Revista ANHAD Nº13. Febrero 2013 by ANHAD

ISSN: 2174-6877

Nº13 Febrero 2013

Editada por: Asociación Nacional de Historiadores de Arte y Diseño

Revista ANHAD Octubre 2012

¿Quienes somos? ANHAD es la revista de la Asociación Nacional de Historiadores de Arte y Diseño, dedicada a la difusión de los estudios y los acontecimientos más relevantes del panorama cultural actual. Esta revista bimestral publica una edición especial al año y consta de dos espacios: uno dedicado al arte y otro al diseño.

La Asociación Para comenzar el año os traemos un número cargado de artículos en los que hacemos un repaso a los sucesos más importantes del pasado año como el premio Turner o los fotógrafos más sobresalientes. A la vez que analizamos la obra de artistas tan destacados como Ai Weiwei.

Esperamos que os guste Beatriz Marín Pereira y Celia Fernández Quintana. Fundadoras de la Asociación y editoras de la revista ANHAD Arte&Diseño En portada Javier Fernández Roldán

Revista ANHAD Agosto 2012

Sumario

Zona

ARTE

Novedades

Cultura alternativa pág. 5

Agenda de exposiciones. Ai Weiwei.

Panorama

pág.14

Turner Prize: El triunfo de la videocreación. Nam June Paik.

Espacio fotografía

pág.21

La fotografía del 2012. El apropiacionismo de fotografías como arma de denuncia.

Cultura alternativa

pág.36

Block Party: De la fiesta a la vida.

Descubriendo nuevas fronteras

pág.42

El Manga, un mundo por descubrir, ¿o no?

Nuevos talentos

pág.51

Erika Pardo.

Interferencias: arte y diseño

pág.57

Javier Fernández Roldán.

Zona

Diseño

pág.63

Inspiración Lichtenstein. Peugeot Piano. Diseños que alegran la hora del té. Eiko Ojala. Conceptual Sex Toys. La polémica está servida, sobre la mesa. Diseño posmoderno. Greatest simply designs.

Zona

ARTE

Revista ANHAD Agosto 2012

Entrevistas ANHAD Novedades: Agenda de exposiciones

Cristina Iglesias: Metonimia Reina Sofía, Madrid Del 6 de Febrero del 2013 al 13 de Mayo de 2013. La exposición organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, conformada por más de cincuenta piezas, supone la mayor retrospectiva que se ha realizado hasta la fecha de esta artista, desde sus inicios hasta la actualidad.

Lichtenstein. Retrospectiva Tate Modern. Del 20 de Febrero de 2013 al 27 de Mayo. Es la primera gran retrospectiva dedicada al artista desde hace más de veinte años. Co-organizada por el Instituto de Arte de Chicago y la Tate Modern, esta magna exposición reúne 125 de sus pinturas y esculturas más importantes y reconocidas del artista americano.

Novedades Eulàlia Grau MACBA, Barcelona Hasta el 26 de Mayo de 2013.

Las imágenes extraídas de los medios de comunicación impresos constituyen la materia prima del arte de Grau. Desde principios de los setenta, crea montajes fotográficos y collages que actualizan la tradición vanguardista del arte comprometido con su época.

Experiencias de la Modernidad: Arte Español 1916 – 1956 Real Academia de Bellas Artes de San Fernando Hasta el 10 de Marzo de 2013 Esta muestra es una selección de setenta obras pertenecientes a la Asociación Colección Arte Contemporáneo. La exposición, comisariada por Eugenio Carmona es una introducción a la gran muestra que con más de doscientas obras de este periodo propiedad de la Asociación Colección Arte Contemporáneo, se realizará posteriormente en el Museo Patio Herreriano de Valladolid

Novedades

Novedades El compromiso hecho Arte, un acercamiento a la obra de Ai Weiwei

Por Diana Martínez Castro El pasado 1 de Febrero se inauguró en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo la exposición Ai Weiwei: Resistencia y tradición, primera exposición individual del artista chino en un museo español.

Ai Weiwei es uno de los artistas de procedencia china más influyentes de las últimas décadas. El artista es tanto conocido por su producción, dentro del arte conceptual y la performance, como por cuestiones políticas. Nació en 1957 y con tan solo 22 años de edad ya fue uno de los miembros fundadores del grupo artístico Xingxing. Este colectivo artístico tan solo tuvo 2 años de vida y tras su disolución Ai viajó a Estados Unidos para estudiar el Pop Art, el Arte Conceptual y el Minimalismo. Estas tendencias junto al dadaísta Marcel Duchamp podremos ver cómo han influenciado su obra a lo largo de los años.

Novedades

En la obra de Ai Weiwei domina la armonía entre la postmodernidad occidental con un proceso de trabajo artesanal de madera y porcelana despreciado en China durante la Revolución Cultural. En general Ai tiene un discurso ecléctico y variado, adaptado este a cada situación conceptual, entremezclándose muchas veces lo antiguo con la cultura más actual. El artista chino, en sus inicios por ejemplo pintó el logotipo de Coca Cola sobre vasijas en un acto total de Apropiacionismo y Pop Art, o también confeccionó esculturas usando como base bicicletas.

Ai Weiwei cuestiona la tradición, lo que ha estado sucediendo durante siglos en su China natal. En La vasija de Coca Cola contemplamos como emplea de soporte una vasija con cientos de años de antigüedad para estampar encima un símbolo tan global, popular y actual como son las letras de la marca de refrescos Coca Cola. Esta intervención realizada en varias ocasiones, pues Weiwei cuenta con varias obras de estas características, supone un choque perceptivo y conceptual al entrelazar un anagrama de nuestro tiempo con un objetivo que cuenta con varios siglos a sus espaldas. La vasija de Coca Cola nos refleja lo inevitable, que Ai es un gran heredero del arte tradicional chino, pero a su vez cuenta con un notable peso de las vanguardias occidentales del siglo XX, teniendo esta pieza una clara influencia tanto de Andy Warhol (Fig.4) como de Duchamp. Este carácter de trabajo conceptual y la influencia del dadaísmo y Duchamp lo apreciamos muy bien en su obra Forever del año 2003, en la cual un número significativo de bicicletas son entrelazadas entre sí por las ruedas y el eje, un claro ejemplo de ready-made con reminiscencia totalmente del artista francés.

Novedades Panorama .

Forever, 2003

Las bicicletas son el principal medio de transporte en China, pero Weiwei las aparta de su funci贸n principal y las mantiene est谩ticas. La libertad del ciclista se pierde y las bicicletas se amontonan unas sobre otras en un laberinto. La libertad de estas bicicletas es cortada como la libertad del pueblo chino.

Novedades

Sunflower Seeds, (Semillas de girasol) presentada en el año 2010 es quizá la obra más famosa del artista chino. Se trata de una instalación con más de 100 millones de pipas hechas de porcelana. Sin duda la obra responde a magnitudes realmente chinas. Estas pipas de porcelana fueron hechas y pintadas a mano por más de 1.600 artesanos del pueblo de Jingdezhen durante 2 años. Las pequeñas piezas han quedado exactamente como si fueran reales. La intención de esta obra es que los visitantes puedan acceder a ella, coger las pipas con las manos y caminar sobre ellas, como si estuvieran paseando por una playa. Esta instalación es una experiencia además de visual, también táctil y sonora.

Sunflower Seeds, 2010

Lo que Ai Weiwei nos quiere contar con esta obra es lo sucedido con Mao, él cual se presentaba como sol y los individuos como girasoles que giraban en torno a él. Al mismo tiempo, comer pipas según el propio artista “era un espacio para el placer, la amistad y la amabilidad durante un tiempo de extremada pobreza, represión e incerteza”. A pesar de seguir trabajando con conceptos e instalaciones de grandes dimensiones, Ai Weiwei no solo se apropia de objetos o reinterpreta lo cotidiano dotándolo de nuevos significados. Una de sus geniales aportaciones al mundo del arte es el conjunto de 12 piezas escultóricas

Novedades Panorama . que llevan por nombre Círculo del zodiaco/Cabezas de animales. Con sus cabezas de bronce el artista medita a diferentes niveles, pone en duda el concepto de “tesoro nacional”, reflexiona sobre la relación atormentada entre China y Occidente, o sobre el poder político, todo ello en un tono de humor propio de uno de los críticos sociales chinos más valiente de nuestros días. El Horóscopo Chino es un reflejo de las energías cósmicas y de cómo estás influyen en diferentes aspectos individuales de las personas y a grandes rasgos de la sociedad. Ai Weiwei no solo trabaja con conceptos y sensaciones recreados en sus esculturas o performance, también ha dado pasos más allá como por ejemplo con el Estadio Nacional de Pekín, edificado con motivo de las Olimpiadas de 2008 y que lleva por nombre El nido de pájaros. Ai fue el artista plástico que ideo el edificio para posteriormente ser proyectado por el prestigioso grupo suizo Herzog & de Meuron, los cuales volverían a trabajar juntos en otros proyectos.

El nido de pájaros recibe este nombre por toda la red de acero con que está configurada la parte exterior del edificio. El estadio fue concebido para incorporar elementos de la cultura y del arte chino, a la vez de pretender ser un edificio elegante. Desde el exterior podemos contemplar toda una maraña gris, como si de hilos se tratara, sin embargo, una vez con su interior iluminado en estado emana una luminosidad y calidez en pleno contraste con su exterior austero y gris. Comentar como curiosidad que el edificio está equipado con un sistema de energía solar y de recogida de agua de lluvia para su limpieza y riego.

Novedades

Como hemos podido ver, su obra cuenta con peso más que suficiente por sí misma y no necesita de ese marketing político que ha rodeado en varias ocasiones a Ai Weiwei. El artista es una persona comprometida con el pasado y la historia de China, con su tiempo, con su sociedad y emplea sus obras para criticar todos los terrores que han sucedido y suceden, así también para que los espectadores reflexionen y se conciencien.

