BLOQUE 5. EL SURREALISMO Y OTRAS VANGUARDIAS
Bloque 5. El Surrealismo y otras Vanguardias
Las teorías de Sigmund Freud. La psicología. El irracionalismo onírico. El movimiento surrealista. Origen. Principales artistas: Salvador Dalí, Jean Arp, Joan Miró. El movimiento Neoplasticista holandés "De Stijl": arquitectura, pintura y mobiliario. Piet Mondrian. Theo Van Doesburg, Gerrit Thomas Rietveld. El surrealismo en el cine: "Un perro andaluz", Luis Buñuel y Salvador Dalí. "La edad de oro", Buñuel. El cine alemán: El expresionismo alemán: "El gabinete del doctor Caligari" (1920), Robert Wiene. El género de la "Ciencia ficción". Fritz Lang y su película "Metrópolis" (1927). Los ballets de Serguéi Diághilev y Nijinsky. Escenografías y decorados.
EXPRESIONISMO Es una corriente pictórica que nace como movimiento a principios del siglo XX (1905-1925), principalmente en Alemania, aunque también aparece en otros países europeos. En general se habla de expresionismo cuando predomina en una obra el sentimiento sobre el pensamiento, es decir, cuando expresa emociones, vivencias, sentimientos del autor: la muerte, el sufrimiento, la angustia, la locura. Es, por tanto, una tendencia subjetiva, apasionada y vinculada estéticamente al fauvismo (por la importancia que dan al color), y que en muchos artistas ofrece la imagen tétrica de un mundo sin objetivos. En ellos, su temática se centra en temas morbosos y prohibidos, insistiendo en lo demoníaco, los sexual, lo fantástico y lo pervertido. Técnicamente se nota un apasionamiento por el tratamiento de la superficie del cuadro, con aplicación violenta de los colores. El expresionismo tuvo dos corrientes principales El Puente (Die Brücke) , formado principalmente por Ernst Ludwing Kirchner y Erick Heckel y El Jinete Azul (Der Blaue Reiter), liderado por Wassily Kandinsky y Franz Marc. El Expresionismo está representado en Austria por Oskar Kokoschka .
Erich Heckel- retrato masculino
EDVARD MUCH EDVARD MUNCH (1863-1944), noruego y de infancia trágica, refleja vivencias personales en sus obras. Expresa de forma trágica su sentir de la vida y la soledad y el miedo del hombre. Su temática es dramática, casi obsesiva, y su técnica agudiza los colores con un trazo violento y agudo. Quizá su obra sea la que mejor expresa la angustia o la desesperación ante las situaciones cotidianas. Su obra mas famosa es El grito (1893), símbolo perfecto del universo expresionista.
La Pubertad, 1895
El Grito, 1893 Madonna, 1895
EXPRESIONISMO
ERNST LUDWIG KIRCHNER: EL PUENTE
Postdamerplat
Mujeres paseando
EXPRESIONISMO
Ernst Ludwig Kirchner :: Die Brücke (El Puente)
Formas angulosas, abruptas y ondulantes muy marcadas que provocan inquietud y miedo Atmósferas agobiantes o inquietantes
Figuras alargadas, simplificadas a veces de manera grosera, se apelmazan, sin conexión unas con otras
Bruscos cambios de perspectivas y puntos de vista
Utilización arbitraria de colores fuertes, intensos, puros ( con abundante empleo del negro)
Trazos nerviosos de gruesas líneas Temas de la vida cotidiana le sirven de excusa para hacer una alegoría a base líneas, planos y colores (importan más formas que temática)
Complicadas composiciones en forma de X, V o N
Postdamerplatz
Mujeres paseando
Expresionismo alemán “Die Brücke” (el puente) Erns Ludwig Kirchner
Pretenden concienciar a la sociedad ( cierto componente social) para cambiarla a través de una nueva ética
EXPRESIONISMO
Ernst Ludwig Kirchner :: Die Brücke (El Puente)
Mujer bajo un parasol japonés, 1909
Autorretrato como soldado, 1915
EXPRESIONISMO
FRANZ MARC: EL JINETE AZUL
‘Los grandes caballos azules'
El caballito de Marc
EXPRESIONISMO
WISSILY KANDINSKY: EL JINETE AZUL
EXPRESIONISMO
WISSILY KANDINSKY: EL JINETE AZUL
EXPRESIONISMO
Wissily Kandinsky :: Der Blaue Reiter (El jinete azul) Valor de colores
Rojo: poder, energía Amarillo: calor- pasión Azul: frío- espiritualidad Negro: la nada Gris: estatismo Blanco: silencio positivo
Arriba:fuerza Abajo: tristeza
Triángulo
Perfección
Círculo
Verde: calma Valor de formas
Semicírculo
Ascendente: alegría Horizontal: calma Descendente: tristeza
Líneas
Significación propia
Puntos
ameboides
Impresión (Aún presente visión naturaleza)
Improvisación (nacidos del insconsciente)
Expresionismo alemán “Der blaue Reiter” (el jinete azul) Wassily Kandinsky
Con base recta: tranquilidad
A partir años 30
composición (participa conscientemente realizando un análisis)
grosor energía
EXPRESIONISMO
OSKAR KOKOSCHBA: EL EXPRESIONISMO EN AUSTRIA
La esposa del viento(1914). Esta obra, conocida también como La tempestad, consigue transmitir la inestabilidad afectividad del artista a través de formas desgarradas y dinámicas.
