Revista ANHAD Nº9. Junio 2012

ISSN: 2174-6877

Nº9 Junio 2012

Editada por: Asociación Nacional de Historiadores de Arte y Diseño

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¿Quienes somos?

ANHAD es la revista de la Asociación Nacional de Historiadores de Arte y Diseño, dedicada a la difusión de los estudios y los acontecimientos más relevantes del panorama cultural actual.

Esta revista bimensual publica una edición especial al año y consta de dos espacios: uno dedicado al arte y otro al diseño.

La Asociación Ampliando horizontes Cada vez somos más en este proyecto que iniciamos hace ya más de un año. Desde ANHAD queremos dar las gracias a todos nuestros seguidores y colaboradores que hacen que todo esto sea posible. ¡Muchas gracias!

Beatriz Marín Pereira y Celia Fernández Quintana.

Fundadoras de la Asociación y editoras de la revista ANHAD Arte&Diseño

Sumario

Zona

ARTE

Novedades

pág.5

Agenda de exposiciones Marcel Dzama

Panorama

pág.9 Las segundas vanguardias vistas por Xaime Quessada Miguel Berrocal: Hacia una nueva concepción de escultura, Espacio fotografía pág 19 Fotografía analógica por siempre jamás

Grandes maestros

pág.25

Dalí surrealista

Educando en arte

pág.31

El arte del siglo XX desde el proyecto curricular en el segundo ciclo de secundaria

Estética contemporánea

pág.37

La vanguardia según Peter Bürger

Cultura alternativa

pág.41

Interferencias: arte y diseño

pág.43

Wallpeople

Yayoi Kusama.

Zona

Actualidad

pág.49

Agenda de exposiciones

Arte+Diseño+?

Diseño

pág.50

El relieve y el volumen en las esculturas de Yasuaki Onishi

Nuevos talentos

pág.53

Cristiano Mino CulDeSac

Panorama

Victor Vasarely y el Op art

pág.57

Ăšnete a nuestra comunidad y te informaremos de las Ăşltimas novedades

@ANHADarte #revistaANHAD

Zona

ARTE

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Novedades: Agenda de exposiciones

Las artes de Piranesi Caixa Forum Madrid.

Hasta el 9 de septiembre.

Giovanni-Battista Piranesi (1720-1778) fue uno de los dibujantes más importantes del siglo XVIII.

Body and Soul Larry Fink Centro Andaluz de Fotografía Hasta el 15 de julio.

Larry Fink, fotógrafo americano. Su obra se centra en el reportaje social y viene caracterizada por un uso muy particular del flash.

Ernst Ludwig Kirchner Fundación Mapfre. Sala Recoletos.

Hasta el 2 de septiembre.

Primera retrospectiva en España del artista expresionista alemán y fundador del grupo expresionista Die Brücke.

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Novedades: Agenda de exposiciones

Damien Hirst Tate Modern. Londres Hasta el 9 septiembre.

Hirst es uno de los artistas actuales más reconocidos y cotizados, pero también uno de los más polémicos y criticados. Comenzó su carrera artística en el grupo Young British Artists.

Homenaje a Javier Vilató Museo Picasso de Barcelona, el Museu Frederic Marès, la Fundació Vila Casas, la Sala Dalmau y la Galeria Joan Gaspar (Varias fechas de finalización) Homenaje al pintor barcelonés y sobrino de Picasso, Javier Vilató. Toda una reivindicación de su obra.

Horizontalia. Luis Gordillo.

Centro de Arte Contemporáneo.

Málaga Hasta el 26 de agosto.

Luis Gordillo (Sevilla, 1934) Uno de los artistas andaluces más influyentes del panorama nacional.

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Novedades

Novedades Marcel Dzama

Marcel Dzama (1974, Winnipeg, Manitoba, Canada) es un artista multifacético, dibujante, escultor, pintor, diseñador de vestuario.

Actualmente reside en Nueva York, donde su obra ha comenzado a despuntar en el panorama internacional.

Recurre constantemente a temas violentos y eróticos, pero también al mundo de la danza. Trabajó durante algún tiempo en Guadalajara (México) lo que le llevó a interesarse por la cultura

mexicana y española. Es por ello, que encontramos en sus obras toreros, bailaoras y referencias a Lorca o a Goya.

Una de sus creaciones más destacadas son los dioramas, cajas tridimensionales en la que fusiona el dibujo, el modelado y el collage. Uno de estos dioramas “Rebellion lay in her way” le valió el premio ARCO Comunidad de Madrid.

Hasta el 17 de junio puedes ver su obra en el CAC de Málaga.

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Novedades

Diorama “Rebellion lay in her way�. Para los dioramas Dzama se ha inspirado en las capillas mexicanas y en las boxes de Joseph Cornell.

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Panorama

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Panorama

Las segundas vanguardias vistas por Xaime Quessada Por Diana Martínez Castro Xaime Quessada Porto (Ourense, 1937-2007) es el artista gallego con creación artística más amplia y de reconocido prestigio tanto nacional como internacional.

Es discípulo reconocido por Picasso, él cual trabaja diversas técnicas y temáticas, investigando en las diversas vanguardias artísticas sin olvidar los conceptos más clásicos del arte.

En este artículo nos adentraremos en las segundas vanguardias vistas por Quessada. Mostraré como un artista que en su madurez trabaja desde el ámbito local de la pequeña ciudad de Ourense, crea un arte con una visión global e internacional.

Algunas de las segundas vanguardias artísticas se hacen latentes en la investigación pictórica de Xaime Quessada, desde los movimientos estadounidenses, hasta sus respuestas europeas. El primero de estos estilos es el Expresionismo abstracto, el cual se podría dividir en action painting (pintura de acción) y en colour field painting (pintura abstracta de grandes superficies de color). El pintor por excelencia de la colour field painting es Xaime Quessada Rothko, artista en el que se inspirará Quessada para confeccionar obras como su Concepto rojo de 1989 (Página izquierda). Esta vanguardia se caracteriza por la ausencia total de figuración, en el abandono de cualquier tipo de referente al mundo material, es un arte totalmente abstracto que utiliza lienzos de grandes

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Panorama

dimensiones. Los soportes de gran formato también son otra de las pasiones del ourensano a la hora de trabajar.

En Concepto rojo vemos la indudable influencia de Rothko, de la abstracción construida en cuadrados y del difuminado de los mismos. Quessada a diferencia del norteamericano es mucho más perfeccionista en acabados y sus manchas gozan de un estudio geométrico. Este tipo de abstracción geométrica será recurrente en los fondos de otras obras de Xaime.

El Informalismo, también de corte abstracto, es la respuesta europea al expresionismo abstracto que se estaba dando en Estados Unidos durante la década de los 50. Los informalistas huyen del arte figurativo, tienen un lenguaje prácticamente abstracto, aunque en ocasiones pueden introducir algunos símbolos como círculos o cruces. La base ideológica sobre la que se sustentan es el existencialismo, el artista expresa su mundo interior, sus emociones. Buscan la autenticidad de la pintura, del puro acto de pintar, de la mancha y de la textura.

