Eduardo mendez & sebastian retamal by andres correa

Diseño y tipografía.

Primera edición Slab Magazine Junio 2013 Chile $4.500

Diseño & Tipografia

Jon Contino Oh Yeah Studio

A fondo con “ExtraBold” el libro de

Serial Cut

Méndez Retamal

Paula Scher

4. Oh

SUMARIO

Yea hS tud io 8. T ana ma ch i 10. P aul aS che 12. S r eri al Cu t 16. D ani el He rna nd

18. Jh e z on Co nti no EDITORIAL Slab

es la nueva revista de diseño gráfico, enfocada a la tipografía y lettering del siglo XX. El porqué del nacimiento de Slab es la necesidad que surge de las nuevas mentes del diseño para exibir sus trabajos, y no como se viene haciendo en esta epoca; la de la pantalla y la tecnologia, si no, de lo que significa la tinta en el papel, el poder tener en sus manos estas piezas gráficas. El manejo de aires y el poco texto en las paginas da muestra de que lo que queremos destacar, siendo importante el trabajo en si y el resultado del proceso que se desarrolla en la cabeza de los diseñadores. Es por esto tambien, las imágenes en gran tamaño, porqué queremos darle espacio al lector que interactue con las imagenes, darse un tiempo con el trabajo del diseñador, mas que conocer la vida y sus intenciones; En pocas palabras dejar mucho a la interpretación, que se guia por el trabajo en si de cada uno de nuestros articulos.

Editores: Eduardo Méndez, Sebastian Retamal.

Oh Yeah, el fuerte dúo diseño gráfico de Christina Magnussen y Hans Christian Øren de Oslo, Noruega. Fue de los que han dicho, “a la mierda, vamos a hacer esto” y seguir sus sueños, transformando su hobby en un trabajo de tiempo completo.

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¿Puede darnos una introducción? Christina Magnussen: Oh sí studio es un dúo, yo y Hans. El estudio ha tenido una evolución natural desde que comenzó como un proyecto de hobby y en lo que es hoy, un estudio de diseño multidisciplinar con dos diseñadores de tiempo completo. Todavía estamos en los primeros años de creación, así que no estamos planeando ningún gran cambio en un futuro próximo. Y creo que es una buena cosa para no crecer demasiado, supongo que es más fácil vivir en la realidad y aferrarse a un cierto estilo y la personalidad de esa manera. Sin embargo, se espera que crezca (un poco) en los años venideros.

¿Cómo nació Oh sí Studio? ¿De quién fue la idea? Nos conocimos en la escuela donde

“Nuestro objetivo es seducir, inspirar y crear respuestas emocionales a todos los proyectos visuales.”

comenzó a colaborar y hacer nuestra propia “cosa”. Queríamos hacer proyectos idealistas y explorar nuevos campos y divertirse. Creo que el concepto que usted se refiere es “hacer después de la cena”, que es un símbolo de ser creativa, además de (remunerado), donde se trabaja con plazos y encontrar algo de tiempo para explorar. Y eso era algo que teníamos que hacer, que no era como un acuerdo o naa. Después de hacer esto desde hace tiempo empezamos a tener algo de prensa y nos esparcimos alrededor en blogs y tal. Fue entonces cuando decidimos establecer Oh sí estudio. Pero 2009 es realmente el año que ambos plenamente comprometidos y hemos hecho en una agencia de diseño funcional. Es muy, muy dulce para ser capaz de trabajar de forma independiente.

Para las personas que no están familiarizados con su trabajo, ¿qué aspectos / detalles / penetraciones qué quieres que sepan de él? Tal vez se nos educa con el diseño gráfico, la ilustración y la comunicación visual, que siempre tratamos de hacer lo mejor posible. Por lo general, combinamos analógica y dibujo digital. La fusión es interesante (pensamos) debido a que las formas vectoriales digitales son un contraste a los dibujos analógicas.

Uno de los posters oficiales para la exhibicion de los 15 lideres mundiales del diseño en “THIS IS NOW”

“Una solución de diseño debe, por supuesto, también ser innovador y comunicativo” en serio y lo bueno viene de Bergen. Yo no creo que deba salir a definir la escena musical noruega, pero voy a decir esto: escuchar Sivert Høyem si no lo ha hecho. Y Kim Hiorthøy que también es un gran diseñador / artista. También: Katzenjammer, Harrys Gym, Kings of Convenience y Datarock.

