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Top 10 de las mejores bandas de Rock de la Historia M
uchos lo han intentado, pocos han sido los elegidos. Algunos cuentan con grandes voces, grandes interpretaciones, maravillosas estrategias de publicidad y aun así no son dignos del reconocimiento mundial. Como dicen por ahí, el rock es más que un género musical, es una actitud ante la vida, la triada perfecta entre el sexo y la música… y por ello, son pocos los que pueden ser nombrados verdaderas bandas de rock. Ser la mejor agrupación de todos los tiempos los llevó a la destrucción de sus vidas, algunos murieron en la cima de la gloria, otros aniquilaron su amistad con el resto de los integrantes: vidas matizadas al tenor de las drogas, el sexo y un gran cúmulo de seguidores, que los idolatran como los únicos dioses que existen. Algunos de ellos siguen rockeando, aún en sus 70 años de edad, otros 10) Kiss: Formada en 1973 en la ciudad de Nueva York, por el bajista Genne Simmons y el guitarrista Paul Stanley, luego llegaron Peter Chris en la batería y Ace Frehley en la segunda guitarra. Cubiertos con maquillaje, acostumbraron a sus fanáticos a extravagantes espectáculos rodeados de fuegos artificiales. El 10
9) Guns and Roses: Han vendido más de 120 millones de álbumes en el mundo. Solo su disco Appetite for Destructionde 1987, el más exitoso del grupo, alcanzó el número uno en la lista de Billboard como el más vendido de ese año. Tienen seis álbumes de estudio, tres LP, uno en vivo y uno de recopilación. Años de pleitos destruyeron al grupo fundado por Axl Rose.
8) Metallica: Creada en 1981 por Lars Ulrich y James Hetfield, pues Dave Mustaine y el bajista Cliff Burton no estaban en la alineación original. Nueve discos de estudio, con ventas que rondan los 100 millones de álbumes, se debaten entre el rock clásico y el trash metal. 7) The Doors: Liderados por un miembro que dejó la música muy pronto para convertirse en parte del Club de los 27, Jim Morrison, quien sucumbió ante una fuerte adicción a las drogas en 1971, año en que la banda se disolvió, pero no así su éxito. Con más de 100 millones de álbumes vendidos en todo el mundo, la agrupación fue la primera en obtener ocho discos de oro al hilo. En 1993 entraron al Rock and Roll al Hall.
6) Led Zeppelin: El dios de la guitarra, Jimmy Page, fundó la banda en 1968, junto a John Paul Jones en el bajo y el teclado, en las vocales a Robert Plant y a John Bonham en la batería. Una combinación entre blues, rock, soul, folk revolucionó la mente de sus fanáticos. Como una de las bandas más influyentes de la música actual, han vendido más de 300 millones de copias en el mundo. Nueve discos de estudio que no han dejado de rendir fruto, desde su separación en 1980. 5) Black Sabbath: Con Ozzy Osbourne al frente, esta banda saltó a la fama en 1968. Sus letras trataban de ocultismo, magia, terror; pioneros del rock. Con 15 millones de discos vendidos solo en Estados Unidos, dejaron ir a Ozzy en 1979, por su errático comportamiento influenciado por una fuerte dependencia a las drogas. Con 19
4) Queen: La Reina de la música británica fue formada en 1970 por Freddie Mercury, en la guitarra Brian May, el baterista Roger Taylor y el bajo de John Deacon. Pioneros en la creación de espectáculos musicales
rodeados de parafernalia. Cuentan con 15 álbumes de estudio y cinco en vivo. Célebres por uno de los mejores conciertos en el mundo desde el Estadio Wembley en 1986. Su primer álbum recopilatorio es aún el más vendido en Gran Bretaña.
3) Rolling Stones: Fundada en 1962 por Brian Jones, Mick Jagger, Keith Richards, Ian Stewart y Dick Taylor en la alineación original. Considerados como la agrupación que se sentó las bases de la música contemporánea. Su álbum Exile on Main St. de 1972, es considerado uno de los mejores e la historia del rock. Con 25 álbumes de estudio y 32 sencillos en primer lugar, han vendido más de 250 millo-
1) The Beatles: Aclamada por generaciones. Un cuarteto de chicos que enloquecían a las masas por cualquier suelo que pisaron. Una revolución musical que inició con cinco hombres, originalmente, su estilo estaba compuesto desde las baladas pop hasta rock psicodélico, iniciaron en pequeños bares de
Liverpool hasta que se unieron a la mente maestra detrás de su éxito, George Martin. La revista Rolling Stone los colocó como los artistas más exitosos de todo los tiempos. Con 13 álbumes de estudio, su música no
pasa de moda.
La banda más legendaria The Rolling Stones Legendaria formación británica, uno de los conjuntos imprescindibles en la historia de la música moderna. En su extenso desarrollo artístico ha ofrecido sonidos rock, R&B, pop, psicodelia, country rock, hard rock, blues rock, coqueteando también con el funk, el reggae, el folk, el soul o la música disco en heterogéneas expresiones líricas con tonos y enfoques reivindicativos, sardónicos, contemplativos, cínicos, sentimentales… Su incidencia comercial y artística se expande en su inmensa influencia dentro del universo rock, con notoria ascendencia en las bandas estadounidenses garage-rock 60’s, el proto-punk, el hard-rock 70’s o las clásicas formas del rock’n’roll, base fundamental de sus composiciones.