Todo ello se expone en la obra de Quessada cuyo nombre es Abstracción (Abajo), realizada en el año 1987. Esta obra está compuesta por tonos ocres y marrones, muy propios de los informalistas como podemos ver por ejemplo en Tapies, que huye de colores vivos e intensos.

Es una pintura muy pastosa, muy pesada, por la textura con la que se presenta. Tenemos ante nosotros grandes manchas, aunque Quessada también juega aquí con salpicaduras. Cuenta con un importante componente psicológico esta obra, ya que carente de figuración expresa emociones como la agitación, la angustia e incluso miedo.

Quessada. Abstracción. 1987

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Panorama

El Pop art, el arte popular no está presente propiamente en sí en la obra de Xaime, como ese arte de la sociedad de consumo y la cultura de masas. Sin embargo los colores industriales propios del arte pop, si son empleados por el ourensano en varias de sus composiciones, algunas de ellas con una temática de denuncia social.

Como vemos, nuestro artista no investiga en diferentes estilos y movimientos, sino que también navega entre diversas temáticas, algunas de ellas totalmente opuestas.

El estilo quessadiano hay que denominarlo con el nombre de pop expresionista. Conjuga en el mismo los colores intensos y eléctricos propios del pop, formas geométricas y cuerpos antifuturistas, con movimiento pero a su vez oprimidos. Un buen ejemplo es la obra Concepto de espacio (Fig. izq.) Existen obras con tonalidades más estridentes que esta pintura, pero la obra de la que hablamos es una buena muestra para ver esta combinación de influencias en Quessada.

“Al estilo quessadiano hay que denominarlo como pop expresionista”

La Nueva Figuración será la última vanguardia que analizaré dentro de las influencias de Xaime. Este movimiento busca recuperar la figura, la imagen, el objeto, anteriormente perdido en las vanguardias abstractas.

El dramatismo de los conflictos bélicos tanto de la Segunda Guerra Mundial, la Guerra Fría o guerras como la de Vietman se ve

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Panorama

manifestado en formas fuertemente expresionistas que reflejan las tragedias y las desolaciones vividas. Esta nueva figuración rechaza la pintura abstracta para presentar una figuración deforme que remite a situaciones emocionales límite.

Nu (izq.), obra quessadiana de 1985, representa a una figura atormentada, con el rostro desfigurado para acentuar la inestabilidad que propugna el existencialismo.

Esta figura refleja la angustia y la miseria de la condición humana. El escorzo de la persona que aquí aparece representada es de por sí humillante, nos muestra sus nalgas y se encuentra en una

postura más propia de un animal que de un ser humano. Xaime Quessada trata aquí la figura humana de un modo grotesco, psicológicamente atormentado y también concibe al protagonista de manera aislada.

Bibliografía: DEL CAÑO, X.M.: Xaime Quessada, Artista da xenialidade. Nova Galicia Edicións, Vigo, 2008.

GARCIA IGLESIAS, J.M.: Quessada. Diputación Provincial de Ourense, 1987 GÓMEZ ALÉN, X.: Xaime Quessada. Arte y Libertad. Nova Galicia Edicións, Vigo, 2003 MARTINEZ CASTRO, D: Una aproximación a la vida y obra de Xaime Quessada Porto (Ourense 1937-2007). Universidad de Vigo, Ourense, 2011.

PABLOS, F.: Cuadernos de Arte Gallego. Xaime Quessada. Editorial Atlántico, A Coruña, 1981.

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Panorama

Miguel Berrocal.

Hacia una nueva concepción de escultura Por Celia Fernández Quintana Miguel Ortiz Berrocal (Villanueva de Algaidas, Málaga, 1933 - Antequera, Málaga, 2006) es uno de los escultores españoles más sobresalientes de la segunda mitad del siglo XX. Su obra trastoca la noción tradicional de escultura, dando un paso más allá hacia el concepto de lo contemporáneo. Berrocal es un artista enormemente interesado por la parte técnica y material de la escultura y de todo el arte en general. Su escultura se caracteriza por el uso del múltiple y por la desmontabilidad.

Comenzó a formarse en la Facultad de Ciencias Exactas de Madrid a la vez que asistía a clases en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, a la Escuela de Artes Gráficas y a los cursos vespertinos de la Escuela de Artes y Oficios, donde se convierte en discípulo del también escultor Ángel Ferrant.

Sus primeros pasos como artista los da en el campo de la pintura, teniendo su primera exposición en 1952 en la Galería Xagra de Madrid. Ese mismo año marcha a Roma, y en 1956 expone sus pinturas y dibujos en el Pabellón Español de la XXVII Bienal de Venecia, donde coincide con otros artistas españoles expuestos como Antoni Tàpies, Menchu Gal, o Rafael Canogar.

Durante su estancia en la capital italiana entra en contacto con escultores como Cárdenas, o Giacometti, lo que le lleva a interesarse cada vez más por la escultura en detrimento de la pintura. Se asocia con un grupo de arquitectos e ingenieros para elaborar 150 balaustradas para la Cámara del Comercio de Carrara. Esta experiencia será decisiva en su posterior producción, al plantearse por primera vez la posibilidad

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Panorama de los montajes múltiples. El propio Berrocal afirma que a partir de esta obra surgen tres cuestiones que marcan toda su trayectoria: la transformación y desmontabilidad de la escultura, el estímulo que entrañan las dificultades técnicas y el abandono total de la dependencia arquitectónica para centrarse exclusivamente en la escultura . Sus primeras esculturas pueden calificarse como abstractas, muy influenciadas por Oteiza, Julio González, Ángel Ferrant y Eduardo Chillida. Algunas pueden disponerse en varias posiciones, jugando ya con la variación y con los distintos puntos de vista de la escultura, una constante en toda su posterior producción.

En 1956 Berrocal se traslada a París, construyéndose una casa-estudio en Crespières (cerca de París) según un proyecto de Le Corbusier. Su primera exposición en Nueva York, le llegará en 1962, gracias a la Loeb Gallery. En 1959, realiza el Grand Torse, primera obra plenamente desmontabilidad (6 piezas) y comienza a hacer uso de la multiplicidad. La desmontabilidad le permite a Berrocal ahondar en el interior de la forma, sacando a la luz la belleza interna de la escultura, e iniciándole en la búsqueda y el tratamiento de una nueva dimensión. Berrocal siempre juega con la sorpresa del que desmonta, del que «desnuda» la escultura, incorporando elementos que solo se hacen perceptibles una vez que la escultura ha sido diseccionada. Su escultura desmontable permite la intromisión de la forma interna en el exterior, la escultura se hace desde y para dentro. Por primera vez, la escultura se despoja de su superficie para enseñarnos sus intestinos.

Descomposición de piezas de Alexandre Opus 113. 1969-73. 39 elementos.

Pág. 14: Berrocal. Muntaner. Akmogávar II.

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Panorama Durante estos años va trabajando una escultura cada vez más compleja, convirtiendo la obra en verdaderos puzles que requieren de gran ingenio y destreza para ser montados y desmontados. Berrocal buscaba ante todo la interacción con la escultura, por ello, el desmontaje y montaje de sus obras forma parte esencial de la contemplación del objeto. La técnica comienza a hacerse más dificultosa y le requiere demasiados esfuerzos. Es en este momento, cuando Berrocal decide realizar grandes tiradas de sus esculturas teniendo como primera obra múltiple María de la O con 200 ejemplares.

