Press Anaisa Franco 2020

PRESS Anaisa Franco

www.anaisafranco.com

Books Livros

Responsive Public Spaces https://responsiveurbanspaces. amsterdam/en/ (Pdf download link) Editors: Suurenbroek, Frank. Waal, Matijn de.

2020 Amsterdam University of applied Sciences.

Implementing technology towards active public space//How to guide.

ISBN 978-84-697-3707-1 Editors: Areti Markoupoulo, Chiara Farinea, Mathilde Marengo.

Paper Responsive Cities // Active Public Space. Implementing technology towards active public space//How to guide.

ISBN 978-84-948568-3-9 (2018) Editors: Areti Markoupoulo, Chiara Farinea, Mathilde Marengo.

Mello, C. 2008, Extremidades do video. Senac sp, SĂŁo Paulo. Page 219.

Livro Extremidades do vĂ­deo de Christine Mello. Editora Senac.

Alonso, R. Canela, J. Hofman, V. Matelli, F. Negron, L, Orozco, J. Rozo, C. 2007, Arte Electronico, Entornos Cotidianos.

FUNDIT, Barcelona. Page 95-105.

Convite da exposição Continuum Electronica em Barcelona.

Artigo “Álbum Inestable “ escrito no livro “Arte Electronico. Entornos Cotidianos” por Vanina Hofman.

10 anos MECAD. Edita: FUNDIT

Franco, Anaisa. (2010), Controlled Dream Machine.
The Machine as a Dream Producer.

LAP LAMBERT Academic Publishing.

Controlled Dream Machine The Machine as a Dream Producer.

Author: Anaisa Franco Product Description: Controlled Dream Machine is an installation that creates an unconscious state of dreaming for a machine; a dreaming robot leg suspended from the ceiling where its dreams are expressed by animations projected in a layer in front of the legs. The legs are simulating the physical body of a person dreaming - the state of consciousness, while the animations are the unconscious mind in form of a dream. The legs are constantly generating symptoms from the dreams, which are depending on what unconscious area the legs are in that moment. It dreams of Sensations, Memories, Collective Unconscious, Traumas and Nightmares. Inside the legs there are scars in format of lights, that are stimulated by distributed patterns of neural activity while it dreams.

About the Author: Anaisa Franco, 1981. Artist. Since 2007 has been developing works in Medialabs and residences as Medialab Prado, Mecad, MIS, Hangar and Taipei Artist Village. Has a Master in Digital Art and technology at University of Plymouth in England and graduated in Visual Arts at FAAP in Sao Paulo. She has been exhibiting internationally around the world.

Product Details * Paperback: 88 pages * Publisher: LAP LAMBERT Academic Publishing (July 14, 2010) * Language: English * ISBN-10: 383837147X * ISBN-13: 978-3838371474 * Product Dimensions: 8.7 x 5.9 x 0.2 inches You can buy it here: http://www.amazon.com/Controlled-Dream-Machine-machine-producer/ dp/383837147X/ref=sr_1_1?ie=UTF8&s=books&qid=1281243408&sr=8-1

Catalogues Catรกlogos

Catalogue, Japan Media Arts Festival.

Project Circulatory System, 2018.

Catalogue, Mapping Residencies. Edición 2-2015.

Editors: Raquel Camara, Marta Velasco ISSN: 2340-8901

Mapping Residencies

Par t One - Networking

Anaisa Franco (1981). Lives and works as an artist. Over recent years, she has created digital art works in medialabs, residencies and commissions and has exhibited in America, Asia and Europe, including the EXIT Festival in Paris; ARCOmadrid in Madrid; Europalia in Brussels; Live Ammo at the MOCA Museum of Contemporary Art in Taipei,; TÉKHNE at the MAB (Museum of Brazilian Art) in São Paulo; Sonarmática at CCCB in Barcelona; the 5th Seoul International Media Art Biennale in Seoul; Vision Play at Medialab-Prado in Madrid; SLOW at the Plymouth Art Centre, England, and many others.

Anaisa Franco

Brazil / Spain. Residency network and program: EMAN/EMARE at Creativity and Cognition Studios (Sydney, Australia) 2014

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“Your Wave of Happiness generates an exuberant and colorful light wave when people walk on it. The work was created during an art residency at Creativity and Cognition Studios at UTS, the University of Technology in Sydney, Australia.”

I have worked with interactive sculptures and installations for 10 years. I have been travelling and living in many countries since 2007 when I was doing a Masters in Digital Art and Technology in England. I then started developing projects in art residencies and on commissions. I found it hard to be in one place because the opportunities for this kind of work are limited in each city. So I found travelling and working in many places easier because you can find more opportunities.

I was born in Brazil and you don’t see any big opportunities for technological art. Now I have plans to start a PhD. It will be a good way to go deep into my practice and to spend more time in one place.

Questionnaire - What are the main obstacles you encounter in pursuit of your profession as an artist in your country/country of residence?

Anaisa Franco: Your Wave of Happiness [Psychosomatic Series]. 2014. Interactive sculpture. © Anaisa Franco

- To what extent has your participation in an AiR program helped you in your work?

- What does networking mean for you in your profession? Do you feel you would benefit rom more networking opportunities in your field of research?

Up to now, I have participated in 12 artist-in-residence programs in countries like France, Spain, Germany, Taiwan, Brazil and Australia. All of them were very important because they helped me to develop my career, to develop new projects, to meet new people, to see the world. I highly recommend artist-in-residence programs. I was always very happy in all of them.

The opportunities are very few when you talk about interactive art. So, the solution I found was to travel around the world by participating in artist residencies programs, international exhibitions and getting commissions to develop new work. It involves going for the opportunity and not waiting for it to come to you.

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Catalogue, Excusa Argumental Exhibition Exhibition at MAC Museum of Comtemporary Art Fenosa.

