Apuntes art deco

FUNDAMENTOS DEL ARTE II. LOS FELICES AÑOS 20. EL ART DÉCO

Fundamentos del Arte II TEMA 6. ARTE DEL SIGLO XX (II): LOS FELICES AÑOS VEINTE. EL ART DÉCO 1.Introducción. Los Felices Años 20.2. El Art Déco: concepto y delimitación. 3. Arquitectura, mobiliario y decoración de interiores Déco. 4 Pintura y escultura Déco.

1.INTRODUCCIÓN. LOS FELICES AÑOS 20 Tras la Primera Guerra Mundial (1914-­‐18), uno de los conflictos más mortíferos1 de la historia, en la que por cierto, España adoptó una posición oficial de neutralidad, como Suiza, Luxemburgo o los países escandinavos, se inicia una etapa que ha sido denominado como los felices o locos años veinte -­‐ roaring twenties en inglés-­‐. Fue la época del jazz, del cine, del Charlestón y de una desenfrenada alegría de vivir en una época de expansión económica, optimismo hacia el futuro y auge del consumo.

Los avances científicos y tecnológicos se aprecian en la medicina, aviación, la industria automovilística y el surgimiento de los primeros electrodomésticos como aspiradoras, planchas, lavadoras e incluso lavavajillas, solo al alcance de una minoría. Se popularizó la radio y el uso del teléfono. Se fue difundiendo en la sociedad occidental la mentalidad consumista y se favoreció la inversión en bolsa, el crédito y la venta a plazos.

Muchos consumidores se endeudaron viviendo por encima de sus posibilidades, lo cual a la larga tendría consecuencias funestas...

La empresa automovilística Ford se convirtió en una compañía paradigmática del capitalismo de la época. Innovó con la utilización de la cadena de montaje. Así se reducían costes y tiempos de producción. Este método se aplicó a otros sectores (siderurgia, cristal, etc.) También tuvieron efectos positivos la demanda de la construcción de rascacielos como por ejemplo en Nueva York, la ciudad déco por antonomasia.

Son hechos históricos relevantes de aquella época: *La creación de la Sociedad de Naciones como institución internacional para evitar que un conflicto como el de la Gran Guerra volviera a repetirse. *El triunfo del comunismo en Rusia, liquidado su imperio y su familia real, tras la sangrienta guerra civil. Se crea la URSS, Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas. *Estados Unidos se afianza como potencia mundial. Su rápido desarrollo económico estaba basado en una economía capitalista –laissez faire, laissez passer-­‐, dominada por la innovación técnica, con escasa intervención del Estado. De esta forma se disminuían costes y se aumentaba la producción, obteniendo más beneficios. El crash o crack de la Bolsa de octubre de 1929 daría al traste con este auge económico propiciando la llegada de la Gran Depresión de los años 30. Por lo demás, hay que recordar que entre 1920 hasta 1933 se promulgó en ese país la Ley Seca por la cual se prohibía la manufactura, venta y transporte de bebidas alcohólicas. Dio lugar a un fabuloso contrabando de estos productos y al incremento considerable del crimen organizado. *Alemania, asfixiada por las onerosas disposiciones del Tratado de Versalles, experimentó una grave crisis de su sistema financiero mientras trataba de lograr una estabilidad democrática con la República de Weimar de la que 1 Costó la vida de 10 a 31 millones de personas, entre civiles y militares. Los rusos tuvieron además 4 a 6 millones de heridos, los ingleses 3 millones

de heridos y mutilados, los franceses 5,6 millones, Alemania sufrió 6 millones de heridos, los italianos 1,6 millones y los serbios 1,7 millones. Las minorías también sufrieron fuertes perdidas, 1 128 000 polacos. Fuente: Wikipedia.

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Paul von Hindenburg era presidente. La situación en Francia no era mucho mejor, lo que propició el descontento social que se traduciría en una inestabilidad política permanente. *Japón extendió su presencia en Asia apoderándose de Corea, zonas de China y colonias alemanas del Pacífico. *Las dictaduras también se expandieron por el sur de Europa: Mussolini en Italia, Salazar en Portugal, Primo de Rivera en España o Alejandro I en Yugoslavia. En el caso de España durante la dictadura de Miguel Primo de Rivera (1923-­‐30) la economía estuvo fuertemente dirigida desde el poder, es decir, vigilada y potenciada por el Estado. Se produjo así, una fuerte intervención estatal en todos los ámbitos económicos. Fueron siete años de abundancia, uno de cuyos pilares lo constituyó la pacificación africana que terminó con la sangría de gastos militares abierta desde 1909. Todos los indicadores coyunturales de esos años reflejan una prosperidad económica y productiva antes nunca conseguida. *Desde el punto de vista cultural, los años 20 son una época fascinante en la que confluyen diversos movimientos de vanguardia como el grupo De Stijl, el Surrealismo o la Bauhaus en paralelo a esa otra alternativa a la vanguardia que fue el Art Déco.

2.EL ART DÉCO: CONCEPTO Y DELIMITACIÓN Con el término Art Déco denominamos a un movimiento artístico complejo y contradictorio que se desarrolla, en sentido estricto en los años 20 pero, en sentido general, desde aproximadamente 1910 hasta 1939. Hoy por hoy, todavía está a debate la definición exacta y el alcance de esta corriente cultural.