Maria de la O. Opus 92. 1962-64

Sus viajes a Italia se hacen cada vez más asiduos, ya que la fundición con la que trabajaba se encontraba en Verona. En 1964 se traslada definitivamente a esta ciudad italiana y comienza a proponer a alguno de los artistas más importantes del panorama artístico que se trasladen a Verona para hacer sus fundiciones. De esta forma comienzan a llegar obras de Dalí, Miró, Matta, Max Ernst, Cesar, Magritte o De Chirico, convirtiéndose la fundición veronesa en una de las más importantes del momento. En 1967 sitúa su residencia en Villa Rizzardi, en Negrar, pueblo cercano a Verona, y que será su residencia hasta 2004, cuando decide regresar a Villanueva de Algaidas, su pueblo natal.

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Panorama

En Berrocal es fundamental el término de Opus, con el que se refiere a cada una de sus esculturas. Pero el término opus es mucho más amplio que el de escultura, ya que además de la escultura final, incluye todos los dibujos, pinturas, maquetas, vaciados o libros de montaje, realizados antes, durante y después de la conclusión de esa pieza escultórica determinada. Es decir, que el término opus engloba todo el trabajo abordado relacionado con la escultura final. Realizó 500 Berrocal en su estudio opus aproximadamente durante su vida artística. Berrocal era una persona con gran capacidad de trabajo, por lo que era muy frecuente verlo trabajar de forma simultánea en varias creaciones a la vez, para ello disponía de una gran mesa dividida en sectores, por opus, y se iba desplazando constantemente de una obra a otra gracias a una silla con ruedas.

La temática de Berrocal está muy influenciada por la herencia clásica. Sus temas más recurrentes son los torsos, las cabezas o las figuras reclinadas, temas a la vez muy picassianos. Berrocal recupera la herencia clásica, mediterránea, en la escultura, pero dotándola de una apariencia y unas formas rotundamente contemporáneas.

Bibliografía: AAVV.: Antológica Berrocal, (Catálogo exposición), Ministerio de Cultura, Madrid, 1984.

AAVV.: Berrocal, (Catálogo exposición) Cocejalía de Cultura, Educación, Juventud y Deportes de Madrid, Madrid, 1999.

AAVV: Berrocal, (Catálogo exposición) Comune di Ferrara, Ferrara, 1971.

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Espacio fotografía

Fotografía analógica por siempre jamás Por Martha R. Barilari Cuando hablamos de fotografía hoy, siempre se nos viene a la mente una cámara digital réflex o compacta y un ordenador con un potente procesador de imágenes.

Revistas, periódicos, diarios digitales o publicaciones de cualquier otra índole basan su estructura visual en fotografías que incluso han podido ser tomadas con un teléfono móvil “deprisa y corriendo” sin ningún tipo de concentración o miramiento por captar un buen encuadre o realizar esa foto que realmente exprese más que las mil palabras a las que van a acompañar.

En España, conseguir que te vendan un carrete para hacer fotos con tu antigua cámara analógica es prácticamente una hazaña y si hablamos de líquidos de revelado o incluso de papel fotográfico es entonces cuando esto se convierte en una misión imposible. Y esto lejos de ser un avance social y tecnológico me parece una auténtica vergüenza. .

Las importantes corrientes de la fotografía contemporánea se componen por artistas cuyo trabajo fotográfico destaca sobre los demás con una diferencia asombrosa. La calidad de la imagen es espectacular, enfoque y nitidez perfectos en grandiosos tamaños y cuidadas impresiones que no dejan indiferentes ni al público general ni a los expertos. Y para empezar a poner ejemplos mencionaré a mi querida Nelli Palomaki (izq.), una fotógrafa finlandesa de tan sólo 30 años que trabaja con cámara técnica y formato cuadrado. Y esto,

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Espacio fotografía unido a sus conocimientos y talento da como resultado un trabajo que se convierte en puro arte.

Palomaki pertenece a la famosa escuela de Helsinki, que no es una escuela física a la que los alumnos vayan a estudiar, sino la forma de llamar a esos fotógrafos finlandeses que, por la manera de mirar y tratar la luz, conforman una especie de sólido grupo de fotógrafos con las mismas características, muy influenciados especialmente por el pintor alemán Caspar David Friedrich. Sin embargo, todos ellos han estado en la Taik, la Universidad de Arte y Diseño de Helsinki. Adentrarse en el trabajo de estos artistas supone un auténtico viaje por el maravilloso mundo de la imagen. Pero no de la imagen porque sí, sino de la fotografía como magia visual. Se respira melancolía y cierta fragilidad, una especie de soledad que nos aflige pero al mismo tiempo nos llena de emoción y admiración.

Pintura de Friedrich.

Fotografía de Elina Brotherus

Desde los años 90, esta escuela cuenta, además, con la Gallery Taik, una plataforma virtual donde los trabajos de todos estos artistas finlandeses dedicados a la fotografía quedan expuestos al mundo entero. Elina Broterus y sus autorretratos biográficos o paisajes pictóricos; Aino Kannisto y sus tristes retratos de soledad; Riitta Päiväläinen colocando ropajes en espacios infinitos; Anni Leppälä y sus rostros ocultos de serenidad; o Susanna Majuri jugando con las posibilidades del agua…

“Adentrarse en el trabajo de estos artistas supone un auténtico viaje por el maravilloso mundo de la imagen”

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Espacio fotografía También en Alemania encontramos a grandes de los grandes, concretamente en la Escuela de Düsseldorf, donde el matrimonio formado por Bernd y Hilla Becher sentaron las bases de un estilo basado en la fotografía documental realista y en un especial interés por las construcciones industriales. El objetivo principal de estos creadores es mostrar la fuerza social de la gente en las calles, retratando edificios, espacios interiores, detalles, huyendo de lo insólito y centrándose en los aspectos cotidianos, casi anónimos.

Uno de estos creadores es el fotógrafo Andreas Gursky, autor de la imagen más cara del mundo (una foto de más de 3 metros, del río Rhin, titulada Rhein II llegó a los 3,2 millones de euros) y que destaca por compaginar una crítica mirada hacia el capitalismo y la globalización con un cuidado efecto estético, cromático y casi manierista. Sus fotografías son de gran formato, igual que su cámara, lo que le permite obtener excelentes resultados al fotografiar grandes masas de personas agolpadas en un concierto o en un desfile y, al mismo tiempo, capturar con nitidez cada rostro individual, como se puede ver en la fotografía Cocoon II. Thomas Ruff,(arriba) correspondiente al Düsseldorf de los años 80, basa su trabajo en el rostro sin pretensiones, tal cual, sin un atisbo de expresión o artificio y, sobre un fondo neutro, captura la cotidianeidad de la persona. Cándida Hoffer es la maestra de las composiciones basadas en líneas y espacios diáfanos; Axel Hütte (dcha.) y sus paisajes en el agua; o Elger Esser y sus virados… tantos y tantos artistas contemporáneos que basan su trabajo en la técnica y en la cámara analógica de la que tanta vida goza por allá, por el norte de las europas olvidadas.

