21 Le Mag. Arte & cultura Alternativa. nº2. 2009

Staff Edita: Asociación Juvenil Interferencias.

Coordinador: Iván González Saiz.

Redactor Jefe: José Luis Santos Lobato.

Dirección de Arte: Patricia Peláez Alvarez.

Diseño: Area Creativa Diseño & Comunicación. e-mail: areacreativa@telecable.es Fotografía: “Los amantes destructivos” Autor: Juanma Carrillo www.juanmacarrillo.com

Imprime: Gráficas Martín Depósito Legal: AS-1000-2001 Tirada: 2.000 ejemplares

Han colaborado en este número: Juanjo Palacios, Alberto Alvarez Peña, Ancor Sánchez, Ricardo Cançado, Marius Leneweit, Rocío Rodríguez, Angel García Roldán, Germán Scelso, María Castellanos Vicente, Amparo Alegría, Juanma Carrillo, María Cañas, Breixo Viejo, Erica Bauer, Beatriz Marín Urbán, Ana Parres, Casilda Sánchez, Clara López Cantos, Jorge Romero.

Torna de testos: Oficina Municipal de La Llingua del Conceyu de Xixón.

21 Le Mag Apdo. Correos 529. 33200 Xixón. Asturies. España e-mail: interferencias@telecable.es Tel.: +34 659 84 53 00

21 no se responsabiliza de las opiniones vertidas por sus colaboradores en los artículos firmados.

Está terminantemente prohibido reproducir el material publicado sin autorización expresa de la Asociación Juvenil Interferencias.

Publicación subvencionada por:

P. 2 © Juanjo Palacios aka Blezna

www.myspace.com/blezna

Paisaxes sonoros baxo'l rellumu.

El soníu máxicu de la viesca n'Asturies.

Blezna ye'l proyeutu música esprimental del xixonés Juanjo Palacios, xuxuriáu nes viesques asturianes, mesmamente nos sos arboles.

Esperimentar significa dir buscando lo desconocío, llegando en dellos casos hasta l'abstracción dafechu.

Cada tema de Blezna ta basáu nun árbole del país (texu, faya, ablanu, castañal, ardina...) y faise esprimentando con ruíos ambientales recoyíos na viesca y mecíos con otros fechos dixitalmente, naguando por que'l resultau final seya un paisaxe sonoru, onde l'orgánico y lo sintético tán perfechamente mecíos.

Blezna regalónos un conciertu en direuto llenu d'una intensidá qu'esbarrumba sentimientos, dientro del festival Optica Xixón 2009, n'ochobre pasáu. Amás, el coleutivu audiovisual asturianu Thr3hold punxo les sos imáxenes a una música que'l públicu asistente pudo esfrutar con emoción.

P. 3 © Ancor Sánchez aka Pixel VJ

www.irvene.com

Pixel VJ: de formación autodidacta.

Una contundente mezcla visual de estilos.

Mi curiosidad por los visuales despierta en el año 2007, como miembro del Colectivo Canario Irvene, de la villa de Ingenio en la isla de Gran Canaria.

por el género audiovisual, hasta llegar al punto de crear mis propios visuales cámara en mano y con la ayuda de esos elementos interiores y exteriores que la calle nos puede ofrecer.

Sabiendo de la dificultad que suponía meterse en un mundo tan competitivo, opté por una formación autodidacta, manual en mano y asistiendo a múltiples cursos inmersos en festivales de cultura electrónica, meetings, foros, etc. Los primeros contactos con el software de vídeo, impulsaron mi curiosidad

Acompañado de la instrumentación midi, en mis sets visuales se puede encontrar una contundente mezcla de estilos, creando en todo momento una atmósfera visual adecuada con la música. He participado en festivales de importancia internacional destacando: Eólica, el 1er. Encuentro de Música Independiente y

Electrónica de Canarias “RADAR” o Materia Viva Culturfest, entre otros. He compartido escenario con Fedde Le Grand, Funkerman, Kevin Saunderson, Sweet’n Candy, Akufen, Wagon Cookin,...

Siempre bajo el respaldo del colectivo Irvene, he expuesto algunas de mis videocreaciones en Buenos Aires, La Paz, Córdoba (España), Berlín, Dakar, Madrid, etc.