¿Quién sería su colaboración con el sueño?

Hans Christian Øren: Tenemos la esperanza de colaborar en la industria de la música en el futuro cercano. Hay así que puede la gente por ahí, sólo mencionar algunos es casi un poco injusto. Si pudiera elegir me gustaría hacer la próxima portada de Sivert Høyem, wow

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He pasado horas admirando su trabajo, nos puede dar una idea de lo que su proceso es como en su creación? Un proceso de diseño nunca es el mismo, pero estamos muy interesados en el surrealismo y formas abstractas. A menudo creamos teniendo en cuenta cómo el surrealismo y los sueños se pueden comunicar con el espectador y su inconsciencia. También estamos muy enamorados con la ideología de Gunnar S. Gundersen por usar pocos elementos y colores. Y, por supuesto, somos grandes fans de Dalí y David Lynch.

¿Qué tienes en la tienda? Estamos deseando trabajar con vídeo y movimientos gráficos pronto. Tenemos una exposición en la mente, pero es pronto todavía para hacer comentarios con ningún detalle acerca de él. Pero algo se está cocinando.

¿Ustedes tienen una rutina, que no sea “hacer cosas después de la cena?

Bueno, tratamos de ser estrictos con levantarse de la cama y empezar a trabajar a las nueve. Creemos que es importante tener rutinas que atenerse a lo que el trabajo se haga. De hecho, tenemos reuniones de los lunes, los dos de nosotros. Vamos a tomar manera de ponerse en el espíritu correcto. Pero no estamos locos al respecto. También es agradable sentarse en casa, escuchar música, dibujar y trabajar juntos en la noche. Creo que los dos nos gusta mucho todo lo que imprima, la forma en que un diseño se ve en el papel y como una pieza acabada. Eso siempre lo más alto.

¿Qué otros equipos de diseño en Noruega admiras? La gran Grandpeople de Bergen. Su técnica y el nivel de detalle es loco. Y, por supuesto, muchos gran agencia de diseño y diseñadores por ahí como Grandpeople, apogeo, sus amigos, anti, Bleed, nodos Snasen, sus amigos y más

¿Cómo está la escena de la música en Bergen? ¿Son los niños bien? Los niños son sin duda bien! Hay una escena

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tanamachi studio “Hay tecnicas y obras que por ser personalizadas, tienen un valor agregado y lo que hace Dana Tanamachi es de eso”

ue hace unos años en una fiesta de inauguración de la casa que un amigo le pidió que dibujar algo en una pared de yeso. Su primer intento de tizaz letras fue un éxito con sus amigos, y para el próximo año, llegó temprano antes de los partidos para crear escenarios temáticos. Dana es una diseñadora gráfico con criada en Texas, rotulista que disfruta de una vida tranquila y trabajar con las manos. Después de diseñar para espectáculos de Broadway

carteles en SpotCo y funciona bajo Louise Fili, Dana abrió su propio diseño y boutique de letras, Tanamachi Studio. Ha recibido encargos de clientes como Google, Yahoo!, Rugby Ralph Lauren, Tommy Hilfiger, West Elm y en 2011, fue nombrada Young Gun (YG9) por el Art Directors Club y creativo joven a ver por la forma en Magazine. En 2012, Dana tuvo el honor único de creación de arte de la cubierta de encargo para O, who y revista TIME.

aula Scher estudió en la Tyler School of Art en Filadelfia y empezó su carrera de diseño gráfico en CBS Records en la década de 1970. En 1984 co-fundó Koppel y Scher, y en 1991 se unió al estudio Pentagram como socio. Durante la historia del diseño de la iconografía clásica, el pop, la literatura, la música y el cine, Scher crea imágenes que hablan a las audiencias contemporáneas con un impacto emocional y atractivo. Tres décadas de su carrera, estas imágenes han llegado a ser identificadas visualmente con la vida cultural de la ciudad de Nueva York y del mundo. A mediados de la década de 1990 su identidad para The Public Theater dió nueva simbología para las instituciones culturales, y sus colaboraciones arquitectónicas recientes han reinventado el paisaje urbano como un ambiente dinámico del diseño gráfico tridimensional. El uso de la tipografía de forma direccional, funcional y generadora de sentidos, direcciones, sensaciones, conceptos y fuerza visual, son un referente de la tipografía del siglo pasado, siendo un referente obligado para el diseño actual.