Para saber más: Artículo dedicado a Andreas Gursky en la revista ANHAD nº3.

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Espacio fotografía Pero no solo Europa cuenta con artistas analógicos. El fotógrafo italiano Gabriele Basilico puede servirnos de salto intermedio puesto que su trabajo, centrado en diversos lugares de todo el mundo, une el paisaje contemporáneo con el industrial, corroborando a través de sus imágenes que el paisaje urbano está siendo invadido por la imparable proliferación de la construcción. En Canadá y Estados Unidos nos topamos con corrientes, ligeramente indefinidas, pero que pueden compartir características comunes. Edward Burtynsky expone a través de su obra los peligrosos resultados de la interacción del hombre y del mundo industrial sobre la naturaleza, y sus fotografías son realmente sobrecogedoras, siempre cuidando, además, el aspecto estético acompañando al impacto visual que el propio autor busca.

Y de aquí, sin duda alguna, hemos de saltar al grupo de Bostón, impulsado por la gran Diane Arbus, cuyas imágenes sacan a la luz lo bizarro y dantesco del mundo abandonado por el “sueño americano”. Larry Clark y Nan Goldin, junto con los múltiples autores que forman parte de este grupo, podría decirse “alternativo”, como Jack Pierson, Mark Morrisroe o David Armstrong, comparten esa pasión por los aspectos más oscuros de la condición humana, la androginia, las relaciones sexuales, drogas, armas, maltratos, etc., siempre ajenos a formalismos y sofisticaciones técnicas, incluso al margen de los límites impuestos por una sociedad llena de convencionalismos.

Izq. Fotografía de Diane Arbus.

Arriba Fotografía de Nan Goldin.

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Espacio fotografía

Para terminar con este repaso a la fotografía analógica contemporánea, es de indiscutible mención el experto en fotografía construida Jeff Wall.

“Mi trabajo se basa en la representación del cuerpo. En el medio fotográfico, esta representación consiste en la construcción de gestos expresivos que puedan funcionar como emblemas”

Wall define su trabajo como algo preparado que resume el arte de fotografiar el gesto y la interactuación del cuerpo humano. Sus fotografías, de gran formato, se nos antojan cinematográficas, estudiadas y perfectamente compuestas.

Fotografía de Jeff Wall

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Espacio fotografía

Según Wall, el trabajo final de un fotógrafo es la suma de lo que hay delante y lo que hay detrás de la cámara. Personalmente, creo que el resultado depende de muchos factores, aunque todo se reduce a la técnica y al talento del artista. Delante de la cámara nos encontramos al motivo, que siempre presentará algún que otro inconveniente o problema a resolver por el fotógrafo, colocado detrás, que deberá pensar y actuar acorde a lo que realmente esté buscando. Con respecto a la cámara, de la lente y la película dependerá la calidad tangible del producto pero, sin duda alguna, si hablamos de procesos analógicos seguro hablamos de un buen resultado.

Por eso, cuando en España se habla de una cámara analógica como si se tratase de una reliquia, cuando los laboratorios de revelado en blanco y negro escasean cada vez más, o resulta imposible adquirir cualquier cámara o accesorio analógico en un centro comercial es cuando muchos problemas salen a relucir. ¿No es España ese país que quiere estar a la par de Europa en nivel educativo, económico y social? Y, sin embargo, continúa a la cola.

Hablar de fotografía analógica en nuestro país es obtener cierta mirada de rechazo o apelativos poco cariñosos sobre la manera de trabajar. Como hemos visto, en el resto de países desarrollados, el arte de la fotografía sigue basándose en lo que realmente funciona y supone un buen soporte artístico. Nada de píxeles que no llegan a la resolución adecuada o complejos histogramas y revelados raw… el arte de la fotografía está en un carrete, en un revelado en el cuarto oscuro, en esa ampliadora en la que pasar horas haciendo tiras de prueba y en repetir una y otra vez hasta obtener la verdadera imagen, la única y real que se convierte en digna obra de arte, con mayúsculas. Y sí, una que pueda valer millones de dólares en cualquier casa de subasta, ¿por qué no decirlo?

ANHAD recomienda: JEFF WALL: Fotografía e inteligencia líquida. Gustavo Gili, 2007.

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Grandes maestros

Dalí surrealista Por Laura Díaz Bamberger Analizamos la obra de uno de los grandes genios de la Hª del Arte El comienzo de la etapa surrealista de Salvador Dalí, ha sido denominado como época “lorquiana”; esta denominación no obedece a efectos de tipo formal dentro de su pintura, sino a la estrecha relación de amistad que tuvo con el poeta durante este periodo. Lorca, no influyó de una manera directa en su forma de crear las imágenes, sino que lo hizo en su mundo interior, en su situación anímica la cual después lo transmite en sus lienzos. La característica más importante de estos años en los que el pintor se encuentra en la Residencia de Estudiantes, es su marcado freudismo, el cual ya no abandonará jamás y defenderá casi como una religión las tesis del filósofo durante toda su vida..

Para el estudio de las obras de Dalí hay que tener en cuenta siempre la importancia de su biografía, todas sus obras tienen relación con las cosas que condicionan su vida de alguna forma. Ésta siempre será representada en cada momento en sus obras sobre todo a través de las imágenes de la misma, la bahía de Cadaqués, Lorca, Gala…

Una de las características más importantes de la época lorquiana, es precisamente su relación con Lorca; al cual incluso retrató en varios dibujos aún un poco infantiles en su trazo, y también en algunos de sus cuadros. Una de las constantes en la pintura de Dalí y dentro de la que se inscribe también la relación con Lorca es

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Grandes maestros

la teoría freudiana de que “el verdadero héroe es aquel que se enfrenta a su padre y lo vence”. Según esta teoría Dalí se enfrentó a su padre biológico, a su padre intelectual (André Breton), al sentimental (Lorca)… La amistad tan intensa y complicada que había entre ambos artistas se relata de una forma clara en la biografía que Dalí escribe: Vida secreta de Salvador Dalí, y en el libro de Antonia Rodrigo Lorca-Dalí una amistad traicionada.

Uno de los cuadros más importantes de esta etapa daliniana será La miel es más dulce que la sangre de 1927. Hay que apuntar la importancia que tiene el estudio del boceto que precede al cuadro final, el cual llega, en algunos aspectos, incluso a diferenciarse bastante de la imagen final. En ambos hay una misma diagonal que divide el espacio, pero de manera desigual en cada uno de ellos. La cabeza que vemos en el boceto inicial de la obra es un retrato de García Lorca. La variación del título que se le iba a poner en un principio también en importante. El primero que se le iba a poner fue recomendado por Lorca, era “bosque de aparatos”.

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Grandes maestros Podemos apreciar de una manera clara la influencia de la pintura metafísica, sobre todo la que alude a la pintura del italiano Giorgio de Chirico, pero también la de Carrá y la de Morandi. A Chirico lo podemos ver en los cuadros de Dalí en algunas imágenes desconcertantes, su importante regreso a la figuración, el tratamiento plástico de los cuerpos…En este cuadro observamos una de las constantes más importantes en la pintura del artista, las manos onanistas que en este cuadro podemos ver cómo intentan salir del “aparato-monumento” que es el elemento que más destaca en toda la composición.