Ancor Sánchez aka Pixel VJ

P. 4 © Ricardo Cançado aka VJ Eletro-I-Man

www.myspace.com/vjeletroiman

Una historia sobre el life cinema.

Desarrollo y reflexión del audiovisual en directo.

VJ Eletro-I-Man representa Corisco, Oxossi y Macunaíma, personajes de la cultura brasileña que nos remiten a una herencia de resistencia política y a una búsqueda constante de una identidad brasileña.

El proyecto Eletro-I-Man tiene como objetivo repensar el vídeo a partir de su conjugación con otras técnicas. Esta idea de convergencia permite un diálogo entre varias técnicas de composición (pintura, fotografía, 3D, motion

graphics), dando como resultado un lenguaje híbrido que se viene desarrollando desde el inicio de 2003.

En estos años, he presentado mi proyecto en importantes festivales como el Winter Festival, Eletronic ART Festival BCN, Festival Crea, Festival Brasil Noar, Festival LOOP, Proyecto Impersonal Strike, Festival BANG, Festival FLO Tokyo, FILE, Hypersonica y el Festival OFFF 2007. Presenté también mi obra en galerías de

arte y conocidos Clubs de Barcelona como RazzMatazz, CCCB, NIU o Apolo, entre otros.

Mi actividad está relacionada con el desarrollo y la reflexión del audiovisual en directo. En este sentido, organizo el Festival Visual Brasil, que en sus seis ediciones reunió la obra de varios artistas brasileños, generando una nueva red de distribución entre Brasil y Europa.

Ricardo Cançado

P. 5 © Marius Leneweit & Rocío Rodríguez “...niland 1”

www.gruppefisch.com

Estrategias de supervivencia darwinianas.

Una visión futurista de la adaptación a la vida bajo el agua.

“...niland” es una idea que Gruppe Fisch (Marius Leneweit y Rocío Rodríguez) ha concebido como visión futurista de la adaptación a la vida bajo el agua.

La propuesta aborda el tema del cambio climático y, en especial, el incremento del nivel de los mares. Los seres humanos cambian con la naturaleza y están en un constante proceso de micro-adaptaciones mientras que a gran escala siguen las estrategias de supervivencia darwinianas.

Esta relación de interdependencia hace que el ser humano sea causa y efecto a la vez. La idea, es mostrar al hombre en correlación con el medio y la responsabilidad del mismo en los cambios ambientales; el hombre adaptándose a las consecuencias de su propio producto.

Así, la obra formula un aspecto nuevo del hombre en condiciones ambientales cambiantes y construye un entorno subacuático basado en una imagen fantástica y grotesca de una subida dramática del agua de los mares.

La línea que separa los elementos de aire y agua es el centro vital de “...niland” y actúa como un indicador del cambio medioambiental negativo causado por el hombre. “...niland 1”, trabajo incluído en “...niland”, narra la historia de dos personajes luchando por la adaptación a la vida bajo el agua. Las imágenes exponen diferentes perspectivas del agua, encima de la superficie se muestra la separación visible de los elementos agua y aire y el cruce de esta línea; debajo del agua se

enseña la acción de las corrientes marinas, juegos de refracciones de luz y paisajes subacuáticos en los que un efecto de inversión del agua y el aire deja la superficie donde hoy está el fondo, y arriba un infinito de agua. Este panorama innovador que ofrece “...niland 1” es la vista que desde abajo tiene el hombre de la superficie, donde nuevas reglas de la naturaleza se conforman al nuevo modo de vida. El sonido que acompaña las imágenes cuenta con grabaciones bioacústicas de sonidos del agua y la respiración realizadas por Lasse-Marc Riek, fundador de la discográfica Grünrekorder que se dedica a grabaciones sonoras relacionadas con la naturaleza.

Marius Leneweit & Rocío Rodríguez

P. 6 © Angel García Roldán “Conmigo mismo casi contra mi mismo”

www.angelgarciaroldan.es

Del canto de las moscas.

Breves consideraciones sobre un proceso creativo.

