Ana maría aguilar & ana maría strnad

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Año 2013, N° 1. $3.000

Aquatype; experimentación tipográfica Pág. 20

Packaging con

concepto Pág. 12

Gigzilla; Anti-posters Pág. 8

Lettering vs Caligrafía Pág. 6

Aguilar

Strnad


Sumario

Menos es menos, más es más Pag. 3 Think Invisible Pag. 4 Lettering vs. Caligrafía Pag. 6 Gigzilla, Gig posters Pag. 8 Los muros de la vergüenza Pag. 11 Packaging con concepto Pag. 12 Funciones del Packaging Pag. 15 Polar Aid Kit Pag. 16 Love Hurts Pag. 17

Editorial Comenzamos este proyecto basándonos en un estilo minimalista, debido al espaciado y aire que necesita una revista, por sobre todo, una revista que trate de diseño. Dentro de las posibilidades de artículos y de temas en los que se podía basar la revista encargada, decidimos quedarnos ligadas al tema diseño gráfico y packaging, sin irnos tanto a las variantes

Arte minimalista Pag. 18

de diseño industrial ni arquitectura, pues así tendríamos mejor definido el concepto de nuestra revista. Ésta está diseñada para gente que se mueve dentro del ámbito del diseño gráfico y la tipografía, sin importar edad, sexo, especialidad, tendencia sexual ni nacionalidad, esta última puede verse afectada por el lenguaje.

Tipografía de agua Pag. 20 Como hacer que tus clientes le digan que sí a tus diseños Pag. 22

Comité Editorial Sección Packaging: “Funciones del Packaging” “Packaging como concepto” “Polar Aid Kit” “Love Hurts” Sección Artículos: “Think Invisible” “Lettering vs Caligrafía” “Tipografía de Agua” “Como hacer que tus clientes le digan que sí a tus diseños” “El arte minimalista de los pictogramas” Sección comentarios/entrevistas: “Gigzilla, Gig Posters” “Los muros de la vergüenza” “Menos es menos más es más”

Año 2013, N° 1. $3.000

experimentación tipográfica Pág. 20

Packaging con

concepto Pág. 12

Gigzilla; Anti-posters Pág. 8

Lettering vs Caligrafía Pág. 6

Aguilar

Portada

Aquatype;

Portada y Contraportada Indice Editorial y comité editorial

Strnad

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- Ana María Strnad - Ana María Strnad - Ana María Aguilar G. - Ana María Aguilar G. - Ana María Aguilar G. - Ana María Strnad - Ana María Strnad - Ana María Aguilar G. - Ana María Strnad - Ana María Aguilar G. - Ana María Aguilar G. - Ana María Strnad - Ana María Strnad - Ana María Strnad - Ana María Aguilar G.