La capacidad vocal y escénica de su frontman, Mick Jagger (nacido el 26 de julio de 1943 en Dartford, Kent), su trabajo compositivo al lado del guitarrista, el hombre-riff Keith Richards (nacido el 18 de diciembre de 1943 en Dartford, Kent), el talento multi-instrumental del primer líder de la banda, Brian Jones (nacido el 22 de febrero de 1943 en Cheltenham), la óptima funcionalidad rítmica del bajista Bill Wyman (nacido el 24 de octubre de 1936 en Plumstead) y el batería Charlie Watts (nacido el 2 de junio de 1941 en Islington), junto a Mick Taylor (nacido el 17 de enero de 1948 en Hereford) y Ron Wood (nacido el 1 de junio de 1947 en Hillingdon), grandes profesionales de las seis cuerdas que llegaron, respectivamente, a la formación tras la muerte de Jones y la marcha de Taylor, convierten a los Rolling Stones en más que una simple agrupación musical, una longeva institución que ha concedido a la historia del rock momentos de gloria tanto en sus vinilos como encima de los escenarios con sudorosas e indelebles actuaciones en directo. Cuando dos jóvenes amigos de la infancia se encontraron de nuevo tras tres años de hiato en un vagón de tren que hacía el trayecto entre Londres y Dartford, no podían sospechar que iban a entablar una de las grandes asociaciones dentro de la música popular. Esos jóvenes eran Mick Jagger y Keith Richards, quien por aquellos momentos se hacía llamar Richard ya que, enfadado con su padre, había suprimido en señal de rebeldía la “s” de su verdadero apellido. La pareja comenzó a intercambiar gustos musicales, coincidiendo en su pasión por la música negra americana, con principal predilección por el blues y el rock’n’roll, idolatrando a mitos como Chuck Berry (la máxima influencia para Richards), Bo Diddley, Jimmy Reed o Muddy Waters. Jagger, hijo de Eva y Joe, profesor de gimnasia, y Richards, hijo único de Doris y Bert, ingeniero
En una de sus salidas conjuntas fueron a parar al Ealing Blues Club para disfrutar con la Alexis Korner Blues Incorporated, grupo en el que se encontraban integrados dos instrumentistas llamados Ian Stewart y Brian Jones, un excelente músico que tanto tocaba la guitarra como el saxo o el piano. Jones procedía de una acomodada familia, siendo su padre Lewis ingeniero aeronáutico y su madre Louisa profesora de piano, ambos amantes de la música jazz.
Unos años antes, Brian viajó por Europa de forma bohemia, antes de regresar a Inglaterra y formar parte del grupo The Ramrods, en donde tocaba el saxo influenciado por Charlie Parker. Interesados en formar parte del grupo, el terceto consiguió la aceptación de Korner para unirse a los Blues Incorporated. Cuando la banda fue contratada para actuar en la BBC, Alexis Korner solamente podía acudir con un número limitado de miembros, lo que provocó que Entre los que fueron a la sesión de la BBC no se encontraba ninguno de los futuros miembros de los Rolling Stones, que actuaron el 12 de julio de 1962 en el Marquee bajo ese nombre, sugerido por Brian Jones, tomado de un tema de un ídolo común, Muddy Watters, “Rollin’ Stone Blues”. Los seis integrantes de esta banda fueron el cantante Mick Jagger, los guitarristas Brian Jones y Keith Richard, el bajista Dick Taylor, el batería Mick Avory y el pianista Ian Stewart. Los temas que interpretaron fueron veriones de maestros como Jimmy Reed (ocho temas, entre El concierto fue todo un éxito con un público entregado al sexteto y a su rendición blues. Poco después causaron baja Dick Taylor, que se marchó para formar los Pretty Things, y Mick Avory, que acabó como batería de los Kinks. Avory fue reemplazado por Tony Chapman, que en breve cedió las baquetas a Charlie Watts, un batería de jazz que a pesar de ciertas reticencias para incorporarse a un grupo de R&B, terminó accediendo, al igual que el bajista Bill Wyman, antiguo componente The Cliftons. Esta nueva encarnación tocó con gran seguimiento en famosos clubes ingleses, como el Marquee o el Crawdaddy, un local de Richmond regido por Giorgio Gomelsky, íntimo amigo de Ian Stewart. Brian Jones se consideraba el líder del grupo, no sólo por bautizar a la formación, sino porque era el músico más dotado y con más talento del sexteto, además poseía, junto a Mick Jagger, la imagen más llamativa para los fans de la banda.
Después de la gigantesca gira que Los Rolling Stones hicieron por diferentes estadios de Estados Unidos este año, el ZIP CODE Tour, los 'dinosaurios' del rock decidieron hacer una por toda Latinoamérica cumpliéndole el sueño a millones de fans de volverlos a ver o verlos por primera vez parados en un escenario cantando y tocando canciones que por más de 50 años nos hemos aprendido. La gira, bautizada como "América Latina Tour Olé 2016", iniciará el 3 de febrero en Santiago de Chile y pasará por Buenos Aires, Montevideo, Río de Janeiro, Sao Paulo, Porto Alegre, Lima, Bogotá y Ciudad de México.
Las boletas para la fecha en el Estadio El Campín de Bogotá ya están agotadas, lamentablemente para muchos, pero bueno, cualquier cosa puede pasar. “Nos encanta tocar en América Latina y estamos entusiasmados con visitar algunas ciudades por primera vez. Los públicos se encuentran entre algunos de los mejores del mundo, aportan una energía increíble”, dijo Mick Jagger a travéz del portal oficial de la gira. Y es que, ¿qué mejor escenario para un concierto de esta agrupación que los estadios más importantes del continente? Ninguno. Por eso, este es tal vez uno de los tours más importantes de su carrera, por su trayectoria, por los lugares que visitarán, porque la tarima tendrá un nuevo aspecto (personalizado especialmente para los aficionados de Latinoamérica) y por el público al que, literalmente, enloquecerán. Quisimos mostrarles un mapa del América Latina Olé Tour para que vean las ciudades y los estadios que pisarán estas cuatro leyendas del rock and roll mundial.