SURREALISMO • El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad. • Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación. • Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. • El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica. • Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización
Niño Geopolítico Observando El Nacimiento del Hombre Nuevo
Influencias del Surrealismo 1. El movimiento Dadá
3) pintura metafísica de Giorgio Chirico (1888-1978)
2) El Bosco (pintor holandés, 1450-1516)
4) las teorías Psicoanalíticas de Sigmund Freud
1. INTRODUCCIÓN-LAS TEORÍAS DE SIGMUND FREUD • Sigmund Freud fue sin duda uno de las personas más influyentes dentro del desarrollo del pensamiento durante el siglo XX. Su teoría dice que nuestras mentes guardan recuerdos y emociones en nuestro subconsciente. • Uno de los descubrimientos más importantes de Freud es que las emociones enterradas en la superficie subconsciente suben a la superficie consciente durante los sueños, y que recordar fragmentos de los sueños pueden ayudar a destapar las emociones y los recuerdos enterrados. • Las terapias que utilizan la existencia de dificultades en la infancia o emociones reprimidas para explicar problemas emocionales actuales empiezan con Freud. • Freud decía que los sueños son una forma de realizar deseos y que muchos deseos son el resultado de deseos sexuales reprimidos o frustrados. La ansiedad que rodea dichos deseos hace que algunos sueños se conviertan en pesadillas. • El deseo aparece disfrazado en el aspecto manifiesto del sueño, en lo efectivamente soñado, proceso denominado 'deformación onírica'. Esta deformación es intencional y se debe a la censura que el sujeto ejerce contra la libre expresión de deseos, por encontrarlos censurables por algún motivo (Ej. La sociedad, la educación, represeión, reglas, leyes, etc.)
• Freud decía que a lo largo de la historia, hubo tres grandes humillaciones. El descubrimiento de Galileo que no somos el centro del Universo; el descubrimiento de Darwin que no somos la corona de la creación; y su propio descubrimiento que no controlamos nuestra propia mente.
Características de la pintura surrealista: Representación de toda clase de simbologías, especialmente de carácter erótico y sexual. Autómatas. Máquinas fantásticas. Animación de lo inanimado. Relaciones humanísticas entre desnudos y maquinaria. Interpretación de la realidad desde el sueño, el inconsciente y la irracionalidad. Invención de nuevos métodos y técnicas. Creación de imágenes equivocas de manera que una misma cosa puede ser interpretada de varias maneras. Metamorfosis Aislamiento de fragmentos anatómicos. Perspectivas vacías. Evocación del caos.
Técnicas Artísticas del Surrealismo La técnica básica empleada por el surrealismo es el automatismo, definido como una actividad que escapa al control voluntario y se realiza independientemente de uno mismo. Para los surrealistas es la mejor manera en la que se pueden rescatar el contenido mental que se esconde en el inconsciente. La técnica consiste en permitir que la mano del artista actúe libremente, plasmando en papel o en lienzo lo que su mente inconscientemente le dicta. Bajo esta técnica surgen visiones premonitorias, seres fantásticos, paisajes sobrenaturales y elementos de índole religiosa y “magica”, que van montando de cierta manera la obra. “El Carnaval del Arlequín”, de 1925, de Joan Miró
Frottage - creado por Marx Ernst y se refiere al acto de pasar un lápiz por encima de un papel que esta colocado sobre una superficie rugosa.
Collage - consiste en pegar sobre un soporte, usualmente un lienzo, elementos de diferente procedencia.
Histoire Naturelle - Max Erns
Método paranoico crítico - creado por Salvador Dalí, es un método espontáneo de conocimiento irracional basado en la asociación interpretativa crítica de fenómenos delirantes .