“Una sociedad sin libertad para hablar es un oscuro pozo sin fondo. Y cuando está tan oscuro, todo lo demás empieza a brillar.” Ai Weiwei

Nuevos cursos

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Panorama

Turner Prize: El triunfo de la videocreación Por Cristina Redondo El pasado día 3 de diciembre se falló el prestigioso premio Turner, de arte contemporáneo, en favor de Elisabeth Price. Y no es baladí, pues es el primer premio otorgado a la videocreación.

Los inicios del Premio Turner Con motivo de adquirir obras de arte novedosas para la colección de la Tate Gallery, y dar una mirada revisada al arte contemporáneo acercándolo a la sociedad, nace en 1982 el grupo Mecenas del Arte Nuevo (Patrons of New Art). Para ello tomaron como excusa y nombre, en una acción de emcumbrar, a uno de sus más famosos pintores románticos Joseph Mallord William Turner (1775-1851). Su predilección por Turner se justificó por el impacto de su obra, la controversia que generó en su tiempo y su intención de establecer un premio para artistas jóvenes. Surgieron para vanagloriar el impacto de los artístas de arte contemporáneo británico. Por esa razón, el premio, causa desde sus inicios mucha expectación, ya que está considerado uno de los más importantes del mundo, en su

categoría. Sus seleccionados son el termómetro que muestra los movimientos artísticos del panorama británico y a su vez del arte contemporáneo. No quedando ahí la cosa, pues la composición de su jurado también muestra los profesionales, ya consagrados, más valorados institucionalmente.

Panorama . Desde sus primeros albores, allá por 1984 fue motivo de críticas, en cuanto a las reglas del certamen, pero con el tiempo, ninguna de ellas quedó en saco roto y fueron modificándose. Los galardones caían, hacia las más destacadas personalidades del mundo artístico british. Extendiéndose las nominaciones tanto a sectores profesionales del arte, como críticos y comisarios. En lo que se refiere al límite de edad fue instaurado en 1991. También es, desde ese mismo año, cuando se decide publicar las listas con un máximo de cuatro finalistas. Y la instauración, tal como la conocemos hoy, de la exhibición de sus trabajos. Su primer patrocinador fue Oliver Penn, fundador de Mecenas del Arte Nuevo, quien se mantuvo en el anonimato. La cuantía del premio era de £10.000. Desde 1987 hasta 1989 el patrocinador fue la compañía de inversiones americana, Drexel Burnham Lambert International Inc. En 1990 la compañía se declaró en bancarrota y se suspendió el premio. El canal de televisión Channel 4 fue el patrocinador entre 1991 y 2003 aumentando la cuantía del premio a £20.000. A partir de entonces la marca de ginebra Gordon's ha tomado el relevo y doblado el premio a £40.000.

Polémica, controversia y críticas Su fama, dicen las malas lenguas, que es causada por los escándalos en los que se ha visto envuelto, desde su creación y en numerosas ocasiones. En la actualidad, muchas críticas afirman que el factor sorpresa ha desaparecido, incluso hay quien afirma que el premio goza de cierta decadencia. Quizás por ello, éste pasado diciembre eligieron a una videocreación, modalidad por qué no decirlo, muy en boga en la actualidad. Pero a decir verdad y haciendo un ejercicio de positivismo, podemos decir que ha generado multitud de debates en torno a qué debemos considerar arte y qué no. Además es justo destacar, la enorme calidad de los trabajos de los candidatos de éste año, que ha sido reconocida por la crítica, sin obviedades. Los mismo que, han disipado, este año, la idea de que el galardón está en decadencia. Esto puede deberse también a la aceptación del arte contemporáneo por parte del público en general. Los emblemáticos por excelencia Haciendo un ejercicio de memoria, podemos destacar también los artistas

Panorama más carismáticos, como Damien Hirst (1995), quien por entonces exponía animales en formol. Chris Ofili (1998), por pintar con estiércol de elefante. Tracey Emin (1999), sin duda la reina acaparando las críticas más duras por exponer parte de su dormitorio con su cama deshecha y objetos íntimos usados. Los hermanos Chapman (2003), les enfants terribles que garabatearon sobre reproducciones originales de Goya. O Grayson Perry (2003), ridiculizado por su kitsch alterego travesti Claire. Premio Turner 2012 Como enuncié al principio, el premio Tuner actual recayó en Elisabeth Price, en su videocreación 'The Woolworths Choir of 1979' en una edición marcada por la calidad y la heterogeneidad de los candidatos. Según afirma Ramón Abarca, desde la agencia EFE en Londres. Con un sofisticado y poético vídeo, donde prima la tecnología como técnica, como bien acuña la crítica en general, sobre un incendio de unos grandes almacenes, la artista, la más

My bed. Tracey Emin anónima de los nominados, se hizo con el galardón. Que fue entregado por el actor Jude Law, dentro de una ceremonia, en el museo Tate Britain, donde destacó el carácter y las ansias, por parte de la institución, de renovar el premio. La exposición con el trabajo de los cuatro candidatos y la ceremonia del premio volvió este año a celebrarse en Londres, después de que por primera vez en su historia viajara en 2011 hasta la ciudad de Gateshead (noreste de Inglaterra).

¹ Expuso en el CAC Málaga el 28 de noviembre de 2008. ² Exposición inaugurada el 30 de abril del 2004 en el CAC Málaga.

Revista ANHAD Agosto 2012

Entrevistas ANHAD Panorama .

Una ganadora en un mundo de hombres

La obra premiada

Desde que en 1993 lo ganara por primera vez una mujer, Rachel Whiteread, el Turner sólo había ido a parar a artistas femeninas en 1997 y 2010, cuando lo lograron la inglesa Gillian Wearing y la escocesa Susan Philipsz, respectivamente.

En In Woolworths Choir of 1979, la artista inglesa se inspira en un incendio de unos grandes almacenes en Manchester en 1979 en el que murieron 10 personas. El vídeo está conformado con fotos de la arquitectura de una iglesia, clips de internet con 'performances' pop y unas imágenes inéditas del incendio real.

Es por ello que Prince, de 45 años, se ha convertido en la cuarta mujer en hacerse con el galardón más importante de arte contemporáneo del Reino Unido. Price, que fue miembro de grupos de música indie-pop como Talulah Gosh y The Carousel, se impuso al favorito de las casas de apuestas, el inglés Paul Noble, que competía con unos gigantescos y escatológicos dibujos.

El trabajo de Price se expuso en el Centro de Arte Contemporáneo de Gateshead (Newcastle). En la pieza, el montaje y el sonido cobran mucho protagonismo para dar coherencia a un relato intenso y poético del suceso de 1979, que incluye los testimonios de algunos de los testigos. Una videocreación, para remover conciencias, con lo que está cayendo en la actualidad. Y con la que la Tate ha conseguido colocarse, gracias a su premio estrella, de nuevo en el panorama más "it" del momento.

Panorama

Nam June Paik Por Lourdes Pérez Álvarez Este famoso artista y compositor musical coreano fue pionero en el videoarte de mediados del siglo XX. Su participación y desarrollo de este arte innovador y versátil fue decisivo para el movimiento del Fluxus. Su obra participaba del ‘happening’, un principio o protoidea de la actual ‘perfomance’ aunque la diferencia entre

entre ambos términos radica en la improvisación y en la participación de los espectadores. Fruto de la amistad con el músico John Cage nació su interés por la música electrónica en el que trabajó en el laboratorio de investigación deColonia, más tarde comenzó una relación del videoarte con Charlotte Moorman, de

Panorama . la cual ya hablé en un artículo anterior, fue militante del movimiento del Fluxus y su sello era el desnudo en los conciertos de violonchelo. Del mismo modo, el artista crea instalaciones con televisores, pantallas y a veces incluye objetos de música. Años más tarde añadió el vídeo como un prototipo de robot de control remoto, sus experiencias artísticas eran un amalgama de arte, cine , literatura y música.

(Fig.4)

Panorama

Su temática aborda frecuentemente el tema de la tranquilidad y la intimidad que vive la sociedad del momento. Sus instalaciones cuentan con un gran número de monitores y de videocasetes que muestran colores deslumbrantes, luces llamativas y motivos abstractos con superposición de imágenes que desconciertan al espectador, creando una agresiva respuesta a la televisión, es una clara crítica a la influencia de la televisión, la publicidad, con el máximo respeto hacia los medios de comunicación. Fue pionero en experimentar los caminos de la televisión, el dijo: “La televisión no ha atacado durante toda la vida, es hora de que devolvamos el golpe”. Mostró una admiración por sus antecesores del arte Pop, sobretodo por Andy Warhol a quien le dedica algunas videoesculturas, en común buscan una crítica social por la publicidad y las representaciones de estas, en el caso de Paik más intensamente en la televisión.

Para saber más: Web oficial Artículo dedicado a Charlotte Moorman. Revista ANHAD

Espacio fotografĂa

Por Martha Barilari Alexandra Sophie

Espacio fotografía

Todos somos cada vez más conscientes de lo presente que está en nuestro día a día el poder de la imagen. Dicen que somos capaces de asimilar horas de información y cientos de fotografías prácticamente sin darnos cuenta, y eso es solo una pequeña muestra de la importancia que ha ido adquiriendo la fotografía como medio de expresión artístico y documental en los últimos años. Actualmente ser fotógrafo parece estar a la orden del día, las redes sociales han impulsado el uso de las cámaras de los móviles como descripción absoluta de las actividades cotidianas y cualquier cosa que hagamos, como tomarnos un café o salir a dar un paseo puede convertirse en todo un acontecimiento si lo compartimos con los demás realizando una instantánea

y colgándola en Twitter o Facebook. Por tanto, ¿puede entenderse que cualquiera puede coger un móvil o una cámara de última generación y convertirse en fotógrafo de la noche a la mañana? Doug Rickard

Definitivamente no, pero la saturación de imágenes o, lo que es lo mismo, la diarrea visual a la que estamos sometidos de forma casi automática, hace que muchos puedan confundir la fotografía de, lo que yo llamo, pseudofotógrafos con miles de seguidores en las redes sociales pero que no existen fuera de ellas. Por esto, es interesante destacar que en estos últimos años, gracias a que el talento aún sigue existiendo en algunas almas, comienzan a tomar protagonismo nuevos fotógrafos que llevan trabajando muy duro durante años cuyo trabajo es, simplemente, magistral. Así, este artículo está dedicado a todos ellos y, en representación, a una especie de top5 de los fotógrafos más interesantes de la actualidad.