Su nombre es un apócope del término francés décoratif alusión a la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, celebrada en Paris en 1925, donde se presentó por primera vez este estilo. Fue una muestra de diseño de interiores, objetos decorativos, cerámica, muebles, lámparas, esculturas, piezas textiles, moda, etc. Participaron casi todos los países europeos, con la excepción de Alemania, entonces el país que había perdido la guerra.

El vocablo déco surgió en torno a los años 1965-­‐1966 en Inglaterra e Italia, coincidiendo plenamente con el revivalretro de este estilo.

El Art Déco fue el primer y último estilo suntuoso del siglo XX. Surgió en Francia, concretamente en París y su difusión ha sido amplísima por todo el mundo: Estados Unidos, Italia, España, Inglaterra, la India, Australia, Japón, etc.

Tuvo una expansión global pero sin ningún corpus teórico o manifiesto que lo sustentara. Lo complejo de este movimiento y su carácter incierto propició que más que de Art Déco podemos hablar de art Décos –en plural-­‐ dada la variedad de soluciones formales que vamos a encontrar en esta corriente artística.

Fue fundamentalmente un estilo arquitectónico y de artes decorativas, un capítulo altamente fértil en la historia de las artes aplicadas. Preconizaba la idea de arte total y que este estilo impregnara toda la vida cotidiana (desde la moda, hasta el mobiliario, pasando por el diseño industrial, joyas o artes gráficas). Produjeron desde objetos de lujo hasta diseños industriales. La intención era crear obras modernas y elegantes que simbolizaran riqueza y sofisticación. Fue básicamente un movimiento artístico “de moda”, con la voluntad intencionada de crear estilo.

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Fundamentos del Arte II

Ha sido un estilo muy menospreciado y minusvalorado durante décadas por los artistas de vanguardia y los críticos de arte por su carácter fuertemente esteticista. Y es que los artistas déco buscaban sin reparos la belleza, la excelencia, utilizando materiales costosos2. Fue considerado como un estilo frívolo, nostálgico, sentimental, e incluso anticuado y kitsch. De hecho, en los libros canónicos de historia del arte moderno no solía aparecer. Una copiosa bibliografía y exposiciones internacionales sobre el tema –celebradas en París, Londres o Madrid por poner solo tres ejemplos-­‐ han hecho que paulatinamente se vaya reivindicando este movimiento. Hoy se piensa que el Art Déco es, a la vez, una alternativa y una síntesis de las primeras vanguardias3. Particularmente el cubismo y el futurismo italiano están en la base de muchas de sus propuestas.

El surgimiento del Art Déco coincide con la época de la Belle époque, es decir, los llamados felices años 20 aunque sabemos que se extiende también durante los años 30. Se desarrolla por tanto, en la época en la que surge el jazz y el Charlestón, el cine de Hollywood…

Aunque este estilo pasó de moda durante la Segunda Guerra Mundial, durante los años 60 hubo un renovado interés por el diseño Art Déco (se le denominó Retro).

Del Art Nouveau al Art Déco o la evolución desde el arte basado en la naturaleza al arte geométrico No se entiende el Art Déco sin tener en cuenta a su predecesor, el Modernismo o Art Nouveau.

Cronológica y estilísticamente, es evidente que hay una cierta continuidad y evolución de un estilo al otro. El Modernismo está 2 El Movimiento Moderno, y en especial Le Corbusier, fueron los principales antagonistas de este movimiento, puesto que en su opinión, solo atendían a

clientes selectos con sus piezas únicas o de edición limitada.

3 Cfs. el ciclo de Conferencias de la Fundación March llamado “Universo Déco” en el que intervinieron Estrella de Diego

http://www.march.es/conferencias/anteriores/voz.aspx?p1=100372 y Román Gubern http://www.march.es/conferencias/anteriores/voz.aspx?p1=100370

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finiquitado hacia 1910, fecha aproximada en la que se va forjando el Déco. Ambos comparten muchos puntos en común: *Son estilos esteticistas, que preconizan como valor supremo la belleza. Buscan embellecer la vida cotidiana. En cierto sentido son herederos del Romanticismo y del Movimiento Arts & Crafts. El contrapunto al Art Déco sería la Bauhaus, escuela artística alemana que huye de la ornamentación y del esteticismo, intentando crear formas limpias y geométricas vinculándolas con la producción industrial. *Desean que su estilo abarque las Bellas Artes y las Artes Decorativas y el Diseño por igual. Es la búsqueda del arte total o Gesamtkunstwerk. Se podría decir que en ambos, las artes aplicadas son las artes mayores. Aun así, no son estilos compactos y homogéneos. Presentan variantes según los países, artistas, etc. *Ambos movimientos pretenden ser reflejo de la modernidad de su época. Recordemos que el lema de la vertiente modernista vienesa, la Secesión, señalaba: “a cada época su arte, a cada arte, la libertad”. *El Modernismo pretendía ser el arte de la burguesía triunfante. El Art Déco contaba entre sus comitentes con elites adineradas. Paulatinamente, los diseños exclusivos de uno y otro se imitarían, popularizarían y difundirían entre todas las clases sociales. Así por ejemplo, el estilo Déco lo podemos encontrar en hoteles, restaurantes, transatlánticos, cines, teatros y gasolineras. *La fortuna crítica de estos movimientos ha sido particularmente negativa, por parte sobre todo de los artistas de vanguardia. En general, ambos estilos son hoy en día apreciados, especialmente el Modernismo. *No reniegan de la ornamentación. Para ninguno de estos dos movimientos el ornamento es “delito”, como sí afirmaría Adolf Loos en su célebre ensayo4, pionero del racionalismo arquitectónico y del Movimiento Moderno.

