RIP. DIÁLOGO DE POÉTICAS CONTEMPORÁNEAS I

DE POÉTICAS CONTEMPORÁNEAS

RIP

SELECCIÓN

DIÁLOGOS

EXPERIENCIA I Prof. Angel Garcia Roldán

Asignaturas: DESARROLLO DE LA EXPRESION PLÁSTICA Y SU DIDÁCTICA

Maestro Especialidad de Educación Infantil EDUCACIÓN ARTÍSTICA Y SU DIDÁCTICA

Maestro Especialidad de Lengua Extranjera DEPARTAMENTO DE DIDACTICA DE LA EXPRESIÓN MUSIAL, PLÁSTICA Y CORPORAL, UNIVERSIDAD DE GRANADA © Angel Garcia Roldán, 2009.

De las imagenes © Los autores

RIP

DIÁLOGOS

DE

POÉTICAS CONTEMPORÁNEAS

Yves Klein Orlan Marina Abramović Ana Mendieta Cyndi Sherman Paul McCarthy Jason Rhoades Christian Boltanski Bill Viola Sterlac Nancy Burson Felix González Torres

Yves Klein Niza, Francia. 1928-62 Nació en Niza. Sus padres, Fred Klein y Marie Raymond, también fueron pintores. Desde el año 1942 hasta el 1946 Klein estudió en la "Escuela Nacional de la Marina Mercante", y en la "Escuela Nacional de Lenguas Orientales", practicó el judo. En esa época, comenzo su amistad con Arman Fernández y Claude Pascal, y comenzó a pintar. Klein compuso su primera Sinfonía monótona en el año 1947. Entre los años 1948 y 1952, viajó a Italia, Gran Bretaña, España y Japón. En el año 1955 fijó su residencia permanente en París, donde le dedicaron una exposición individual en el "Club des Solitaires". Sus pinturas monocromáticas fueron objeto de exposiciones en la Galería Cloette Allendy y la Galería Iris Clert, en París, en 1946. Klein murió en París de un ataque al corazón poco antes del nacimiento de su hijo.

http://es.wikipedia.org/wiki/Yves_Klein

La mayoría de sus primeros trabajos eran pinturas monocromáticas en una amplia variedad de colores. A finales de los años 50, los monocromos de Klein se centraban en un color azul intenso, que patentó como el International Klein Blue o Azul Klein ( ahora también llamado azul style por grandes firmas de moda que han decidido también ponerle ese sobrenombre) Internacional (IKB, =PB29, =CI 77007).

En muchos de sus trabajos Klein cubría con pintura azul a una serie de modelos femeninas y las estampaba contra el lienzo dejando así la imprompta del cuerpo desnudo de las modelos sobre la tela, usándolas como si fueran "pinceles vivientes". Este tipo de trabajo recibe el nombre de "Antropometría". Otras pinturas que siguen este mismo método de producción incluyen las "grabaciones" de lluvia que Klein hacía conduciendo bajo la lluvia a 110 kilómetros por hora con un lienzo.

Klein y Arman estuvieron ambos implicados continuamente en las corrientes creativas, tal y como nuevo realismo.

Ambos de Niza, los dos trabajaron juntos durante el transcurso de varias décadas y Arman incluso dio nombre a uno de sus hijos en honor de Yves Klein. La creación de estas pinturas fue concebida a veces en una clase de performance art - un acontecimiento acaecido en el año 1960, por ejemplo, hizo que una audiencia vistiera formalmente mientras tocaban una The Monotone Symphony en 1949.

“Mi trabajo con los colores me ha conducido, en contra de mi mismo, a buscar poco a poco, con ayuda (de algún observador, de algún traductor), la realización

Klein at Art Minimal & Conceptual Only

de la materia, y he tenido que luchar y decir hastael final de la batalla. Mis

Yves Klein: Selected Writings, 1928-1962

pinturas ahora son invisibles y me gustaría mostrarlas de una forma clara y

Yves Klein: Air Architecture (Review of architectural projects by Yves Klein from 1958 through 1961.)

positiva en mi siguiente exposición parisina en la galería Iris Clert.”

International-Klein-Blue.com

Yves Klein

Orlan Saint-Etienne, Francia 1947 Orlan es una artista francesa, nacida en el 1947 en Saint-Etienne, Loire. Vive y trabaja en Los Ángeles, Nueva York y París. Pertenece al consejo de administración para el Palacio de Tokio en París, y es profesora en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Cergy-Pontoise.

