Dossier Injerto - Cruce de lenguajes en el cine animado by Ana Comes

NUESTRA MúSICA Revista del Cineclub La Quimera Temporada *34 / año *8 / n*40

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«Editorial»

INJERTO ANIMADO, CRUCE DE LENGUAJES Un túnel infinito, ilimitado, inimaginable y apasionado.

El cine de animación desde sus inicios no ha hecho más que invitarnos a atravesar un túnel hacia dimensiones imposibles, irreales, oníricas, transformadoras o impensadas en el mundo de lo real. Atravesar el túnel es hacer un viaje intenso hacia la fantasía sin límites. Un viaje que indudablemente se asemeja a la mirada del mundo que tuvimos cuando fuimos niños. Allí donde hacen sentido historias y personajes que provienen, recurren y respiran significaciones tanto del plano de lo imaginario como de lo real, fortaleciéndose precisamente por no entender fronteras entre ambas. Un boleto especial que ofrece el cine de animación ya que asume el desafío de contar esas historias sensibles apelando a la recuperación de esa libertad de la niñez, esa magia, ese juego, esa frescura y esa inexistencia de los miedos o prejuicios para mirar y sentir el mundo que nos rodea, animándose a crear vida en lugares en donde “realmente” no sería posible habitar. Aun así, no consideramos que se trata de mirar la animación como si fuéramos niños, ni mucho menos de concebir el cine animado como contenidos exclusivos por o para niños, sino que se trata de recuperar el alma del niño como proyección de la mirada, sensible a la experiencia de la percepción. Es despertar el “ánima” que quizás se encuentre dormida, negada o relegada por el ámbito adulto, el ojo tradicional endurecido o el posible rechazo impulsado por la moda pseudo-cinéfila del momento. Afortunadamente este viaje propone diferentes paisajes y estaciones tanto como personas/artistas/ cineastas/animadores e historias/películas existen. En la búsqueda artística y formal la animación ha encontrado múltiples formatos, soportes, técnicas o materiales de expresión de la subjetividad desde las pinturas rupestres, los juegos ópticos del pre cine, los dibujos animados, las figuras recortadas, las técnicas con materiales experimentales, el stop motion, el pixilation o animación de actores, la rotoscopía, el 3D digital, hasta el loop en formato gif en internet, entre otros. También, y por sobre todo, supo crearse a sí misma cual “injertos”

producto de la fusión de estas técnicas entre sí como del cruce y mestizaje de lenguajes mediante la invención, la metamorfosis, la asociación y el dialogo libre entre las diferentes disciplinas del arte (cine, teatro, danza, literatura, comic, dibujo, escultura, pintura, cerámica, fotografía, arquitectura, diseño, arte digital, música). La animación compone una imagen sumamente poderosa a través de la combinación de una historia con la materialidad de una técnica que desentraña una poética audiovisual inmersa en la metáfora por intención, oposición o decantación. Es por eso que la animación tiene la posibilidad de acercarse o polemizar con temáticas complejas desde un lugar sensible y esto la convierte en un lenguaje universal, colocando a los espectadores en igualdad de condiciones. Perder la forma humana para dejar de lado lo superficial, las concepciones culturales, las formas socialmente establecidas y legitimadas de ver los cuerpos, las identidades, los vínculos entre personas y con el entorno. Y así, al abordar el mensaje profundo, éste nos interpele a todxs por igual. A diferencia de otros viajes, este túnel no se constituye a partir de una salida o destino predeterminado, sino más bien remite a innumerables paisajes, estaciones y caminos infinitos que van apareciendo al andar. Es por eso que hacemos resonancia con este cine y porque no creemos en las fronteras es que elegimos este viaje. Valoramos el cine de animación porque militamos la mirada mediante los ojos del alma y la sensibilidad de las extremidades del cuerpo vivo y sintiendo dentro de la sala oscura. Porque creemos necesario recuperar la vista para mirar más allá de los ojos, el oído para escuchar hasta los silencios y el tacto para sentir y palpar en nuestra piel la plasticidad tanto física (de los materiales por color, textura, forma) como digital (virtual y efímera) de las imágenes y los mundos contemporáneos traídos del orden de lo irreal que propone la animación para invitarnos a una reflexión del hombre y del propio cine como arte, medio y forma en continua transformación para seguir explorando-nos. ¿Qué nace donde se mezclan la experimentación con materiales, el stop motion, la escultura, la rotoscopía, el diseño gráfico, la ilustración, lo digital, el videojuego, el 3D, la ficción y el documental en la animación? El ciclo propone animaciones que cruzan diferentes lenguajes y tecnologías en nuevas búsquedas narrativas y estéticas dando a luz injertos animados. Injerto animado nace de la necesidad de constituir nuevos viajes, espacios de expresión, comunicación, exhibición, expansión de miradas y reflexión sobre el cine animado. Es una propuesta dirigida especialmente para adultos, con la intención de ofrecer una experiencia cinematográfica que haga especial hincapié en la forma poética y estética, en el cómo contar una historia desde una técnica que fusiona otras disciplinas. Reúne largometrajes y cortometrajes cuyos formatos experimentan narrativas que son producto de la combinación de algunos injertos visuales y sonoros de otras procedencias conceptuales. Se trata de propuestas