La búsqueda de los contextos y espacios de intercomunicación suponen la trama desde la cual desarrollo todo mi trabajo. Me interesa especialmente encontrar en esos lugares los estados de transición que demuestren nuestra inestabilidad ante el tiempo, el espacio y su historia.

Esta particular obsesión me conduce a la búsqueda de aquellas situaciones en las que podemos suponer que algo esta a punto de ocurrir o terminar. Creo que en esos instantes cobran especial interés los contextos en los que nada es fortuito (incluso el azar incurre

como parte de un código oculto que yo intento descifrar) resistiéndome constantemente a la idea de una conclusión prevista.

De este modo los “arte-factos” que construyo asumen su lógica interna y mi trabajo se convierte en el del cartógrafo que dibuja los límites y contornos de una geografía a punto de ser descubierta. Este proceso ocurre sobre cualquier formato y medio donde es generado el incesante rompecabezas. Así, posibilito distintos recorridos para después reconocer en ellos la oportunidad de otros argumentos.

Quizás, esta es la idea que más me interesa del

proceso creativo: “la posibilidad de cambio” en el soporte, formato e incluso en la estética, aunque tras su apariencia siempre nos comunique lo mismo.

En mis proyectos y a simple vista esto no resulta del todo evidente, lo que me facilita cierto grado de anonimato en el conjunto de la producción y el reconocimiento intrínseco de una particular fascinación por los juegos del “camuflaje”, justificando de esta manera el poder alternar proyectos aparentemente dispares.

Angel García Roldán

P. 7 © Germán Scelso “Self-portrait (1996/2006)”

http://tropposcelso.blogspot.com

La conciencia de la imagen.

El camarógrafo y la cámara y la cámara y el objeto y viceversa.

Alguien asomado a su propio reflejo en el agua inaugura la conciencia de la imagen como repetición de la realidad. El agua como superficie de proyección, y más tarde, las paredes de las cuevas como lienzos, los juegos de sombras, una pasta química sensible a la luz, una superficie de luces electrónicas dividida en infinitos puntos variables.

Cada gran revolución tecnológica ofrece un nuevo modo de relación con las cosas. Trato de verme en esa cronología. En momentos de la distribución por Internet, de las video instalaciones y los VJs, me veo alguien primitivo entre el video digital y el magnético, construyendo una narración monocanal. De

esta manera, en relación con las nuevas superficies de proyección, no puedo generar un modo muy contemporáneo de construir contenidos. En el año 2006, después de grabar siempre en VHS con una cámara sobre el hombro con el tamaño de 2 veces mi cabeza, compré una digital, miniDV. No una supercámara HD sino un artefacto que sobresale apenas de mi mano, que se coge como una pistola, que tiene un pequeño micrófono direccional y que sobre uno de sus lados despliega un visor. Al no tener la necesidad de apoyar el ojo puedo mantener la cámara a la altura del estómago y mirar desde arriba sin arquear el cuerpo, es decir, grabar sin tener que poner una posición artificial de

camarógrafo. Esta manera de adherir la cámara al cuerpo hizo más espontánea la relación con las personas que grabo.

Mi trabajo se mueve entre el camarógrafo y la cámara y la cámara y el objeto y viceversa, pero está más cerca del teatro que de la ciencia; se trata de documentales y de performances: Por hacer que mi presencia modifique lo que está sucediendo, por no trabajar con actores, por no hacer que personas reales desarrollen el rol de personas parecidas a ellos, por conver tirme y convertirlos en personajes de sí mismos.

Germán Scelso

P. 8 © Mª Castellanos Vicente “memoria_”

http://mariacastellanos.blogspot.com

Memoria: del llatín memoria.

Facultá psíquica pola que se caltién y recuerda'l pasáu.

La memoria identifícanos como persones, ayudanos a crear la nuestra propia hestoria personal y fórmanos como individuos.

Utilizamos la memoria pa falar del pasáu, el presente ya incluso pa maxinar el futuru. La perda d'esta supondría la perda de toles nuestres vivencies y esperiencies, ensin ella nun esistiríamos.

Poro, y paradóxicamente, la memoria reinvéntase cuando facemos por alcordanos de fechos asocedíos. El cerebru crea otra

vegada lo ocurrío completándolo ya inventándolo pa da-y coherencia al pasáu.