Si en el Modernismo primaba la decoración de carácter floral y los sinuosos arabescos –como el célebre golpe de látigo de Víctor Horta-­‐ en el Déco prefieren los motivos ornamentales geométricos y depurados, de formas simples y claras, estilizadas y simétricas. En esa pasión por lo geométrico está presente la huella cubista así como la fascinación por la velocidad y las máquinas de raíz futurista. Los temas omnipresentes en el estilo déco son las diagonales, las líneas en zigzag, las líneas rectas, círculos, cuadrados, ciervos, galgos, gacelas, las fuentes, olas, espirales, estrellas, palmas, rayos de sol, y por supuesto, la temática femenina –vestida o desnuda-­‐. Si en el Modernismo encontrábamos mujeres de silueta reloj de arena con pelo largo y ondulado –como vemos en Alphonse Mucha-­‐ en el Art Déco en cambio, aparecen muchachas andróginas, con silueta cilíndrica y pelo corto a lo garçonne. En ambos estilos está presente el influjo oriental. *Las influencias perceptibles en el Art Déco son muy variadas. Aparte del arte de vanguardia hay que destacar: la naturaleza, el arte egipcio, aborigen, africano, maya y azteca, los ballets rusos de Diágilev... A estos elementos hay que añadir, a partir de 1925, el creciente impacto de las máquinas, que se plasmaban repetidas o solapadas y en los años treinta se impusieron formas derivadas del diseño aerodinámico. La línea recta se convirtió en una fuente de belleza. *El Art Déco difiere del Art Nouveau que enfatizaban el carácter único y la originalidad artesanal de formas orgánicas. Con el tiempo los objetos art déco se difundieron masivamente gracias a su producción industrial.

4 Ornamento y delito, 1910.

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Fundamentos del Arte II 2. ARQUITECTURA Y DECORACIÓN DE INTERIORES DÉCO La Escuela de Chicago y su conexión con la arquitectura Déco La Escuela de Chicago se desarrolló entre los años 1875-­‐1905 en esa ciudad norteamericana siendo sus principales arquitectos Louis H. Sullivan, Henry Hobson Richardson, Daniel H. Burnham entre otros. Hasta el último tercio del siglo XIX Chicago había sido una ciudad construida en madera. Además en 1871 un incendio destruyó casi por completo el centro de la ciudad.

La hasta entonces caótica ciudad de Chicago se va a transformar en un prototipo de modernidad arquitectónica en los Estados Unidos gracias a la labor de los arquitectos de la Escuela de Chicago que introducen orden, belleza y funcionalismo en sus nuevas construcciones. Paralelamente, esta ciudad se transforma en un gigante económico (gran auge de la industria y el comercio). Los arquitectos de la Escuela de Chicago crearán numerosos rascacielos para oficinas, hoteles y residencias para magnates. La gran revolución que plantean es concebir los edificios a partir de una estructura interna de acero que les permite la construcción de muros-­‐cortina mucho antes de su generalización durante el movimiento racionalista. Esta estructura está recubierta en su exterior con piedra y adopta estilos de carácter histórico. Desde un punto de vista técnico, este esqueleto metálico permite la ejecución de edificios de mayor altura –hasta quince pisos-­‐ lo que a su vez contribuye a la difusión del uso del ascensor eléctrico, que había aparecido a finales del siglo XIX. La instalación metálica facilita la instalación de grandes ventanas. Todo ello conduce a la modernidad, al desarrollo de la teoría funcionalista en arquitectura, de la cual Sullivan es la gran figura. A él se atribuye la afirmación “la forma sigue a la función” que adoptan los funcionalistas. Este arquitecto defiende la creación de una auténtica arquitectura americana no contaminada por modelos extranjeros, especialmente los europeos.

Ejemplos –entre otros muchos-­‐ de esta Escuela de Chicago: el Auditorium Building (1886-­‐1889) de Sullivan y D. Adler: presenta estructura de hierro, efectos de policromía, juego de texturas de materiales diversos, arcos y galerías. En la actualidad es la sede de la Universidad Roosevelt. La obra maestra de Sullivan es el Guaranty Trust Building (1894-­‐95) en Buffalo: con planta baja recubierta de vidrio y pilares casi exentos en la parte inferior que permiten que el espacio circundante penetre por debajo y dentro del volumen principal del edificio.

Los avances que trae consigo la Escuela de Chicago –como los rascacielos, los ascensores, las formas geométricas o la estructura de acero de los edificios-­‐ serán importantes en la arquitectura déco estadounidense, en particular en la ciudad déco por antonomasia, Nueva York.

En Francia, el gran estilo parisino Art Déco que dominó los Salones anuales de las Artes Decorativas desde el fin de la primera guerra mundial hasta la Exposición Internacional de 1925, se aplicó muy poco a la construcción de edificios. Si examinamos las revistas de arte de la época, sólo encontraremos ocasionalmente alguna tienda –en especial alguna perfumería, panadería o zapatería-­‐ decorada en ese estilo. Así por ejemplo, destacamos la perfumería d´Orsay –con motivos decorativos de cestas de frutas y de guirnaldas; la joyería de Robert Linzeler y la zapatería de Pinet, entre otras, en París.

