Dossier elaborado por Laura Sรกnchez y Andrea Ospina Equipo de producciรณn y curaduria Estudiantes Universidad de Caldas muestradeartecontemporaneo@gmail.com
HISTORIA La primera versión de la Muestra de Arte Contemporáneo de Manizales se realiza en el año 2012 como iniciativa de los docentes Daniel Fernando Gómez perteneciente en aquel entonces al Departamento de Artes Plásticas de la Universidad de Caldas y su actual Director de Programa Jorge Hernán Lagos, con el apoyo de la Alianza Francesa de Manizales, buscando contribuir al panorama cultural de la ciudad, por medio de la visibilización de la producción artistica de estudiantes del programa. En el año 2014 se realiza la segunda versión del evento en la ciudad de Manizales y se propone como una exposición itinerante, la cual se desplaza a Medellín, Antioquia, como la Primera Muestra de Arte Contemporáneo de Manizales en Medellín, en el cual se extiende la invitación a artistas regionales y locales interesados en proyectar su trabajo. La tercera muestra realizada en el año 2015 en las instalaciones de la Alianza Francesa de Manizales, expone trabajos desarrollados por artistas del pregrado de Artes Plásticas de la Universidad de Caldas, generando también un ejercicio de experimentación en el área curatorial por parte de estudiantes pertenecientes a dicho pregrado; además se amplían los horizontes invitando expositores provenientes de la Universidad de Antioquia (Medellín) y la Universidad Tecnológica de Pereira. El presente catálogo corresponde a la Segunda Muestra de Arte Contemporáneo de Manizales en Medellín realizada en el año 2016, involucrando a estudiantes y egresados del pregrado de Artes Plásticas de la Universidad de Caldas.
La Segunda Muestra de Arte Contemporáneo de Manizales en Medellín, fue desarrollada desde el 14 hasta el 27 de julio de 2016, con el fin de continuar el proceso planteado en años anteriores. En ella, se movilizaron en el marco de un convenio académico el trabajo de estudiantes y egresados del programa de Artes Plásticas de la Universidad de Caldas al CREALAB, espacio vinculado al Centro Cultural de la Facultad de Artes de la Universidad de Antioquia. Los expositores fueron seleccionados por medio de convocatoria e invitaciones a artistas meritorios en procesos institucionales. El fin de la muestra es dinamizar la circulación de los procesos creativos de jóvenes artistas locales y regionales, quienes involucran diferentes medios dentro de las artes visuales; así como potencializar y proyectar el trabajo realizado dentro de campos académicos y profesionales generando una red de difusión, reflexión y aprendizaje entre las dos instituciones y diversos agentes involucrados en el campo (comunidad en general, estudiantes, docentes y egresados de los pregrados afines a las artes, organizaciones y demás instituciones interesadas en el ambito cultural) ampliando las posibilidades de aplicación de conocimientos adquiridos, la experimentación de procesos de embalaje, montaje, curaduría y otros aspectos que se involucran al hacer parte de una exposición a nivel nacional. Así, se busca una propuesta curatorial que articule las diferentes dinámicas de los participantes, los cuales demuestran la variedad y divergencia indiscutible en la producción artística de la ciudad. Dentro de las obras presentadas podemos encontrar un análisis frente al habitar en la ciudad: en primer lugar, su conformación física desde el abandono y las marcas voluntarias e involuntarias en los objetos, como plantea Dylan Quintero, la lectura del espacio desde la cartografía y las líneas que conforman los mapas como dibujo expandido con la propuesta de Valeria Díaz. Por otro lado, sus dinámicas sociales, en los grupos urbanos relacionados con el lugar en el dibujo de Santiago Flórez y el aislamiento del individuo en tiempos de comunicación por Manuel R. Páez.