Espacio fotografía

El primero de esta “lista” es Doug Rickard, aunque no puedo definirlo como fotógrafo tal cual, he de incluirlo en esta lista puesto que el año pasado triunfó en los medios gracias a su proyecto A new american picture, que consiste en recorrer los callejones americanos a través del Street View de GoogleMaps, sí, esa función que todos hemos usado cuando buscamos una dirección. A través de estos paseos, Rickard descubrió recónditos lugares que le llamaban la atención y que decidió capturar a través de su pantalla para reunirlos en este proyecto y darles cierta vida, mostrando al mundo entero esos barrios marginales habitados por la gente pobre que nunca sale en las portadas de las revistas. No lo considero un artista de la fotografía como tal por este proyecto pero su idea es una auténtica labor de estudio social, un proyecto muy interesante y, si el MoMA lo ha incluido entre los mejores, nosotros no podemos ser menos.

Espacio fotografía

Deana Lawson destaca con su proyecto intimista sobre extraños fotografiados en escenas personales en su propia casa. Para la artista se han convertido en su familia, y eso muestra la implicación emocional que ha experimentado esta fotógrafa que vive y trabaja en Nueva York. Personalmente creo que su trabajo es exquisito, delicado y muy estudiado, perfectamente pensado para transmitir y directo, porque las fotografías que componen el proyecto representan una serie de muestras sobre el cuerpo humano, sus posiciones y su entorno diario y, al verlas, uno no deja de preguntarse cómo viven y quiénes son realmente esas personas.

Espacio fotografía

George Georgiou es un fotógrafo británico centrado en la fotografía documental que lleva viajando por Europa la última década, centrando su trabajo en los últimos años en Turquía y su extraña situación de evolución social en medio de un rígido régimen de conservadurismo religioso. Se trata de mostrar en su serie Fault Lines el día a día de un país que intenta emerger, crecer y desarrollarse adaptándose a los nuevos tiempos pero que aún otorga un protagonismo absoluto a la tradición y a un arraigado nacionalismo

que dificultan, cuanto menos, ese proceso de modernización y urbanismo en el que se embarca poco a poco. En sus fotografías puede verse este contraste, además de la diferencia entre zonas del este y oeste de Turquía. Por otro lado, el trabajo general de Georgiou como reportero gráfico es tremendamente impactante y estudiar su trabajo es tanto una clase magistral de fotografía como un duro golpe a la sensibilidad.

Espacio fotografía David Olkarny, con tan solo 23 años, este fotógrafo belga ya destaca por un trabajo impecable que cualquier fotógrafo desearía firmar y añadir a su portfolio. Destaca en el retrato femenino y en el mundo de la moda, donde espero verlo pronto firmando las portadas de las revistas más importantes, pero sin duda alguna, su trabajo más social es el que más emociona. Colecciona, por así decirlo, una serie de retratos de personajes con miradas profundas, de esas que realmente sobrecogen y que demuestran el talento y la capacidad de este fotógrafo para capturar un instante, una expresión que reflejen tantos sentimientos. Además, en otra parte de su trabajo podemos ver su gran trabajo como editor de imagen ya que muchos de sus trabajos presentan manipulaciones surrealistas que parten de esas ideas imposibles que surgen en las mentes de todos.

Espacio fotografía

Alexandra Sophie es la última de esta lista y quizás la más sorprendente. Es una chica francesa de tan solo 20 años, fotógrafa e ilustradora, nominada al premio de Joven Artista Emergente de Europa. Su talento es asombroso, ver su portfolio y analizar sus series es un estudio absoluto sobre la belleza femenina desde un punto de vista mágico y casi etéreo. La mujer es la protagonista de sus proyectos y en cada uno de ellos se la presenta como ser prácticamente mágico, en relación absoluta con la naturaleza y con un gusto exquisito y elegante. Además, el tratamiento digital de la imagen la coloca por encima de muchos profesionales de una época en la que los

los medios se encuentran más en Internet que en el laboratorio. Su trabajo es valorado y su talento reconocido, puesto que su nombre aparece ya en múltiples listas de fotógrafos jóvenes que están dando nuevas visiones del mundo desde su pequeña mirada artística.

Espacio fotografía

Estos cinco nombres representan quizás los diferentes nuevos puntos de vista del mundo, de la fotografía, del arte visual y de la vida que se está abriendo camino rodeada de medios de comunicación saturados de información y de imágenes. Proyectos insólitos y prácticamente inexplicables, series sociales, reportajes sobre la situación más allá de nuestras narices, trabajos sobre moda, retratos, proyectos conceptuales que rompen nuestra perspectiva general… y tantas y tantas ideas que aún están por surgir de la cabeza de estos nuevos artistas con mayúsculas. ¿Y qué tienen ellos de nuestros antecesores? Año arriba o año abajo, la fotografía tiene un siglo y medio escaso, y desde Stieglitz o las cronofotografías de Marey hasta los proyectos basados en el Google Maps o en la perfecta belleza femenina nacida de las herramientas de photoshop no ha pasado tanto tiempo y, sin embargo, hay tantas diferencias. Podría decir que ya está todo hecho y que hace un siglo había que investigar campos desconocidos, pero me equivocaría puesto que campos desconocidos siempre habrá y estoy muy lejos de pensar que ya lo hemos conseguido todo, en ese caso, la existencia del ser

todo, en ese caso, la existencia del ser humano ya no tendría demasiado sentido. Sin embargo, sí apoyo la idea de cierto hastío general por lo que tanto y tanto hemos visto ya a través de los medios y retomo el comienzo de este artículo; ¿dónde están las ideas nuevas? ¿Por qué no dejar al margen los medios, la saturación de imágenes y mirar más allá de las redes sociales? ¿Por qué no trabajar a partir de uno mismo, desde el interior de los sentimientos? Porque puede resultar difícil recorrer un camino cuya meta está cada vez más lejana y creer que llegamos cuando estamos exhaustos, y chocarnos con unos y con otros, el ruido y los obstáculos que contaminan el espacio y los medios que corrompen lo que siempre ha sido un arte: la fotografía lucha por seguir siendo un arte, no dejemos que la diarrea visual la manche.

Espacio fotografía

El apropiacionismo de fotografías como arma de denuncia Por Ariadna Ruiz Gómez El siglo XXI es considerado el siglo de la imagen, también en muchas ocasiones hemos podido oír que pertenecemos a la sociedad de la imagen, o que la cultura de los mass media ha hecho que la reproductibilidad, la densidad icónica y el bombardeo incesante de estas reproducciones de la realidad ha llegado a límites insospechados¹. Partiendo de esta base, cabría decir que nuestro museo visual e iconográfico atesora imágenes con un gran valor icónico. Muchos artistas han sabido ver ese valor y han querido reproducirlo en su integridad o también, reflejar el pavor que le daba que un gobierno de este calibre fuera consciente pueden adecuarlo a su discurso realizando pequeñas modificaciones, como puede ser el cambio de materiales, para así poder ajustarlo a su contexto. Estas relecturas que realizan los diversos artistas apropiacionistas son afrontadas siempre desde una intencionalidad concreta. Es aquí donde nos detendremos, pues como veremos a continuación, muchos artistas han sabido

sabido percibir el enorme potencial que puede tener una fotografía bélica de la segunda mitad del s. XIX, y traerla a colación para realizar una denuncia de los niños soldado, por ejemplo. Por tanto, antes de pasar a ver algunos ejemplos de artistas contemporáneos, podríamos concretar que, en gran medida, estas imágenes combinan, a la hora de realizar denuncias sociales o políticas mediante factores extralingüísticos y figuras retóricas, tales como la alegoría o la paradoja entre otras, siempre con la intención de introducirlas en un sentido contemporáneo. Así pues, algunos de los grandes historiadores del arte han destacado que el apropiacionismo se trata de un movimiento que subraya el valor intrínseco de la imagen, es decir en gran medida es autorreferencial pues alude a su naturaleza de representación y objeto reproductible, sobretodo si la fagocitación de una obra la realiza la fotografía. En contraposición

Espacio fotografía

veremos más adelante que la relación entre la fotografía y otros soportes artísticos pueden darse de un modo simbiótico, como en el caso de Botero y su serie sobre las fotografías de Abu Ghraib. En cualquiera de los casos, los teóricos de la imagen apropiada, como Douglas Crimp apostaron por la fotografía como única alternativa a la pintura dentro de la posmodernidad. El primer artista al que podríamos aludir sería Botero, aprovechando que varias de sus obras apropiacionistas y de denuncia se expusieron en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, desde el 8 de octubre de 2012 hasta el 10 de Febrero. El pintor colombiano realizó una serie de dibujos y pinturas sobre lienzo, basadas en las brutales fotografías que realizaron los militares estadounidenses, donde muestran los crímenes perpetrados en la cárcel iraquí de Abu Ghraib. Es en 2004 cuando Botero, tras ver horrorizado las fotografías, decide realizar una serie pictórica en donde las adaptaría a su lenguaje, pero sin querer modificar lo que aparece representadas en ellas. Las escenas se hallan enmarcadas en

Abu Ghraib, fotografía del 2003

espacios cerrados, como es el caso de las celadas que se hallan enmarcadas por los barrotes, donde muy pocas veces aparece el verdugo aunque sí los perros de presa que atemorizan a los presos en las fotografías. El artista quiso centrar la atención en las figuras primordiales de los encarcelados, para ahondar en la barbarie.

