JOSEPH NICEPHORE NIEPCE (Francia 1765-1833) BIOGRAFIA: https://es.wikipedia.org/wiki/Heliograf%C3%ADa https://recuerdosdepandora.com/historia/inventos/joseph-nicephore-niepce-el-inventor-de-lafotografia/ Le interesaba la litografía, reproducía imágenes copiando obras de arte de su hijo en piedra, En el 1814 empleo la cámara oscura con sales de plata que son sensibles a la luz para obtener imágenes fijas,usaba la piedra como imagen fija, desistió por los problemas que conllevaba, siguió con papel, estaño, cobre y peltre. 1825 obtuvo su primera imagen fotográfica, no se conversa ninguna de ellas, eran fotos en papel y negativo, esto no le intereso y abandono la linea de investigación En el 1827 obtuvo positivos, sacrifico la posibilidad de reproducir las imágenes.
A este procedimiento lo llamo Heliografia, eran fotografías en positivo directo, las imágenes captadas del natural de la cámara las llamo ''puntos de vista'' y las reproducción de grabados que ya existían las llamo ''heliograbados'' Primer grabado conocido obtenido por en 1825, con el procedimiento de la heliografía, copia de un grabado del siglo XVII mostrando un hombre llevando un caballo. • 7 de marzo 1765: Nacimiento de José Niépce en Chalon-sur Saône • 1786: entra en el colegio de los Hermanos Oratorianos en Angers, y se apasiona por la física y la química. • 1788: Abandona el Oratorio y entra en la Guardia Nacional en Chalon-sur-Saône. Firma sus cartas con el sobrenombre de Nicéphore. • 1816 – 1818 : Solo,Nicéphore. se lanza a la búsqueda de la fijación de imágenes proyectadas en el interior de la cámara oscura. Primeras experiencias-primeros reveses. Búsqueda de canteras de piedras calcáreas alrededor de Chalon-sur Saône para encontrar en Francia piedras aptas para la litografia. • 1822: Realización de una reproducción de un dibujo sobre una placa de vidrio recubierta con betún de Judea, gracias a la sola acción de la luz (retrato del Papa Pío VII). • 1824: Obtención de « distintas tomas con la cámara obscura » (fotografías) sobre piedras litográficas. En ese momento el tiempo de exposición es de cinco días. • 1824 à 1826: Imágenes grabadas sobre cobre, tratando con el método de agua fuerte, las imágenes obtenidas con el betún. Niépce solicita a un grabador Parisino, Agustin Lemaitre, para que lo aconseje y efectúe copias sobre papel a partir de sus placas grabadas. En 1825, Niépce se orienta también hacia los ópticos parisinos, Vincent y Charles Chevalier, quienes le proporcionan toda clase de ópticas para perfeccionar su cámara obscura. Es el año del casamiento de su hijo con Eugénie de Champmartin. • 1826: Las imágenes obtenidas son grabadas sobre estaño. • 1827: Una toma sobre estaño no grabado (el único ejemplar conservado de una imagen realizada por Niépce en la cámara obscura que corresponde a esta etapa de sus trabajos).
• 1828: Imágenes no grabadas sobre plata pulida obtenidas por medio del tratamiento de la imagen sobre betún con vapores de Iodo. • 1829: Asociación con Louis Jacques Mandé Daguerre, especialista de la cámara obscura, para mejorar la luminosidad y la calidad de las imágenes en el interior de la cámara obscura • 1830: Fracaso de los dos socios en las tentativas de blanquear el betún pardo para poder obtener imágenes directamente positivas. Daguerre descubre el residuo de la destilación de la esencia de lavanda, sin atribuirle ninguna propiedad fotosensible. En junio ambos hombres trabajan juntos durante dos semanas en St-Loup-de-Varennes. • 1831: Trabajos sobre toda clase de resinas sin obtener resultados positivos. • 1832, junio : Nueva visita de Daguerre a la casa de Niépce. Los socios utilizan a continuación como producto fotosensible el residuo de la destilación de la esencia de lavanda y obtienen imágenes en menos de 8 horas de tiempo de exposición. Nombran al nuevo método : El Fisautotipo. • 1832, noviembre : Daguerre regresa otra vez a St-Loup-de-Varennes para trabajar con Niépce sobre el nuevo método. • 5 de julio de 1833 : Niépce muere súbitamente sin que ninguna de sus invenciones hayan sido reconocidas.
GARRY WINNOGRAND (Estados Unidos1928-1984) BIOGRAFIA:https://oscarenfotos.com/2014/12/06/garry-winogrand/ https://es.wikipedia.org/wiki/Garry_Winogrand Autenticidad. Es la palabra que probablemente mejor defina el trabajo de Garry Winnogrand. En un recorrido por la fotografia callejera del siglo XX. Sus fotografías irradiaban naturalidad, eran un fiel reflejo de la sociedad de la época. Winogrand fue uno de los fotógrafos más importantes de Nueva York, Fascinantes son sus primeros planos dramáticos, Nunca buscaba una "foto bonita". Recorría las calles de Nueva York con su cámara Leica M4 y un objetivo gran angular preenfocado, tomando fotografías muy rápidamente. Con frecuencia su cámara estaba inclinada en el momento del encuadre lo que generaba unas fotografías con un horizonte no paralelo, lo que causaba la consiguiente extrañeza en el espectador.