tipo collage, nacidas de la imaginación y representadas materialmente por artistas que realizan una búsqueda expresiva y estética desde la libertad. Buscando potenciar sus historias a través de una poética que combina de manera singular las concepciones acerca de las posibilidades materiales de los cuerpos u objetos, rasgando la duración y fluidez de los tiempos tradicionales, animándose a contar con la metáfora, conjugándolos en una historia que no es más que una mirada y, paradójicamente, es tanto como eso. Injerto animado expone una realidad más, como tantas personas, mundos, historias y miradas más que existen en el mundo, con una intención pero por sobre todo con el amor hacia una quimera que continúa suturando ideas, historias, universos e identidades que desean ser compartidas.

Ignacio “Chaky” Lillini - Potaje

El congreso The Congress . Ari Folman . Año 2013. 118 min. Israel Guión: Ari Folman (Novela: Stanislaw Lem) / Música: Max Richter / Fotografía: Michal Englert. Reparto: Robin Wright Penn, Harvey Keitel, Danny Huston, Paul Giamatti, Frances Fisher, Kodi Smit-McPhee, Michael Landes, Sami Gayle, Matthew Wolf, Jon Hamm, Michael Stahl-David

El cielo que pesa

Año 2009, un invierno, Los Ángeles, Ari Folman contempla atentamente a la actriz Robin Wright. Advierte que había encontrado a la princesa que se escapó de todos los cuentos y la invita a un viaje que dura unos cuatro años. Un viaje de creación, introspectivo, con sacudones crudos, fríos pero llenos de una esperanza motivadora. Se atrevieron a mirar los detalles descascarados de las puertas de la gran industria del cine, las miserias que se entretejen para volverse estas más y más contagiosas, las ataduras a reglas que generan complicidades inevitables y la angustia que estalla por esa pulsión legítima por sobrevivir. El disparador de esta erupción creativa en Folman fue el universo que supo diseñar el escritor Stanislaw Lem con la novela “The Futurological Congress”, publicada en inglés en 1974 y de gran alcance mundial. En esta obra Lem, más allá de ilustrar la época comunista, sabe exponer el lugar que la humanidad puede tener en el universo, genera preguntas, incomodidad y atrae a los curiosos, a los cuestionadores insaciables a que se acerquen a esta lectura. Su aporte en el género de la ciencia ficción es indudable y a los 16 años deslumbró a Folman quien tras cavilar hondo supo con los años darle una dimensión diferente, la que conocía más de cerca. Ubicó como eje un abismo en el que guionistas, directores de fotografía y actores, (resultado de un relevamiento filtrado por el mismo Folman), pueden pararse, creer sostenerse y caminar con dudas pero insistiendo en sujetar el deseo de pertenecer. Robin (Robin Wright) negociará su identidad con la mole Miramount hasta resignarse y entregarse a la opción que más persiste. Mientras Aaron, su hijo, sueña sintiendo a los aviones pasar, haciendo volar sus