Menos es menos, ¿Q

ué es mejor en diseño: lo barroco, lo recargado, lo complejo?, ¿o lo simple, lo austero? La respuesta del arquitecto y diseñador industrial alemán Ludwig Mies van der Rohe fue: «menos es más».1 Este famoso lema ha logrado instalar, desde las primeras décadas del siglo veinte, la idea de que las cosas simples son mejores que las complejas, que el adorno siempre está de más. A poco de que se cumpla un siglo desde que los diseñadores —de muchas áreas— adoptamos aquella consigna moderna, resulta curioso que sigamos reproduciéndola incluso cuando nuestra propia realidad diaria demuestra su falsedad. Lo decorativo y lo complejo forman parte de las producciones humanas probablemente en igual medida que lo austero y lo simple. Haga Usted el intento. Elija cualquier espacio que tenga cerca y haga un inventario de cuántas cosas son simples y cuántas complejas, y pregúntese si las últimas realmente mejorarían si fuesen como las primeras. Las «máximas», los lemas, las ideas dogmáticas, en determinados momentos pueden resultar útiles para combatir otros dogmas instalados previamente. Por ejemplo, en los tiempos de van der Rohe, de la Bauhaus, el dogma reinante imponía la floritura. El lema «menos es más» representó un fuerte golpe al estilo de los creadores de la época, y sirvió para sacarlos del encierro en el que se encontraban. Dio lugar a una nueva estética, tan dogmática como la anterior, y en total consonancia con la nueva necesidad de programar la obsolescencia y renovación de los objetos que imponía el sistema económico que empezaba a instalarse en el mundo: la economía de consumo de productos industrializados. Si bien la consigna «menos es más» resultó muy útil durante muchos años, en el tiempo transcurrido las profesiones dedicadas al diseño han evolucionado muchísimo. Los diseñadores ya no trabajamos a tientas. Tenemos conocimientos comprobados empíricamente por infinidad de proyectos realizados durante más de un siglo. Antes de comenzar un trabajo definimos junto al cliente un programa de necesidades específico y único para cada proyecto, que determina, entre otras cosas, cuándo conviene la simpleza y cuándo la complejidad, con total independencia de dogmas y lemas marquetineros. Va siendo tiempo de poner al lema «menos es más» en el estante de los recuerdos, dado que su función concientizadora ya no se necesita, incluso viene sobrando. Es tiempo de abandonar el sentido figurado y dar a las palabras el sentido que tienen: «menos es menos» y «más es más». La cuestión es tan simple que la conocemos todos: cuando se necesita menos se diseña más simple, más austero, y cuando se necesita más se diseña más complejo, se incluyen recursos decorativos. Si fuera necesario contar con una consigna en el sentido de la anterior, esta podría ser: «menos cuando conviene menos, más cuando conviene más».

más es más

Va siendo tiempo de jubilar al casi centenario lema «menos es más». Por Luciano Cassisi

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Think Invisible Project Nuestro lema es darte una dosis diaria de imágenes que te harán pensar diariamente.

T

hink Invisible es el nombre de este maravilloso proyecto creado por dos diseñadores húngaros Adri Bodor y Mark Szulyovszkym, quienes usan una de las leyes de la Gestalt para realizar esta creativa serie de imágenes. Usando tres círculos para dar un falso contorno a algunas partes de las ilustraciones, cada afiche nos muestra un icono de la cultura pop, en una imagen que tendrás que ver varios segundos antes de identificar al protagonista. Dependiendo de tu cultura en este tema y tu habilidad para ver el espacio negativo, algunas serán muy fáciles y otras te pueden resultar mas complicadas. Para esto crearon dos versiones, una para principiantes y otra para expertos. Aunque personalmente todos son fácilmente reconocibles. Su lema es: Tu dosis diaria de imágenes que te harán pensar diariamente. Es decir que diariamente publican una nueva imagen en su tumblr o su facebook, asi que no dejes de seguir sus futuras imágenes.

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¿Qué significa cada imagen?

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Salvador Dalí Sherlock Holmes Marilyn Monroe Rolling Stones Albert Hitchcock

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James Bond Pumba Coliseo Charles Chaplin Abbey Road


vs

Un diálogo visual entre lettering y caligrafía.

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basado en una palabra clave que les proporciona un moderador. Entronces ellos publican su trabajo en internet y dejan que los visitantes voten por su favorito. Ambos van mano a mano cada día -la mano única de Martina flor dibuja letras contra la exquisita caligrafía de Guiseppe. La aventura tiene como objetivo explorar y mostrar las capacidades de los dos enfoques técnicos en el diseño tipográfico. A continuación, varias muestras del trabajo de estos diseñadores (izquierda - lettering, derecha - caligrafía):

as técnicas tipográficas van mejorando mediante práctica constante y cuando se dá la oportunidad de competencias. Esta idea inspiró un sitio web llamado “Lettering vs. Calligraphy” que cuenta con dos increíbles diseñadores establecidos en Berlín, en un desafío único que lleva a cabo el proceso creatico del dibujo a mano del lettering y la caligrafía escrita. Los diseñadores tipográficos involucrados son Martina Flores y Guiseppe Salerno, ambos excepcionalmente talentosos y que han estado en la industria por más de unas decada. El dúo crea un diseño diariamente

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1. X primaveral 2. M clásica 3. U distinguida 4. W bamboleante 5. P de punk 6. S decorativa

Martina Flor creció en Buenos Aires y vivió en Barcelona y La Haya, para finalmente establecerse en Berlín. Ella ha trabajado en la industria creativa por más de 12 años y ahora hace trabajo de diseño, lettering customizado e ilustraciones para clientes particulares y projectos personales. Siendo ex profesora en la Universidad de Buenos Aires y en la Universidad de Ciencias Aplicadas Anhtal, actualmente lleva a cabo talleres de lettering en Berlín y otras ciudades.