DAVID HOCKNEY (BRADFORD 1937) BIOGRAFIA:https://es.wikipedia.org/wiki/David_Hockney David Hockney, es un pintor, proyectista, escenógrafo, impresor, y fotógrafo inglés .Fue un importante contribuyente del movimiento de Arte Pop en la década de 1960, siendo considerado uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX. Sus trabajos en la década de 1960, son realizados en un estilo ingenuo y colorista, con una temática extraída de la cultura popular. Realizó una serie de pinturas de piscinas con acrílicos con un estilo muy realista de colores vibrantes. Las fotografías de David Hockney (1982) es una exploración del medio y un registro parcial de su vida. Sus composiciones hechas con Polaroid, a las que llama ensamblajes Sus obras se encuentran en los museos de arte contemporáneo más prestigioso del mundo
JAN VAN EYCK (Brujas 1390-1441) BIOGRAFIA:https://es.wikipedia.org/wiki/Jan_van_Eyck Su obra se destaca especialmente por su minuciosidad, característica que lleva a deducir su carácter observador y detallista. También se le admira por la carga psicológica que conllevan sus obras, llenas de vitalidad. Sus trabajos se componen fundamentalmente de retratos y escenas sacras, generalmente marianas. Antiguamente se le atribuía el mérito de la introduccion del oleo, aunque no se sabe muy bien, ya que otros contemporáneos la usan también, pero es Jan van Eyck quien la lleva la técnica a sus cotas más altas
RICHARD AVEDON (Estados Unidos 1923-2004) BIOGRAFIA: http://www.hola.com/biografias/richard-avedon/ https://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Avedon Es uno de los fotógrafos de moda más influyentes del siglo. Richard tenia ese estilo novedoso, elegante y clásico; pero con un movimiento y un glamour antes no visto. Fotografiar algo preparado pero con una escenificación emocional fue el primero de las revoluciones fotográficas de la época. Juntar la fotografia de la calle (aunque fuera de altas esferas) con la fotografía de moda era algo no antes visto. Una fotografía que transmitía y emocionaba a pesar de ser para un interés comercial. No fue el primer fotógrafo de moda en hacerlo, pero si el que mejor supo hacerlo con este estilo. Sus escenografías elegantes pero excéntricas, hicieron de la fotografía de moda algo más parecido al mundo teatral que a la fotografía de catálogo vista hasta la fecha. La parte retratista de Avedon fue y quedó en un grandísimo plano, llegando incluso a ponerlos a la altura de la moda. Sus retratos , con una aparente sencillez, tenían una fuerte carácter psicológico, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un fondo blanco, consiguieron plasmar rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Marilyn Monroe, Andy Warhol, George Bush,
RENACIMIENTO El Renacimiento fue un período de la historia en el que se iba dejando atrás la Edad Media, para dar comienzo a lo que se conoció luego como era Moderna. Fue este un cambio muy profundo y complejo, que trascendió a todos los órdenes de la vida, significó mucho más que un movimiento artístico o cultural, . No fue esta una ruptura brusca, sino un paso gradual de una sociedad feudal basada en la actividad agraria a una sociedad mercantil. El humanismo es el término que mejor define al Renacimiento. Por primera vez la figura del hombre como ser creador ocupa un lugar central, tras años y años de teocentrismo, es decir, de Dios como fuente de toda creación. REMBRANDT HERMESZOON VAN RIJN (Holanda 1606-1669) BIOGRAFIA: https://es.wikipedia.org/wiki/Rembrandt Fue un pintor y grabador . La historia del arte le considera uno de los mayores maestros barrocos de la pintura y el grabado, siendo con seguridad el artista más importante de la historia de los países Bajos. Su aportación a la pintura coincide con lo que los historiadores han dado en llamar la edad de oro neerlandesa, el considerado momento cumbre de su cultura, ciencia, comercio, poderío e
influencia política.
GEORGE EASTMAN (Estados Unidos 1854-1932) BIOGRAFIA:https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/1819/George %20Eastman Inventor del rollo de película ,sustituyo a la placa de cristal siguió poner la fotografía a disposición de las masas. El rollo de película sería también algo básico para la invención del cine. En el 1888 registro la marca Kodak, y recibió una patente , cámara que usaba el rollo de película. Ese mismo año lanza al mercado la cámara Kodak 100 Vista, que utilizaba carretes de 100 fotos circulares y para cuya campaña de promoción acuñó la frase «Usted aprieta el botón, nosotros hacemos el resto». Lo más importante es que a partir de este momento ya no se requerían grandes conocimientos en fotografía o en la utilización de productos químicos Esta cámara se vendía ya cargada y lista para realizar las fotos. Una vez usada, se devolvía a la casa que extraía el carrete. La novedad se impuso y supuso que el uso de la fotografía se pudo extender a toda la población, es por tanto el momento de la popularización de la fotografía. Ya en el año 1889 Eastman cambia el carrete de papel por uno de y celuloide años más tarde elimina la incomodidad de tener que devolver la cámara entera, al comenzar la comercialización de un carrete protegido que permite su colocación y extracción a la luz del día Es en estos años cuando surge la fotografía de aficionado tal y como la conocemos en la actualidad.