Botero. Abu Ghraib, 2005

Espacio fotografía Prácticamente toda la serie fue donada por Fernando Botero al Berkeley Art Museum de la Universidad de California, puesto que el artista dijo que no la había hecho para lucrarse con la miseria y el sufrimiento ajeno, sino para realizar una denuncia doble al gobierno de Estados Unidos, ya que en primer lugar veía imperdonable como los crimines habían sido llevados a cabo por una de las mayores potencias mundiales, el cual además, tardó en asumir su responsabilidad. Por medio de estas obras, quiso reflejar el pavor que le daba que un gobierno de este calibre fuera consciente de los actos que se estaban cometiendo. El arte es una acusación permanente. Su propósito es hacer visible lo que es invisible, y su intención es crear un testimonio artístico de un episodio dramático que no se debe olvidar³. Fernando Botero Botero, Abu Ghraib #44, 2005

Sin duda alguna, uno de los artista contemporáneos más relevantes en la temática del apropiacionismo y que mejor ha sabido entender el valor de este movimiento artístico como herramienta de denuncia, ha sido Vik Muniz. El artista brasileño que expuso en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, desde el 4 de septiembre hasta el 2 de diciembre del pasado año, basó gran parte de su exposición en relecturas de obras clásicas de la historia del arte, compuestas a través de diversos materiales y fotografiadas que realizó a posteriori, por lo que lo expuesto sería la fotografía de la composición. Con este mismo procedimiento abordó una serie de fotografías en donde la temática bélica aparece muy presente. Destaca sobretodo los principales contenciosos de los dos siglos pasados, para así acercarnos al valor de lo que se podría denominar “fotografía icono de corte bélico”.

Espacio fotografía

Es decir, esas fotografías icono son aquellos fotogramas en donde se aglutinan todas las características más representativas de una guerra determinada. En este sentido, y para recalcar la idea de que esas imágenes fotográficas son reconocidas por espectadores de todo el mundo, Muniz realizó una serie de recreaciones a mano alzada de escenas míticas Vik Muniz Serie The Best of Life. 1988-1990 que tienen que ver con los conflictos bélicos más importantes del s. XX. El siguiente paso fue realizar unas fotografías de los dibujos, desenfocando y mejorando manualmente algunas áreas que según él, “quedaban muy toscas”. Todas las imágenes de esta serie, The Best of Life, están basadas en un libro de fotografías de la revista Life. Cuando mostró las fotografías de los dibujos, su público no atisbó error alguno, nadie cuestionó que fueran unas recreaciones basadas en la memoria y no en la copia directa de las imágenes. Nick Ut. Niña del Napalm, 1972 Vik Muniz, en la inauguración de la exposición del CAC, comentó que en su versión de la fotografía de Nick Ut de la Niña del Napalm, de la guerra de Vietnam, se alejó mucho de la composición del fotógrafo, ya que dejó en su composición a la niña prácticamente sola, cuando en la original aparece rodeada de otros niños y una serie de militares estadounidenses.

Espacio fotografía A pesar de la ausencia de algunos elementos o el desenfoque para atenuar la imagen, todos los que observamos las representaciones identificamos rápidamente la mayoría de ellas, esto no hace otra cosa sino confirma el experimento que indirectamente el artista brasileño llevó cabo. En este sentido diría que “es fácil manipular o sugestionar cuando lo que “vemos” se basa en lo que ya sabemos”. En esta exposición fue muy notable una pieza basada en la fotografía del equipo Mathew Brady, fotógrafo de la Guerra de Secesión Americana (1861-1865). En ella vemos el retrato de un niño soldado que combatió en el frente. Muniz tradujo esta imagen a través de la composición de soldados de juguete. En este caso, es un magnífico ejemplo para ver como en muchas ocasiones el apropicionismo juega con el meta

metaarte, se vuelve tautológico y reitera la idea clave mediante distintos mecanismos, con los que consigue legitimar el mensaje inicial, la atrocidad que es hacer combatir a un niño

M. Brady. Niño soldado

Vik Muniz Relectura del Niño soldado del equipo de M. Brady, a base de soldaditos de juguete.

Espacio fotografía

Banksy, grafiti, 1994

Por último, y ya que estamos haciendo un recorrido por diferentes artistas que han utilizado muy diversos soportes para sus apropiacionismos, podríamos concluir con uno de los máximos representantes del street art, con Banksy. Este artista del graffiti se basó en la ya comentada fotografía de Nick Ut, La niña del napalm. Banksy realiza algunos cambios neutralizando el fondo y disponiendo de la mano de la niña a lo

los dos iconos del capitalismo americano, Mickey Mouse y Ronald McDonald. Sin duda, podemos considerar esta obra un ejemplo magnífico de apropiación de una fotografía de guerra, ya que el grafitero ha querido subrayar el carácter de denuncia de la imagen mediante una sátira mordaz que deja en evidencia el simbolismo del mensaje.

Notas al pie: (1) Moles, A., La imagen. Comunicación Funcional. México, Sigma, 1991. (2) Benjamin, W., La Obra de arte en la época de la reproductibilidad técnica. México, Ítaca, 2003. (3) Catálogo del Museo de Bellas Artes de Bilbao. Fernando Botero. Celebración. Pág 151. Imágenes: Vick Muniz y Botero de archivo propio

Una de las finalidades de ANHAD es promover el arte español, para ello hemos ideado la sección semanal bajo el nombre ENIGMA ANHAD, una adivinanza artística que os proponemos todos los lunes a través de nuestra web y nuestros perfiles de Facebook y Twitter. Aquí os dejamos la propuesta de esta semana ¿A qué artista español/a pertenece esta obra? Podéis participar dejando vuestros comentarios en Facebook o en la web o a través del hastag #enigmaANHAD en Twitter. Os esperamos!!

Cultura alternativa

LA BLOCK PARTY: DE LA FIESTA AL ESTILO DE VIDA Por Sebastián Arteaga El fenómeno de las block parties ha de ser analizado como cualquier otra manifestación artística. Por esta razón será fundamental estudiar brevemente el contexto socio-económico en el cual se insertan los acontecimientos que dieron lugar al desarrollo y evolución de una de las expresiones artísticas más singulares en los años de posguerra, que constituiría el germen de todo un movimiento artístico y cultural que adelantaría el Mayo del 68 y toda la actitud crítica contra el sistema capitalista que ejercerían los situacionistas, inspirados por las teorías de Guy Debord (1931-1994). Los acontecimientos se sitúan en la década de los años sesenta y setenta. Durante este periodo, existió una enorme confrontación entre los ciudadanos estadounidenses y sus gobernantes, los cuales beneficiaron económicamente al país tras la Segunda Guerra Mundial. En estos momentos, EEUU y Rusia conformaban

momentos, EEUU y Rusia conformaban las grandes potencias hegemónicas mundiales, por lo que las tensiones sociales y el rechazo de sus ciudadanos a otra guerra eran patentes. Esta atmósfera de tensión y violencia contenida se acrecentó en 1959 con la creación de la autovía Cross-Bronx Expressway, la cual recorría el homónimo distrito neoyorquino.

Obras de la Cross-Bronx Expressway. 1959

Cultura alternativa Las consecuencias de este hecho fueron desfavorables para la población de la zona, en su mayoría de clase social baja; se produjo un importante desplazamiento de la clase social media procedente de la zona, principalmente de raza blanca, mientras que el desempleo, la pobreza, la delincuencia y la marginalidad fue sufrida especialmente por la comunidad negra residente, cuyas pandillas callejeras se hacían con el control del distrito, cada vez más carente de tiendas y fábricas. Los inmensos bloques de apartamentos que allí seguían en pie presidían esta situación. En este clima de miseria y desesperación, las comunidades negras, latinas y jamaicanas del distrito decidieron aunar fuerzas, dejar de lado las diferencias entre ambos pueblos y sobreponerse juntos a la difícil situación que les tocó vivir. Para ello optaron por emplear esos enormes edificios de apartamentos y usarlos como lugar de ocio al aire libre para amenizar las mañanas y noches en el distrito. La block party consistía en una fiesta en el exterior de estos bloques. Sin diferenciación étnica, sexual ni estableciendo límites de edad, las personas se reunían allí para escuchar y crear música, bailar, charlar, decorar muros y comer juntos, olvidando los problemas por un momento y disfrutando en comunidad.

El intercambio cultural era desbordante. Al no existir límites por parte de ninguna institución, los residentes del distrito intercambiaban música y pasos de baile, en su mayoría influenciados por la tradición popular de la comunidad a la que pertenecía la persona en cuestión. Así, el funk, el soul, el jazz, el reggae y la música electro se fusionaban entre sí sin ningún tipo de prejuicio estético. Además, las block parties alcanzaron tal popularidad e importancia para los residentes en el distrito que muchos empleaban el poco salario que poseían en adquirir sound systems o sistemas de sonido más avanzados, en su mayoría consistente en un equipo de audio conectado a una mesa sintetizadora con vinilo. A través de estos instrumentos no sólo escuchaban música con mejor calidad, sino que ésta podía ser modificada, repetida o cortada a voluntad por el virtuoso que controlaba la mesa de sonido; es el origen del DJ o Disc Jockey. Se comenzaron a utilizar los enormes edificios de apartamentos como lugar de ocio al aire libre para amenizar las mañanas y noches en el distrito. La block party consistía en una fiesta en el exterior de estos bloques.