Guiseppe Salerno es un diseñador gráfico italiano establecido en Berlín. Ha trabajado en el campo creativo por más de 13 años, vivió en Torino, Amsterdan, Madrid y Valencia. Actualmente es co-fundador del Estudio de Diseño “Resistenza”, donde junto a Paco González desarrolla proyectos tipográficos y de identidad corporativa. También organiza talleres de caligrafía en todo Berlín.

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“El primer afiche que hice fue memorable porque estaba deprimido y frustrado. Algunas de mis ideas se estaban desechando y a mi cliente no le gustaban. Dibujar fue mi escape..”

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omo puedes notar en nuestra revista no solemos tener artículos de música, pero es normal para los diseñadores gráficos incluir afiches de conciertos, tocatas o eventos en sus portafolios. Por esto, recorrimos el internet en busca de diseñadores con asombrosos trabajos, y encontramos a alguien del cual sus afiches pudimos apreciar y admirar. Entrevistamos a JP Coulson – hombre de afiches publicitarios, artista, y creador de afiches extraordinario – proveniente de Filipinas, y le preguntamos sobre sus influencias, hábitos y tips para personas que aspiran a ser artistas.

agencia que hace avisos para la televisión, impresos y radio. Hay momentos en los que las limitaciones al director de arte en los proyectos me frustran. Busqué un canal para mis ideas reprimidas, donde puedo estar a cargo y hacer lo que yo quiera. Pensé en otros formatos para mi arte, como el graffiti, aunque sea caro, ilegal y peligroso. En esos tiempos, estaba en una banda por lo que conocí muchos organizadores, bandas y productores. Veo afiches de conciertos que parecen estar hechos con mucha prisa con una simple búsqueda de imagen y una tipografía genérica y me quedé pensan-

¿Cómo descubriste tu talento para el dibujo? Comencé dibujando de muy pequeño porque en mi casa mi papá y mis 2 hermanas también lo hacían. Participaba en los concursos de hacer afiches para el colegio, y me hice amigo con otros participantes. Después me aceptaron en “College of Fine Arts of the University of the Philippines”, practiqué mi oficio ahí y se me presentaron diferentes maneras del arte. ¿Tienes un trabajo de tiempo completo? Todo comenzó como una salida para mis ideas reprimidas. Soy director de arte en una

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do; este tipo de arte a estado por décadas, por lo que los músicos de los 60’ y 70’ son dueños de ese formato, por decirlo de algua manera. Llamé a Producciones Revolver y les pregunte si tenían algún concierto próximo que necesitara un afiche que yo podría hacer gratis. Eventualmente mis llamadas fueron dando resultado y obtuve trabajos de diseño habitual para los productores de Revolver. ¿Algún proyecto actual? Actualmente me estoy preparando para mi 3er evento solo en Octubre. Al igual que el anterior, habrá un lanzamiento de juguetes y


“Warhol vs Lichtenstein” - Exposición Warhol vs Lichtestein.

Foto de primera exposición.

exhibiciones. Estoy pensando en usar a “Kurt Mouse” (en referencia a su Mickey Mouse que se disparó a la cara) esta vez. ¿Nos podrías contar mas acerca de tu primer afiche para un concierto? El primer afiche que hice fue para Producciones Revolver, en su evento “Shotgun”. Fue memorable porque estaba deprimido y frustrado. Algunas de mis ideas se estaban desechando y a mi cliente no le gustaban. Dibujar fue mi escape. Producciones Revolver me dejó hacer lo que yo quisiera para el afiche y las