JACQUES HENRI LARTIGUE (Francia 1894-1986) BIOGRAFIA:https://es.wikipedia.org/wiki/Jacques_Henri_Lartigue Fotógrafo y pintor, que durante su vida, supo como nadie retratar parte de esa vida que, lo largo de los años. Lartigue tenía siete años le regaló una cámara fotográfica de placas de formato 13×18 cm. Con ella, el gran maestro y a lo largo de su carrera profesional, destacó por sus maravillosas y espontaneas fotografías tomadas en las carreras de automóviles, aviones, playas y también, a mujeres de clase media y acomodada en París paseando por el Bois Boulogne, por destacar algunas. Creó novedosas imágenes mediante el empleo de encuadres poco usuales, con diversas velocidades de obturación y trabajó casi siempre en blanco y negro, empleando el color sólo en contadas ocasiones. En 1979 cedió todas sus fotografías al Estado Francés, incluyendo negativos, discos originales, diarios y cámaras.
PAUL STRAND (Nueva York 1890-1976) BIOGRAFIA: http://exposiciones.fundacionmapfre.org/exposiciones/es/paulstrand/exposicion/ Además de ser un reputado cineasta, el fotógrafo estadounidense Paul Strand fue uno de los precursores de la fotografía directa, que ayudó a definir el modernismo y reivindicó la fotografía como arte legítimo. No le interesaban los instantes decisivos, ni el azar, prefería la paciencia y la reflexión. Priorizó la vida al arte y se preocupó por “la acumulación en lo profundo del ser”. Fue un espía del alma. Hizo La mujer ciega y todas aquellas cosas con la idea de fotografiar a las personas sin que ellas supieran que eran fotografiadas. Esta es una de sus imágenes más famosas. Muestra a una ciega en Nueva York en 1916. En esa época, Strand fotografiaba sin que los sujetos lo supieran, usando cámaras que les hacía pensar que estaba tomándole una foto a otra cosa. La ética de este tipo de fotografía sigue siendo motivo de debate, y el cartel que lleva esta mujer, en el que se lee "ciega", lo pone en evidencia y cuestionaacto de observar.
JONH GUTMANN (Alemania 1905-1998) BIOGRAFIA:https://www.google.es/search?q=John+Gutmann&ie=utf-8&oe=utf8&gws_rd=cr&dcr=0&ei=SyzmWc32FZKkwALV0L6wDQ John Gutmann fue un pintor y fotógrafo americano,que supo capturar el “modo de vida americano”. Para el no era ni es importante probar que era un artista. Soy un fotógrafo y eso me basta; además, ya sabía, por mi formación pictórica, que podía hacer arte en pintura. Con la llegada de los nazis al poder huyó a los Estados Unidos (a San Francisco) con una cámara que había comprado unas semanas antes y comenzó a enviar fotografías a varias revistas alemanas, tomando rápidamente interés en el “estilo de vida americano” e intentándolo capturar con su cámara Le gustaba tomar fotos de cosas ordinarias y les confería un algo especial, realizó impresionantes y expresivas fotografías de los EE UU durante la depresión, la guerra mundial y los años 50 y 60. En la última parte de su vida fue abandonando la fotografía activa para dedicarse más a fondo a la educación.
GYULA HALASZ (Rumania 1899-1984). BIOGRAFIA:https://es.wikipedia.org/wiki/Brassa%C3%AF Gyula Halász estudió pintura y escultura en la Academia de Bellas Artes. En 1924 se trasladó a París,empezo a trabajar como periodista,Su trabajo y su amor por la ciudad,
que por cuyas calles a menudo se paseaba por la noche, lo llevó a la fotografía. Más tarde escribió que la fotografía le permitió apoderarse de la noche de París y la belleza de las calles. Cpturó la esencia de la ciudad en sus fotografías, publicando su primer libro de fotografías en 1933 titulado “Paris after Dark”. Las fotografías de Brassaï obtuvieron un reconocimiento internacional que llevaron a una exposición individual en los Estados Unidos. Considerado por todos como uno de los grandes fotógrafos del siglo XX.
ANSEL ADAMS (California 1902-1984) BIOGRAFIA:https://fotografiaperfecta.wordpress.com/tag/ansel-adams/ Fue uno de los grandes teóricos que tiene la fotografía. En sus comienzos realizó trabajos más de un estilo pictorialista hasta que conoció al fotógrafo Paul Strand y lo hicieron cambiar a un estilo realista. Se caracterizó por fotografiar paisajes Hizo una gran trabajo en el parque Yosemite y en Sierra Nevada, fue fotógrafo documentalista. Sus fotografías tienen una textura y realismo que son maravillosos. Principalmente las nubes, los detalles de la montañas y bosques. Una de las características de su fotografía es no poseer sujetos ni personajes en las mismas
WILLIAM HENRY FOX TALBOT (1800-1877) BIOGRAFIA;https://es.wikipedia.org/wiki/William_Fox_Talbot Daguerre y Niépce no fueron los únicos en proponer la fijación de imágenes de la cámara oscura en 1839 De todos los que posteriormente reclamaron el título de padre de la fotografía, quien probablemente lo merece más esWilliam Henry Fox Talbot Comenzó a realizar estudios en relación con las posibilidades químicas y experimentos con la fijación de imágenes por contacto en 1834 siguiendo las huellas de Jacques-Alexandre-César Charles, Finalmente tuvo éxito cuando trató papel con nitrato de plata y sal; se lograba una imagen latente que posteriormente era revelada. Su proceso de papel y sal permite la posibilidad de reproducir una imagen mediante un sistema de negativo y positivo.