Recordar implica recrear oxetos, reconstruyir imáxenes, personaxes y diálogos. Una alcordanza nun ye un archivu acabáu y completu al qu'evocamos siempre igual, sinon que tien infinites posibilidaes de reinvención, creando asina coherencia ente'l yo presente y el yo pasáu.

Dende l'apaición de les semeyes, estes valiéronnos p'ayudar a la memoria como base

documental de fechos y aiciones vivíes.

Escenes que podríen pasar amatagaes y llegaríemos a escaecer col tiempu, pero que la esistencia del documentu gráficu recuérdanos que pasaron.

Encerriscase con una hipotética perda de la memoria y l'aforfugue pol fechu de que pueda dase son los filos conductores de la videucreación “memoria_”.

Mª Castellanos Vicente

P. 9 © Amparo Alegría “Con un par... de mechones”

http://amparoalegria.blogspot.com

La reconstrucción de la memoria.

Trabajos en torno a las políticas de identidad.

Pertenezco a ese grupo de idealistas que creen firmemente en la importancia de la cultura. Para mí la expresión artística, entre otras formas de creación y de reflexión, es necesaria para el desarrollo de una sociedad, por lo que siempre he pensado que si el arte hablara de lo que es relevante en la vida de las personas, sería posible cambiar el modo en el que se perciben las realidades.

La formación y la educación nos transmiten convenciones determinadas por la tradición y el sexo para anclarnos como individuos en la sociedad. Se da por sentado una cierta ceguera, un impedimento del que no somos

conscientes hasta que nos enfrentamos a una situación ambivalente en la que fallan las convenciones. Es curioso cómo esos juicios convencionales de realidad precaria y aspecto subjetivo, se asientan en nosotros como valores subyacentes, de los que no podemos escapar.

En la evolución de la cultura hay algunas cosas que no cambian nada prácticamente. Desde el origen de la humanidad, mientras viajamos a la luna y se descubre el genoma humano, todavía seguimos presos de nuestra educación, de nuestra infancia, de todo lo que nos han enseñado a identificar como lo “nuestro”.

Las obras que suelo presentar son trabajos en torno a las políticas de identidad, y están basadas en la reconstrucción de la memoria.

Estas, parten de elementos reales, para situarse en espacios preservados para su defensa y la del pensamiento. Se trata de acciones o instalaciones que son a la vez objetos simbólicos y psicológicos, donde se llevan a cabo una serie de acciones, creadas como un nuevo lenguaje para recordar esas historias que no se han escrito, pero que es imprescindible recordar.

Amparo Alegría

P. 10 © Juanma Carrillo “Los amantes destructivos”

www.juanmacarrillo.com

Me gusta imaginarme historias.

Ya lo decía Capote.

Crear. Desear. Amar. Sufrir. Llorar.

Pasolini me mira desde su coche con el que recorre Italia, mientras escribe poesía inspirándose en jóvenes efebos que un día le darán muerte. Cristina me susurra al oído que mil pedazos volaron por toda la habitación, y yo no puedo dejar de imaginarme el destrozo que eso supondrá para ella, ahora que ha aprendido a mantener la distancia adecuada.

Me ahogo intentando sentir la velocidad de la heroína entrando por las venas de John y Miles, mientras este último no para de repetirme que cuando crea en mí, ni el cielo será mi limite, y yo no dejo de repetírmelo, mientras me hundo.

La culpa de todo la tiene el clima, los cambios constantes por los que atravieso, vienen provocados por el tiempo. Me hielo en Madrid! y al helarme me encierro, mirando por la ventana a los inquilinos del hotel de enfrente de mi casa. Me gusta imaginarme historias.