cubiertas de los discos que me asignaran, preguntándome acerca de mi vista hacia los diferentes conceptos. Estaba contento porque a diferencia de la publicidad donde tengo que conseguir pretextos para mis trabajos, por el equipo de producción. Mi estilo era el estándar. ¿Quiénes son tus principales influencias? Mis influencias son cómic underground que se burlan de los iconos de la cultura pop. Pensé en ilustrar “qué pasaría si” para mis afiches de conciertos - ¿Y si Mickey Mouse se suicida, y si Donald Duck es atrapado y

vendido en un restaurante chino? - cosas como esas. Me gustaba la idea de usar Mickey Mouse para el evento “Shotgun”, así que lo usé. Realmente no puedo decir que la cultura pop es mi principal influencia para los carteles de conciertos. Las personas como Frank Kozik, Ron English, Andy Warhol, y Shepard Fairey son mis influencias. Cuando se trata de arte, la cultura pop es mi tema favorito, al igual que otros artistas que se adhieren a un tema para su trabajo. Algunos pintan paisajes y retratos; yo me quedo con la cultura pop y sus íconos.

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¿Qué herramientas usas para hacer tus afiches? Realmente me gusta hacerlos afiches al estilo de la vieja escuela. Utilizo lápices, bolígrafos, cepillos y marcadores. Dibujo y después paso el bosquejo inicial por un scanner. Cuando realmente me gusta el diseño del cartel, también lo mando a serigrafiar. A veces, cuando estoy presionado por el tiempo, me apoyo en algún software digital como Adobe Photoshop. ¿Qué prefieres: el arte tradicional o digital? Creo que la mayoría de la gente pre


fiere el uso de herramientas digitales para su conveniencia. El cambio rápido de las ilustraciones es atractivo, sobre todo para clientes que quieren que sus proyectos queden terminados en una semana o menos. Yo personalmente prefiero el arte tradicional de todas maneras. Hay una sensación de plenitud, cuando pienso en el cumplimiento de estos proyectos con una técnica que se ha utilizado durante décadas. Limito mi uso de software digital, y creo que eso es lo que los clientes les gusta de mi trabajo. Todo el mundo lo está haciendo arte digital, y aquí sigo yo pegado a los métodos tradicionales.

estos días, ya que sirve como mi escape de los afiches. He empezado a buscar otros formatos que puedo utilizar, sólo para tener algo nuevo que mostrar.

¿Cómo manejas tu tiempo entre realizar tus afiches y tu trabajo regular? Los fines de semana son mis días vitales de la creación de mi arte. Pinto y dibujo afiches de concierto sábados y domingos porque realmente no alcanzo a realizarlos en un día ordinario. Llego a casa cansado del trabajo, y cualquier intento de arte sale con bastante falta de inspiración. Trato de garabatear a veces en el trabajo, y a veces esos garabatos resultan ser los diseños iniciales de un afiche de concierto. Me paso los fines de semana pintando con acrílicos sobre lienzo. Pinto regularmente

¿Cómo gestionas las transacciones y contactos online? Me hice una cuenta en gigposters.com y publico mi obra allí. Recibo comentarios sobre compras de mis impresiones, aunque yo tenía mis dudas de responder a la primera. Yo no estaba familiarizado con las tarifas de envío internacional y otras cuestiones sobre las transacciones en línea. Ahora, sin

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embargo, Atelier Manila maneja todos los pedidos internacionales para mí. ¿Algún consejo para aquellos que están pensando en seguir el arte? Busquen otros medios de arte. Decidí hacer afiches de conciertos porque sentía que el formato no recibe la atención que merece, así que decidí hacer mi propio formato y utilizar mi propio estilo para hacerlos. Todo el mundo trata de hacer las cosas por medios digitales, vayan a hacer algo que nadie ha hecho antes.