John Lennon y Yoko Ono, un amor rodeado de polémica y excentricidades hay una pareja que encarna el concepto del amor libre, la libertad y, como no, la polémica, esa es la que formaron, de 1967 a 1980, John Lennon y Yoko Ono. Su relación levantó muchas ampollas desde el principio porque ambos estaban casados cuando se conocieron y enamoraron, y además Yoko tuvo que soportar las críticas por ser considerada la culpable de la ruptura de los Beatles, un hecho, que con el paso del tiempo se demostró que era completamente falso. A pesar de los detractores, la pareja permaneció unida durante 13 años hasta que la noche del 8 de diciembre de 1980 un loco admirador del músico, Mark David Chapman, acabó con la vida de Lennon y dio al traste con la historia de amor que más ríos de tinta habían hecho correr en las últimas décadas del siglo XX. la vida de Yoko Yoko Ono nació el 18 de febrero de 1933 en Tokio, en el seno de una acomodada familia propietaria de bancos japoneses, siendo además su padre descendiente del emperador de Japón. Empezó a estudiar en una escuela para niños con talento especial para la música y fue también la primera mujer aceptada en la facultad de Filosofía de la universidad de Gakushuin, una de las más exclusivas de Japón, en la que estudió junto al actual emperador Akihito. Tras la II Guerra Mundial, la familia se trasladó a Nueva York y allí empezó a asistir al Sarah Lawrence College, donde estudió composición y poesía contemporánea. En 1956 contrajo matrimonio con su primer marido, el músico de vanguardia Toshi Ichiyanagi, de quien se divorció en 1962 tras varios años viviendo separados. Tras superar una mala racha, Yoko conoció al productor de cine Anthony Cox, que se convertiría en su segundo marido. Aunque la relación fue tormentosa desde el principio, la pareja tuvo una, hija Kyoko Chan. La vida de Lenon John nació en Liverpool el 9 de octubre de 1940 y no había tenido una infancia fácil. Su padre era un marino que pasaba poco tiempo en familia, hasta que desapareció por completo. Luego fue su madre la que desapareció, dejando al niño al cuidado de una hermana suya llamada Mary. Tras un tiempo estudiando en la Liverpool School of Arts, en 1956 conoció a Paul McCartney. formó su primer grupo amateur, The Quarrymen. Dos años después se les unió George Harrison y se atrevieron a actuar en algunos pequeños locales
En ese momento se inició una leyenda que uniría sus nombres en una historia icónica que se prolongó más allá de la muerte de Lennon. Aunque Yoko jamás se arrepintió de ello, sí llegó a declarar en alguna ocasión, “de cierta manera ambos arruinamos nuestras carreras por estar juntos”. Eso sí, nada fue fácil para ellos. Cuando John comenzó su relación con Yoko Ono, todavía estaba casado con Cynthia que, despechada por la infidelidad de su marido, luchó como una leona en el proceso de divorcio consiguiendo además de una pensión, la custodia de Julian y la propiedad de la casa en la que vivían.
A principios de 1960 el grupo renació con el nombre de Long John and the Silver Beatles, que pronto quedó reducido a The Beatles y un año después fueron descubiertos por Brian Epstein, el propietario de una tienda de discos. A partir de ese momento, la carrera de los Beatles se disparó hacia el éxito, con la incorporación como batería de Ringo Starr en 1962. En ese momento John ya estaba casado con su novia de la adolescencia, Cynthia Powell, a la que había conocido a en 1957 cuando ambos eran estudiantes del Colegio de Arte de Liverpool. La joven se quedó embarazada y aunque los familiares de Lennon le aconsejaron que no se sintiera obligado a casarse con ella, la pareja contrajo matrimonio el 23 de agosto de 1962. Seis meses después, el 8 de abril de 1963 nació Julian Lennon. La dicha del matrimonio no duró demasiado ya que tres años después, el 9 de noviembre de 1966, , el 9 de noviembre de 1966, Yoko conoció a John Lennon en Indica Gallery, una galería de arte londinense donde la artista, que ya se había labrado una gran fama como artista conceptual, exponía su trabajo. Intrigado por lo que veía, el músico recorrió la galería hasta encontrar a la autora de las obras que tanto le habían fascinado. La encontró frente a una de ellas que llevaba un letrero que rezaba “Clava un clavo”, y él le preguntó si podía clavar uno. Yoko le dijo: “Puedes hacerlo si me das cinco monedas”, a lo que John contestó: “Te doy cinco monedas imaginarias si me dejas clavar un clavo imaginario”. La atracción que ambos sintieron desde ese primer instante fue tan intensa que no dudaron en romper sus respectivos matrimonios para comenzar su polémica historia de amor.
La felicidad de la pareja también se vio enturbiada tras el divorcio de Yoko, ya que la artista tuvo que luchar con su segundo marido por la custodia de la hija que tenían en común. Un fallo judicial pronunciado en Houston, Texas, favoreció a Yoko, pero Cox secuestró a Kyoko y desapareció con la niña que tenía ocho años de edad. Yoko emprendió la búsqueda de su hija con ayuda de la policía y de investigadores privados. El caso produjo una canción de Yoko titulada Don’t worry Kyoko (Mummy’s only looking for her hand in the snow), que formó parte del album Live in peace in Toronto 1969, de John y Yoko. A pesar de todos los problemas que acechaban a la pareja John y Yoko estaban profundamente enamorados y se veían incapaces de vivir el uno sin el otro, por lo que finalmente, el 25 de marzo de 1969, viajaron en un avión privado hasta Gibraltar, lugar que el músico llamaba ‘la roca del fin del mundo’, para contraer matrimonio. A partir de ese momento dieron comienzo las excentricidades de la pareja. Tras pasar unos días en París, viajaron hasta Ámsterdam para comenzar su peculiar luna de miel. Yoko ya le había contagiado al músico su pasión por el activismo social y la protesta y juntos quisieron aprovechar el tirón mediático que había provocado la noticia de su boda para mostrar al mundo su vena pacifista. Originales y creativos como eran, no se les ocurrió otra manera de protestar contra la guerra de Vietnam que dedicar su viaje de novios a la paz y eligieron la que ellos consideraron la mejor solución: quedarse en la cama.