http://en.wikipedia.org/wiki/Orlan

La reencarnación de Saint-Orlan, que comenzó en 1990, implicó una serie de cirugías plásticas en el curso de la cual la artista comenzó a transformarse a sí misma con respecto a algunas de las pinturasy esculturas históricas más conocidas. Con el apoyo de manifiesto su Carnal Art, estas obras fueron filmadas y difusndidas en instituciones de todo el mundo, como el Centro Georges Pompidou de París y la Galería de Gehring Sandra en Nueva York. El objetivo de Orlan en estas operaciones era adquirir el ideal de belleza como se sugiere en los hombres que pintaron las mujeres a lo largo de la historia. Cuando la cirugía se completó la que tendrá la barbilla de Botticelli Venus, la nariz de Gerome Psique, los labios de François Boucher Europa, los ojos de Diana desde el siglo XVI, la Escuela Francesa de la pintura Fontainebleau y la frente de Leonardo da Vinci en Mona Lisa. Orlan recogido estos personajes, no por los cánones de belleza que representan, sino por las historias asociadas a ellos. "Diana porque es inferior a los dioses y los hombres, pero es el líder de las diosas y las mujeres; a la Mona Lisa por el estándar de la belleza, o en contra de la belleza, que representa; Psique debido a su fragilidad y vulnerabilidad en el alma, Venus de la belleza carnal; Europa para su punto de vista de aventura en el horizonte, el futuro.

Muchas feministas han llamado Orlan un anti-feminista, debido a sus objetivos y los medios de llegar a ellos. En lugar de desterrar la cirugía estética, la abraza. En lugar de rechazar lo masculino, lo incorpora. En lugar de definir su identidad, ella desea ser "nómada, mutante, cambiante, diferente." Ella niega tanto la cultura patriarcal y el feminismo ideal mediante la creación de su propia identidad para el futuro. Como afirma Orlan, "Puedo observar mi propio cuerpo a cielo abierto, sin sufrimiento! Me veo todo el camino hasta mis entrañas, un nuevo estadio del espejo."

ORLAN está representado por Galerie Michel Rein Página web oficial de Orlan Examen de Orlan exhibición Cronológico en el sitio en francés Orlan

"Mi trabajo es una lucha en contra de lo innato, lo inexorable, de lo programado,

Kubilay Akman, "Orlan y la obra de arte en la era de la tecnología Hyper-mecánica Orgánica Reproducción". IJBS, Volumen 3, Número 1 (enero 2006).

la naturaleza, el ADN (que es nuestro rival directo en lo que se refiere a los

Análisis crítico del uso de Orlan de tecnología como medio de expresión artística

artistas de la representación), y Dios!"

Exposición Retrospectiva del 05/25/07 al 09/16/07 para el Musée d'Art Moderne de Saint-Etienne

Orlan

Marina Abramović Belgrado, Yugoslavia 1946 Marina Abramović (Belgrado, Yugoslavia; 1946), artista serbia de performance que empezó su carrera a comienzos de los años 70. Activa por más de tres decádas, recientemente ha sido descrita por sí misma como la "Abuela del arte de la performance".

http://es.wikipedia.org/wiki/Marina_Abramović

El trabajo de Abramović explora la relación entre el artista y la audiencia, los límites del cuerpo, y las posibilidades de la mente.

Abramović estudió en la Academia de Bellas Artes de Belgrado entre 1965 y 1970. Completó sus estudios de posgrado en la Academia de Bellas Artes de Zagreb, Croacia en 1972. Entre 1973 y 1975 enseñó en la Academia de Bellas Artes de Novi Sad, mientras preparaba su primera performance en solitario.

En 1976 Abramović dejó Yugoslavia y se fue a Ámsterdam donde conoce al artista de performance germanooccidental Uwe Laysiepen quien usaba el nombre de Ulay. Como dato anecdótico, ambos nacieron el mismo día.

Cuando Abramović y Ulay comenzaron su colaboración, los conceptos principales que exploraron fueron el ego y la identidad artística. Este fue el comienzo de una década de trabajo colaborativo. Ambos artistas estaban interesados en las tradiciones de sus patrimonios culturales y el deseo del individuo por los ritos. En consecuencia, decidieron formar un colectivo al que llamaron The Other (El Otro). Se vistieron y se comportaron como gemelos, y crearon una relación de completa confianza.

Idearon una serie de trabajos en que sus cuerpos creaban espacios adicionales para la interacción con la audiencia. En Relation in Space (Relación en el espacio) corrían alrededor de la sala, dos cuerpos como dos planetas, mezclando las energías masculinas y femeninas en un tercer componente al que llamaron "that self" (eso mismo). Relation in Movement (Relación en Movimiento, 1976) tenía a la pareja conduciendo su automóvil dentro de un museo dando 365 vueltas, un líquido negro salía del automóvil formando una especie de escultura, y cada vuelta representaba un año.

Después de esto, idearon Death self (La muerte misma), en la cual ambos unían sus labios e inspiraban el aire expelido por el otro hasta agotar todo el oxígeno disponible. Exactamente 17 minutos después del inicio de la performance ambos cayeron al piso inconscientes, ya que sus pulmones se llenaron de dióxido de carbono. Esta pieza exploró la idea de la habilidad del individuo de absorber la vida de otra persona, cambiándola y destruyéndola.

