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CERTIFIED DIVER’S WATCH – ISO 6425 (2018)

TISSOT SEASTAR 2000 PROFESSIONAL powermatic 80 CERTIFIED DIVER’S WATCH WATER RESISTANCE UP TO 60 BAR (600 M / 2000 FT)

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T I S S OT WATC H E S . C O M

MÉ X I C O

ETERNO ELVIS

VIDA DESPUÉS DE LA MUERTE

LOS 22 RELOJES DE 2022

Y LOOKS DIGNOS DE UN REY

LOS 90 ¡QUÉ DÉCADA! TOM CRUISE A LOS 60

Diego Boneta presente y futuro Cómo ser un caballero vulnerable

MÉX. $79.00 JUNIO 2022

C ON T E N I D O J U N IO 2022

44 ¡VERDE!

El nuevo color del vino

DIEGO BONETA. FOTOGRAFIADO POR MATALLANA TOTAL LOOK, LOUIS VUITTON. COLLAR DE ORO, COLECCIÓN HARDWEAR, TIFFANY & CO. ANILLO DE ORO, COLECCIÓN MAKERS, TIFFANY & CO.

E N P O R TA DA

45 ESCAPES SECRETOS

El bar en la Ciudad de México que, sí o sí, tienes que conocer

63 22 PROPUESTAS

RELOJERAS DEL 2022 Tras la develación de las novedades relojeras más importantes en Watches and Wonders y otras plataformas, te presentamos una selección de las mejores opciones que vale la pena conocer 88 ¿FUERON LOS 90

LA MEJOR DÉCADA? Al menos una para no olvidar. Un relato al mejor estilo Esquire 94 ELVIS PRESLEY

Vida y milagros del ídolo de siempre, a propósito de su nueva biopic

¡QUÉ BIEN TE VES! Queremos cumplir 60 años y vernos como él. Rendimos homenaje al gran Tom Cruise

22 ¿SABES QUIÉN ES

PIET MONDRIAN? El diseñador del que todos hablan

24 HOLA, RICHARD

28 EN SUS MARCAS...

De modelo a influcncer y director creativo

Los mejores museos si eres fan del automovilismo

26 GET THE LOOK

32 UN CLÁSICO

Kayne West y su historia en el mundo de la moda

vuelve a rugir 34 CUATRO PAPÁS

Nos enseñan cómo llevar un traje hoy 12

94 MODA: VÍSTETE

COMO UN VERDADERO REY Con los mejores outfits para el verano. Fotos Mariano Vivanco. Estilismo Luke Day 112 EN LA OPINIÓN DE

GENARO LOZANO Un porrito en la CDMX...

F OTO C O R T E S Í A

A L F O N S O PA R R A

H E A R S T M A G A Z I N E S I N T E R N AT I O N A L

DIRECTOR EDITORIAL

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aparrab@televisa.com.mx

Kim St. Clair Bodden, SVP/Global Editorial & Brand Director

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© ESQU IRE . Marca Registrada. Año 14 N° 154 Fecha de publicación: 13-06-22. Revista mensual, editada y publicada por ED I TOR I A L TE LEV I S A , S . A . DE C .V. , con domicilio en Av. Vasco de Quiroga N° 2000, Edificio E, Col. Santa Fe, Alcaldía Alvaro Obregón, C.P. 01210, Ciudad de México, tel. 52-61-20-00, por Contrato celebrado con H EAR ST COM M U N I CAT I ON S, IN C . , New York, USA. Editor responsable: Sergio Cárdenas Fernández. Número de Certificado de Reserva de derechos al uso exclusivo del Título ESQUIRE: 04-2002-062912590000-102 de fecha 28 de junio de 2021, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud No. 14597, de fecha 15 de septiembre de 2009; Certificado de Licitud de Contenido No. 12170, de fecha 15 de septiembre de 2009, ambos con número de expediente No. CCPRI/3/TC/09/18507 de fecha 10 de mayo de 2019, ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Distribuidor exclusivo en México: Distribuidora Intermex, S.A. de C.V., con domicilio en Calle Lucio Blanco N° 435, Colonia San Juan Tlihuaca, Alcaldía Azcapotzalco, C.P. 02400, Ciudad de México. Tel.: 52-30-95-00. Distribución en zona metropolitana: Unión de Expendedores y Voceadores de los Periódicos de México, A.C., con domicilio en Calle Guerrero N° 50, Colonia Guerrero, Alcaldía Cuauhtémoc, C.P. 06350. Tel.: 55-91-14-00. Impresa en: Reproducciones Fotomecánicas, S.A. de C.V. Planta Xochimilco, con domicilio en Durazno No. 1 Esq. Ejido, Col. San José de las Peritas Tepepan, Alcaldía Xochimilco, C.P. 16010 Tel. 53-34-17-50. EDITORIAL TELEVISA S.A. DE C.V. investiga sobre la seriedad de sus anunciantes, pero no se responsabiliza con las ofertas relacionadas por los mismos. ATENCIÓN A CLIENTES: a toda la República Mexicana tel. 800 REVISTA (7384782).

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C A R T A D E L E D I T O R ___________________________________________________________

¡APENAS NOS DAMOS CUENTA y ya llegamos a la mitad del 2022! Escribo

esta carta editorial sentado en el escritorio de mi hotel en París, esa ciudad donde cada esquina es más bella que la otra y donde cada café o copa de vino blanco se disfruta más que la anterior (eso sí, hay que reconocer que en un viaje de trabajo como este, teniendo el cierre de edición en medio “del otro lado del charco”, se toman menos vinos y cafés de los que uno quisiera). Vine a esta, una de las capitales más importantes del arte, la moda, la gastronomía y la cultura, en un viaje de trabajo invitado por la marca de relojes Vacheron Constantin, para descubrir una colección de cuatro imponentes relojes hechos en colaboración, nada más y nada menos que con el Museo del Louvre, e inspirados en algunas de las más memorables piezas de las grandes civilizaciones que el museo alberga y mantiene vivas, algo de lo que ya les contaremos más a detalle en una próxima edición de Esquire. Este mes, sin embargo, les damos la bienvenida en nuestra portada a uno de los actores mexicanos a los que admiramos por su tenacidad y talento: estuvimos en Los Ángeles con Diego Boneta, quien este mes presenta junto a Andy García, Gloria Estefan y Adria Arjona, entre otros, la nueva versión de El Padre de la novia, dirigidos por el mexicano Gary Alazraki. Depende de tu edad, querido lector, habrás visto o no la versión anterior, de 1991, con Steve Martin, Diane Keaton y Martin Short. O incluso, viajando más atrás, Father of the bride, de 1950, con un cartel de lujo: Spencer Tracy, Elizabeth Taylor y Joan Bennett. Sentados en el increíble estudio donde –junto con el fotógrafo Matallana y el estilista Warren Alfie Baker y un gran equipo– llevamos a cabo la sesión de fotos, encontramos a un Diego en uno de los mejores momentos de su carrera actoral, más sereno y reflexivo, tal vez, pero amable y cordial como siempre. Con Mario P. Székely, Diego habló de su nueva productora que tanto lo entusiasma, de sus próximos proyectos como actor y de temas como la nueva masculinidad: “Creo que no siempre tienes que hacerte el fuerte. Debes entender que es bueno no tener que estar bien todo el tiempo”, nos confesó. ¡Disfruten mucho la edición! Los esperamos, como siempre, en esquirelat.com y en nuestras redes sociales. ¡Un gran abrazo desde esta la mitad del 2022!

MATALLANA @bymatallana Reside en Nueva York y su fotografía lo lleva a lugares alrededor del mundo. Para esta edición de Esquire viajó con nosotros a Los Ángeles a realizar la sesión de fotos de nuestra portada con Diego Boneta. Este fotógrafo colombiano tiene siempre una perspectiva fresca e innovadora.

WARREN ALFIE BAKER @warrenalfiebaker Uno de los estilista de moda más talentosos en la actualidad en los Estados Unidos. Vive en Los Ángeles y cuenta entre sus clientes a celebridades como Zachary Levi, K.J Apa, Lucas Hedges, Harry Shum Jr., Justice Smith, y Diego Boneta, nuestro personaje de portada, entre otros.

MÓNICA ISABEL PÉREZ @monicaisabelperez_ Ciudad de México, (1983). Editora, escritora y estratega de contenido. Su mayor pasión es conocer el mundo, pero trabajar en una revista de alta relojería la hizo enamorarse de las diminutas y espectaculares máquinas que usamos para contar el tiempo.

F OTO S W E S H O OT M U C H Y CO RT E S Í A

aperitivo Más allá del título

Este verano, Tom Cruise cumplirá 60 años. Su rostro puede estar un poco más estirado e inflamado, la nariz y quijada algo modificada, y el cabello abundante y sin canas. PERO ASÍ ES LA OCTAVA MARAVILLA del mundo.

Su cuerpo está muy bien trabajado. Su trasero es una roca firme. Tiene una mirada de halcón y una sonrisa resplandeciente. Su carrera es implacable. Básicamente se ve mejor que cualquier persona de 40 años. No se ve tan distinto al joven teniente Pete “Maverick” Mitchell, el veloz piloto marino norteamericano que interpretó en la legendaria película de acción Top Gun en 1986, y que lo convirtió en una celebridad mundial. Y por supuesto, también apareció en la secuela que se estrenó este verano, Top Gun: Maverick, interpretando intencionalmente al mismo personaje de hace muchos años. Volví a ver Top Gun por primera vez desde que se estrenó. Lo que más me impresionó no fue el homoerotismo, y lo digo basándome en las conversaciones de los vestidores entre hombres alfa desnudos (“Me dio una erección”. “No bromees conmigo”), famosamente satirizada por Quentin Tarantino en un monólogo en el filme Sleep With Me, de 1994. De hecho, fue la escena de volleyball playero en la que Maverick (Cruise) y Goose (Anthony Edwards) están arrasando de una manera muy sexy, y cada vez que ganan un punto, Cruise le da a Edwards dos ruidosas palmadas, una arriba y otra abajo, con golpes tan duros que quizás retumbaban en el mar como sonidos sónicos. Mis propias palmas estaban sudando y ansiosas por el evidente machismo. Pobre Edwards, seguramente estaba en agonía. Tom Cruise es el último ícono de Hollywood, la última y auténtica estrella de películas. En una era de franquicias, propiedad intelectual y superhéroes, él resulta un desafiante sobreviviente a una época donde la moneda son las estrellas, con sus personalidades inamovibles y el deber profesional de mantenerse jóvenes y hermosos. A pesar del afecto que le tengo a este gran hombre, está convirtiéndose en la personificación de la teoría que explica cómo las verdaderas stars no tienen algo extra; al contrario,

les hace falta algo, un raro vacío o espacio donde la audiencia proyecta sus deseos. Desde su temprana hombría en la década de los 80, Cruise podía “abrir” una película: protagonizaba por encima del título. La mayoría de los actores contemporáneos de Tom llevan tiempo aceptando papeles de personajes como padres o abuelos, roles de hombres maduros, como el barbudo George Clooney (44 años) en Syriana, o Tom Hanks (57 años) interpretando al Captain Phillips. Pero Tom no. De hecho, tampoco es tan cierto decir que Tom no elige personajes sin barba. Se dejó crecer una barba muy desaliñada y larga para Born on the Fourth of July, cuando interpretó al veterano radicalmente antiguerra, Ron Kovic; y se la dejó crecer –de manera limpia y bien cortada– para proyectar sabiduría y fortaleza interna en The Last Samurai, en el rol de un oficial de caballería norteamericano en el Japón del siglo XIX. Pero no eran barbas con el efecto de envejecer, sino para dar un toque de silver fox. Y también –bajo el propósito de la comedia– pretendió ser gordo y calvo para convertirse en productor cinematográfico, haciendo un gran papel en Tropic Thunder. En todos estos casos, el punto fue saber que el audazmente atractivo Cruise se encontraba –de forma muy obvia– debajo. Ha trabajado con los mejores directores en el negocio: para Steven Spielberg, como la estrella de War of the Worlds; para Paul Thomas Anderson, interpretando al coach de la seducción escalofriante y misógina en Magnolia; y para Stanley Kubrick en Eyes Wide Shut, explorando una crisis marital de la mano de su entonces esposa, Nicole Kidman. Siempre ha sido Tom Cruise e inquieta la manera como se ha convertido en un boleto dorado para las taquillas durante cuatro décadas. En las estadísticas de ganancias de los Estados Unidos para 1985, el novato Cruise llegó en la posición 15 (el número uno era Chevy

Por Peter Bradshaw

Chase). En 1987 bajó al 18 (el anhelado puesto de ese año fue ocupado por Steve Guttenberg, de las películas de Police Academy), pero llegó a la cima en 1988, moviendo a Guttenberg del trono al tercer puesto. Llegó al tercer lugar en 1990, cuando Tom Hanks lideraba la lista, y ganó el bronce en 1994 mientras Wesley Snipes se llevaba el oro. En 2005, Keanu Reeves era el victorioso, mientras que Cruise lucía el puesto 12. Tom ha podido ver a actores llegar e irse –Guttenberg, Chase, Jim Carrey, Bradley Cooper– y ha logrado perdurar más que todos. Él ha sobrevivido. Y sus coestrellas de Top Gun, Edwards, Kelly McGillis y Meg Ryan, posiblemente se ven mayores o diferentes en la manera en que uno esperaría que ocurriera con cualquier ser humano. Pero Tom es como un muñeco de acción viviente, y es en gran parte porque hace 20 años, de forma astuta se posicionó como la estrella de lo que se convertiría una franquicia de acción: la saga Mission Impossible. Encarnando al agente Ethan Hunt, realiza misiones ultrariesgosas en contra de villanos, conduce motocicletas, escala los edificios, usa relojes de lujo, ingresa con cables a las bóvedas de seguridad para violar códigos de seguridad y salta de los riscos con paracaídas. Lo genial de la carrera de Cruise fue identificar esto: si las franquicias eran el futuro de Hollywood, entonces él tendría el control y sería la definición de la palabra “franquicia”. ¡La clave para seguir en el negocio! Mission Impossible se ha vuelto amada y Cruise casi es un tesoro nacional en el Reino Unido por cómo se ha comprometido a usar instalaciones británicas de producción. En diciembre de 2020, The Sun publicó una cinta de audio de Cruise sermoneando a miembros del staff de Mission Impossible 7 por romper las reglas del Covid. En ella gritaba: “¡Si te vuelvo a ver haciendo eso, estás fuera!”. Con cualquier otra estrella, los resultados habrían sido catastróficos. Pudo haber sido el momento de cancelación: ¿un millonario hollywoodense humillando a sus trabajadores? Pero no, incluso hasta recibió la empatía de la gente. Todos a quienes consulté al respecto, encogieron sus hombros y dijeron que seguro F OTO S : G E T TY I M AG E S

aperitivo

estilo

TOM CRUISE ES EL ÚLTIMO ÍCONO DE HOLLYWOOD. La última y AUTÉNTICA ESTRELLA DE PELÍCULAS

estaba muy presionado. Y que las reglas del Covid eran muy importantes. Tom Cruise se ha ganado nuestro cariño. Lo amé en Magnolia, con su desprecio por la periodista que le interroga por la historia de su familia. Lo adoré en el thriller Collateral, de Michael Mann, donde interpretó al canoso y atemorizante asesino que viajaba como pasajero en el taxi de Jamie Foxx. Imposible ver sus filmes sin pensar en la curiosa proeza de cómo Cruise –siendo un pobre aspirante a actor en Manhattan a principios de los 80– convencía a las prostitutas de que le dieran un aventón para cruzar el túnel Lincoln y así llegar a su casa en New Jersey. Aclaremos que, seguramente, debía convencer a los clientes de las prostitutas, pues ellos eran los dueños de los carros. Pero puedo imaginar a un joven Cruise en el asiento trasero del carro, con la trabajadora sexual y el conductor enfrente, intimidados por la evidente fuerza de su urgente e insegura personalidad: cambiando entre esa destellante sonrisa y cierta mirada

implacable de determinación, la monoceja y su sobresaliente mandíbula. La historia de su vida es bastante cautivadora: su padre abusaba de la familia hasta que, cierta madrugada, su madre despertó en silencio a Tom y sus otras hijas a las 4:30 de la mañana –cuando vivían en Ottawa– para que pudieran escapar del violento progenitor y llegar a la frontera de Estados Unidos, donde la familia les brindaría apoyo. Después, tendría su dedicada –aunque bastante mediocre carrera académica– en la preparatoria (allí soñaba con ser piloto) y terminó aceptando el papel de Nathan Detroit en la producción escolar de Guys and Dolls. Un compañero, coincidentemente, tenía una pequeña carrera en la televisión, y su agente estaba en la audiencia y vio el potencial estelar de Tom. ¡Nathan Detroit! Qué casting tan fascinantemente anormal. No Sky Masterson, el protagonista típico y romántico, sino Nathan Detroit, el personaje problemático y domesticado. Me habría encantado ver a Cruise en

ese papel, cantando. Creo posible revivir Guys and Dolls en el escenario londinense y convencerlo de hacerlo de nuevo, ¿verdad? También está el controversial asunto de su apego a la cienciología –la cual conoció gracias a su primera esposa, Mimi Rogers– y a la que, supuestamente, intentó meter (sin éxito) a su segunda esposa, Nicole Kidman, y cuyos apegados y espeluznantes funcionarios hicieron sentir muy incómoda a su tercera esposa, Katy Holmes. Esto también pudo haber hecho que todos se volvieran en su contra, desde hace mucho. Pero no fue así. En parte, porque esto ocurrió tiempo atrás, anterior a las redes sociales; por otra parte, porque la cienciología es una típica religión, una fe más. O, tal vez, el apego de Tom resulta una excentricidad más, como ser un Mason. Pero también, la gente cree que –como joven e ingenuo neófito de la religión– Cruise aceptó hacer sesiones íntimas de “auditoría” que fueron grabadas y, tal vez, estaba tan ansioso por demostrar su humildad y autocrítica, que admitió varios pensamientos e ideas desaprobados por los cienciólogos y sus futuros fanáticos gringos de la era de Reagan. ¿Será que los cienciólogos y su muy peculiar líder, David Muscavige, tienen bajo control a su reclutado más famoso? ¿Podría el discurso intenso, carismaticamente planeado de Tom Cruise hacia la cámara, ser el video de un rehén desde hace 40 años? Me pregunto eso todo el tiempo. De cualquier manera, cuando al fin Top Gun: Maverick llegó al cine, fui el primero en la fila para ver a este gran hombre apoderarse de los cielos una vez más, sorprendiéndonos al desafiar la longevidad de su carrera. F OTO S G E T TY I M AG E S

aperitivo

Bloques de color Piet Mondrian inspira la ropa masculina de la temporada. POR MURRAY CLARK OBVIAMENTE ESTÁS FAMILIARIZADO CON EL TRABAJO DE TAN GENIAL ARTISTA.