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Los materiales utilizados en las fachadas eran los mismos adoptados para los interiores: mármoles amarillos adornados con bronces; estuco azul, hierro forjado y maderas talladas y doradas.

La mejor arquitectura Art Déco francesa fue la que se creó para la Exposición Internacional de 1925, destinada a durar sólo seis meses. Como el recinto iba a ser arrasado tras el certamen, se pudo experimentar con formas arquitectónicas revolucionarias y con materiales plásticos. Era un requisito esencial crear obras nuevas y originales. El resultado fue una estimulante mezcla de construcciones de vanguardia con formas cúbicas.

La ornamentación arquitectónica Art Déco no se extendió mucho más allá de París. A diferencia de Estados Unidos, que experimentó un boom de la construcción en los años 20, Europa estaba en un periodo de recesión tras la devastación de la I Guerra Mundial.

La arquitectura Art Déco triunfó en teatros, cines, hoteles, restaurantes, transatlánticos y por supuesto en los rascacielos. Así en Londres destaca el cine New Victoria Cinema (1930), obra de E. Wamsley-­‐Lewis.

Entre los hoteles descuella el Strand Palace de Londres, obra de Oliver Bernard, con paneles luminosos de cristal. Por lo que se refiere a los transatlánticos eran auténticos palacios flotantes déco donde no se escatimaba el menor de los lujos. Entre ellos descuella el Normandie, del que el diseñador gráfico Cassandre realizó un célebre cartel publicitario en los años 30.

Durante los años 1923-­‐25, cuando comenzó realmente el auge del rascacielos en Estados Unidos, este país no tenía su propio estilo moderno. El único estilo decorativo decididamente innovador que un arquitecto norteamericano podía usar era el Art Déco. Por esta razón, en ese país hemos de buscar la ornamentación de este movimiento artístico en muchos edificios que se construyeron desde los primeros años veinte y más en particular, en los rascacielos. Así, proliferaron los diseños geométricos, florales, con recuerdos cubistas, adornados con arcos, rayos de sol, muchachas y ramilletes de flores. Durante los años veinte, esa apropiación norteamericana del Art Déco había de convertirse en el idioma decorativo más identificable en los edificios en construcción. Se siguieron usando hasta mucho después de que en Francia el estilo se hubiese convertido en una mera fórmula ornamental.

La ornamentación Art Déco también se concentraba masivamente en la entrada del edificio: rejas exteriores, puertas, vestíbulos, ascensores. Eran combinaciones de piedras, ladrillos, terracotas y metales.

Paulatinamente

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Fundamentos del Arte II dejaron de lado los materiales tradicionales de construcción a favor de los nuevos, sobre todo el metal y el cristal, más en armonía con la nueva arquitectura. Se comenzó, además a utilizar el acero, que creaba brillos y era resistente. El metal comenzó a dejar desfasadas la piedra y la terracota.

El perfil o skyline de Manhattan es el epitome de una ciudad déco.

La construcción de algunos de los más altos rascacielos de Nueva York se produce a menudo bajo los dictados estilísticos del Art Déco como el edificio Chrysler (1928-­‐30) de Nueva York, cuya cúspide y la decoración de muchas dependencias están consideradas paradigmáticas de este estilo. Este edificio fue realizado por William Van Alen. Es el verdadero prototipo de rascacielos Déco. Durante algunos años fue la construcción más alta de Manhattan. Lo más sorprendente son los siete pisos que forman la cúpula, de arcos escalonados con ventanas triangulares abuhardilladas y enmarcadas en acero brillante al níquel-­‐cromo. También presente motivos decorativos inspirados en los tapones de los radiadores de los Chryslers. La proeza de esta construcción de Van Allen es la aguja de 27 toneladas que elevó su altura a 319 metros, más que la torre Eiffel.

También el Empire State Building (1930) de Shreve, Lamb & Harmon es un edificio déco aunque sus motivos decorativos son escasos, quizá en parte porque había de pasar inadvertida en una construcción tan monumental. Se encuentra en Manhattan y su elevada altura estaba cuidadosamente calculada para conseguir el máximo espacio rentable.

El Rockefeller Center, también en Nueva York es un conjunto de rascacielos construidos entre 1929-­‐40.

Los arquitectos fueron Henry Hofmeister, H.W. Corbett, y Raymond Hood. Tanto su arquitectura como su decoración es plenamente Déco: presenta mosaicos, esculturas, obras de metal…

Sobre Eileen Gray http://arteac.es/eileen-­‐ gray/ 5

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véase

http://www.skibbereeneagle.ie/uncategorized/restoration-­‐of-­‐eileen-­‐grays-­‐ground-­‐breaking-­‐villa-­‐e-­‐1027/

y

3. PINTURA Y ESCULTURA DÉCO Tamara DE LEMPICKA (1898-­‐1980) Si hay una pintora que podemos considerar como epítome del Art Déco, ésa es sin duda María Górska, más conocida como Tamara DE LEMPICKA. Transgresora, independiente y moderna, es la pintora del estilo Art Déco por antonomasia, un compendio del espíritu de esa época. Nació en el seno de una familia adinerada en Varsovia (Polonia) en 1898 que, a la sazón era una ciudad perteneciente al Imperio ruso. Su padre abandonó a la familia cuando era pequeña y será criada por una abuela y su tía. Estudió en Suiza. Vivió en San Petersburgo (Rusia) y allí se casó muy joven con un abogado ruso, Tadeusz Lempicka, de quien tomaría el apellido.