"Afgano invisible con la aparición en la playa del Rostro de García Lorca en la forma de un frutero con tres higos", Salvador Dalí
Randy Mora
Decalcomanía.
consiste en aplicar color negro sobre un papel el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión y luego se despegan antes de que se sequen, generando una forma abstracta.
Oscar Dominguez Three Figures (Decalcomanie Interprété) 1947
SURREALISMO
ANDRÉ MASSON: CORRIENTE AUTOMATISTA
En la torre del sueño
Metamorfosis de los amantes-André Masson
JOAN MIRÓ: CORRIENTE AUTOMATISTA JOAN MIRÓ (1893-1983). Nacido en Barcelona, Miro se inicia en el modernismo catalan, y tras pasar una etapa fauve, deriva hacia la esquematizacion. De lenguaje preciso y minucioso, ya en 1923 quiere plasmar la realidad surgida del sueño. La tendencia a la no figuracion y a la libertad hacen posibles sus asociaciones fantasticas de signos simbolicos, ondulaciones y curvas que le dan un caracter ritmico y festivo. Este estilo tan propio reaparece en todas sus obras con una constante de vivos colores, estrellas, lunas, filamentos, repitiendose hasta la saciedad, llenos de lirismo y emotividad. Su primera gran obra surrealista es El carnaval de Arlequín (1924-25). Mujer y perro frente a la luna (1936)
SURREALISMO
Joan Miró :: Corriente Automatista
“El comienzo del día-1968Mujer y pájaro-Barcelona-
vuelo-de-pajaros-1968.
El carnaval de ArlequĂn (1924-25).
Esculturas de Joan MirĂł situadas en el barrio de La Defense, en ParĂs
SALVADOR DALÍ: CORRIENTE ONÍRICA Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública
La Persistencia De La Memoria
Conocido también como Los relojes blandos fué pintado en 1931. Realizado mediante la técnica del óleo sobre lienzo y sus medidas son 24 x 33 cm. Se conserva en el MoMA (Museo de Arte Moderno) de Nueva York, donde llegó en 1934 como donativo de Helen Lansdowne Resor, magnate de la publicidad que posteriormente llegaría a ser patrona del museo; el precio pagado fue de 400 dólares
La tentación de San Antonio En el cuadro se muestra a san Antonio Abad en un desierto, arrodillado y sosteniendo una cruz hecha con dos varitas para protegerse de las tentaciones que lo atacan, con el antiguo gesto del exorcismo. Estas son representadas por un caballo y una fila de elefantes, todos estos con sus patas alargadas de forma grotesca y cada uno cargando con una tentación. El cuadro describe literalmente las tentaciones a las que el hombre normalmente cae: Triunfo, representado con el caballo, el cual tiene sus pezuñas desgastadas y llenas de polvo. Este animal recuerda a los jumentos esqueléticos de los primeros cuadros surrealistas del autor
La Madonna de Port Lligat
Muchacha en la ventana, 1925
SURREALISMO
El gran masturbador de DalĂ?
SURREALISMO
Salvador Dalí :: Corriente Onírica Características generales
Dibujo muy preciso, académico (gran interés por primitivos flamencos y autores renacentistas)
Espacios atemporales
Luz irreal que inunda todo el espacio Línea acota los dibujos con gran rigor y nitidez, a veces con auténtica obsesión por reflejar fielmente la realidad
Minuciosidad naturalista
Perspectivas que tienden al infinito (sensación de silenciosa soledad)
Temática extraída del subconsciente de forma lúcida
Formas Naturalistas descontextualizadas
Anamorfosis (formas ambiguas)
Plumas como pestañas
Método paranoico-crítico (blando- duro)
Formas simbólicas (temas eróticos (fetichismo), obsesiones infantiles sobre muerte y putrefacción)
Langosta Lirio: pureza=amor puro la masturbación. hormigas= secreciones sexuales
Contraste de colores luminosos, muy brillantes y contrapuestos (amarillos y azules)
Personajes solitarios, diminutos perdidos en la inmensidad
Surrealismo Salvador Dalí El gran masturbador
SURREALISMO
SURREALISMO Salvador Dalì - Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada
Salvador Dali. Jirafa ardiendo.