La CoruĂąa, Spain.

2015

Catalogue, 13 Mostra Exhibition Exhibition at MAC Museum of Comtemporary Art Fenosa.

La CoruĂąa, Spain.

2014

Catalogue, 45 Anual de Arte FAAP, 2014 Exhibition at MAB Museum of Brazilian Art in São Paulo.

CATALOGUE ELAS FAN TECH Exhibition at Sala X in La Coruña, Spain Comissaria Anxela Carames

O Artista e a Bola Exhibition at OCA in São Paulo, Ibirapuera.

Art in Brazil Europalia Exhibition in Brussel, Belgium.

Catalogue, Desde la mimesis a la ficciรณn y viceversa. 2014 Exhibition curated by Araceli Corbo at Adora Calvo Gallery.

Catalogue, Fotograma 2013. Uruguay.

Catalogue Festival EXIT, 2013. Prensa Image.

Work Onirical Reflections. Photo by Anaisa Franco

Catalogue Festival EXIT, 2013

Catalogue Festival Saint Sauveur, Lille, 2013

- Catalogue da exhibition Paranoïa at Exit Festival em Paris, França. Curator Charles Carcopino.

CatĂĄlogo da mostra TĂŠkhne no MAB-FAAP Curadoria Denise Mattar e Christine Mello.

Catรกlogo Mostra Lab MIS Texto de Lucas Bambozzi, Jonny Gitti and Leonardo Crescenti.

Sรฃo Paulo.

Catรกlogo da exposiรงao Bopiarts em Taipei, Taiwan.

Curadoria Sean Hu.

Catรกlogo da 5th Seoul International Media Art Bienalle, Seoul, Korea.

Catรกlogo do FILE 2008

Catálogo da exposição Move Digital em A Coruña na Espanha.

Catálogo das exposições Anual de Arte. Na 34 Anual o trabalho ganhou primeiro prèmio na Universidade FAAP

Newspapers and Magazines Jornais e Revistas

Article Lugar de fala, Luana Fortes.

Select Magazine. 2018. https://www.select.art.br/lugar-de-fala/

Article Tres Mineiras na arte digital.

By Jessica Almeida. Newspaper O Tempo, 2018. https://www.otempo.com.br/diversĂŁo/magazine/ trĂŞs-mineiras-na-arte-digital-1.1580749

Article Y en pantallas nos convertiremos: primera gran presentación pública de la colección BEEP http://masdearte.com/coleccion-beep-museo-salvador-vilaseca-reus/ 2019

Article by Burjassot, Valencia, 2018.

Article by Camila Molina, EstadĂŁo. 2018.

Article by Sandy Caldon for Asian Art News 57

Article by MarĂ­a Ă lvarez for m-arteyculturavisual in Salamanca at March 2014. http://www.m-arteyculturavisual.com/2014/03/19/desde-la-mimesis-a-la-ficcion/

Article in ELPais written by Roberta Bosco and Stefano Caldana at February 10th, 2014. http://blogs.elpais.com/arte-en-la-edad-silicio/2014/02/una-colecciรณn-de-arteelectronico-en-el-despacho.html

Article by Marie-Laure Desjardins at 13/12/2013. http://www.artshebdomedias.com/article/131213-anaisa-franco-paris-miroir-miroir?page=1

Article by Marcos Sanchez for DEUTSCHE WELLE in Berlin at 02/07/2013. http://www.dw.de/artista-brasileira-mistura-sonhos-e-tecnologia-em-obra-realizada-em-berlim/a-16917635

Article in ELPais written by Roberta Bosco and Stefano Caldana at February 17th, 2012. http://blogs.elpais.com/arte-en-la-edad-silicio/2012/02/conexion-arco-2012-laquiebra-de-la-identidad.html

Interview for Creators Project http://www.thecreatorsproject.com/creators/ana%C3%ADsa-franco

Entrevista para Bicofino http://www.bicofino.com.br/bicofino.aspx?id_objeto_pai=35

Convite da Exposição “ThroughOut Breathing“na Galeria Adora Calvo

ABC CyL / ARTE Tecnología orgánica JUAN ALBARRÁN Día 05/06/2011 - 22.11h Las experimentaciones con elementos tecnológicos —máquinas, robots, redes de comunicaciones, etc.—en el ámbito de las prácticas artísticas tienen una historia relativamente larga y bien conocida que se remonta a las primeras vanguardias, al menos si consideramos la capacidad de estos trabajos para influir en los relatos y discursos artísticos más allá de investigaciones puntuales. La proyección de este tipo de obras parece haber cobrado un impulso considerable en las últimas décadas debido, en parte, a la democratización —léase accesibilidad e, incluso, banalización— de los elementos necesarios para su materialización —ordenadores, dispositivos robóticos, teorías de las TIC—, pero también como consecuencia de esa tecnofilia acrítica tan extendida en las sociedades occidentales.

El trabajo que viene realizando Anaisa Franco (Brasil, 1981) desde hace ya algunos años se asienta sobre un eje de coordenadas que parte de la experimentación tecnológica con interfaces robóticas sensibles a la presencia de los espectadores —actores necesarios en sus instalaciones—, proponiendo a su vez una reflexión acerca del eterno diálogo naturaleza/cultura. Diálogo que, en la exposición que Anaisa Franco presenta en la Galería Adora Calvo de Salamanca, se concreta en una digresión instalativa sobre la organicidad de lo tecnológico y la deriva tecnológica de lo orgánico. El elemento central de ThroughOut Breathing lo constituye una especie de estructura lumínica colgada del techo que envuelve un núcleo incandescente, una suerte de caja torácica tecnológica que protege un corazón/pulmón levitante, y que aparece a su vez recubierta por una membrana plástica que se infla y desinfla con la interacción del público produciendo un penetrante sonido distorsionado. Esta «escultura» sensible —la misma artista emplea el término «escultura» al referirse a sus trabajos— es modificada con la acción del espectador que habla o respira a través de un micrófono customizado situado junto a esta pleura traslúcida, crisálida artificial que por momentos parece a punto de estallar. Si bien es cierto que la factura del dispositivo no resulta ni tan elegantemente tecnológica ni lo suficientemente «orgánica» —su sonido puede recordar a un aspirador doméstico y su aspecto se acerca peligrosamente al de una lámpara de diseño—, éste acaba siendo muy eficaz en los planos fenomenológico y conceptual.