HARRY CALLAHAN (Michigan 1912-1999) BIOGRAFIA:https://es.wikipedia.org/wiki/Harry_Callahan_%28fot%C3%B3grafo%29 Considerado uno de los grandes innovadores de la moderna fotografía americana.Comenzó a fotografiar de manera autodidacta. Su método de trabajo consistía en salir casi cada mañana, pasear por la ciudad y tomar multitud de fotografías. Después dedicaba cada tarde a sacar pruebas impresas de los mejores negativos que había realizado durante el día. De toda esta actividad fotográfica, el propio Callahan estimaba no haber producido más de media docena de imágenes definitivas al año. Murió en 1999 dejando alrededor de 100.000 negativos y más de 10.000 pruebas de impresión
WILLIAM KLIEN (Nueva York, 1926) BIOGRAFIA:https://es.wikipedia.org/wiki/William_Klein Fotógrafo estadounidense. Es reconocido tanto por sus trabajos en el campo de la fotografía sobre moda como por sus reportajes de ciudades. Los primeros le hicieron célebre a través de la revista Vogue; los segundos son un testimonio de su certera visión de los lugares que visitó y muestran su habilidad para el reportaje gracias a su especial percepción psicológica. También son destacables sus trabajos en el campo de la cinematografía, a la que se dedicó en los años 60 y 70. No obstante, lo importante de la obra de Klein es su práctica de la fotografía. Entre 1954 y 1966 fue fotógrafo de la importante revista Vogue, para la que realizó numerosos reportajes de moda a los que siempre supo aportar su particular punto de vista, convirtiendo estas imágenes de consumo en verdaderas obras de arte. Pero su verdadera vocación fotográfica fue, como él mismo decía, "sus fotos serias", los reportajes fotográficos que editó en una serie de monografías y que representaban aspectos cotidianos de ciudades como su querida Nueva York, Moscú, Tokio o Roma. Cuando abandonó su empleo en Vogue, y a excepción de algún trabajo esporádico, se dedicó íntegramente a la cinematografía, campo que abordó en el contexto cultural politizado y vanguardista de finales de los sesenta y de la década de los setenta. En 1981 regresó a la práctica fotográfica, lo que coincidió con una valoración y reconocimiento públicos de la gran calidad de su obra anterior.
DOROTHEA LANGE (Estados Unidos 1895-1965) BIOGRAFIA:https://es.wikipedia.org/wiki/Dorothea_Lange Una de las características presentes en casi toda su carrera es su fantástica habilidad de llegar a robar las almas del espectador que mira las fotografías. Dorothea Lange, la fotógrafa del pueblo o al menos es lo que rezaba su tarjeta de visita. Aunque su formación fotográfica fue de índole purista (frecuentó el grupo f/64 en sus comienzos) y pictorialista (corriente fotográfica entre finales de los años 1880 y el final de la Primera guerra mundial), abrió pronto un estudio en San Francisco, pero es su salida a la calle, el encuentro con el pueblo como reportera lo que marcó definitivamente la identidad de su trabajo. La gran mayoría de la gente iba a un estudio porque el fotógrafo no salía mucho de allí, algo que hoy en día se repite demasiado y aunque hoy en día tenemos más posibilidades no es, precisamente, a la mayor parte de profesionales de la fotografía a los que les gusta salir de su estudio, un entorno conocido y bien controlado, un entorno familiar y protegido.
WEEGEE (Ucrania 1899-1968 ) BIOGRAFIA:https://elpais.com/ccaa/2017/07/04/catalunya/1499189206_531783.html Su formación fotográfica era nula. Pero con la práctica se fue haciendo a sí mismo hasta tener una técnica propia que le resultaba. Disparaba con una cámara 4×5 Speed Graphic, la más típica en prensa en los años 40. Siempre usaba los mismos parámetros: f/16 y una velocidad de obturación de 1/200 de segundo con un buen flash e incluso un pequeño set de focos situados a tres metros del sujeto a fotografiar. En la parte de atrás de su coche tenía un pequeño laboratorio fotográfico, en el que rápidamente procesaba las fotografías que minutos después vendía a los periódicos que querían ilustrar en sus páginas el suceso con fotos, sin duda, impactantes. No sólo hizo este tipo de fotografía, también algún desnudo e incluso participó en algún rodaje de cine. Aquí algunas fotos suyas
EUGENE SMITH (Estados Unidos 1928-1978 ) BIOGRAFIA:https://es.wikipedia.org/wiki/Eugene_Smith Conocido por su riguroso método a la hora de trabajar y su obsesión por la perfección, Eugene Smith fue un fotógrafo conocido por ser uno de los padres del reportaje gráfico, se especializó en lo que luego caracterizó su modo de trabajo, el llamado ensayo fotográfico. Este tipo de ensayo consiste en elegir un tema para desarrollarlo fotográficamente documentando cada detalle y dejando entrever la subjetividad del autor.