Para ello colgaron en el cuarto 402 del Hotel Hilton de Ámsterdam letreros en los que podía leer Bed Peace y Hair Peace, se vistieron con sendos pijamas blancos e invitaron a la prensa durante el encierro voluntario que duró siete días. "La gente debería de dejar de pelear y mejor quedarse en cama", comentó Yoko. "Estamos mandando un mensaje al mundo, especialmente a la juventud que quiere protestar sin violencia". Tras el gran éxito de esta iniciativa, gracias a la que coparon las primeras páginas de todos los medios de comunicación, la pareja quiso repetir en otras ciudades y, aunque su primer pensamiento fue Nueva York, el que John tuviera cargos policiales hizo que les denegaran el visado y tuvieron que cambiar de idea y volar hasta Montreal, donde compusieron el tema Give Peace a Chance. Independientemente de la relación de amor apasionada que siempre existió entre ellos, la suya fue también una historia de dos seres llenos de creatividad que comenzaron una intensa colaboración artística casi desde el momento en que se conocieron. Música para luchar por la causa Juntos, y siendo Lennon todavía parte de The Beatles, grabaron en 1968 su primer disco, Unfinished Music No. 1: Two Virgins. Este álbum experimental de música electrónica fue el resultado de una noche en la que John y Yoko dieron rienda suelta a su creatividad, logrando una genial sesión de improvisación. El título del trabajo hacía referencia a la inocencia en la que estaba sumido el mundo que los rodeaba y también a la imagen que plasmaron en la fotografía de portada, toda una provocación para la época. En ella se les podía ver desnudos y cogidos de la mano, lo que provocó que las autoridades de Nueva Jersey la considerasen pornográfica y se incautaran las 30.000 copias destinadas a las tiendas de ese estado. El disco llegó finalmente a las estanterías dentro de una funda de papel marrón que ocultaba la fotografía de portada. ue el comienzo de una sólida colaboración musical, que se extendió también al activismo social y político, ya que la pareja aprovechó siempre su popularidad para dar voz a las causas en las que creían, luchando siempre por la paz, la liberación de la mujer, el medio ambiente y el amor entre los seres humanos. John y Yoko formaron la Plastic Ono Band y con ella publicaron una docena de discos en la que el talento de Lennon como compositor y letrista siguió manifestándose en temas como Power to the people o Some time in New York City. Además su relación inspiró uno de los temas más famosos del grupo de Liverpool ya que dos meses después de su boda, The Beatles estrenó The Ballad of John and Yoko, compuesta principalmente por Lennon, con tan sólo la ayuda de Paul McCartney ya que George Harrison estaba de vacaciones y Ringo Starr se encontraba filmando una película. Tras la separación de The Beatles en 1970, John y Yoko se mudaron a Nueva York y se centraron en su creatividad musical. Tan sólo un año después se publicaría su mayor éxito, Imagine, un LP que contenía la canción del mismo nombre y cuyo texto llegaría a ser todo un manifiesto pacifista en aquella década conflictiva marcada por la guerra de Vietnam. Sin embargo, después del éxito llegaron momentos difíciles y numerosos problemas amenazaban con destruirles como pareja.
Los seguidores de The Beatles acusaban a Yoko de haber separado al grupo, John se tuvo que enfrentar a la deportación a Gran Bretaña por acusaciones relacionadas con drogas y Yoko sufría por la desaparición de su hija Kyoko secuestrada por su ex marido y a la que no volvió a ver hasta que tuvo 31 años. La pareja no pudo con todo y decidieron separarse en 1973. Ambos comenzaron a vivir vidas diferentes, Yoko en Nueva York y Lennon en Los Ángeles con su asistente personal May Pang pero, 18 meses después, tras lo que John denominó como un ‘fin de semana largo’, la pareja se dio cuenta de que no podían pasar más tiempo separados y se reconciliaron.
Asesinado a las puertas de su casa
Fruto de esa reconciliación nació su hijo Sean el 9 de octubre de 1975, el día del 35 cumpleaños de John. En ese momento se inició una nueva etapa en la vida de la pareja, que decidió recluirse en el apartamento del edificio ‘Dakota’, situado en un lateral de Central Park para alejarse de todos y de todo, incluida la música a la que tanto amaban. Desde ese momento John se convirtió en un laborioso amo de casa cuya mayor alegría era cuidar de su bebé. Durante cinco años, sus comparecencias en público fueron escasas y parecía que Lennon había abandonado su pasión hasta que, en 1980, cuando nadie lo esperaba, salió de su auto impuesto retiro y regresó con Double Fantasy. En él pregonaba su eterno amor por su esposa y su hijo con los simples y pegadizos estribillos de siempre que pronto se convertirían en un gran éxito. Sobre ese tiempo apartado de todo el propio Lennon confesaría: “En estos cinco años de silencio he aprendido a librarme de mi intelecto, de la imagen de mí mismo que yo tengo. Las canciones que hago surgen de forma natural, espontánea, sin pensar conscientemente en ellas. En cierta forma, es como volver al comienzo. Tengo la sensación de que estoy ante mi primer disco.” El músico apenas pudo disfrutar de su regreso ya que, tres semanas después de ese lanzamiento, fue asesinado en la entrada de su casa. La noche de su muerte, la fatalidad jugó un papel muy importante ya que, en realidad, John y Yoko, no tenían por qué haber ido al apartamento al salir de un estudio de grabación. Yoko quería ir a cenar algo antes de regresar a casa, pero John quiso pasar a ver a Sean antes de que
se fuera a la cama. En la entrada del edificio lo estaba esperando Mark David Chapman, quien le disparó cuatro balazos en la espalda que pusieron fin a su vida. El compositor británico tenía 40 años de edad. Al día siguiente, Ono emitió una declaración, diciendo: “No hay funeral para John. John amaba y rezaba por la raza humana. Por favor, recen por lo mismo”. Su cuerpo fue incinerado en el Cementerio Ferncliff en Hartsdale, Nueva York y Yoko esparció sus cenizas en el Central Park de Nueva York, a escasos metros del apartamento donde vivían y donde más tarde se creó el monumento conmemorativo Strawberry Fields, cita ineludible para todos los fans del cantante.
