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FARRUKO:

“NO ESPERABA NADA DE PEPAS”

CÓMO VIRGIL ABLOH DISEÑÓ A UNA NUEVA ERA DORADA DE LA CREATIVIDAD

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SOLO PA RA MAYORES DE 18 AÑOS

WWW.GQ.COM.MX

"AL PÚBL IC O L E GUS TA L A ZONA ENTRE EL B IE N Y EL M AL Q UE TOD OS HABITAMOS "

M A R ZO 2 022 $70.00

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CONTENIDO

Marzo GQ World Jonathan Bailey......... . . . . . . . . . . .. . . . . . . . . .17 Moda....................... . . . . . . . . . . . . .. . . . . . . 28

Colaborador

Rolex y el cine........... . . . . . . . . . .. . . . . . . . . . . 32 Nicholas Hoult........... . . . . . .. . . . . . . . . . . . . . 37 Premios Oscar 2022... . .. . . . . . . . . . . . . . .. . . . 38 Naian González Norvind . . . . . .. . . . . . . . . . . . 40 Gadgets para cocinar... . . . . . . . . . . .. . . . . . . . 42

DOLY MALLET Experta en cine y apasionada de los Premios de la Academia, Doly nos dice cuáles son sus tres títulos favoritos de los Oscar 2022 y el porqué de esta selección:

Momento de Oscar → THE POWER OF THE DOG

Cover Story: CIL L IA N M URPHY . . . . . . . . . . 46 Francis Ford Coppola... . . . . . . . . . . . .. . . . . . . 56

“Un final sorprendente que cambia toda la narrativa para que el espectador reacomode nuevamente la historia”.

Farruko.................... . . . . . . . . .. . . . . . . . . . . 64

← WEST SIDE STORY

Directoras del cine mexicano . . .. . . . . . . . 72 Un homenaje a Virgil Abloh. . . . . . . . .. . . . . 90

↓ DUNE

En Portada Foto por Simon Watson.

Estilismo por Joana de la Fuente. Total look, Ann Demeulemeester. Bolso messenger, Montblanc Meisterstück.

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“La Ciencia Ficción con un lente artístico, meditativo y reflexivo, hacen de este filme una joya y no una mera cinta de acción”.

“Spielberg demuestra que es un máster de todos los géneros en este homenaje respetuoso y amoroso al renovar un clásico con producción sorprendente”.

FOTOS D.R.

Features

Para leer nuestra historia de portada con Cillian Murphy, ve a la página 46 Blazer oversize, pantalón y camisa, Jil Sandler. Bolso duffle, Montblanc Meisterstück.

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F O T O

S I M O N

ASISTENTES DE FOTOGRAFÍA: ALEXANDER FIVES AND LUKE MCCORMACK / ESTILISMO: JOANA DE LA FUENTE ASISTENTE DE ESTILISMO: JUAN LUIS ASCANIO / GROOMING: GARETH BROMELL DE PREMIER HAIR AND MAKEUP CON PRODUCTOS DE OXYGENETIX Y BUMBLE & BUMBLE / PRODUCCIÓN: GROSSOPROD / AGRADECIMIENTOS: RUSSBOROUGH HOUSE

CONTENIDO

Marzo

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Paloma González DESIGNER

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Kirey Tello GQ AND GLAMOUR PUBLISHER

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Francisco Vargas CLIENT PARTNER SR

Eduardo Abadi CLIENT PARTNER DIRECTOR

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GQ Latinoamérica MÉXICO Montes Urales 415,Piso 3, Col. Lomas de Chapultepec,Miguel Hidalgo, C.P. 11000,México,Ciudad de México.