Documentado hasta el más mínimo detalle, el ensayo no sólo se limitaba a mostrar las fotografías (tomó 1.575) sino a hacer un estudio sociológico sobre un pueblo anclado en la tradición. Con documentos tan exhaustivos a sus espaldas cuesta creer que Eugene Smith muriera afectado por el alcohol y las drogas en 1978. Nos dejó todo un legado de reportajes antológicos y un método de trabajo que sentó las bases del fotoperiodismo y los ensayos fotográficos. WALKER EVANS (Estados Unidos 1903-1975) BIOGRAFIA:https://moovemag.com/2013/06/la-fotografia-de-walker-evans/ De los fotógrafos que más han influido en el arte contemporáneo y que señaló el camino a seguir en la fotografía. Sus imágenes son sencillas técnicamente y con ellas allana el camino al arte, todo podía ser bello. Entre sus trabajos más conocidos están: •
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En 1932 ilustra The crime of Cuba, de Carleton Beans, una denuncia del régimen de Batista, para lo que hizo una serie de fotografías donde mezclan retratos con detalles arquitectónicos y escenas callejeras. Entre los años 1935 y 1936, durante 18 meses, trabajó para la Farm Security Administration, y convivió junto con James Agee seis semanas con una familia de aparceros de una granja de Alabama. Evans los fotografió enseñando su vida de forma simple y directa, con cierto distanciamiento, logrando retratos de gran dignidad.Junto con los textos de Agee, las fotografías se publicaron en el libro Let Us Now Praise Famous Men en 1941. Con una Contax de 35 mm comienza a trabajar de forma completamente distinta: ocultándola bajo el abrigo, sin control de encuadre, se centra en las caras y gestos de los viajeros del metro de Nueva York. El resultado se publicó en 1966 en forma de libro con el título Many are called.
A los 70 años, se compra una cámara polaroid SX-70 y fotografía en color carteles, rótulos y señales de tráfico. "Compré esa cosa como si fuera un juguete y me lo he tomado como un desafío. Era un artilugio, pero decidí que debía ser capaz de hacer algo serio. Después de todo me estoy haciendo mayor y, no creo que nadie deba tocar una polaroid hasta que haya cumplido 60 años. Primero hay que hacer todo ese otro trabajo". AUGUST SANDER (Alemania 1876-1964) BIOGRAFIA:https://es.wikipedia.org/wiki/August_Sander Descubrio la fotografía de joven casi por casualidad cuando encuentra un trabajo acompañando a un fotógrafo que necesitaba un guía de aquella zona minera que conocía tan bien. Sutrabajo incluye fotografía de paisajes, naturaleza, arquitectura y fotografías de la calle, pero es especialmente famoso por sus retratos, como lo demuestra la serie Hombres del siglo XX. En esta serie trata de ofrecer un catálogo de la sociedad alemana durante la República de Weimar. La serie se divide en siete secciones: Campesinos, comerciantes, mujeres, clases y profesiones, artistas, la ciudad y el pasado: los sin hogar, veteranos de guerra.
HENRI CARTIER-BRESSON (Francia 1908-2004) BIOGRAFIA:https://es.wikipedia.org/wiki/Henri_Cartier-Bresson Henri Cartier-Bresson fue uno de los padres de la fotografía, un hito histórico y un referente para muchos El fotógrafo francés es, por antonomasia, el padre del fotorreportaje como lo conocemos. Nacido el 22 de agosto de 1908 en Chanteloup-en-Brie, cerca de París, Henri Cartier-Bresson sus fotografías fueron catalogadas como imágenes a hurtadillas. La mayor influencia de Cartier-Bresson en el mundo de la fotografía es su creencia para captar el “momento decisivo”. Y es que las imágenes de Bresson están cargadas de paciencia, y, sobre todo, de momentos únicos que solo podrían haberse retratado si el artista estaba preparado para tomar la fotografía en ese momento justo. Tras estudiar pintura en la universidad, Cartier-Bresson se sumerge en el surrealismo que se vive en París en los años 30. Esto queda claramente retratado en sus primeras instantáneas, pero desaparece a medida que se va haciendo en él la idea de dedicarse a los fotorreportajes. Con su primera cámara, se va inclinando más hacia la práctica fotográfica que a la pintura, que mantendrá hasta 1970 como su principal forma artística. La obra de este artista francés se aleja mucho de la normalidad. Henri Cartier Bresson diversifica su trabajo en temas tan variopintos como la Guerra Civil Española y la muerte de Mahatma Ghandi. Victoire de la vie, el documental sobre realizado en 1937 sobre la España Republicana, fue el inicio de su especialización en el fotorreportaje. Durante este periodo, y con la posterior explosión de la Segunda Guerra Mundial, Cartier-Bresson se centra en la documentación de estos conflictos. En 1947 funda, junto a Robert Capa, Bill Vandivert, David Seymour y George Rodger la archiconocida Agencia Magnum Photo, una de las primeras cooperativas del mundo de la fotografía. Cada uno de estos fotógrafos tuvo que aportar un capital de 400 dólares y permitió a los fotógrafos libertad a la hora de elegir temas a documentar y la forma en la que trabajar. Esta iniciativa consiguió que muchos más acontecimientos se cubrieran libremente y de forma profesional, sin estar atados a ningún medio de comunicación. Una de sus peculiaridades como fotógrafo era que nunca recortó los negativos. Éstos se positivaban completos y no se encuadraban o cortaban. Henri Cartier-Bresson recorrió el mundo con su cámara y lo retrató de la mejor forma posible. No es de extrañar, por tanto, que fuera el primero fotógrafo en exponer en el Museo del Louvre, de París, un honor que solo podía estar reservado a él. En el año 2003, poco antes de su muerte, llevó a cabo junto a su mujer, la también fotógrafa Martine Franck, una fundación encargada de reunir sus mejores obras. Con esta iniciativa aseguraba, además, la protección y el cuidado de su obra tras su muerte. Tras su marcha en el año 2004 el mundo de la fotografía quedó un poco huérfano. Por suerte aún podemos admirar y disfrutar del trabajo de una de las grandes figuras de la fotografía del Siglo XX.