Continuando con esta línea, se hace una crítica a la manera en que la construcción de ciudad ha editado las formas de vida, con artistas como Julián Mejía, quien reflexiona sobre la violencia urbana y la normalización de la imagen de víctima expresada desde el objeto, así como el consumo marginal en la obra de Deyvid Montoya. Desde otro ángulo, Luisa Velásquez plantea como la vida rural y en especial la figura del campesino, es una alternativa al tema tratado. A partir de allí, aquel consumo urbano se centra en el análisis del objeto y su significación como la instalación de objetos encontrados de Daniel F. Rodríguez quien pone en evidencia el espacio reducido al que la sociedad actual se ha visto confinada para sobrevivir, llegando así a panoramas íntimos en las obras de Aixa Echeverri, Angélica Rodríguez, Katerin Pineda y Katerine Sepúlveda quienes exponen una mirada sobre el hogar y el recuerdo desde la cercania a diversos sentidos (vista desde las miniaturas, el objeto intervenido y el sonido). El objeto se analiza desde los significados que presenta su materialidad en los trabajos de Sonnia Yépez y Eliana Cardona, pasando a convertirse en reflexión del objeto - arte en propuestas como la de Mateo Quintero. Por último, lo orgánico se considera un espacio ocupado y un conjunto de materia degradable visto desde las relaciones corpóreas como son el contacto, los sentidos o la muerte, sea animal en la obra de Juan Alzate y Manuela Jaramillo o humano en los videos de Manuel Vélez, Helly Hernández y en el performance de Rafaela Parra.
TIPS BÁSICOS PARA INTENTAR ENTENDER ESTA EXPOSICIÓN - No le de miedo: acérquese, observe y pregunte. Algunos artistas miran feo, pero casi ninguno muerde. - A los artistas, así no parezca, les tomó tiempo hacer lo que usted está viendo. Ellos no quieren que usted entienda lo que pensaron al hacer la obra, quieren que piense, sienta y perciba lo que se le dé la gana. - Estos artistas son personas como usted, si pone atención se dará cuenta que hablan de cosas que todos hemos vivido (no le de pena si recuerda su casa, su abuela, un chiste viejo o un reality show). - Aunque no con obra, las curadoras sí participaron en esta exposición, puede que no lo crea pero hicieron algo más que ubicar las obras y poner sus nombres en la sala: encontraron en la relación de las obras un acertijo que usted (sí, quien sea) debe resolver, lea las fichas técnicas, hable con otras personas, si no lo logra, no es pecado, lo esperamos en la visita guiada. - No tiene que hablar si no quiere, aunque puede reírse sin explicación o decir que algo es malo si así lo considera. - No solo sonría y salude, recorra la exposición, puede encontrar algo que lo sorprenda (así después lo niegue), tal vez, logre no salir pensando que “todo es lo mismo”. Es su desición si ignora todo esto, a fin de cuentas, usted se lo pierde.
Andrea Ospina y Laura Sánchez
ACTIVIDADES COMPLEMENTARIAS Con el fin de realizar actividades complementarias en el marco de la Segunda Muestra de Arte Contemporáneo de Manizales en Medellín se plantearon tres preguntas entorno a las que se desarrollaron visitas guiadas los días 25 y 26 de Julio:
Y yo, ¿Qué tengo que ver con el arte? Arte contemporáneo ¿eso con que se come? ¿Qué es eso de la curaduría? Las preguntas se relacionaron directamente con las obras y los medios, materialidades o técnicas empleadas en cada propuesta, haciendo de esta manera evidente el guion curatorial. En este proceso, se comentó con el espectador acerca del contexto, las posibilidades de interdisciplinariedad y las dinámicas propias de los procesos creativos tanto desde las obras como desde la práctica curatorial y la gestión cultural. El público asistente era parte de la comunidad aledaña al sector expositivo, personas con intereses afines a las artes e instituciones educativas, buscando un espacio incluyente a la diversidad de miradas que genera la muestra y la interacción directa con las obras presentes, permitiendo todo tipo de preguntas y aclaraciones sobre lo realizado.
ARTISTAS Aixa Echeverry
Katerine Sepúlveda
Angélica Grajales
Luisa Velásquez
Daniel F. Rodríguez
Manuel R. Páez
Deyvid Montoya
Manuel A. Velez
Dylan Quintero
Manuela Jaramillo
Eliana Cardona
Mateo Quintero
Helly Hernández
Rafaela Parra
Juan Alzate
Santiago Flórez
Julián David Mejía
Sonnia Yepez
Katerin Pineda
Valeria Díaz
AIXA ECHEVERRY Estudiante
Los Objetos no son pensados como elementos inertes, ellos por el contrario hacen parte y son testigos de la vida del lugar, están allí guardados en un cajón o puestos sobre la mesa, almorzando con usted, escuchándolo alejarse, ellos hacen parte de un solo cuerpo. Su carácter individual compone una sola pieza, tensiones repetidas, armonías inconstantes retumban dentro de sus paredes de metal. La conjunción entre las diferentes resonancias que habitan el espacio están inmersas en la memoria del tiempo que se archiva en las pieles, el mantequillero, Noel, Tulio, la Casa, sitio anclado que guarda y recoge vidas, hay extensiones como ecos cuando nuestros pasos retumban por ahí, charlas y alegatos, movimiento que se guarda en la miradas de estas cosas que se empolvan, que no hablan pero escuchan. Son encarnaciones materiales audibles de un sitio que se va agotando con el paso de esto que llamamos tiempo.