En 1988, luego de varios años de tensa relación, Abramović y Ulay decidieron hacer un viaje espiritual el que daría fin a su relación. Ambos caminarían por la Gran Muralla China, comenzando cada uno por los extremos opuestos y encontrándose en el centro. Abramović concibió esta caminata en un sueño, y le proporció lo que para ella era un fin apropiado y romántico a una relación llena de misticismo, energía y atracción.

Enfocarte.com Entrevista a diario El País

“La performance sigue estando al margen y creo que eso es injusto. Debería estar en la misma categoría que las otras disciplinas. Cuando quise rehacer estas performances de los años setenta fue muy difícil conseguir los permisos. Mi idea es que hay que pedir autorización al artista y pagarle por los derechos de recrearlo. Como se hace con el copyright de un filme o un libro. Esto nunca se ha respetado. Muchos artistas jóvenes cogen las ideas de los anteriores sin permiso, sin mencionarlos siquiera, como si fueran suyas.Y los jóvenes críticos, sin idea clara de la historia, las toman como si fueran originales. Se están copiando nuestras performances en el mundo de la moda, en la MTV, en la danza contemporánea, sacándolas de contexto y rehaciéndolas a su manera.”

Marina Abramović

Ana Mendieta Cuba 1948-85 Ana Mendieta nació en la Habana, Cuba en el año 1948. En 1961, Ana y su hermana mayor se exiliaron a Estados Unidos sin sus padres. Ellas vinieron a Estados Unidos como parte de la Operation Peter Pan, un programa de la Iglesia Católica estadounidense que trajeron a catorce miles de niños cubanos a los Estados Unidos en un esfuerzo para ‘salvar’ a los niños del régimen anti-católico de Castro (Perreault). En Estados Unidos, Mendieta vivía con una familia adoptiva en Iowa y no volvió a ver a sus padres por muchos años. Obviamente, esta experiencia dolorosa, impactó mucho a la formación de Mendieta y su obra refleja esta experiencia.

http://www1.american.edu/cas/philorel/ProminentHispanics/Mendieta.htm http://en.wikipedia.org/wiki/Ana_Mendieta

Mendieta era una artista única cuya obra, en su mayor parte, consiste en performances, body art, videos, fotografías, dibujos, instalaciones y esculturas. Su carrera artística fue corta (1972-1985), pero muy productiva e intensa. Durante el principio de los años 70, asistió a la Universidad de Iowa como estudiante graduada de las artes. Empezó pintando obras expresionistas, pero sus intereses cambiaron con su integración al Intermedia Program and Center for New Performing Arts. En el mundo artístico de los setenta, utilizar el cuerpo para crear arte (“body art” o “performance art”) llegó a ser una manera popular para expresarse. Durante su carrera, Mendieta contribuyó al desarrollo de esta arte, y también hizo un gran impacto en el arte de la tierra (land art o earthworks) (Smithsonian).

Durante los últimos años, la obra de Mendieta ha recibido más reconocimiento que nunca. Una exhibición llamada Ana Mendieta: Earth Body Sculpture and Performance 1972-1985, empezó en el Whitney en Nueva York en julio de 2004, ahora está en el Hirshorn Museum en Washington, DC (octubre 04-enero 05) y viajará al Des Moines Art Center y Miami Art Museum. Al caminar dentro de una de sus exhibiciones, la vida y creencias de Mendieta se convierten en realidad. La obra de Mendieta conecta la naturaleza con la humanidad, expresa elementos de feminismo y espiritualismo, y refleja su propia experiencia como exiliada tanto como mujer.

Como artista, Mendieta se atrevió a expresarse en maneras no convencionales. En una de sus series, Body Tracks, que fue documentado por video, Mendieta se metió las manos en una mezcla de sangre de animales y pinta roja y arrastró las manos en una pared. Su fascinación con la sangre marcó una gran parte de sus obras principales. Se percibió a la sangre como algo mágico y poderoso. Algunas de sus obras que incorporan la sangre se refieren a violaciones cometidas contra mujeres. Otras reflejan el poder de la sangre como símbolo en el Catolicismo y en civilizaciones pre-hispanas de México que había estudiado (Smithsonian).

Otro elemento significante de la obra de Mendieta es la manera en que se incorporó a su cuerpo en la naturaleza. En varias obras ella aparece desnuda, uniendo su propio cuerpo con la tierra invocando imágenes de una diosa y mezclando elementos de rituales africanos, africano-cubanos, mesoamericanos y culturas antiguas de Asia y Europa. En Silueta Series (1973), una de sus series más conocidas, Mendieta creó más de cien obras en las cuales o se hizo parte de la obra al cubrirse o meterse en la tierra, o recreó la imagen de su cuerpo en la tierra al usar elementos naturales como piedras o velas (Smithsonian).