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PR & COMMS COORDINATOR

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Jonathan Newhouse

DISTRIBUCIÓN DE REVISTAS

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PANAMÁ / CENTROAMÉRICA DIRECTOR COMERCIAL

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© GQ MÉXICO, AÑO 16, NÚMERO 163 MARZO 2022 Primera edición Noviembre de 2006, Es una revista con 9 publicaciones anuales, Editada y publicada por Condé Nast de México S.A. de C.V. Montes Urales 415, Col. Lomas de Cahpultepec, Del. Muguel Hidalgo, Ciudad de México, México 11000, Teléfono 50623710, por contrato y bajo licencia de Advance Magazine Publishers Inc. Editor responsable Urbano Hidalgo urbano.hidalgo@condenast.com.mx. con número de reserva de derechos al uso exclusico emitido por el indautor 04- 2014-022516445300-102, número de certificado de licitud de título 13563, número de certificado de licitud de contenido 11136, número ISSN 2448-6337. La editorial Condé Nast no se hace responsable de los contenidos de la publicidad revelada por sus anunciantes, dado el caso Iinvestigará la seriedad de los mismos.

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CARTA EDITORIAL

Sobre bibliotecas y la glorificación de los violentos de Dublín no es solo una de las universidades más reputadas del mundo sino que, además, concentra una especial atmósfera por su antigüedad, la arquitectura de los edificios que lo componen y porque se trata de unespacioacadémicoypionero en muchas disciplinas.

Cuenta,también,conunade las bibliotecas más interesantes del planeta tanto por su larga historia como por el hecho de que es el repositorio de todos los libros que cada año se publican en el Reino Unido e Irlanda. Noes de extrañar que los profesionales que trabajan ahí sean ampliamente citados en las publicaciones científicas másimportantes.

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TRINITY

COLLEGE

Simon McCarthy-Jones es profesor asociado de Psicología Clínica y Neuropsicología en el Trinity. Entre sus áreas de trabajo se encuentra una que considero particularmente atractiva: el derecho a la libertad del pensamiento y los desafíos que plantean las nuevas tecnologías y cómo las ciencias del comportamiento analizan dicha libertad.

A finales del año pasado, el profesor McCarthy escribió un artículo muy interesante que pueden ustedes encontrar en Internet titulado

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From Tarantino to Squid Game: Why do so many people enjoy violence? en el que plantea una sugestiva reflexión sobre cuáles son las razones por las que al público nos atrae tanto ver películas o series de corte violento, como la que protagoniza Cillian Murphy, nuestra portada de este mes. Por supuesto que eso plantea una cuestión ética detrás. ¿Cuánto nos puede afectar en nuestro comportamiento la exposición, en el cine o la televisión, a actitudes salvajes de los nuevos antihéroes modernos? ¿De qué foma, especialmente en los países en los que vivimos cotidianamente la violencia, glorificamos y normalizamos de alguna manera estas conductas como algo inherente a nuestra realidad?

McCarthy recoge varias teorías que explican nuestro interés por ver crueldad y diferentes estudios sugieren que esa adrenalina puede tener consecuencias negativas en nuestros actos. Los hombres con comportamientos violentos suelen reforzar esas actitudes si son expuestos a dichos contenidos. Puede ser que veamos este tipo de escenas en búsqueda de emociones, o que nos guste

observar el sufrimiento en los demás y no en carne propia, o porque sintamos que podemos aprender algo de esas secuencias que nos ayude a combatir el mundo salvaje en el que vivimos; o bien, porque lo que buscamos es el sentido final de la justicia en el que el villano siempre tendrá su castigo. Lo malo es que en el cine y la televisión, como sucede en Peaky Blinders, o en Narcos, las fronteras entre el bien y el mal se han convertido en un área difusa en la que navegamos con incertidumbre morbosa.

Pero como plantea el profesor, también sobre esta sobrexposición existe una lectura ideológica. ¿A quién o quiénes les favorece políticamente que estemos observando una violencia innecesaria? Desde luego no a las mujeres y los niños que la sufren constantemente. Tampoco a quienes creemos profundamente que no podemos normalizar o, peor, encumbrar al podio de los héroes a quienes representan la figura del mal, por muy atractivo que nos resulte. Esas representaciones de la violencia quizá puedan servir a los intereses de algún gobierno a la hora de justificar su concepto de la justicia universal o quiénes podemos ser víctimas necesarias en una acción policial o bélica. Difícil coyuntura que les animemos a disfrutar de una de las series más aclamadas de los últimos tiempos pero les pidamos que lo hagan con ojo crítico. Me gustará leer sus comentarios sobre esto en nuestras redes sociales. El debate, cuanto más abierto, más sano.