Otro elemento que aparece ya en este cuadro y que desarrollará más fervientemente en épocas posteriores son los bustos femeninos, las cabezas, los torsos… en este lienzo aparecen, como dijo Lorca, como un bosque de aparatos, ensangrentados y esparcidos a lo largo de toda la composición, creando un caos del que parecen huir las manos que anteriormente hemos comentado. En esos torsos podemos aludir la influencia del cubismo que había estado practicando en épocas anteriores. En una de las cabezas mutiladas que aparecen a lo largo de la composición, podemos observar una autocaricatura de Dalí, que prefigura ya la cabeza del gran masturbador.

A raíz de la lectura de Freud comenzaron a dominar la temática de sus obras sus deseos sexuales, tal y como nos plantea en otra de sus grandes obras El gran masturbador, de 1929. Es un cuadro clave en la estética daliniana. Además a éste le dedicó un largo y profundo poema. Lo más importante que aporta esta obra, son las abundantes confesiones autobiográficas que aparecen en é. Lo pinta en un momento determinante en su vida, cuando conoce a Gala y justo antes de que fuera expulsado de la familia por su padre, por culpa de esta relación. Se puede apreciar la transformación que hace Gala en la vida y el espíritu del pintor.

La gran cabeza central que domina la composición puede ser él mismo, por las abundantes alusiones al onanismo que hace en su biografía y que claramente se establecen dentro del cuadro. Sobre la cabeza del masturbador aparecen unos guijarros que nuevamente vuelve a hacer alusión a las playas de Cadaqués, como antes hemos explicado. Son los paisajes de su infancia a la que siempre recordará con bastante melancolía y que tendrá gran significación dentro de su obra.

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Grandes maestros

El elemento más importante de la composición es el retrato de Gala que emerge de la gran cabeza de perfil, y a su vez emerge de ella la parte inferior de un cuerpo masculino al que se dispone a hacer una felación y que se supone que es Dalí, nuevamente representado en el cuadro.

El saltamontes, al que Dalí llama langosta, aparece a partir de este momento en muchas de sus composiciones y siempre agarrado a la boca de la gran cabeza que aparece con la misma tan cerrada que no podemos diferenciar bien la forma de sus labios, esto puede ser por la sensación de desagrado que el saltamontes produce en la cabeza. Es símbolo del temor como las hormigas que aparecen, éstas como símbolo a su vez de la putrefacción y la muerte. Las veremos también en composiciones posteriores en los burros muertos…

Las marcadas sombras proyectadas que aparecen son una influencia clara de Chirico, al igual que la manera de representar ese espacio “vacío” de muchas de sus composiciones.

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Grandes maestros

Esa gran cabeza que representa por primera vez en este lienzo, será ya un símbolo en la pintura del artista, ya que lo repetirá constantemente en futuras composiciones. Es la representación de los conflictos internos en los que se hallaba inmerso. El tema del masturbador será un incentivo constante con diferentes soluciones. Más adelante se volverá un símbolo pero de una forma más mecánica y no tan simbólica como en esta.

De la cabeza del gran masturbador emerge la cabeza de un león, que para Dalí significaba la pasión, y ello lo podemos ver claramente en la alusión que hace el león con su lengua a la erección del hombre.

Siempre se ha relacionado la mano de gran masturbador con un sentimiento de culpabilidad por las diferentes pistas que nos dan algunos cuadros como por ejemplo en “el juego lúgubre” en el que aparece un personaje tapándose el rostro con una mano mientras que la otra es la mano del masturbador. Bataille ha relacionado estos dos conceptos de esta forma, por ejemplo. Según Santos Torroella, “el gran masturbador” obedece a una gran carga temática con intención narrativa.

A raíz de este cuadro, su obra cambiará, ya no sólo por su evolución natural plástica sino que se verá un cambio un poco más drástico en su temática por la aparición que hace Gala en su vida.

Durante las épocas lorquiana y freudiana todo lo que pinto respondía exclusivamente a auténticas vivencias suyas. Es muy importante a destacar la faceta de Dalí como poeta. Hay determinados cuadros, como por ejemplo los que hemos estudiado aquí a los que dedica extensos poemas que además sirven para esclarecer en cierta medida la significación de las imágenes a las que se refieren.

La imagen de Dalí en el contexto de las vanguardias fue determinante. Es importante pensar en qué medida Dalí es él mismo o es un personaje que inventa a través del estudio de las obras de Freud y el analizar su propia biografía y su personalidad. Artista enigmático e intrigante del que siempre se puede seguir investigando.

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Educando en arte

El arte del siglo XX desde el segundo ciclo de secun El proyecto educativo se convierte en una carta de navegar, un instrumento práctico y público que permite a cada profesor encuadrar sus programaciones de aula en el marco conjunto de actuación, y a todos los agentes educativos centro para la etapa de la Educación Secundaria Obligatoria. Una parte importante deriva de las aportaciones de cada una de las materias que conforman el currículo de la etapa llamado proyecto curricular, y elaborarlo es una de las tareas más decisivas del equipo de profesores.

El éxito del proceso de enseñanza-aprendizaje depende en gran medida de que se clarifiquen previamente los objetivos y de que se consensúe de forma armonizada y sistemática el plan de acción educativa para la etapa en sus diversos aspectos.

Nuestra propuesta para la adquisición de las competencias se desarrolla a partir de las especificadas en el decreto de currículo, segmentando algunas competencias y dando entrada a otras nuevas, con el objetivo de dar mayor presencia a aspectos característicos de las Ciencias Sociales.

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Educando en arte

e el proyecto educativo en ndaria Por Lourdes Pérez Álvarez Arte del siglo XX: • • • • • • • •

Cubismo Futurismo Fauvismo Expresionismo Arte abstracto Dadaísmo Surrealismo Pop Art

En la asignatura de Historia, los conocimientos y las destrezas asociados a ella no tienen un apartado específico en ninguna de las competencias propuestas por el Ministerio de Educación, pero los contenidos están vinculados a la Geografía, la Historia y el Arte, estos conocimientos y destrezas son una parte fundamental de las Ciencias Sociales, y vamos hacer hincapié en la competencia Cultural y Artística donde son necesarios los conocimientos básicos para comprender el hecho artístico y su evolución en el tiempo; las características y técnicas concretas para realizar el análisis de las obras de arte.

Entre los contenidos artísticos que se pueden dar en la programación de aula para un curso de 4º ESO podemos encontrar desde los estilos artísticos Rococó y Neoclasicismo, relacionándolos con la sociedad y el pensamiento de la época; el Romanticismo, el Realismo hasta llegar a los movimientos artísticos del siglo XX: las Vanguardias, que es el contenido que a continuación desarrollaremos pensando en el alumno simplificando y concretando conceptos básicos para introducirlos en la Historia del Arte.

