Ainsi, il a mené de nombreuses expériences avec ses élèves et collègues et a transformé ça dans inspiration pour ses ouvrages, tableaux et théories. Donc ce oeuvre est aussi la matérialisation de ses enseignements.

ARCHITECTURE 1925

WALTER GROPIUS CONÇOIT L’ÉCOLE BAUHAUS À DESSAU En raison de problèmes, principalement, politiques, le travail de l’école Bauhaus à Weimar se rendre impossible. Ainsi, en cette année, les maîtres du Bauhaus ont choisi Dessau, une ville industrielle, pour construire un nouveau bâtiment de l’école. Le projet a été financé par la ville de Dessau et la construction du bâtiment a commencé en septembre de cette année. Walter Gropius, fondateur de l’école a été le responsable pour le projet avec la collaboration de Carl Fieger et Ernst Neufert dans son bureau privé. Les élèves de l’école ont participé a partir de divers ateliers du Bauhaus pour le design d’intérieur du bâtiment, tous les aménagements du bâtiment (peinture, mobilier, signalisation) sont réalisés pour ils.

Rapidement, ce projet est devenu une référence d’architecture moderne. Le bâtiment il-même est une manifestation de l’enseignement et philosophies du Bauhaus, une opportunité fait par Gropius de construire un bâtiment qui reflète l’école, en créant un projet qui relacione architecture, art, design industrielle, design graphique, design d’intérieur et typographie. Le projet reprend les idées qui Gropius utilisées avant la Première Guerre mondiale, en 1914, son moment le plus futuriste, montrant aussi des similitudes avec le style international. Gropius était intéressé notamment d’inclure les progrès structurels et technologiques pour la conception de

l’école révolutionnaire.

DESIGN D’INTERIEUR : Bâtiment Bauhaus Dessau.

Chaise Wassily de Marcel Breuer. 1925.

Le bâtiment est constitué de trois ailes disposées de façon asymétrique reliées par des passerelles et est divisé selon leurs fonctions : l’école, les ateliers, hébergement des étudiants et des bureaux d’administrations.

Chaque façade a été conçu de différentes manières et répond aux exigences de l’activité scolaire : la salle de classe, par exemple, se compose de fenêtres horizontales, dont la fonction est d’assurer un bon éclairage, cependant, les hébergements des étudiants, montre des ouvertures individuelles pour augmenter la vie privée.

PROJECTION AXONOMETRIQUE DE L’EST: Bâtiment Bauhaus Dessau. © Dennis Sharp

ARCHITECTURE 1925

BAUHAUS DESSAU : Bundesarchiv © Thomas Lehmann. 1987.

L’importance de ce projet - et aussi de tout le mouvement du Bauhaus - est dans l’utilisation des éléments industrielle. Les façades rideau suspendus devant le structure en béton et acier, ce qui permet de constater clairement les éléments de construction et cette conception esthétique justifie d’être un bâtiment typique de la modernité.

Il n’a pas la hiérarchie de façades, ce qui était une révolution et a marqué le début de l’architecture moderne.

De cette façon, le début de la construction du Bauhaus à Dessau résulte en un grand manifeste, principalement architectural, du mouvement moderne et mettre en évidence le rationalisme et fonctionnalisme en utilisant des volumes purs rationnellement articulés et l’utilisation de nouveaux matériaux industriels, permettant innovations comme le façade rideau et les fenêtres horizontale.

La superficie totale pour la construction du Bauhaus Dessau était 10.500 mètres carrés, le bâtiment lui-même contenant environ 23 000 mètres carrés. À proximité, Gropius fait construire les maisons des maîtres, chargé par la municipalité de Dessau de construire un ensemble de maisons individuelles : la cité de Dessau-Törten.

NOM DU BAUHAUS SUR LA FAÇADE DU BÂTIMENT À DESSAU : typographie créée par l’école. © Janine Pohl

HERBEGEMENT DES ETUDIANTS: Bâtiment Bauhaus Dessau. © Thomas Lewandovski

EXPOSITION 1925

EXPOSITION INTERNATIONALE DES ARTS DÉCORATIFS ET INDUSTRIELS MODERNES À PARIS Une exposition internationale des Arts Décoratifs a lieu à Paris cette année, elle était située entre l’Esplanade des Invalides et les abords du Grand Palais et du Petit Palais et est le point culminant pour le développement de deux mouvement : le style art déco et le style international.

L’exposition rassemble des pavillons de régions de France et des autres pays invitées à participer.