Por una parte, la escultura consigue producir una amplificación del espacio a través de la experiencia sensorial del espectador cuya respiración «resucita» ese pulmón, inerte antes de su llegada. Amplificación del espacio interior de nuestro cuerpo, potenciación de sus capacidades perceptivas a través de la técnica y expansión escultórica —sonora y lumínica— de la obra. Al mismo tiempo, ésta produce un choque intelectual al invitarnos a pensar acerca de este órgano sin cuerpo —como perversa inversión del cuerpo sin órganos de Artaud/Deleuze—, colgado

ante nosotros, fragmento de vida tecnológica que se activa ante nuestros estímulos interiores y que, de algún modo, visibiliza el estado —presente o futuro— de nuestro propio interior, le da la vuelta a nuestra piel, desgarra nuestro pecho para arrancarnos un pedazo de vida y dejarlo suspendido ante nuestros ojos.

La exposición de esta brasileña, que pese a su juventud lleva casi una década trabajando en el territorio de las nuevas tecnologías desarrollando interesantes proyectos centrados en estas mismas cuestiones —Connected Memories, (2008), Paranoia (2010) o Alienated Routine (2010)—, se completa con una serie de dibujos iluminados sobre telas colgadas y pulmones textiles que también respiran con una cadencia programada. Dibujos low tech, por tanto, de una factura surrealista y pseudoinfantil, con paisajes marítimos y celestes poblados por seres que vuelan, miembros separados de sus cuerpos y otras figuras inquietantes que potencian la sensación de extrañamiento de la escultura central. El sublime encanto de la técnica, de lo que dentro de muy poco se convertirá en cacharrería tecnológica digna de alimentar los fondos de un museo etnográfico, otorga un interés añadido —derivado en gran medida de su efímera novedad— a este tipo de trabajos que, en último término, continúan dándole vueltas a las mismas cuestiones de siempre, partiendo, eso sí, de una investigación rigurosa sobre la tecnología y su influencia en nuestras vidas.

EL PAIS , 25 de Fevereiro, 2011. Madrid. Artigo de Roberta Bosco

EL PAIS, Espanha. 12 de Maio, 2011. Artigo de Roberta Bosco

ESTADÃO Passeio pela história da arte e da tecnologia Tékhne, na Faap, reúne criações brasileiras de décadas 02 de novembro de 2010 | 0h 00 Camila Molina - O Estado de S.Paulo Em grego, Tékhne quer dizer arte e destreza, mas como título da exposição que está em cartaz na Faap, a palavra remete ainda à vertente de criação artística que se vale da tecnologia, seja a de décadas remotas - e por isso, obsoletas -, ou a de hoje, em obras de artistas novatos e consagrados. Foi esse o viés que a curadora Denise Mattar escolheu refletir quando convidada a realizar uma mostra comemorativa dos 50 anos do Museu de Arte Brasileira (MAB) da Fundação Armando Álvares Penteado - desde a década de 1960, a instituição recebe ou promove eventos do segmento do que poderia ser considerada arte tecnológica.

Sendo assim, Tékhne tem um percurso cronológico, começando pelo ano de 1964, quando ocorreu na mesma Faap a mostra A Instabilidade, do Grupo de Pesquisa de Arte Visual, em que o destaque era a peça Lumière en Mouvement, do argentino Julio Le Parc. Depois, o espectador é levado a descobrir ou rememorar a famosa exposição Arteônica, de 1971, concebida pelo artista Waldemar Cordeiro (1925-1973). “A primeira exposição de arte e tecnologia que foi um marco mundial ocorreu em 1969 nos EUA e dois anos depois já existiu essa de Cordeiro na Faap em que participaram 104 artistas”, conta Denise Mattar, que levou um ano e meio em pesquisas e ainda convidou a curadora Christine Mello para ajudá-la na concepção da exposição.

Efervescência. As décadas de 1970 e 80 foram especiais na história da Faap, tanto pela presença de professores como Júlio Plaza (1938-2003), Regina Silveira e Walter Zanini, que promoveu uma ligação direta da instituição com a Bienal de São Paulo (foi curador das edições do evento de 1981 e 1983 e ainda diretor do MAC-USP).

Esse momento está representado por resgates interessantes, como a reconstituição da mostra O Objeto na Arte - Brasil Anos 60, de 1978, organizada por Daisy Peccinini. “Todas as obras criadas pelas chamadas novas mídias eram encaixadas nos salões na categoria “objeto” e essa exposição tratava dessa questão”, afirma Denise. A tecnologia ainda é incipiente, mas as curadoras reuniram interessante seção de videoarte com obras de Anna Bella Geiger e Analivia Cordeiro , entre outros. Destaque ainda, no núcleo histórico, para as holografias de Moysés Baumstein (1931-1991).

Contemporâneos. Por fim, a mostra adentra nas mais recentes criações em que o destaque é a instalação Pedra-Luz, da veterana Amélia Toledo, de 82 anos. Em um colchão redondo em que são projetadas imagens de pedras, o espectador se deita, se cobre e se vê, por meio de espelho no teto, em meio a uma cena surreal e terna. O núcleo ainda apresenta obras de Ana Maria Tavares, Luiz Duva, Rejane Cantoni e Leonardo Crescenti, chegando ao trabalho Expanded Eye, escultura interativa em nossos olhos se multiplicam, peça criada pela mais jovem artista da mostra, Anaisa Franco, de 29 anos.