Desde niña sintió fascinación por el arte y el lujo. Le encantaban las joyas, particularmente las esmeraldas, los diamantes y los rubíes. Artista cosmopolita y viajera, vivió en Polonia, Rusia, Francia, Estados Unidos y Méjico. En Méjico pasó sus últimos años y allí murió en 1980.

Cuando estalló la revolución bolchevique en 1917 huyó con su marido a París donde viviría una vida mundana, de fiestas y excesos, pero donde también se convertiría en la retratista de las celebridades de la época. En 1926 se divorció de su primer marido. Viajó en numerosas ocasiones a Italia y allí fue amiga del decadente esteta italiano, el escritor Gabrielle D´Annunzio. A pesar de su aparente vida glamurosa, sufrió intensas depresiones que no le daban tregua.

Esta fascinante artista, que tuvo una vida de película, fue adorada y despreciada a partes iguales, pues para algunos vanguardistas “bienpensantes” representaba el paradigma de lo kitsch o un personaje esteticista de otra época. Recordemos que la vanguardia “seria” consideraba que el Déco era una reminiscencia del arte del siglo XIX, como algo anticuado aunque, en verdad, fuera todo lo contrario. Ella y su arte eran considerados como la esencia de la frivolidad. Su pasión por la belleza y el lujo no casaban con los artistas de vanguardia comme il faut. Aunque no la faltó trabajo como retratista de las elites aristocráticas6, en el mundo del arte siempre fue una especie de outsider, no siendo aceptada en general, ni por su colegas pintores ni por los críticos de arte.

Su objetivo como pintora no era copiar la realidad sino crear un nuevo estilo, brillante y de colores luminosos donde predomine la elegancia de las figuras representadas. Y es que Lempicka se especializó en retratos de mujeres déco, con fondos arquitectónicos de rascacielos de ese estilo, muy abundantes en sus cuadros. En sus obras retrata el nuevo paradigma de la mujer de los años 20 y 30, mujeres que pretenden ser emancipadas, que fuman, conducen su propio coche, adoptan una indumentaria un tanto andrógina, con cabello Bob o a lo garçon, 6 Retrató a escritores, actores, artistas, científicos, industriales y muchos nobles de Europa del Este exiliados en París. Fue la pintora de la alta sociedad de

su tiempo.

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Fundamentos del Arte II que hacen deporte, viajan y disfrutan de la vida... Muchos retratos de líneas netas y pulidas son desnudos y en ocasiones, muestra abiertamente escenas de homosexualidad femenina. Los cuerpos que pinta suelen ser muy escultóricos, con formas rotundas, como si fueran estatuas clásicas pero sin estar basadas en las proporciones perfectas del canon griego.

Las miradas de los retratados suelen ser melancólicas, tristes o pensativas. Consideraba que se autorretrataba en todas sus obras.

Sus referentes estéticos son muy variados: oscilan entre la pintura italiana del Renacimiento –en especial adoraba la obra de Bronzino-­‐, las conexiones con las odaliscas rotundas7 del neoclásico francés Jean­‐Auguste-­‐ Dominique INGRES –deliberadas o no-­‐, y sobre todo el influjo del Cubismo.

Las líneas depuradas, facetadas y geométricas que dominan su obra también nos remiten a PICASSO8, y no solo al cubista, sino también al más “clásico” de la “vuelta al orden” de los años 20. Entre sus profesores en París destacan André Derain y el neocubista André LOTHE (1885-­‐1962). Sin duda Lothe es el que más profundamente marcó su obra pictórica y de él asimiló un cubismo “blando”. Según Alain Blondel, Lempicka consiguió un proceso de síntesis sorprendente y único en sus retratos entre el arte renacentista y el neocubista. Asimismo, hay ciertas concomitancias entre Lempicka con los pintores alemanes de la Nueva Objetividad, en particular con Christian SCHAD. Los retratos de Schad como el del aristócrata Graf St-­‐Genois d'Anneaucourt, epitomizan el glamour decadente de la época de la República de Weimar (1919-­‐1933).

Sus pinturas parecen imágenes de revistas de moda. Concede mucha importancia a la pose, la vestimenta, incluso el maquillaje. Incluso ella misma posaba como si fuera una estrella de cine, siempre sofisticada, siempre elegante y a la última. De hecho la llegaron a comparar con la mítica Greta Garbo con la que guardaba un cierto parecido.

Su etapa dorada como pintora coincide plenamente con el período déco, fundamentalmente en la década de los años 25 al 35. Se casó dos veces –la segunda en 1934-­‐ y tuvo una hija Kizette, a la que retrató con frecuencia en cuadros que están entre lo mejor de su producción.

En los años 40 se estableció en Estados Unidos con su segundo y millonario marido e inició allí una etapa abstracta intentando formar parte de la pintura americana con escaso éxito.

Las celebridades hollywoodenses adoran los cuadros de Tamara de Lempicka. Es frecuente que el estilo déco o neodéco decora muchas de sus mansiones. Por eso no es extraño que la actual y principal coleccionista de las 7 Véase por ejemplo, Baños turcos (1862) de Ingres. 8 Véase la pintura Dos desnudos (1905) de Picasso.

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obras de Lempicka sea Madonna y también, aunque en menor medida, el actor Jack Nicholson y la cantante Barbra Streisand.