El espíritu de Lennon sigue vivo en ella:
Tras la muerte de John, Yoko vivió totalmente recluida por un largo período en su apartamento neoyorquino hasta que retomó su carrera como artista conceptual y, desde ese momento, sus cotizadas obras recorren las mejores galerías del mundo. Su historia de amor, plagada de excentricidades y excesos, fue la representación de una época muy convulsa marcada por el nacimiento de la cultura ‘hippy’ y las manifestaciones contra la guerra. Influyeron el uno en el otro de tal manera que solos no se sentían capaces de enfrentarse al mundo. De hecho, en palabras del propio Lennon: “Yoko es mi diosa del amor, ella llena mi vida”. Conocerse y amarse les llevó a la inmortalidad y ahora, casi 25 años después de la muerte de John, Yoko, a sus 80 años, continúa con el legado de su marido sin que la edad la detenga. Sigue con su activismo social casi intacto y ahora lidera la lucha contra el ‘fracking’, la discutida técnica de extracción de hidrocarburos. Además, junto a su hijo Sean continúa ligada a la música ya que junto a él revivió la banda que fundó con su padre, ‘Plastic Ono Band’, a pesar de que nunca quiso que Sean se dedicara a la música. “Ni John ni yo quisimos nunca que Sean se dedicara a la música ni que adoptara un estilo que recordara al de Los Beatles o al trabajo de su padre. Yo quería que fuera arqueólogo o que se dedicara a cualquier otra cosa porque temía que sucumbiera a la presión que conlleva ser el hijo de John Lennon. Aun así, puedo decir que Sean es un músico con mucho talento”, confesó Yoko hace unos años. John Lennon pasará a la eternidad como uno de los grandes genios de la música contemporánea y su historia de amor será siempre recordada mientras los acordes de la música que inmortalizaron juntos resuenen en algún lugar del planeta.
“Vivimos en un mundo donde nos escondemos para hacer el amor, mientras la violencia se practica a plena luz del día.” (Jhon Lenon]) “Recuerde, nuestros corazones son uno. Incluso cuando estamos en guerra unos con otros, nuestros corazones están siempre laten al unísono”. (Yoko Ono)
The Beatles The Beatles Grupo británico de música rock y pop, el más admirado y popular de la década de 1960 y uno de los más influyentes en la historia de la música moderna. Si el gran Elvis Presley dominó los años 50 como rey del rock and roll, correspondió a The Beatles, un grupo también rockero en sus raíces, ejercer la hegemonía en la década siguiente con una acertadísima y sofisticada amalgama de estilos que llevaría la música pop a todos los públicos y preludió géneros posteriores. The Beatles En tanto que referencia de la juventud de los 60, de cuya rebeldía fueron manifestaciones fenómenos como el movimiento hippie o mayo del 68, y también en tanto que producto de consumo en una década de modas y prosperidad, hubiera podido esperarse que el fervor suscitado por aquel riquísimo vendaval musical se desvaneciese lentamente tras la disolución del grupo. Sin embargo, medio siglo después, las mejores canciones de The Beatles siguen sin parecer «antiguas»: conservan intacta su frescura y parecen haber ingresado en una especie de patrimonio atemporal, como si su música ya no perteneciese a una época, sino a todas las generaciones. Formación A partir de 1962, año en que quedó configurado de
forma estable, y hasta su separación oficial en 1970, los integrantes de The Beatles fueron John Lennon (Liverpool, 1940-Nueva York, 1980), Paul McCartney (Liverpool, 1942), George Harrison (Liverpool, 1943Los Ángeles, 2001) y Ringo Starr (Liverpool, 1940). No obstante, es difícil dar una fecha exacta de cuándo se formaron The Beatles. En la segunda mitad de la década de 1950, John Lennon y su amigo Peter Shotton (que lo abandonaría poco después) formaron un grupo de música al que llamaron The Quarrymen, al cual en 1957 se añadió Paul McCartney, seguido poco más tarde por George Harrison. he Quarrymen empezó a tocar en diversos locales de Liverpool, momento en el que se les unió el bajista Stuart Sutcliffe. Ya por entonces resultaba evidente la necesidad de incorporar a un batería. El nombre del grupo iría sufriendo nuevas variaciones, desde Johnny and the Moondogs hasta The Silver Beatles y The Beatles (1960), que a la postre resultaría el definitivo; tal denominación surgió de la moda de poner nombres de animales a los grupos musicales (beetle significa «escarabajo») y del juego de palabras con el estilo que entonces practicaban (la música beat, «golpe»).
Finalmente incorporaron a un batería, Peter Best, y consiguieron un contrato para tocar en Hamburgo, en un local de dudosa fama llamado Kaiserkeller. Su primera aventura alemana terminó prematuramente con la expulsión de George Harrison del país debido a su minoría de edad; la misma suerte corrieron luego Paul McCartney y Peter Best, aunque no por minoría de edad, sino por gamberrismo. En 1961 volverían otra vez a Alemania, para regresar de nuevo al Reino Unido sin pena ni gloria. Peter Best dejó el grupo por profundas desavenencias con el resto de sus miembros y fue sustituido por Ringo Starr (nombre artístico de Richard Starkey). Poco después, Stuart Sutcliffe moría en Alemania, víctima de un derrame cerebral; con ello quedó cerrada definitivamente la lista de integrantes de The Beatles: John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr. La composición de los temas correría casi siempre a cargo del tándem formado por John Lennon (guitarra rítmica) y Paul McCartney (bajo). En general se deben a Lennon, a quien debe considerarse el líder y el alma creativa del grupo, las canciones más innovadoras y la exigencia artística e intelectual; el brillante talento musical de McCartney se dejaba llevar fácilmente por lo comercial, pero igualmente las canciones acababan siendo el resultado del contrapeso entre ambos. En una fase más avanzada, el siempre inquieto George Harrison (guitarra solista) contribuyó al repertorio del grupo con valiosas aportaciones; muy pocas, en cambio, son debidas al desenfadado batería Ringo Starr.