ISTOÉ Tempo instável Exposição conta a história das relações entre arte e técnica no Brasil e situa a instabilidade como qualidade comum entre arte digital e interativa Paula Alzugaray Téckne/ Museu de Arte Brasileira – Faap, SP/ até 12/12

MUNDO CODIFICADO Obras de Anaisa Franco (acima) e Waldemar Cordeiro (abaixo) propõem novos modelos de retratos Quando Julio Le Parc deixou as tintas para trabalhar fundamentalmente com a luz, o movimento e a participação do público, ele tinha uma preocupação em mente: a instabilidade da vida cotidiana. Membro do grupo de artistas sul-americanos que se estabeleceu em Paris na década de 1950 e desempenhou papel importante no lançamento da arte cinética na Europa, Le Parc esteve em São Paulo para a montagem da mostra “Téckne”. “Chamam minha obra de cinética, mas as definições limitam a obra de arte. A técnica nunca foi meu motor. A tecnologia que uso sempre foi muito elementar. Minha preocupação era criar uma obra instável e para isso fui buscar a luz”, diz o artista.

O duplo mérito dessa curadoria compartilhada entre Denise Mattar e Christine Mello é, por um lado, realizar um trabalho arqueológico, arquivístico e histórico – ela revisita as cinco principais mostras de arte e tecnologia realizadas pelo MAB-Faap entre 1964 e 1986 –, mas também atualizar as questões do passado em um significativo conjunto de obras contemporâneas. Trata-se, portanto, de seis mostras em uma.

“Lumière en Mouvement”, concebida por Le Parc em 1964 para a mostra “A Instabilidade”, funciona como um farol ou fio condutor da exposição. Remontada sob formas diversas nas últimas décadas, a instalação é a mais pura expressão do conceito da primeira mostra revisitada. A segunda a ser lembrada, “Arteônica”, de 1971, teve curadoria de Waldemar Cordeiro e é considerada uma das primeiras exposições de arte computacional de São Paulo. Logo vem “O Objeto na Arte – Brasil Anos 60”, de 1978. “A assimilação do objeto como nova categoria artística sinalizou uma abertura de caminho para as novas mídias que começaram a surgir”, explica Denise.

Essas novas mídias são o carimbo, o xerox, a arte postal e o vídeo, contemplados na mostra “Arte Novos Meios – Multimeios: Brasil 70/80”, de 1985, que empreendeu um primeiro esforço de historiografar a videoarte brasileira, apresentando desde o antológico vídeo “Passagens”, de Annabella Geiger, ao raro “Olinda”, de Regina Vater e Paulo Bruscky.

NOVA ÓTICA Luzes em movimento, na obra de Le Parc A segunda metade da mostra é formada por um expressivo núcleo contemporâneo, com obras de artistas como Ana Maria Tavares, Anaisa Franco, Lucas Bambozzi e a dupla Rejane Cantoni e Leonardo Crescenti. Seus trabalhos efetivamente se enquadram no grande conceito regente da mostra, criando situações tão instáveis, desconcertantes e radicais quanto uma tempestade meteorológica provocada por ondas sonoras, caso de “Tormenta Azul Brilhante”, de Luis Duva, e a desconstrução do eixo histórico e arquitetônico de Brasília, no vídeo “Eixo X”, de Alexandre Rangel e Rodrigo Paglieri.

El Diario Montanes Cuatrocientas miradas en nombre de Artesantander 16.07.10 - 00:25 Programa general Adora Calvo, Salamanca. Anaisa Franco, Beth Moyses, Concha Jerez, David Escanilla, Diego del Pozo, Jesús Portal, José Luis Pinto, Mitsuo Miura, Paloma Pájaro, Rafa Macarrón, Sol Martínez, Suso33.

Alonso Vidal, Barcelona. Gabriel Brau, Helle Jetzig, Leo Wellmar. Pep Carrió, Rafa de Corral, Sara Huete.

Ana Vilaseco, A Coruña. . Ana Soler, Antonio Murado, Rebeca Menéndez. Ángeles Baños, Badajoz. Andrés Pachón, Daniel Martin Corona. Mutiu, Simons Barns.

Cànem, Castellón. Antoni Marqués, Deva Sand, Geles Mit, Joel Mestre, Jordi Abelló, Juan Cruz Plaza, Lluís Vives, Mar Arza, Miquel Gozalbo.

Coll Blanc, Castellón. Carles Santos, Juan Orti, Julia Galán, Mar Vicente. Pepe Beas, Ramón Roig, Toño Camuñas, Wences Rambla.

Concha Pedrosa, Sevilla. Alba Navas, Dani Ensesa, Francisco Reina, Hâkan Dahlström, Humberto del Río, José Manuel Pérez Tapias, Juan José Fuentes, Magdalena Bachiller, Pedro Simón, Ricardo Castillo.

Del Sol St. Art Gallery, Santander. Álvaro González, Ángel Colina, Bubi Canal, Javier Lamela, Javier Pulido, Jorge Cembranos, Jorge Rojo, José Luis Vicario. José Rosario Godoy, Juan Ramón Calleja, Paloma Álvarez de Lara, Patrizia Trueba, Sergio Sáez.

Espacio Líquido, Gijón. Chechu Álava, Gerardo Custance, PSJM. Rebeca Menéndez.

Espacio Mínimo, Madrid. Antonio Montalvo, Bene Bergado, Enrique Marty, Erwin Olaf, Gamaliel Rodríguez. Liliana Porter, Manu Muniategiandikoetxea, Miguel Ángel Gaüeca, Neil Farber & Michael Dumontier, Nono Bandera, Norbert Bisky, Philip Jones, Santiago Alcocer, Susan Collis.