Encuentros fortuitos, esposas desposadas escapando del tormento de una relación caduca, y jefes sin coraje encerrados en el armario de por vida, aliviándose con temerosos becarios. Mientras tanto, en mi tele ridículamente grande, la señorita Kubelik vuelve a seducir a CC Baxter al subirle en el ascensor, y yo vuelvo a pensar lo sexy que es Jack lemmon y lo poco elegantes que son los actores de hoy en día. Me encanta como viste en esta película y me recuerda lo vulnerable

que soy a las influencias, como hace unos años, cuando decidí copiar durante unas semanas a Gene Kelly cantando bajo la lluvia, con aquellos chalequitos y pantalones tan monos. Seguramente yo estaba ridículo, pero era la libertad que París me otorgaba. Y es curioso la relación natural de la imagen con el clima que en mi subconsciente se despierta de forma automática. Así cada verano Grace Kelly vuelve a visitarme reprochándome que ejerza de voayeur para descubrir un misterioso asesinato frente a mi ventana; lo que ella no sabe es que soy un voayeur todo el año, y sufro por ello. Observar. Imaginar. Crear. Casi en este orden, casi sin querer. Ya lo decía Capote.

Crear. Desear. Amar. Sufrir. Llorar.

Si Francis pudiera aconsejarme o Andy pudiera ayudarme a divertirme más. Si Edgard pudiera iluminarme mi próximo cortometraje, como hizo con aquellas habitaciones de hotel. A veces pienso que las influencias son como fantasmas que te persiguen por donde quiera que vayas, invadiendo tu espacio, sin dejarte ser tu mismo. Pero decididamente yo no sería yo mismo sin esos fantasmas que encienden mi llama cada mañana para seguir creyendo y creando pese a la negrura de lo incierto. Pese a la pobreza que el destino ha reservado para los soñadores, esos valientes que defienden el silencio que Ingmar, la monocromía

vanguardista que Antonioni supo ver una noche, mientras un eclipse deslumbraba la aventura de una pareja que Jean Luc hizo correr por las calles de París, François transformó en trío, y finalmente Pier Paolo convirtió en orgía. Nina, Bowie y Cat Power me repiten cada uno a su manera lo salvaje que es el viento, mientras veo humear el té...

Quién fuera Ray Eames para descubrir a su querido marido inventando la Chaise longue, o André Breton para consolar a Magritte cada vez que éste se ponga a llorar recordando el momento en que vio subir el cadáver de su madre helada sobre el río, y verle emocionado pintando a dos amantes cubiertos por una tela... Ay! Quién fuera musa de Pablo, o el dealer de Brian mientras componía “Good vibrations”, para observarle mientras te pagaba el LSD o amigo íntimo de Ian aunque sólo fuera para sujetarle el cuerpo durante uno de sus ataques. Estar con Cage viendo pasar de puntillas por el pasillo a su querido Merce, creando danza a partir de su respiración. Quién fuera la inspiración de otro... Dicen que el dolor ayuda a crear. Él lleva cinco años siendo mi inspiración... El té se me ha quedado frío.

Juanma Carrillo

P. 12 © María Cañas “Kiss the fire”

www.galerialluciahoms.es/artist_canas.html

Do it yourself.

Una mirada provocadora.

María Cañas, aka La Archivera de Sevilla, caníbal audiovisual, coleccionista, peliculera, cibergarrula, buñuelesca, zensualista, salvaje mediática... mis obras invitan a reflexionar sobre la extraña mezcla de diversión y tremendismo, de imaginería lúgubre y sensual que nos rodea, operando en el canibalismo iconográfico.

Dirijo Animalario TV Producciones, una plataforma de experimentación artística en variados campos: videocreaciones, videoclips, instalaciones, imagen digital, tv online, proyectos en Internet, talleres de cine experimental, yoguitech y gestión cultural. Así

como www.animalario.tv, un contenedor dedicado a la cultura del reciclaje y al apropiacionismo.

Enfoco mi mirada provocadora hacia situaciones y vidas al límite: la Fiesta Nacional, el universo del cerdo ibérico, la televisión, el reality show, la pornografía, las relaciones amorosas, la obsesión consumista del turista occidental...

Mi cine caníbal se introduce en los tópicos y géneros para dinamitarlos: un delirante torrente visual en el que se dan la mano iconoclastia y pornografía, cinefagia y zoofilia.

Mis videocollages entroncan con la tradición de francotiradores que cuestionaron los fundamentos del arte y el cine clásico, por medio del cine experimental y el found footage, rompiendo las reglas del juego y tratando de explorar la verdad oculta de las imágenes.