Los Muros de la

Vergüenza Opinión dada por:

Rodrigo Vera Manríquez Universidad de Chile

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Es más, en la polémica remodelación de la Postdammer Platz, expresión posmoderna del nuevo Berlín unificado, se decidió dejar un fragmento de muro en pie: uno pintado por Thierry Noir. Todos estos antecedentes, no hacen más que reforzar la importancia de este artista francés residente en Alemania. Dan cuenta de un periodo histórico que se debatió en la polarización ideológica, y que posteriormente, en un contexto global, permitió la masificación de su obra desde Berlín al mundo. Estando ya en Europa, un día recibo un mail de mi amigo Mauricio Vico, experto en gráfica política, en el que venía adjunta una foto del mural en pleno proceso de destrucción. Llegado a Chile, fui a ver que quedaba: un portón de metal reemplazaba la muralla. Era la obra de uno de los grandes exponentes del muralismo político de la segunda mitad del siglo XX, porque sí, su obra puede ser leída desde una óptica política al comprender su contexto, su lenguaje, más allá de sólo ver caras alargadas de colores. Era gratis, ya que si bien estaba arrinconado por contenedores de basura, se encontraba en un concurrido lugar del centro de Santiago.

a obra de Thierry Noir en Santiago ha desaparecido. Mejor dicho, ha sido destruida -probablemente- por intereses inmobiliarios que solo vieron en el muro caras alargadas de colores sobre un fondo azul. Atendiendo al contexto general, esto parte mucho más atrás del inicio de Thierry Noir en el street art. Tiene que ver con el más famoso muro de occidente, el que no necesita presentaciones. Ese que separó las dos alemanias durante casi tres décadas. Resulta verosímil entonces la respuesta dada a la pregunta de porqué comenzó a pintar el muro. Primero vino él, luego lo acompañaron una serie de otros artistas que encontraron en los cuarenta y cinco kilómetros de longitud de la muralla, el soporte perfecto para plasmar sus inquietudes visuales, aquellas que hablaban de Guerra Fría y miedo a la catástrofe nuclear. Tanto así, que una vez luego de los abrazos alemanes televisados tras derribar el llamado “muro de la vergüenza”, vino la necesidad de testimoniar su existencia, y que mejor manera de mantener viva la memoria, que una galería de graffiti, esta vez por el lado este; nacía así la East side Gallery, la galería de graffiti más larga y significativa de occidente.

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Packaging concepto con

No es solamente Packaging

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ué es es el packaging? En su definición más estricta vendría a ser la ciencia, el arte y la tecnología de inclusión o protección de productos para la distribución, el almacenaje, la venta, y el empleo. Como diseñadores, creativos y publicitarios debemos considerar que el packaging tiene como objetivo primario de atraer la atención de los clientes y ser la principal ventana de comunicación hacia el consumidor. La presentación de un producto es fundamental, tanto, que puede determinar que el producto sea un éxito o

un fracaso. Por mucha publicidad que haga, y por mucho que su producto sea superior, el consumidor decide qué compra cuando está delante del producto, y en ese momento lo único que ve es la etiqueta, la caja, el envase con que lo presenta. El diseño de Packaging no está sólamente enfocado a la utilidad del mismo, sino un factor fundamental es llamar la atención del cliente. Para lograr esto se le aplica un concepto. Y aquí tenemos varias muestras de lo que se hace.

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Botellas Jugosas por Renan Artur Vizoto “Diseño inspirado en un lettering entretenido. El concepto del packaging con colores fuertes mantiene unidad en todos los sabores y agrega el punto de venta.”

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Número 11, concepto de Whisky por Patrick Kooijman “Un proyecto personal que hice durante mi internado. Un nuevo concepto para un Whisky Blanco con una influencia Holandesa”

Concepto de Heineken, mezclemos nuestro futuro por Kizz Zsombor “El concepto de diseño de esta botella, fue hecho para la exhibición de diseño de Heineken en Budapest, Hungría, para celebrar el aniversario 140 de la compañía. Seis artistas fueron escogidos para diseñar series limitadas de packaging metálico. Las diferentes gráficas enfatizan la tradición creativa en

una forma minimalista. Todos los elementos usados para construir el diseño, fueron reducidos sólamente a partes del logo de Heineken y a la etiqueta tradicional. Cada diseño tiene un significado moral, hablando de algo más que simple cerveza. ¡Encuentra su significado!