La «beatlemanía» Pese a la nula repercusión, la experiencia en Alemania había dado consistencia al grupo, aunque a principios de los 60 no parecía más que otra de las numerosas bandas que, desde el triunfo del rock and roll estadounidense a mediados de los 50, cultivaban con pasión este género en el Reino Unido, interpretando o versionando temas de Elvis Presley, Chuck Berry y otros grandes rockeros americanos. The Beatles, sin embargo, habían comenzado a componer e interpretar sus propias canciones, y gozaban ya de cierta fama; tocaban en pequeños clubes de Liverpool, como The Cavern (La Caverna), y eran conocidos en el área de Liverpool, pero todavía ningún sello discográfico había llamado a sus puertas. A finales de 1961, tras escucharles en una actuación, Brian Epstein quedó entusiasmado y se convirtió en su representante artístico; el papel de este propietario de una tienda de discos sin ninguna experiencia como mánager resultó tan decisivo que sería llamado «el quinto beatle». Epstein modeló un nuevo look para el grupo (que pasó de lucir tejanos y cueros rockeros a elegantes chaquetas y peinado de casco) y les presentó al productor George Martin, que los contrató para grabar un sencillo. Este primer trabajo discográfico se tituló Love me do (1962) y logró situarse en las listas de éxitos del Reino Unido. Ya en 1963, Please, please me y poco después From me to you y She loves you accederían de nuevo a puestos de honor en las listas británicas. Ese año puede ser considerado el del nacimiento de la «beatlemanía», un fenómeno de idolatría hacia La «beatlemanía» se extendió en 1964 a Estados Unidos, donde temas como Love me do, She loves you o I want to hold your hand, arropados por su primera gira en este país, alcanzaron el primer puesto en las listas de éxitos. El libro Guinness de los récords recoge un dato bien revelador: en un mismo mes, dos álbumes y cinco singles de The Beatles lideraron las respectivas listas estadounidenses. En lugar de, como era tradicional, irradiar su influencia musical por todo el mundo, los Estados Unidos sufrieron la llamada «Invasión británica», con el grupo de Liverpool como cabeza de puente de una serie de bandas (The Animals, The Who o los Rolling Stones) que también desembarcarían en el nuevo continente, destronando la supremacía del rock and roll americano.
La «beatlemanía» se extendió en 1964 a Estados Unidos, donde temas como Love me do, She loves you o I want to hold your hand, arropados por su primera gira en este país, alcanzaron el primer puesto en las listas de éxitos. El libro Guinness de los récords recoge un dato bien revelador: en un mismo mes, dos álbumes y cinco singles de The Beatles lideraron las respectivas listas estadounidenses. En lugar de, como era tradicional, irradiar su influencia musical por todo el mundo, los Estados Unidos sufrieron la llamada «Invasión británica», con el grupo de Liverpool como cabeza de puente de una serie de bandas (The Animals, The Who o los Rolling Stones) que también desembarcarían en el nuevo continente, destronando la supremacía del rock and roll americano. Simultáneamente, y aprovechando su popularidad, The Beatles rodaron diversas películas, entre las que cabe destacar ¡Qué noche la de aquel día! (A Hard Day’s Night, 1964), un vehículo promocional que relataba tres días en la vida de los Beatles y reflejó los fenómenos de arrebatado paroxismo que el grupo desencadenaba allá por donde pasase. El director, Richard Lester, dio al filme un tono de humor surrealista, destrozando con el montaje las nociones de espacio y tiempo, como se pone de manifiesto en la escena en que los Beatles están a la vez dentro del tren y corriendo para tomarlo. El mismo cineasta los dirigiría en Help! (1965). El lanzamiento de los álbumes homónimos acompañó ambos estrenos; también por entonces se editaron los elepés Beatles For Sale (1964) y Rubber Soul (1965). De hecho, hasta 1965, el grupo siguió encadenando discos a una media de dos o más por año, la mayoría de cuyas canciones fueron escritas por ellos mismos, lo que da idea de su extraordinaria fecundidad. Durante estos primeros años, The Beatles realizaron giras por todo el mundo, pero sus conciertos fueron espaciándose progresivamente, en parte por la creciente irritación del grupo ante aquella exacerbada idolatría, más orientada a sus personas que a su música. Tras ciertos incidentes a su paso por Filipinas y el sur de Estados Unidos y la polémica desatada por una frase de Lennon («somos más populares que Jesús»), dieron su último concierto en San Francisco, en agosto de 1966. Con su retiro, la «beatlemanía» se fue apagando sólo en su sentido de frenesí colectivo; siguieron siendo el grupo de referencia de su tiempo y teniendo entusiastas seguidores. La influencia de la obra de The Beatles a lo largo de las décadas subsiguientes ha sido inmensa. Por citar sólo unos ejemplos, de la psicodelia del Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band arranca toda una corriente que llega a grupos como Pink Floyd o Emerson, Lake & Palmer y dio origen al denominado rock sinfónico; su influjo todavía se dejaría sentir poderosamente en el brit pop, uno de los fenómenos musicales más significativos de los años noventa. Al margen de su indudable importancia artística, The Beatles quedaron para siempre como el símbolo de un estilo de vida que entroncó perfectamente con las profundas inquietudes juveniles de la década de 1960.