Espiral, Meruelo Ana Álvarez Ribalaygua, Domingo Sarrey. Eduardo Vega de Seoane, Joaquín Martínez Cano, Monika Grygier, Nacho Angulo, Rax Rinnekangas, Willy Ramos.

Guillermina Caicoya, Oviedo. Adolfo Manzano, Amador, Carlos Coronas, Ignacio Martínez. Laramascoto, Maite Centol, María Álvarez, María Cueto, Pablo de Lillo, Pablo Maojo, Paco Fernández.

José Robles, Madrid. Carlos Sanva. Javier Fresneda, Tamara Arroyo.

Juan Silió, Santander. Carlos Irijalba, Cuca Nelles, Francisco Suárez, Imanol Marrodán, Michael Najjar, Nuno NunesFerreira, Ricardo Cavada. Roberto Ruiz Ortega, Toño Mesones.

La Caja Negra, Madrid. Bruce Nauman, Jan Hendrix, John Beech, Jordi Teixidor. Luis Gordillo, Nico Munuera, Pejac, Richard Serra, Robert Rauschenberg.

María Llanos, Cáceres. Alain Urrutia, Ali Hanoon, José María Mellado, José Piñar, Juan Olivares. Maria Acuyo, Sae Apa-

Catálogo ArteSantander

FOLHA DE SÃO PAULO MIS mostra imagens geradas em laboratório por Silas Martí, Folha de S. Paulo Matéria de Silas Martí originalmente publicada na Ilustrada do jornal Folha de S. Paulo em 18 de novembro de 2009.

Artistas que trabalharam em projeto do museu tentam criar novos espaços visuais e sonoros a partir da tecnologia Estão na exposição Anaisa Franco, Cláudio Bueno, Paulo Meira, Caetano Dias, Guilherme Lunhani e Felipe Sztutman e Rodrigo Bellotto Numa sala escura, três projetores lançam imagens contra um cilindro cheio de fumaça.

Anaisa Franco dá uma volta em torno de sua obra, procurando enxergar cada estilhaço de luz. "É uma escultura imaterial", diz ela. "A luz vira matéria."

E também tenta definir espaços nas obras dos outros residentes do Museu da Imagem e do Som. Nesta primeira mostra do grupo de artistas que trabalhou no laboratório do MIS, fica clara a tentativa, fracassada ou não, de criar novas dimensões a partir da tecnologia.

Franco fala em "extrusão da imagem". No dicionário, extrusão quer dizer a passagem de metal ou plástico por um orifício para chegar a uma nova forma. Não difere muito do que fazem esses artistas, tentando enfiar, pela goela das novas mídias, imagens antes restritas a plataformas convencionais.

No cilindro de fumaça, extrusão que deu certo, a imagem de uma garota andando pela cidade se transforma numa constelação de pontos luminosos, de uma energia raivosa. Desafia a perspectiva comum e transforma a metrópole numa caixinha de música a mil por hora -farpas de uma noite mal dormida.

Caetano Dias vai na mesma direção e projeta a imagem de um homem num mar revolto sobre um chumaço de algodão.

Tenta opor a tempestade já em curso à sua forma latente, sobrepondo nuvem e aguaceiro.

Dividindo um único filme em duas telas, Paulo Meira alterna dois momentos de percepção, tentando criar uma terceira margem para uma história que já existia num só plano visual.

Na linha interativa, Rodrigo Bellotto e Felipe Sztutman constroem uma caixa preta.

Um corredor em caracol leva a um pequeno espaço lá dentro, cheio de "estímulos sensoriais".

Evocam a arte participativa, dizendo que é uma obra centrada no espectador, nas "narrativas sinestésicas" que ele for capaz de construir.

Do mesmo jeito que os balões de Cláudio Bueno, acionados por celular, estouram e despejam purpurina roxa no espaço do museu. Cada visitante manda um desejo à obra, que responde com a pequena explosão, não importa qual o desejo. Fica o chão todo brilhante e a sensação de que falta alguma coisa.

Está aberto agora, e vai até 25 de novembro, o edital para selecionar os próximos artistas que vão integrar o programa de residência do Museu da Imagem e do Som. Cada artista tem três meses para desenvolver suas obras no LabMIS, o laboratório do museu, e recebe uma bolsa de R$ 2.000 por mês durante a residência, além de ajuda de custo para produzir seus trabalhos.

ESTADO DE SAO PAULO domingo, 22 de novembro de 2009 15:25

Nova geração de velhos conhecidos

Curadora vê, no Brasil, ‘vertente tecnofágica’, que mescla dispositivos de alta tecnologia a objetos cotidianos por Camila Molina e Marina Vaz O casamento entre arte e tecnologia não é recente. Nas décadas de 1960 e 1970, o vídeo ganhava espaço nas experimentações artísticas e era considerado uma “nova mídia”. Hoje, com o acelerado avanço tecnológico, parece não existir barreira para os artistas: muitas outras novas mídias surgiram e áreas como a robótica e a engenharia eletrônica foram incorporadas por vários criadores.

Neste ano, o Museu da Imagem e do Som (MIS) de São Paulo inaugurou seu programa de residência voltado às mídias digitais. No LabMIS, foram desenvolvidos desde janeiro quatro projetos de jovens artistas brasileiros selecionados no primeiro edital da instituição. “A residência é fundamental porque existem pouquíssimos espaços no Brasil para a experimentação”, diz a artista Rejane Cantoni, uma das orientadoras dos projetos do LabMIS. “E o principal da residência não é o resultado final, mas o processo.”