Mi método de trabajo se basa en una sensibilidad cuajada en la filosofía punk del “do it yourself”, en el Buñuelismo y en la ética y estética minimalista (menos pasta es más creatividad) de las maravillosas películas de Serie B. María Cañas

P. 13 © Breixo Viejo “Augenblick”

www.breixoviejo.com

Augenblick: en un abrir y cerrar de ojos.

Desafío a la narrativa convencional de los cortometrajes al uso.

El festival AlterArte 2009 estrena este mes “Augenblick”, obra del cineasta experimental Breixo Viejo.

El film, de cuatro minutos de duración, es un desafío a la narrativa convencional de los cortometrajes al uso. Viejo hace un brillante ejercicio de manipulación de las coordenadas físicas en las que se mueve su personaje, un hombre que, tras sufrir un desmayo, viaja en el tiempo y en el espacio cada vez que parpadea.

“Augenblick”, “instante” en alemán, significa también “parpadeo” cuando se usa en la frase

“in einem Augenblick”, “en un abrir y cerrar de ojos”. El film, de hecho, se establece un paralelismo original entre el parpadeo y el corte cinematográfico que intrigará sin duda al espectador.

Los expresivos planos de los ojos del protagonista (interpretado con rigor por Alex Torregrosa) contrastan con los desolados paisajes urbanos y naturales por los que dicho personaje transita los últimos minutos de su vida: una fábrica abandonada, una zona industrial, una playa desierta... El climax del

film, que carece de diálogo y música, ocurre cuando observamos el atropello de una joven (Noa Carrera) a la que el personaje había abrazado momentos antes. Consciente de que puede desplazarse en el tiempo, el hombre corre y busca a su amante con el fin de salvarla. Pese a su concisión y falta de sentimentalismo, hay algo hermosamente desesperado, efímero y frágil en este “Augenblick” de Breixo Viejo.

Erica Bauer

P. 14 © Beatriz Marín Urbán “Old Club”

www.myspace.com/beamarin

Desde lo experimental a lo performativo.

El videoarte como un vehículo expresivo.

Para mí, el videoarte es sencillamente un vehículo expresivo. Utilizo este tipo de lenguaje con el fin de concebir y realizar proyectos personales a partir de la integración creativa entre la imagen en movimiento y el sonido, con una intencionalidad, más o menos estética o artística. Entendiendo por intención artística toda aquella que añade un contenido experimental, formal, poético o filosófico, paralelo a la creación audiovisual en sí,

mediante la utilización de recursos técnicos, narrativos y conceptuales. En ocasiones combinando imagen real con dibujo y animación.

Mis proyectos nacen desde reflexiones muy concretas e incluso a veces muy personales.

He r ealizado tr abajos de carácter experimental, documental o performativo.

También he llevado a cabo proyectos que

abordan temas tan dispares como el de la feminidad, la moralidad, la inocencia, la psicopatía, los sueños o los cuentos. Parten de conceptos muy diferentes pero todos tienen en común el dinamismo y la plasticidad inherentes al tipo de imagen que construyo.

Beatriz Marín Urbán

P. 15 © Ana Parres “You drive me banana #3”

http://anatomiademiuniverso.blogspot.com

Entre la identidad real y la ficción poética.

Liberando la estricta y absurda condena de las realidades.

Trabajo mis obras desde esa naturaleza evolutiva que siempre termina con la improvisación y el vacile entre la exploración de la identidad real y la ficción poética.

Planteo el esqueleto de la idea como una causa con significado y el efecto, que finalmente veo como repercute en la idea original.

El diálogo entre el videoarte y la fotografía me ayuda a resolver la tensión creativa que en ocasiones necesita de ambos soportes y que

se basa en las percepciones que voy teniendo a lo largo del desarrollo. El fondo esencial de mi obra es la exploración de las relaciones, ya sea con nosotros mismos, con el entorno o con otras personas. Las trabajo desde un punto de vista íntimo y provocador, a veces empleando el erotismo como ruptura del pudor con el propio cuerpo. El cuerpo es tan sólo un comunicador que redefine el espacio a la vez que lo delimita.

autonomía y que sólo se unan para formar un engranaje de relaciones, pensamientos y vivencias, reales o fingidas. Lo importante es la imaginación que origina pasajes atemporales y que junto con la edición de la obra obliga a los espectadores a ver más allá de la superficie, más allá de la técnica perfecta. Ese es el punto o ese es mi punto. No quedarse en lo superfluo.