ANGELICA GRAJALES Estudiante Esta propuesta, nace de los gestos, de los olvidos y las ausencias de mi abuela, con el fin de archivar y salvar sus recuerdos. Preservar esos silencios que se fracturan, reproducir esas fisuras y secuelas que narran toda una vida que reconstruye hechos, lugares desconocidos, vacíos y sobre todo la dificultad de reconocer al otro. Para ello trazaré una línea de tiempo donde el hilo continua tejiendo y reestructurando un una historia.
Fotografía Rafaela Parra
DANIEL FELIPE RODRIGUEZ Estudiante Chaza forma parte de una serie de obras elaboradas en diferentes medios bajo el concepto de espacio reducido; esta obra comprende una parte de lo que es la reducción de espacios, tratando en si la alteración a la que se somete la casa y mostrándose ante el espectador como un futuro próximo asimilado desde el presente y el pasado en un contenedor conocido como chaza; un posible lugar habitable que responde a las problemáticas y preocupaciones que existen alrededor del espacio y la casa en el presente siglo, a través de objetos anticuados y populares que alguna vez la definieron y a su vez dieron identidad a nuestro contexto. La obra se trata de una chaza común y corriente, pero ésta no está saturada por dulcería, sino por vida; dentro de ésta podemos hallar una cama, un televisor, objetos de uso personal, cocina, baño y una variedad de elementos funcionales y decorativos que saturan y pertenecen a un contexto popular; esta obra cuenta con todo lo necesario para residir en ella a través de objetos encontrados que se toman el lugar en su totalidad, dándonos la posibilidad de vivir en éste entorno sin desistir de lo que nos identifica; esta chaza es una casa que se resiste a la desaparición pero sometida a las exigencias de un futuro próximo. Entonces, en un siglo donde la preocupación ronda alrededor del espacio, la obra chaza se ofrece como esa posibilidad de casa, una solución a través de materiales reciclados y cosas que nos definen como cultura, negándose a la desaparición forzosa a la que la somete la evolución, logrando permanecer en el tiempo.
DEYVID A. MONTOYA Estudiante La obra se caracteriza por un “azar controlado”, por medio de un material que esta estigmatizado por sus practicas, la solución conocida en la calle como “Gale”, así como cables, cauchos, alambres y plástico de alto calibre, con los cuales me atrevo a crear imágenes abstractas donde mi percepción de la realidad y la sociedad moldean estas formas y texturas, en las cuales se evidencian diversas apariencias de cicatriz, desgaste, ampollas y formas estiradas hasta su límite. Este elemento me ha posibilitado otras alternativas, características y potencialidades para desarrollar una idea por medio de la pintura, escultura e instalación. Lo mencionado anteriormente me ha llevado a realizar una serie de experimentaciones con el fin de apropiarme y dar uso de la materia a razón de las texturas que ofrece, para dar otro uso a este material o simplemente descontextualizarlo de su uso común. Con esta propuesta artística pretendo dar a conocer una nueva configuración o re-significación del pegante en un contexto social actual, gracias a las múltiples posibilidades que el arte contemporáneo ofrece para poder materializar una idea, en donde tal vez este trabajo pueda verse como una obra de arte y así haber logrado una especie de redención conmigo mismo y hacer catarsis de mi pasado.
Fotografía Manuela Jaramillo
FotografĂa Rafaela Parra
DYLAN QUINTERO Estudiante
La obra de Dylan Quintero cuenta historias de aquellos objetos de valor que poco a poco se fueron convirtiendo en cúmulos de materia deformada. El movimiento constante de la ciudad concluye en el abandono, en donde el dibujo encarna las marcas que se encuentran sobre superficies cotidianas y convierte estos trazos de tiempo en fragmentos de papel.*
Fotografía Rafaela Parra
*Texto Andrea Ospina S.