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Educando en arte MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS EN EL SIGLO XX En las primeras décadas del siglo XX se produjeron innumerables novedades en el campo de las artes, al mismo tiempo que en Europa se disponía a vivir las tragedias de la Primera Guerra Mundial.

Los movimientos vanguardistas estaban formados por grupos que mantenían violentas polémicas entre sí, brotando un impulso creativo de contrastes con el objetivo de causar una crítica social. Estos artistas querían cambiarlo todo, la forma de ver y representar la realidad, hasta la manera de vivir y comportarse.

Durante los totalitarismos y la Segunda Guerra Mundial, el arte pareció ponerse al servicio de los regímenes políticos; sin embargo, la gran difusión de los medios de comunicación y el desarrollo de las tecnologías favoreció las actividades artísticas.

A partir de aquí, el arte es complejo, difícil de clasificar e interpretar, sin admitir esquemas o límites.

1. Cubismo El término ‘cubismo’ denominó la corriente artística que reduce las formas a esquemas geométricas (cubos). Se plantea crear una imagen utilizando una perspectiva descompuesta y libre. Los cubistas más destacados son Picasso y Braque.

Picasso. El Guernica, 1937.

Picasso. Las señoritas de Avignon, 1907.

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Educando en arte 2. Futurismo

Los futuristas crearon una nueva forma de expresión artística basada en los principios que rigen “la civilización de las máquinas”, debido a la rápida industrialización que se estaba produciendo en Europa. Exalta la velocidad de las máquinas y el ruido de los motores.

El principio fundamental de este movimiento es representar el movimiento. Los futuristas más conocidos son Boccioni, Balla y Carrá.

Balla. Dinamismo de un tren, 1912.

Balla. Velocidad abstracta, 1913

3. Fauvismo Recibe el nombre de fauvismo (fauves: salvajes) el grupo de pintores franceses que empleaban en sus obras la libertad de colores aplicándolos sin tener en cuenta los referentes reales. El color predomina sobre la forma, desaparece la profundidad y con ella la perspectiva, tendencia a un plano único. El artista más destacado es Matisse.

Matisse. De izq. A dcha. La alegría de vivir. 1906.

La raya verde.

1905

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Educando en arte 4. Expresionismo La pintura expresionista realiza el dibujo a base de trazos vigorosos de encendido cromatismo que dan lugar a violentas deformaciones. Los arquetipos de belleza tradicional se destruyen. Este movimiento manifiesta el malestar producido por los horrores de la guerra y la crisis de los ideales sociales. La obra más conocida es ‘El grito’ de Munch, es la expresión de su miedo personal, logra expresar el desfallecimiento del hombre ante una realidad cada vez más compleja y confusa.

5. Arte Abstracto Este movimiento manifiesta una sensibilidad hacia el color y la música.

Kandinsky es el mayor representante del grupo, el artista plasma todas las sensaciones que recibe a través del color, inventando un lenguaje visual abstracto.

Kandinsky emplea formas simples, curvas y líneas cerradas o abiertas, coloreadas y agrupadas formando combinaciones, por lo que gran parte de sus obras se denominan: ‘Improvisación’.

6. Dadaísmo

Duchamp. La fuente.

1917

El movimiento dadá tenía la intención de provocar sin ser comprendidos, era cualquier forma de protesta o de acción en contra de los valores establecidos. Abandonaron los pinceles y crearon obras diferentes con madera, hierros, trapos o fotomontajes.

El rady-made es un estilo dadá que contempla los objetos como fuera de su contexto habitual y los eleva a la categoría de obra de arte. Duchamp es el máximo exponente del dadaísmo.

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Educando en arte 7. Surrealismo Los surrealistas llevan al extremo consecuencias la disociación de la lógica de la realidad buscando la inspiración en el inconsciente. Los pintores surrealistas más conocidos son Dalí y Miró. Su pintura es precisa y los objetos aparecen deformados o ajenos a su ámbito habitual.

Dalí. La persistencia de la memoria . 1931.

Miró. El carnaval del arlequín. 1925.

8. Pop Art EEUU se había convertido en una sociedad industrializada y orientada al consumo, este nuevo movimiento juvenil inspira su arte en objetos cotidianos e iconos de la cultura de comunicación de masas (cine, televisión y publicidad) y lo convertían en arte, siendo una ironía por la producción en serie que hasta entonces no se había considerado arte. Este universo (que ya es típico en nuestra cultura) fue propuesto por los artistas como una forma de no arte. El artista más conocido de este movimiento es Andy Warhol.

Warhol. Marilyn Monroe, 1962.

Lata de sopa Campbell’s

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Estética contemporánea

Las vanguardia artística según Peter Bürger Por Celia Fernández Quintana Peter Bürger, teórico y filósofo alemán, proviene de la Escuela de Frankfurt, donde teóricos como Theodor Adorno o Habermas comenzaron a interesarse por la condición social del arte, y empezaron a aplicar las ideas marxistas al campo artístico. Para ellos, la obra de arte se concibe como producto de una determinada sociedad y de un determinado momento. Bürger retoma estos preceptos y los aplica al arte de vanguardia, entendiéndolo como un proceso artístico y social que se configura a través del rechazo sistemático hacia el arte de la sociedad inmediatamente anterior a esta, el arte burgués.

Teoría de la vanguardia es la obra más influyente de Bürger. Publicada en 1974 se postula contra las teorías formalistas del arte de vanguardia ejemplificadas en los escritos de Clement Greenberg, quien defendía la estructurar la crítica de arte en función de los aspectos formales de la obra tales como la composición, los colores, la forma o la estructura. Greenberg publicó su texto más importante, La pintura moderna, en 1960.

Es posible resumir toda la teoría de la vanguardia de Bürger en tres únicos términos, institución arte, arte como praxis vital y autonomía de la obra de arte. Son tres conceptos de gran complejidad, relacionados entre si, y que se configuran como la base sobre la que Bürger va desarrollando toda su teoría.

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Estética contemporánea El primero de los términos es quizás el más sencillo de aclarar, ya que el propio Bürger da una definición. Para él la institución arte es “el aparato de producción y distribución del arte y las ideas que sobre arte dominan en una época dada y que determinan esencialmente la recepción de las obras”. El arte de vanguardia para Bürger se construye ajeno y en claro ataque hacia la institución arte, configurada hacia finales del XVIII y principios del XIX con la aparición de las primeras academias, los salones, las exposiciones universales y los primeros museos. Es por tanto un aparato claramente burgués y antivanguardista.

Algo más complejo resulta el concepto de arte como praxis vital, al no encontrar en el texto una definición concisa. La fusión de arte y vida es para Bürger uno de los cambios que defiende el arte de vanguardia. El arte, con la burguesía, había dejado de resultar útil, ya no era un objeto de culto como el arte religioso o un objeto de representación como el arte cortesano, por el contrario, el arte burgués era únicamente autorrepresentativo, ya no tiene una finalidad clara y corre el riesgo de convertirse en mero objeto de representación, de decoración. Al afirmar tal cosa, Bürger está considerando que el contenido es parte importante de la obra de arte y que el gran cambio de la vanguardia tiene no solo lugar en el aspecto formal, tal y como proclamaba Greenberg, sino también en el contenido, y es aquí donde reside la gran diferencia de Bürger con respecto a teóricos anteriores. El arte burgués, según palabras de Bürger, convierte a la institución arte en el contenido esencial de la obra, se desliga de toda conexión con la vida práctica hasta llegar al completo esteticismo. Al llegar a este nuevo estado, se proclama la autonomía del arte.