EZRA POUND (Estados Unidos 1885-1972) BIOGRAFIA:https://es.wikipedia.org/wiki/Ezra_Pound Poeta y ensayista norteamericano nacido en Hailey, Idaho, en 1885. A la edad de doce años ingresó a Cheltenham, una escuela militar donde estudió griego y latín. Luego ingresó a la Universidad de Pennsylvania para aprender otras lenguas, y a partir de 1906 se estableció en Europa, principalmente en Italia e Inglaterra, desde donde promovió dos grandes movimientos de vanguardia: el imaginismo y el vorticismo. A finales de la segunda guerra mundial fue acusado de alta traición y detenido por los aliados en Italia, y en 1946, tras ser declarado paranoico, fue internado en un sanatorio mental en Washington. De su obra poética merecen destacarse "Personae" en 1926, una recopilación de poemas breves, y "Cantos" en 1970, considerada como una de las epopeyas en lengua inglesa más importantes del siglo XIX, y a la que dedicó cuarenta y cinco años de su vida. Como crítico contribuyó a la renovación de la poesía y apoyó entre otros.
ERWIN BLUMMENFELD (Alemania 1897-1969) BIOGRAFIA:https://es.wikipedia.org/wiki/Erwin_Blumenfeld Erwin Blumenfeld, uno de los más reconocidos fotógrafos de moda del siglo XX, llevó una vida que misteriosamente refleja las contradicciones de su tiempo. Fue un célebre fotógrafo de desnudos, que una vez fue arrestado por atreverse a permitir que su traje de baño se deslice de su hombro mientras tomaba el sol. Fue reclutado en el ejército alemán durante la Primera Guerra Mundial – y arrestado por planificar desertar- y años más tarde fue internado en Francia durante la Segunda Guerra Mundial. Blumenfeld, fue miembro del movimiento Dada, creando foto montajes surrealistas, muchos de la cara de Hitler superpuesto con cráneos de animales, pero también tomó impresionantes retratos de moda comercial que aparecieron en las portadas de revistas como Vogue y Bazaar de Harper. Él se convirtió de pobre y en bancarrota a rico y famoso.
AUGUSTE RODIN (Francia 1840-1917) BIOGRAFIA:http://www.musee-rodin.fr/es/colecciones/esculturas Conocido como Auguste Rodin, fue un escultor francés considerado como el padre de la escultura moderna, su importancia se debe a la ruptura con el canon académico que imperaba en el siglo XIX en Francia. Lo anterior no significa que el artista no conociera o dominara las reglas de la estética de su tiempo, sino que su concepción del arte le permitió inaugurar una nueva etapa en el ámbito de la escultura. Cuando Rodin incursionó en el ambiente artístico parisino de mitad del siglo XIX la escultura en los textos académicos se definía como una imitación selectiva y palpable de la naturaleza6. Cuando Rodin murió, el concepto de escultura había sido redefinido como algo que imita la vida a través de la amplificación y exageración del todo.
HENRI MATISSE (Francia 1867-1954) BIOGRAFIA:https://es.wikipedia.org/wiki/Henri_Matisse Pintor francés líder del fauvismo.Comenzó a pintar en 1889. Descubrió entonces su vocación y decidió convertirse en artista decepcionando profundamente a su padre. Su formación es lenta y la alterna con viajes a Londres e Italia.
Su primer estilo consistía en un convencional naturalismo. Realizó muchas copias de cuadros de los maestros clásicos. Estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, iniciando su propia experimentación. Hasta 1904, período conocido como oscuro, realiza bodegones y paisajes de gran solidez estructural y planos de color, como puede apreciarse en Platos y fruta y Bosque de Boulogne . En 1904 pinta Lujo, calma y voluptuosidad, en el que sigue el neoimpresionismo, pero ya se anuncia el fauvismo, que estallará en el verano de 1905 en Colliure donde pinta cuadros que todavía siguen de cerca los métodos puntillistas, como Mujer con sombrilla, para alcanzar una libertad y espontaneidad absolutas en otras obras, como Vista de Colliure. Hacia 1905 había producido unas imágenes cuya audacia cromática rompía con todo lo anterior. Entre estas obras destaca Raya verde (Madame Matisse; 1905, Museo Estatal de Arte, Copenhague), un retrato con notas expresionistas de su mujer. Ese mismo año Matisse expuso junto a pintores de la misma tendencia Derain y . Como consecuencia de esta exposición, el grupo es bautizado como les fauves (literalmente 'las bestias salvajes') por su uso estridente del color, distorsión de las formas y su sentido expresionista en la captación de emociones. Considerado como lider del radicalismo artístico. Durante sus últimos años, se dedicó aldécoupage (técnica de papeles gouacheados y recortados), creando obras de un brillante colorido.