Gopnik, Blake (2004-10-17). "" Silueta "de una mujer: Midiendo a Ana Mendieta". The Washington Post. pp.

La obra de Mendieta es impresionante. Durante su carrera breve logró dejar un impacto en el mundo artístico. En 1985, con treinta y seis años, Mendieta se murió al caerse de la ventana de su apartamento en Roma. Sin embargo, Mendieta sigue como una inspiración e influencia en la obra de muchos artistas y está ganado fama cada vez más como artista hispana prominente en los Estados Unidos.

Galerie Lelong sitio - para las imágenes y el CV del artista Información en el año 2004 viaja retrospectiva presentada por el Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas

Cyndi Sherman Glen Ridge, Nueva Jersey, 1954 http://www.cindysherman.com/biography.shtml http://en.wikipedia.org/wiki/Cindy_Sherman

Cindy Sherman nació en Glen Ridge, Nueva Jersey, EE.UU en 1954.

Sherman se interesó en el arte visual en Buffalo State College, donde empezó a pintar. Frustrada con lo que vio como las limitaciones del medio, ve en la fotografía el medio ideal para la realización de su trabajo posterior.

La obra de Cindy Sherman supuso la fulgurante reanimación de la fotografía escenificada a finales de la década de los setenta. En 1977 logró conquistar a un amplísimo público con sus Untitled Film Stills, 69 tomas en blanco y negro de pequeño formato que mostraban a la artista en distintos roles femeninos que recuerdan vagamente a las heroínas cinematográficas de las películas de holliwood de los años cincuenta .

La serie ponía sobre un tapete lo limitado e intercambiable de los estereotipos masculinos sobre la feminidad, así como su reduplicación mediática a través del cine y la televisión.

Con la aproximación a lo absurdo y lo grotesco la obra posterior de Sherman ha hecho suyas determinadas tradiciones de la fotografía surrealista que van de Hans Bellmer a Claude Cahun. A lo largo de las tres últimas décadas la artista ha desarrollado un complejo juego de roles de inquietante intensidad que plantea en diferentes contextos la cuestión de la fijación de la identidad femenina en la sociedad. En los años ochenta y noventa del pasado siglo sus representaciones de violencia y sexualidad (para las que se valía de diferentes máscaras y prótesis), dieron pie a no pocas controversias. La estética propugnada por Sherman se vio intensificada con una serie de fotografías de marcados acentos pictóricos en los que recogía a modo de bodegón, materiales como excrementos, mucosidades,

Examen de 1995 friso de

sangre, penes protésicos, en una prefiguración de “plagas” contemporáneas como el SIDA o la anorexia.

Entrevista con Cindy Sherman 1985 Examen por Elsa Dorfman

En una de sus últimas series de imágenes “Untitled” / Clowns (2004), Sherman vuelve a utilizarse a sí misma como

1990 New York Times perfil

modelo. Se trata de dieciocho instantáneas chillonas manipuladas digitalmente que muestra a la artista con diferentes

Metro Pictures Slide Show, 1978-2005

caracterizaciones de payaso. A la ambigüedad tragicómica de sus diferentes caracterizaciones se añade con ellas la

"The Complete Untitled Film Stills exposición" (1997) en el Museo de Arte Moderno, Nueva York

puesta en tela de juicio del papel del artista en la sociedad. Cindy Sherman parece preguntarse y preguntarnos "¿ Son

Cindy Sherman en Artfacts

los artistas hoy los bufones de la sociedad del espectáculo”.

Cindy exposición Sherman nuevos y ARTnews

Paul McCarthy Utah, EE.UU 1945 Nace en 1945 en Salt Lake City, Utah, Estados Unidos. Estudió arte en la University of Utah (EEUU) en 1969. Adquirió un B-F.A. En pintura en el San Francisco Art Institute. En 1972 estudió cine, vídeo y arte en la Universidad del Sur de California, Los Ángeles (EEUU).

http://es.wikipedia.org/wiki/Paul_McCarthy http://en.wikipedia.org/wiki/Jason_Rhoades

McCarthy comenzó su carrera con performances en las que empleaba la gravedad como un vehículo literal y metafórico. Desde 1974 su trabajo se vuelve bastante más agresivo y sexualmente provocativo. Sus performances han sido descritas como un brutal performance autoagresivo.

Jason Rhoades California, EE.UU 1965-2006 Jason Rhoades fue un artista de instalaciones que gozaron del reconocimiento de la crítica, si bien en el momento de su muerte no se había generalizado su reconocimiento público. Mejor conocido en Europa, donde expuso con regularidad en los últimos doce años de su vida.