Sus identidades gráficas para Citibank y Tiffany & Co. se han convertido en estudios de casos para la regeneración contemporánea del clásico de las marcas estadounidenses. The New York Times Magazine, Bloomberg, Target, Jazz at Lincoln Center, the Detroit Symphony Orchestra, the New Jersey Performing Arts Center, the New 42nd Street, the New York Botanical Garden, and The Daily Show With Jon Stewart, y uno de sus clientes más recientes, están los Parques de Nueva York en donde pudimos desarrollarlo en un post anterior, se ve claramente experiencia de años de profesión. Su obra de diseño ha sido expuesta en todo el mundo y está representada en las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno y el Cooper-Hewitt National Design Museum de Nueva York, la Biblioteca del Congreso en Washington, DC, el Denver Art Museum, el Museo für Gestaltung Zürich, y

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de la Bibliothèque nationale de France y el Centro Georges Pompidou de París. Su pasión por el arte viene de familia, su padre fue uno de los más destacados personajes de la cartografía moderna y en sus años de investigador, a cargo del gobierno estadounidense, pero Paula diseña los mapas a su modo y, para ello, utiliza las palabras. Paula es un referente a nivel mundial sobre diseño y sus años la hacen tener una opinión formada acerca del mercado actual del diseño como este se vincula a su vida personal y su entorno profesional. Dio charlas en toda latinoamerica, visitando la república Argentina para Trimarchi 2006, aca podemos ver un interesante discurso dado en el marco de TED en 2008. Cuando los premios y reconocimientos llegan a la vida de un diseñador es una remuneración que se da por algún mérito o servicio. Paula Scher tiene el mérito de ser una de las pocas profesionales que hizo todo lo que se puede hacer en el mundo del diseño, editorial, afiche, packaging, identidad corporativa para clientes como países, empresas multinacionales y empresas chicas. Cuando el poder de las ideas se manifiesta en lo grafico, lo visual y en lo comunicacional, y a eso se le suma la diversión de una niña en cuerpo de una profesional, es la combinación de una mujer y profesional admirable, generando ideas puras e inocentes de una niña con la fuerza de una mujer adulta que sabe lo que su cliente quiere y sabe como mostrarlo. ¿Cuándo se llega al tope de una carrera, como se sigue? ¿Puede un diseñador crear un logo en un segundo como lo hace la gran miss Scher? ¿hasta qué punto se puede usar siempre el mismo recurso para los diseños?

Serial

CUT

“Serial Cut es un estudio en Madrid, fundado en 1999. Hoy cuentan con proyectos por todo el mundo” 12

a inspiración viene de décadas anteriores y actuales, pero siempre lo revise y renovarlo, con lo que en la perspectiva de hoy con una mirada actual. Supera las expectativas Nuestro objetivo es ir más allá de lo que está en nuestras mentes oncepto, y para terminar siempre con un resultado fresco.

Observando tus trabajos veo que eres una persona muy creativa y mutidisciplinar: ¿Donde buscas la inspiración? ¿Consideras que tienes un estilo personal muy definido? Más que multidisciplinar, yo diría que intento ser versátil en cada proyecto y adecuar una determinada estética a cada trabajo para que tenga identidad propia. Supongo que desde fuera se ve un estilo muy definido, aunque lo único que intento es no aburrirme haciendo siempre lo mismo! Me gusta evolu- cionar con mi estilo. La inspiración me viene con un

concepto claro.

Proyectos versátiles Grandes y pequeñas empresas de las industrias de la cultura, la moda o artes y el entretenimiento son nuestros clientes, para cada nuevo proyecto a partir de un determinado cliente, nos gusta cambiar el aspecto y la sensación del diseño dando un toque personalisado Tipo refuerza el concepto imagen y tipo son una gran combinación que nos gusta utilizar en todos los proyectos en los que trabajamos. Tipografía juega un papel importante en el.

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Trabajo para empresa comida rápida

A la hora de afrontar un nuevo proyecto: ¿A que le otorgas una mayor importancia: a la idea, al diseño, al mensaje que quieres transmitir...? ¿Te dan tus clientes plena libertad creativa? El concepto es fundamental, pero va totalmente acompañado de la línea visual, que marca mucho también el estilo. Creo que tengo bastante suerte en que la mayoría de mis clientes me dejan libertad creativa, aunque si hay un mínimo briefing lo agradezco.