O MIS é um das poucas instituições que incentivam a produção de arte tecnológica no País, ao lado do Itaú Cultural, com seu programa Rumos Arte e Tecnologia – Arte Cibernética, e do Prêmio Sergio Motta de Arte e Tecnologia.

“O maior problema dos artistas que trabalham a arte e mídia não é apenas o fomento, mas a falta de mecanismos de circulação de suas produções”, diz Giselle Beiguelman, artista digital, professora da pós-graduação em Comunicação e Semiótica da PUC-SP e curadora do Prêmio Sergio Motta.

Alguns eventos como o Festival Internacional de Linguagem Eletrônica (File), realizado em São Paulo e no Rio, e o Festival de Arte Digital (Fad), de Belo Horizonte, também contribuem para movimentar o circuito. Entretanto, para Giselle, há um despreparo das instituições em relação a esse setor. “Novos formatos expositivos, museológicos e mercadológicos devem ser pensados”, afirma.

TECNOFAGIA A edição deste ano do Prêmio Sergio Motta (leia mais abaixo) constatou que era preciso aumentar a categoria Início de Carreira por conta do aumento do número de inscrições de jovens interessados em criar obras no campo da tecnologia. Pela análise dos portfólios recebidos, Giselle Beiguelman identificou uma atual “vertente tecnofágica” nas obras dos artistas brasileiros. “Há uma estética hoje que mistura dispositivos high e low tech, um hibridismo de tradição e inovação e releituras do cotidiano”, afirmou a curadora na abertura do Fórum Internacional A&T – Perspectivas Críticas, no Centro Brasileiro Britânico, em São Paulo.

A mais recente criação do artista Claudio Bueno (leia mais na pág. L9), Estrelas Cadentes, é um exemplo de “tecnofagia” e de releituras do cotidiano. “Para meu trabalho, eu uso a bateria de um celular, que é um elemento muito pouco notado; nós não percebemos que carregamos energia no bolso”, explica.

Entretanto, o uso da tecnologia por si só não faz de uma criação uma obra de arte. No caso do

Anaisa Franco - Suporte de especialistas é importante para os projetos Desde seu primeiro projeto, quando estudava Artes Plásticas na Faap, Anaisa Franco mescla os conceitos de animação e escultura. Essa é a base do trabalho que fez durante a residência no LabMIS. Realidade Suspensa é uma escultura virtual formada por um tubo de acrílico transparente (com fumaça dentro), três projetores e um home theater. Para reproduzir três vídeos de forma sincronizada ela usou uma placa TripleHeadToGo. A criação da animação incluiu filmagens aéreas e em estúdio. “O LabMIS tem computadores muitos bons para edição de vídeo e, no estúdio, que é enorme, gravamos sons corporais, como de respiração”, conta. Em seus projetos, ela sempre conta com a colaboração de especialistas, como engenheiros eletrônicos. “Para esse tipo de trabalho são necessários conhecimentos extras”, explica. Apesar do pouco tempo de carreira, Anaisa já participou de exposições em diversos países, como Coreia do Sul, Espanha e Inglaterra. “Lá fora se desenvolvem muito mais projetos por conta própria”, diz. “Acho que a criação do LabMIS é uma forma de fazer que a produção aqui cresça”, avalia. Em dezembro, ela vai para Taiwan e, em 2010, para Barcelona.

artista Carlos Fadon Vicente, mestre pela The School of the Art Institute of Chicago, a tecnologia é apenas um dos elementos usados em trabalhos que mesclam fotografia e computação gráfica. “Um dos eixos centrais de minha obra é compor representações feitas a partir do mundo real e do mundo virtual”, diz.

CONHEÇA OS PROJETOS DO LABMIS

Camila Molina - O Estadao de S.Paulo O Museu da Imagem e do Som (MIS) inaugura amanhã mostra com as obras criadas pelos artistas contemplados pelo edital de residências artísticas do LabMIS, primeiro laboratório público de mídias digitais do País, como diz a diretora da instituição, Daniela Bousso. Para a 1ª edição do programa, foram selecionados projetos de Anaisa Franco, Claudio Bueno, Guilherme Lunhani e da dupla Felipe Sztutman e Rodrigo Bellotto, que durante o ano produziram trabalhos usando a estrutura da instituição. O museu ainda comissionou a realização de obras de três artistas convidados em 2008, Caetano Dias, Alexandre Fenerich e Paulo Meira.

Todas as obras, resultado dessa experiência, integram a mostra.

"Cada residente recebeu R$ 20 mil para desenvolver, por três meses, o protótipo de seu trabalho e um relatório", diz Daniela.

Os participantes puderam utilizar durante o ano, no segundo andar do museu, sala com computadores e equipamentos, estúdio de música, ilha de edição, ateliê de interfaces (para soldas, pintura, etc.) e os pequenos auditório e foyer para testes de suas obras. Apesar de os trabalhos terem sido comissionados pela instituição, Daniela afirma que depende do Conselho de Orientação Artística da Organização Social MIS-Paço das Artes a aprovação pela aquisição das obras - caso não, pertencem aos próprios artistas, ela diz. O MIS já lançou o edital de 2010.

Anaisa Franco apresenta Realidade Suspensa. No interior de um cilindro de acrílico mesclam-se fumaça e a projeção de vídeos (imagens de uma figura feminina por ora em espaço negro, por outra, sobre a metrópole, e ainda projeções de luz), formando o que ela define como "escultura imaterial" - a obra é acrescida de áudio. "A fumaça simboliza uma nuvem trazida do céu e os vídeos projetados sobre ela fazem a suspensão da realidade", afirma a artista, que ainda diz tratar da "busca dos ideais inatingíveis" com seu trabalho.

Já Claudio Bueno exibe Estrelas Cadentes, instalação composta por balões suspensos, carregados de pó cintilante. O artista incita que o público envie, por mensagem de celular, desejos escritos. A ação faz acionar mecanismo de estouro dos balões que, "como estrelas cadentes, desaparecem deixando apenas rastros de cor para formar um chão de desejos compartilhados".