Reinterpretacciones de sus famosas cuadrículas blancas con bloques intermitentes de color han sido implantadas en todo tipo de objetos (por ejemplo, los costados del edificio The Hague de Londres) y hasta en la pantalla chica (en un video musical de Katy Perry). Pero del mismo modo que la lata de sopa de Warhol, la omnipresencia puede ayudar a crear cierto tipo de sensación ordinaria: Piet Mondrian es ampliamente considerado uno de los mejores artistas del siglo XX, y aún así muchos evitarían una de sus obras en sus salas porque parecerían esos adornos que contienen la frase “Live, Laugh, Love”. Pero los guardarropas son un asunto distinto. En los shows de la temporada primavera/ verano 2022, el toque de Mondrian se sintió en todos lados: pudimos ver cómo la ropa para hombre se volvió geométrica y colorida, y el mejor ejemplo fue la pasarela de Jil Sander. La marca conocida por sus líneas pulcras y una paleta nublada, los chalecos y las prendas de punto resultaron ser más alegres de lo normal y hasta surgió un abrigo con bloques en color blanco, negro, azul y rojo. En Casablanca, De Stijl se le dio un toque más kitsch con conjuntos que mostraban el atardecer de una postal con bloques, circulos y crecientes de color naranja oscuro, verde y azul. Y para el último desfile de Virgil Abloh para Louis Vuitton, un enorme abrigo convirtió el código Mondrian en frenético tablero de ajedrez con el monograma de la casa grabado en el interior. Este renacimiento sigue sin extenderse al mundo exterior pero en París Mondrian ha regresado oficialmente a la moda.

LOS BLOQUES PROTAGÓNICOS: LOUIS VUITTON, UN ATUENDO INSPIRADO EN MONDRIAN PARA SU COLECCIÓN PRIMAVERA/VERANO 2022

moda

aperitivo

estilo

Real men Richard Biedul MODELO CONVERTIDO EN DIRECTOR DE ARTE Y CREATIVO. Nacido en Londres,

comenzó como modelo en 2011, mientras aún ejercia como abogado en un importante bufete de la ciudad. Richard tuvo un impacto absoluto en las grandes capitales de la moda trabajando para firmas como Armani, Berluti, Brunello Cucinelli, Canali, Dunhill, Etro, Paul Smith y Ralph Lauren. Actualmente es uno de los mejor vestidos en la industria de la moda, se ha alzado como experto influencer y es consultor creativo en marcas como King & Tuckfield y Hemingsworth. —Jesús Cicero

ASISTENTE DE ESTILISMO ANDREA CONDÉS

Blazer bicolor, camisa y pantalones, Duarte; bandolera, Prada; calcetines, Falke; mocasines, Tod’s

F OTO G R A F Í A F E R N A N D O R O I

aperitivo

estilo

GET THE LOOK

CHAMARRA, SACAI

Haciendo historia KANYE WEST ES UN PERSONAJE definido por los contrastes. Hijo de un padre que perteneció a la organización de las Panteras Negras y de una madre profesora universitaria, nació en Atlanta pero creció en Chicago, donde atendió un año la universidad para después abandonarla y dedicarse de lleno a la música. La moda siempre le llamó la atención: fue intern en Fendi y en las letras de sus canciones alude muchas veces a marcas, personajes y elementos específicos del mundo fashion. Hizo varios intentos por romper el esquema que lo encasillaba solamente como músico y cruzar hacia el diseño de moda, hasta que lo logró. Nada en él resulta lineal o fácil. Es una persona que causa controversia y su carrera en la moda no podía ser la excepción. Comenzó con Nike, para después separarse de la compañía con alarde público de su descontento y terminar colaborando con Adidas. Varias veces trató de crear su propia marca, “probándose” distintos trajes hasta que encontró su propio estilo. Podemos pensar que la mayoría de la gente en la industria pasa por etapas de crecimiento mientras aprende en distintos ateliers donde se va formando, recibiendo o buscando la influencia de maestros. El caso de Kanye fue diferente porque al ser una figura tan pública y con tanto acceso a patrocinios (y a su propio dinero), no necesitó recorrer el camino que normalmente se transcurre para llegar a tener una colección. Tuvo acceso a asesores de la talla de Kim Jones, sin haber pasado por asistente de estudio. Sin embargo, pasó por varias equivocaciones, por altas y bajas, todo bajo esa muy particular circunstancia que significa estar en la mira y ser una celebridad. Pronto encontró su identidad como diseñador bajo el auspicio de Adidas. De su inspiración nacieron su línea Kanye, DW by Kayne West, Mascotte, Pastel… los zapatos que hizo con Nike…. Su personalidad y proyección han hecho también de la presentación de sus colecciones eventos diferentes y muy comentados: es alguien que entiende lo que es el hype. El diseñador es entonces su mejor publicista, su influencer, su modelo y las líneas que separan causas y efectos se ven entremezcladas. Al final, logró su cometido. Ha dejado huella no solamente en el mundo de la música y la farándula, sino también en el de la moda. No será recordado como un hito en el mundo de la alta costura, pero en el del street-wear, todo mundo reconoce su influencia. Su estilo personal está marcado por las raíces típicas en el ambiente del rap y el hip-hop: ropa cómoda, que en su origen pudiera ser atlética, pero que se usa no con fines deportivos sino de comodidad y de definir la personalidad de quien la usa. Kanye refina ese estilo y lo convierte en un símbolo de estatus, con algo de gusto y delicadeza, haciendo notar el éxito propio, el de quien adquiere sus prendas no a través de la estridencia sino de algo un poco más sutil. Es llamativo, conoce de buenos cortes y telas, y nunca pierde ese estilo que va entre lo edgy pero sutil, lo llamativo pero a la vez limpio y minimal, las piezas básicas con otras muy vanguardistas… así es él: binomio, polémica, multiplicidad. —Ikerne Mestre

CHALECO, CARHARTT WIP

T-SHIRT, YEEZY GAP ENGINEERED BY BALENCIAGA

PANTALONES, CELINE HOMME

BOTAS, ADIDAS YEEZY

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aperitivo

a donde ir

La moto de Terminator: Salvation (2009). Se puede ver en el Museo Petersen de Los Ángeles.

Ruedas con mucho arte Desde su nacimiento, el automóvil ha pasado a formar parte de diversas manifestaciones artísticas y muchos modelos son ya considerados obras de arte. Estos son los mejores museos para disfrutarlos. POR ANA PÉREZ

MUSEO GUGGENHEIM BILBAO (ESPAÑA)

guggenheim-bilbao.eus • De abril a septiembre de 2022, el Guggenheim de Bilbao albergará la exposición Motion. Autos, Art, Architecture, diseñada por Norman Foster, que recoge una veintena de obras artísticas que ilustran la presencia del automóvil en todos las ámbitos, desde la escultura hasta la fotografía. También habrá 40 automóviles que marcaron grandes hitos en su evolución, como el mítico Dymaxion de Buckminster.

MUSEO MERCEDES-BENZ STUTTGART (ALEMANIA) mercedes-benz.com • En el distrito de Bad Cannstatt, el mismo que vio nacer los primeros automóviles, se levanta un imponente edificio plateado diseñado por Ben van Berkel y Caroline Bos, claro homenaje a su deportivo más laureado: la flecha que pilotó

Juan Manuel Fangio. En su interior, 20.000 m2 de exposición y más de 160 automóviles con los que se ha hilvanado la historia de la marca.

MUSEO PIAGGIO

PONTEDERA (ITALIA) museopiaggio.it • No resulta necesario tener una excusa para escaparse a la Toscana, pero esta es una de las buenas. El museo del fabricante italiano, donde se ideó la mítica Vespa, está situado en la pequeña ciudad de Pontedera, en la provincia de Pisa. Además, podrás ver un microcoche de la marca, el 400 cc, y una gran variedad de vehículos industriales con los que Piaggio se popularizó en los años 50, como el Ape (1946) o el Calessino (1953).

PETERSEN AUTOMOTIVE MUSEUM LOS ÁNGELES (EEUU) petersen.org • Dedicado al mundo del cine y su relación con los coches, se trata del museo del automóvil más

grande del mundo, con 30.000 m2 de exposición. Ahora mismo puedes ver en sus instalaciones el Batimóvil, el Delorean de Regreso al futuro, el Cadillac de Cazafantasmas, el Lexus de Black Panther, el Rolls-Royce de El gran Gatsby o todos los coches de la saga de James Bond en una exposición específica titulada Bond in Motion. También hay otra de 90 años de Pininfarina y de vehículos extremos.

MUSEO ENZO FERRARI MÓDENA (ITALIA)

ferrari.com/it-IT/museumst8 • Hay dos museos de la marca: uno en el complejo de la fábrica, en Maranello, y otro en Módena. El primero está más enfocado a su paso por la F1, incluidos sus trofeos como escudería, y el segundo está en un edificio más antiguo, la antigua casa de Enzo Ferrari. Aquí se puede repasar la historia del fundador y sus primeros coches de carreras. Incluye otro edifcio más moderno enfrente, con los modelos más actuales, una evolución de sus motores y un simulador de competición.

aperitivo

a donde ir

FOUNDATION AUTO MUSEUM VOLKSWAGEN

WOLFSBURGO (ALEMANIA) automuseum-volkswagen.de • Ubicado al lado de la fábrica más grande de la marca, en Alemania, es conocido sobre todo por poseer un impresionante aparcamiento vertical de 60 metros de altura con capacidad para 800 vehículos, el cual impresiona en movimiento. Más allá de la exposición histórica de los modelos, en él se organizan una gran cantidad de actividades culturales y cursos de seguridad. Hay varios estaurantes y hasta una guardería.

CASA 500

TURÍN (ITALIA) fiat.com/casa-500 • Inaugurada el año pasado en el complejo de Lingotto, la antigua fábrica de Fiat en Turín, la Casa 500 es un museo que alberga la historia de la marca a través de este modelo y sus planes de futuro, ecológicos por supuesto. Frente a ella, y al mismo tiempo, se inauguró Pista 500, ese impresionante parque que contiene un jardín colgante (el más grande de Europa), con 40.000 plantas y una senda de especies autóctonas, que merece la pena visitar.

Los inicios de Piaggio fueron los motocarros en boga durante los años 50.

MUDETEC MUSEO DELLE TECNOLOGIE BOLONIA (ITALIA)

lamborghini.com/museumg • Desde el 350 GT (1963), pasando por el mítico Miura (1965) hasta los más actuales Countach, Aventador o Urus (el SUV de la marca), el museo de Lamborghini es un repaso por la historia de esta firma que fundó Ferruccio Lamborghini, siempre combinando su espíritu deportivo y apasionado con una profunda vocación por la ingeniería y la tecnología.

AUDI MUSEUM

INGOLSTADT (ALEMANIA) audi.de/de/foren/de/audi-forum-ingolstadt.html • En 1932, cuatro compañías (Audi, DKW, Horch y Wanderer) se fusionaron para formar Auto Union AG, la marca que hoy conocemos por sus cuatro aros. Para celebrar el 150 aniversario de su fundación, el museo alberga ahora –y hasta finales de 2022– El quinto aro, exposición en la que se pueden ver modelos que forman parte de sus orígenes. También se pueden hacer tours por la fábrica, y tiene tiendas y restaurantes temáticos.

PORSCHE MUSEUM

STUTTGART (ALEMANIA) porsche.com

El Bugatti 57SC de 1936 se podrá ver en el Guggenheim hasta septiembre de este año.

• Abierto desde 2009, este museo situado frente a la fábrica de la marca es un destino indispensable para los amantes del diseño por la belleza del propio edificio y cada pieza que hay en su interior, algunas únicas. Alberga unos 400 coches en propiedad, de los cuales aseguran un funcionamiento a la perfección, aunque solo hay expuestos 80.

F OTO S : B Y J E F F R E Y W E ST B R O O K

aperitivo

coches

Demasiado filoso para tocar Un superautomóvil clásico vuelve a rugir, pero esta vez llegó como un modelo híbrido. POR WILL HERSEY

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aperitivo LOS REGRESOS Y LAS REFORMULACIONES retro

en los años de aniversario no son algo raro en el mundo automovilístico, pero las noticias de que un Lamborghini Countach renovado estaba en camino para el 2022 se sintió un poco distinto. Particularmente para cualquiera que haya tenido su propia habitación a mediados de los 80. En ese entonces, era casi ilegal no tener una imagen con un marco barato de un Countach en la pared, muy probable a la izquierda de un póster de Los cazafantasmas, y encima de una pila de los libros de Garfield. Parecía más una nave espacial que un auto, con líneas que parecían demasiado filosas para ser tocadas, todo respecto al Countach se sentía extremo y peligroso. Te preguntabas sorprendido cómo sería abrir esas puertas de tijera con tus propias manos y, con el mismo asombro, cómo el conductor podía ver desde esa posición tan reclinada. De hecho, era tan mala la visibilidad que fue necesario sumar un sistema de periscopio. Pero este, definitivamente, no es un carro por el cual te puedas quejar por su impracticabilidad. El Countach fue una manifestación pura de la ambición y los sueños infantiles de los 80, un estatus cultural que fue convertido en algo nuevo para las generaciones más jóvenes cuando apareció en The Wolf of Wall Street, como el auto de escape de Leonardo DiCaprio después de su abuso de metacualona. En verdad, el Countach ha sido la atracción de muchas personas, sorprendiendo a todos

desde 1971 en el Geneva Motor Show, donde fue revelado bajo el concepto de LP500, y más tarde en producción en 1974, como el resultado de la fase de estilo de cuña del creativo diseñador Marcello Gandini, quien ya había diseñado al hermoso, elegante y (bastante) distinto predecesor del Countach, el Miura, y también tiene en su trayectoria clásicos que incluyen el Renault 5 Turbo y el original BMW 5 Series. Gandini también ha confirmado desde entonces la leyenda detrás del nombre de Countach, derivado de una grosería piamontesa usada para expresar asombro (que se traduce a algo similar a “plaga”) repetidamente mencionada por un miembro de su equipo local de proyectos. Dicho miembro estaba en constante asombro de saber en lo que trabajaba. Gandini al inicio sugirió de broma que podía ser un buen nombre, pero también parecía funcionar muy bien en otros idiomas y por eso decidieron dejarlo. Lo más importante es que el Countach anunció una nueva era para el supercarro; aquí estaba una visión de cómo sería el futuro. Llegó la era moderna que continúa hasta hoy en día. Se convirtió en la insignia de Lamborghini durante los siguientes 20 años y esa silueta de cuña ha permanecido como el diseño rúbrico de cada Lambo desde entonces. “El primer Countach ha estado presente en nuestro Centro Stile como modelo de referencia durante muchos años”, dice el director de diseño de Lamborghini, Mitja Borkert. “Cuando

¿Quién puede culpar a Lamborghini por caer en la tentación y anunciar el Countach LP1 800-4?

lo ves, se te enchina la piel y funciona como el recordatorio perfecto para mí y todo el equipo de diseño para crear cada Lamborghini de una manera futurista y visionaria”. Y también, con la celebración del 50 aniversario, ¿quién puede culpar a Lamborghini por caer en la tentación y anunciar el Countach LP1 800-4? En palabras del CEO Stephan Winkelmann, “recrea cómo el icónico Countach de los 70 y 80 pudo haber evolucionado en un supercarro deportivo élite de esta década”. Con ese discurso, tenemos que confesar que sí cumple con todo lo dicho. Las referencias están ahí: rejas finas, delgada nariz, luces rectangulares, ventilas laterales y –por supuesto– las puertas de tijera. Claro, no cuenta con alerones, pero pues no puedes tenerlo todo. En un campo ahora repleto de supercarros, el Countach no presenta la misma amenaza, pero predecir que esta nueva versión tendrá –al menos– la mitad del impacto que su predecesor original, sería una locura. Es lo suficientemente bueno para funcionar tanto en sus propios términos como un homenaje ejecutado a la perfección. Chasis de carbono, paneles corporales, respiradores impresos en 3D y techo fotocromático son algunas de las adiciones del siglo XXI. Y, al llevar el nombre Countach, también debía presumir un rugiente motor V12, ahora con el acompañamiento de un motor eléctrico. Tendrá las mismas características híbridas que un Sian, de hecho, será un V12 de 6.5 litros con un motor de 48v creando una combinación de 804 caballos de fuerza. Así que, mientras el carro se mueva, resulta posible almacenar energía adicional en un supercapacitor, misma energía que puede ser enviada a las llantas las veces que sean necesarias. Y vaya que se necesitará. Dado que el Countach original existió en el apogeo de los Top Trumps, sería absurdo no dar los números del Countach LPI 800-4: 0-62 en 2.8 segundos; 0-124 en 8.6 segundos; una velocidad máxima de 355.7 kilómetros por hora. Solo 112 modelos serán manufacturados en honor al nombre original del proyecto Countach, LP112, con los colores originales de los ejemplares de los 70. Cada uno costará alrededor de dos millones de libras; sí, sabíamos que sería caro. Y era obvio si consideramos la odisea en la que se embarcó Lamborghini para sacar esta icónica reinterpretación. Sin duda hay algunos compradores, tal vez ahora en sus cuarentas, cuyos sueños de tener un Countach puedan volverse realidad después de haberlo visto tanto tiempo en las paredes de sus habitaciones. Para cualquiera que no haya entrado a la corta lista, la película Los cazafantasmas está disponible en Netflix.