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Terapia de orina por Tommaso Bovo. La practica de la terapia de la orina nacio en la antigua Grecia y se esparció a través del mundo hasta el presente día. Las personas que practican este cuidado, argumentan que a través de ésta, puedes recuperar substancias importantes en tu cuerpo. No sé que hay en esta botella, pero puedo garantizar que en cualquier caso tendrá el mismo resultado.

Abrazos azules por Timur Salikhov. El concepto del vino “abrazos azules”. La etiqueta literalmente abraza a la botella misma para que no haya necesidad de explicación a este diseño. Puede hacer una serie de diferentes etiquetas de vinos con distintos colores.

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Funciones del

Packaging

Los 3 retos más importantes a la hora de diseñar un packaging

Primer reto:

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Llamar tu atención e intentar destacar frente a la competencia, ya que siempre estará compitiendo con otros productos y otras marcas que buscan lo mismo.

Segundo reto:

Demostrar que tiene funcionalidad. Después de llamar la atención del cliente y lograr se la elección de éste, tiene que demostrar lo bueno que es.

Tercer reto:

Tiene que destacar por algo. Luego de demostrar que es útil, tiene que ser lo suficientemente bueno para que el consumidor recomiende el producto.

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Kit para niños PolarAid es un kit de primera ayuda sostenible para niños diseñado por Amy Chen. Es ecológico y por la compra del producto ayudas a financiar la conservación de osos polares.

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olarAid es un kit sostenible de primeros auxilios para niños destinados a ser vendidos por una organización llamada los osos polares internacionales (“Polar Bears International”). El botiquín de primeros auxilios tiene la intención de hacer que una situación general de miedo para niños, sea de menos miedo. El producto de la compra del kit se destinan a la financiación de la conservación de los osos polares, una especie en peligro de extinción. El kit contiene varios elementos, incluyendo curitas, Neosporin, gasas, esparadrapo, cojines de la preparación, y un vendaje. El diseño compacto, el factor de reutilización, la impresión de un solo color, y re-propositivo de la cara los recortes como las orejas del oso polar contribuyen a la sostenibilidad del producto. Y un diseño compacto, reutilizable y de un sólo color para disminuir el impacto sobre el medioambiente.

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kit para el corazón La mejor manera de curar un corazón roto es con humor. Es el perfecto regalo para una amiga que necesita una sonrisa.

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l Kit de supervivencia para un corazón roto, se llama Love Hurts y ha sido creado por Melanie Chernock, de entrada ya sabemos que nada nos va a consolar, ni las palabras dulces, ni la compañía, simplemente se tiene que superar. Como ya se sabe nada te va a solucionar el problema, pero este kit de bien seguro que te va a sacar una sonrisa, un kit con mucho de sentido del humor, para como mínimo superarlo con risas y humor, os preguntaréis en que consiste, aparentemente está diseñado como si de un botiquín de primeros auxilios se tratara, todos los productos del botiquín impecablemente diseñados con un grafismo que recuerda al de la Cruz Roja, al abrirlo llega la sorpresa y las risas, encontramos chocolate negro para substituir el sexo que ya no habrá, una botellita de vodka para olvidar y no llorar, una vela con fósforos para crear un ambiente mas cálido y no tan desolado, una botella para hacerse un baño de burbujas y sacarse la energía negativa de encima, unos caramelos con forma de corazón con frases bien escogidas estampadas que acompañan al desamor, un CD con una selección musical especialmente seleccionada para corazones rotos, y si todo esto nos falla, un paquete de pañuelos.

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El arte minimalista de los

Pictogramas El arte de sintetizar conceptos en pictogramas

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os pictográmas son usualmente un símbolo gráfico que representa una idea o concepto. Sus orígenes se remontan a las civilizaciones antiguas, como la Sumeria, Egipcia y China. Los pictogramas son herramientas de comunicación eficaces en varias industrias y ambientes. Esto es porque son generalmente sencillos de entender y por lo general, trasciende las barreras de lenguaje y culturales. En tiempos pasados, los pictogramas eran considerados como formas de escritura y eran usados para recordar eventos y otra información importante, en diferentes medios, tales como piedra, hojas, o paredes de cuevas como en el caso de los jeroglíficos de Egipto y las pinturas de las cuevas en la mayoría de las culturas de Sudamérica. Los pictográmas aún están en uso hoy en día. Sin embargo, su uso y propósito ha cambiado enormemente comparado a sus principios. Ya no son usados como un medio para escribir información histórica importante sino como herramientas para