SURREALISMO
Salvador Dalí :: Corriente Onírica Elefantes con obeliscos (como plaza de Roma) cuyas patas se deforman para ser de insectos Luminosidad transparente Eclosión de granada: en acentuado escorzo un pez que regurgita dos tigres
Bayoneta símbolo de picotazo Todos los elementos levitan (sensación de ingravidez) Fragmentación de imágenes que dan sensación de falta de unidad
Abeja alrededor de la granada se transforma:
Surrealismo Salvador Dalí Sueño provocado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada
Sensualidad y erotismo (representación de Gala, su musa)
Posible influjo de su admiración por la física atómica
SURREALISMO
El enigma del deseo
Homenaje a progreso científico junto con una vuelta a verismo renacentista
Juegos ópticos
Figura que se descomponen Capacidad de fusionar forma y fondo
Respeto a las leyes de la perspectiva lineal renacentista
Gala viendo el Mediterráneo y rostro de Abraham Lincoln Surrealismo Salvador Dalí
RENÉ MAGRITTE: CORRIENTE ONÍRICA RENÉ MAGRITTE (1898-1967). Belga. Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensitivo a su entorno. Magritte dotó al Surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras, poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y uno real. Magritte busca formas expresivas nuevas lejos del Automatismo. 'El hijo del hombre' (1964) - René Magritte.
SURREALISMO
René Magritte :: Corriente Onírica
“Vacaciones de Hegel” 1958
'Golconda', óleo de Rene Magritte (1898-1967) Los amantes, 1928
4.EXPRESIONISMO ALEMAN.1919
. En oposición al naturalismo poético y literario, surge en Alemania el EXPRESIONISMO. Su propuesta es plasmar la realidad desde una interpretación subjetiva y emocional. Robert Wiene filma El gabinete del doctor Caligari, compuesta con decorados en los que las sombras son pintadas y las líneas distorsionadas, en una búsqueda de sembrar la inquietud en el espectador. La escenografía cumple una función dramática puesta al servicio de la subjetividad del autor y de la emoción del espectador. Este movimiento artístico, al que se le dio el nombre de Caligarismo, puso el énfasis en lo pictórico de la escenografía, descuidando las posibilidades expresivas que podría haberle brindado la cámara. Sin embargo, su puesta en escena llamó la atención de los intelectuales europeos, quienes comenzaron a referirse al cine ya no como un espectáculo barato, sino como un arte.
Alemania Los estilos "expresionista" y kammerspiel sorprenden por sus ambientaciones en escenarios irreales o futuristas. "El gabinete del Dr.Caligari" (1919), de Robert Wiene, "Nosferatu" (1922), de F. W. Murneau, "Metrópolis" (1926) o "M, el vampiro de Düsseldorf" (1931), de Fritz Lang. Este cine aparecido después de la derrota de los alemanes en la I Guerra Europea y el establecimiento de la humillante Paz de Versalles, refleja sus angustias y contradicciones. El país vive bajo la inestabilidad de la República de Weimar y de una gran crisis económica, situación de la cual se aprovecharán los nazis. El trabajo de la iluminación -llena de contrastes entre el claro-obscuro, la luz y la sombra- serán uno de los aspectos plásticos más innovadores.
- No hay profundidad real (telรณn de fondo) - No se respetan los ejes verticales - Gran cantidad de direcciones diagonales - Curvas inesperadas - Deformaciรณn de planos escenogrรกficos
- Utilizacion del claro oscuro - Gran contraste entre luces y sombras - Los decorados se iluminan desde la base o laterales
- Influencia de la literatura romántica - Ambigüedad - Desdoblamiento - La temática del amor - Personajes lúgubres
- Capas - Sombreros de copa - Maquillaje blanco - Ojos delineados
- Connotan lo amenazante, un presagio siniestro o el destino implacable - TambiĂŠn se utilizan para destacar el carĂĄcter del personaje o dar sentido dramĂĄtico a alguna escena
El gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene, 1919), La llegada a un pueblo una feria ambulante coincide con una serie de misteriosos asesinatos. En la feria, un enigmático Doctor Caligari presenta como atracción a Cesare, el sonámbulo que está dormido hace más de veinte años pero puede responder a cualquier pregunta que se le haga. Dos amigos, Francis y Alan, acuden a verlo y el sonámbulo le vaticina a este último que morirá antes del amanecer como, efectivamente, sucede. Francis decide investigar a Caligari, lo que lo llevará a una serie de hallazgos que terminan por plantear los dilemas entre sueño y realidad, historia y fantasía, cordura y enfermedad mental. Esta película muda se caracteriza por su extraña escenografía y la expresividad de los actores, apoyada fuertemente en el vestuario y el maquillaje. Es reconocida como la primera producción del cine expresionista alemán, lo que le confiere, además, interés histórico.