Información sobre la Exposición de Paul McCarthy en Amberes de Turismo de Flandes y Bruselas 'Paul McCarthy: the belated recognition of a misunderstood genius' Jason Rhaodes a David Zwirner, Nueva York,

Rhoades ganó notoriedad con exhibir un 1994 titulado "sueco Erotica y el Fiero partes", expuesto en la galería Rosamund Felsen en West Hollywood, California. La pieza completa del edificio e incluía conjuntos de cartón, pedazos de madera, grapas, clips de papel, cuadernos de notas y amarillo, así como el automóvil del artista, una fibra de vidrio Pontiac Fiero, estacionado detrás del edificio y considerados parte de la obra. Rhoades trabajo fue mostrado en la exposición de la Bienal del Whitney en 1997, y en múltiples museos y galerías en Europa. A menudo colaboró con el artista Paul McCarthy y propietario de la galería David Zwirner, que representó a la artista de 14 años. En el momento de su muerte, Rhoades estaba trabajando en un evento en Portland, Oregon que iba a incluir una pelea entre chicas roller derby revolcarse en una tina de plástico llena de lociones para el baño, jabones y lubricantes sexuales.

Jason Rhoades en Hauser & Wirth Zürich London Entrevista KultureFlash (10/2005)

“Utilizo el cuerpo como un receptáculo de los temores, la obsesión y el conflicto que se genera en nuestra sociedad, aunque no siempre poseo el control total durante una performance. Los elementos pueden interactuar entre sí y permitir que afloren o no diferentes emociones. Lo único que hago es establecer la situación, después permito que suceda lo inesperado, aquel fenómeno mental o físico que provoca una reacción con el cuerpo mismo.”

Paul McCarthy “¿Cómo decidir cuál le gusta, que uno es más bello que el otro? ¿Cómo se puede objetivar la belleza o una idea? Cada uno tiene su personalidad única, ¿por qué tratas de decir esto es mejor?”

Jason Rhoades

Christian Boltanski Paris, Francia 1944 Christian Boltanski (París, 6 de septiembre de 1944) es un artista francés. Boltanski es fotógrafo, escultor y cineasta, conocido principalmente por sus instalaciones.

http://en.wikipedia.org/wiki/Christian_Boltanski

Christian Boltanski nació a finales de la Segunda guerra mundial en una familia marcada por el holocausto. De formación autodidacta, comenzó a pintar a los 14 años. Entre 1969 y 1971 comenzó a reconstruir su infancia a partir de fotografías. Su obra está marcada por una intencionalidad de archivo y memoria que va más allá de lo explícitamente presente. Las ropas usadas en sus instalaciones y las fotografías de los que ya no están son recurrentes en su obra como marca de lo ausente.

Su trabajo artístico está obsesionado por los problemas de la muerte, la memoria y la pérdida, a menudo se trata de conmemorar a los anónimos y los que han desaparecido.

En sus años de preliminares, las pinturas de Boltanski se ocupa principalmente de temas de importancia histórica. Sin embargo, en la década de 1970, Boltanski se apartó de la arena de la pintura y comenzó su búsqueda de los restos de su propio pasado a través de obras de arte seleccionadas. Estas obras de arte Boltanski llevado a cuestionar la sustancia que había utilizado al crear sus propias obras de arte. Sin embargo, este introspectivismo le suministró el motivo de otras obras de arte en el que Boltanski reconstruye su propia juventud. Al hacerlo, Boltanski utiliza un amplio espectro de medios de comunicación. Por ejemplo, el cine, performance, fotografía y vídeo. Es interesante observar que Boltanski mantiene esta visión y dirección, sin centrarse en la contradicción evidente de su comprensión de sí mismo como un pintor.

Tate Entrevista de la Revista ICP: Christian Boltanski Trienal de Folkestone: Christian Boltanski (En francés) Christian Boltanski

Yo empecé a trabajar como artista, cuando empecé a ser un adulto, cuando comprendí que mi infancia había terminado, y estaba muerto. Creo que todos tenemos a alguien que ha muerto dentro de nosotros. Un niño muerto. Recuerdo que el cristiano, que ha muerto dentro de mí.

Christian Boltanski

Bill Viola Nueva York. EE.UU 1951 Bill Viola nace en 1951 en Nueva York. La vocación artística le surge ya en su infancia. Realiza sus estudios de arte en la Universidad de Siracusa, centro pionero en la utilización de nuevos medios de expresión. En aquel momento, el arte de épocas pasadas no despertaba en él interés alguno. A principios de los años 1970, el videoarte buscaba su lugar como forma artística autónoma y Viola fue testigo y partícipe de este proceso, influenciado por Bruce Nauman, Peter Campus, Vito Acconci, Nam June Paik, Frank Gillette, Ira Zinder, Juan Downey.

http://es.wikipedia.org/wiki/Bill_Viola

A finales de los años 1970 y principios de los años 1980, sus ideas y su capacidad técnica experimentan un impulso, debido en parte al desarrollo de los medios audiovisuales y a su propia evolución en el plano personal. Su perspectiva vital da un giro; como él mismo explica: Para mí, el paso de las ideas sobre perfección social a la idea de autoperfección constituyó un momento muy decisivo. Adopté esta idea, integrándola con la performance y el body art y partir de entonces he trabajado con ella (Walsh, John (ed.). Bill Viola: Las Pasiones (cat.exp). Textos de Peter Sellars y John Walsh. Conversación de Hans Belting y Bill Viola. Fuentes y notas de Bill Viola, Madrid, Fundación “la Caixa”, 2004, pág. 13.)