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Saul Hudson, popularmente conocido como Slash, fue uno de los guitarras del popular grupo de Hard Rock estadounidense Guns N' Roses. Slash es reconocido por su larga y desordenada cabellera(la que nos hacer recordar a Jimmy Page), su sombrero de copa, su Les Paul, su amor por el Jack Daniels y un cigarro en su boca. Nació el 23 de julio de 1965 en Hampstead, Inglaterra. Su padre, Anthony Hudson, era un diseñador exitoso de cubiertas de discos (entre sus trabajos se encuentra un álbum de Neil Young y el "Court and Spark" de Joni Mitchell. Su madre, Ola Hudson era diseñadora de ropa, y de esa manera fue como el joven Slash conoció a David Bowie a finales de los 70's. Ella había hecho el equipo que llevaba Bowie en "The Man Who Fell To Earth". En 1977, la familia se muda a Los Angeles, Estados Unidos. Durante esa época sus padres se separaron y él se fue a vivir con su abuela. A los 15 años, recibió de su abuela una guitarra acustica de una cuerda, con la que aprendió a tocar. Sus influencias fueron desde muy temprano Led Zeppelin, Pink Floyd, Rory Gallagher, Eric Clapton, Rolling Stones, Jimi Hendrix, Alice Cooper Aerosmith, AC/DC y Jeff Beck. La primera canción que Slash aprendió fue "Smoke on the Water" de Deep Purple. Slash dedicaba hasta 12 horas diarias a tocar la guitarra, lo que afectó mucho en su rendimiento escolar,
SLASH abandonando en 11vo grado. Fue en aquel entonces cuando conoció a su inseparable amigo Steven Adler. El 10 de octubre de 1992 contrajo matrimonio con Renee Suran, pero en 1997 se divorciaron. Slash entre los años 2000 y 2003 fue considerado como el mejor guitarrista del mundo, El 15 de octubre del 2000 se casó con Perla Ferrer y tuvieron dos hijos, el primero llamado London Emilio Hudson y el segundo Cash Anthony Hudson. Slash ha tocado con Bob Dylan, Michael Jackson, Iggy Pop, Alice Cooper, Lenny Kravitz (amigo de su infancia), Jeff Beck, Steven Tyler, Joe Perry, Sebastian Bach, Brian May y muchos más. Hay que tener en cuenta que se dejó caer bajo los encantos de la exuberante cantante española de pop Marta Sánchez, junto a la cual hizo un tema para el disco "Azabache" de esta misma. Dicho tema se usó en la B.S.O. de una pelicula gore de serie B presentada por Quentin Tarantino, "Tú asesina que nosotras limpiamos la sangre". En el 2007 colaboró con Pauli
na Rubio en su tema “Nada puede cambiarme” de su disco “Ananda” y grabó además del videoclip para lacanción. Sin duda uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos. Tras abandonar Guns n' Roses, por problemas con Axl Rose, y despues de haber montado una banda con la que tocaba covers de artistas de blues en directo (Slash Blues Ball), forma una banda para lanzar material que había compuesto para un futuro disco de GN´R, que Rose habia descartado. Junto a 2 compañeros de GN´R (Gilby Clarke y Matt Sorum), el bajista de Alice In Chains Mike Inez, y el cantante Eric Dover, forma Slash´s Snakepit y en 1995 lanza el disco "It´s Five O´Clock Somewhere". Cinco años después sacan el album "Ain't life grand", su último disco con Slash's Snakepit. Actualmente milita en la banda de rock Velvet Revolver junto con sus compañeros Duff McKagan y Matt Sorum de Guns N' Roses y el vocalista Scott Weiland (ex-miembro de Stone Temple Pilots). Slash recientemente colaboro con Dunlop en su primer pedal signature: “The Slash Wah”. Es un pedal híbrido Crybaby wah/distorsión. Ultimamente se le vio en una de sus presentaciones en vivo utilizando una BOSS GT3 EFFECTS PROCESSOR.
Los 8 mejores conciertos en lima 2015 El 2015 será recordado como el año del indie en el Perú. Una inmensa cantidad de bandas nuevas y actuales han sido la oferta de conciertos de este año en el que los jóvenes del siglo XXI han demostrado ser un inmenso público amante de la música en vivo. Mac DeMarco, Warpaint, Wild Nothing, Empire of the Sun, Diiv, Foster the People, Miami Horrors, Brazilian Girls, Clap Your Hands Say Yeah, Chk Chk Chk, Motorama, Dënver, Christina Rosenvinge, CocoRosie, Dorian, Hidrogenesse, Gepe, Planeta No, Javiera Mena, Bestia Bebé y Antolin son algunos de los artistas que han pasado por un escenario local en los últimos meses.
De todas estas bandas han sido varias las que confirmaron que aún existe buena música por descubrir. Otras, en cambio, reafirmaron el escepticismo de muchos que no se dejaron caer presas del hype indie del momento. Por eso, al otro lado del espectro, los festivales de rock popular más grandes de la historia de la ciudad de Lima resaltaron como los eventos más importantes para los concierteros locales. Con fuertes críticas a sus carteles armados en base a la radio, nombres de la talla de Hombres G, Enanitos Verdes, Fito Páez, Café Tacvba, Los Pericos, La Ley, Molotov, PXNDX junto a clásicos nacionales como Libido, Amén y Mar de Copas demostraron el arraigo de sus canciones entre el público local que repletó el Estadio Nacional, el Estadio Monumental y San Marcos en los festivales más grandes que jamás hayamos visto. De todos estos conciertos que hemos tenido nos ha tocado armar el ranking de los 9 mejores conciertos del 2015. Los criterios para hacer esta lista han sido los siguientes: en primer lugar, la influencia del artista en la historia de la música y el legado de su arte; en segundo lugar, la gira con la que llegaron y el show que nos presentaron en Lima; en tercer lugar, la respuesta del público local y la sinergia construida entre el artista y su audiencia durante el show; y en cuarto lugar, la producción, el sonido, los servicios y la experiencia que nos ofreció la organización local para poder disfrutar de estos encuentros musicales. Vale mencionar la inmensa dificultad de tan solo elegir 10 conciertos. La música, como toda expresión artística, significa distintas cosas para cada uno y la subjetividad al momento de apreciar los conciertos es lo fundamental cuando se trata de vivir la música. Por eso les recordamos que el mejor es el que más te divirtió.