Mis vídeos quieren ser el soporte que libera la estricta y absurda condena de las realidades.

Siempre busco que mis creaciones tengan

Ana Parres

P. 16 © Casilda Sánchez “As inside as the eye can see”

www.casildasanchez.net

Todos somos voyeurs.

No hay mayor intimidad que la compartida.

De algún modo, todos somos voyeurs, o por lo menos, yo ahora sé que lo soy. Siempre me ha interesado observar la intimidad de los demás, si eso a lo que denominamos intimidad puede ser susceptible de ser mirado. Creo que la intimidad es algo que -cuando existe y tiene lugar- debe de ser aprehensible, y es con esa idea, con la que salgo en su búsqueda. La intimidad no está vinculada al individualismo, sino a aquel pliegue en el que me relaciono con mi persona y con los otros. José Luis Pardo, en su ensayo “La intimidad”, señala que ‘no hay mayor intimidad que la compartida’.

En mi obra, examino comunidad e intimidad como una pareja de comportamientos

dispares que parten de un mismo camino, comparable al famoso dúo público/privado en términos de la particular relación que se establece entre sus partes. Dicotomías que no sólo no son excluyentes, sino complejamente complementarias.

Estoy interesada en el ejercicio del voyeurismo como acto de penetración en el espacio ajeno, y atención minuciosa al espacio personal del “otro”, entendiendo el concepto del “otro” en términos lacanianos cuando éste afirma que el proceso de identificación del “otro” con el “yo” es el que conforma nuestra identidad, o en palabras de Rimbaud ‘Yo soy un otro’. La vista pudiera no ser el mejor sentido para

comprender y explorar la intimidad -pensemos en el poder del tacto, el olfato, el gusto o el oído-, pero teniendo en cuenta el predominantemente régimen escópico en el que hoy en día vivimos, dónde la ciencia y el conocimiento están basados en la observación óptica, la posibilidad de explorar de qué manera se puede estudiar la intimidad -que no privacidad- por medio del uso de la mirada, se torna una cuestión enormemente motivadora y relevante. Es aquí donde el voyeurismo entra en juego, el más antiguo ejercicio de escrudiñar la privacidad.

Casilda Sánchez

P. 18 © Clara López Cantos “Melodías de oxígeno”

debo4_clc@hotmail.com

Mi cámara es una gran metáfora.

Mira el mundo de la manera que se saborea un libro.

Tocar, tocar tan suavemente... mientras la mano se mueve. La música es el resultado de tocar, por tanto, el mundo es nuestro instrumento porque está constantemente tocado, el problema es que casi a diario desconectamos de la melodía. Un mundo de coreografías de manos que tocan sin cesar componiendo diferentes movimientos.

Tocar para después registrar, para después recordar... Recoger el agua de lluvia como se hacía en otros tiempos, el agua que a veces puede proceder de otros lugares u otras ideas,

de los gruñidos de las alcantarillas y del delirio de la acera. Es el agua la que ayuda a que suenen también sonidos atonales y a que crezcan nuevos pentagramas.

Tocar e ir escribiendo composiciones, para después volverlas a tocar o que otra persona las toque. En ocasiones, dejar espacios de silencio para continuar tocando. Tonos de pinceladas expresionistas y notas que se lleva el viento. Infinitas páginas de sensaciones escritas y de paseos hasta llegar al fin del mundo. Existiendo tantas melodías y

composiciones distintas, ¿Por qué aferrarnos tan sólo a una?

Esta música conduce a la poesía, escenarios dentro de lo cotidiano donde los detalles vitales son los componentes de nuevas historias, es la letra de la canción. Nuevo oxígeno que respirar día a día. Me gusta grabar estas melodías, con mi cámara que es una gran metáfora, pues en realidad mira el mundo de la manera que se saborea un libro.

Clara López Cantos

P. 18 © Isabel Castro Jung “Clavo - memoria de erizo”

www.opticafestival.com

Videuarte: domesticando la vida per aciu de códigos.

Una de les formes más pures y natural de la cultura audiovisual.