Urbano Hidalgo HEAD OF CONTENT @URBANOHIDALGO_GQ

GQ World

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Casa nova

MR.

MAQUILL A JE Y PEINADO: JOSH KNIGHT CON MOROCCANOIL SASTRERÍA: FAYE OAKENFULL.

Chaqueta, Louis Vuitton

Convertirse en actor protagonista no estaba en los planes de Jonathan Bailey. Hasta que le llegó el papel de su vida: un encantador mujeriego en una serie llamada Los Bridgerton.

Por DOUGLAS GREENWOOD

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BAILEY

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Pero una vez terminada, ya no hay más. Trabajar en una serie de época como Bridgerton fue muy envolvente.

Después de la primera temporada, el inglés debía haber podido descansar y recargar las pilas, pero unas semanas más tarde la pandemia confinó a toda la nación (y al mundo entero) y, como muchos, cayó en las garras de aquel melancólico malestar. aterrizó en la puerta de su casa como una bomba de confeti la mañana del día de Navidad, cuando la serie se estrenó en el gigante del streaming. De repente, se vio concediendo videoentrevistas desde su habitación a E! News y a diferentes programas británicos e internacionales. El éxito de la primera temporada de la ficción de Shonda Rhimes fue arrollador: cerca de 82 millones de hogares la vieron durante las vacaciones navideñas, una cifra récord únicamente superada por El juego del calamar. La segunda entrega llega este mes y vendrá acompañada de una gran expectativa. Para Bailey, la presión es doble, porque Anthony, DESPUÉS, BRIDGERTON

su personaje, es el protagonista. “Me asusta un poco que vuelva la serie, lo pone todo de cabeza”.

Quedamos de reunirnos en Hyde Park durante esa semana limbo que media entre la Navidad y la Nochevieja. Llevaba una chaqueta negra de Gore-Tex y un pantalón verde de pana, prendas con las que se integraba muy bien en su entorno.

Las distintivas patillas que se dejó crecer para la primera temporada son ahora un poco más discretas, “un arreglo estético” para el personaje, dice riéndose. Jonathan acababa de regresar a Londres tras unas vacaciones en Suiza, después de haber pasado mucho de su tiempo libre en un lugar tranquilo de Sussex.

Allí logró protegerse un poco de la histeria desatada por el éxito del serial, que ha propulsado a los dos protagonistas de la primera entrega a unos niveles de fama estratosféricos. Phoebe Dynevor, que interpretó a Daphne Bridgerton, la hermana de Bailey en la pantalla, será productora ejecutiva y protagonista de Exciting Times, la esperada serie de Amazon

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ARRIBA

Chaqueta y pantalón, Louis Vuitton.

Jersey, Dsquared2.

Cinturón, Hermès.

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S E N T Í A perdido y no sabía qué hacer con su vida. Era marzo de 2020 y hacía casi un año que vivía inmerso en el set de Bridgerton, la libidinosa y ornamentada serie de Netflix que transcurre en un Londres decimonónico de ficción y fantasía. Aún faltaban meses para el estreno del serial, pero trabajar en ella acaparaba casi cada momento consciente de su día a día.

Su corte de pelo moderno, peinado hacia atrás, había desaparecido bajo la voluminosa permanente y las largas y pobladas patillas de su personaje, lord Anthony Bridgerton, un Don Juan perteneciente a la aristocracia terrateniente inglesa.

Se sentía como si estuviera formando parte de un maravilloso experimento social, como si lo hubieran abducido y lanzado al espacio exterior, como un astronauta errante recién llegado a un nuevo planeta. En su caso, uno llamado Bridgerton, en el que gentiles y engalanadas damas peinadas con tirabuzones bailaban al ritmo de versiones para cuarteto de cuerda de canciones de Billie Eilish, cautivando a potenciales pretendientes, que a su vez se dedicaban a coquetear y a saltar de una habitación a otra por toda la ciudad, mientras una columnista anónima revelaba sus secretos, sembrando el drama entre la aristocracia londinense.