Este cambio fue motivado por su descubrimiento de la religiosidad oriental (budismo, pensamiento zen, sufismo,…) y de los místicos cristianos (San Juan de la Cruz), en lo que parece una búsqueda de una espiritualidad transversal.

Su inquietud espiritual le llevó a viajar por todo el mundo, realizando numerosas grabaciones, como Chott El-Djerid (A Portrait in Light and Heat), en el desierto de Túnez o Hatsu Yume, en Japón. En uno de sus múltiples viajes, conoció a la fotógrafa Kira Perov, que se convertiría en su mujer, apoyo fundamental en su carrera.

Son las vídeo instalaciones la parte más conocida de la obra de Viola. En ellas, aparecen de manera recurrente representaciones oníricas y temas como los ciclos vitales, el nacimiento o la muerte.

En su proceso de maduración, surge en él un interés creciente por el arte de periodos anteriores, y, específicamente, por el arte tardomedieval y renacentista. La muerte de su madre, que fue para el artista una experiencia extremadamente dolorosa, acentuó aún más su inclinación por lo espiritual, particularmente por su expresión en la pintura de dichas épocas.

Entre sus exposiciones, destacan Hatsu Yume, en Japón, y Bill Viola. Las Horas Invisibles organizada por el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, en la Alhambra de Granada (España). En 2005, la Fundación La Caixa expuso en Madrid y otras ciudades españolas las piezas más destacadas de su proyecto dedicado a Las Pasiones.

“Cuando mi madre murió, en 1991, y cuando nació nuestro primer hijo, en 1988, tres años antes, por primera vez vi el ámbito entero de la vida humana, desde el nacimiento hasta la muerte. Los dos procesos son, de hecho, muy similares. Los dos comprenden un tráfico de un mundo en el siguiente. El nacimiento de mi hijo fue un recorrido del mundo invisible en el mundo material, mientras que la muerte de mi madre fue una transición del mundo material, del mundo terrenal, en el mundo espiritual. Nacimiento y muerte son etapas de un viaje que hacemos todos y que es eterno. En aquel momento vi entera la vasta reserva del ser humano, desde los que todavía tienen que nacer hasta

Página web oficial de Bill Viola Bill Viola en la Mediateca espacio de Media Art Entrevista en Revista de Arte

los que viven y los que ya han muerto.”

Bill Viola

Sterlac Chipre 1946 Stelarc (Stelios Arcadiou nacido el 19 de junio de 1946 en Limassol, Chipre) es un artista de performance afincado en Australia, cuyas obras se centran en gran medida en el futurismo y la ampliación de las capacidades del cuerpo humano. Como tal, la mayoría de sus piezas se centran en torno a su concepto de que el cuerpo humano es obsoleto. Hasta el año 2007 ocupó el cargo de investigador principal en el rendimiento de Arte Digital de la Unidad de Investigación en la Universidad de Nottingham Trent en Nottingham, Inglaterra. Actualmente es profesor visitante en la Escuela de Artes de la Universidad de Brunel, el oeste de Londres.

http://en.wikipedia.org/wiki/Stelarc

Las interpretaciones idiosincrásicas de Stelarc a menudo involucran la robótica o la tecnología integrándola con su cuerpo a modo de “ser” cibernetico. En 25 perfomances diferentes se ha suspendido a sí mismo con ganchos que oradan su piel. En otras ocasiones creo un sistema de estimuladores musculares conectados a internet que controlaban su cuerpo remotamente. También ha realizado con un tercer brazo robótico asi como su proyecto para implantarse una tercera oreja en su brazo.

Página oficial de Stelarc Cuerpo extendido-: Entrevista con Stelarc El cuerpo sin memoria: Una entrevista con Stelarc Documentación relativa a los proyectos incluidos Stelarc Anatómico Exoesqueleto y SCI-ART: Bio-Robótica Coreografía. Hosted by DAM Artes Escénicas (En francés) Stelarc en una conversación con André Éric Létourneau - sitio de la Canadian Broadcasting Corporation] Stelarc - El cuerpo es obsoleto DVD y CD-ROM (FR) Les Mécaniques du corps - Video de l'exposition au Centro de las Artes de Enghien

Es hora de recolonizar el cuerpo con robots microminaturised a cabo para aumentar la población de bacterias, para ayudar a nuestro sistema inmunológico, y para vigilar las vías internas y capilares del cuerpo. Tenemos que construir un sistema de vigilancia interna para el cuerpo. Tenemos que desarrollar microbots cuyo comportamiento no es pre-programados, pero activados por la temperatura, la química de la sangre, la suavidad o la dureza de los tejidos y la presencia de obstáculos en las vías. Estos robots pueden trabajar de forma autónoma en el cuerpo. La biocompatibilidad de la tecnología no se debe a su contenido, sino a su escala. Speckrobots de tamaño son fáciles de tragar y puede incluso no ser detectados. A nivel de la nanotecnología, las máquinas serán navegar y habitar espacios celulares y manipular las estructuras moleculares para ampliar el cuerpo desde dentro.