Entre sus pinturas podemos destacar: la Duquesa de la Salle (1925) es un retrato maravilloso que muestra a una mujer andrógina, que viste un tuxedo de corte masculino. Las referencias arquitectónicas no faltan en el fondo del cuadro.

En La bella Rafaela, de 1927, se han observado reminiscencias del tenebrismo de Caravaggio con su énfasis en el juego entre luces y sombras. Pero en esta obra el foco se ha centrado en el cuerpo escultural de la mujer representada.

Su Autorretrato en un Bugatti verde (1929) es su cuadro posiblemente más conocido. En ella se representa como una mujer moderna y distinguida, llevando guantes y un sombrero muy ajustado tipo cloche.

Aparece conduciendo un coche deportivo Bugatti–que nunca tuvo-­‐ sugiriendo la idea de velocidad y las máquinas temas que fascinaban a los artistas de vanguardia, en especial a los vinculados con el futurismo italiano.

Capta, como en una fotografía, un momento exacto. Esta pintura fue un encargo para la portada de una publicación alemana llamada Die Dame especializada en promover la imagen de una mujer moderna. Por eso es una obra que está a caballo entre las bellas artes y el diseño gráfico y de moda. El maquillaje también es muy déco.

La música (1929) es una bella alegoría sobre este arte. Es representada como una elegante mujer de pelo oscuro, absorbida en su interpretación musical. Recordemos que las referencias a la música fueron muy habituales en la pintura cubista a inicios del siglo XX. El más ávido coleccionista de las obras de Tamara de Lempicka fue el doctor Boucard al que retrató con apariencia de espía de película en 1929. De hecho, durante la Segunda Guerra Mundial tangencialmente se vio envuelto en actividades de espionaje. Su yate fue utilizado por la Resistencia francesa para transportar municiones y andando el tiempo lo adquirió el magnate griego Aristóteles Onassis. En este cuadro, el famoso bacteriólogo aparece con los simbólicos tubo de ensayo y microscopio para que no nos quede duda de su filiación laboral. Como ganó mucho dinero con sus investigaciones médicas pudo adquirir retratos de Lempicka. Este retrato nos transmite una imagen muy glamurosa del doctor, muy lejana al trabajo real de un científico. Esta pintora también retrató a la esposa e hija de Boucard.

Entre el Arte de Vanguardia y el Art Déco: Constantin BRANCUSI y Pablo GARGALLO En la escultura déco abundan las piezas de pequeño tamaño muy decorativas y realizadas con excelentes materiales. En ocasiones rozan la categoría de bibelot9 de gusto un tanto kitsch.

Es el caso del rumano Demétre CHIPARUS (1886-­‐1947) uno de los escultores déco más destacados. Vivió en París especializado en la elaboración de bailarinas (de los Ballets Rusos, de musicales franceses, etc.) realizadas con bronce y marfil. Sus obras más destacadas están fechadas entre los años 1914-­‐1933. Una importante colección de sus esculturas se conserva en el Museo Art Nouveau y Art Déco Casa Lis de Salamanca.

Tangencialmente algunos artistas de vanguardia rozan el Art Déco. Este hecho es frecuente en los artistas de la denominada Escuela de París, especie de “cajón de sastre” que aglutina a pintores y escultores de difícil 9 Objeto pequeño y decorativo de escaso valor, como los muñecos o estatuillas con figura humana.

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Fundamentos del Arte II adscripción a un estilo determinado o que muestran en sus producciones varias tendencias simultáneamente. Estos artistas se establecieron en París, la capital del arte durante los primeros decenios del siglo XX. Son ejemplos de ello el rumano Constant Brancusi y el español Pablo Gargallo, que aun siendo muy diferentes, muestran puntos en común y en algún caso se acercan al Art Déco.

El escultor rumano Constantin BRANCUSI (1876-­‐1957) después de una formación clásica en la escuela de Bellas Artes de Bucarest, se estableció en París en 1904. Trabajó durante un tiempo en el taller de un escultor academicista y después un mes con Rodin, en 1907. Brancusi fue el escultor innovador que definió la escultura moderna: esquemática, primitiva y geométrica. Sus orígenes rumanos también le influyeron.

Recordemos que Rumanía es un país con una tradición milenaria en la talla de madera y la escultura en piedra. Sus fuentes de inspiración fueron los mitos, el folklore y el arte primitivo así como las esculturas en madera de Gauguin. Brancusi muestra un gusto por las formas abstractas (aunque a él despreciaba que le denominaran con ese calificativo) . En su producción escultórica predominan las superficies muy pulidas en bronce y mármol de formas depuradas y sin ornamentación, reducidas a lo esencial. Sus esculturas ejemplifican representaciones arquetípicas del tema que representan como en su célebre obra El beso.

Conviene recordar que este tema ya lo había tratado con éxito Rodin.

Del Beso de Brancusi existen varias versiones que abarcan desde el año 1907 hasta 1945. Su primer Beso está fechado en los años 1907-­‐1908. Representa un giro copernicano en la producción escultórica de la época. Se desentiende totalmente de su maestro Rodin. Busca una nueva realidad plástica, despojada y reducida a la simplicidad más esencial, sin detalles ni motivos ornamentales, nada decorativa. Es un bloque de piedra formada por dos bustos de perfil pegados uno al otro. Parecen plasmar la frase bíblica “y serán un solo cuerpo...” porque hasta el ojo lo comparten. Solo la presencia del cabello y otras formas anatómicas levemente insinuadas nos permiten deducir la presencia de dos seres. Se ha interpretado como una metáfora del artista frente a su materia. En 1910, Brancusi retomó este tema para un monumento funerario en recuerdo de una joven rusa que se suicidó por amor queriendo simbolizar la fuerza de este sentimiento frente a la eternidad. La versión del Beso de 1916 es la más geométrica de la serie que dedicó a este tema. Refleja la influencia del Cubismo y la fascinación de este escultor por el arte primitivo, africano, asirio y egipcio.