¿Consideras que el diseñador actual tiene que moverse con cierta soltura por diferentes disciplinas, como ilustracion, web, motion graphic? Desde luego. Creo que hay que tener inquietudes y moverse de una disclipina a otra para no aburrirse. Incluso si siempre trabajas en lo mismo, al menos que se vea una evolución en el estilo. Ahora trabajo en algunos proyectos de animación y me fascina, aunque yo me declaro fiel defensor del print. Me gusta lo tangible. 13

ExtraBold El Libro de Serial Cut

ExtraBold no podía ser un libro cualquiera y apuesto a que la mitad de los diseñadores de este país ya están volviéndose locos por hacerse con un ejemplar. Tranquilos, hasta el 20 de septiembre nada. Lo que sí que podemos hacer hasta entonces es poneros los dientes muy largos. Imaginaros, 320 páginas en un montón de tipos de papel diferentes, más de 150 de sus proyectos más interesantes, desde la fundación del estudio en 1.999 hasta la actualidad, realidad aumentada gracias a una app gratuita para iPhone e iPad con la que imágenes 3D virtuales, vídeos y making ofs, zoom de imágenes y webs interactivas saltarán del papel a la pantalla de tu gadget favorito. imágenes 3D virtuales, vídeos y making ofs, zoom de imágenes y webs interactivas saltarán del papel a la pantalla de tu gadget favorito. No te aguantas más, ¿verdad? Anda, consuélate con este vídeo en el que presentan a los nueve artistas internacionales que han invitado: Alex Trochut, Bartholot, Grandpeople, HelloHikimori, Julien Vallée, Romain

Lenancker, Mr. Oso, Plenty and Studio Output. Dentro de los más de 150 proyectos – de los primeros años hasta el presente – algunas páginas de este libro también contienen realidad aumentada, que puede ser visualizada fácilmente a través de la camera de tu iPhone o iPad, conectando con el siguiente contenido digital:18 3D FIGURAS VIRTUALES, 14 VIDEOS DE ´MAKING OF´, 16 VIDEOS COMERCIALES, 11 IMÁGENES DE ZOOM Y 3 PÁGINAS WEB NAVEGABLES El estudio invitó a sus 9 artistas internacionales favoritos a hacer un remixde una obra de su portafolio, como homenaje al estudio: Alex Trochut, Bartholot, Grandpeople, HelloHikimori, Julien Valleé, Romain Lenancker, Mr.Oso, Plenty and Studio Output. “Serial Cut™ tiene un sello genuino, abrazando la cultura pop, el lujo y el surrealismo a la vez. Una alquimia fantástica de elementos que convierten una representación tridimensional en un estilo gráfico que es icónico e inconfundible.” Alex Trochut. Serial Cut™, creadores de imágenes desde 1999. es la cultura de los mass media, actual.

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‘Extrabold’ de Serial Cut™. Resume la trayectoria profesional del estudio de diseño fundado por Sergio del Puerto.

A 16

ño 2006. Latinomérica. Segunda Bienal de Letras Latinas. Una pixeleada tipografía gótica proveniente de Chile obtiene el reconocimiento especial de la revista Tipográfica (TPG). Stgotic sorprende a todos. Su creador inicia una producción que hoy, más que interesante, resulta necesaria de conocer. Rita Pincoya Hernández, no es su nombre; sino los nombres de sus tipografías, las cuales actualmente se distribuyen a través de MyFonts o Sudtipos. Sus fuentes se han ido posicionando poco a poco, configurando una nítida imagen de lo que se puede conseguir cuando se trabaja seriamente, con esfuerzo y objetivos claros, con la convicción de que si empieza algo; se termina. Así es este diseñador cuando trabaja: esforzado, ambicioso y constante. Así es Daniel Hernández, nuestro primer invitado para hablar de tipografía. Daniel, ¿Cómo percibes el mercado de la Tipografía en Chile?

Es complicado, pues los diseñadores que compran tipografías son muy pocos, de hecho, yo nunca he comprado una. En nuestro país no existe cultura de compra de fuentes. Chile y Latinoamérica se perfilan más como proveedores que como compradores, debemos vender tipografías a Europa y Estados Unidos, ya que creo que en Chile no ganarás mucho vendiendo, a lo sumo, quizá logres posicionarte adecuadamente.