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Cuatro maneras de llevar el traje perfecto

Por el mes del padre –y de la mano de Diseños Labor– en Esquire te presentamos a este cuarteto de exitosos papás que comparte un gran estilo al vestir. POR ALFONSO PARRA FOTOS WESHOOTMUCH ESTILISMO RODRIGO ALCÁNTARA

estilo

BENNY IBARRA DEL LLANO @bennyibarra Músico, compositor, cantante y actor “Actualmente, soy parte de los 90s Pop Tour, también de Cumbia Machine, un proyecto muy divertido con mi compadre Eric Rubin y las Sonoras Santanera y Dinamita. Por otra parte, tengo mi monólogo teatral, Novecento, y estoy trabajando en la preproducción de un nuevo disco que sería mi primer trabajo como solista después de 10 años, lo cual me tiene muy contento”.

Benny papá “Si le preguntas a mis hijos, supongo que te dirán que soy un padre ‘a toda madre’. Busco un balance en la manera como los educamos, siempre pensando que nuestros hijos puedan hablar ciertas cosas con su padre y otras con su madre. Mateo tiene 19 años de edad y María 24; a estas alturas vemos con satisfacción que el trabajo que hicimos como padres se logró y son buenas personas, chambeadores, seguros de sus convicciones y con curiosidad, lo cual valoro mucho”.

Benny y la moda “Me gusta jugar con ella y usarla como una herramienta para escapar de mi cotidianidad. Soy bastante sencillo en cuanto a lo que uso en el día a día, pero cuando me ponen una prenda encima para una sesión de fotos como esta, así como cuando tengo una cámara en frente, lo disfruto muchísimo”. Benny usa un traje completo rayado de Calvin Klein. Joyería, Karizia.

GUILLAUME GUEVARA @guillaumeguevara Consultor de marketing Guillaume (quien se autodefine como “milusos”) estudió administración de hoteles internacionales en Suiza y terminó su carrera en Australia. Su carrera lo ha llevado a trabajar en Barcelona, Londres o Nueva York, entre otras ciudades. Aunque hoy en día trabaja para marcas de diferentes actividades, no sería raro verlo asesorando algún nuevo proyecto hotelero con la mente ágil y brillante que lo caracteriza.

Guillaume papá “Creo que soy un papá muy relajado. Me gusta generar felicidad a mi hijo, darle amor constante

y una infancia memorable. Soy fan de crear situaciones de felicidad. Irnos de fin de semana a un hotel con alberca, pedir al menos una cena de room service y disfrutarla entre los tres. Una pizza, un helado, ver una película y él se duerme feliz. Se trata de crear recuerdos”.

Guillaume y la moda “Nunca he trabajado directamente en la moda pero siempre he tenido un gusto especial por ella, como cuando trabajé en el hotel Carlyle, en Nueva York. A lo mejor no le dedico el tiempo suficiente, aunque siempre me da gusto ver gente bien vestida, sea de forma ‘elegante’ o ‘loca’. Es válido”. Guillaume usa un traje completo de Lauren Ralph Lauren. Playera, H&M. Joyería, Bulgari.

aperitivo HORACIO PANCHERI @horaciopancheri Actor El exitoso argentino radicado en México, acaba de terminar una obra de teatro, por lo que en la actualidad se encuentra haciendo una pausa laboral para descansar, asistir a muchos castings y aprovechar también el tiempo para viajar, una de sus grandes pasiones.

Horacio papá “Aunque mi hijo Benicio está un poco lejos, trato de estar lo más presente posible y, cuando nos vemos, darnos mucho amor y calidad de tiempo. Hablamos muy seguido y estoy en su vida. Soy muy divertido con él, pero igual, si hay que poner mano dura y regañarlo por algún motivo, también lo hago, sin dudarlo”.

Horacio y la moda “Me atrae mucho la moda y siempre estoy pendiente de las tendencias; eso sí, bajo la premisa de estar cómodo y relajado. Me gustan los colores y las telas novedosas, veo lo que va saliendo, qué me gusta y me queda bien”. Horacio usa traje completo azul eléctrico de Michael Kors. Camisa, Materia Cero. Joyería, Bulgari. Zapatos, Zegna.

estilo

ALAN HUBER @alanwentriding Creador de People for Bikes Hace un poco más de 10 años que fundó esta empresa que ahora tiene cinco sedes en la Ciudad de México, ubicadas en Polanco, Roma, Coyoacán, Santa Fe y Lomas de Chapulpetec. “Yo no era tan aficionado a la bici pero un día un tío me invitó a hacer un recorrido y me encantó. Al adquirir mi bici tuve una muy mala experiencia de compra y justo en ese momento pensé: ‘Aquí hay un área de oportunidad’. Incubé el proyecto en la Universidad Iberoamericana, donde estudié, y fue ahí cuando abrimos la primera tienda. Me da gusto ver cómo en México ya el uso de la bici es toda una industria en todo tipo de disciplinas: montaña, urbano...”.

Alan papá “Soy el mejor papá”, declara y sonríe. “Uma tiene dos años, es una niña demandante, superinteligente y la única nieta, entonces resulta el centro de atención. La llevo todos los días a la escuela y la baño. Disfruto muchísimo mi relación con ella”.

Alan y la moda “En general visto casual, playera, jeans, tenis, y con este clima uso mucho shorts. Tengo como premisa que sea ropa con la que me sienta bien y cómodo”. Alan usa saco de Nautica Tailored y pantalón de Diseños Labor. Playera, H&M. Tenis, Hogan.

G R O O M I N G D AV O S T H E B A N É PA R A G I V E N C H Y B E A U T Y ASISTENTE DE BEAUTY ANNA MORTERA DISEÑOS LABOR @DISENOSLABOR DISENOSLABOR.COM

aperitivo

relojes

EN EL MUNDO SE VENDEN MÁS APPLE WATCH

que relojes fabricados por todas las firmas suizas juntas, lo que nos recuerda que hace muchos años EEUU fue el gran competidor mundial de Suiza en cuestiones relojeras. Firmas como Hamilton, Bulova y Ingersoll fabricaron millones de relojes cada año para satisfacer la demanda de una sociedad de frenético crecimiento. Muchas son las causas de su posterior declive, pero, antes de eso, de la industria relojera estadounidense salieron creaciones de gran valor técnico y algunas incorporadas de por vida a la iconografía del american way of life. Conocemos bien ese estilo de vida porque hemos crecido con él gracias al cine, y es aquí donde Hamilton entra en acción. Un reloj de la firma apareció por primera vez en la pantalla en El expreso de Shanghái, en 1932, y desde entonces lo ha hecho en más de 500 películas. Quizás te acuerdes del reloj que lleva la tripulación de 2001, una odisea del espacio: lo creó Hamilton a petición de Stanley Kubrick. Igual de curiosa es la pieza creada en 1957 y comercializada con el nombre de Ventura, el primer reloj eléctrico puesto a la venta en EEUU, un componente revolucionario que su creador, el diseñador Richard Arbib, trasladó a su exterior con una llamativa forma asimétrica que parecía sacada de una película de ciencia ficción de la época. Hamilton tuvo la habilidad de poner el Ventura en la muñeca del mismísimo Elvis en Amor en Hawái (1961) y convertirlo así en un símbolo. El mismo efecto se repitió años más tarde (1972) con el lanzamiento del Pulsar, el primer reloj digital del mundo. Fue una pieza pionera que, paradojas de la vida, acabaría firmando la sentencia de muerte de la industria relojera estadounidense. Sic transit gloria mundi.

Hoy en día Hamilton mantiene viva toda esta herencia. Sus relojes ya no se fabrican en EEUU, como nos revela el sello Swiss Made que aparece en las esferas. Sin embargo, el espíritu de aquellas piezas pioneras sigue estando presenta en el catálogo de Hamilton, como nos demuestra el renacimiento de aquel mítico Pulsar, hoy convertido en el PSR Digital Quartz.

Sueño americano Se cumplen 130 años de la creación de Hamilton, el gran icono de la relojería de EEUU. POR ANDRÉS MORENO

EL PIONERO

Hamilton fue la primera firma en comercializar un reloj digital. Aquel Pulsar de 1971 renace ahora en forma de PSR Digital Quartz, ahora disponible en versión negro.

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¡El juego lo es todo! El cocodrilo más famoso del planeta se pixela y nos sorprende con LacostexMinecraft, colaboración que incluye una colección de nuevos básicos para la temporada primavera/verano 2022. Ideal para expresar tu propio estilo (en el mundo real o virtual). POR IKERNE MESTRE

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música

LA ICÓNICA MARCA FRANCESA firmó una colaboración con el videojuego Minecraft, la cual fue dada a conocer recientemente en un evento en el corazón de París. Se trata de una invitación a jugar en torno a una filosofía común. El punto de partida es la ayuda mutua para construir un mundo mejor y la oportunidad de descubrirse a uno mismo como jugador, entusiasta y miembro de una comunidad. ¿A quiénes está dirigida? Gamer, discreto, deportivo, explorador o arriesgado, hay tantos perfiles como jugadores. Lacoste x Minecraft se presenta como la mezcla perfecta entre dos universos. Todos los elementos esenciales que han hecho a Lacoste el emblemático nombre que es hoy a nivel global, mezclados con los ágiles y divertidos gráficos pixelados de Minecraft. Para esto, el cocodrilo ha sido rediseñado por el Minecraft Creative Studio y las citas de ambas compañías en torno a la noción de juego se transmiten en las piezas clave presentadas. Los valores comunes se ven claramente tanto en las piezas símbolo de Lacoste (como la polo estampada, una genial sudadera monocromática, o la gorra con el logo que ¡ya la queremos!), sumados a los elementos más deportivos (como sujetadores deportivos con logo y leggings tapered). Encontramos una colección de nuevos básicos muy versátiles, diseñados para expresar de manera fiel y natural el estilo de quien la porta.

Un vestuario de 360° para hombres, mujeres y niños, adornado con los gráficos pixelados de Minecraft. Esta colaboración es también una exploración tanto en lo físico como en lo virtual. Para el lanzamiento se desarrolló especialmente el mapa Minecraft Croco Island, inspirado en el universo del conocido videojuego y disponible de forma gratuita para jugadores de todo el mundo. El mapa fue creado por el artista musical Brawk y el creador de videos Smajor, presentado junto con los jugadores Atomicmari y Shubble durante el reciente lanzamiento. Aventureros, brillantes, amantes del , todos los estilos de jugadores ahora pueden usar un uniforme hecho a la medida. ¡Una colección que se centra en la singularidad de cada quien para celebrarlo y vivir el juego divertido que es la vida!

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momentos

Un gran evento Con éxito de asistencia y nivel deportivo, se realizó la más reciente edición del Longines Global Champions Tour en la Ciudad de México, el cual reunió a los mejores exponentes de la hípica mundial. FOTOS EINAR GONZÁLEZ

Arriba, derecha: Manuel Velasco, Anahí Puente y Luis Peyrelongue. Izquierda, de arriba a abajo: Antonio Chedraui, Mauricio Amodio, Elena del Barrio, Carol Cabrera y Gustavo Alva. Al centro, en su caballo, Patricio Pasquel. Abajo, derecha: Marco Ramírez, Livia Montovani y José María Torre.

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qué beber

A PLINIO EL VIEJO LE GUSTABAN LAS BEBIDAS

y –según los rumores– especialmente si provenían de las vainas que crecían entre los ríos Douro y Minho. Esta región, en la punta noreste de Portugal, es la cuna de un vino famoso por su refrescante sensación. Se llama vinho verde, y su popularidad ha disminuido desde la famosa época en que los filósofos clásicos andaban de parranda. Significa “vino verde”, traducido directamente del portugués, pero no tiene nada que ver con el color de su contenido burbujeante y color menta. “La región vinho verde al noreste de Portugal también es un distrito muy verde y de ahí proviene el nombre”, de acuerdo a Joshua Castle, el director sommelier del restaurante, bar y distribuidor de vinos, Noble Rot. “Aquí se hacen vinos relajados, y el vinho verde se ha hecho mucho más popular después de la conmoción que causó Chin Chin” -una bebida etiquetada de manera astuta que se popularizó especialmente en Europa. “Es un vino accesible, es crujiente, es veraniego y para el bebedor que quiera llevarlo al siguiente nivel, también hay variedades de uva“, convirtiéndolo en la opción perfecta para los enófilos y grandes bebedores. Un nuevo vino veraniego es más que bienvenido, especialmente después de la resaca del año pasado, cuando el acaparamiento del vino de naranja en los bares, restaurantes y en las publicaciones de Instagram parecía que se quedaría para siempre. Nadie quiere eso. Sin embargo, lo que sí queremos es un vino sin una etiqueta que lo haga pasar por algo mejor de lo que es en realidad. “Ese es el tema: nos encantan los vinos extranjeros pero, cuando llegamos a casa, nos damos cuenta de que no es tan bueno”, dice Castle, con una impresionante honestidad. “Pero eso no ocurre con el vinho verde. Sabe bien en todos lados. Puedes beber dos o tres botellas y no afectará tu bolsillo, y habrás disfrutado de su gran sabor”. Algunas botellas son mejores que otras. La del Chin Chin es un buen comienzo. Pero Castle también recomienda Aphros, un vino cítrico que describe como “bastante serio”, junto con Quinta da Palmirinha (“para una sensación única en tu paladar”) y cualquiera de Anselmo Mendes, “el más asociado con el vinho verde”, obvio en segundo lugar después de Plinio El Viejo.

Hora de enverdecer Todos sabemos que el vino de naranja es cosa del pasado. POR MURRAY CLARK

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Feliz día

del

PADRE

Sabemos que darle un regalo a papá es la tarea más difícil por eso este año regalale unos increíbles jabones traídos especialmente de Italia para él.

Encuentranos en:

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lugares

producción de las diferentes regiones, y de las maestras y maestros mezcaleros”. Bajo el liderazgo y la curaduría de Javier Gómez, como director de bebidas de los restaurantes de Olvera en México, la coctelería de Ticuchi apuesta por una propuesta “elegante y sobria, pero que se divierte explorando con las frutas de temporada sacando el máximo provecho a los destilados”. Nos cuenta Javier, quien fue jefe de barra de Atla, en Nueva York, y se integró a la compañía en septiembre pasado que “el uso de azúcar es mínimo ya que se potencializa el sabor y dulzor propio de cada fruto”. Es importante mencionar que los vegetales ocupan un lugar importante en la propuesta de alimentos de Ticuchi, complemento ideal y a la medida a las bebidas. Mi platillo preferido allí es el tamal de esquites, una verdadera delicia, pero su cocina tiene que ver de manera importante con la pesca disponible. Al igual que en otros de los proyectos del chef Enrique Olvera, todos los ingredientes del menú son de temporada y provienen de pequeños productores respetuosos con el medio ambiente. Eso si, los miércoles en la noche son muy importantes aquí. Te dejamos como tarea averiguar por qué. Francisco Petrarca 254, planta baja. Ciudad de México. @ticuchi.mx

Un lugar llamado Ticuchi

Si vives en la Ciudad de México (o la visitas) conoce este lugar especial, producto de la mente creativa de Enrique Olvera y su equipo. POR ALFONSO PARRA

velas, lo cual crean una atmósfera íntima, misteriosa y encantadora donde la barra es el corazón del lugar. Allí te atienden bartenders profesionales, preparados y amables, quienes guían a los comensales en la explración del menú de bebidas provenientes del estado de Oaxaca. Ticuchi busca “propiciar un diálogo sobre la diversidad y particularidad de los diferentes destilados, y también sobre los procesos de

J AV I E R G O M E Z

Ticuchi significa murciélago en lengua mixteca y es el nombre de la barra de agaves que abrió en aquella casa de la colonia Polanco, donde durante años funcionó Pujol, en el número 254 de la calle Petrarca. Diseñado por el arquitecto Javier Sánchez, es un lugar con un interior muy especial: al hacer un recorrido encontramos toques en terciopelo, madera y concreto iluminados por la luz de las

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Espacio que inspira la escritura

En exclusiva, estuvimos en la inauguración de la Montblanc Haus, mágico lugar con tres plantas y 3600 m2, que revela la riqueza histórica de la marca, acompañados por Oscar Isaac, Maggie Gyllenhaal y el mexicano Isaac Hernández, entre otros. POR DIEGO SÁNCHEZ DE TAGLE HAMBURGO ES LA SEDE Y EL HOGAR de esta

Maison desde su fundación en 1906, por lo que no sorprendió que fuera la ciudad escogida para abrir su Haus, con el objetivo de llevar a sus visitantes a descubrir el increíble y enigmático mundo de la escritura, que ha sido su esencia (especialmente con tinta, experiencia 100% diferente y especial). Valiéndose de creatividad, imaginación y emoción, las salas inmersivas nos llevaron a descubrir ese universo a través de juegos con los sentidos y la interacción desde un lado diferente y menos conocido.

Recorriéndola, nos encontramos –por ejemplo– con la sala Dejando huella, donde existen más de 30 manuscritos originales de célebres personalidades como Frida Kahlo, Ernest Hemingway, Albert Einstein, y Spike Lee, además de un libro digital para que los visitantes firmen y dejen su impronta, logrando así una experiencia más íntima. La gala inaugural contó con 300 invitados y amigos cercanos a Montblanc como Maggie Gyllenhaal, Daniel Brühl, Oscar Issac, Peggy Gou, Emilia Schüle, Feng Tang, Dree Hemin-

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gway y el bailarín mexicano Isaac Hernández, entre otros. Durante la cena ofrecida, Nicolas Baretzki, CEO, dio unas cálidas palabras de bienvenida y luego tuvimos la oportunidad de disfrutar un tour privado acompañados por Alexa Schilz, directora del proyecto, y del equipo de Nieto Sobjeano, despacho arquitectónico responsable del diseño del edificio. Supimos cómo cada detalle fue cuidadosamente analizado para que los visitantes vivan un recorrido único que podría comenzar por la experiencia “Pulso de la escritura”, la cual abre los archivos históricos de la marca con piezas que se remontan a los años de su fundación. Para Schilz, uno de los objetivos centrales fue buscar que el espacio fuera lo más dinámico e informativo posible. Para asistir a la Montblanc Haus, solo necesitas comprar los boletos en la web de la marca, por un precio de 14 euros. Dentro del edificio, igualmente se encuentran la cafetería y tienda, donde es posible adquirir ediciones especiales de algunas de las piezas de escritura más atractivas.