En 1938 talló “La puerta del Beso” para un monumento dedicado a los muertos de Târgu Jiu, en su Rumanía natal.

A diferencia de Auguste Rodin, Brancusi trabajaba directamente con los materiales –mármol, piedra, bronce,

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madera y metal-­‐ sin utilizar modelos en yeso o cerámica. Tallaba directamente la piedra o el material que fuese.

Brancusi fue amigo íntimo de muchos artistas, sobre todo dadaístas y surrealistas entre los que sobresalen Marcel Duchamp, Erik Satie, Fernand Léger, Man Ray y Tristan Tzara.

Retratos, cabezas y bustos fueron frecuentes temas en la obra de Brancusi fruto de encargos de diversos coleccionistas. Solía hacer numerosas versiones de sus obras.

Otro ejemplo destacado de su producción que le acerca al geometrismo elegante y pulido del Déco es la Musa dormida (1909-­‐10) –cuyo ejemplar en bronce nos recuerda también a otras piezas de Gargallo-­‐. La forma ovoide de la musa para Brancusi era lo absoluto. La modelo y comitente de la obra fue una aristócrata, la baronesa Renée-­‐Irana Francos. El sueño nos remite al Simbolismo y al Surrealismo, tema capital en ambos movimientos. Se ha interpretado como una reflexión sobre la realidad presente más en el interior del ser humano y en el sueño que en el mundo exterior. El refinamiento extremo de esta obra nos remite a otras culturas, principalmente asiáticos que Brancusi había contemplado en el Museo Guimet de París.

Esta bellísima obra de formas depuradas y simplificadas fue la fuente de inspiración para la fotografía de Man Ray, Negra y Blanca de 1926 en la que aparece la modelo y musa de los artistas de vanguardia, Kiki de Montparnasse, peinada con bakerfix10, junto a una máscara africana.

Por su parte, la columna sin fin (1918) sugiere la idea del infinito por la repetición de idénticas formas romboidales y refleja la afinidad de Brancusi con lo sagrado, cósmico y mítico.

Pablo GARGALLO11 (1881-­‐1934) Gargallo, con sus coetáneos Picasso y Julio González, son los máximos representantes españoles de la escultura de vanguardia e investigan en técnicas y materiales, en especial con el hierro, convertido, gracias al desarrollo industrial en todo un material simbólico.

10 Brillantina que publicitó la bailarina y cantante Josephine Baker.

11 Véase la guía didáctica de Gargallo del Museo Gargallo de Zaragoza: http://www.zaragoza.es/contenidos/museos/gargallo/Guia_didac_Gargallo.pdf

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Fundamentos del Arte II Hijo de un herrero, Pablo Gargallo nació en un pueblo de Aragón, Maella y murió en Reus (Cataluña) en 1934. Cuando el pequeño Pablo contaba siete años se traslada con su familia a vivir a Barcelona y allí aprendería los primeros rudimentos del arte con su maestro Eusebio Arnau, uno de los artistas más destacados de su tiempo. Con Arnau empezó de aprendiz y años después colaboraría con él en la realización de diversos encargos escultóricos. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la Lonja, donde Venancio Vallmitjana fue su profesor de escultura. En sus inicios realiza un arte realista. Asiduo a las tertulias del café Els Quatre Gats, allí conoce a Nonell, Canals y Picasso, involucrándose en los círculos modernistas de la ciudad condal. A inicios del siglo XX, se instala en París durante un año gracias a una beca. En París le impacta la obra de Rodin y en la Ciudad de la Luz conoce al poeta y pintor Max Jacob. Se deja influir por el arte de vanguardia, en particular el Cubismo. En Madrid trabajó como medallista y en Barcelona realizó las esculturas que decoran el Hospital de Santa Cruz y San Pablo.

En París pasó temporadas donde entró en contacto con Pablo Picasso, Manolo Hugué, Juan Gris y Apollinaire entre otros. También diseñó y realizó joyas. Gargallo destacó en el empleo del metal en sus esculturas –bronce, hierro, incluso plomo y cobre-­‐ siendo sus obras un juego entre lo lleno y lo vacío. Son muy innovadoras e ingeniosas sus máscaras y rostros en chapa metálica. En su producción plástica, hay esculturas que no rechazan la tradición –con bellos desnudos de carácter noucentista12 -­‐ pero en general obras predomina la investigación vanguardista, a caballo entre el cubismo y el expresionismo, como se aprecia en su obra cumbre, El profeta, fechada en 1933. La pugna entre masa-­‐vacío es una de sus características más esenciales e innovadoras como se aprecia en sus esculturas dedicadas a las bailarinas, el David, la actriz Greta Garbo, Kiki de Montparnasse, el Profeta y muchas otras.

Habitualmente usaba plantillas de cartón para hacer las esculturas de chapa metálica. Con los cartones recortados podía hacer varias versiones de una misma obra y calcular la cantidad de metal que necesitaba. A partir daba forma a las piezas de hierro en caliente, golpeando el metal con un yunque.