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Sound systems en block party del Bronx. 1960

Edificio nº 1520 de Sedgwick Avenue. 1960

La fama que adquirieron los DJs en las block parties fue tremenda. Se pasó de escuchar y bailar música en comunidad a competir deportivamente por ver quién era mejor manejando esa mesa de sonidos, “pinchando” canciones conocidas por todos, procedentes de los clásicos de los géneros comentados anteriormente y creando breaks, es decir, alargando la parte más animada y querida de una canción hasta el infinito por medio de dos vinilos que reproducían el mismo tema. Uno de los mayores virtuosos en esta técnica fue el jamaicano Clive Campbell, conocido como DJ Kool Herc, creador del scratch. Por aquél entonces, destacó un edificio determinado en relación a la calidad y fama de las block parties que allí se sucedían: el nº 1520 de Sedgwick Avenue. Los seguidores de DJ Kool Herc y los demás músicos de la zona recibieron el nombre de b-boys (1) y b-girls. Estos jóvenes bailaban de forma singular y pintoresca mientras esperaban el momento cumbre de la canción. Sus bailes

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canción. Sus bailes estaban influenciados por las danzas tribales africanas, así como por la tradición que adquirió la capoeira en Jamaica y las artes marciales en América; se trata del inicio del break dance (2). Tampoco faltaban referencias ingeniosas y sarcásticas de la época, como alusiones al sexo, la tecnología futurista o la exageración caricaturesca. Además, las competiciones entre DJs y bailes estaban animados por los llamados «maestros de ceremonias» o MC, abreviación del término tanto en lengua inglesa como española. Al igual que el DJ y el breaker, el MC animaba pero también cantaba, o mejor dicho: entonaba discursos al ritmo de la música, en los cuales se aludía a diversos temas, que caminan entre la política, el disfrute en comunidad, el humor, etc., constituyendo el preludio del rap. De este modo, mientras unos bailaban, otros creaban música y unos pocos rapeaban, algunos se dedicaban a ornamentar los sobrios paramentos de los edificios colindantes al distrito con sprays y rotuladores novedosos por esa época. Se trata del graffiti contemporáneo tal y como lo entendemos en la actualidad. En una de las block parties, los DJ Cowboy y DJ Hollywood bromeaban con

con un amigo que se disponía a alistarse a las Fuerzas Armadas de los EEUU, imitando la cadencia sonora del ritmo de los soldados americanos al marchar. Este se cree que es el origen del término hip-hop, el cual designa las manifestaciones artísticas referidas anteriormente: MC, DJ, break dance y graffiti. Sin embargo, este movimiento es mucho más que cuatro disciplinas técnicas. El hip-hop hay que entenderlo como una actitud, un estilo de vida o directamente una religión, basada en el respeto mutuo y en el esfuerzo personal (3). Se trata de una herramienta que convierte en arte todo impulso de violencia e irracionalización contenida. Cuando el ser humano se enfrenta a una adversidad, siempre hay un inconformismo que genera un impulso de radicalismo y violencia. Sin embargo, transformar esa energía en una forma de expresión artística es de vital importancia, más en el ámbito de un sector de la sociedad marginal de clase baja, que no tiene acceso a estudios ni a un aprendizaje mínimo. Si además pensamos cuán significativo es este hecho en edades juveniles como la adolescencia o los primeros años de adultez, el asunto requerirá de una especial atención y merecerá la pena reflexionar sobre ello.

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Kevin Donovan (n. 1957), músico DJ estadounidense conocido como Afrika Bambaataa, ya se planteó una reflexión parecida a la anterior justo cuando el hiphop comenzaba a desplegar sus alas. De hecho, a él le debemos en parte la división del movimiento en esos cuatro pilares, pero sobre todo, Donovan destacó por considerarse todo un gurú dentro del género. El músico sufrió en primera persona las consecuencias de las pandillas callejeras durante la década de los setenta y ochenta en los EEUU. Sin embargo, tuvo la oportunidad de viajar a África, y una vez de vuelta a América, tomó conciencia del auténtico problema y decidió usar la fuerza del arte para defender los derechos humanos y la tolerancia. De este modo, en 1973 creó la organización Universal Zulu Nation, para ayudar a los más desfavorecidos desfavorecidos de los barrios más conflictivos y hacerles ver que la vida de delincuencia no es ética ni apropiada para el ser humano (4). Actualmente, el hip-hop, aparte de seguir siendo un movimiento cultural y una forma de vida, también se ha convertido en una gran industria, que en parte ha distorsionado los valores que en principio defendía, causando confusión e incertidumbre mediática respecto a su mensaje y sentido artístico. No obstante, pienso que esta situación no hay que radicalizarla, y por el contrario, hemos de entender que el Arte lleva siendo una industria desde hace siglos, y no por ello se ha devaluado el valor de determinadas obras artísticas. El hip-hop hay que entenderlo como una actitud, un estilo de vida o directamente una religión

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Hoy en día, la influencia de la block party sigue en plena forma, ya que las actuales jam sessions que se llevan a cabo en las ciudades son promovidas y difundidas por las administraciones públicas, recogen el testigo de la visión interdisciplinar y desjerarquizada del arte, accesible a toda la sociedad y, por qué no decirlo, manteniendo esos fines terapéuticos (5). En ese sentido, caeríamos en un error al afirmar rotundamente que las vanguardias históricas no llegaron a triunfar. Paradójicamente, lo hicieron justo en el momento que se afirmó tal hecho, aunque lejos del poder oficial establecido.

Notas al pie: (1) “Chicos break”. (2) Cuya complejidad desbordaría la extensión del presente artículo, debido a su compleja historia, subgéneros, estilos, movimientos, etc. (3) Así como en el enriquecimiento del cuerpo y mente, al trabajar ambos factores (4) La asociación permanece vigente en la actualidad. (5) El Street Art también es heredero de la block party y el grafiti, reivindicando el espacio público para el ciudadano. Bibliografía y webs conslutadas: DEWEY, J., Experiencia y educación. Buenos Aires, Editorial Losada. 1967. MCLUHAN, M., La aldea global: transformaciones en la vida y los medios de comunicación mundiales en el siglo XXI. Barcelona, Editorial Gedisa. 1995. SHINER, L., La invención del arte: una historia cultural. Barcelona, Editorial Paidós. 2004. VVAA, History of Hip Hop Music, en http://en.wikipedia.org/wiki/History_of_hip_hop_music (Consultado: 12/01/13)

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El Manga, un mundo por descubrir, 多o no? One Piece. Personajes

Por Miriam Callejo

Descubriendo nuevas fronteras

Gracias a la globalización y a los medios de comunicación, podemos conocer prácticamente todo acerca de cualquier lugar del planeta, por muy recóndito que sea. Esto hace que, dándose ciertas circunstancias, algunos fenómenos locales se conviertan en mundiales. Algo similar ha ocurrido con el mundo del manga. Una puesta al día Parece que el anime -la animación japonesa- ha llegado hace unos años a nuestras pantallas, de televisión u ordenador, en forma de marea. Nada más lejos de la realidad. Nuestros padres ya veían anime, pero ellos no lo sabían. Las primeras series japonesas que llegaron, al menos a nuestro país, fueron Mazinger Z, Heidi y Marco, hoy día convertidos en clásicos de las parrillas televisivas matutinas. A los que nacimos y crecimos en los ochenta nos llegaron Sailor Moon, Candy Candy, Saint Seiya (para nosotros Caballeros del Zodiaco) o, el mayor éxito mundial de un anime; Dragon Ball. De hecho, muchos de los dibujos animados que hemos visto durante nuestra infancia han sido de origen japonés, más de los que la gente cree. Solo hay que recordar dichas series de la infancia y hacer un repaso vía Youtube para comprobar que esos rasgos, esos comprobar

movimientos y gestos tan característicos de la animación, eran de origen japonés y no de origen incierto – o americano-. Es más, muchas series que creíamos europeas –a veces, incluso españolas-, eran coproducciones euroniponas. Sin embargo, lo que no nos llegó hasta hace relativamente poco tiempo, ha sido el manga. Muchas de las series mencionadas están basadas en lo que en occidente se conoce bajo el nombre de comic japonés. Poco a poco estos libros de pequeño formato que han de ser leídos, según nuestra costumbre lectora occidental, de derecha a izquierda y comenzando por lo que consideraríamos el final. El reconocimiento final en nuestro país de esta manifestación cultural ha sido la integración del termino manga en el Diccionario de la Real Academia de la Lengua Española, no sin polémica. Las numerosas quejas debido a la equivocada noción que proporciona la definición inicial, provocó su rápida modificación. He aquí las dos definiciones, que bien sirven para definir qué es y qué no es el manga: Género de cómic de origen japonés, de dibujos sencillos, en el que predominan los argumentos eróticos, violentos y fantásticos (1).

Descubriendo nuevas fronteras Esto es lo que en un principio describió la RAE. Se puede ver que, al igual que sucede con otras disciplinas relacionadas con las artes y la cultura, como la novela o el cine hace unos años, la definición carece de objetividad y cae en hablar de aspectos no relacionados con la definición en sí. Asimismo, el texto está basado en los tópicos que circulan sobre este género, conllevó la queja formal de numerosos colectivos relacionados con la cultura japonesa, entre ellos varias organizaciones de convenciones de este tipo (2), y, en las redes sociales, de la gran mayoría de los otakus (3). Finalmente, un mes más tarde, la Real Academia de la Lengua, rectificó su definición, simplificándola: cómic de origen japonés (4)

aunque se caracterizan por estar realizados mayormente a una sola tinta, pueden ser dibujos esbozados, de gran elaboración, de rasgos realistas o caricaturescos. El término manga que nosotros empleamos, convive en Japón con la palabra comic, que para nosotros alude al formato de dibujo de viñetas americano. Asimismo, su público no es, como se suele pensar, mayoritariamente juvenil. El manga está orientado, es verdad, a cierto tipo de lector según su género, sin embargo, muchas series son leídas por adultos, tanto hombres como mujeres. El manga tiene un público tan variado como sus temáticas; para niños, jóvenes, hombres, mujeres...