cometas rojos, percibiendo de un modo distinto todo lo que lo rodea y desde el asiento de un avión que ya echó fuertes raíces en el desierto. Al (Harvey Keitel), es el agente que acompañó a Robin en su carrera que volcó en el desaliento y después fue el responsable del volantazo que hizo vacilar a Robin. Las huellas de quienes interpretan personajes poco a poco comienzan a diluirse. Sarah, la hija de Robin, se inquieta pero es otra vulnerable a los cambios. El congreso acerca a las personas a un mundo utópico, huidizo, empachado de fórmulas químicas que venden la ilusión de ser alguien y así transitar anestesiados en las orillas de la realidad. Ni siquiera Jeff Green (Danny Huston), el presidente ejecutivo de los estudios Miramount puede batallar sin un recurso escapista. Folman es un implacable militante expresando lo que le quita tranquilidad y combate sensibilizando con poesía. En una entrevista él advierte que la cabina de escaneos ya está operando sobre los actores. Y ante esta novedad, en él madura la disidencia ante la conducción de esta industria. Haciendo uso también de herramientas tecnológicas para llevar a cabo su película, se encuentra con todas las preguntas abarrotadas y se las convida a los espectadores. Folman mismo señala que ellos son los que podrían traducir en definitiva qué es lo que quiso transmitir con The Congress, aunque su enojo ante las maniobras del poder es palpable. Jimena Bustos.

Alicia Neco z Alenky. Jan Svankmajer. Año 1988 . 86 min. Checoslovaquia. Guión: Jan Svankmajer (Historia: Lewis Carroll) / Fotografía: Svatopluk Malý / Reparto: Kristýna Kohoutová, Camilla Power/ Productora: Coproducción Checoslovaquia-Suiza-GB-Alemania /

Turbio perfecta Alicia de Jan Svankmajer invita a cerrar los ojos para poder ver, “una película hecha para niños... tal vez...” Es una versión de “Alicia en el país de las Maravillas” de Lewis Caroll. Alicia, sin siquiera cerrar los ojos, se cruza al plano de los sueños, movida por la curiosidad camina al filo del susto y se aventura siguiendo al conejo verdugo, (que decapitará a más de uno, a diferencia de lo que sucede en el “País de las Maravillas” de Lewis). La película cuenta con episodios por los que atravesamos una vez que tenemos la llave, una vez que abrimos la puerta. El relato es anárquico dando lugar a una estructura más cercana a la de un sueño/pesadilla. Jan dice que el ojo en esta sociedad esta pervertido, y explora el tacto “como una forma de reconstruir nuestro ojo interno”. Los objetos, animados con maestría, derrochan huellas de vida en su materialidad. Las criaturas (algunas regresadas de la muerte) exhalan texturas agresivas o ingratas: los calcetines son gusanos con dentaduras que devoran madera, la conserva de frutos tienen clavos, el conejo embalsamado sangra aserrín. El montaje einsenstiano, explotado en varias de las películas de Jan, nos alivia del sentido común y nos ayuda a recorrer —de manera más inconsciente que consciente— los lugares del “país de las maravillas”, que en esta película son un par de exteriores y habitaciones en diferentes escalas de una casa sórdida, con escenarios de teatro u objetos “ordinarios” que pueden subvertir

su función en cualquier momento. Los foleys son híper realistas, las voces de cada criatura y habitante las pone la misma Alicia, irrumpiendo con planos detalle de su boca las acciones del resto de los personajes. La película no tiene banda de música, a diferencia del azucarado musical de Disney. Para el director la imaginación es subversiva, la creación es imaginativa y la infancia, los sueños y el erotismo son las tres fuentes básicas de la creación. “Si uno cierra la puerta a la infancia se condena la posibilidad de crear” dice JS en una entrevista reciente, ve la infancia no como un espacio idílico, “la infancia es una lucha constante por ceder, por saber hasta dónde nos dejamos robar nuestra libertad.” “¡Pero, yo no me arrepiento de nada!” dice Alicia a la Reina de Corazones y es que esta Alicia es indómita. La película apela a nuestro niño/a no domado. Propone agarrar la llave y abrir la puerta a la infancia y las obsesiones.