Friedrich W. Murnau. Nosferatu 1922 . FRIEDRICH W. MURNAU filma Nosferatu, logrando una síntesis entre la fantasía y el realismo, pues ubica su historia irreal en ambientes naturales (hasta entonces rechazados por el Expresionismo). Utiliza recursos técnicos novedosos, como el ralenti y el negativo para mostrar el paso del mundo real al fantástico. Introduce elementos reales en una historia fantástica.Potencia su veracidad
Fritz Lang ( Metrópolis, 1926) Es su obra definitiva. Jugará con espacios, volúmenes y claroscuros. Es un tratado sociológico algo infantil, que consigue imágenes que pasarán a la historia. Representa el apogeo del expresionismo de orden arquitectónico y de ciencia ficción, como Caligari lo fue en el pictórico.
Joseph von Sternberg (El ángel azul,1930) Josef von Sternberg (Viena 1894 – 1969) fue un director norteamericano de origen austriaco. Von Sternberg fue además el descubridor, para el cine, de Marlene Dietrich, en la primera película sonora europea, El ángel azul, de 1930. El ángel azul está considerado como uno de los mejores filmes sonoros alemanes de todos los tiempos. Fue la primera película de Marlene Dietrich como actriz principal, y la catapultó hasta el estrellato. El ángel azul causó gran revuelo en los años 30 porque Marlene Dietrich apareció con los muslos descubiertos; fue una de las primeras actrices de cine en hacerlo.
5. Surrealismo Cinematográfico El surrealismo cinematográfico surge a finales de los años 20, con el español Luis Buñuel en conjunto con Salvador Dalí, de forma experimental. Su primera película fue “Un Chien Andalou” (Un Perro Andaluz), escrita y dirigida por ambos en el año 1929, esta película a pesar de su corto tiempo de duración (aproximadamente 17 minutos), fue tan impactante que tuvo una abrumadora acogida entre los surrealistas y cinéfilos. Y luego, ya en el periodo sonoro, se filma “L'âge d'or” (La Edad de Oro), también dirigida y escrita por Luis Buñuel. La cinematografía al igual que las demás corrientes artísticas surrealistas, se destaca por el método surrealista en que se concibe, en la cinematografía la técnica empleada es la “asociación libre” (método psicoanalítico que fue empleado por Sigmund Freud, que consiste en que se exprese, todo lo que se viene a la mente sin ninguna discriminación).
Principal Exponente: Luis Buñuel (1900-1983)
Fue un director de cine español, posteriormente nacionalizado como mexicano, considerado como uno de los más importantes y originales en la historia del cine mundial. La asistencia de Buñuel a una conferencia en la residencia de estudiantes, sobre el surrealismo, fue el detonante para que se desplazara a París, interesado en el movimiento surrealista. Ya en París, y con Dalí como co-guionista, dirigiría, Un chien andalou (Un perro Andaluz) y L'âge d'or (La edad de oro), sus dos películas surrealistas más famosas. Un perro andaluz fue el primer corto surrealista de la historia del cine y tuvo un gran éxito. Fue colaborador habitual de numerosas publicaciones de cine y arte. Le gustaba reflejar la visión pesimista y cruel de la vida. La visión de Buñuel chocaba con la realidad. Tenía muy presente la posibilidad de la destrucción de la tierra, pensaba en las guerras y la bomba atómica. Afirmaba que ni la libertad ni la justicia existían.
Luis Buñuel vino de una familia burguesa y muy religiosa, estudió y vivió la disciplina de la religión, pero se podría argumentar que parte de su trabajo tiene como meta, entre otros objetivos, cambiar a la sociedad en la que vivimos, que se basa en la religión, la familia y el orden establecido, y que impone una moral y un comportamiento social de la que ni siquiera la burguesía que sustenta el poder es libre. Es considerado uno de los más importantes y originales directores de la historia del cine. Entre 1929 y 1977 dirigió un total de 32 películas. Alguna de las mejores son:
Un perro andaluz (Un chien andalou, 1929). La edad de oro (L'âge d'or, 1930). Las Hurdes, tierra sin pan (Las Hurdes, 1933). Los olvidados (1950) Nazarín (1958-1959). Viridiana (1961). El ángel exterminador (1962). Simón del desierto (1964-1965). Tristana (1970). El discreto encanto de la burguesía ( 1972). Ese oscuro objeto del deseo ( 1977)
Un perro Andaluz Un Chien Andalou es un monumento supremo a la libertad de la imaginación, el principio básico del surrealismo. En su película, Buñuel intenta dejar salir las imágenes que están en el subconciente para de este modo liberar la imaginación que ha sido reprimida por la sociedad. Las imágenes son trampolines para la mente del que las ve; ellas deben estimular el proceso imaginativo sin restringirlo. Esta técnica es esencialmente surrealista porque busca destruir la lógica de la razón y sustituirla por la lógica del subconciente, un mundo donde no existe unidad de tiempo y espacio, una realidad fragmentada. El mundo de Un Chien Andalou está lleno de manos mutiladas, de insectos, de expresiones del deseo sexual, etc. De este modo, Buñuel se subleva contra "la prohibición de cualquier tipo de búsqueda de la realidad que no esté de acuerdo con las prácticas aceptada. Finalmente, este film está basado en la transgresión y en el escándalo como arma subversiva. Luis Buñuel se levanta en armas contra todos los valores de la sociedad, contribuyendo con su obra a la revolución surrealista. Breton nos dice que "realmente vivimos por nuestras fantasías cuando les damos rienda suelta". No queda duda entonces de que en la mejor tradición vanguardista, Luis Buñuel levantó la tapa de la caja de pandora de su subconsciente para dar rienda suelta a su imaginación.