ESQUIRE

PARA

DOCKERS

VERSATILIDAD Y CONFORT Dockers, la marca de los khakis, ha llegado con una increíble propuesta de calzado, ideal como el mejor regalo para el Día del Padre: nuevos modelos para todo tipo de personalidad acompañados del creador de contenido, Rafael Luhrs (@rafaelluhrs). Por Ikerne Mestre Fotos Christopher Armenta

Chamarra, playera y zapatos, Dockers

ESQUIRE

PARA

DOCKERS

Nada como un producto decididamente urbano, además de elegante y refinado, para armar tus diferentes looks del día a día. Desde unos botines con inspiración citadina hechos a partir de lona, piel sintética y suela antiderrapante, hasta unos slip-ons ultraligeros en tejido de punto y piel sintética. La más reciente colección de zapatos de Dockers incluye las más cómodas sandalias casuales tipo Fisherman, así como un amplio repertorio de zapatos de vestir, además de modelos de botas con acabados vintage que nos han encantado. Visitamos el hotel Brick, en la colonia Roma de la Ciudad de México, para acompañar al director creativo, Rafael Lührs, quien nos enseña aquí lo mejor de su estilo.

EL REGALO IDEAL PARA PAPÁ Algunos de los modelos principales de calzado Dockers son: Atlanta Marino Se trata de un botín de inspiración urbana, muy fácil de combinar, ideal para una ocasión donde requieres verte perfecto, desde una entrevista de trabajo u otro momento totalmente diferente, como el encuentro con amigos. Atlanta Café Excelente para la ciudad, este calzado se convertirá en uno de tus preferidos: podrás llevarlo con jeans, por ejemplo, o tus pantalones de vestir favoritos. Escandinavia Marino Tan fantástico modelo se caracteriza por su suavidad, lo cual lo hace muy atractivo. Si eres de los que valoran las ventajas de la cómodidad –¡elemento indispensable!–, este diseño protagoniza como tu gran alternativa. Portland Marino Cuando tengas un plan donde la informalidad es parte de tu día, confía en esta opción. Llévalos contigo y siéntete seguro. Ellos te aportarán espíritu de aventura y dinamismo. Sobrecamisa, playera y zapatos, Dockers. Jeans, propiedad de Rafael

Estilismo Gustavo González Maquillaje y peinado Juan Carlos Martínez

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Diego Boneta: el futuro se llama Hollywood

DUEÑO DE UN GRAN MOMENTO PERSONAL Y PROFESIONAL, CON DOS ESTRENOS EN ESTE 2022, EL ACTOR, CANTANTE Y PRODUCTOR POSA PARA NUESTRO LENTE COMO AMIGO GLOBAL DE TIFFANY & CO., REVELANDO SU LADO MÁS HUMANO Y VULNERABLE. Por Mario P. Székely Fotos Matallana Estilismo Warren Alfie Baker Producción Alfonso Parra

Ambas páginas, total look Boss. Zapatos, Louboutin. Joyería: collar, HardWear, Tiffany & Co. Anillos y pulseras, Tiffany T1, Atlas, Tiffany T y Hardwear, Tiffany & Co.

Total look, Louis Vuitton. Playera, Scott Fraser Collection. Joyería: collar, HardWear, Tiffany & Co. Anillos y pulseras, Makers y HardWear, Tiffany & Co.

Antes de comenzar nuestra charla, sonríe al recordar cuando le cantó a Estefan su canción favorita de Luis Miguel, “El día que me quieras”, durante la fiesta de clausura de El padre de la novia, y cómo terminaron entonando juntos “Don´t Stop Believin!”. La entrevista se lleva a cabo un par de días después de realizar la sesión de fotos que acompaña estas páginas en Los Ángeles, donde se sentó a platicar con nosotros sobre lo que ha significado para él fundar su propia compañía productora (Three Amigos) y muchos otros temas, como la nueva masculinidad y el derecho de los hombres a ser vulnerables. ESQUIRE. TE SUMAS A UNA NUEVA VERSIÓN DE FATHER OF THE BRIDE, PELÍCULA QUE FUE UN VERDADERO CLÁSICO EN 1950, CON LEYENDAS DE LA ACTUACIÓN COMO SPENCER TRACY Y ELIZABETH TAYLOR, Y QUE EN 1991 STEVE MARTIN Y KIMBERLY WILLIAMS-PAISLEY LLEVARON A UNA COMEDIA MEMORABLE. EN ESTA OCASIÓN, EL PADRE ANGUSTIADO ES ANDY GARCÍA Y TE TOCA ROBARLE LA ATENCIÓN DE SU HIJA, INTERPRETADA POR ADRIA ARJONA. ¿CÓMO TE SENTISTE? ¿FUE UNA OPORTUNIDAD PARA EXPLORAR EL HECHO DE SER LATINO?

El padre de la novia es una película que el mundo necesita, una comedia romántica. Y claro que viene de un clásico con sus versiones anteriores, pero aquí estamos contándola de una manera distinta. Una de las diferencias principales es que el personaje de Andy García (Billy) y el de Gloria Estefan (Ingrid), al inicio de la historia se van a divorciar. Ellos piensan decirlo la misma noche que Adria Arjona (Sophie) revela que se va a casar con mi personaje (Adan). Adria es cubano-americana y mi personaje es el de un chavo mexicano que se fue a Nueva York a estudiar leyes, donde conoce a su novia. Algo que me emociona mucho es que resulta la primera vez en Hollywood –según recuerdo– que se muestran diferentes culturas latinas interactuando. Es bueno enseñar lo siguiente: aunque compartimos el mismo idioma, el español, ser mexicanos, cubanos o españoles no significa necesariamente que hablamos igual o tenemos los mismos referentes y costumbres. Hay diferencias y la convivencia de las distintas culturas es lo bonito. También en esta película abordamos lo que simboliza la nueva masculinidad en nuestros días. Tienes a un nuevo personaje como el de Andy García, que es alguien tradicional, latino, migrante en Estados Unidos y muy conservador, en contraste con Adan, mi personaje, parte de la nueva generación de hombres a los cuales no les importa ser vulnerables. Es algo que la película trata en medio del drama y el humor de las escenas. Recuerdo, por ejemplo, este momento en el que Billy le pregunta extrañado a su hija: “¿Tú le pediste matrimonio a él, en vez de él a ti?”.

DIEGO BONETA.

UNA RÉPLICA DEL EMBLEMATICO LETRERO DE HOLLYWOOD,

situado sobre una de las colinas de la ciudad de los Ángeles, a donde llegó tiempo atrás acompañado de su familia, era el marco perfecto para simbolizar un paso trascendental en la carrera de Diego Boneta tras años de castings y entrevistas. Hace 10 años (2012) se estrenaba Rock of Ages, musical llevado al cine con Tom Cruise y Catherine Zeta-Jones en papeles estelares del reparto y, a su lado, el joven mexicano con su guitarra eléctrica cantaba con destreza el himno “Don’t Stop Believin”, de Journey, oportunidad de oro. Dos lustros después, el actor y músico ha seguido con pasos firmes, ganándose a pulso el ser una figura fundamental dentro del selecto grupo de latinos que hoy tienen, por derecho propio, el respeto del público, de sus colegas y de la industria del entretenimiento, y un lugar en la competida y difícil tierra de las estrellas. Para Boneta, quien hiciera sus primeros pinitos cantando a los 13 años de edad en Código Fama (el primer reality show de niños en México), la música no ha dejado de estar presente en su carrera y de ser aliada fundamental en varios de sus proyectos de actuación. Hoy, a los 31 años, cuando despierta y se asoma a la ventana para ver el amanecer californiano desde su hogar en West Hollywood, tiene claro, sin pretensiones, que va en el camino correcto y que todos los pasos que ha dado han estado cimentados por las enseñanzas de su familia. El compromiso con sus sueños y sus ganas de triunfar lo han ido llevando en el camino a ser un hombre moderno, que ha podido decidir lo que ha querido a través de sus facetas como artista, como empresario-productor y hombre de familia. Tras la caída hace pocos meses del telón de la exitosa Luis Miguel: La serie, que lo colocó de manera definitiva en el mapa mundial, este verano Diego llega a nuestra portada para compartir el estreno de El padre de la novia, donde actúa junto a luminarias latinas como Gloria Estefan y Andy García, de la mano a la guapa y talentosa Adria Arjona, en una versión con acento hispano de Father of the bride, dirigida por el mexicano Gary Alazraki (el mismo de Nosotros los nobles, 2013), que se estrena este 16 de junio por HBOMax.

ESQ. ¿QUÉ TANTO SE PERMITE EL DIEGO BONETA DE HOY SER VULNERABLE EN SU VIDA PERSONAL? D.B.: En esta película, Adán, como te decía, es un cuate que

se da la oportunidad de ser vulnerable. A mí, en lo particular, me gusta ese punto medio. Me gusta, por ejemplo, ser caballeroso y abrirle la puerta del coche a una mujer o ponerte de pie cuando ella deja la mesa. Creo que no siempre debes hacerte el fuerte. Debes entender que es bueno no tener que estar bien todo el tiempo. Platicar de ello, abrirte e ir a terapia. Me parece, incluso, que a las mujeres se les hace más atractivo estar con alguien tan consciente de sus emociones y de lo que está pasando, que justo por ello trabaja en sí

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Pantalones y chaleco, Fendi. Zapatos, Louboutin. Joyería: anillos y pulseras, Tiffany T y HardWear, Tiffany & Co.

“CREO QUE NO SIEMPRE TIENES QUE HACERTE EL FUERTE. Es bueno no tener QUE ESTAR BIEN TODO EL TIEMPO, Me parece que A LAS MUJERES SE LES HACE INTERESANTE ESTAR CON ALGUIEN consciente de sus EMOCIONES” mismo, porque al final de cuentas, si no te quieres a ti es imposible que puedas querer a alguien más. Eso de que los hombres no lloran es una postura en la que no creo. ESQ. HAS SIDO MUY UNIDO A TU FAMILIA, ¿QUÉ TANTA INFLUENCIA TIENES DE ESAS FIGURAS FEMENINAS COMO TU MAMÁ Y TU HERMANA, A QUIENES SABEMOS QUE QUIERES Y ADMIRAS MUCHÍSIMO? D.B. Como

bien dices, he tenido figuras femeninas fundamentales en mi vida, mujeres fuertes de las que aprendo todos los días muchísimo. Astrid, mi mamá, es la reina de mi mundo, y Natalia, mi hermana, es la aliada de mis sueños, con quien trabajo ahora (somos socios en nuestra productora Three Amigos). También tengo siempre presente a mi abuelita Pepa, que en paz descanse, la mamá de mi mamá. Aprendí mucho de cómo tratar a las mujeres por ellas y también por Lauro, mi padre. Si los ves juntos, te das cuenta que él vive para mi mamá y que mi mamá vive para mi papá. Él para mí es un gran ejemplo de lo que es ser un caballero. Me siento muy afortunado de tenerlos, el mejor modelo de lo que es un matrimonio hoy por hoy. Creo en la importancia de ser un gentleman. Si le abro la puerta a mi novia no es porque ella no pueda ella o por cualquier otra razón, sino porque la quiero, por atención, de la misma manera que lo hago con mi mamá, mi hermana o cualquier mujer. ESQ. EN EL PADRE DE LA NOVIA VEMOS EL TEMA DE LA COMPLICIDAD EN LA PAREJA PARA RESOLVER PROBLEMAS JUNTOS. ¿QUÉ VALOR LE DAS A ESE TRABAJO EN EQUIPO EN UNA RELACIÓN? D.B. Creo que no hay nada más padre que tener esa compli-

cidad con tu pareja. Ser mejores amigos y hacer equipo en todo sentido. Eso es algo que también veo en mis papás, además de una admiración especial del uno por el otro. Valoro mucho la comunicación y la confianza en una pareja.

ESQ. ¿CÓMO TE SIENTES HOY CON TANTOS Y TAN IMPORTANTES PROYECTOS EN LA MIRA Y CON UNA CARRERA LLENA DE LOGROS? DB: Luis

Miguel: La serie fue un proyecto que me cambió la vida, profesional y personalmente. Como actor ha sido el reto más grande afrontado, especialmente por representar a un mismo personaje a lo largo de más de tres décadas de su vida. Fue un desafío actoral y vocal, canté todas las canciones de Luis Miguel en el tono original que él lo hizo y lo representé desde los 17 hasta sus 50 años. Me siento muy satisfecho de haberlo hecho como lo hicimos y así fue el inicio de un nuevo capítulo dentro de mi vida.

ESQ. TE VOLVISTE DE ALGUNA MANERA UNA ESPECIE DE SÍMBOLO PARA LA GENERACIÓN QUE COMPARTE LA MISMA EDAD DE LUIS MIGUEL, ¿LLEGASTE A SENTIR ESA SENSACIÓN DE SER UNA ESPECIE DE ”SEÑOR NOSTALGIA”?

En lo personal soy nostálgico. Me gusta escuchar todo el tiempo música de los 70 y 80. Soy muy old school en ese sentido, pero sí, la gente conectó muchísimo con el

D.B.

Total look, Louis Vuitton. Joyería: collares, HardWear, Tiffany & Co. Anillos y pulseras, Tiffany T y HardWear, Tiffany & Co.

“CREO DECIDIDAMENTE EN HACER EQUIPOS CON la mejor gente POSIBLE. fundamos deseamos hacer HISTORIAS CONTADAS CON

MAQUILLAJE Y PEINADO PIRCILLA BAE

Total look, Zegna. Joyería: anillos, Tiffany T1, Tiffany & Co. Pulseras, Tiffany T y HardWear, Tiffany & Co.

EN LA PRODUCTORA que la mejor calidad posible” personaje. La verdad es que se me hace raro cuando hay gente que llega y me dice: “Es que para nosotros tú eres Luis Miguel”. Soy Diego, no Luis Miguel; sin embargo, lo tomo como un halago.

siempre va a verse de frente con el rechazo en muchas ocasiones y es algo que debes aprender a aceptar, a no tomártelo personal. Aún hoy en día, en mis audiciones, traigo conmigo ese impulso y sensación de mis primeros días. Nunca olvido esos momentos difíciles, pues creo que son los que te hacen más fuerte. ESQ. SI EXISTEN LOS DIOSES DEL CINE, ESTOS SIN DUDA TE HAN BENDECIDO CON LA PRESENCIA DE MUCHAS LEYENDAS VIVIENTES PRESENTES EN TU CARRERA: DESDE TU DEBUT EN ROCK OF AGES CON

ESQ. EN ESTA NUEVA ETAPA PROFESIONAL CREASTE TU PROPIA PRO-

TOM CRUISE, JAMIE LEE CURTIS EN SCREAM QUEENS, ARNOLD

DUCTORA, THREE AMIGOS. ¿DE DONDE SURGIÓ LA IDEA Y CÓMO TE

SCHWARZENEGGER EN TERMINATOR: DARK FATE, EL MISMO LUIS

HAS SENTIDO HACIÉNDOLO?

MIGUEL Y AHORA CON GLORIA ESTEFAN Y ANDY GARCÍA. ¿QUÉ

Three Amigos es para mí un sueño hecho realidad. Valoro enormemente el trabajo en equipo y derivado de ello las relaciones y las amistades que se formaron en mis proyectos anteriores. Mi hermana Natalia es parte de este capítulo de mi vida y estoy feliz, digo que trabajo para ella, que siempre me tiene “en friega” (ríe). A su lado, de manera muy importante, está mi amigo y mánager, Josh Glick. Me encanta también tener cerca a amigos y aliados como Daniel Krauze y el director Humberto Hinojosa, quienes fueron cómplices en la serie de Luis Miguel, lo mismo que al productor y show runner Pablo Cruz, y ahora a Michel Franco, quien me dirigiera en Nuevo Orden. Todos forman parte de esta familia extendida que ahora tengo para crear proyectos que nos apasionan. Con Three Amigos acabamos de cerrar una relación muy especial con Amazon Prime, gracias a la cual ellos tienen la primera opción de ver nuestros proyectos de cine, televisión y podcasts.

APRENDISTE DE ELLOS?

D.B.

ESQ. ¿CUÁLES HISTORIAS QUIEREN CONTAR DESDE TU PRODUCTORA? DB. Creo decididamente en hacer equipos con la mejor gente posible. Estamos haciendo una serie sobre el psicópata Adolfo de Jesús Constanzo, pero también queremos hacer musicales, thrillers sexuales, dramas, comedias… Hacer historias contadas con la mejor calidad posible más allá del género, tanto en México como en Estados Unidos. Con Michel Franco acabamos de producir nuestra primera película desde Three Amigos para Paramount +, se llama At Midnight y se estrenará durante el segundo semestre del año (dirigida por Jonah Feingold y protagonizada por el propio Diego y por Mónica Barbaro). Una comedia romántica y nostálgica que tiene esa onda del cine de los 90, a lo Notting Hill, con toques de Forgetting Sarah Marshall. Allí vamos a mostrar a los latinos de una manera distinta. Les dije a los ejecutivos del estudio: “Quiero hacer una carta de amor a México, porque no ha habido una comedia romántica hollywoodense filmada en mi país”. Contamos con un reparto internacional y con Eréndira Nuñez de Nuevo Orden y Fred Verger, de La La Land, como parte del equipo de producción.

D.B. Tom Cruise ha sido un mentor para mí. Aprendí muchísimo de él observándolo y viendo su disciplina y cómo se prepara para cada uno de sus papeles. La cantidad de horas que tomó clases de canto, guitarra y baile… Es alguien con una entrega total a su trabajo con profesionalismo increíble, sencillez y agradecimiento inmenso por lo que hace. A Jamie Lee Curtis la adoro. Es una tipaza, sumamente profesional y con un gran sentido del humor. Ella es Hollywood royalty. Le tengo muchísimo cariño, una mujer supersencilla y gran persona. De Luis Miguel me quedo con todo lo que me sugirió para ayudarme a preparar mi personaje. Tuvimos una complicidad muy padre. Una vez me dijo: “Diego, esto es solo para ti, para que te luzcas con el personaje”. Me impresionó de él su valentía, la audacia de permitir contar su historia. Posee un sentido del humor que no imaginas. Arnold Schwarzenegger me atrapó con sus ganas de siempre sacar lo mejor de la escena. Es sumamente gracioso y un gran fan de México. Y me gustaría mencionar a Linda Hamilton, cuyo personaje de Sarah Connor resulta un ejemplo perfecto del empoderamiento femenino en el cine desde los 80. A Andy García le tengo muchísimo cariño. Se me hace que es un monstruo actoral. Admiro su disciplina y profesionalismo, la entrega a su personaje y a sus instintos. Fue un gusto trabajar con él. Y Gloria Stefan es el ejemplo de sencillez y humildad. No hay persona más buena onda y trabajadora, siempre con una sonrisa. La adoro, nunca se queja de nada. Compartimos ese amor por la música, lo cual hace la relación muy especial. Diría que Andy García y ella han sido unos de los embajadores del mundo latino que nos abrieron el camino a los demás. ESQ. ¿YA TUVISTE ESE MOMENTO EN EL CUAL TE SIENTAS A VER LO QUE HAS LOGRADO Y A DISFRUTAR LO CONSEGUIDO O SIGUES CONCENTRADO EN SUBIR Y SUBIR, PARA CUANDO YA ESTÉS EN LA MONTAÑA TENDER TU PICNIC, DESCANSAR Y EVALUAR?