En ese sentido, ¿qué ocurre entonces con propuestas como la fundición chilena Latinotype? Es una excelente propuesta para el mercado nacional, ya que vender a cinco o diez dólares es un precio razonable para un diseñador o estudiante no acostumbrado a comprar tipografías. Sin embargo internacionalmente es más complejo, ya que los valores están muy por debajo de los valores de mercado, en el cual –generalmente– los precios no bajan de los treinta dólares.

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puertas, creo que se debió a lo masivo de su llegada; al hecho de que fuera gratis. El emblema de todo esto y el momento preciso en que dimensioné realmente su alcance, fue cuando me avisaron que Apple había utilizado Pincoya Black para la presentación del nuevo Safari 5. ¿Cómo surge Pincoya? En afiches de la Guerra Civil española. Surgió de un cartel de Mariano Puyol en el que aparecían sólo cuatro letras (URSS). Luego tomé referentes más locales como la tipografía Llanquihue Display de Francisco Gálvez que está basada en el logo de Quilapayun. No entendía como se generaban las uniones entre las letras, hasta que me di cuenta que había que tener dos tipos de letras, las mayúsculas y las minúsculas; diseños distintos para consonantes y vocales. Así funciona Pincoya.

ya que los valores están muy por debajo de los valores de mercado, en el cual – generalmente– los precios no bajan de los treinta dólares. Creo que esto puede mermar la imagen de tu trabajo. Aparte de diseñar fuentes, tienes labores de docente, incluso participaste un tiempo como profesor en el curso de Diseño de Fuentes Digitales de la Utem que dio paso a la creación de ETU, ¿cómo conviven estas experiencias? Creo que para ser profesor de tipografía no necesariamente tienes que ser diseñador de fuentes, pero sí, debes compenetrarte con el tema: investigar, conocer, mantenerte informado. Muchas veces los profesores no conocen la Bienal Letras Latinas o el proyecto Esos tipos de la Utem, estos referentes son fundamentales y deben ser traspasados a los alumnos. Tu tipografía Pincoya Black, se distribuye

gratuitamente y ha tenido una gran recepción en el medio. Cuéntanos acerca de esto. Pincoya es una fuente que guardaba hace mucho tiempo. Un día revise varias que tenía en proceso, decidí terminarla y distribuirla gratuitamente. Subí el especimen a flickr y comencé a compartirla por los canales convencionales de libre distribución como Dafont. El experimento era ver cuántas descargas podía alcanzar, y el resultado fue increíble. Al tiempo me llegó un mail de FontSquirrel, otro sitio similar, pero con una impronta más selectiva y obras de terminación más cuidada. Así se fue dando todo, hasta que comencé a verla aplicada en diversos medios, algunos tan destacados como la revista Esquire Latinoamérica. El uso y la propagación de Pincoya me abrió

Para terminar, ¿Podrías definir a ETU en tres conceptos? Motivación , trabajo, vitrina. Como símbolo de cierre de este grato encuentro con Daniel Hernández, su tipografía Pincoya Black, pasa desde este momento, a formar parte del catálogo de ETU. Todos aquellos que aun no conozcan las virtudes de esta fuente, podrán descargarla gratuitamente en nuestro sitio.

Su máxima influencia es América, el trabajo duro que ha marcado a toda una generación de estadounidenses. 18

¿Cómo entraste en la ilustración? Mi madre es una artista increíblemente talentosa y calígrafa, estoy bastante seguro de que ella me proporcionó mi primer lápiz y papel, por lo que probablemente ella se lleve los creditos por todo. Sinceramente, he estado dibujando durante tanto tiempo como puedo recordar, sin embargo, no es la cosa mas fácil para mi. Sólo en los últimos años he encontrado realmente un lugar para mí como ilustrador. Estaba flotando en un “diseñador gráfico que puede ilustrar” durante años, pero últimamente he abrazado realmente la ilustración como una profesión y no quiero hacer nada más. ¿Cómo describirías mejor tu estilo de ilustración? Mi estilo se basa profundamente en la America y el patrimonio basado en Nueva York. Mucho de lo que creo se basa en el estilo de finales de 1800 y principios de 1900 florecientes ciudades de Estados Unidos, New York en particular. Realmente trato de mantener esa sensación de nostalgia en todo mi trabajo, incluso si es para algo completamente moderno. He descubierto que soy capaz de expresar mucho más emoción en mi trabajo si trato de canalizar las motivaciones de algunos de los artistas gráficos que operaban antes en el mismo lugar que yo. ¿Qué herramientas utilizas para tu trabajo? Lápiz, pluma, marcador, borrador, borrador mecánico, scanner, Photoshop e Illustrator.