Sterlac

Nancy Burson San Luís, EE.UU 1948 Nancy Burson (Saint Louis, EE.UU., 1948) estudió pintura en Colorado. En 1968 se trasladó a Nueva York donde se interesó por las relaciones entre arte y técnica. Su visión iba más allá de las posibilidades del momento y tuvo que esperar una década para que se desarrollaran los medios necesarios, que encontró en el MITs Architecture Machine Group o Media Lab; allí trabajó en uno de los primeros programas que permitían a los ordenadores interactuar digitalmente con imágenes de vídeo. En 1981 patenta la Aging Machine, con eco artístico, mediático y policial. En los 90 alterna lo digital con los medios fotográficos más humildes al servicio de ideales humanistas.

http://en.wikipedia.org/wiki/Nancy_Burson

Burson, junto con su ex esposo David Kramlich, es responsable de la creación del equipo de morphing de tecnología, que posteriormente vendió, como un paquete de software, a la Oficina Federal de Investigaciones para ayudar con su trabajo en la búsqueda de niños desaparecidos y adultos. Su máquina de raza humana, que permite verse a uno mismos como una raza diferente, apareció en Oprah en 2006.

Su arte ha sido expuesto en galerías de todo el mundo, incluyendo el Museo de Arte Metropolitano de Nueva York, el Whitney Museum of American Art, también en Nueva York, la Bienal de Venecia, el Centro Internacional de Fotografía y el Museo de Fotografía Contemporánea en Chicago. Burson ha enseñado en la New York University Tisch School of the Arts, y como profesor visitante en la Universidad de Harvard.

En los últimos años ha colaborado con Creative Time, la Lower Manhattan Cultural Council, y el Deutsche Bank en la realización de varios importantes proyectos de arte público en la ciudad de Nueva York. Estos proyectos incluyen el cartel "No hay gen de la Raza" y el anunciante o el proyecto postal "centrarse en la paz". centrado en la distribución de 30.000 tarjetas y 7.000 carteles en el local del Centro Mundial del Comercio para coincidir con el primer aniversario del 9 / 11.

Somos simultáneamente individuos y seres humanos idénticos. Con el tiempo, he llegado a elaborar una pequeña teoría sobre los “compuestos”. Todos somos compuestos de nuestros padres, pero también lo somos a causa de nuestra estructura molecular: cada átomo de Official site 2006 Podcast Interview with Nancy Burson Mundos Paralelos Arte

nuestro cuerpo formó parte de las estrellas. Somos compuestos de emociones (podemos sentir miedo y valentía al tiempo) y somos compuestos de nuestra propia historia a medida que nos hacemos viejos.

Nancy Burson

Felix González Torres Cuba 1957 - Miami 1996 Artista nacido en Cuba y fallecido en 1996, en Estados Unidos luego de luchar contra la enfermedad del SIDA. Es uno de tres participantes del colectivo de artistas conocido como Grupo Materia (periódicamente organizan exhibiciones orientadas hacia temas sociales). Letrero Sin Nombre, en la Plaza Sheridan, 1989, fue rentado con la asistencia del "Fondo para un Arte Público." La Coalición de Gente con SIDA, 1985, Persecución Policial, 1969, Oscar Wilde, 1895, Corte Suprema, 1986, Harvey Milk, 1977, La Marcha en Washington, 1987, La Rebelión de la Muralla de Piedra, 1969.

http://www.echonyc.com/~trans/felixgonzalestorres/fgto.html http://en.wikipedia.org/wiki/Félix_González-Torres

González-Torres le da a imágenes y formas simples una tremenda profundidad en significado y emoción. Su obra es tremendamente variada y enigmática, pero permanece coherente e inequívoca. González-Torres forma parte de una generación de artistas contemporáneos americanos que han re-interpretado el arte conceptual de finales de los sesenta y setenta como una empresa sicológica y personal. Sus trabajos son ricos en contenido y en belleza formal.