D.B. Creo que estoy en una combinación de las dos. Es esen-

ESQ. EN LA VIDA (Y EN HOLLYWOOD) EXISTE AQUELLA FRASE: “DEBES ESTAR EN EL LUGAR Y EN EL MOMENTO CORRECTOS”, PARA QUE LAS COSAS SUCEDAN. ¿QUÉ RECUERDAS DE ESOS INICIOS CUANDO TE BAJASTE DEL AVIÓN CON TUS DEMOS BAJO EL BRAZO, BUSCANDO TU SUEÑO EN EL MUNDO DEL ESPECTÁCULO EN LOS ESTADOS UNIDOS? D.B. Cuando

me mudé a Los Ángeles, pasé un par de años bastante difíciles. Iba a un promedio de cuatro a cinco audiciones por semana y no quedaba en ninguno. En términos de los castings a los que asistimos, un actor

cial poder disfrutar de todo, tanto de los momentos buenos como de los malos, que son de los que más aprendes. Tengo 31 años de edad y siento que cerrar un capítulo tan importante –como lo fue Luis Miguel: La serie– fue algo especial. Ahora lo fundamental es ver hacia adelante, lo que viene, y celebrar estas cosas. En cualquier caso, nunca se trata de montar un picnic y afirmar: “¡Aquí me quedo!”, sino más bien agradecer todo lo pasado y usarlo como motivación. 61 J U N IO 2022

De vuelta a los noventas Con el resurgimiento de esa década, Johnny Davis –quien la vivió en carne propia– recuerda aquellos años de fiesta interminable que la moda y la cultura pop, simplemente, no pueden olvidar.

8 8 J U N IO 2022

AL ABRIR LA PUERTA DE SU HOGAR EN UNA PEQUEÑA CALLE EN BRIGHTON, Norman Cook, de 35 años, alto, calvo y quien

produce música bajo el nombre de Fatboy Slim, se presenta con la siguiente pregunta: “¿Consumes drogas?”. Cook quiere saber ese “pequeño” detalle. Después del viaje en tren desde Londres y con la cabeza aún adolorida de la noche anterior, me río y le respondo: “Creo que sí, no puedo mentirte”. Cook es un drogadicto con una identificación oficial para consumirla y aparentemente todo el mundo lo sabe. “Soy un inútil fiestero y, definitivamente, no soy un modelo a seguir para nadie y no tengo nada más inteligente que decir mas que ‘Ok, consumámosla’, y ya”, confiesa. La casa de Cook está cubierta con rostros amarillos sonrientes, el símbolo adoptado por la cultura del rave. Hay tazas, teteras y relojes sonrientes. Puedo darme cuenta de que Cook administra sus impuestos con una calculadora enorme que también tiene una sonrisa. Entre los clubs de Brighton, la propiedad es conocida como The House of Love, en parte por la decoración y, por otro lado, gracias a su reputación como el lugar de las ridiculeces hedonistas. “Sin importar quién esté tocando en Brighton, invariablemente termina aquí”, dice con orgullo. En una habitación trasera de la parte de arriba, interrumpo a Cook al componer una nueva canción. Cortando pedazos del sonido de la guitarra de Dick Dale, dándole un toque especial a las notas y con un sample bastante repetitivo (“Right about now, the funk soul brother/ Check it out now, the funk soul brother”), la pista se llama The Rockafeller Skank y pronto sonará por todos lados. Es la tarde de un sábado en enero de 1998 y debo entrevistar a Cook para una revista con la que he comenzado a colaborar llamada The Face. El plan original era que Cook me llevara a distintos clubes de Brighton para darme más información acerca de su perfil. Visitamos uno llamado Mr. Fabulous and Mr. Mental Present: Fabulous and Mental! entre otros. Pero antes de partir, Cook sugirió un levantón. En la parte trasera de un CD, en la mesita de su sala, había cuatro líneas de cocaína. Pero nosotros solo éramos dos. “Una para cada fosa nasal”, me explicó. HOY EN DÍA, NORMAN COOK es un personaje reformado.

Fue a rehabilitación en el 2009 y no ha ingerido alcohol ni drogas desde entonces. Pero las drogas corren por los 90 como la médula espinal que define a Brighton. La historia dicta que los clubes –como los conocemos– llegaron a ser lo que son en Gran Bretaña a partir del éxito de 1988, “Summer of Love”, pero fue hasta la siguiente década cuando todos descubrieron cómo monetizarlo y popularizarlo. Fue la era de los superclubes como Cream en Liverpool y Renaissance en Mansfield. Misma época de discos con mezclas triples con nombres como “Havin’ It Ibiza II Mixed Live by Alex P & Brandon Block”. De DJs superestrellas como Sasha y Danny Rampling. Las bebidas no alcohólicas eran anunciadas con gráficos de raves. Las playeras más populares incluían el glamour histérico de “Junkie’s Baddy Powder” –usando la misma fuente del talco para bebé de Johnson– y la palabra “Techno” con la fuente de Tesco. Donde cada lunes en Radio 1 Breakfast Show, los DJs hablaban de lo que habían tocado el fin de semana. “Suicide Tuesdays” era una excusa legítima para estar de mal humor en el trabajo.

Las drogas no se han ido a ningún lado, pero quizá los jóvenes hoy tienen una actitud más informada sobre cuándo y dónde consumirlas. En verdad, no deben usarlas para impresionar a nadie, pero en la cultura popular de los 90, las drogas estaban en todos lados y todo el tiempo. Oasis, supuestamente estaba obsesionado con ellas. La banda de pop The Shamen aparecía en los programas sabatinos para niños con una canción que decía: “El ES es bueno”. Brian Harvey, de la boy band East 17, dijo en una entrevista de radio que hace poco había tomado una docena de ES, ya que el éxtasis era una “droga segura”. Más tarde, Harvey se atropellaría con su propio carro, al parecer por comer demasiadas papas rellenas y caerse al abrir la puerta para vomitar. ¿POR QUÉ HABLO TANTO DE LAS DROGAS? Trato de recordar esa era porque va inseparable de mi experiencia en The Face, aquel periodo cuando tenía un trabajo en la revista que era el centro del universo de la cultura pop. Antes de TikTok, Instagram, Spotify, Reels, Stories, YouTube, Facebook, influencers, Grailed y Hypebeast, si tenías menos de 30 años y sentías interés en la cultura pop, el lugar donde para descubrirlo todo era en las revistas. Publicadas una vez al mes y vendidas a un precio accesible, estos coloridos y brillantes objetos eran enviciantes y te explicaban lo que estaba ocurría, quién era quién y todos las consumíamos. Había otros títulos que cubrían un terreno similar –Sky, Q, Mixmag, Loaded, i-D– pero la más icónica era The Face: mejor diseño, valiosos artículos, inteligente sin ser pretenciosa y frecuentemente muy graciosa. Como miles de personas de cierta edad, crecí fuera de Londres usando estas revistas como un dispositivo de teletransportación mensual en un mundo de glamour, novedad y emoción que no existía en la sala de mis padres. Reportaba la cultura y también creando una propia identidad, ayudando a lanzar las carreras de una generación de fotógrafos, escritores, estilistas, editores y comentaristas incluyendo a Juergen Teller, Steven Klein, Venetia Scott, Ekow Shun, David Sims, Corinne Day, Katie Grand y Chris Heath. LA GENTE EN LA ACTUALIDAD tiene muchos lugares de

dónde obtener información cultural y personalizada a su estilo. Pero resulta hasta educativo saber que el resurgimiento de los 90 es tal que la mismísima The Face se relanzó en el 2019, después de desaparecer durante una década, aprovechando la caridad de la industria y de aquellas personas que crecimos leyéndola. Yo, por ejemplo, estaba obsesionado con ella, al punto de llamar a la recepcionista de Exmouth House en el este de Londres para saber en qué fecha llegaba a los puntos de venta. O, en otra ocasión, para que me negaran rotundamente –como nunca antes había sido decepcionado– por preguntar qué tenis estaba usando Jay Kay de Jamiroquai en una sesión de fotos y dónde podía conseguirlos (eran los Puma States, que vendían en la tienda Duffer en St George. Los conseguí después de un largo viaje en autobús a Londres, solo para arruinarlos en una fiesta de espuma en Ibiza). Se sintió como ganar una competencia cuando me enviaron ahí para obtener experiencia laboral de parte de un curso de posgrado de la Universidad City, y después me ofrecieron un puesto. Me dieron un escritorio en la esquina de la oficina de la entonces editora Sheryl Garratt. Una de las primeras asignaciones era revisar una enorme caja de panfletos de clu-

EN LOS DOS MIL VEINTES, los 90 están nuevamente de moda.

Harry Styles se presentó en los Grammys 2021 en un saco

amarillo a cuadros de Gucci y una estola de plumas color lavanda, un look aparentemente inspirado en el personaje de Alicia Silverstone de 1995 de Clueless. Pam & Tommy, la historia de la cinta sexual VHS que fue robada del hogar de la pareja y después subida al internet, ha sido uno de los temas más hablados hoy en día. The Matrix y Scream están de vuelta en el cine. Friends jamás había sido tan grande. En la moda, hay más de dónde elegir, desde el regreso de las camisas a cuadros, las chamarras de cuero, los pantalones cargo, los sombreros de cubeta, las botas de combate, los overoles (con un tirante desamarrado), las gorras de béisbol y los rompevientos oversized. Parte de esto es el famoso ciclo de 20 años. Los 50 regresaron en los 70 y los 70 estaban de moda en los 90. Es suficiente tiempo para que lo viejo vuelva a ser lo nuevo. Las personas que llegaron a la adultez en los 90 ahora ocupan puestos que les permiten gastar su dinero en cosas que los hacen sentir nostalgia; de ahí provienen el relanzamiento de series como Beavis and Butt-Head y de That 70s Show, llamado That 90s Show. También hay muchos libros. Chuck Klosterman, el famoso crítico norteamericano que en los 90, trabajó como escritor de música para Spin, acaba de publicar The Nineties, de 370 páginas con su opinión, sobre todo desde Daniel Clowes hasta Rosario Dawson. Hablando de algo más local, Jane Savidge escribió Here They Come With Their Make-Up On acerca de la banda Suede, una gran secuela de Lunch With The Wild Frontiers: A Story of Britpop and Excess in 13 and a ½ Chapters. Junto con John Best, Savidge cofundó la agencia musical de relaciones públicas Savage & Best y fue crucial para las bases del pop británico, representando no solo a Suede sino también a Elastica, Pulp, The Verve, The Auteurs, Menswear y muchos otros más. Durante mi primer semana en The Face, fui al primer “desayuno empresarial” con Savage & Best, aterrorizado y prácticamente mudo me senté enfrente de Jane –a quien en ese entonces llamaban Phill– y que tenía un corte de pelo geométrico, melena rubia y arracadas enormes, me sentí genuinamente incapaz de decir si era hombre o mujer. Era Jane Savidge (muy adelantada a su época). Una gran diferencia del look de marimacho, que por fortuna llegó para irse. Aunque no puedo evitar sonreír al leer en las memorias de Denise Van Outen, A Bit of Me: From Basildon to Broadway and Back, cómo detalla su “apogeo hedonista de los 90: un torbellino de Concordes, jets privados y la gran sensación de llegar a Glastonbury en helicóptero”, en su época con Jay Kay. Y también cuenta cómo flasheó su bra al príncipe Carlos en una fiesta mientras saludaba a Steps. (Mostrarle tu bra al heredero británico en una fiesta es probablemente la actividad más noventera que te puedas imaginar). Pero no somos solo las personas que lo vivimos. Una generación que estaba en pañales en los 90 ahora experimenta una gran nostalgia. El video de Charli XCX y Troye Sivan del 2018 llamado “1999”, incluía referencias de la iMac azul G3, Steve Jobs, Britney Spears, Eminem, The Sims, The Blair Witch Project y los videos musicales de TLC, “Waterfalls” y “I Want It That Way” de The Backstreet Boys. En la portada están

“EN LA CULTURA POPULAR DE LOS 90, LAS DROGAS ESTABAN EN TODOS LADOS, TODO EL TIEMPO”

ILUSTRACIÓN GUS & STELLA

bes que habían sido enviados para saber si había alguno que valiera la pena cubrir. Garratt, una evangelista de los clubes nocturnos –su libro Adventures in Wonderland, la historia definitiva de la escena, fue preseleccionado para el Premio Penderyn Music Book en 2021– me dijo que ahora yo era el “Editor de clubes” para The Face. La descripción del trabajo era fluida. En la práctica, significaba que podía entrar a cualquier club que deseara completamente gratis y con todos los amigos que quisiera. Sin lugar a dudas, mis “reseñas” eran generalmente positivas. En cuanto los promotores sabían que The Face había llegado, nos llevaban a una sección trasera –regularmente había una pila de la altura de un escritorio con el consumo que se vendería esa noche, al estilo de un filme de Guy Ritchie– y nos daban un éxtasis absurdamente fuerte. Tenía 24 años. Era mi primer empleo. Cuando no estaba bailando “U Sure Do” de Strike, o “Yéké Yéké (Hardfloor Remix)” de Mory Kante, había un poco de verdadero periodismo por el que estaba ahí. La gente solía referirse a The Face como “una revista de estilo de los 80”, publicando a la leyenda Nick Logan, anteriormente de NME y Smash Hits, y lanzada en 1980, reinventando un estilo de prensa con una mezcla de entrevistas de estrellas pop y moda urbana que había producido de forma independiente. Pero su periodo más exitoso fue durante los 90 bajo la visión de Richard Benson (ahora editor de Esquire en Londres), quien reemplazó a Garratt. Esto tuvo que ver con las brillantes perspectivas de Benson como un gran observador cultural. Después de un poco de persuasión, la gente de PlayStation decidió que su idea de poner un render de Lara Croft en la portada era maravillosa. Tomb Raider se había convertido en el videojuego más importante de la historia y esa era usualmente la mayor preocupación de la prensa. Comisionar a un ilustrador poco conocido llamado Jamie Hewlett para hacer una historieta mensual, cinco años antes de que Gorillaz estrenara un sencillo, fue otra obra de sus geniales ideas. Pero también tenía que ver con la manera en que la cultura explotaba en ese entonces, y los reporteros de las revistas eran colocados de manera cuidadosa en ciertos lugares para cubrir dichos eventos. De pronto, una banda indie como Blur podía aparecer con corbatas y camisas para ser fotografiados para la portada en un set de imágenes de alta conceptualización vestidos como banqueros en una sala de juntas. O Kurt Cobain en un vestido de piel y un esmalte de uñas rojas mal aplicado. En 1997, pusimos a las Spice Girls –en ese entonces el grupo pop más famoso del mundo– en nuestra portada usando bikinis. La edición se agotó. Nick Logan apareció en las oficinas de imprenta preguntando si había manera de imprimir más. Actualmente, la cultura está en todos lados y todo el tiempo –es muy probable que escuches a una nueva banda en The Graham Norton Show o en Vice–, pero, en ese entonces, seleccionar un look y darle un makeover para la portada era una declaración que significaba algo.

vestidos como Neo y Trinity. La cuenta de Instagram @90sanxiety –que publica cosas como un Nokia 3310 con el juego de Snake y a Leonardo DiCaprio en su hermosa era de Titanic– tiene 2.3 millones de seguidores. Este año, la prensa de la moda ha estado reportando alegremente un estilo llamado “indie sleaze”. En sintonía con el resurgimiento de los 90, parece que abarcan todo desde The Libertines (que dominaron en los 2000), Heidi Slimaneera Dior Homme (2001-2007) y The New Romantics (de los 80). Por alguna razón, Jeremy Scott, hoy en Moschino, también cayó en esta tendencia. “El look es una extraña amalgama del grunge de los 90 y la opulencia de los 80 con un subtono ligeramente erótico y retocado con aspecto casi pretencioso del estilo retro”, explicó Vogue en enero. Ok, bastante sencillo, ¿cierto? De una manera más digerible, la cuenta de TikTok que pronostica las tendencias, @oldloserinbrooklyn, quien aparentemente ingenió su propio nombre, afirma que el indie sleaze nació a partir del Covid. “Hemos estado en confinamiento por casi dos años y la gente realmente está en búsqueda de una comunidad y maneras de expresar su creatividad. Desde arriba: la supermodelo británica Naomi Campbell y Kate Moss en 1999; el álbum debut del rapero Tupac Shakur llamado ‘2Pacalypse Now’, fue lanzado en 1991; el DJ Norman Cook, también conocido como Fatboy Slim, tocando en 1998.