Para terminar unía las distintas piezas mediante soldadura.

De Julio González aprendió la técnica de la soldadura autógena. Sus últimos diez años de vida los pasó en París aunque eventualmente viajaba a Barcelona a realizar diversos encargos.

Murió con tan solo 53 años cuando estaba en la cubre de su carrera. En Zaragoza se halla un museo enteramente dedicado a su obra, abierto en 1985. Pablo Gargallo, el genio del vacío, está considerado como uno de los escultores más importantes del siglo XX.

12 Tendencia clasicista catalana de inicios del siglo

XX.

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Si tuviéramos que destacar alguna obra vinculada o cercana al Art Déco serían muy representativas su Autorretrato (1927), las esculturas dedicadas a Greta Garbo (1930), Pequeña máscara de Pierrot (1934) y sobre todo Kiki de Montparnasse13 (1928), por sus formas geométricas y sus superficies pulidas de bronce.

También La cabeza pensativa de mujer que nos recuerda muchísimo a la Musa dormida de Brancusi, aunque la del español (1908) es anterior a la del escultor rumano (1909-­‐10). Kiki de Montparnasse, también llamada la “Reina de Montparnasse”, barrio mítico de artistas de París, en realidad se llamaba Alice Prin. Este retrato nos transmite la imagen de una mujer fascinante y moderna, aunque Gargallo apenas la conoció. Estas dos obras son ejemplos de escultura de vanguardia esteticistas, esquemáticas y geométricas.

Por lo demás, sus esculturas de desnudos femeninos noucentistas, podrían pasar perfectamente por esculturas déco.

Fuente de este texto sobre el Profeta de Gargallo: www.artehistoria.com

13 Kiki de Montparnasse fue la modelo más famosa entre los artistas de París en los años veinte.

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Fundamentos del Arte II Y DOCUMENTACIÓN FUENTES DE IMÁGENES Blog de Redondus: https://sites.google.com/site/fundamentosdelarteii/home www.wikiart.org www.artecreha.com www.artehistoria.com http://www.march.es/conferencias/ http://www.theartstory.org/movement-­‐art-­‐deco.htm http://www.didzioji1.lt/fr/2011/02/08/„art­‐deco-­‐stilius-­‐1918-­‐1939“/ http://www.youtube.com/watch?v=5mU­‐z1RsYI4&feature=player_embedded https://www.youtube.com/watch?v=odv6r175_Kg http://www.spaziodi.it/magazine/n0501/vd.asp?id=1161 http://www.vam.ac.uk/content/articles/a/study­‐guide-­‐art-­‐deco/ http://www.arteespana.com/pablogargallo.htm http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=p5oxN39d3pc http://www.youtube.com/watch?v=IjOVlo-­‐c8hE http://www.thefader.com/2011/04/08/reheater-­‐the­‐fantastic-­‐lives-­‐of-­‐sonia-­‐delaunay/ http://pinterest.com/hidartist/coco-­‐chanel-­‐and-­‐art-­‐deco­‐designs/ http://www.batashoemuseum.ca http://historiadelmueble.blogspot.com.es/search/label/25.%20Art%20decó%20japonista http://www.art­‐deco-­‐style.com/art-­‐deco-­‐fashion.html http://imladyrebel.com/2015/10/entrevista-­‐sobre-­‐chanel­‐inmaculada-­‐urrea/ http://www.vogue.fr/communaute/wiki-­‐de-­‐la-­‐mode/articles/coco-­‐chanel-­‐le-­‐chic-­‐tout­‐simplement/20593 http://www.portaildelamode.com/histoire-­‐mode-­‐chanel/ http://www.ipyme.org/publicaciones/firmaslujo.pdf http://www.harteconhache.com/2014/07/el-­‐ballet-­‐le-­‐train-­‐bleu-­‐vacaciones-­‐en.html http://www.delempicka.org http://culture.pl/en/artist/tamara-­‐lempicka-­‐tamara-­‐de-­‐lempicka http://www.telva.com/2009/05/04/modaespeciales/1241427971.html http://www.bogoff.com/wrist/6759.html http://www.zaragoza.es/ciudad/museos/es/gargallo https://www.youtube.com/watch?v=5p-­‐KL4prhvc http://www.telegraph.co.uk/music/jazz/the-­‐best­‐jazz-­‐movies-­‐and-­‐biopics/stormy-­‐weather/ http://www.cmgww.com/stars/baker/about/quotes2.html http://www.eileengray.co.uk http://arteac.es/eileen-­‐gray/ http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2013/10/1925-­‐cuando-­‐el-­‐art-­‐deco-­‐sedujo-­‐al-­‐mundo.html http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2013/02/cine-­‐y-­‐moda-­‐el-­‐art-­‐deco-­‐i.html http://artpower­‐ana.blogspot.com.es/2015/04/el-­‐gusto-­‐moderno-­‐art-­‐deco-­‐en-­‐paris-­‐1910.html http://artpower­‐ana.blogspot.com.es/2013/04/la-­‐nueva-­‐version-­‐del-­‐gran-­‐gatsby-­‐cine.html http://artpower­‐ana.blogspot.com.es/2017/01/tamara-­‐de-­‐lempicka-­‐icono-­‐del-­‐art-­‐deco.html

Extracto de la presentación de la Profesora

Ana Galván Romarate-­‐Zabala

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