1. Morrissey El primer puesto se lo lleva el cantante y letrista de una de las bandas más influyentes de los últimos treinta años. Estamos hablando de Morrissey, quien volvió a Lima para saldar la deuda que nos dejó en el 2013 tras cancelar las dos presentaciones que tenía programadas en la capital. Esta vez nos trajo uno de los conciertos más impactantes que jamás haya visto esta ciudad. Sus urgentes críticas sociales y las duras imágenes fueron puñaladas en el corazón de la audiencia. La sensibilidad
2. The Smashing Pumpkins, Kasabian y más Hay tres argumentos para defender que esta fecha esté en el segundo puesto. En primer lugar, porque vimos a la que, según varios premios, era la mejor banda de Inglaterra en el momento; no solo eso, la mejor banda de Inglaterra llegó con el mejor disco del año: Kasabian y su 48: 13. En segundo lugar, en un nuevo intento por reinventar a The Smashing Pumpkins, su fundador y destructor ser armó de una bizarra y fugaz alineación que tuvo a Mark Stoermer (The Killers) en el bajo y a Brad Wilk (RATM, Audioslave) en la batería. Pero lo que hizo de este concierto algo único y memorable fue que aquella noche William Patrick Corgan cumplió 48 años de edad y pudimos cantarle. Aquella noche cantar “today is the greatest day that i have ever really known” tuvo un significado especial. Fecha: 17 de marzo del 2015 Lugar: Jockey Club del Perú Asistencia: 5 mil personas (aprox.) 3. Vivo X El Rock 5 En el 2013 nació el Vivo X El Rock y en tan solo dos años se convirtió en el festival de rock más importante del Perú. Comenzó en el C.C. Plaza Norte, luego pasó al Parque de la Exposición y tras colmar su capacidad para 30 mil personas se tuvo que llevar al Estadio Nacional donde se dio su quinta edición. Aquel encuentro tuvimos a La Ley, PXNDX, Mago de Oz, P.O.D. Los Auténticos Decadentes, Vilma Palma, Molotov, Mar de Copas, Libido, Amén y varios más. ¿Pero por qué elegimos la quinta edición en el Nacional y no la sexta edición con 4 escenarios en San Marcos? Porque, a pesar de romper record de asistencia y aventurarse a una producción nunca antes vista en el país, la sexta edición se vio opacada por la terrible desorganización que perjudicó a cerca de 20 mil personas que hicieron cola por más de 4 horas para ingresar. Fecha: 23 de mayo del 2015 Lugar: Estadio Nacional Asistencia: 46 mil personas (aprox.)
4. Slash El sombrero, la Les Paul y los Marshall. No importó que fuera lunes porque cuando el guitarrista de la banda más peligrosa del mundo le toca dar su primer concierto en Lima todos los seguidores de Slash se hacen presentes para convertir el Parque de la Exposición en el Sunset Boulevard. Llegó con su gira World on Fire junto a Myles Kennedy and the Conspirators pero aquella noche se celebró el mito de Guns N’ Roses cuando pudimos escuchar a Slash tocar temas del Appetite for Destruction (1987), el disco debut más vendido de la historia. Pero también se hizo un recorrido por Velvet Revolver y su carrera en solitario. Basta decir que Slash se metió un solo de 20 minutos en “Rocket Queen” para que este sea recordado como uno de los mejores conciertos del 2015. Fecha: 9 de marzo del 2015 Lugar: Estadio Nacional Asistencia: 4 mil personas (aprox.) Crónica, fotos, videos, setlist y más.
5. Belle & Sebastian De todas las bandas indie que han desfilado por la ciudad este año hay una que aún resulta difícil de creer. La llegada de Belle & Sebastian al Perú parecía imposible pero fue gracias a Girls in Peacetime Want to Dance (2015) que por fin pudimos tener a Stuart Murdoch, Stevie Jackson, Chris Geddes, Richard Colburn, Sarah Martin y Bobby Kildea sobre un escenario local para tocarnos aquellas canciones en las que se narran nuestras historias más íntimas. Nos hablaron de Teófilo Cubillas y los dos goles que le metió a Escocia en el Mundial del 78, así como del padre de Sarah quien trabajó en el Perú. El público se subió al escenario en “The Boy with the Arab Strap” y le regaló a Stuart un cuy de peluche, la bandera nacional y hasta un plátano. Fecha: 24 de octubre del 2015 Lugar: Anfiteatro del Parque de la Exposición Asistencia: 2 mil personas (aprox.) 6. Ed Sheeran Ed Sheeran merece entrar al ranking por haber cambiado de forma radical el estereotipo del pop juvenil y de los teen idols. Atrás quedaron las boybands de laboratorio, las coreografías y las letras sacadas de cuentos de hadas. Ed Sheeran dejó claro que ser un ídolo pop no significa renunciar a tu búsqueda como artista, sino que es posible llegar al estrellato con una música honesta y real. Tan solo 24 años y dos discos le valieron llegar a la cima. Su espectáculo constó de una guitarra y su loop station para construir en vivo todas sus canciones en las que se pasó por el folk y el spoken word como también algo de hip hop y electrónica. Fecha: 21 de abril del 2015 Lugar: Jockey Club del Perú Asistencia: 14 mil personas (aprox.) Crónica, fotos, videos, setlist y más. 7. Katy Perry The Prismatic World Tour comenzó el 7 de mayo de 2014 en Inglaterra y acabó el 18 de octubre del 2015 en Costa Rica con un total de 151 concierto a lo largo de todo su recorrido convirtiéndola en la gira más larga del 2014 y una de las más taquillera de todos los tiempos en los Estados Unidos. El paso de Katy Perry por Lima fue uno de los máximos ejemplos de la inmensa maquinaria que aun representa la industria de la música pop y su concierto nos recordó la fiebre que se vive cuando llegan grandes estrellas del pop mundial a nuestro país. Es por esto que merece el puesto número 7 en esta lista. Fecha: 22 de septiembre del 2015 Lugar: Jockey Club del Perú Asistencia: 18 mil personas (aprox.) Crónica, fotos, videos, setlist y más. 8. Major Lazer Diplo es una de las figuras más importantes del EDM actual y su influencia nos compete a los latinos pues gracias a él se ha podido incorporar géneros locales como el reggaetón en la música electrónica mundial. Su llegada a Lima se dio a solo unos pocos días del lanzamiento de “Lean On”, tema que lleva el título de ser la canción más escuchada en Spotify con más de 600 millones de reproducciones y un videoclip en YouTube que hoy supera los 900 millones de views convirtiéndola en un verdadero fenómeno cultural. Así que ya se imaginarán el desmadre que ser armó en Punta Hermosa cuando Diplo, Jillionaire, Walshy Fire y sus dos bailarinas ofrecieron la que será recordada como la fiesta electrónica que cerró el verano 2015. Fecha: 14 de marzo del 2015 Lugar: Dragón del Sur Asistencia: 800 personas (aprox.) Video del concierto aquí.