Siento que con la subcultura indie sleaze de hace 15 años, la comunidad, el arte y la música eran muy poderosos, era lo que unía a la gente. Creo que elementos específicos, más que la moda, prevalecerán, así como el estilo de la fotografía”, dice. En otras palabras: llevamos mucho tiempo encerrados, es momento de celebrar. Creo que @oldloserinbrooklyn tiene un punto. La comunidad y la creatividad eran muy poderosas en los 90. Felizmente explicaría cómo eso fue lo que definió a esa gran década. En el cine, nos dio a Quentin Tarantino, con Reservoir Dogs (1992: mucho más impactante en el Reino Unido que en Estados Unidos) y Pulp Fiction (1994) que abrieron las puertas para Wes Anderson, Alexander Payne, Richard Linklater y una nueva generación de cineastas con un gran estilo que aprendieron de esta línea de cine artístico. Disney revivió de entre los muertos con sus películas de Toy Story (1995 y 1999). Trainspotting de Danny Boyle (1996) –la adaptación del libro de Irvine Welsh, de 1993– sigue siendo un pilar cultural. En la literatura, Nick Hornby (Fever Pitch, 1992), Dave Eggers (Timothy McSweeney’s Quarterly Concern, 1998) y Douglas Coupland (Generation X: Tales for an Accelerated Culture, 1991) se convirtieron en superestrellas. En el arte, teníamos a Damien Hirst, Sarah Lucas, Tracey Emin, Gary Hume y el resto de los YBAs. El video pop se convirtió en tres minutos y 30 segundos de arte en sí, lanzando al estrellato las carreras de Spike Jonze, David Fincher, Michael Gondry y Chris Cunningham. El indie sleaze no se puede simplemente copiar y pegar: mi memoria de la moda de los 90 es que fue dominada por verdaderos revolucionarios y genios únicos, diseñadores que reimaginaron la idea de lo que significaba la ropa. Alexander McQueen con sus shows con instalaciones artísticas de 10 minutos; Raf Simons convirtiendo las imágenes de bandas de culto como Manic Street Preachers y Kraftwerk en capas de ropa muy esculturales; las lujosas barbas de Antwerp que acompañaron a Walter Van Beirendonck, quien hizo suéteres que parecían más provocaciones neones que prendas para cubrirte del frío. Me senté en la audiencia en el Teatro Sadler’s Wells de Londres una tarde de junio de 1999, y mi quijada llegó al suelo igual que la de los demás mientras Hussein Chalayan mostraba una colección de ropa femenina que naturalmente se convertía en muebles de madera. Las notas del show decían que estaba inspirado por una existencia portable y nómada. En el 2022, es difícil pensar en una idea más a la moda que esa. Es sorprendente tratar de procesarlo y entenderlo pero las lujosas casas de moda, el conglomerado de gigantes con todo su poder y gastos en publicidad, casi no existía en los 90. Prada abrió su primera tienda de ropa masculina en 1998. La idea de que las compañías de moda solidificaran su economía con la concesión de fragancias en los aeropuertos, mochilas de cuero y playeras con el logo de su marca sería considerada irremediablemente algo inédito y ridículo. La diversión y el optimismo estaban en todos lados. Los medios multiculturales y alternativos estaban en crecimiento. La cultura gay se popularizó. Los avances en la tecnología incluyendo la TV de paga y el mundo del Wide Web ofrecieron nuevas posibilidades de conectividad y cercanía. El libro de 1995 de Steven Daly y Nathaniel Wice, Alt Culture: An A-Z Guide to 90s America, ahora se lee como una lista absurda

de ideas positivas: snowboarding, Peta y matrimonio gay. Los baby boomers Tony Blair y Bill Clinton llegaron a las oficinas en una ola de optimismo juvenil para despejar la resaca del conservatismo de los 80. Uno de ellos tocaba la guitarra eléctrica, el otro el saxofón y usaba Ray-Bans. Madonna inventó estos eventos en vivo que no te podías perder con su gira Blond Ambition (1990) y el documental de dicho tour, Madonna: Truth or Dare (1991), con el cual muchos podrían afirmar que inventó los realities de la televisión y reformó la manera en que consumimos la cultura de las celebridades. (Tras bambalinas, Kevin Costner le dice a Madonna: “Creo que tu show estuvo muy bueno”. Al darse la vuelta, Madonna responde metiéndose sus dedos en la garganta). Sin Blond Ambition, no existiría ningún gran espectáculo como los que existen hoy en día, como los de Katy Perry, Beyoncé y Lady Gaga. La calidad de la televisión mejoró exponencialmente: Twin Peaks (1990); The Sopranos (1999); The Day Today (1994); Queer as Folk (1999) y South Park (1997). El evento televisivo de la década no era un programa de televisión, sino la persecución televisiva más lenta y larga de la época, cuando en 1994, Estados Unidos más una audiencia global de 95 millones de personas vieron a OJ Simpson manejar durante 60 millas en las carreteras de Estados Unidos en un Ford Bronco blanco, sentado en el asiento trasero, ocasionalmente llorando y sosteniendo una pistola en su cabeza. Su lenta velocidad le dio a la gente la oportunidad de ponerse al costado del camino con letreros caseros que decían: “Liberen a OJ” o “Corre, OJ, Corre”. Acababa de ser acusado del asesinato de su exesposa Nicole Brown Simpson y su amigo Ronald Goldman, quienes fueron encontrados apuñalados a muerte fuera del condominio de Brown el 12 de junio de 1994 (Simpson fue arrestado más tarde y acusado de los asesinatos). Se dirigía al aeropuerto; los objetos hallados en el carro incluían 9,000 dólares en efectivo y una barba falsa. Esas dos horas de televisión supuestamente cambiaron nuestra percepción de las celebridades, la cultura pop y la justicia criminal por siempre. (La serie del 2016, The People vs OJ Simpson: American Crime Story, fue un cautivador recordatorio de lo mucho y lo poco que ha cambiado en estos 22 años).

de Detroit llamado Eminem, quien revolucionariamente era blanco. Los clubes de Londres como Trash en la calle Oxford y The Heavenly Sunday Social en Great Portland deleitaban a sus asistentes con listas de reproducción que ponían “Rock ‘n’ Roll” de David Bowie, seguida de “Da Funk” de Daft Punk, o The Temptations seguida de Schoolly D. En los viajes de The Face a Ibiza (sí, todos nos íbamos de vacaciones juntos) el CD que más reproducíamos era Urban Hymns de The Verve. Fatboy Slim, The Chemical Brothers y otros encontraron el éxito en mezclar sonidos de hip hop con riffs del rock. “Para mí, tener a los Stooges y a Salt-N-Pepa al mismo tiempo fue una locura”, confesó David Dewaele, Björk, 1993; la girl band de Londres, All Saints, 1995; ‘South Park’ llegó a las pantallas del Reino Unido en 1998.

vivo en Twitter, o TikTok. En los 90, internet casi no existía. Recuerdo cómo trataba de pensar en qué buscar en la web en 1996 o 1997, cuando la conexión a internet se hacía de manera telefónica. Recuerdo haber buscado a la banda Underworld porque me gustaban y además se veían muy futuristas, y me apareció una página con gráficos blancos y negros. Lanzaron Amazon en el verano del 95, con venta exclusiva de libros. “¿Tienes un sitio web favorito?” le pregunté al diseñador Helmut Lang en la edición de moda de agosto de 1999. “Pues la verdad, no”, respondió. “Pero para mí, internet es como cuando nos presentaron el fax. Nuestras vidas cambiaron completamente. Creo que lo que ocurrió hace cien años con la revolución industrial es lo mismo que está ocurriendo ahora. Es la revolución tecnológica”. También fue una época donde todo comenzaba a salirse de sus propios parámetros. Björk estaba saliendo con Tricky. Goldie hizo una canción con Noel Gallagher. Sin lugar a dudas el mejor rapero de la década era un chico

ILUSTRACIÓN: GUS & STELLA

ACTUALMENTE, EL VIAJE DE OJ hubiera sido transmitido en

uno de los DJs de la época. Y así nació “el contrabando musical”, mezclas en vinil que no eran estrictamente legales de “Independent Women Part I” de Destiny’s Child con la melodía de “Dreadlock Holiday”, por ejemplo. O “No fun” de The Stooges encima de “Push It” de Salt-N-Pepa. No digas nada hasta que lo hayas escuchado. Los 90 fueron y siempre serán el cénit de las bandas que vendían discos. La gran ventaja para los periodistas era recibir el dinero de la disquera para realizar los viajes de prensa. ¿Para qué hacer un perfil de Goldie en casa al norte de Londres cuando puedes volar a Florida y hacer la entrevista mientras está de gira? Y también verlo despilfarrar en joyas, diamantes para sus dientes y vaciar la tienda Stüssy con tantas cosas gratis que ni siquiera cabían en su limusina. El dinero parecía estar en todos lados. Puedes ponerte un par de botas de combate y una “dad cap” y decir que es el renacimiento de los 90 si así lo deseas, pero no hay forma de decir que tener 24 años en el 2022 es lo mismo que tener 24 años en 1996. Nadie tenía deudas estudiantiles, para comenzar. No recuerdo haber tenido dinero, pero ese parecía no ser un problema. Un trabajo sencillo en los medios implicaba invitaciones a todo tipo de eventos corporativos promocionando alguna película o algún tipo de calzado. Cuando PlayStation lanzó su nueva consola, lo hizo reservando el estadio Dodger de Los Ángeles, llenándolo al tope con presentaciones de artistas rock, chefs y medios de todas partes del mundo. ¡Mini Kiss estuvo ahí! Una vez fui al Sydney Opera House para hacer una reseña de Massive Attack (eran muy buenos, obviamente). Clarks me llevó a Japón para la apertura de una zapatería. ¿Era algo correctamente ético? Estoy casi seguro que no. Pero, definitivamente, era la época adecuada para tener el trabajo que tenía. No era solo ese trabajo. Después de la recesión de principios de los 90, la década fue un período inédito de crecimiento económico. Las ofertas de trabajo eran bastas, la inflación bajó y la pobreza estaba en un valle. Nadie vivía de una manera decente: recuerdo haber ido a la casa de Richard Benson después de una noche de fiesta, esperando ver un hogar digno de un editor de estilo de una revista, y terminando en un basurero de dos habitaciones en Finsbury Park con muebles de IKEA y repisas de CDs. Siendo honestos, ¿qué más necesitabas en ese entonces? Nadie se quedaba en ningún lugar por mucho tiempo. Nuevos bares, tiendas y clubes fantásticos se inauguraban cada semana. Nadie iba al gimnasio después del trabajo o, al menos, nadie de nosotros los conocía. Los eventos del 11 de septiembre estaban en el futuro. Hubo una serie de guerras en la antigua Yugoslavia pero se sentía como si fuera algo que ocurría muy lejos, sin un impacto en nuestras vidas. En Londres, nuevos edificios brillantes aparecieron en Canary Wharf, y se le dio a la ciudad su propia autoridad municipal. Pronto, hasta tendría su propio alcalde. Aunque no todo era risa y diversión. No todas las historias eran de felicidad, no todos salieron ilesos. La cultura estaba en su apogeo y la prensa del estilo no era inmune. Los fotógrafos, incluyendo a Terry Richardson, cruzaron la frontera de la fotografía de moda a la pornografía; The Face fue cómplice publicando algo al respecto pero de la mano de un artículo, identificando la tendencia como “fleshion” e invirtiendo 3,000 palabras tratando de explicar qué significaba. La compañía de cuidado para la piel, Sisley, hizo una campaña con Richardson que contaba con

mujeres en una granja ordeñando leche de vaca directamente de la ubre a sus bocas. La película Kids, de Larry Clark (1995), escrita por Harmony Korine de 19 años, no se ve nada vanguardista hoy en día. Se ve hasta de mal gusto. Nuestro publicista murió de una sobredosis accidental. Su funeral fue la primera vez que escuché música pop en una iglesia; un reflejo directo de su edad, su ataúd fue llevado al panteón al son de “Unfinished Sympathy”, de Massive Attack. Otro miembro del equipo contrajo el VIH. Cuando lo fuimos a ver al hospital, el entendimiento implícito era que debíamos despedirnos (afortunadamente, hoy en día está más fuerte que nunca). Llamaron a la policía después de que un compañero había llevado a otra persona a la oficina para tener sexo, tumbaron una pared y hasta se les cayeron algunos dientes. Aparecimos en Crimewatch cuando desaparecieron unos diamantes para una sesión de fotos. El archivo completo de ediciones de respaldo fue robado cuando los dejaron en una van para un documentalista que quería hacer cierto filme de The Face. Me hicieron editor en 1999, y a los 18 meses tuve un tipo de colapso personal –en realidad, era un comportamiento típico de la época– y me convertí en un paciente ambulatorio de The Priory. Como lo dice Jarvis Cocker en el documental del 2003, Live Forever: “Por lo general, no escuchas a la gente decir, ‘Ah, desde que usa drogas, es una persona muy linda’. Jamás”. Pero también hubo muchos triunfos. Por ejemplo, enviar a The KLF a hacer un reporte del Labour Party Conference. Enviar a Caitlin Moran a hacer un reporte de los programas sabatinos infantiles de TV. Enviar notas post-it a tantas celebridades como podíamos para pedirles que nos enviaran un garabato. Kate Moss se dibujó desnuda. Damien Hirst dibujó un pene con semen. Claro que sí. Y también oportunidades fallidas. Brad Pitt pidiendo que lo pusiera en la portada por Fight Club de 1999, y nosotros diciendo que preferíamos a su coestrella Edward Norton (posiblemente, la última vez que un medio se negó a las peticiones de Brad Pitt). El equipo alentando a un nuevo artista llamado Grayson Perry y yo insistiendo en “no vamos a poner a un drogadicto en la portada”. El lanzamiento del iPod con sus anuncios de “1,000 canciones en tu bolsillo” y nosotros poniéndolo hasta el fondo de nuestro barómetro mensual de las cosas que evaluábamos y odiábamos. “¿Quién va a querer tener 1,000 canciones?”. DE MUCHAS MANERAS, parece que la década ocurrió hace

mucho (¡y sí!). El mundo en general, y mi mundo, el mundo de los medios de comunicación londinenses, cambiaron tanto que ni siquiera lo reconozco. Han pasado bastantes años desde la última vez que un entrevistado me ofreció drogas. No he visto a Mini Kiss en ningún evento reciente. Clarks está –supuestamente– gastando su dinero de una manera más inteligente que despilfarrando en vuelos de primera clase a Japón para enfiestarse con los periodistas británicos. Incluso Norman Cook tuvo que cambiar su tipo de hospitalidad. La gente comenzó a consumir líneas en las vías del tren detrás de su casa; uno de ellos tuvo que ser llevado al hospital con los pelos de punta y sus ropas ardiendo en fuego. Así que, amantes del resurgimiento de los 90, no digan que no han sido advertidos.

Elvis Presley en un retrato tomado alrededor de 1957

LA GLORIA de ELVIS

Mientras Hollywood prepara un gran filme biográfico, Mick Brown analiza la vida y muerte, y la vida después de la muerte, del Rey, uno de los personajes más inmortales de todos los tiempos.

EN 1957 SE VEÍA COMO UN DIOS. Hermosamente

guapo, casi de una manera indecente. Con su traje dorado lamé de 10,000 dólares, rostro esculpido, ojos saturninos, pelo engrasado perfectamente hacia atrás, mechón deslizándose por su frente y la silueta de su labio levantada, arrogante y atractiva al mismo tiempo. El traje fue hecho por Nudie’s Rodeo Tailors de Hollywood a petición del mánager de Elvis, el Coronel Tom Parker, quien quería un traje dorado para su Golden Boy –la palabra “Boy” utilizada de una manera propietaria, por cómo el Coronel se asumía superior en su puesto, y “Golden” por el oro que representaba Elvis para el Coronel en el punto más alto de su fama. La etiqueta del precio, “10,000 dólares”, como la mayoría de las cosas relacionadas con el Coronel, era una exageración, dueño de un auténtico talento para el espectáculo; la verdadera etiqueta de venta fue de 2,500. Elvis lo usó por primera vez en una presentación en el Anfiteatro Internacional de Chicago, en marzo de 1957. En un lapso de tres años, había grabado ocho álbumes número uno, entre ellos Heartbreak Hotel, Hound Dog, Love Me Tender y All Shook Up. Tenía solo 22 años de edad, ya era la propiedad más popular de la música norteamericana y pronto se convirtió en el cantante más famoso del mundo. Fallecería 20 años más tarde. Elvis era la personificación de Estados Unidos, con toda su grandeza y vulgaridad, promesas y decepciones, su fracturada historia y promesa de redención. “Los productos puros de Estados Unidos siempre enloquecen”, escribió el poeta y escritor William Carlos Williams, y nadie enloqueció más que Elvis: su corazón dejó de latir el 16 de agosto de 1977 mientras estaba postrado en el escusado en su mansión en Graceland, inflamado, roto y desconcertado por la ingesta de 10,000 píldoras en el último año de su vida. Tenía solo 42 años. Los médicos expertos descubrieron que tenía rastros de 14 drogas en su sistema al momento de su muerte, 10 de las cuales estaban presentes en cantidades significativas, incluyendo codeína, morfina, diazepam, pentobarbital y etinamato, recetadas comúnmente para la ansiedad y el insomnio. De alguna manera resulta fácil creer que Elvis es ahora más grande de lo que alguna vez fue cuando vivía. Se ha convertido en un mito. Una historia de moralidad. Su música está encriptada en la memoria colectiva. Sus filmes siempre son transmitidos en algún canal de televisión. Su vida ha sido disecada, analizada y referenciada un sinfín de veces gracias a libros y artículos (como este), estudiada en cursos universitarios, honrada en innumerables filmes, souvenirs y caricaturescas imitaciones. Su imagen es icónica, junto con esas otras dos figuras

que caracterizan su generación, Marilyn Monroe y James Dean, la muy trágica y célebre trilogía norteamericana. En 2008, una serigrafía de Andy Warhol, Eight Elvises, fue vendida por el coleccionista italiano de arte Annibale Berlingieri en una venta privada por 100 millones dólares a cierto comprador anónimo (se especula que puede pertenecer a la familia real de Qatar). En 2014, otra pintura de Warhol, Triple Elvis, fue vendida por casi 82 millones durante una subasta en Christie’s, Nueva York. Durante los años posteriores a su muerte, el personaje de Elvis ha aparecido –aproximadamente– en 31 películas, interpretado por actores de la talle de Kurt Russell, Harvey Keitel y Don Johnson. Según el crítico cinematográfico John Beifuss, desde 1957 se han hecho –al menos– 400 películas con algún tipo de alusión al Rey, 18 por año desde 1998. Este mes, el director australiano Baz Luhrmann, famoso por joyas como Moulin Rouge! y The Great Gatsby, se sumará a la lista con Elvis, nuevo filme en el cual Tom Hanks interpretará al Coronel y un novato, Austin Butler, a la estrella. El atractivo para los cineastas como Luhrmann no es difícil de comprender: se cree que Elvis es el artista solista con más ventas de todos los tiempos, con más de 500 millones de discos. Solo los Beatles, con 600 millones, han vendido más. Desde su muerte, ha tenido 48 hits en el Top 50 del Reino Unido, incluyendo cinco número uno. Escuchas sus canciones en todos lados, literalmente: radio, televisión y hasta comerciales. Hace muy poco, saliendo de la exhibición de Francis Bacon en el Royal Academy de Londres, me sorprendió escuchar “Suspicious Minds” en la tienda de regalos mientras la gente buscaba postales, pósters y catálogos ilustrados con las imágenes diabólicas de las bestialidades de hombres de Bacon. La canción sonaba como un recuerdo de nuestra mortalidad. Todos –eventualmente– dejaremos este mundo terrenal pero solo los mejores podrán recibir este tipo de inmortalidad.