dar instrucciones, signos represetativos o diagramar estadísticas. Son usualmente encontrados en áreas públicas y carreteras para indicar ubicaciones de baños, lugares importantes tales como aeropuertos, estaciones de trenes e incluso los encontramos en nuestra ropa como instrucciones de lavado. Pero para aquellos que tienen sangre creativa corriendo por sus venas, los pictogramas pueden ser usados como medio para expresar su creatividad e imaginación. Pero a diferencia de los diseñadores comunes quienes utilizan una extensa manipulación fotográfica y técnicas de mezcla de color, los artistas que usan pictogramas exhiben una forma diferente de arte, el tipo que estimula el intelecto. Esto es porque estas personas no necesitan preocuparse mucho en el color, estilo o lo que no es, en cambio tienem que considerar el crear y presentar una especie de arte que es inteligentemente construido, pero suficientemene simple para que todos los puedan entender.

Viktor Hertz es un diseñador gráfico freelance y artista de Suecia. El enfoque de sus trabajos es mayoritariamente en logos, posters e íconos aunque él admite que es un fotógrafo ocasional y cineasta. Actualmente está ubicado en Uppsala, Suecia, su lugar de

nacimiento, pero ha tenido la oportunidad de viajar a diferentes lugares, donde ha trabajado con distintos clientes. Empezó su carrera de diseño gráfico el año 2009 y desde entonces ha trabajado en proyectos personales y hace trabajo en comisiones.

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H-57 es una estudio de diseño ubicado en Milán, Italia, que trabaja como una agencia de publicidad y un laboratorio experimental para varias campañas de marketing en la TV, prensa, radio e internet para una variedad de

clientes tales como Coca-Cola, Durex, LucasFilm, Mini Cooper y Vodafone por nombrar algunas. Su trabajo utiliza diferentes estilos artísticos y medios, que incluyen ilustración, logos, packaging y tipografía.

Theodore “Teddy” Hahn es un diseñador gráfico Americano quien ha trabajado es varios proyectos de diseño en el pasado, para Viacom/MTV Networks y Disney ABC Television Groups “The View”. Terminó sus

estudios de arte en la escuela de Rhode Island de Diseño en el 2009 y su trabajo ha sido utilizado en diferentes publicaciones y sitios web incluyendo ComicsAlliance.com, MTV.com y DesignYouTrust.com.

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Tipografía de agua La exitosa mezcla en la experimentación tipográfica

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conjunto de letras mayúsculas compuesto por... Adivinaron, agua! El creativo de 20 años se las arregló para producir un estilo único usando este elemento como una hermosa fuente tipográfica, con cada letra meticulosamente formada por salpicaduras de agua, olas y gotas. El conjunto de letras tiene un gran potencial si se utiliza en diversos proyectos relacionados directamente en impresión, web o publicidad. Su projecto reciente llamado “Waterproof” explora las posibilidades de usar el set tipográfico en varias campañas de marcas famosas como Nike, Adidas y Red Bull. El resultado fue más que impresionante.

a experimentación tipográfica es uno de los proyectos más desafiantes e interesantes para compartir. Estos proyectos muestran la habilidad de un diseñador para hacer uso de la tipografía como ingrediente principal de un diseño exitoso. Un proceso que desafía a todo diseñador que está empezando, a idear un único pero poderoso diseño pensando en su audiencia. El proyecto presentado a continuación es una muestra de un asombroso experimento tipográfico, realizado por un joven diseñador Alemán, llamado Daniel Reuber. Este proyecto de Daniel, llamado “Aquatype”, tambipen conocido como TYPE: H2O es un

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Daniel Reuber “Soy ilustrador y diseñador freelance de Colonia, Alemania. Empecé a dibujar y a bocetear cuando tenía 10 años, que se convirtió en digital 5 años mas tarde y hasta entonces ha ido mejorando en variados campos de las artes digitales y el diseño comunicacional. Soy completamente independendiente.”