La edad de oro La edad de oro (L'âge d'or) es una película francesa dirigida en 1930 por el cineasta español Luis Buñuel. Es una película surrealista no sólo en la forma externa, sino en las diferentes escenas, en las imágenes impactantes que sobresaltan a los espectadores o en las arriesgadas asociaciones y metáforas. Es, además y esencialmente, una manifestación surrealista en su contenido, en el fondo, en la medida en que relata una historia de amor pasional que trata de romper las barreras que se le imponen, los límites. Asimismo, hay un trasfondo de rebelión, revolución y cuestionamiento de las normas morales y sociales muy evidente. Se trata, pues, de la rebelión de dos amantes que se niegan a que su amor, pasional y sujeto sólo a sus propias normas, tenga que ser extinguido debido a los prejuicios y preceptos morales y sociales tradicionales. Podemos incluso considerarla como una metáfora del propio grupo surrealista, de su manera de entender la vida y las relaciones humanas, de la necesidad de ser coherente con los principios morales propios, pese a las normas de conducta convencionales: la jerarquía civil, el clero, las normas de conducta, etc
FUTURISMO • Es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades. • Toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas. • Los artistas buscaron reproducir de manera obsesiva la sensación de movimiento, dinamismo, cambio y transformación, conceptos todos ellos vinculados a la idea de progreso. Por este motivo se inventó una nueva técnica formal, el Simultaneísmo, consiste en repetir las imágenes de manera superpuesta constituyendo algo similar a una secuencia fílmica, utilizando colores vivos y muy variados. Sus principales artistas fueron Humberto Boccioni, Giacomo Balla, y Carlo Carrá.
FUTURISMO
Umberto Boccioni
La calle adentra en la casa, 1911
Formas únicas de continuidad en el espacio, 1913
FUTURISMO
Giacomo Balla
ARTE ABSTRACTO La abstracción esta considerada como el movimiento rupturista más grande del siglo XX. Su iniciador fue Wassily Kandinsky, quien alrededor de 1910 abandonó conscientemente la figuración, para influir en el alma del espectador a través de la armonía entre la forma y el color. Posteriormente aparecieron diferentes corrientes abstractas como el Constructivismo (1913) y el Supramatismo (1915) rusos, y el Neoplasticismo holandés (1917). Los dos primeros se sustentaron en el uso exclusivo de la geometría – cuadrado, triángulo y círculo – como camino de expresión formal, si bien el Constructivismo insistía en la función utilitaria del arte y el Suprematismo fue siempre el vehículo de las ideas espirituales de Kasimir Malevich. Esta misma línea espiritual fue seguida por el Neoplasticismo, liderado por Piet Mondrian. Para conseguir sus objetos, los artistas neoplasticistas simplificaron las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, cubos, planos y colores primarios y neutros
ABSTRACTO
WASSILI KANDINSKY
ABSTRACTO
KASIMIR MALEVICH
ABSTRACTO
PIET MONDRIAN
3. MOVIMIENTO NEOPLASTICISTA HOLANDES – DE STIJL Corriente artística promulgada por Piet
Mondrian en 1917 que proponía despojar al arte de todo elemento accesorio en un intento de ametrallar el cuadro y llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia, universal. Junto con Theo van Doesburg fundó la revista De Stijl, principal órgano de difusión del movimiento, en cuyo primer número apareció publicado el manifiesto neoplasticista. Artistas y arquitectos agrupados alrededor de la revista Stijl defendieron el orden claro y geométrico del movimiento aplicando sus principios también en la construcción de edificios. Piet Mondrian (1872 - 1944)
Características Lenguaje plástico universal. .Exclusión de lo individual. Se elimina todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo
elemental, en un intento de llegar a la esencia. Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos. Planteamiento totalmente racionalista. Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos. Nunca se recurre a la simetría, aunque hay un marcado sentido del equilibrio logrado por la compensación de las formas y los colores. Uso de pocos colores. Colores planos, de carácter saturado o puros (primarios: amarillo, azul, rojo) y tonal o neutros (blanco, negro y grises). Empleo de fondos claros. Pinturas: equilibradas, ordenadas, optimistas, alegres. Silla azul y roja, Gerrit Rietveld
De stijl. Principales representantes Las pinturas de Mondrian constituyen la fuente a partir de la cual se desarrollaron la filosofĂa y las formas visuales De Stijl.