Antes de este proyecto, Bailey disfrutaba de una fama modesta labrada a lo largo de casi tres décadas de trabajo en teatro y televisión. Lo hemos visto en series de detectives como Broadchurch, emitidas en su país en horario de máxima audiencia; pero también en proyectos ideados por guionistas de prestigio, como Chewing Gum de Michaela Coel y Crashing de Phoebe Waller-Bridge.

En Londres, su trabajo sobre los escenarios del West End ha sido prolífico, principalmente gracias a una versión con géneros intercambiados de Company —el legendario musical de Broadway de Stephen Sondheim— por el que ganó el premio Olivier al Mejor Actor de Reparto. “Cuando actúas en teatro, cada noche la compartes con el público”, dice Jonathan a propósito de su debilidad por los escenarios.

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ONATHAN

PÁ G I N A O P U E S TA

Abrigo, John Lawrence Sullivan.

T-shirt, S.S. Daley.

Pantalón, Paul Smith.

Cinturón, Elliot Rhodes.

Cadena, Dsquared.

Colgante, Bleue Burnham.

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Chaqueta, Ami Paris.

Jersey, Dsquared2.

Pantalón, Vivienne Westwood.

(según las revistas de espectáculos, el año pasado salió con Pete Davidson, el cómico de Saturday Night Live, poco antes de que éste comenzara su comentadísima relación con Kim Kardashian). Por su parte, RegéJean Page, el actor que dio vida a Simon Basset, el amante de Daphne Bridgerton, volverá en 2023 con el reboot de Calabozos y Dragones.

A sus 33 años, a Bailey no le apetece demasiado que lo reconozcan por la calle. Es uno de esos actores que prefiere trabajar antes que ser famoso, que está más cómodo recitando a Dickens ante una audiencia reducida que ataviado con ropa de diseñador sobre la alfombra roja. Para él, estar donde se encuentra ahora ha sido un golpe de suerte, una circunstancia completamente fortuita.

Jonathan creció en Benson, un pueblo de menos de 5,000 habitantes situado al sur de Oxford. A

los cuatro años, se enamoró de una versión teatral del musical Oliver! y sus padres lo inscribieron a clases de baile. Consiguió su primer papel tres años más tarde, interpretando a Tiny Tim en la versión de Un cuento de Navidad, producida por la Royal Shakespeare Company. Por la misma época, sus hermanas mayores regresaban algún fin de semana de la universidad cargadas de historias sobre la vida nocturna en la ciudad.

Ponían clásicos del pop y de la música disco de un CD recopilatorio llamado Dance to the Max —“todos verdaderos himnos gay”— con temas de artistas como Freddy Mercury o Frankie Goes to Hollywood. “Me subía a mi habitación a ensayar”, cuenta, antes de bajar al salón para cantar y bailar frente a su familia.

A lo largo de su carrera, ha interpretado papeles secundarios destacados, pero raras veces ha sido el centro de

“Llegué a un punto en el que pensé: ‘Al demonio, prefiero tomar de la mano a mi novio en público o poner mi cara en Tinder tranquilamente, a que me den un papel’”.

los focos. Hasta esta temporada de Bridgerton, su único protagónico en una serie de televisión lo tuvo en un programa infantil de la BBC basado en la vida de Leonardo da Vinci. de adolescencia aprendió a interpretar a alguien que no era, como hacen muchos gays que crecen fuera de la gran ciudad. Estudió en el Magdalen College School de Oxford, una institución con casi 550 años de historia y entre cuyos antiguos alumnos se cuentan santos, caballeros y el compositor Ivor Novello. Bailey salió del clóset ante su familia y sus amigos cuando tenía veintitantos años. Hoy, es uno de los pocos actores gays cuyos papeles no están definidos del todo por su sexualidad. Bridgerton lo ha convertido en un sex symbol para hombres y mujeres, algo de lo que no le gusta hablar. “¿Actores que se consideran símbolos sexuales? Uf, qué horror”, acota.