Félix González-Torres asegura que ya no hay espacio privado, convenio colectivo y decisiones propias. Por el echo de concentrarse en las implicaciones públicas que tienen las acciones del individuo, González-Torres complica las distinciones convencionales entre estas dos regiones. El artista cambia el énfasis de la fotografía, de contenido a contexto. A través de su reiteración, lo que pasa a ser distintivo no es la imagen, sino que sus alrededores. La ausencia persigue el trabajo de González-Torres en muchas formas. No hay idioma, sí mbolo o etiqueta. Una cama vacía nos invita a todos a co-habitar sin importar quienes somos - homosexual o heterosexual, hombre o mujer, blanco o negro. Se ha establecido un terreno neutral. Al mismo tiempo este tipo de arte nos recuerda que ninguna obra de arte, ninguna imagen, significa lo mismo para todos. Durante el período de nacimiento y muerte, la cama es el lugar donde podemos descansar. Y en la ciudad de Nueva York, con su enorme población de gente sin casa, la imagen de la cama nos recuerda de algo que se ha perdido. Lo que importa es la idea de transición, del museo a la calle, de lo personal (la pérdida de un ser querido) a lo político (la pérdida de privacidad) de lo privado a lo público, y otra vez.

En cuestión están nociones de cambio y renovación, la idea de que los significados no son estáticos sino que cambian de acuerdo a quienes somos y donde estamos en cierto determinado momento. El cree que el espectador debiera de contribuir con cincuenta por ciento del trabajo. El trabajo de González-Torres insinúa que la individualidad sólo importa cuando se reúne con otras, intercambiando individualidad por identidad colectiva.

González-Torres fue conocido por su tranquilidad, las instalaciones mínimas y esculturas. El uso de materiales tales como cadenas de bombillas, relojes, pilas de papel, o en el envase caramelos duros, Félix González-Torres, el trabajo es a veces considerado un reflejo de su experiencia con el SIDA. Muchas de las instalaciones de González-Torres invitan al espectador a tomar un pedazo del trabajo con ellos: una serie de obras permiten a los espectadores a tomar dulces envasados de una pila en la esquina de un espacio de exposición, mientras que otra serie se compone de pilas de hojas ultradelgadas de de plástico transparente o grabados de edición ilimitada, también libre para el espectador a tomar. Estas instalaciones están complementadas por el expositor, ya que disminuyen. La lectura más generalizada de trabajo de González-Torres lleva los procesos de sus obras objeto de (que expira bombillas, pilas de caramelos de dispersión, etc) como metáfora para el proceso de morir. Otras lecturas de incluir la cuestión de público vs privado, identidad, y la participación en el arte contemporáneo. Una de sus obras más reconocibles, Sin título (1991) fue un cartel instalado en veinticuatro localidades de Nueva York de una fotografía en blanco y negro de una cama desocupada, después de que la muerte de su amante, Ross, a causa del SIDA.

"No tengo miedo de cometer errores, tengo miedo de repetirlos" Félix González Torres

Libre Felix Gonzalez-Torres Candy Obras Andrea Rosen Gallery: Felix Gonzalez-Torres Carnegie International 1999/2000: Felix Gonzalez-Torres Guggenheim: Felix Gonzalez-Torres de obras Untitled (1992) en el MoMA Felix Gonzalez-Torres en la exposición The Renaissance Society, 1994 Ensayo EE.UU. comunicado de prensa del Gobierno para la Bienal de Venecia 2007

DE

D I Á L O G O S POÉTICAS CONTEMPORÁNEAS

Mercedes MartĂ­n

Yves Klein http://www.yvesklein.de/

Alicia Calero

Pa ul M cC ar t h y J as on Rh o ad e s http://www.davidzwirner.com/artists/5/ http://www.hauserwirth.com/artists/37/ the-estate-of-jason-rhoades/biography/

Rocio Santisteban

Christian Boltanski http://www.centrepompidou.fr/education/ ressources/ENS-Boltanski_en/ENSBoltanski_en.htm

Francisco Javier Morales

Gunther von Hagens

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Francisco Javier Morales

William Klein

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Montse Torreblanca

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Silvia RodrĂ­guez

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Ana Mª Ortíz

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Angelina JimĂŠnez

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Ana Hernรกndez

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Rosario Perea

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Cesar Angulo

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MarĂ­a Santiago

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Cesar Angulo

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Miguel Anguita

Felix Gonzรกlez Torres http://davidhorvitz.com/felix/

Alicia Calero

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Ana belĂŠn Arrollo

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Ana belĂŠn Arrollo

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Almudena Gij贸n

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raquel Llamas

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Antonio Romรกn

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JesĂşs David Bayona

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Laura Teruel

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MÓNICA MOYA

RO C K H E A RT W I T H B L O O D, 1 9 7 5 D E A N A M E N D I E TA , C O N T R A S TA DA C O N L A O B R A D E F R A N C E S C A WO O D M A N . O C TO B E R 2 9 – D E C E M B E R 3 , 2 0 0 5 .

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Carlos Gustavo Henares

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Cristina Tello

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Cristina PĂŠrez

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