Piet Mondrian (1872-1944)
Theo van Doesburg (1883-1931)
Gerrit Rietveld
Piet Mondrian Pieter Cornelis Mondriaan (Amersfoort, 7 de marzo de 1872 - Nueva York, 1 de febrero de 1944), conocido como Piet Mondrian, fue un pintor vanguardista neerlandés, miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto con Theo van Doesburg. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción, de la cual es el principal representante inaugural junto a los rusos Wassily Kandinski y Kazimir Malévich. Mondrian, busca encontrar la estructura básica del universoBusca, en suma, un "arte puro", despojado de lo particular.La teoría de Mondrian ha sido relevante en el siglo XX trascendiendo la pintura e influyendo en las demás expresiones estéticas: diseño, decoración, arquitectura, y escultura y publicidad. Cuadro nº 2 (1925). Piet Mondrian
Piet Mondrian- Composición en rojo, amarillo y azul. 1921 Lo primero que destaca, es el rectángulo rojo, después el
rectángulo amarillo, el asunto con el rectángulo azules que parece formar parte del fondo blanco, ya que no se encuentra rodeado por un marco negro, a diferencia de los otros dos. Supongo que la ley de pregnancia es la más obvia en esta obra, pues utiliza formas simples. También se ven elementos de la ley de segregación de las unidades, pues las líneas pueden verse como un grupo de elementos similares. La ley de la jerarquización resulta bastante obvia, pues el primer objeto que salta a la vista, como ya dije, es el rectángulo rojo y luego los otros dos, aunque también podrían jerarquizarse en cuanto a tamaño o en cuanto a su disposición, teniendo el rectángulos azul hasta abajo y el amarillo hasta arriba. No podría decir que exista un contraste muy marcado, sinceramente creo que la única relación obvia es la que existe entre las líneas y el fondo.
Piet Mondrian, Cuadro 1. 1921 Lo primero en llamar la atención es el
rectángulo rojo, ahora de mayor tamaño, aunque sigue usando los mismos elementos, ahora son más los que introduce, creo que es un composición más íntegra, los elementos se relacionan mejor además de que ahora existen varios grupos y algunos de ellos pueden interpretarse también como parte del fondo. La jerarquización podría verse en espiral, partiendo del rectángulo rojo hacia abajo y a la izquierda.
1927 – Composición en rojo, amarillo y azul 52
Escultura neoplasticista. Georges Vantongerloo
En escultura se va a tratar de hacer
como en arquitectura, plasmar lo visto en la pintura neoplasticista y aplicarlo a otros ámbitos. Esto mismo es lo que intenta hacer Vantongerloo. En estas obras apreciamos formas geométricas, líneas horizontales y verticales que se cortan y se interrelaciónan, buscando sensación de volumen cerrado, sin color, todo muy sencillo. Todos formados a partir de bloques.
Tres direcciones de um plano. Georges Vantangerloo 54
Theo Van Doesburg Fue un pintor,
teórico, poeta y arquitecto neerlandés, que trabajó y colaboró con Mondrian en algunos proyectos. Introduce la diagonal como signo de dinamismo.
Van Doesburg 56
Van Doesburg. Modelo de um Hotel Particular. 1923
Van Doesburg. Casa do Artista. 1923
Estudo de cores para obra arquitectónica (pormenor), Theo Van Doesburg
1923 – University Hall – Projecto, Theo Van Doesburg 57
Gerrit Rietveld Arquitecto y diseñador holandés influenciado por el movimiento neoplasticista.