Definición y origen Al contrario de lo que reflejaba la primera definición, el manga, trata una enorme variedad de géneros y temas, tanto realistas como fantásticos, desde comedias hasta dramas pasando por el terror en todas sus gradaciones o el romanticismo, incluyendo aquí el erotismo e incluso el porno. Con el dibujo ocurre exactamente lo mismo; aun

Doraemon

Descubriendo nuevas fronteras . Su origen está, tanto en el propio Japón como en Occidente, tras la Restauración Meiji (5). Aunque las narraciones caricaturescas existieron en Japón desde el siglo XI con la figura de Toba Sojo y sus Choju Giga de conejos y monos, no fue hasta el siglo XIX cuando se “redescubrió” y popularizó. Es a mediados de ese siglo cuando Hokusai dibuja “su” Manga, que ejerció gran influencia posteriormente, Mangú mediante sus dibujos rápidos en actitudes dinámicas, posturas y perspectivas originales y, en ocasiones narrativos, realizado con una técnica de superposición de papeles transparentes para mejorar y completar el dibujo original (6). Estuvo inicialmente orientado, como ocurrió con el Ukiyo-e décadas antes, al grueso de la población; un arte para el pueblo llano y no para las élites. El comic americano y las primeras tiras satíricas de estilo occidental que se dieron en los periódicos extranjeros de Yokohama, influyeron directamente en el devenir del dibujo japonés. Se tomaron el sistema de viñeteado como ordenación y acotación de la narración, así como los bocadillos para señalar los diálogos, del cómic estadounidense.

Choju Giga s.XII

Manga. Hokusai

Descubriendo nuevas fronteras Para diferenciarse de estos, los dibujantes cómicos japoneses comenzaron su propia línea de publicación con una temática propia. Fue Rakuten Kitazawa el primero que empleó la palabra Manga y empleó personajes fijos para sus tiras (7). En un principio, como las tiras satíricas occidentales, se publicaban en periódico, pero hacia los años veinte, comenzaron a surgir las primeras revistas especializadas con juegos y secciones además del comic, entre ellas el Shônen Club (1915) y Shojo Club (1923), para chicos y chicas respectivamente, así como revistas infantiles (Yonen Club, 1926) (8). Este es el formato que perdurará hasta hoy, aunque a Occidente nos llegue en forma de tomos.

La popularización del manga Aunque los primeros temas del manga pasaron de la política al costumbrismo y la vida cotidiana, pronto surgieron los temas épicos ambientados en las épocas pasadas de la historia de Japón, como el periodo Edo (9), y la vida de los samuráis, teniendo gran acogida. Ambas temáticas continúan siendo actualmente dos de los géneros más recurridos y exitosos. No obstante, durante los años treinta y la Segunda Guerra Mundial, la temática militar, de samuráis, fue la más común, en alusión a la preparación de los japoneses para la guerra y propaganda política. Los mangaka o dibujantes de comic disidentes con el enfrentamiento bélico fueron rechazados y/o perseguidos por el gobierno que, unido a la carestía durante los años de la guerra, provocaron que muchas publicaciones cerrasen y algunos de los dibujantes fueran al campo de batalla

para realizar mangas de corte militarista para animar al ejército. Por su parte, algunos de los mangaka rechazados sirvieron al bando contrario para contrarrestar la propaganda del gobierno nipón con las mismas armas. De estos años son los primeros diseños de personajes robotizados que mutan de forma, aspecto que se convertirá en señal identificativa de la cultura popular (llevado al anime, cine, series de televisión) japonesa. Durante esta época, el esquema de presentación fue rígido y sencillo, y el personaje quedaba supeditado al escenario. Tras la guerra se popularizaron las bibliotecas ambulantes en las que se alquilaban mangas y los llamados redikomi o red books, destinados al público masculino. Sin embargo, Osamu Tezuka revoluciona el mundo del comic con su primera obra Shin Takarajima (La

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Shin Takarajima

Dragon Ball

(La nueva Isla del Tesoro, 1947) es un punto de inflexión; da total protagonismo al personaje con una concepción de story board cinematográfico más que de comic en una narración ya de por sí rápida y ágil. Además, creó una de las series más longevas y reconocidas a nivel mundial, Astroboy, influenciando en el desarrollo del anime, así como Tezuka bebió de Disney.

A partir de los años sesenta, la experimentación se convierte en protagonista al tiempo que las publicaciones periódicas se establecen como formato más popular. Las tramas cada vez son más variadas y las narraciones más libres. A finales de la década el contenido echi o picante se irá convirtiendo en habitual. Los años ochenta fueron sus años dorados, con series como Dragon Ball o Slam Dunk cuyas conclusiones a finales de los noventa conllevaron a una más que llamativa caída de ventas que se ha ido recuperando con el tiempo, con la ampliación del mundo del manga a otros medios y países, así como con la aparición de otras extensas series como One Piece.

Descubriendo nuevas fronteras El mundo del manga es tan común, que cualquier supermercado, o tienda de productos varios de 24horas lo tienen a la venta, no solo las especializadas. Además, los precios de estas revistas, desde muy pronto fueron asequibles para todo el mundo. Actualmente cuestan algo menos de un euro en el caso de las revistas, los tomos, unos tres.

Géneros El manga tiene una enorme variedad de géneros y dentro de estos, temáticas y subtemáticas, algunas de ellas orientadas a un público específico. Prueba de ello es el lenguaje popular, cercano y casi soez que se emplea, así como numerosos extranjerismos para acercar al lector occidental a la historia y al japonés a occidente, siendo usual recurrir a aspectos de la cultura occidental para desarrollar la narración. Destacan el Kodomo-manga destinado a niños pequeños, con una presentación de viñetas sencillas y de dibujo estático que comienza y acaba en una única entrega acompañados normalmente de una moralina o mensaje. El género por excelencia es el Shonen-manga, orientado al público juvenil, generalmente masculino, constituyendo el género más importante

importante en cuanto a producción y beneficios. Posee una variedad temática tal que no es posible hacer una definición concreta, aunque los de mayor popularidad contienen altas dosis de acción y aventuras. Pueden abarcar tanto la realidad, como la ciencia ficción, la fantasía o la historia y la mitología. Paralelo al shonen está el seinen-manga, que, aunque trata prácticamente los mismos temas, está orientado al público adulto, por lo que la forma de abarcarlos es diferente. Las narraciones poseen mensajes más profundos, y aparecen más explícitamente la violencia o el sexo. Específicamente para el público femenino se publica el Shojo-manga. Es el más innovador y leído lejos del país del Sol Naciente, para las mujeres adultas existe el josei-manga, con un tono narrativo más serio. La mayoría de sus mangakas son mujeres, y en algunos casos, sobre todo en los años setenta,

Descubriendo nuevas fronteras casos, sobre todo en los años setenta, destaca la ambigüedad sexual de sus protagonistas, dando lugar en ocasiones a narrar historias de amor homosexuales, que tuvieron un gran éxito en la época al distanciarse completamente del shonen. Su buena acogida tuvo como evolución natural un género propio, denominado yaoi para narraciones gays y yuri para las lésbicas. El manga contempla incluso el erotismo y el porno, recogidos por las publicaciones hentai. Aunque parece que el comic es un género de minorías, con popularidad concentrada en ciertos tipos de población, en Japón, el manga y sus derivados es una de las actividades económicas que más dinero genera y más gente mueve. Allí es un fenómeno de masas que trasciende la mera lectura. Numerosas son las reuniones y convenciones, así como el casi infinito merchandising y las adaptaciones a cine y televisión en forma de anime, por no hablar de la identificación de, sobre todo, la juventud con algunos personajes y el fenómeno del cosplay (10). Todo ello ya ha sobrepasado las fronteras del país nipón y hace varios años que ha llegado a Estados Unidos y gran parte de Europa. El manga constituye pues, para el occidental, una fuente de conocimiento de la cultura popular japonesa, su modo de pensar y de actuar, de su día a día, sindi

Cosplay. Saint Seiya-Sagitario

de pensar y de actuar, de su día a día sin contar, por supuesto, con que es un entretenido pasatiempo lector, e incluso puede llegar a convertirse en toda una forma de vida. Constituye una puerta abierta al mundo cotidiano tanto como a la imaginación de una cultura en apariencia lejana física e ideológicamente a la nuestra, pero de gran interés y antigüedad que refleja cambios y permanencias habidos durante siglos, o lo que es lo mismo, la capacidad de adaptación a cambios internos, externos, de pensamiento o coyunturales, permaneciendo siempre la misma impronta nacional.