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Cómo hacer que tus

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clientes digan

odo su talento podría permanecer oculto si no vendes. Como diseñador gráfico tienes que pensar en ti mismo. Pero para esto ¿Tengo que venderme a mi mismo? ¡Por supuesto! Para que su negocio crezca tienes que venderte a ti mismo cada día. En primer lugar, usted necesita tener su portafolio en orden. Esto necesitará de dos componentes muy importantes: su sitio web y su tarjeta de visita. Debido a que usted se está vendiendo a sí mismo como un diseñador gráfico, sus herramientas tienen que ser igual de excepcionales. Tienen que mostrar su trabajo en una luz positiva que

¡SÍ!

Diseños

infunda confianza en su potencial cliente. Piensa un poco. Si alguien viene a usted para venderle algo - ¿qué le necesitaras para convencerse de que es la persona para el trabajo? Un buen portafolio, algunas buenas referencias, un sitio web profesional y una muy buena comprensión de los problemas que estás pasando. Esto significa que tu sitio web debe ser fácil de navegar y proporcionar muchas variedades de tu trabajo. También podría incluir un blog y testimonios de clientes. Si te diriges a un sector específico, debe incluir estudios de caso que describe cómo

tu trabajo resuelve los problemas de la industria. En cuanto a tu tarjeta de visita, que tiene que ser tan audaz como tus talentos. Antes de zambullirse en crear esos artículos, echa un vistazo a la competencia. Una vez que tenga las herramientas del portafolio parado junto a usted, está listo para llegar a los clientes potenciales.

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a tus


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Simples pasos Llamada Fría Una de las herramientas de ventas más eficaces de tu arsenal está en tu smartphone: los mapas. Comienza con tu propio vecindario y ve las tiendas, restaurantes y proveedores de servicios dentro de un par de kilómetros. Cada una de esas empresas deben tener su propio sitio web. También probablemente hacen volantes, anuncios por correo directo y una amplia gama de otros productos que requieren un diseñador gráfico. ¿Cómo puede ayudar a su negocio y mejorar su marca? Eso es lo que estás vendiendo. Conozca el negocio y su presencia en línea, entonces llama y pide hablar con el gerente. Ten en cuenta que no hay que empezar diciendo algo como “Su sitio web es horrible.” Nunca se sabe, puede ser que lo han diseñado! En cambio, le ofreces una consulta gratuita para discutir sus necesidades de artes gráficas.

Mercadeo Online

Motores de búsqueda

Al igual que con la llamada fría, mercadear tus talentos del diseño gráfico llevará un poco de diligencia debida. Debes programar una cierta parte de tu jornada y dedicarla a las ventas. Ya sea un par de horas por la mañana y por la tarde. El mercadeo online le permite tener un mayor alcance. Mercadeo online es la aplicación de tecnologías digitales que forman canales online para contribuir a las actividades de marketing dirigidas a lograr la adquisición y retención rentable de consumidores. En otras palabras, marketing online es un sistema para vender productos y servicios a un público seleccionado que utiliza Internet y los servicios comerciales en línea mediante herramientas y servicios de forma estratégica y congruente con el programa general de Marketing de la empresa.

Los motores de búsqueda son los encargados de ordenar la información que existe en internet. Para publicitarse a través de un motor de busqueda existen dos sistemas: SEO y SEM. Piensa en marketing de motores de búsqueda como la inversa de la llamada fría en el sentido de que las empresas puedan venir a buscarte. Si un cerrajero local o tintorero necesita un diseñador gráfico de su primera parada podría ser una búsqueda de Google. ¿Su negocio aparecerá en la parte superior de la página de resultados de búsqueda? Puedes mejorar tus posibilidades mediante la adición de contenido original para tu propio sitio web que aumentará las posibilidades de una graduación superior. Esto no se trata tanto de elementos gráficos como lo es en contenido escrito como blogs o artículos.

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