Cortesia del artista
ELIANA CARDONA Estudiante La obra se da por medio de la construcción de imágenes geométricas y abstractas conectadas con componentes naturales e industriales que buscan la construcción de un lenguaje visual intentando ser preciso sin llegar a la literalidad, por otra parte el uso de diferentes materiales expresan rasgos que a mi modo de percibir la realidad, son conceptos esenciales de la misma. El uso de diferentes materiales, para incluir y constituir la obra, pasan por una selección cuidadosa ya que ellos guardan características universales y en sí tienen un lenguaje propio que conjugados con el dibujo logran estructurar otros diálogos y modos de percepción. El interés en desarrollar esta propuesta se torna como una forma de liberación de múltiples imágenes desprovistas de sensaciones, con el interés de estructurar o armar un universo que corresponda a mi lógica, que sin duda puede corresponder a una lógica colectiva y universal.
HELLY HERNÁNDEZ Egresada Beso: Pone en movimiento alrededor de 29 músculos (12 de los labios y 17 de la lengua), las pulsaciones cardíacas pasan de 70 a 140 por minuto, se pierden de 3 a 12 calorías. Durante un beso de alta intensidad aumentan los niveles de dopamina (sustancia asociada con la sensación de bienestar) y de testosterona (hormona asociada al deseo sexual), a la vez, la glándula pituitaria, situada en la base del cerebro libera oxitócica, mágica hormona que produce una sensación de “estar flotando”, besarse también estimula la parte del cerebro que libera endorfinas (hormonas de la felicidad) en el torrente sanguíneo creando una sensación de bienestar. Científicamente está comprobado que el beso se compone en un 60 por ciento de agua; un 0,7 por ciento de grasa; un 0,4 por ciento de sal; un 0,7 por ciento de proteínas y millones de bacterias. Los besos hacen que los labios se hinchen de sangre, se tiñan de rojo y brillen con la saliva. Además, éstos aumentan la secreción de saliva, que drena las células muertas y las bacterias y, por tanto, mejoran el aliento. El efecto es tan abrumador que, según algunos biólogos, los besos que me das se podrían comparar con una sobredosis de Anfetaminas.
Fotograma extraido Cortesia del artista
FotografĂa Rafaela Parra
JUAN ALZATE Estudiante
La foca #2 es un pequeño fragmento de mi última exposición individual. “Conmemorando la extinción”, fue una muestra que señaló los problemas que vienen azotando a la naturaleza, en especial al reino animal, que vive sufrido las dominaciones del hombre. Motivado desde de la pintura e influenciado del impresionismo represento una de las preocupaciones actuales de la humanidad: Olvidar nuestra naturaleza animal. Simbolizo un fragmento de la historia de la desaparición, de la perdida, de la inminente extinción. Personifico algunas especies más cercanas a nuestro entorno que poco a poco han y van desapareciendo. Seres que están en peligro que miran con desanimo y viven sometidas a los abusos de la sobre producción.
Fotografía Rafaela Parra
FotografĂa Rafaela Parra
JULIÁN DAVID MEJÍA Estudiante Cada sociedad hace a sus violentos; teniendo en cuenta que el hombre es un ser egoísta y a su vez agresivo por naturaleza, este sentido lo compartimos con el resto de los animales, pero a diferencia de éstos también experimentamos la violencia, una forma de agresividad consciente del individuo, sentimientos, hechos y situaciones influyen al deseo de imponerse para satisfacer sus necesidades; “Reflejos” es una obra que busca representar hechos del ser violento, haciendo énfasis en el violentado dando la posibilidad de que cada persona interprete y se cuestione sobre los actos de muerte que a diario se vive, hechos por los cuales muchos nos hacemos los indiferentes a lo que los actos nos comunican, busco apropiarme de la voz de las víctimas traduciéndolo a una nueva imagen induciendo a la reflexión a través del objeto y el grabado.
Fotografía Rafaela Parra
FotografĂa Rafaela Parra
KATERIN PINEDA Estudiante Como individuos necesitamos del recuerdo para crear una reconstrucciĂłn del pasado, convertimos los objetos en remembranzas de hechos cotidianos, realizamos desapegos de los objetos del juego que acompaĂąaron nuestra infancia, los cuales hicieron parte de nuestro desarrollo y los remplazamos por fantasĂas, quedando estos inmersos en nuestra memoria.