Il y a trois qui se démarquent : Pavillon d’une ambassade française, Pavillon du collection-

neur et le Pavillon d’Esprit Nouveau. Le premier a été réalisé par la Société des artistes décorateurs sous le patronage du Ministère des Beaux-Arts , on trouve dans ce pavillon le célèbre bureau-bibliothèque de Pierre Chareau et aussi des mobilier de Ruhmann. Tandis que le pavillon du Collectionneur du groupe Ruhlmann, bâtiment de Pierre Patout, était le plus réussi et le plus admiré par le public, avec une architecture du style classique associé à une jardin. Ce pavillon aussi abrite les mobiliers de Ruhlmann et était le responsable

ROBERT BONFILS (affichiste) : Affiche pour l’exposition. Paris 1925 Avril-Octobre © photo Cyrille Bernard pour Les Arts Décoratifs

pour tout le décoration intérieure, ça veut dire que, dans le cadre de art déco, Ruhlmann est le meilleure exemple et son pavillon le plus représentative du style dans l’Exposition. De cette manière, il est célébré par la critique et conquiert une clientèle aisée.

Carte Postale de l’exposition internationelle des Arts Décoratifs et industriels moderne. Paris. 1925.

LE ART DÉCO DANS LE DESIGN D’INTERIEUR : LES MOBILIERS MODERNES Le mobilier véritablement modernet apparaître autour cette année, inspirée par Josef Hoffmann et son “fauteuil Kubus” et par Gerrit Riet avec son “chaise rouge et bleu” et aussi par l’exposition de 1923 du Bauhaus qui a emphatisé l’utilisation de l’industrie, aussi dans la production du mobilier. Le style art déco, officialisé par cette Exposition, bien travaille sur les détails du

GROUPE RUHLMANN : Pavillon du Collectionneur, façade sur le jardin Musée des Arts décoratifs, Fonds Edition Albert Lévy, © Photo distr. Les Arts Décoratifs / éditions Albert Lévy

mobilier. Le traitement de la même manière du décor exterieur et interieur est ce qui caracterise ce moment. Ainsi, une large gamme de

meubles et de décor est fait en style art déco, en utilisant des différents matériaux et de une nouvelle technique : le tube métallique.

EXPOSITION 1925

PAVILLON DE L’ESPRIT NOUVEAU DE LE CORBUSIER Le Pavillon L’Esprit Nouveau de Le Corbusier oppose les principes architecturaux de l’époque, ne participe pas de l’art déco, il présente un pavillon moderne qui exprime l’esthétique puriste. Peut être considéré comme une des œuvres fondatrices du mouvement moderne.

L’origine du nom du pavillon vient de sa revue “L’Esprit Nouveau”, qui fait référence à Apollinaire.

Dans cette année, avant la réalisation du pavillon, Le Corbusier choisi des articles de sa revue et les transforme en quatre ouvrages : “Vers une architecture”, où il travaille la question d’espace, il a fait une étude des corps et mouvements rythmique, “Urbanisme”, où il élabore une ville pour le voiture, “La peinture moderne” et “L’art décoratif d’aujourd’hui” où il fait une grosse critique sur le sujet du mobilier. Il illustre et matérialise ses pensées du Purisme dans ce Pavillon. Le mobilier est considéré comme un équipement, pas une

LE CORBUSIER : Pavillon L’Esprit Nouveau (extérieur) © Photo distr. Les Arts Décoratifs / éditions Albert Lévy

LE CORBUSIER : Pavillon L’Esprit Nouveau (intérieur) © Photo distr. Les Arts Décoratifs / éditions Albert Lévy

article de décor, il présente des mobiliers standards, des tables réalisées spécialement par l’équipementier hospitalier Schmittheisler et des meubles-casiers par la firme Ronéo. Les meubles, non plus en bois mais en métal, sont conçus pour être standardisés et produits en série. Aucun décor n’est toléré à cause de ça seules de véritables œuvres d’art sont exposées. Il prône un aspect pratique et fonctionnel et pense à l’économie.

Ce pavillon résume les théories de Le Corbusier, il crée une cellule d’habitation, un prototype industrielle, pratique, confortable et belle, véritable machine à habiter.

Le pavillon de l’Esprit nouveau faisant écho à son ouvrage “L’art décoratif d’aujourd’hui”.

PEINTURE 1925

L’INFLUENCE DU MOUVEMENT SURRÉALISTE EN JOAN MIRÓ « Moi, je peins comme dans un rêve, dans la plus absolue liberté », Joan Miró, 1925 est une année de grand importance pour la phase surréaliste de Miró, dans cette année il a produit ses chef-d’oeuvres de ce mouvement artistique.

La combinaison du figuratif et de l’abstrait, irréaliste et inconscient et l’art comme la libération des demandes de la logique et la raison est démontrée dans les œuvres de cet artiste, juste après la publication du Manifeste Surréaliste d’André Breton. Le pensée surréaliste cherche d’aller au-delà de la conscience quotidienne, se expresser dans le monde du inconscient et du rêve, rejetant la dictature de la raison et des valeurs bourgeoises.