Por favor llévanos a través de tu proceso de diseño, ¿por dónde empiezas? En realidad, los métodos que eh desarrollado para mi proceso son los que han ayudado a dar forma a mi estilo. Cuando me imagino a cabo el tema que voy a dibujar típicamente toneladas de elementos que se relacionan con lo que estoy dibujando. En su mayor parte, todo mi trabajo contiene un exceso de letras, así que voy a diseñar las piezas en varios estilos diferentes para darme algo de espacio para moverse en la ejecución final. Una vez que termine de extraer todas las piezas, exploro y empiezo a jugar con los conceptos de diseño - moviendo las piezas, la ampliación, la reducción, la rotación, y así sucesivamente hasta que llegue al lugar en el que soy feliz. Al principio todo está hecho en blanco y negro por lo que es tan icónico y gráfico posible, y una vez que estoy satisfecho con la pieza en términos de forma y el diseño, me muevo en el color y el fondo. Se podría decir que ilustro como un diseñador del logotipo. Todo el proceso es bastante flojo para que pueda mantener un sentido del tacto humano.

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¿A veces se bloquean las ideas? Si es así, ¿cómo superas esto? Esto es en realidad un tema que he estado discutiendo mucho últimamente. Me he dado cuenta que ser un ilustrador profesional realmente no permite bloqueo creativo y sólo tengo que luchar contra eso y hacer que esta mierda suceda. Si no tengo ninguna idea, entonces no tengo comida o un lugar para dormir, así que he aprendido a encontrar constantemente inspiración y sacar fuera la productividad de los demás. Blogs, Twitter, Instagram y son agradables a la vista, pero para ser honesto nada de eso nunca ayuda. La inspiración real viene cuando miro fuera de todo ese reino visual, muebles, la naturaleza, la música, los libros de texto todo tipo de cosas raras eclécticas me ayudan a conseguir que vuelva a la pista y por lo general me da bastante gas para comenzar. Cuando todo lo demás falla, me voy a mi mujer, que es un interminable pozo de creatividad y mucho mejor en lluvia de ideas de lo que yo podría ¿Cuál sería tu objetivo final como ilustrador? Realmente no hay ninguna meta en particular que tenga en mente. Al ver hacia el futuro es difícil, sobre todo hoy en día, pero cuando sea un anciano todo lo que quiero es un grande y antiguo estudio lleno de libros y muebles, un gran armario lleno con marcadores y lápices, y un poco destartalado escritorio con una vieja lámpara de cien años para sentarme a dibujar. Eso suena muy bueno para mí. ¿Qué estilo de música es lo que la mayoría escuchas cuando trabajas? Death metal ¿Tiene algún consejo para los aspirantes a los ilustradores? No te rindas, no importa quién te diga quien es mas talentoso. Nada de eso importa. En algún momento, la mayoría de esas cosas intimidante desaparece, es como crecer de nuevo.

Martin Schmetzer www.martinschmetzer.com

Martin Schmetzer es un diseĂąador y tipĂłgrafo de Estocolmo, Suecia. Sus habilidades como dibujante son realmente increĂbles. Vamos a poder apreciar como se llevan a cabo grandes proyectos empezando con bocetos a mano.

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Minded Studio “una tipografia de pelicula”

Como Minded Studio tuvo el honor de colaborar con Baz Luhrmann, Catherine Martin & Bazmak equipo en la imagen de marca de “The great Gatsby”. Nuestro objetivo es realizar la visión Baz y desarrollar un Deco medida logo estilo reflexivo de los años 20 del rugido y la obra maestra de Fitzgerald. También hemos creado un tipografía display que acompañará la marca principal. Los letterforms fueron adaptados y refinido para reflejar el diseño del logo principal. Esto incluyó el desarrollo de un sistema para combinar personajes sólidos y rayas en secuencia al escribir las palabras. La inspiración para el tipo de letra era de los diseños del alfabeto deco de KH Schaefer. Los titulos finales y el logotipo se presentaron más en 3D Deva Studios para crear el proceso reflejan el estilo de Gatsby.