El desarrollu teunolóxicu y sobremanera'l llanzamientu de los equipos de vídeu dixital diéron-y al artista contemporáneu nueves ferramientes que lu averen al formatu audiovisual con una llibertá y rapidez creativa ensin precedentes. Esti cenciellu accesu dio llugar a nueves formes de cinematografía de marcáu calter esperimental. Anguaño, el públicu amuesa'l so interés pol videuarte buscando d'obres que surden a partir de formes familiares. Imáxenes que nun cuenten histories, diálogos n'idiomes ensin tornar.

El videuarte ruempe códigos afitaos, dando protagonismu a la esencia del cine: la lluz, el soníu y el movimientu. Ye asina una de les formes más pures y natural de la cultura audiovisual, na midida qu'implica una perceición subxetiva del espaciu-tiempu, al traviés de la teunoloxía de la imaxe electrónica.

Percorrer el camín que lleva a la videucreación arreya'l buscar pelos caminos del mirar. Una güeyada qu'a lo llargo los años foi tresformándose pa dexanos ver la so complicidá cola historia y la so potencialidá discursiva camudada n'imaxe cultural. El mirar

nun ye sólo un vezu que percuerre aquello que ta fuera de nosotros, sinon qu'esta rellación íntima col nuestru entornu respuende tamién a un llaboratoriu internu. A la interioridá que se fai rexistru d'una memoria coleutiva nel actu de retratarnos “dende adientro”, cola nuestra realidá.

que la for men. Descubriendo cómo construimos les nuestres alcordances, cómo, mesmo la fantasía como los modelos yá afitaos, forman parte de l'articulación de los espacios y l'arquitectura, cómo “domesticamos” la vida per aciu de códigos.

Optica ye un inventariu actual d'actitúes, carauterizáu pol eclecticismu necesariu pa entender el futur u. Nesti contestu, proponemos un modelu d'investigación y difusión afitáu nuna revisión estructural de les nueves corrientes audiovisuales al traviés d'un procesu d'esploración qu'implica la conceición d'un espaciu abiertu.

La copia, el reflexu o la recomposición, camúdense equí nuna perimportante vía de conocimientu y análisis de la realidá.

Per otru lláu, buscamos reacciones nel ámbitu personal del espectador, esmolecelu sobre les sos propies fraxilidaes, rescatalu de la estandarización de conductes y del afincamientu d'unes convenciones sociales afitaes nuna estratexa ociu/consumu qu'anestesia tola so posible intuición interior.

Ello ye, facemos una busca na realidá, pero a partir d'una “recomposición” de los elementos

Depués de cinco ediciones, Optica atropó l'atención ya interés d'artistes, galeristes, críticos, estudiosos y amantes del videuarte, convirtiéndose nuna cita que rescampla dientro de la escena artística a nivel mundial.

Siguimos col nuestru petite de ser un espaciu abiertu a toles persones interesaes n'averase a la cultura audiovisual d'anguaño.

Dende l'Asociación Cultural Colectivu Interferencies consiguimos crear un espaciu d'interrelación y divulgación que permite averase al mundu de la esperimentación audiovisual a nivel internacional.

P. 20 © Jorge Romero “Fake”

www.margencero.com/jorge_romero/jorge_romero_presenta.html

¿Podemos ser plástico?

Rechazando la propia identidad.

Definición de “real”: que tiene una existencia verdadera y efectiva.

Existen una serie de estereotipos físicos en nuestra sociedad que ejercen una influencia muy fuerte sobre nosotros ya desde la niñez, ¿cómo son los muñecos con los que jugamos?, ¿alguna vez nos hemos parado a pensar el por

qué de estos modelos de juguetes?, ¿qué pretenden inculcarnos?, ¿somos conscientes de toda la información que se transmite de una forma “inocente” a través de los juegos?

los patrones o modelos que seguimos, que se está convirtiendo en real a través de la cirugía y la necesidad de alcanzarlos, puede llegar a transformarse en una verdadera ansiedad.

La mayoría de las personas conciben “lo real” como lo que esta ahí, en el mundo exterior, rechazando su propia identidad. Lo irreal de

En definitiva: ¿podemos ser plástico?

Jorge Romero