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Notas al pie: (1) http://www.lavanguardia.com/cultura/20120627/54317833273/raemanga.html (2) http://www.elmundo.es/elmundo/2012/06/22/comic/1340392082.html (3) Aficionado. En Occidente se identifica con el fan de la cultura popular japonesa, como en anime, el manga o el cosplay. (4) http://lema.rae.es/drae/ (5) Periodo comprendido entre 1866 y 1868 durante el cual se fraguó la caída del régimen feudal de carácter imperial que imperaba desde el siglo XII, provocando también la apertura de Japón al mundo. (6) CALLEJO, M.: ¿Quién dijo que los grandes artistas fueron Occidentales? Katsushika Hokusai y Utagawa Hiroshige ANHAD, nº 12, pp. 36-37 (7) ANDRÉS SANTIAGO, J. Manga, del cuadro flotante a la viñeta japonesa, DX5, Pontevedra, 2010, pp. 60-62 (8) Ibid. p. 63 (9) Periodo previo a la Restauración Meiji, también conocido como Tokugawa, dinastía gobernante. Alude a la capital del país en ese momento, la Tokyo actual. (10) Práctica que consiste en la caracterización de personajes de manga, anime y videojuegos, lo más cercano al original. Bibliografía: ANDRÉS SANTIAGO, J. Manga, del cuadro flotante a la viñeta japonesa, DX5, Pontevedra, 2010 CALLEJO, M.: ¿Quién dijo que los grandes artistas fueron Occidentales? Katsushika Hokusai y Utagawa Hiroshige ANHAD, nº 12, pp. 33-39 www.lavanguardia.com/cultura/20120627/54317833273/rae-manga.html Consultado. 21/01/2013 www.elmundo.es/elmundo/2012/06/22/comic/1340392082.html Consultado: 21/01/2013 www.rae.es Consultado: 20/01/2013

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Erika Pardo Por Paula González y Mª del Carmen Díaz Erika Pardo Skoug (1980) es una artista que ha abordado desde sus inicios temáticas en femenino. De hecho, podemos destacar de sus inicios obras como la serie “Madre” (2010) en el que ocho fotografías de mujeres desnudas sobre un fondo oscuro y cuyas cabezas son sustituidas por lámparas encendidas, en clara referencia al acto de dar a luz, que sólo las mujeres pueden llevar a cabo. En una línea similar encontramos la serie “Dar a luz” también de 2010 en el que una serie de lámparas encendidas van poco a poco apagándose.

Madre III. Impresión Van Dyke sobre madera. Serie de 8 piezas. 170 x 54 cms. c.u.

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Dar a luz. Fotografía digital. Serie de 4 fotomontajes. 100 x 89 cms. c.u.

Posteriormente, Erika Pardo evoluciona en sus planteamientos analizando la dicotomía que significa la maternidad en la actuallidad, cargado de miedos y renuncias. Si nos adentramos un poco en esta temática, vemos cómo uno de los hechos que significó un gran paso para el empoderamiento de la mujer en la sociedad fue la incorporación de la mujer al mundo laboral, consiguiendo poco a poco ser valorada por sus cualidades y su formación, al mismo nivel que un hombre.

Pero dicho logro obliga a veces a hacer pequeños sacrificios, ceder tiempo de nuestras vidas personales. Nuestras predecesoras, aquellas que no tuvieron la posibilidad de acceder al trabajo, dedicaron todo su tiempo y esfuerzo a su labor de ama de casa, y sobre todo a su labor de madre. Ese fue su trabajo, dedicar todo su esfuerzo y tiempo en criar a sus hijos. En la actualidad, el acceso de las mujeres al trabajo es una realidad, pero todavía, ese acceso impide a muchas de nosotras ser madre

Nuevos talentos madre, dedicar el tiempo necesario que implica esa faceta de la vida: la maternidad. En un momento en el que empezamos a consolidar y estabilizar nuestra trayectoria profesional a partir de la treintena, la maternidad implica tener que parar, y a veces abandonar nuestra carrera laboral. Ser madre, la maternidad, nos obliga a tener que ceder en algunos aspectos y muchas veces es en el laboral, por lo que, tras mucho esfuerzo, la mujer debe decidir si renunciar a parte de lo logrado en aras de ser madre o, en cambio, disfrutar de su éxito laboral dejando de lado la maternidad. Esto genera desconcierto, pena, tristeza, porque presenta una dicotomía a la mujer que, en un momento

momento de su vida debe decidir sobre su futuro, una decisión que no alberga vuelta atrás y en el que tiempo pasa inexorablemente. Una de las primeras piezas que componen esta temática está conformada por una serie de lienzos circulares de diferentes colores en los que se han representando un muñeco de peluche, un pequeño conejo que posee la propia artista, en diferentes posiciones que remiten al juego de tirarlos al aire o a el movimiento de un bebe, q se encoje, se estira. El muñeco fue regalo de una persona muy cercana a la propia artista y que guarda una especial recuerdo en él, por lo que ha utilizado este elemento en el que se depositan todas las ideas y sueños de la+-.

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la infancia, como un buen compañero de juegos y amigo y que quizás no podrá ser trasmitido s su hijo porque quizás no haya hijo y que quede como testigo, como herencia de una linealidad entre madre e hijo que no ha sido continuada. Ese sentimiento de miedo, de inseguridad y de espera también está presente a la hora de la decoración de un cuarto infantil por parte de los padres. La acción de decorar una habitación para el nuevo ser que se espera es una apuesta por la esperanza en el que se apuesta a todo o nada multitud de sentimientos y esperanzas y que se puede ganar o perder. A su lado se encuentra el video del que emana la música que nos invita a entrar. Un video breve pero que nos muestra al peluche moverse y cambiar de posición, como si el niño jugara a lanzar el peluche hacia el aire, descubriendo las diferentes posiciones en las que caería. Una coreografía aérea, una danza infantil que en sus 1.33 minutos nos trasmite toda la ternura de un niño que, aunque presente en espíritu, no se le ve, no se le representa, siendo tan imposible como el deseo maternal incapaz de hacerse realidad que nos presenta Erika pardo en esta exposición. Thoughts. Animación slow motion.

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La maternidad posee una parte tierna, alegre, pero su consecución contempla una serie de esfuerzos, no solo personales ni laborales sino que también físicos. La maternidad genera una serie de transformaciones en el cuerpo de la mujer, y quienes viven con creciente incertidumbre ese temor latente al momento de dar a luz, en el que la alegría no elimina el dolor físico por el que hay que transitar hasta el desenlace del alumbramiento. La artista, participe por ese temor al dolor que lleva implícita la maternidad, presenta una serie de dibujos que muestran instrumental ginecológico. Instrumental que, si desconociéramos el contexto al que pertenecen, asociaríamos a tortura sin ninguna duda. Otro motivo de atención será, dentro de Empty, los tres lienzos de gran tamaño que representan los moldes de galletas con diferentes formas infantiles. Estas moldes, vacios, fríos y cortantes, se utilizan para crear galletas con diferentes formas. Estas formas, se realizan especialmente para los niños, llegando incluso a realizarse con ellos. Su interior vacio se presenta como un futuro vacio, sin presencia de niños. ¿Para quién hacer esas galletas infantiles? Estos moldes, además de los tres lienzos, aparecen en una serie de dibujos de menos tamaño realizados en grafito que detallan las numerosas formas de figuras infantiles.

Nuevos talentos Por último, nos encontramos una serie de nueve cuadros que representan tartas de cumpleaños. Las nueve tartas representan los nueve años transcurridos entre la edad en la que la madre de la artista comenzó su etapa de maternidad y la edad de la artista, que todavía no ha sido madre. Celebrar el cumpleaños supone una especie de rito al celebrar el año que se ha vivido y los consiguientes que están al venir. Pero estas tartas no tienen sentido ya que no hay quien celebre ese nuevo año de vida. La experiencia de celebrar un cumpleaños en un niño se presenta como un momento de fiesta y alegría que, esa persona que ha decidido no ser madre, ha apartado de su trayectoria vital.

Por último, una pequeña video creación despide nuestra vista. Getting older, una frase compuesta de velas de cumpleaños que encendidas, se consumen. Cada año que pasa en nuestras vidas, es un año más tarde para ser madre y mientras esa decisión se va postergando, el tiempo pasa inexorablemente, la vela se consume y mientras tanto , tiempo y silencio.

Imágenes cortesía de: www.erikapardoskoug.com Más información en: www.erikapardoskoug.com MálagaDIEM

Interferencias Arte Dise単o

Interferencias Arte Diseño

En este número os presentamos al diseñador Javier Fernández Roldán que nos ha diseñador de nuestra portada de este mes. Javier es un joven diseñador nacido en Santander, aunque residente en Málaga. Est especializado en Diseño 3D y animación. Os dejamos con la entrevista que le hemos realizado en la que nos habla de sus intereses, su formación y de sus proyectos futuros.

CF: ¿Cuándo decidiste dedicarte al diseño y a la animación? JF: Cuando era niño no era muy sociable y pasaba mucho tiempo solo, lo que me ayudó a desarrollar mucho la imaginación y crear un pequeño mundo en mi cabeza. Antes de llegar a los 15 años ya me di cuenta de que la forma establecida de paso de la secundaria, al bachiller y a una carrera, no era la manera en que quería enfocar mi aprendizaje. Tras un año en un módulo superior de gráfica publicitaria que no terminé, ya que tanta carga teórica era lo que menos

me llamaba, vi que el diseño me atraía muchísimo. Cuando empezaron a aparecer las primeras películas de animación por ordenador fue como encontrar el santo grial. Aquel era mi mundo. Algunos años antes, y gracias a un primo informático, conocí un programa de 3D, que por aquel entonces aún era algo muy básico. Aquello sembró las semillas para, después de terminar una etapa laboral dando tumbos en distintos tipos de trabajo que no me motivaban, decidí armarme de valor y abandonar mi ciudad natal, Santander, para mudarme a Málaga donde estudiar y trabajar en el mundo del 3d y la animación.

Interferencias Arte Diseño

CF: ¿Cómo te formaste en esto del diseño en 3D? JF: Comencé a aprender cosas de diseño con un curso de infografía en medios audiovisuales, donde aprendí lo más básico del retoque fotográfico en Photoshop, edición de vídeo en Premiere y algo de 3ds Max. Seguí con un master online enfocado al 3ds Max ya que ya había decidido que el 3d era lo que más me gustaba del mundo del diseño. Hace 4 años vine a Málaga para hacer un Master en modelado y animación de personajes con XSI, un programa diferente de 3ds y, tras terminarlo, al ver que aún había cosas que quería aprender, me realicé otro Master en Infoarquitectura y Motion Graphics. A partir de entonces, todos los días intento aprender algo nuevo por mi cuenta.