Man Ray. Obsequio. 1921

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Estética contemporánea

El concepto de autonomía del arte ya fue empleado por Greenberg pero en unos términos muy diferentes. Para Greenberg la autonomía del arte reside en la toma de conciencia de los límites y de los recursos propios de cada disciplina artística, así la pintura moderna se define por la toma de conciencia del plano pictórico y por el abandono de convenciones ajenas a la propia disciplina, como el modelado o la perspectiva. Bajo este planteamiento, vemos que el arte de vanguardia es el arte autónomo por excelencia.

Por el contrario, para Bürger el arte burgués es el único arte autónomo, porque se ha liberado de toda carga ideológica hasta alcanzar lo que anteriormente hemos definido como esteticismo, y este proceso solo tiene lugar, según el teórico alemán, hacia finales del XIX con la burguesía. Esta concepción de Bürger de autonomía está muy ligada a la filosofía kantiana. Para Kant, el arte es el reino del desinterés, el reino de la autonomía pura, el reino de la libertad, el equilibrio entre la razón y los sentidos. Pero en la sociedad burguesa se produce una dicotomía. El arte burgués es

Meret Oppenheim, Objeto, 1936.

Las obras surrealistas pueden encuadrarse perfectamente en la idea de arte kantiana; obras sin funcionalidad, totalmente desinteresadas.

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Estética contemporánea autónomo pero es producido en el seno de una sociedad altamente interesada, esta forma, la burguesía no permite que los principios de libertad y de autonomía rijan la vida práctica, se acaba así con la continuidad entre arte y praxis vital. La vanguardia proclama la ordenación de la vida de acuerdo con los principios del arte, y estos principios únicamente pueden ser aprehendidos en el momento de la autonomía del arte. Para Bürger, la autonomía del arte es la fase previa a la conjunción de arte y praxis vital como liberadora de la sociedad. Esta concepción será continuada posteriormente por los situacionistas que proclaman la liberación y la trasformación de la sociedad a través de sus “situaciones”.

“Para Búrger la gran revolución del arte de vanguardia se forjó en la vuelta del arte como praxis vital” Si leemos a Bürger atendiendo simplemente a su componente marxista podemos creer, en un primer momento, que para él no hay vanguardia sin componentes político-revolucionarios. A lo largo del texto esta idea se ve reforzada en el empleo continuo de ejemplos a partir de los movimientos de vanguardia más políticos como son el dadaísmo o el surrealismo. Sin embargo, hemos ido viendo que la teoría de Bürger va mucho más allá, para él la gran revolución se forjó en la vuelta del arte como praxis vital, y en la toma de conciencia del arte de su capacidad de liberación social. Si atendemos a esa idea, la teoría de vanguardia de Bürger se amplia al no excluir ningún movimiento por muy formal que sea. La mayor pretensión de Bürger es dar un primer paso hacia la instauración de una nueva teoría del arte de vanguardia globalizadora y alejada del formalismo que imperaba en el mundo del arte desde la publicación de los escritos de Greenberg en los años 60. A esta caída de las disposiciones formalistas contribuyó enormemente Leo Steinberg, con el establecimiento de criterios más iconológicos que formalistas en su crítica del arte de vanguardia. Pero la consecución de una teoría de la vanguardia globalizadora tendrá lugar posteriormente, hacia la década de los 80, con la aparición de los enfoques feministas y postcolonialistas, como las teorías de vanguardia de Carol Dukan y de Simón Gikandi.

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Cultura alternativa

¡Queremos un arte libre!

Queremos que ANHAD se convierta en un foro de debate y en un espacio de difusión para todo tipo de actividades culturales que se desarrollan fuera de los estrictos circuitos tradicionales.

En el anterior número de la revista os hablábamos del proyecto MulaFest, que tendrá lugar el 15 de junio en Madrid.

Este mes os presentamos Wallpeople, un proyecto de arte colaborativo con base en Barcelona que invita a las personas a crear y a formar parte de un momento único en un espacio urbano determinado. Nuestras acciones de este interesante proyecto tienen como objetivo la creación de obras callejeras irrepetibles gracias a las aportaciones de todos los participantes.

Una de las razones de ser de Wallpeople es devolver el arte a las calles y reivindicar el espacio público como medio de expresión y de interacción ciudadana. La creatividad es libre y no debe quedarse encerrada en los museos. Apuestan por el uso de Internet y las herramientas digitales para crear experiencias en la vida real y de algún modo plantear una reflexión sobre cómo creamos y cómo nos comunicamos hoy en día.

El proyecto comenzó Barcelona gracias a Pablo Quijano y a David Marcos. En 2009 tuvo lugar el primer evento Wallpeople en la capital catalana. En el 2010 se llevó a cabo un mural fotográfico de temática libre en las 10 ciudades participantes. Y el año pasado, tuvieron a la felicidad como el tema principal de su muro y contaron con 20 ciudades participantes. El 9 de junio tendrá lugar la IV edición de Wallpeople en 32 ciudades de todo el mundo!

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Cultura alternativa Si desarrollas un proyecto y quieres mostrarlo en esta sección, contacta con nosotros

En pasadas ediciones de Wallpeople muros de todo el mundo se llenaron de fotografías. Esta vez el formato, la temática o el mensaje son completamente libres, el único requisito es que puedan colocarse en una pared con cinta o goma adhesiva.

En España Wallpeople va a celebrarse en Málaga, Madrid, Barcelona, Valencia, Bilbao, Palma de Mallorca, León y Lleida. ¿Te lo vas a perder?

Encuentra tu ciudad aquí https://www.facebook.com/WallpeopleOfficialPage @wallpeople

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Interferencias entre arte y dise単o

Interferencias entre arte y dise単o:

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Interferencias entre arte y diseño

Yayoi Kusama (Matsumoto, 1929) es una artista japonesa de gran relevancia en el mundo del arte. Su carrera comienza en la década de los 50 trasladándose a Nueva York en 1958, donde fue protagonista en primera persona del clima cultural y artístico del Nueva York de los 60 y los 70.

Es una artista polifacética, que ha practicado desde performances, escultura, pintura, instalaciones, pero también la poesía o el teatro.

Tiene un estilo propio e inconfundible. Su sello personal son los lunares, a los que recurre incesablemente para colocarlos en todo tipo de creaciones. De esta forma, sus obras, especialmente sus instalaciones, se convierten en un espacio onírico, casi surrealista, que trasporta al espectador a un mundo de juego y diversión. Además, estos espacios se llenan de espejos y luces, generando a la así un espacio indefinido, sin límites. Con Kusama las fronteras entre realidad y ficción se diluyen.

Kusama desafía a nuestro inconsciente, que vaga desde la racionalidad a la irracionalidad. La relación de la obra con lo mental tiene en Kusama un punto importantísimo, ya que la artista japonesa vive desde que regresó a Japón en 1977 internada de forma voluntaria en un psiquiátrico, que ha convertido en su casa y taller.