FotografĂa Rafaela Parra
KATERINE SEPÚLVEDA Estudiante Mi propuesta creativa, consiste en la reconstrucción de momentos, por medio de escenarios y personajes que narran estas situaciones vividas. El trabajo se realiza por medio de la escultura en formato miniatura, usando materiales como la cera de abejas, parafina, brea, entre otros. Recurro al formato “pequeño” porque a través de este puedo configurar y evocar una etapa infantil, de esta manera logro rememorar estos, dentro de la apariencia de juguetes; pero que en sí constituyen acciones y comportamientos de grandes (adultos) que dejan sus huellas y marcas en el imaginario de los niños.
LUISA VELÁSQUEZ Estudiante
La obra se titula “Los sonidos de la Frecuencia” se compone de diez collage análogos digitalizados, es una obra que manifiesta las reminiscencias del campesino.
MANUEL R. PÁEZ Estudiante El hombre moderno se siente muy solo en este tiempo de las comunicaciones masivas, que entre tantos y tantos que somos multitudes, estadísticas y números, pero eso es sólo una paradoja aparente, no hay contradicción alguna entre la soledad psicológica y la ausencia de soledad. Esto ocurre ahora más que nunca, tanto por el desarraigo social de muchos de nuestros contemporáneos, como en razón de una toma de conciencia más aguda de su propia individualidad y singularidad, porque por absurdo u obvio que parezca, en ninguna parte la soledad es mayor y más penosa que en las grandes ciudades. Teniendo en cuenta lo paradójico que puede resultar la soledad hoy en día, mi objetivo es por medio de la pintura, haciendo uso de imágenes metafóricas, “poder retratar una soledad social que pasa desapercibida ante nuestros ojos”
MANUEL VÉLEZ Estudiante Romance, es la forma de mostrar un sentimiento de la formas más corpórea posible. La carne es lo que nos hace sentir y sus repercusiones van más allá de la piel.
Fotografía Manuela Jaramillo
FotografĂa Rafaela Parra
Fotograma extraido Cortesia del artista
MANUELA JARAMILLO Estudiante Darle virtud al cuerpo fallecido, quitarle culpabilidad (sobre todo en un país naturalmente violento como lo es Colombia), divinizar su materialidad, convertir en objeto la prueba de vida que se yuxtapone al mismo pretexto investigativo. A través de la historia, los pájaros se han utilizado como símbolos que conllevan al alma humana, al espíritu que abandona el cuerpo y se ahuyenta de él hacia lugares metafísicos, por esto uso en mi obra la simbología del pájaro como referencia sobre todo al cuerpo humano además de facilitar una conversación entre la mirada ajena de un espectador y la mirada aislada del propio cadáver. La incógnita que divide el proceso de este trabajo dispone una serie de múltiples respuestas debido a que se trabaja bajo un concepto apenas descifrable desde la ciencia o las creencias culturales, por eso la poética es el recurso más apropiado teniendo así como propósito no la comprensión de dicho acontecimiento sino su desintegración social y como esto afecta a una sociedad acostumbrada a los hechos.
FotografĂa Rafaela Parra
MATEO QUINTERO Estudiante NO LO MANDE A HACER, YO MISMO LO HICE habla de la gestualidad de la obra de arte en la contemporaneidad, mostrando objetos que son cotidianos y modificados de manera en que éste pierde la exactitud de su forma sin dejar de lado su materialidad. Se trata de un juego basado en la adquisición de elementos y alterando su forma llevar la imagen a un punto de coyuntura tal que se resignifica su valor como objeto en la cotidianidad. Se enlaza un diálogo entre objeto-espectador donde se genera una retracción de la idea tradicional del gesto de creación de una obra de arte y como el proceso puede no hacerse visible fundamentado en que cualquiera pudo haberlo hecho; trasladar la forma genera una contradicción con ella misma y deja al descubierto el error en el cual se amortigua el gesto realizado por el artista y su experimentación con el material. NO LO MANDE A HACER, YO MISMO LO HICE es un diálogo entre el contemporáneo y el tradicional, la forma y su no forma, la idea y la no idea, el material y la gestualidad del artista.