LA HISTORIA DE LA CREACIÓN Hubo personas con el nombre de Elvis antes que él, pero luego de él nadie podía llevar ese nombre sin ser un acto de reconocimiento y homenaje. Es suyo y de nadie más. Nació en la ciudad de Tupelo, ubicada en uno de los condados más pobres de Mississippi, lugar de campos de algodón y molinos, seguridad laboral limitada y vida precaria. Su padre Vernon era un aparcero y, ocasionalmente, conductor de camiones; su madre, Gladys, fue costurera y una mujer que –en 96 J U N IO 2022

lenguaje sureño– “Jamás conoció a un extraño”, es decir, poseía una gran calidez y enorme corazón. Elvis la adoraba. Gladys tenía 21 años y Vernon apenas 17 al casarse y ambos mintieron respecto a sus edades: ella aseguró tener 19 años y él 22. Elvis nació menos de dos años después, el 8 de enero de 1935, siendo el primogénito de un par de gemelos. Su hermano Jesse falleció al nacer. Cuando Elvis tenía 13, Vernon mudó a la familia 100 millas hacia Memphis, Tennessee, en busca de trabajo. “Éramos pobres, bastante pobres”, dijo el Rey alguna vez, agregando: “Y una noche salimos de Tupelo”. Elvis escuchaba música en la radio y en la rocola; cantaba en armonía con The Ink Spots; el cuarteto gospel sureño Blackwood Brothers y Roy Brown, el cantante de R&B, su favorito, y cuyo estilo de suaves voces sería una obvia influencia formativa. Además, Elvis haría el cover de su éxito R&B de 1947, “Good Rockin’ Tonight”, para convertirlo en el segundo sencillo de Sun, en 1954. En la preparatoria Humes se dejó crecer el cabello y lo peinaba hacia atrás cuando todos los demás tenían cortes rapados y vestían de rosa y negro. “Era simplemente distinto”, aseguró su amigo de la escuela, Red West. “Le dio material a la gente para que lo molestaran”. Gastaba todo su dinero en Lansky Brok, en Beale Street, el Broadway de raza negra de Memphis; se compraba los elegantes abrigos deportivos y camisas de color azul neón con pantalones rosas que usaban los músicos de blues. “Yo puse a Elvis en su primer traje y también en su último”, diría el dueño Bernard Lansky años después. Elvis aceptó un trabajo conduciendo camiones para una empresa de suministros eléctricos. Nadie jamás pensó que llegaría a ser algo más (en realidad, ¡mucho más!). En el verano de 1953, el Rey entró a un estudio local, Memphis Recording Service, con la intención de hacer una grabación como regalo de cumpleaños para su adorada mamá. El estudio pertenecía a Sam Phillips, figura pionera con una vista particularmente clara de las relaciones interraciales, tema peculiar en Memphis de los años 50. Grabó todo tipo de música en su estudio, pero sentía amor único por los blues y el R&B. Llegaría a grabar con artistas como Howlin’ Wolf, BB King y Junior Parker, rentando su estudio para disqueras en Chicago y Los Ángeles antes de establecer su propia empresa, Sun. En una estricta era cuando la música permanecía dividida por las razas, Phillips tal vez tiene el crédito de haber creado una importante profecía en la historia del rock ‘n’ roll: “Si pudiera encontrar a un hombre blanco que incorporara los sonidos y las emociones de los negros, podría generar un billón de dólares”.

Suena demasiado trillado para ser verdad, pero Phillips definitivamente se dio cuenta de que la música negra era popular entre la juventud blanca. Era la raza del artista la que –de manera inútil– evitaba que su música alcanzara una audiencia más grande. Elvis pagó cuatro dólares para grabar dos canciones una tarde que visitó el Memphis Recording Service: “My Happiness”, que había sido un éxito de The Ink Spots, y la balada para llorar, “That’s When Your Heartaches Begin”. Después de haber ido, una nota aparecía al lado de su nombre y rezaba: “Un buen cantante de baladas”. Simple. Unos meses más tarde, regresó al estudio para hacer otra grabación de cuatro dólares, con sus ojos ahora puestos en una carrera artística. Phillips se sintió lo tan impresionado para invitarlo de vuelta, esta vez acompañado de dos músicos locales, Scotty Moore y Bill Black. Trabajaron en un par de baladas y canciones country, y al final de la sesión, Elvis comenzó a cantar “That’s All Right”, tema country de blues escrita y originalmente grabada por Arthur Crudup en 1946. Con una canción bluegrass, “Blue Moon of Kentucky”, en el lado B, el disco fue estrenado por Sun Records en 1954. Sam Phillips llevó el primer sencillo a la estación local de R&B y a un DJ blanco llamado Dewey Phillips. Después de una reproducción, el conmutador se encendió. Dewey llamó a Elvis para entrevistarlo al aire. “Sr. Phillips, no sé nada acerca de las entrevistas”, dijo Elvis. “Solo no digas nada obsceno”, respondió Dewey. Dewey le preguntó a Elvis a dónde había ido a la preparatoria. “Humes”, respondió Elvis. “Quería que todos se enteraran”, contaba Dewey, “porque muchos de nuestros radioescuchas creían que era negro”. “Tiene la voz de un blanco, canta con un ritmo de negro, pero toma prestada la esencia y el énfasis de los estilos country”, dijo un periódico de Memphis. Pero el disco difícilmente le abrió las puertas del mundo de la farándula, ni siquiera llegó a las listas nacionales. Fueron sus presentaciones, tanto en el escenario como en televisión nacional, lo que le convertiría en un fenómeno. Hay un filme donde Elvis aparece en el escenario en su natal Tupelo en 1956, en un show por la tarde al aire libre. Estaba vestido completamente de negro, una guitarra acústica guindada en su hombro, cantando “Heartbreak Hotel”, saltando y pronunciando las palabras como un lujurioso beso –“I’m ever so lonely, babeee”– ejecutando una serie de rápidos movimentos pélvicos cuando Scotty Moore hace el solo de guitarra. Y las muchachas en la orilla del escenario con los brazos estirados de incontrolable emoción mientras tres policías con uniformes miraban sorprendidos.

Las muchachas habían gritado y llorado por Frank Sinatra en los 40. “Llamaron a la policía y a las ambulancias”, se leía en el reporte de New Republic acerca de uno de los shows de Sinatra en Nueva York. Pero aunque los comentaristas y psicólogos estaban desconcertados por el nuevo fenómeno del “fanatismo”, Sinatra no amenazaba el orden natural de las cosas. Elvis sí explotó ese orden. El sexo, la raza, el riesgo de la delincuencia juvenil (la película del motociclista de Marlon Brando, The Wild one, se había estrenado un año antes que “That’s All Right”), y se palpaba el olor a pólvora de la ruptura moral… Elvis era la mecha, el cerillo y la dinamita. Los padres se inquietaron y los políticos de pacotilla, los ministros bautistas y los oportunistas demagógicos atacaron la “dañina” influencia de la música negra en los adolescentes blancos que sucumbían ante la histeria y lujuria. Después de Elvis, la música pop no volvería a ser la misma.

CORONEL TOM PARKER Fue tanto un golpe de buena suerte, y un cruel cambio del destino, el hecho de que Elvis se haya involucrado con el Coronel Parker: un charlatán trabajador de feria, astuto, ambicioso e insensible. El hombre que lo convertiría en una estrella y que, de manera eventual, sería uno de los pilares de su destrucción. Obviamente, no era un verdadero coronel y su nombre no era Tom Parker. Tampoco –como solía afirmarlo– había nacido en West Virginia. De hecho, nació como Andreas Cornelis van Kuijk en Holanda, y entró a los Estados Unidos de manera ilegal cuando tenía 20 años, mentira que hubiera sido revelada si hubiera permitido que Elvis realizara su sueño de visitar Inglaterra. Trabajaba como panadero y vendedor ambulante en un carnaval. Una acrobacia suya era rociar con pintura amarilla a los gorriones para venderlos como canarios, truco que aprendió del artista PT Barnum. De hecho, Barnum tenía problemas para que sus clientes se fueran de sus exhibiciones, así que puso un anuncio en la puerta que decía: “La emersión es por aquí”, cobrando una comisión, asumiendo que la mayoría de las personas no estarían conscientes de que la palabra emersión es un sinónimo de salida. Parker se volvió una figura reconocida en el sur. En 1948, el gobernador de Louisiana le otorgó el título honorario de Coronel y, desde ese momento, este pidió a todos que se refirieran a él de esa manera. Para entonces ya había dejado el carnaval en el pasado y se había convertido en mánager de artistas country, promocionando shows de este género musical. 97 J U N IO 2022

Cuando vio el efecto que Elvis tenía en sus audiencias, le ofreció a Sam Phillips 35,000 dólares para comprar el contrato de grabación de Elvis. Parker no tenía esa cantidad de dinero, pero convenció a una gran disquera (RCA) para que lo financiara y, al mismo tiempo, se volvió el mánager de Elvis. El trato se cerró con un apretón de manos. El Coronel se llevó el 50%. A Parker no le gustaba mucho la música de Elvis; lo veía como una mercancía, un cheque, y vaya que tenía razón. En los primeros shows de Elvis, se movía entre las multitudes con un cigarro entre sus dientes, vendiendo fotografías autografiadas a 50 centavos cada una. Aprovechando la controversia que causaba el Rey, también vendía placas que decían “I love Elvis” y “I hate Elvis”, ambas producidas por él mismo. Con su experiencia en los carnavales, Parker solía atraer a la gente a su espectáculo prometiendo “pollos bailarines”; arrojaba alimento en un sartén caliente y esto hacía que los pollos saltaran. Tristemente, Elvis estaba destinado a ser su pollo bailarín. Sin importar lo detrimental de su larga carrera, Elvis admiraba cada una de sus decisiones. El Coronel logró darle riquezas y reconocimientos mayores a los que pudo imaginar, y la estrella lo idolatraría por siempre con gratitud y obediencia. En 1958, en el punto más alto de su popularidad, Elvis fue reclutado por la armada de Estados Unidos. Pasó dos años en una estación de Alemania, regresando con nuevo peinado e inédita carrera. Tras haber aparecido en cuatro filmes antes de irse a la armada, incluyendo Jailhouse Rock y King Creole, había desarrollado el deseo de seguir, como actor, los pasos de sus ídolos: James Dean y Marlon Brando. Parker, debidamente obligado, le consiguió un contrato cinematográfico donde Elvis –y, por lo tanto, el Coronel– recibirían una gran suma de dinero por adelantado. Hal Kanter, quien dirigió dos películas de Elvis, Loving You y Blue Hawaii, describiría a Parker como: “Uno de los estafadores más inteligentes que he conocido”. Pero la ambición de Elvis de convertirse en un actor profesional se vio frustrada por el tipo de malas producciones en las que estuvo obligado a aparecer por contrato. Los 27 filmes que hizo en los 60 fueron, en su gran mayoría, comedias musicales predecibles: vehículos para canciones cada vez más mediocres que le quitaban cualquier tipo de credibilidad musical. No fue hasta 1968 que resucitaría su carrera musical con el especial de televisión sencillamente llamado Elvis, logrando que el siguiente año pudiera grabar From Elvis en el estado de Memphis, sesiones que producirían dos de sus éxitos más duraderos: “In The Ghetto” y “Suspicious Minds”. Ahora era intocable y el Coronel su guardián, aislado en su propio mundo con el grupito de amigos y conocidos,

F OTO G E T T Y

27 de junio de 1968, durante una actuación en los estudios de NBC, en Burbank, California, como parte del especial televisivo de Presley que se conoció como 68 Comeback Special

llamados “The Memphis Mafia”. Eran muchachos del sur como Elvis, amantes de andar en motocicletas, autos gigantes, las armas y correr detrás de chicas (no en el caso de Elvis, pues él no lo necesitaba). “Había creado su propio mundo. Tenía que hacerlo”, como confirmó el cantante Johnny Rivers. “No podía hacer otra cosa”. No se había percatado de la rebelión cultural que se desarrollaba fuera de las puertas de sus mansiones en Memphis y Bel Air. Era un patriota, un orgulloso norteamericano que había visitado la Casa Blanca en 1970, incluso el mismo Richard Nixon lo invitó y le otorgó, quizá con un indistinguible rastro de ironía, una placa honoraria de la Oficina de Narcóticos. Curiosamente, Elvis le regalaría a Nixon una pistola Colt 45. En Alemania, Elvis conoció a Priscilla Beaulieu, la nieta de 14 años de un oficial de la Fuerza Aérea de Estados Unidos. Elvis estaba enamorado y, en 1963, Priscilla se mudó a Memphis, viviendo primero con los papás de Elvis para después mudarse –virginalmente– a su propia sección en Graceland, mientras que Elvis estaba en Los Ángeles grabando películas y en plena aventura con la actriz sueca-norteamericana, Ann-Margret. En 1967 se casó con Priscilla en una ceremonia organizada por el Coronel. El escenario fue el hotel Aladdin en Las Vegas, donde el mánager pensaba que las mesas de ruletas eran las más afortunadas de la ciudad. De acuerdo a la insultante biografía de Albert Goldman, el matrimonio se consumó la noche de su boda y las relaciones sexuales cesaron al poco tiempo. Durante los siguientes 10 años, Elvis se embarcaría en un régimen intenso de presentaciones en vivo, tanto en anfiteatros como en auditorios, a lo largo de Estados Unidos, pero particularmente en Las Vegas, donde al Coronel le gustaba estar pues allí conseguía los cheques mejor pagados. “Elvis ha salido de las instalaciones”, anunciaban mientras él bajaba del escenario, pasando entre las multitudes de fanáticas que no eran adolescentes, sino mujeres de “cierta edad” cuyas vidas adolescentes habían sido reencendidas en el pasado por ese joven dios, todas alguna vez tocadas y nunca olvidadas, desesperadas por una mirada, mientras sus esposos se dedicaban a las noches de juegos en las mesas de apuestas. Las Vegas sería lo que destruiría a Elvis, el lugar donde el Coronel lo presionaba para subirse al escenario hasta el momento en que se enfermó e inflamó. Su acto sería una parodia de lo que había sido alguna vez; sería el primer imitador de Elvis, como alguien sabiamente alguna vez lo dijo. Durante 2007, en mi cobertura del juicio del asesinato de Phil Spector en Los Ángeles

(llamado “El primer magnate de la juventud” y cuyas producciones para The Crystals, The Ronettes y The Righteous Brothers eclipsaron a principios de los 60 las ventas de Elvis), solía sentarme en la sala de corte con las damas reporteras y llegué a interactuar con Linda Deutch de Associated Press, quien cubrió los juicios de Charles Manson, OJ Simpson y Michael Jackson. Ella sentía una infinita pasión por Elvis. Lo vio presentarse en repetidas ocasiones –en Las Vegas– y le dedicó una de las mejores descripciones del poder del arte literario que he escuchado: cuando miraba hacia la audiencia era como si viera directamente a los ojos de cada uno de los asistentes. Spector produjo demos de canciones grabadas por Elvis, diciendo que había colaborado en el primer álbum cuando regresó de la armada (aunque esto se debate mucho) y lo admiraba, como ocurría con cada artista y productor de esa época. Spector ocasionalmente viajaba a Las Vegas, a ver las presentaciones de Elvis, y siempre se dirigía detrás del escenario después del show. Dan Kessel y su hermano David eran los constantes acompañantes de Spector en ese entonces, más su guardaespaldas George. “Elvis tenía a toda la Mafia de Memphis. Sin dudas, un lugar muy intenso. Era una perspectiva completa de Phil y de Elvis. Ambos sabían quién era el otro, como dos panteras analizándose. Podías darte cuenta de que había respeto mutuo. Definitivamente, fue uno de esos momentos memorables”, contó Dan alguna vez. John Lennon más tarde confesaría que los Beatles estaban “aterrorizados” una noche de 1965 cuando el grupo llegó a la casa de Elvis en Bel Air para una audiencia con el Rey, organizada por su mánager Brian Epstein. La carrera de Elvis estaba en el punto más bajo de la década: no había tenido un sencillo número uno en Estados Unidos en 3 años. Los Beatles en ese entonces tenían 10. Estaban sorprendidos, tan fascinados hasta el punto que no podían ni hablar. “Fue un poco incómodo, porque seguían viéndolo sin decir nada”, contaba Priscilla. Finalmente, Elvis dijo, “Bueno, muchachos, si solo se van a sentar a mirarme, mejor me voy a la cama”, rompiendo el silencio y tomando su bajo para tocar junto con su rocola la canción “Mohair Sam”, de Charlie Rich. Pasaron las siguientes tres horas tocando y hablando de música. Al final de esa entretenida noche, los Beatles se quedaron con la esperanza de que Elvis los visitaría en el hotel donde se hospedaban en Los Ángeles. Al ellos marcharse, Elvis –supuestamente– le dijo a su equipo: “No iré a verlos. Hice mi deber, los conocí y ya”. Al reunirse con el presidente Nixon cinco años después, Elvis le diría que los Beatles eran: “Una verdadera fuerza del espíritu antinorteamericano”. 99 J U N IO 2022