Ana Comes.

David O’ Reilly, un animador que se pierde en quimeras… y montañas O’ Reilly es un joven ilustrador, animador y desarrollador de videojuegos nacido en la ciudad de Kilkenny, Irlanda en 1985. Produce sus películas recurriendo a la animación digital en 3D como técnica predominante, donde experimenta formas narrativas y estéticas que son muy disimiles entre sí adaptadas con precisión a las necesidades que requiere cada una de sus historias. Explora y crea un cine de animación cuyos relatos están constituidos como una propuesta comunicativa donde la animación no es concebida desde un lugar de entretenimiento para niños o arte de fantasía, sino más bien desde la producción de una forma artística de hacer cine. Propone un viaje emocional donde despierta una mirada que hace eje en la contemplación de las acciones o la quietud de los personajes, en la psicología y en una estimulación sensorial a través de la construcción de lo visual como de lo sonoro, utilizando una paleta de colores estridente,

“Uso el cian más que el rojo. Tengo una conexión fuerte con ese color. El Cian excita la retina como ningún otro, sólo cuando es reproducido en una pantalla digital. Uno puede tener todos los demás colores con pintura e industria, sin embargo el cian sólo existe en su forma pura

digitalmente. Es algo hermoso. No tengo nostalgia por el celuloide.” (David O’Reilly)

Imágenes completas como así también imágenes incompletas producto de la incorporación de renders fallidos, pixeles rotos, virus, errores o ruidos y otros elementos propios del lenguaje digital y su devenir. Para contribuir a la coherencia del universo de sus películas presenta una banda sonora muy meticulosa e intencional donde se atreve a combinar y resignificar sonidos que no pertenecen al registro de lo real o literal. Habla sobre la comunicación, las relaciones humanas, la infancia, los medios de comunicación, las representaciones sociales y culturales, el vínculo de lo humano con lo tecnológico desde una mirada poco convencional de la narración audiovisual y lo estético en sus historias, aunque él considera que sus historias no tienen origen en lo político ni pertenecen a ningún lugar físico existente. Introduce una fusión de lenguajes en la animación tomando elementos de la ilustración, el comic, el videoclip, el videoarte y los videos juegos. Se vale de códigos de internet (emoticones), como así también de la televisión para espectacularizar y ridiculizar algunas situaciones. Usa recursos de saturación, de repetición, fragmentación del tiempo, ausencia de la coherencia, prolongación o simultaneidad de las acciones, trazos y colores en distintos niveles de intensidad y experimenta situaciones tanto dramáticas como disparatadas, oníricas, lúdicas con una fuerte impronta de ironía. Es por eso que sus películas saben pasar de lo oscuro o siniestro al humor y tienen cuotas de suspenso psicológico de un momento a otro. Nos enfrenta a lo desagradable, desde un punto de vista paradójico y representa lo absurdo de las relaciones humanas y del mundo. Hace poco tiempo, David O’Reilly desarrolló un videojuego que se llama “Montain”. A continuación les dejo una reseña del juego. Allí descubrí elementos de su modo de construir “vida” que me parecen interesantes para pensar su cine: “Se llama Mountain, está disponible para PC, Linux y Mac, y consiste en ser... una montaña. O’Reilly define el videojuego –su primera obra en este medio, elaborada con el desarrollador Unity, muy utilizado en el indie– como un “simulador de montaña”. La interfaz