Me pregunto si alguna vez su sexualidad ha interferido en las decisiones que ha tenido que tomar en su carrera, si ha sentido la necesidad de reprimir esa parte para poder avanzar. Menciona un cruel consejo que le dio una vez un amigo actor. “A él una vez le dijeron, ‘hay dos cosas que preferimos ignorar de ti: si eres alcohólico o si eres gay’”. Aquellas palabras se le quedaron grabadas. “Basta que lo diga una persona con ese poder para que te afecte”, dice. “Así que claro que pensé que para ser feliz tenía que ser heterosexual”. La felicidad es lo único que ha guiado las decisiones en su carrera, por eso tardó tanto en hablar públicamente de su propia sexualidad. “Llegué a un punto en el que pensé: ‘Al demonio, prefiero tomar de la mano a mi novio en público o poner mi cara en Tinder tranquilamente, a que me den un papel’”.

Bridgerton se basa en la saga romántica de la escritora estadounidense Julia Quinn y Jonathan aborda el material con el mismo tacto y la misma seriedad que emplearía con El rey Lear. Lo que parece una serie frívola y asequible sobre líos amorosos y escándalos en la Inglaterra del Período Regencia, alberga un significado más profundo para él, especialmente en lo que se refiere a interpretar a un casanova como Anthony. Cuando era adolescente, en casa veían muchas series de época que nunca “trataban realmente de los hombres”, observa, “ni sabías por qué eran distantes y tóxicos”. Esta temporada, Bailey profundiza en la narrativa de la serie y explora por qué los caballeros son DURANTE SUS AÑOS

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Chaqueta y pantalón, Giorgio Armani.

Jersey, Boss.

Zapatos, Salvatore Ferragamo.

Calcetas, Falke.

Cinturón, Elliot Rhodes.

así. Anthony anhela asentarse, pero le cuesta encontrar a alguien digna del título Lady Bridgerton.

Las imágenes del trasero poscoital de Anthony y sus comentarios veleidosos sobre las carencias de las mujeres pueden delatar un carácter insensible y superficial. Pero para Jonathan son los síntomas de un hombre que llora la muerte de su padre y que no termina de asumir el papel de patriarca. “En la primera temporada, quería romper a Anthony”, dice Chris Van Dusen, el creador de la serie, “para poder recomponerlo en la segunda”.

Mientras tanto, Bailey confiesa que “comenzó a pensar en el encanto de Anthony”, en concreto en “el papel que ejercen en un libertino como él su ansiedad y autodesprecio”. También lo “forzó a pensar mucho en el amor”.

Es una de las pocas referencias a

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su vida personal que deja escapar: “Inviertes mucho de tu experiencia personal en el trabajo. Y resulta más interesante no hablar de qué es exactamente y mantener cierto sentido de la privacidad”. Por ahí ha transitado, manteniendo el equilibrio entre la afabilidad y la cautela.

Luego del estreno de Bridgerton, su vieja amiga Marianne Elliott, directora de Company y ganadora de un premio Tony, se puso en contacto con él para poder colaborar en conjunto de nueva cuenta. “Leímos muchas obras con la mente puesta en encontrar algo para Jonny Bailey”, me confiesa Marianne. Finalmente, se decidieron por Cock (se estrena esta primavera en Londres), un centelleante texto de Mike Bartlett con abundantes diálogos y sin dirección escénica sobre un hombre llamado John, su ex pareja (interpretada por

Taron Egerton) y la mujer de la que se ha enamorado.

El trabajo premiado ha propiciado esos otros momentos sorprendentes que parecen ocurrir cada vez con mayor frecuencia. Los productores se le acercan para ofrecerle papeles.

Se acabaron los días de colarse por la puerta de atrás. A menudo, coinciden con las fechas de rodaje de Bridgerton, pero algunos le dicen que no se preocupe, que lo esperan. Le digo, bromeando, que debe de ser raro que haya gente esperándolo, y ahí Bailey se retrae un poco. Con las manos en los bolsillos y algo avergonzado pero sonriente dice: “Sí… bueno, suena un poco… Ahora puedo decirlo. Siempre piensas que va a pasar, ¡pero sólo brevemente!”. Bridgerton es una serie fantástica, añade, “pero al cabo de 20 años no quieres ser famoso, sino tener una carrera sólida”.

GQ para XCARET

DISEÑO, GASTRONOMÍA Y CARIBE MEXICANO

Fotos D.R.

Hotel Xcaret Arte es el paraíso sólo para adultos que estás buscando en la Riviera Maya. Naturaleza, arquitectura, diseño y una vasta gastronomía mexicana te esperan.