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Interferencias entre arte y diseño

Muy personales son también sus Accumulation sculptures (Esculturas de acumulación), en las que la pintura deja de ser un objeto para encontrarse con los dominios de la escultura , abundando en apéndices fálicos.

Es una artista políticamente comprometida con el movimiento hippie y el antibelicismo, así como con el feminismo, lo que se refleja en sus performances y en alguna de sus obras audiovisuales como SelfObliteration (1967), en las que la pintura se transforma en elemento que empapa el espacio para estallar en verdaderas celebraciones del cuerpo y de la libertad sexual.

1968. Homosexual happening and Fashion Show.

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Interferencias entre arte y diseĂąo

Kusama tambiĂŠn se ha interesado enormemente por la moda, y por trasladar su universo creativo al diseĂąo textil.

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Interferencias entre arte y diseño

Su gusto por la moda ha ido acrecentándose, y hace poco se anunciaba la colaboración de la artista nipona con Louis Vuitton para su próxima colección que saldrá a la venta el próximo 11 de julio. Os dejamos el enlace al magnífico site creado para la ocasión. La colección incluirá ropa, bolsos, accesorios, zapatos, relojes y joyas.

Kusama es sin duda una artista sobresaliente que ha conseguido mantenerse fiel a su estilo, sin seguir modas ni tendencias, pero que continúa siendo tremendamente actual y sorprendente.

Imágenes de la actual campaña publicitaria de Louis Vuitton con Kusama

Zona Dise単o

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Novedades: Agenda de exposiciones

100 Años de Arquitectura y Diseño en Alemania Museo Nacional de Artes Decorativas. Madrid Hasta el 29 de septiembre.

Gran selección de objetos, carteles y fotografías que nos permite hacer un completo recorrido por el diseño alemán.

Alta costura sobre papel. Figurines de Pedro Rodríguez.

Museo del Traje. Madrid.

Hasta el 17 de junio.

Exposición que muestra el archivo gráfico del modisto español Pedro Rodríguez, quién se convirtió, desde que abriera su primera casa de Alta Costura en Barcelona en 1919, en uno de los grandes nombres de la moda española.

Diseños del año 2012 Museo del Diseño de Londres.

Hasta el 4 de julio.

Muestra anual que enseña y premia a los mejores diseños del año. El mejor diseño del año 2012 ha sido otorgado a la antorcha olímpica de Londres.

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Arte+Diseño+?

El relieve y el volumen en las esculturas de Yasuaki Onishi Por Lourdes Pérez Álvarez

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Arte+Diseño+?

Yasuaki Onishi es un artista japonés que domina las disciplinas del arte. Estudió en la universidad de Tsukuba arte y diseño y más tarde en Kyoto, especializándose en la escultura.

¿Qué sería del arte sin la forma, sin el color, la luz o la perspectiva? Esta es la base del desarrollo en la escultura de Onishi: buscar, transformar y hacer desaparecer aquellos elementos que crean el relieve y el volumen. Es decir, confecciona una nueva masa, un nuevo espacio que envuelve al espectador en una sorprendente realidad, esta transformación es un nuevo ejercicio de escultura. La escultura arquetípica es un material sólido apoyado en el suelo con un área limitada pero es precisamente todo lo contrario el objetivo del artista.

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Arte+Diseño+?

Para la obra emplea materiales sencillos, el protagonista es el plástico. Por un lado, emplea una lámina translúcida que creará este fantasma y por otro una serie de hilos tenues de pegamento caliente que se extienden y a la vez contienen la lámina al enfriarse.

El resultado es una escultura en el aire, que flota o que como el propio artista define “hago lo invisible”, una figura monumental, montañosa, similar a una cueva. Se trata de una reflexión al espacio en negativo, que al igual que la fotografía se revela en un compuesto de celulosa y otros plásticos se emulsiona en una fina capa sensible a la luz y que plasma la realidad fiándola en tonalidades de negro para más tarde cromatizarla, solo que a diferencia de la fotografía esta escultura se presenta de una forma primaria e innovadora.

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Nuevos talentos

CRISTIANO MINO Mino es un diseñador italiano muy interesado por los materiales reciclables, y por el abaratamiento al máximo de los costes de producción de sus piezas.

La lámpara Micol ha sido realizada con materiales La pantalla es una % reciclables. La pantalla es una lámina de plástico pegada sobre sí misma, el pie está realizado con dos simples listones de madera, y el pie está confeccionado con un simple bloque rectangular de hormigón.

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Nuevos talentos

Sus diseños son perfectamente Do It yourself. Ejemplo de ello es su lámpara cubo de luz, para la que empleado los materiales de la imagen de la izq: -

Un cubo de plástico.

Un listón de madera.

Bombilla y cable.

Gomillas Un bloque de hormigón

Página web de Cristiano Mino

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Nuevos talentos

Embalaje y envases del aceite de oliva El Verd del Poaig.

Diseño de CulDeSac

Con este diseño, CulDeSac ha convertido un producto milenario y tradicional en un objeto joven y actual.

La envase está realizado con porcelana blanca y el embalaje en cartón 100% reciclable.

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Nuevos talentos

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Panorama

VICTOR VASARELY Y EL OP ART Victor Vasarely (Hungría, 1906 - Francia, 1997) es un artista clave en el desarrollo del arte de mediados del siglo XX. Comenzó su formación artística en la Academia Mühely (la Bauhaus de Budapest) en 1929, hasta que en 1939 se traslada a París. En sus inicios artísticos trabaja una abstracción casi monocroma. Sintió gran admiración por Malévitch.

Vasarely ha sido considerado como el padre del op Art o arte óptico, modalidad artística que aparece a mediados de los 60. Este estilo fue popularizado gracias a una exposición organizada en 1965 por el MOMA y titulada The Responsive Eye. Podemos decir que el op Art parte del arte abstracto, pero nace con la pretensión de interacción con el espectador, ya que obliga a este a moverse y a desplazarse por el espacio para buscar varios puntos de vista.

En un principio, se interesa por la bidimensionalidad, pero poco a poco sus obras abandonan el plano pictórico para simular formas tridimensionales.

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Panorama

Muchos diseñadores, especialmente del diseño gráfico y del mundo de la moda, descubrieron en él un recurso compositivo. El op art se basa en la experimentación óptica con líneas en blanco y negro, y más tarde también en colores, que se van curvando e interrelacionándose.

Ejemplo de la influencia del Op art en la moda son los diseños de Vuokko Eskolin- Nurmesniemi , diseñadora finlandesa nacida en 1930.

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Panorama

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Dirección y edición: Beatriz Marín Pereira Celia Fernández Quintana Diseño: Beatriz Marín Pereira Coordinación: Celia Fernández Quintana Colaboran en este número: Diana Martínez Castro Martha R. Barilari Laura Díaz Bamberger Lourdes Pérez Álvarez www.asociacionanhad.org La revista no se hace responsable de las opiniones de sus colaboradores.

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ARTE Dirección: Beatriz Marín Pereira

Celia Fernández Quintana

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Ilustración de Andy Kehoe