RAFAELA PARRA Estudiante Sujetos videntes, objetos invisibles, espacios ininteligibles vs sujetos invidentes transformando objetos invisibles, haciendo inteligibles espacios donde lo insensible se hace perceptible. Sujetos videntes invidentes que han cauterizado sus sentidos. Es una propuesta artística que presento su origen a raíz de una experiencia personal, una afección física que me llevo inicialmente a inquietarme por el espacio que habito, el entorno no comprendido, no sentido y no descrito. Espacios intangibles imperceptibles, no pernoctados, ininteligibles sentidos, sentidos cauterizados, no desarrollados, poco a poco a través y en el arte se revela esa condición instalada en los sensores humanos, indolencia, repulsión, impermeabilidad, sequedad, neutralidad, un estado corpóreo en el que se ha disipado el verdadero propósito que cobra la existencia. Ahora, inmersos en ello, olvidamos explorar, con ellos palpar y en ellos experimentar. Inexorables... sin sentidos se convierte en una acción plástica vivida desde el interior de una escultura, un espacio escultórico desde dentro y desde afuera, intervenido por luz y habitado por el cuerpo.
Fotografía Manuela Jaramillo
SANTIAGO FLÓREZ Estudiante El dibujo es el medio y lenguaje con el cual desarrollo mi propuesta creativa, por medio de este busco representar directamente la cotidianidad de los jóvenes de “La esquina”, la esquina la menciono como un lugar que no necesariamente tiene que ver con un ángulo o un lugar donde confluyen dos puntos, sino como un lugar del que los jóvenes se apropian y habitan. La esquina entonces, se convierte en un límite invisible, una barrera o un acceso, un punto de encuentro o el lugar donde muchas historias se entrecruzan, empiezan y acaban haciendo cíclico un proceso transitorio donde nadie permanece pero al parecer nadie se va. La esquina es una miniatura del mundo, las personas que yacen allí son pequeños modelos emplazados en un diorama en constante movimiento, diariamente vemos representados todas aquellas tradiciones y también esas preocupaciones que nunca abandonaran la inquietante naturaleza del ser guiado por la deriva. Reconocer cada uno de los elementos que componen un espacio que carece de una necesaria notoriedad para muchos, pero que existe en el imaginario que desarrolla cada individuo de algún lugar, se hace indispensable para compactar y transmutar todas esas sensaciones en un plano psicológico reconocible a aquellos referentes de esquina cercanos o ajenos a nosotros.
SONNIA YEPEZ Egresada Yunque. Nombre masculino 1. Bloque de hierro, generalmente con uno de sus lados acabado en punta, sobre el que se trabajan los metales al rojo vivo golpeándolos con un martillo. 2. Pequeño hueso del oído medio de los mamíferos, de forma parecida a este bloque de hierro, que está articulado entre otros dos huesos, llamados martillo y estribo. 3. Bloque de cerámica, generalmente con uno de sus lados acabado en punta, sobre el que no se trabaja y no se golpea con un martillo. Usos 1. Para doblar en ángulo recto la mirada. 2. Para aplastar y cortar lo que aparentemente en cierto. 3. Para preguntarse si es cerámica o hierro. 4. Para agudizar el yunque que se halla en el oído medio. Posición del Operario La forma correcta de colocarse frente al yunque es poniendo un pie paralelo a éste y el otro atrás formando ángulo recto, sin dejar de observarlo. Normalmente, el pie derecho es el que se pone debajo de la cola cuadrada. Cuida el material De ninguna manera se debe de golpear con herramientas de acero, tales como martillos, tajadera, cincel.
VALERIA DÍAZ Estudiante
La pregunta de cómo el ser modifica el espacio, es lo que lleva al desarrollo de mi trabajo, la creación de un espacio que geográficamente no existe, pero donde se da siempre una búsqueda de orientación, este se transforma en un lugar cuando es habitado y en esta medida tiene la capacidad de reconstruirse constantemente.
AGRADECIMIENTOS
El equipo de producción y curaduría agradece a la Universidad de Caldas y la Universidad de Antioquía por entablar estos procesos de intercambio institucional, al Crealab y el Centro Cultural de la Facultad de Artes por brindar la posibilidad de trabajar en dicho espacio, especialmente a David Romero por la atención prestada en cada etapa, a los organizadores Jorge Lagos desde Manizales, Daniel Gomez y Gabriel Mario Velez desde Medellín por sus asesorias y aportes, a los artistas participantes por el interés en estar presentes en la Segunda Muestra de Arte Contemporáneo de Manizales en Medellín, a Rafaela Parra y Manueja Jaramillo por brindarnos colaboración en el registro fotográfico y por último a todos los asistentes por dar sentido a cada una de estas piezas con su visita e interacción.
Fotografías generales Laura Sánchez y Andrea Ospina.