consiste en una montaña que flota en el vacío protegida por su propia atmósfera. La forma de la misma y los elementos que irán apareciendo en ella dependen de tres preguntas que el jugador habrá tenido que responder de forma gráfica. El programa pide, por ejemplo, que se defina “tu alma”, “el más allá” y “el pasado” dibujándolos, en una especie de pictionary metafísico. “Los dibujos influyen en varios aspectos del juego, desde la forma de la montaña a su escala temporal o la cantidad de flora”, explica su creador. Una vez que la montaña ha sido generada, no se puede crear una nueva: a cada jugador, la montaña que le corresponde. Ni ratón ni teclado, el juego no tiene controles. No se puede interactuar con la montaña. La única actividad posible es la contemplación de esa masa rocosa que gira sobre la nada. Y pese a eso, O’Reilly promete unas 50 horas de “juego”: “Yo le llamo así, juego, pero puede ser llamado cualquier cosa. Está abierto a distintas interpretaciones”. 50 horas en la que llueve o nieva sobre la cúspide, los árboles pierden sus hojas y las ven crecer de nuevo, y, según lo respondido, la montaña desaparece, extraños objetos (bombillas gigantes, barcos veleros, rollos de celuloide) surgen de la tierra o se ve inundada de mensajes en botellas imposibles de leer, mientras el videojuego envía extraños mensajes: “Todo está bien”, “Disfruta de tu tiempo aquí”. Una sucesión de atardeceres y amaneceres en un espacio con el que el jugador acaba teniendo una extraña sensación de pertenencia.

Trabajó en London Studios, mientras realizaba su carrera como realizador independiente.

Realizó innumerables cortometrajes animados para cine, tv e internet, logrando desarrollar una identidad tanto narrativa como artística en sus obras que lo posicionó en un sitio único.

Actualmente tiene 29 años y vive en Los Ángeles, Estados Unidos.

Ignacio “Chaky” Lillini.

Julia Pott Programa de cortos. My first crush | Howard | Random Acts – The event | Belly

Los universos posibles en una naif oscuridad. Dando rienda suelta a cada uno de sus animales sensibles, relaciones que se respiran en cada cuadro. Perder un miembro, cortarse en dos, desprendernos, amar, sentir al otro en su proximidad. La diferencia que nos iguala, el dolor como una sensación más, los encuentros de cada quien con su piel. El entramado, lo indecible, lo que nos cuesta pronunciar, aún siendo una osa polar que no se quiere casar. Ilustradora de objetos simples, reconocibles en los que mirarnos. Su trabajo se elabora sobre el público, y las experiencias comunes a la vía vida, aún cuando ironice sobre la materialidad del mundo que habitamos, o la sociedad en la que estamos constituidos. Nos invita a una experiencia en cada trabajo, el pequeño mundo, ese que se construye saltando limites y permitiendo entrar a esos recónditos espacios donde los personajes respiran, tanto como uno. Alberto.

Michaela Pavlatova Programa de cortos. Etuda z Alba | Krízovka | Reci, reci, reci… | Tías y tíos | Repete | This could be me | Graveyard | Taily tales | Karneval zvírat | Laila | Tram Michaela Pavlátová es uno de las últimos brotes de una rica tradición de animadores checos. Sus cortometrajes se han exhibido en los principales festivales de cine del mundo, acumulando nominaciones y premios en el trayecto. Su trabajo deleitará al que tenga el gusto por este tipo de animación realizada artesanalmente, con la emotividad que imprime el trazo del grafito en el papel. Las animaciones de Pavlátová son una celebración de la sexualidad, reivindican la lujuria en la mirada femenina, en ellas aparecen por igual pájaros que bajan del cielo para chupar los bustos de las mujeres y una camionera que tiene fantasías orgiásticas con los pasajeros. También exploran los gajes de la incomunicación, por eso entre sus personajes podemos encontrar a una señora que habla tanto que le sale un elefante de la boca o el par de hombres que discuten inclusive después de intercambiar lenguas. Su obra no tiene idioma, la música se crea a la medida cada proyecto y gracias a ello la audiencia mundial puede disfrutar de su trabajo. Extraído de invasionabisal.com

Nació en Praga, República Checa, en 1961. En 1987 se graduó en la Academia de Arte, Arquitectura y Diseño de Praga. Sus películas han recibido numerosos premios en festivales de cine internacionales, incluyendo una nominación al Oscar por Reci, reci, reci / words / words / words, el Grand Prix de Montreal, y distinciones en Berlín, Tampere, Hiroshima, Stuttgart, entre otros. Su cortometraje de animación, Repete, ha ganado el Gran Premio en el Festival Internacional de Animación de Hiroshima y el Oso de Oro en Berlín.