TRUMAN CAPOTE (Estados Unidos 1924-1984) BIOGRAFIA:https://es.wikipedia.org/wiki/Truman_Capote A los diecisiete años abandonó los estudios para comenzar a escribir en el periódico “The New Yorker”. Su trayectoria como novelista dio inicio con el libro gótico sureño “Otras Voces, Otros Ámbitos” (1948). y alcanzó su máxima repercusión con , ''a sangre fria''novela de no-ficción que instauró el “nuevo periodismo literario” Abiertamente homosexual, Truman Capote fue uno de los grandes narradores estadounidenses de la segunda mitad del siglo XX, cuyo contacto con las altas esferas sociales e intelectuales de la comunidad neoyorquina influenciaría en su enfoque cáustico.
MARCEL DUCHAMP (Francia 1887-1968) BIOGRAFIA:https://es.wikipedia.org/wiki/Marcel_Duchamp Marcel Duchamp fue un artista y ajedrecista frances. Especialmente conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento dada en el siglo XX. Al igual que el citado movimiento, abominó la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.
ANDRE KERTESZ (Budapest 1894-1985) BIOGRAFIA:https://es.wikipedia.org/wiki/Andr%C3%A9_Kert%C3%A9sz Dio sus primeros pasos en la fotografía muy joven, gracias a unos manuales que encontró en el ático de su casa. No obstante se vio presionado por sus padres a estudiar Comercio, y terminó trabajando en la Bolsa de valores de su ciudad. Bandi, como le llamaban sus familiares, no estaba para nada interesado en este trabajo. Pero, al menos, le permitió comprar su primera cámara a los 18 años: una ICA Box, de placas de 4,5 x 6 cm. Con ella en sus ratos de ocio, hacía fotos de los paisajes a su alrededor y de los vecinos, tomando la inspiración de las revistas que llegaban a su casa, pues su padre era vendedor de libros. Cuando estalló la Primera Guerra Mundial, André se alistó al ejército. Pero no abandonó la fotografía. Continuó retratando lo que veía, pero las imágenes en su mayoría fueron destruidas en la Revolución Húngara de 1919. Una herida de bala en el brazo hizo que dijera adiós a la guerra. Los retratos consistían en el día a día de los soldados: las largas esperas en la trinchera, la desorientación, la desolación, etc. En 1917, tomó una de sus más conocidas fotografías: Nadadores bajo el agua. A partir de ese momento empezó a interesarse en retratar cuerpos que estuvieran cubiertos por reflejos luminosos, así como imágenes distorsionadas, marcando con ellas lo que sería su peculiar estilo fotográfico. Su tipo de fotografía es conocido también por captar instantes en los momentos correctos. También por distorsionar e inventar perspectivas aumentadas y nada reales y, sobre todo, jugando a colocar las sombras en lugares precisos. Hungría se le quedaba pequeña para las fotografías que deseaba hacer Kertész. Por ello, emigró en
1925 a París. Estando allí contactó enseguida con la élite de artistas de la localidad de Montparnasse, como Alexander Calder o Piet Mondrian. Durante esta época realizaba retratos parecidos a tarjetas postales. André interpretaba la fotografía como un diario, donde describía la vida que había a su alrededor. “Yo interpreto mis sensaciones en un instante determinado. No lo que veo, sino lo que siento.” Poco a poco fue recibiendo la admiración de la gente. El público hablaba de sus retratos muy cercanos o aquellos vistos desde arriba como si fuera un pájaro. Era como miraba él el espacio y su estructura geométrica, así como las sombras y las siluetas de los objetos que fotografiaba. Distortions es una de sus series más famosa y destacada, donde cuerpos femeninos se ven distorsionados por espejos y se mueven como una especia de caricatura, pero con erotismo y sensualidad. En 1936 dejó París para trasladarse a Nueva York. Pero allí no fue tan mencionado como en Europa. En alguna ocasión publicó en la revista Harper´s Bazaar, pero lleno de problemas. Contrajo matrimonio en 1933 con Elizabeth Sali, quien también le servía como modelo en sus fotografías, principalmente en la serie Distortions. La suerte en Estados Unidos no fue la misma que en el viejo mundo. La Segunda Guerra Mundial le obligó a emigrar, porque los húngaros fueron declarados como enemigos de la patria. Por esta y otras razones, llegó a sentirse rechazado. Su trabajo ya no tenía la misma influencia, ni era valorado como se merecía, no fue incluido más en galerías, recopilaciones o publicaciones. Actualmente está catalogado como uno de los fotógrafos que más ha influido en esta época creciente de amantes de la fotografía. André Kertész dejo un legado único, de un estilo peculiar, que se impone sobre muchos al momento de crear, dejando un camino allanado para el foto periodismo que conocemos hoy en día.