Diseño de Gerrit Rietveld “Silla roja y azul” (1918)
Gerrit Rietveld.“Silla zig-zag” (1934).“Military line”
Gerrit Rietveld. Casa Schröder.1924 – Utrecht Esta obra arquitectónica no sólo es una obra del neoplasticismo, contiene elementos importantes de la arquitectura, como el uso de materiales como el vidrio y el acero; además introduce el uso de la planta libre, que se contrapone a los cuartos en cuadros cerrados utilizados comúnmente. La casa tiene dos niveles. La planta baja consta de cocina-comedor salón, una sala de lectura, un espacio de estudio, que hasta 1933 Gerrit Rietveld utilizado para su propia oficina, dormitorio de la sirvienta y un trastero.Como parte del movimiento, los colores primarios como el rojo, azul y amarillo, se utilizan principalmente, en interiores y exteriores
SCHRODER HOUSE
La planta superior se consideró ático de acuerdo con el código de construcción Todos los dormitorios se encuentra en ese espacio y las habitaciones estaban divididas sólo por tabiques móviles. El concepto fue utilizado para que los niños podrían tener un mayor espacio abierto para jugar durante el día y luego cerrarla hasta tener una habitación más privada por la noche.
Casa Rietveld Schrรถder
Café de l’Aubette de Estrasburgo
NEOPLASTICISMO DE STIJL
6. Ballets de Serguéi Diághilev y Nijinsky. Escenografías y decorados. Vaslav Nijinsky Vaslav Nijinsky (ruso:1890 - 1950) fue un bailarín de ballet y coreógrafo ruso .Nijinsky fue uno de los más dotados bailarines en la historia, y se hizo célebre por su virtuosismo y por la profundidad e intensidad de sus caracterizaciones. Podía realizar el en pointe , una rara habilidad entre los bailarines de su tiempo y saltos que parecían desafiar la gravedad. Un momento decisivo para Nijinsky fue su encuentro con Serguéi Diáguilev, un importante patrón de las artes, que promovía el arte visual y musical de Rusia en el extranjero, particularmente en París. Nijinsky y Diáguilev se hicieron amantes, y Diáguilev comenzó a involucrase en dirigir la carrera de Nijinsky. En 1909 Diáguilev llevó una compañía a París, con Nijinsky y Anna Pávlova en los papeles estelares. El espectáculo tuvo gran éxito.
Con el apoyo de Diáguilev, Nijinsky comenzó a trabajar como coreógrafo, creando tres ballets, La siesta del fauno, con música de Claude Debussy (1912), Jeux (1913), Till Eulenspiegel (1916) y La consagración de la primavera, con música de Ígor Stravinski (1913). Nijinsky creó movimientos revolucionarios en sus espectáculos, alejándose de los movimientos fluidos tradicionales del ballet entonces dominante. Nijinsky en el ballet La siesta del fauno, 1912
Serge Diághilev. Los Ballets Rusos Serge Diághilev elevó el ballet a la más sofisticada de las artes.Un hombre de personalidad arrolladora y un enamorado del arte, que a través de la danza hizo llegar al gran público las vanguardias artísticas del siglo XX. La compañía creada por él y formada por los mejores y más disciplinados bailarines del momento, apostó por la renovación del lenguaje visual, tanto en la coreografía como en la escenografía, la música y el vestuario, convirtiendo a la danza en un espectáculo de arte total. Los Ballets Rusos ,fue una célebre compañía de ballet creada en 1907 por el empresario ruso Serguéi Diáguilev. Causó sensación en Europa Occidental gracias a la gran vitalidad de la escuela rusa. Se convirtió en la compañía de ballet más influyente del siglo XX, y su influencia, de una u otra manera, perdura hasta el día de hoy. Para realizar la escenografía —decorados y vestuario—colaboró con otros artistas, como los pintores Pablo Picasso, Henri Matisse, Georges Braque, Odilon Redon, Giorgio de Chirico, Natalia Goncharova, etc
Pablo Picasso, Parade (1917). El vestuario fue concebido como enormes estructuras que cubrían a los actores desde la rodilla hasta más arriba de la cabeza, limitando la libertad de movimiento al intérprete.
Natalia Goncharova, Decorado para El Gallo de Oro, 1914
Natalia Goncharova, FigurĂn para El Gallo de Oro, 1914
Ballet costume for Igor Stravinsky's ballet Le Chant du rossignol.1920 Henri Matisse/Fauvisme
7. Música y danza: Igor Stravinsky Stravinski fue un compositor y director de orquesta ruso, uno de los músicos más importantes y trascendentes del siglo XX. Es conocido mundialmente sobre todo por tres obras de uno de sus períodos iniciales —el llamado período ruso—: El pájaro de fuego (L'Oiseau de feu, 1910), Petrushka (1911) La consagración de la primavera (Le sacre du printemps, 1913). Para muchos, estos ballets clásicos, atrevidos e innovadores, prácticamente reinventaron el género. Pulcinella es un ballet de Igor Stravinsky basado en una obra de teatro del siglo XVIII en torno al personaje Pulcinella. El encargado de los trajes y la escenografía fue nada menos que Pablo Picasso. La obra fue un encargo de Sergei Diaghilev.