Guilherme Lunhani, músico em formação na Unicamp, também criou obra interativa, Objeto - Partículas Sonoras. Seu conceito básico, segundo ele, é o de que o público "controle o som no espaço", numa ação de fonte virtual. A experiência sensorial e sinestésicas ainda é a raiz do trabalho Objeto em Forma de: Espaço, da dupla Felipe Sztutman e Rodrigo Bellotto. Eles conceberam um espaço negro imersivo, no qual o visitante pode "compor uma narrativa resultante da soma de suas sensações imediatas com suas memórias desencadeadas".

Serviço Mostra LabMIS. MIS. Avenida Europa, 158, Jd. Europa, telefone 2117-4777. 12h/19h (dom., 11h/18 h; fecha 2.ª). R$ 4 (dom., grátis). Até 3/1. Abertura aman-

SILAS MARTÍ da Folha de S.Paulo Está mais elástico, e mais cheio de pixels, o cubo branco. Na esteira do crescimento do mercado de arte, que viu galerias brasileiras ganharem peso internacional, galeristas põem obras à venda na internet.

Divulgação Obra "Two Drinks and One Gal", de Fernanda Guedas, está à venda no site da Galeria Magenta Obra "Two Drinks and One Gal", de Fernanda Guedas, está à venda em galeria virtual Focados em nichos diferentes de mercado, sites como o Invest.art e a Galeria Magenta estão no ar há cerca de dois meses. Juntos, vendem obras originais de mais de 20 artistas e planejam ampliar esse quadro.

Antecipando a concorrência, galerias tradicionais aumentam a presença no mercado on-line. As paulistanas Casa Triângulo e Nara Roesler, por exemplo, estudam abrir um braço de vendas dentro de mercados virtuais como o Submarino. Outras, como a Virgílio e a carioca Novembro Arte Contemporânea, já estão até no Facebook.

Outro braço do mercado também já está on-line: o site InArts cuida do licenciamento de imagens de obras para publicação em livros e catálogos.

"Recebo e-mails todo dia de gente querendo entrar para a galeria", diz Tato DiLascio, dono do Invest.art, que representa artistas como Anaisa Franco (imagem capa Expanded Eye) e Marcela Tiboni, com obras de R$ 230 a R$ 60 mil. "A internet é mais uma possibilidade."

No ar, mas ainda longe de "bombar", a Galeria Magenta se concentra na produção de jovens ilustradores, com preços mais modestos, de R$ 9 a R$ 6.000. "Não existia mercado específico para isso", diz Fernanda Guedes, da Magenta.

"Galeria de arte não é o lugar mais acolhedor do mundo, tem toda uma aura de sofisticação em que as pessoas muitas vezes não se sentem bem", diz Guedes. "Criar esse ambiente talvez tire esse ranço do exclusivo. Na internet, o cliente pode olhar, observar sem pressão."

Sem pressão nem precisão. Se ficou mais fácil digitar o número do cartão de crédito e esperar a obra chegar pelo correio, pode ser bem mais difícil analisar um trabalho original pela tela do computador.

"Tem um tipo de obra que o colecionador precisa tatear, vivenciar em pessoa para decidir se vai comprar ou não", opina a galerista Luciana Brito.

"Seria bom talvez para algumas obras mais baratas ou múltiplos."

Eduardo Leme, da galeria Leme, também prefere o mundo real. "Não sou simpático à ideia", diz. "Tem uma negociação muito mais ampla do que só chegar e apertar o "enter"."

Também tem a ver com descer do pedestal. Arte não se mistura fácil à oferta de passagens aéreas, DVDs, livros e outros itens recorrentes nos carrinhos de compra virtuais. "A gente tem arte em outro patamar", diz Ricardo Trevisan, da Casa Triângulo. "Você não entra na internet para comprar um refrigerador e uma obra de arte. O virtual é virtual, mas a gente está trabalhando na real."

"Surpresa bacana" Real ou virtual pouco importam para a galerista Luisa Strina, uma das primeiras a oferecer obras de seus artistas pelo site norte-americano Artnet.

"Fora do Brasil, tem regras: a pessoa paga, a gente manda a obra de arte",

MatĂŠria sobre Arte Digital na revista francesa “Amusementâ€?.

Entrevista com a artista.

Matéria em Jornal “O Tempo”. Connected Memories no FAD em Belo Horizonte.

Revista Época em São Paulo.

Artigo escrito por Gilles Askham para o site de novas midias Futherfield.org

Foto na Capa da Folha de São Paulo e no Guia da Folha. Exposição FILE 2008.

Jornal El Mundo em Madri, Espanha.

Jornal El Pais em Madri, Espanha. Imagem Expanded Eye

MatĂŠria no Jornal Correio da Bahia. Controlled Dream Machine no Dorkbot Salvador

Matéria na Folha de São Paulo, Spirrrobot no FILE.

Matéria e entrevista na NY ARTS MAGAZINE . Spiderrrobot no FILE.

Aside from the "local exhibition" there were stimuli and incentives to explore everywhere?artists and curators played with new dimensions and frequencies; visual, sensorial and resonant. The visitor could check the work of 73 Djs/Vjs and several groups of artists/performers by the sound of electronic and experimental music. While Djs and Vjs made their performances in and around the "halls" of the entrance (1� and 2� floors), the artists made their performances and exposed their works in the underground docks (tunnels) of the magnificent construction.