CAMINO A GRACELAND Dadas las opciones de viviendas que su fortuna podía brindarle, es curioso que Elvis decidiera pasar sus días en una mansión de imitación colonial colocada en la cresta de una colina con una vista hacia una autopista de cuatro carriles –hoy llamada, en su honor, Elvis Presley Boulevard– y cubierta de moteles con luces de neón, outlets de comida rápida y concesionarias de carros cubiertas con banderillas de plástico. Los alrededores de Graceland han crecido desde la triste muerte de Elvis. La propiedad original de 13 acres es ahora un complejo en expansión de 120 acres, incluyendo su propio centro comercial, hotel con 450 habitaciones, estacionamientos y museo de motores. Más de 500,000 visitantes la recorren cada año. Yo lo hice hace algún tiempo. Un pequeño autobús nos llevó hasta la mansión misma y entramos con la silenciosa reverencia que hacen los visitantes de la capilla Sixtina, excepto que aquí no había simetría, belleza ni la sensación de un espíritu santo, sino mal gusto, ostentación frenética y la evidencia de un alma volátil. Bob Krasnow, ejecutivo musical cuya marca –Blue Thumb Records– tiene álbumes de Ike Turner, bromeó después de visitar el hogar del exmarido de Tina, diciendo: “No sabía cómo era posible gastar un millón de dólares en Woolworths”. Graceland demostró que era posible gastar hasta dos millones. Pasamos en grupo por sus habitaciones de fantasía, admirando las paredes y los techos cubiertos de alfombra, las piezas de baño en color amarillo cítrico y muebles con piel sintética de animal. Vimos también las cámaras de seguridad en cada habitación, conectadas a la consola central para que Elvis espiara a sus invitados desde la privacidad de su recámara, ahora cerrada al público “... por respeto a Elvis”. El Walk of Fame está cubierto con los discos de oro y los vestuarios para el escenario, incluyendo el traje lamé dorado, recuperado en 1987 por Elvis Presley Enterprises por un costo de dos millones de dólares, pagados al Coronel Parker, sumado a las estimadas 35 toneladas de “cosas” que este había almacenado en cuatro edificios en los suburbios de Nashville. Y había una colección de las armas de Elvis (su “favorita” era una Colt 45 color turquesa) y sus placas honorarias de alguacil. La guía del tour, una mujer robusta, recalcó el respeto que Elvis tenía por la ley y el orden, su filantropía, su amor por su madre y su país, y su profunda religiosidad. “Lo llamaban el Rey del Rock ‘n’ Roll”, murmuró, “pero él les decía que solo había un rey y ese era Jesucristo”. Busqué en vano evidencia de su caída: la selección de botellas de píldoras, las recetas

médicas enmarcadas, las placas simbólicas apiladas con comida chatarra. Pero no se podían ver por ningún lado. Su funeral se llevó a cabo en Graceland, donde miles hicieron filas para ver su ataúd abierto. Afuera de las puertas, dos personas murieron cuando un carro se salió de control. Más de 80,000 almas hicieron la ruta procesional al cementerio Forest Hill en Memphis, donde Elvis fue sepultado en una cripta en la “Habitación Presley”. Pero después de que los fanáticos y buscadores de recuerdos alteraron su tumba, Elvis y su madre Gladys Presley fueron movidos a su actual lugar de descanso eterno en el Memorial Gardens en Graceland, y más tarde se les uniría su padre Vernon. Al pie de la tumba, con la esencia de abundantes tributos florales, las mujeres se secaban sus ojos con sus pañuelos y abrazaban a sus esposos buscando consuelo. Un hombre me susurró: “Es como un estudio antropológico de cómo comienzan las religiones”. Pero claro, la religión había comenzado el día en que Elvis falleció. Su milagrosa resurrección ha sido presenciada durante años desde ese entonces en supermercados, gasolineras y outlets de comida rápida. Volvió a verse en el fondo de una escena en el aeropuerto en la película de 1990 Home Alone y de manera muy célebre a través de los lentes telescópicos en la Luna. Un empresario de Bristol, durante su visita a Graceland, se sorprendió al saber que Elvis le estaba diciendo desde el más allá: “No soporto los tulipanes, ¿por qué me los trajiste?”. Su imagen se ha mantenido por legiones de imitadores, eligiendo casi siempre su periodo en Las Vegas con su atuendo del jumpsuit blanco con joyas incrustadas y patillas curvas. Hace unos años, en el cumpleaños de Elvis, hice otro recorrido, esta vez en el Graceland Palace, un restaurante chino en Old Kent Road, donde cada noche el dueño Paul Chan –conocido como “el Elvis chino”– sale de la cocina vestido como el Rey sorprendiendo a los clientes, comiendo chow mein y puerco agridulce, haciendo una presentación energética de los éxitos de Elvis que culmina con “Are You Lonesome Tonight”, antes de partir a su segundo restaurante en Tunbridge Wells, donde repite el show. Igual que las reliquias sagradas, las pertenencias de Elvis han sido vendidas en subastas y ferias. En 1994, más de 1,000 objetos de Elvis Presley, incluyendo guitarras, carros, agarraderas de macramé, un sombrero de lana gris y el acta de nacimiento (que pertenecía a la secretaria del doctor que lo trajo a este mundo) fueron subastados en Las Vegas. El traje de baño azul marino de mezclilla de Elvis (talla 38) se vendió en 2,070, sus pijamas por 2,250 y su peine por 950 (todo en dólares). Como piezas de la cruz, estas reliquias son la moneda de la fe, desde los objetos más autén-

ticos (como cuando la Duquesa Dowager de Devonshire, una ferviente fanática de Elvis que visitó Graceland en tres ocasiones, arrancó con sus uñas una pieza afilada de la reja que pudo o no haber sido tocada alguna vez por la mismísima mano del Rey), hasta cualquier baratija. Elvis Yours es un negocio de pedidos por correo, que no solo vende cualquier tipo de mercancía imaginable, desde medallones TCB hasta sets para baño de Elvis, pero también es una capilla virtual donde los seguidores pueden dejar tributos y poemas como Elvis, toma mi mano, de Diane Burgess. Cuando la oscuridad me rodea Elvis, toma mi mano Cuando tengo miedo y me siento sola Ayúdame a entender Quédate a mi lado, Elvis Ayúdame a mantener la flama encendida Muéstrame el camino que debo tomar Guíame a todo lo que es correcto Cuídame, Elvis Con todo tu amor y cariño Dame una señal, Elvis Para que sepa que estás aquí Elvis escucha mi plegaria Elvis escucha mi llamado Estoy cansada y agotada Y te necesito más que nunca Imagina llevar la carga de los sueños y las expectativas de la gente; imagina ser capaz de tener todo lo que deseas –dinero, sexo, fama, riquezas– todo excepto eso que el Dios en que creías te negó lo que más anhelabas: paz mental. ¿Quién no se volvería loco?

LA CANCIÓN En 1971, en un club de Los Ángeles, el cantante country Mickey Newbury cantó un popurrí improvisado de tres canciones tradicionales: “Dixie”, “The Battle Hymn of the Republic” y “All My Trials”. En una época cuando Estados Unidos sufría dividido por el conflicto racial y cultural, los popurrís eran gestos de reconciliación que llevaban consigo una vigorosa y explosiva potencia. “Dixie”, original de los espectáculos de trovadores donde se maquillaban los rostros de color negro en 1850, estuvo fuertemente relacionada con la esclavitud y la causa Confederativa a finales de los 60, con el aumento del movimiento de los Derechos Civiles, incluso su presentación había sido vetada en algunos estados. En dirección opuesta, “The Battle Hymn of the Republic” era la canción de mar10 0 J U N IO 2022

cha de la Armada durante la Guerra Civil Norteamericana, mientras que “All My Trials” tiene un origen espiritual incierto que se popularizó entre los cantantes de folk durante los movimientos de protesta de finales de los 50 y la muy movida siguiente década. El año posterior al que Newbury grabó la canción, Elvis comenzó a incluirla en sus presentaciones y se convirtió en la pieza central de su acto. Puedes buscarla en YouTube como Aloha From Hawaii via Satellite, en vivo desde Honolulu, en enero de 1973. Guiado por las exigencias del Coronel, 1973 fue el año en que Elvis haría 168 conciertos, la racha más larga, cuando su delicada salud comenzaba a caer en declive. Dos veces tuvo una sobredosis de barbitúricos: la primera, lo hizo pasar tres días en coma en una habitación del hotel, y a finales del año sería hospitalizado semicomatoso por los efectos de su adicción a la petidina. En Hawaii está vestido con su traje blanco; un enorme anillo de diamantes resplandece en el dedo de la mano con la que sostiene el micrófono. Está acompañado de una orquesta, un cuarteto de gospel y un trío de cantantes negras, las Sweet Inspirations. Todo –desde el arreglo, la ropa y la producción– debería ser kitsch, exagerado, un ejercicio de forzosa sentimentalidad. Pero no, trascendió a eso, convirtiéndose en algo magnífico, hermoso y conmovedor. Es Elvis en la gloria. La canción más norteamericana que el artista norteamericano ha cantado. Una tema acerca de su país que la convierte en una alegoría acerca de él mismo. Es un artista integral, la voz como un terciopelo perfecto. El sudor recorre los riachuelos de su frente y hasta sus mejillas mientras canta el coro de “All My Trials”: Hush little baby, don’t you cry, you know your daddy’s bound to die, but all my trials, Lord, will soon be over. La nota cambia. Con el sonido de los tambores a tres ritmos, marcando el crescendo que se aproxima, le da un rugido de exaltación y desafío, después, con la garganta llena canta la última y sentida frase: Glory, glory, Hallelujah, his truth is marching on. A más de cuatro décadas de su muerte, pero invicto, indomable, triunfante, el Rey sigue por siempre y para siempre. Eterno Elvis Dirigida por Baz Lurhmannn y con Austin Buttler como protagonista, Elvis explora el rutilante camino vital y musical del Rey. Tom Hanks brilla también en esta producción de Warner Bros Pictures como el Coronel, mánager de implacable visión comercial que supo vender cada suspiro del talentoso chico de Mississippi que aún fascina, 45 años después de una muerte tan abrupta como lamentable en Graceland. ¿Su estreno en México? 14 de julio.

F OTO G E T T Y

Elvis se sienta para una entrevista en el hotel Hilton en Las Vegas, Nevada, el 4 de septiembre de 1972 para promover su concierto televisado, “Elvis: Aloha desde Hawaii”.

Chamarra de lana a cuadros azul marino con amarillo; camisa de seda a cuadros café con rojo; corbata de seda café/beige/negro; pantalón de mezclilla y algodón color café, look completo de Dior. Lentes de sol vintage, General Eyewear. Colgante TCB negro, Elvis Belts. Cadena de oro de 18 K; anillo de oro amarillo de 18k con diamante blanco y esmalte negro (dedo anular), anillo de oro de 18k con cerámica negra (dedo meñique), todos de Stephen Webster

Fotos Mariano Vivanco Estilismo Luke Day

Looks dignos de un rey

Aquí las colecciones del verano que nos tomaron por sorpresa, a propósito del estreno de Elvis. 103 J U N IO 2022

ESTA PÁGINA Camisa elástica de jersey color negro; pantalón a juego, ambos de Louis Vuitton. Botines vintage negros de piel, propiedad del estilista. Cinturón de cuero negro con joyas rojas y doradas, Elvis Belts. Anillos, Stephen Webster OPUESTA Camisa de sarga de seda color chocolate; pantalón de lana color negro (parte de un traje); bufanda de seda multicolor, todo de Hermès. Lentes de sol, General Eyewear. Collar y anillo TCB color negro (mano izquierda), ambos de Elvis Belts. Anillo (en la bufanda) propiedad del estilista. Cadena y anillos (mano derecha), todo de Stephen Webster

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Elvis viste saco de lana, camisa de popelina blanca, pantalones de seda color moca, todo Ralph Lauren Purple Label. Corbata de seda multicolor propiedad del estilista. Lentes de sol (en mano) General Eyewear. Colgante y anillo, Elvis Belts. Pulsera, cadena y anillos de oro de 18 k, todo de Stephen Webster El guitarrista viste una camisa de mezclilla azul, jeans de algodón color azul, ambos de Polo Ralph Lauren. Botas de piel color canela de Jessie Western

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ESTA PÁGINA Suéter de lana color gris; pantalones de lana azul marino, ambos de Prada. Botas de cuero vintage color negro, propiedad del estilista. Lentes de sol, General Eyewear. Pendiente y anillo (mano izquierda), ambos de Elvis Belts. Cadena, Stephen Webster OPUESTA Chaqueta de lana color café; camisa de seda color morado; pantalón de lana color café, todo de Valentino. Lentes de sol, General Eyewear. Cinturón de cuero negro, propiedad del estilista. Anillos y brazalete, de Stephen Webster

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ESTA PÁGINA Abrigo de punto color negro, Canali; pantalón de algodón color negro, propiedad del estilista; pañuelo de algodón color negro, rojo y blanco de Rockins. Corbata color plata con turquesa, cinturón a juego, ambos de Jessie Western. Colgante, de Elvis Belts. Cadena, brazalete y anillos (mano derecha), todos de Stephen Webster. Lentes de sol (en mano derecha), General Eyewear OPUESTA Chaqueta de ante violeta multicolor; camisa de satín con crepé color melocotón; pantalón de terciopelo negro multicolor, todo de Gucci. Botas de cuero vintage color negro; cinturón de cuero color negro, ambos propiedad de estilista. Lentes de sol, General Eyewear. Colgante, Elvis Belts. Cadena, brazalete y anillos (mano derecha), todo de Stephen Webster

A S I S T E N T E S D E F OTÓ G R A F O AL HABJAN Y FREDDIE LIEBRE A S I S T E N T E D E M O D A P O P P Y N O R TO N GROOMING DANIEL MARTÍN A S I S T E N T E D E G R O O M I N G S P E N C E R S I LV E R MAQUILLAJE MONA LEANNE M O D E LO D A N I I L S D M I T R I J E V S @ E L I T E LO N D R E S P R O D U C TO R A S A L LY H U G H E S A S I S T E N T E D E P R O D U C C I Ó N TO M C O N A N T ESCENOGRAFÍA TRISH STEPHENSON C A S T I N G PA U L I S A A C

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UN PORRITO EN LA CDMX

E N L A O P I N I Ó N D E G E N A R O _______________________________________________________

¿HAS CAMINADO POR LA EXPLANADA DE LA ESTELA DE LUZ y percibido el olor a mariguana que sale de los

política para regular su producción, venta y consumo recreativo–, lo que tenemos es limbo legal y mercado ilegal. La Suprema Corte de Justicia ya ha señalado que el consumo adulto de cannabis es parte del libre desarrollo de la personalidad y, recientemente, la Corte volvió a entrarle al tema de la cannabis, pero lo hizo tímidamente y sin terminar de derrumbar el absurdo prohibicionismo que tanta violencia ha dejado en México. La Corte mexicana acaba de declarar que es inconstitucional el criminalizar la posesión de cannabis sin fines de comercio y de decir que criminalizar no ayuda a proteger la salud pública y viola derechos como la intimidad. Esto suena muy bien, pero lo cierto es que la organización México Unido Contra la Delincuencia (MUCD) lleva más de una década combatiendo la prohibición y mediante un amparo buscaban que la Corte no solo delimitara como inconstitucional el límite de cinco gramos, dispuesto en la Ley General de Salud para posesión de cannabis sin fines de comercialización, sino que (MUCD) se dejara de considerar como criminal la posesión de cannabis sin límites y que este criterio fuese obligatorio para todas y todos los jueces del país. Lo cierto es que la decisión de la Corte fue muy limitada y no será obligatoria, sino discrecional. En otras palabras, una joven podría estar consumiendo un porrito en la Estela de Luz y traer en su mochila dos porros más o hierba, sábanas o una pipa de hasta unos 20 gramos sin que la policía ahí la acosara. Sin embargo, esa misma chava podría subirse al metro y al bajarse en alguna estación en Iztapalapa, Coyoacán o Benito Juárez, si una policía la “ve sospechosa” o “huele demasiado a mariguana”, podrían detenerla y llevarla ante un Ministerio Público por posesión. Ahí si la persona juzgadora conoce bien los precedentes, dejaría libre a esta chica, pero si no o si tiene un prejuicio contra la cannabis, podría retenerla. Esto contribuye a la estigmatización y criminalización. En México tenemos que derribar muchos prejuicios aún. El consumo adulto de cannabis no es un delito. Yo disfruto mucho una buena sativa para dormir; una buena indica para escribir o una híbrida para bailar o ver una película. Hay que salir de los clósets del consumo para derribar el prohibicionismo, que lleguen los dispensarios legales a la CDMX y al país para darle al Estado más impuestos por la regulación de las drogas, que estos se vayan a la prevención y salud y que termine la violencia que genera el absurdo combate contra las drogas. F OTO G E T T Y I M A G E S

alrededores de las escalinatas que ahí se encuentran? ¿Te ha pasado lo mismo al caminar junto al Jardín Pasteur a un costado del Senado de la República? Se trata de un par de las “zonas de tolerancia” de consumo de cannabis en la Ciudad de México: la policía no te va a detener por consumirla en esos lugares y cientos de consumidores y activistas canábicos se reúnen ahí a disfrutar una sativa, indica o híbrida, a bailar, leer o platicar. En el caso del Senado son activistas que levantaron el #Plantón420 exigiendo que regulen el mercado de la cannabis en México. Otra está en la Condesa, muy cerca de la Avenida Insurgentes. Las zonas de tolerancia autoimpuestas por colectivos canábicos son cada vez más frecuentes en la capital mexicana, pero también existen en ciudades estadounidenses donde aún no se regula la cannabis para consumo personal o donde su regulación es muy reciente, como en Nueva York. En Manhattan, entre las primeras zonas de tolerancia canábica está el Washington Square Park, justo uno de los parques públicos más emblemáticos de NY en donde se reúnen estudiantes de NYU, The New School y muchos jóvenes a consumir recreativamente; desde hace al menos cinco años, la policía ya no les hostiga. Las zonas de tolerancia empezaron para temas como el trabajo sexual, pero se extendieron a otros ámbitos como el consumo adulto de sustancias prohibidas, principalmente la cannabis. Caminar en la CDMX algunas cuadras y no oler a cannabis es ya casi imposible. El consumo es cada vez más común en México y –dado que no ha habido la voluntad

GENARO LOZANO

POLITÓLOGO E INTERNACIONALISTA. PROFESOR, ACTIVISTA, CICLISTA URBANO Y VEGANO. LECTOR Y VIAJERO. AMA COCINAR Y EL BUEN VINO NO PARES, SIGUE EN ESQUIRELAT.COM