Dans la période de le pouvoir des rêves, qui a commencé en 1924, le peintre fait deux tableau importante au Surréalisme cette année: “Le carnaval de l’Arlequin” et “La Sieste”. Dans le deux il crée une peinture onirique, ayant des hallucinations comme le thème principal de ces deux œuvres.

Alors qui il travaille sur le réel, il élabore son propre univers constitué des repères, inspirés de l’œuvre de Paul Klee. L’artiste met en scène des éléments naturels et symboliques dans une synthèse d’art figurative et abstraite.

Dans La Sieste, 1925, le bleu du fond est mis en évidence, pour Miró cela est le couleur de ses rêves, représentant soit le ciel soit le mer. Il invente un espace dans

JOAN MIRÓ : La Sieste. 1925. Paris. Musée National d’Art moderne.

JOAN MIRÓ : Le carnaval de l’Arlequin. 1924-25. Buffalo, NY. Albright-Knox-Art Gallery

ce tableau dont la plasticité est exacerbée par la précision des taches noires - lettres, lignes, points - soigneusement placés comme dans une partition musicale.

Par rapport Le carnaval de l’Arlequin, 1924-1925, la grande quantité des éléments ressort l’halluci-

nation du artiste dans ce carnaval festive. On peut voir au centre du tableau deux figures principaux dans la forme de serpentes, une blanc et autre noire, le deux ensemble forme la figure du Arlequin.

NOUVELLE DES ARTS 1925 Émergence de la photographie abstrait aux États-Unis Alfred Stieglitz, photographe américaine connu par être un des premiers à élever la photographie au statut d’art, commence dans cette année son principal ouvrage, “Equivalents”, une série photographique de nuages. Est attribué à cet oeuvre le titre de premier photographies abstracts.

ALFRED STIEGLITZ : Equivalent. 1925.

11,9x9,20 cm. Alfred Stieglitz Collection.

Modernisme brésilien, la Poésie Pau Brasil d’Oswald de Andrade Le modernisme brésilien est à leur apogée après la Semaine d’Art Moderne à São Paulo en 1922. Le livre de poésie Pau Brasil (Bois Brésil en français) renforce l’idée que le Brésil a pleinement suivi le mouvement de l’avant-garde mondiale. Ce livre conjointement avec le “Manifeste de la Poésie Bois Brésil” publié en 1924 était responsable pour diffuser au grand public le mouvement Pau-Brasil, qui expresse l’idée d’une culture brésilienne indépendant de la culture européenne, une culture qui peut en fait influencé les autres.

Oswald de Andrade dans la poésie avec Tarsila do Amaral

dans la peinture sont engagé sur ce mouvement moderne. Blaise Cendrars a été de passage au Brésil dans cette période et a bien travaillé avec Oswald de Andrade qui dédie son livre à lui.

Première exposition de peinture surréaliste Le 14 septembre s’ouvre la première exposition de peinture surréaliste à la galerie Pierre à Paris, avec la participation de Max Ernst, Man Ray, Pablo Picasso, Joan Miro et Giorgio de Chirico révèlent au public une peinture fortement inspirée par les développements de la psychanalyse.

Mondrian renoncé de Stijl Mondrian renoncé publiquement au mouvement de Stijl après discuter avec Theo Van Doesburg sur le vers théorique a suivre. Il condamnait l’utilisation de lignes diagonales qui Van Doesburg a commencé à faire.

En juillet de cette année, Van Doesburg écrit le “Manifeste de l’Élémentarisme”, théories qui permet l’utilisation de diagonales et l’inclination de la composition pour créer un dynamisme, rompant ainsi avec le néoplasticisme et de ce fait avec Mondrian.

EN BREF... ______ FRANCE Antonin Artaud rédigée « la déclaration du 27 janvier 1925 » où il se dit que « LE SURRÉALISME n’est pas un moyen d’expression nouveau ou plus facile, ni même une métaphysique de la poésie ; Il est un moyen de libération totale de l’esprit et de tout ce qui lui ressemble ». ______ ALLEMAGNE Essai de Theo Van Doesburg “Principes fondamentaux de l’art néo-plastique” a été publiés en 1925 chez Albert Langen dans la collection des Bauhausbücher.

La «Nouvelle Objectivité» s’affirme comme nouvelle tendance artistique, officiellement consacrée par l’exposition “Neue Sachlichkeit” (Nouvelle Objectivité) de Mannheim. ______ BRÉSIL Gregori Warchavchik publie un article-manifeste dans un journal à São Paulo, en diffusant les idées du mouvement architectural moderne qui a commencé à être développé à Europe. Il est beaucoup influencé par le Corbusier.

THEO VAN DOESBURG : Counter-Composition in Dissonance 16. 1925. La Haye, PaysBas. Gemeentemuseum den Haag