FICHA DE LECTURA. DATOS DEL ALUMNO/A: NOMBRE: Ana Isabel APELLIDOS: Jiménez González CURSO: 1º Fotografía FICHA BIBLIOGRÁFICA: AUTOR: Eduardo Momeñe TÍTULO: La visión fotográfica. Curso de fotografia para jovenes fotografos. Tapa blanda: 202 páginas Editor: Eduardo Momeñe; Edición: 9788461322435 (24 de noviembre de 2010) Idioma: Español ISBN-13: 978-8461322435 BREVE INTRODUCCION BIOGRAFICA Y LITERARIA DEL AUTOR Eduardo Momeñe es un fotógrafo vasco (nacido en 1952 en Bilbao, reside en Madrid), docente, articulista y autor de ensayos sobre estética fotográfica. Eduardo Momeñe es un fotógrafo de largo recorrido: comenzó en los años 80 a fotografiar a todos los personajes españoles o extranjeros que se movían por Madrid. Después de pasar unos años por Europa, ha vuelto a residir en Madrid. A lo largo de su amplia carrera, ha realizado proyectos como la serie de televisión sobre fotografía "La Puerta Abierta" o la revista "Fotografías", obras bien conocidas en el mundo fotográfico. Su primera exposición fotográfica la realizó en la galería Nikon de Barcelona en 1974, y desde entonces ha realizado numerosas exposiciones en diferentes países y sus fotografías forman parte de
colecciones públicas y privadas. Revistas como Vogue, Style, Marie Claire o Elle, han publicado sus imágenes. Siempre ha estado muy ligado a la enseñanza de la fotografía, impartiendo talleres y seminarios con regularidad. Es recordada su labor en su estudio-escuela de la Calle San Pedro de Madrid, durante los años 90. Actualmente coordina el master internacional Nuevo Documentalismo, Nueva Realidad en la escuela EFTI de Madrid. Su labor didáctica la realiza también a través de Internet. Su escuela se llama Afterphoto
TEMA DEL PRINCIPAL La Visión Fotográfica es una tutoría:exige un compromiso, presenta las etapas, da indicaciones y facilita herramientas para abordarlas. No contesta a tus preguntas sino que plantea las suyas propias, una tras otra, para que seas tú quien encuentre las respuestas y te hagas nuevas preguntas El libro está repleto de reflexiones que te obligarán a repensar la Fotografía, a posicionarte en ella , no te dirán dónde debes colocarte, sino que te empujarán para que lo decidas por ti mismo, que te harán exigente con el trabajo de los otros y con el tuyo propio, que te volverán más consciente de lo que implica perseguir buenas imágenes, y sí, hay hueco incluso para aportar una respuesta (más de una, en realidad) a la eterna pregunta de qué es una buena fotografía. ARGUMENTO Se trata de un cúmulo de propuestas e ideas que se van desarrollando, repitiéndose, y que el autor expone como puntos de partida para nuestra propia reflexión y para generar nuevos planteamientos. Y es que para hacer buenas fotografías es imprescindible tener una gran curiosidad y un gran interés por conocer lo que hubo antes. El libro como un curso, hay que abordarlo como un texto de estudio y no como una simple lectura, hace que no tenga ni una sola imagen (solo la de la portada). Esto es así para obligarnos a a buscar las imágenes, los autores, las ideas que se recogen en negrita. De esa manera, el título de una fotografía nos permite investigar quién la realizó, en qué contexto histórico y cultural la hizo, con qué otros autores tiene relación… Dentro Internet, la información es infinita nosotros mismo decidimos hasta donde ampliamos. En definitiva, el autor propone que reflexionemos sobre la fotografía y lo que queremos transmitir con ella, sin quedarnos únicamente en la mera recogida de imágenes . Lo importante es que hayamos pensado en lo que quiere decir “fotografiar” CONCLUSIONES: El libro me parece muy interesante, aunque he de reconocer que un poco espesa su lectura, al no contener fotografías, si no una lista de ideas, en algún momento me costo trabajo seguir la lectura.
Es necesario un trabajo importante por parte del lector, buscando obras y artistas que va desgranando, a veces como ejemplo de la idea, otras veces como una enumeración. Nunca da información completa de ellos, eso corre de nuestra cuenta. Buscar e investigar En definitiva, un libro muy recomendable, por ser el complemento perfecto a otros manuales que se centran más en la técnica fotográfica (pero eso sí, de lectura pausada y meditada). Con los fotógrafos que mas me siento identificada es como Cartier Bresson y sobre todo con esta frase: Fotografiar es colocar la cabeza, el corazón y el ojo en un mismo eje visual. Es una forma de vida. IDEAS PRINCIPALES Son muchísimos en los autores en los que se apoya, todos muy interesantes y cada uno aporta una visión diferente de que es la fotografiá, como abordarla y como entenderla. Me encanta la frase de Garry Winnogrand: hago fotografiás para saber como se ve el mundo en fotografiás. También me parece muy interesante la frase que se menciona al principio del capitulo de que fotografiar es fácil y que obtener buenas fotografiás no lo es tanto, y es muy cierto por que todos tenemos una herramienta para sacar una foto y no por ello quiere decir ni que sepamos hacerlo ni que el resultado sea bueno. Fotografiá exige dedicación y constancia, y que por mucha constancia que tengamos quizás si nuestra visión fotográfica no es buena no obtendremos buenos resultados. La calidad de la cámara, esta claro que juega un papel importarte, pero no el mas importante por que de nada vale la mejor cámara si nuestra mirada falla. La frase del fundador de kodak también me resulta interesante el opina que algún día fotografiar sera tan fácilcomo pintar con lapices de colores, nosotros buscamos algo mas que fotos para el recuerdo. Estoy muy de acuerdo en que buscar fotografiás aveces causa sensaciones malas, ansiedad angustia, debemos planificar el trabajo, requiere disciplina y orden.Si esto no es asi podemos abandonar.