Es tiempo de consentirte y lo sabes. La escena es fácil de enunciar y gracias a Hotel Xcaret Arte, mucho más sencillo de hacer realidad: cielo soleado, un mar turquesa y tardes de calma. Todo, mientras disfrutas del placer de nuestra herencia y vanguardia culinaria en México, con un toque artístico. Una experiencia donde la arquitectura eco-integradora, la naturaleza, el diseño y la gastronomía se entrelazan. En este destino —uno de los spots de moda a nivel nacional e internacional— podrás disfrutar de un concepto que cambiará por completo tu forma de viajar: All-Fun Inclusive, el cual considera el acceso a los parques icónicos de Grupo Xcaret, así como la transportación redonda al aeropuerto y a Isla Mujeres con Xcaret Xailing.

Mimetizándose con su entorno y bajo el principio de preservar la belleza y riqueza natural de la zona, este enclave paradisíaco nos maravilla con instalaciones de primer nivel, las cuales conectan con varias caletas, la selva, todas las albercas y la playa. Talleres artísticos, cuatro rooftop bars con albercas infinitas y un speakeasy con banda de jazz completan la aventura. En cuanto a su propuesta gastronómica: nueve experiencias a cargo de verdaderos artistas del sabor.

Comencemos por las degustaciones que llevan cien por ciento nuestro sello, aquellas cocinas que nacen de la tradición. Hablamos de Xaak (por los chefs Alex Ruíz y Roberto Solís), que ofrece comida regional con influencias prehispánicas y la participación de grandes cocineras de México. En esta línea también encuentras Cantina VI.AI.PY (de igual forma bajo la visión del chef Ruíz),

un restaurante de inspiración oaxaqueña que nos hace suspirar con todas sus creaciones, y Mercado de San Juan —nada más emblemático para la cultura gastronómica de la Ciudad de México que este nombre—, donde el chef Juan Licerio reúne los sabores más increíbles de nuestros pueblos. Ahora, que si estás buscando una propuesta culinaria muy moderna, Chino Poblano (liderado por el chef Jonatan Gómez Luna) es para ti: desde el interiorismo hasta el último bocado, quedarás prendado por completo de su curaduría.

Encanta es uno de los secretos mejor guardados de Hotel Xcaret Arte, y es que en las manos de un chef con Estrella Michelin, Paco Méndez, su menú degustación resulta una experiencia que pone en alto a México.

Siguiendo la línea, te aconsejamos que te des una vuelta por Cayuco, liderado por una auténtica celebridad italiana en el mundo de la cocina: Franco Maddalozzo. Y si de gustos internacionales se trata, este destino lo tiene cubierto todo. ¿Te imaginas el resultado de mezclar las gastronomías yucateca y libanesa? Pues deja de hacerlo y ven a vivirlo en Kibi-Kibi. Asimismo descubrirás Tah-Xido, con lo mejor del universo gastronómico japonés, y Arenal, con su innovadora propuesta de comfort food. ¿Has escuchado de esos alimentos llenos de nostalgia y que se convierten en un apapacho para el alma? Ahora piensa en un menú así, con las vistas de este precioso lugar y todas las amenidades que nos ofrece.

Finalmente, si lo tuyo es seguir una dieta vegana, no tienes de qué preocuparte, pues el chef Miguel Bautista, máximo exponente de esta gastronomía, ha integrado sus platillos como opción en los nueve diferentes restaurantes de Hotel Xcaret Arte. Sin duda, un destino ideal para consentir todos tus sentidos.

GQ World Tendencias

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Aprende del fenómeno de TikTok, Conan Gray: esta temporada, mientras más atrevido, mejor.

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Por S A M U E L H I N E

Chaqueta, shorts y shorts (usados por debajo), Valentino.

Camisa, propiedad del estilista. Tank top, Calvin Klein Underwear.

Sneakers, Vans.

Calcetas, propiedad de Conan Gray.

Collar, Mikimoto.

Anillo, vintage.

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BOMBER CELESTIAL Pocos diseñadores tienen la habilidad de hacer que la artesanía de alta costura se sienta tan relajada como Pierpaolo Piccioli de Valentino.