When walking among the congested tunnels of the underground, the visitor could expereince the work of the Brazilian artist, Anaisa Franco, who took advantage of the architecture of the old historical space to expose her spider robot, Ssspiderrr. (www. ssspiderrr.com.br). An artificial creature of six paws, controlled by a connected interface to a surreal virtual 3D world; where chairs with legs walks and runs, helicopters flies over the infinite, screens with movement, robots died, missiles, oil tankers and biological virus live together in her habitat waiting of her deglutition. While the robot spider is moved in the physical world, inside of her space-dock in the house of the tunnels, her avatar "hand-spider," walks in her own virtual world?a result of the dreams that came from of the artist's unconscious while she sleeps.

The arachnid robot can still be tele-controlled, through the web, where the participant, at the distance, using webcams, can observe it in her own habitat, in the artist's residence. After a visit to the house of the spider robot, the 23 year-old artist, Anaisa Franco, spoke with NYArts Magazine: Roberta Alvarenga: How was the experience of launching a project at FILE Hipers�nica?

Anaisa Franco: The last version of FILE Hypers�nica was great! It is impressive to see Ricardo Barreto and Paula Perissinoto developing and producing the FILE festival by themselves, to make a vanguard electronic art festival happen in a country as Brazil, where there are more barriers than supports.

RA: What did you think about the public's feedback?

AF: I Thought the public demonstrated a certain distance at the moment of interacting. They preferred to watch. Maybe that was because the interactive performance of spider robot was located in an underground tunnel: It was dark and dirty, and the technology (robotics, virtual reality and interface-carpet for interaction) totally filled out the space. I noticed that the people were satisfied by just watching instead of playing or interacting. I thought the contrast scared them.

RA: Why a spider?

AF: It is not a simple spider. It is an analogy to the futures genetically modified beings, it?s a mixed being of spider plus human hand. I use the spider in the project as a symbolic, aesthetic and historical referent. The female spider kills the male soon after the sexual intercourse. She builds her own web, she looks for her own food and she is bigger of size in relation to males in the spider species. We lived in an extremely masculine and futile world; the spider represents the woman at the peak of her power, an individual of independence, autonomy.

Now, I don't think the women should kill their husbands after intercourse. But I struggle so that one day, women can be respected and recognized. And women do have the power to assert themselves and their rights: not faking orgasms, denouncing sexual abuses, rapes, not inflicting violence on others. Women do not need men in order to feel protected and validated.

RA: How do you feel being one of the few female artists working with robotics?such masculine area?

........ FILE dedicated part of the programming to honor the "multimedia artist," director/actor/performer/professor/researcher Renato Cohen, who died in 2003. Like many of my age, I didn't know him personally, I just heard, read and saw (documentations) about his work. Artists and friends, (artist-friends) creaed an homage to Cohen, so that the present public could remember his performances, happenings and multimedia shows. The homage to Cohen was presented in performative format (of course!) was unforgettable (like him).

As a synthesis of the central idea of the festival, the "local exhibition" was filled with works that varied from desktop displays to installations to high tech objects. Some highlights included Code Up, by Gisele Bieguelman (Brazil) and Pre Hysterical Machine (2002), by Bill Vorn (Canada).

The Brazilian artist, professor and theorist, Gisele Bieguelman developed a project that questions the code (specialty) of a digital image as media. The piece was created in dialogue with the Michelangelo Antonioni's famous film, Blow-up, 1966, in which an "accidental" photographer registers a crime that happened a few meters of distance from his lens; the investigation that ensues is concluded through the use of his photographic recordings. In Code-Up, Bieguelman, explores the limits of the digital picture by artfully playing on the algorithmic calculations of the code. In the exhibition, the visitor could interact with her work, taking pictures by him/her self through a cellular-camera. This device was also responsible for sending and revealing the image on a desktop installed at the front of the exhibition. What did the visitor see? Certainly a picture, but not a simple visual documentation. Or perhaps a much simpler one: altitude levels, mathematically made by calculations and only proportionate for the media, the digital code. (http://www.desvirtual.com) To understand the potency of Bill Vorn?s Pre Hysterical Machine you must imagine a robot-creature with a spherical body of eight arms made of aluminum pipes. Now imagine a dark room, in which the lonely, suspended machine in the roof can demonstrate life signs (artificial) when feeling the presence and human warmth. When working their cylinders, pneumatic valves and lamps, in way to demonstrate an aberrant behavior, the "hysterical machine" scared the Brazilian public by moving its long arms. (www.billvorn.com)

AF: In most of the professions we see that the masculine sex dominates. However in Brazil, we have a small emerging group of women artists that works in with the interface of art, science and technology, like Daniela Kutschat, Rejane Cantoni, L�cia Santaella, Diana Domingues, T?nia Fraga, Suzete Venturelli, and others. Women's acceptance in the world of art, inside of museums and institutions it is extremely recent. I thank a lot the feminist art of the 70s for opening a space for us. But activists groups continue, and must continue, "fighting for us!"

In relation to the acceptance in the robotics area, it was very difficult to find subsidies to develop a robot. I sought laboratories to guide me in the development, and I just found people laughing in my face. Then I met programmer Norberto Tsoulefski in a forum about virtual reality?he helped me develop the robot (finally!) at my house. I like to exercise myself in areas where the women are not well accepted. It is a personal way to help revert that situation!

RA: If you had the necessary money, materials and facilities, what would you make or build?

AF: First of all, I would be completely devoted to research?I would be a crazy and disheveled scientist. I would build a counter that would be my laboratory. I would hire a team of scientists, biologists, engineers, all revolutionary minds. Create a biological species of robots. The central idea would be to produce beings that were self-programmed, self-developed, self-reproducing, beings that lack patterns and rules to control them. I would also like to "mix" a spider with a human hand, to produce a "spiderhand" or create a chair or table with organic legs. The objects could have own life. I would build an alive house, where all inanimate things would be alive and genetically modified. In this new world new forms of life could evolve. http://www.nyartsmagazine.com/index.php?option=com_content&task=view&id=2038&Itemid=697