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DiseñoC

CF: ¿Qué haces cuando no estás diseñando? ¿A qué dedicas tu tiempo libre? JF: Me gusta mucho pintar figuras de coleccionismo, empecé ya hace más de 15 años y tengo un montón en casa. Paso mis ratos de ocio viendo series de anime y jugando videojuegos en el ordenador, principalmente juegos de rol con los que aprovecho para practicar mi inglés. Y por las noches siempre dedico un ratito a leer sagas de fantasía o novelas de intriga. CF: ¿Cuáles han sido tus últimos proyectos? ¿Hay alguno que consideres más especial que el resto? Además de la portada, el último trabajo que he hecho es sin duda uno de los que más me ha gustado, el diseño de cubiertas para la primera novela de uno de mis mejores amigos. También, a través de la productora Bezoar Studios, que he formado junto a mi pareja, grabamos, compusimos y editamos unos vídeos promocionales para colgarlos en internet y dar más repercusión al libro. Espero seguir realizando más proyectos a través de este sello. Los otros trabajos que he estado haciendo últimamente son diseños de interiores para farmacias, tanto REMODELACIONES

remodelaciones como nuevas aperturas, y levantamientos en 3d de proyectos para varios arquitectos. Todo en mi faceta de infoarquitectura. También estoy preparando unos personajes para animación de cosecha propia, mientras me decido por un formato de cortometraje o por pequeños episodios. Aunque puedo dedicarle poco tiempo.

Interferencias Arte Diseño

CF: ¿Cuáles son tus influencias o referentes a la hora de crear? JF: Además de la simple imaginación, internet, sin duda es un lugar donde a menudo busco inspiración. Alguna imagen que despierte algo en mí y me pida desarrollar y crear algo a partir de ahí. Del mundo del cine, Pixar siempre aparece como el máximo nivel al que uno quiere llegar algún día. Los últimos proyectos personales que intento terminar están basados en el trabajo de dos dibujantes de comic españoles a los que conozco.

CF: ¿Cómo es tu proceso de creación? JF: Las ideas normalmente son espontáneas y tengo que buscar referencias en imágenes reales o de otros artistas y diseñadores que me ayuden a definir mi visión y continuar con mis propias herramientas a partir de ahí. Nunca me ha gustado trabajar sobre el papel, paso directamente de mi mente a plasmarlo en 3d con el ordenador. Lo que puede resultar un poco caótico es que tengo un montón de proyectos empezados y voy saltando de uno a otro según los momentos de inspiración.

Interferencias Arte Diseño

CF: Para terminar la entrevista nos gustaría que nos hablaras sobre tus proyectos futuros JF: Continuar con mi trabajo freelance actual en infoarquitectura y diseño de interiores, que es mi fuente actual de ingresos. Intento definir una propuesta de colaboración para una serie animada para internet y terminar un videojuego que estoy diseñando. Por supuesto, sé que tengo que seguir formándome como animador, una de las cosas que quiero hacer es aprender animación en Flash.

Si quieres conocer más a fondo el trabajo de Javier, no dejes de visitar su blog en el que podrás ver todos los proyectos en los que está inmerso en la actualidad.

Revista ANHAD Agosto 2012

Entrevistas ANHAD Dise単o

Dise単o

Diseño El Peugeot Design Lab ha creado un nuevo diseño que pretende cautivar el corazón de cada pianista. Creado por diseñadores Cyrille Vayson de Pradenne y Gazeau Sophie, el "Peugeot Piano" pesa 614kg y se compone de fibra de carbono y acero - un alejamiento definitivo del piano de madera tradicional que estamos acostumbrados a ver, y no sólo en términos de materias primas. Su diseño monocromático es llamativo y tremendamente hermoso. A nivel musical, este piano tiene un tono majestuoso y vibrante.

Peugeot

PIANO

Revista Diseño ANHAD Agosto 2012

Diseños

que alegran la hora del té

Entrevistas ANHAD

Diseño

Eiko Ojala es un ilustrador, diseñador gráfico y director de arte afincado en Estonia. Sus obras, realizadas en papel recortado, juegan con los efectos de luces y sobras para dar volumen y cuerpo a la silueta. Sus trabajos tienen una profundidad que hacen que resulte difícil creer que están hechos a partir de recortes de papel. Al delicado trabajo de ilustración le añade un trabajo magistral con el material, que consigue sorprender y crear trabajos que permiten descubrir nuevos detalles cada vez que los volvemos a mirar. Figuras llenas de realismo, calidez y realmente originales.

Revista Dise単o ANHAD Agosto 2012

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Diseño

¿Qué pone una sonrisa en tu cara? ¿Has pensado alguna vez tener un millonario a tus pies? Tal vez sea la lingüística sexy de un francés, o el golpe de derecha de un profesor de tenis ... no importa tu fantasía, esta nueva gama de vibradores de marcas Ramblin está aquí para atender cualquiera que sea. Estos diseños han tenido el récord de ventas de juguetes sexuales en 2012. Será difícil decidirte entre el Millonario, el Entrenador de tenis, el Francés y el Bombero.

Revista Diseño ANHAD Agosto 2012

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La polémica está servida…

…sobre la MESA

‘ORSON, I’m HOme’ by ARmIN Blasbichler Cada cierto tiempo, los activistas en defensa de los animales provocan el debate y plantean los derechos y libertades de éstos. "Orson, estoy en casa", es una edición limitada de 5 piezas seriadas. La taxidermia de Armin Blasbichler pretende hacer pensar sobre el exceso de consumo en Occidente y la explotación animalmediante obras inquietantes y desagradables. Una cerda de peluche con un plato de cristal en su parte posterior sirve como una mesa de café y las

Dise帽o piernas de un venado se han extra铆do para apoyar una consola recubierta con su propia piel. Pero eso no es todo. Un cerdo, una oveja, un venado, y 11 gallinas fueron utilizados para completar la colecci贸n de animales. Sin duda, cualquier comida sobre una mesa de taxidermia es un gran ingrediente para una cena que busque una conversaci贸n interesante.

Revista Diseño ANHAD Agosto 2012 La posmodernidad estética es un concepto de los años 80´s acuñado por François Lyottard, para referirse a una nueva sociedad, totalmente estructurada, que comenzaba a forjarse en contraposición a la cultura americana de la posguerra. El término posmodernidad se usaba desde los años 50´s para definir una producción distinta al Modernism americano.

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DISEÑO posmoderno

La posmodernidad es el resultado de un proceso de cambio paulatino que surge de la suma de las revoluciones conceptuales que vienen gestándose desde los años 60´s. Entre ellas Mayo del 68, con la reivindicación del feminismo y el multiculturalismo, grupos hasta ahora excluidos del discurso histórico oficial. La situación política y social, junto con el agotamiento de las formas depuradas y racionalistas, van a estimular la búsqueda de nuevas formas (más complejas, y exuberantes). Todos estos cambios ideológicos derivaron a su vez en cambios para la producción cultural, que adquirió ahora un desarrollo incomparable en Italia. Esto se debe a la calidez de su tradición cultural, al escaso afianzamiento que el racionalismo había tenido, unido a la búsqueda de nuevos referentes (y si EE.UU. representaba la modernidad, Europa sería emblema de la tradición) que se alejaran de la reducción esencialista que había llevado acabo el Modernism. Robert Venturi es uno de los primeros en analizar los excesos y deficiencias del estilo

Por Beatriz Marín

Diseño moderno-funcional-racionalista, achacándole extrema rigidez y frialdad (que también tildó de “secuestro de sentimientos”), falta de comunicación y disfuncionalidad real (pues servían a una idea de modernidad, en lugar de a las necesidades del público). Si la modernidad mira al futuro, la posmodernidad va a visitar el pasado, redescubriéndolo y reinventándolo. Simultáneamente a la eclosión hippie estadounidense de los años 60´s, comienzan a forjarse en Italia grupos de diseño radical con alto contenido ideológico y en contra de la figura individual del diseñador que había fomentado la sociedad consumo norteamericana. Como hicieran las vanguardias artísticas de comienzos de siglo XX, los diseñadores posmodernos apostaron por el trabajo colectivo imbuidos en la ideología de la contracultura liderada por Marcuse y la Escuela de Frankfurt, de corte izquierdista. Entre sus objetivos estaban el de dirigirse real y útilmente al público, poner en cuestión el papel del diseñador, realizar una propuesta crítica con el stablishment vigente, y por último, marcados por una cierta nostalgia hacia las Arts & Crafts, crear un nuevo artesanado lejos de la industria. Contra la frialdad y la desnudez del racionalismo-productivismo norteamericano (masculino); la calidez y el cuidado de la tradición europea (femenino).

Este periodo se caracteriza por su gran efervescencia cultural y revolucionaria. Los grupos aparecen y se disuelven con inusitada rapidez.

Revista Diseño ANHAD Agosto 2012 La desaparición de grandes tendencias y de los referentes estéticos, provocó la coexistencia de diferentes estilos que frecuentemente se entremezclaban. Común a todos ellos era su carácter fresco, espontáneo y humorístico. Un ejemplo es el diseño de silla creado en 1983 por Frank Schreiner (Stiletto) a partir de un carro de supermercado. Fue muy importante en esta década la fluctuación entre el mundo del arte y el del diseño. El nuevo diseño iniciado en Italia comenzó a extenderse ahora por otros países de europa, principalmente Alemania e Inglaterra, con un foco destacado en Londres.

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Dirección y edición: Beatriz Marín Pereira Celia Fernández Quintana Diseño: Beatriz Marín Pereira

Coordinación: Celia Fernández Quintana Colaboran en este número: Lourdes Pérez Álvarez Diana Martínez Castro Miriam Callejo Sebastián Martha R. Barilari Ariadna Ruiz Gómez Sebastián Arteaga Cristina Redondo MálagaDIEM Agradecimiento especial a: Javier Fernández Roldán

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Ilustración de Andy Kehoe