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CAMISA DE SERPIENTE Si Kim Jones de Dior Men está involucrado de cualquier forma, los estampados de serpiente sedosa van a ser el camuflaje tendencia de 2022.

ERDEM, PR ADA, DIOR MEN: PROP ST YLIST, SOL ANGE SINGER EN MARK EDWARD INC. FENDI MEN’S, LOEWE, DOLCE & GABBANA, BOT TEGA VENE TA: PROP ST YLIST, SHARON RYAN EN HALLEY RESOURCES. FASHIONING MASCULINITIES: CORTESÍA DE V& A. COPEL AND/ELBEK: CORTESÍA DE L A MARCA.

PUFFER DE CUERO LLAMATIVO Junto con el ahora famoso verde perico, considera el azul piscina y el naranja fluorescente como los nuevos colores esenciales de la rueda de matices virales en Bottega Veneta.

MONO BOTÁNICO La primera colección menswear de Erdem, basada en sastrería con estampado en tolie de Jouy, es la respuesta a la plegaria de los fans de la línea femenina d l di del diseñador. ñ d

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BLAZER PISTOLERO En Burberry, Riccardo Tisci está haciendo un remix con el código de vestimenta británico para la generación hip-hop.

JEANS CON BRILLO Cuando quieras que tus jeans luzcan tan glamurosos como ropa de alfombra roja, ve a Dolce & Gabbana.

EL SOMBRERO BUCKET CON BANDA En la era Raf Simons, un sombrero bucket Prada esencial llega cada temporada. Comienza tu colección con la versión de playa de la colección coqueta y divertida primaveraverano de la casa.

T-SHIRT DE PELAJE Existen las t-shirts tradicionales y después están los sublimes modelos de Fendi con mink y estampados de acuarela.

HISTORIA DE LA MODA Publicada por el museo V&A, Fashioning Masculinities rastrea cómo la masculinidad ha sido negociada a través de la ropa por varios siglos: desde la bragueta victoriana hasta los trajes Gucci de Harry Styles con su visión dandy.

ANILLO DE MEÑIQUE ALUCINANTE El pintor John Copeland se unió con la experta en joyería fina Rebecca Elbek para darle al elegante anillo insignia una actualización impresionante (y una edición limitada, pues sólo se fabricarán 30).

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BOTAS CLUB-KID ¿El inesperado zapato grial de la temporada?

La bota Balearic de Loewe, hecha a mano con piel fluorescente del tipo “mírame ya”. ne

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BLUSA RECORTADA En las últimas temporadas, Anthony Vaccarello de Saint Laurent ha construido silenciosamente una necesidad, a prueba de balas, de la blusa masculina.

SUÉTER 3D Los hermanos detrás de la marca emergente basada en Antwerp, Namacheko, finalmente se han establecido como herederos de la tradición de la ciudad por las prendas de punto de alto concepto.

UN TRAJE ICÓNICO Antes de su trágica muerte, Virgil Abloh estaba inventando en Louis Vuitton Men un idioma de sastrería por su propia cuenta.

EL ROLLS-ROYCE DE LAS BANDEJAS Considera expandir tu colección de bandejas Hermès más allá de sus famosos platos de porcelana a esta versión avanzada en cobre esmaltado.

CHAMARRA CON PESPUNTES EldiseñadorGlennMarten harevivido lacasaDiesel conlaslocassensibilidadeshighfashionque hicieronquesuY/Project fueraungranéxito.

LOAFERS REFINADO OS Una toma icónica del loafer emblemático de Ferragamo im mpulsado por corredorees de bolsa de antaaño. año

COFFEETABLE BOOK COLECCIONABLE Las pinturas abstractas de dragones primitivos y leviatanes místicos de Robert Nava tienen una forma de inspirar la contemplación creativa.

NUEVA BOLSA Si la nueva bolsa Alexander McQueen Curve despierta un recuerdo dentro de tu cerebro sartorial, es porque la forma está inspirada por la icónica silueta de arnés del legendario diseñador.

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SALVATORE FERR AGAMO, SAINT L AURENT, ALEX ANDER MCQUEEN, NAMACHEKO, DIESEL: PROP ST YLIST, SHARON RYAN EN HALLEY RESOURCES. LOUIS VUIT TON MEN’S: PROP ST YLIST, SOL ANGE SINGER EN MARK EDWARD I N C . D R I E S VA N N O T E N : C O RT E S Í A D E L A M A R C A . H E R M È S : P R O P S T Y L I S T, S H A R O N R YA N E N H A L L E Y R E S O U R C E S . R O B E R T N AVA : F OTO P O R : A R G E N I S A P O L I N A R I O , C O R T E S Í A D E V I T O S C H N A B E L . G A L L E RY.

GAFAS EXTREMAS Ningunaotracategoría tienetanaparentelanostalgiaporlos2000queel reinodeldiseñodegafas, comoéstasdeDriesVan Noten,conlentesoscuros tipogoggle-almejorestilo ojosdeinsecto-dominandolaspasarelas.

El nuevo príncipe de las canciones tristes tiene a sus propios ídolos, y para la Gen Z, uno de los principales contendientes es el cantante de 23 años Conan Gray, cuyo don para escribir música triste lo ha convertido en una de las jóvenes estrellas más populares del mundo.

Como adolescente rodeado de mayores, Gray se sentía aislado, pero encontró un espacio para expresarse en Internet, donde escuchaba a Taylor Swift y subía videos musicales grabados por él mismo para las canciones tristes de amor que escribió en su habitación. En 2017, durante su último año de Universidad, se hizo viral en YouTube por primera vez; luego se mudó a California y asistió a la UCLA, que rápidamente abandonó para enfocarse en la música. La apuesta dio resultados: consiguió un contrato discográfico y construyó un ejército leal de seguidores en línea, incluyendo sus casi 5 millones de “besties” en TikTok, donde publica videos con su buena amiga (y compañera Swiftie) Olivia Rodrigo.

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ADA GENERACIÓN

-WILL A BENNE T T

COLABORACIÓN DIGNA DE GALERÍA La estética de Matthew Williams era más Matrix que MoMa —y después creó un diálogo creativo con el artista de Nueva York Josh Smith, cuyas abstracciones escalofriantes animan la nueva colección de Givenchy.

Hoodie y t-shirt de cuello falso, Givenchy Men’s. Pantalón, Willy Chavarria.

GQ World Moda

período de confinamiento y bajo la promesa de un panorama mucho más alentador que los de 2020 y 2021, las casas de moda en todo el mundo se prepararon para dar un nuevo paso esta temporada de primavera/verano 2022. Inspirada en los sísmicos cambios de la época y la posibilidad de recobrar nuestra vida en exteriores, así como en la urgencia de un impactante look para nuestras redes sociales, la industria ha puesto sus ojos (y manos) en un diseño vanguardista y descarado para el armario masculino.

Luego de experimentar durante la pandemia con otras direcciones sartoriales y diversos rostros de un guardarropa más simple, incluso más espiritual o minimalista, esta primavera/verano se advierte con intenciones menos sutiles: propósitos de mucho brillo, diversión al aire libre, playa, dominio de las calles, ácidas paletas de color y una ruptura de género más decidida que nunca, un leitmotiv indiscutible de esta era. ¿Estamos frente a uno de los episodios más interesantes para la indumentaria del hombre?

Definitivamente sí. Audaz, irredenta y propositiva, la moda de hoy nos invita a cuestionar y replantear mucho de lo que solíamos conocer. Nos provoca a recuperar los espacios públicos vestidos de una forma que no hubiéramos imaginado antes, dando también nuevos significados a la vida y otras formas de proyectarnos en la web.

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Hermès

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Zegna

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Recuperando y resignificando los espacios públicos a través de las prendas ideales para esta temporada. P o r E D UA R D O L I M Ó N

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¡BERMUDAS!

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SANDALIAS CON PERSONALIDAD

JW Anderson

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A medio camino entre nuestro sueño de volver a las playas y el eco de usar muchos slippers esta temporada en casa, este calzado llega en su versión renovada (y completamente creativa) a nuestros pies.

Dolce & Gabbana

SWEET & SOUR

Fendi

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Superado el momento en que todo se mantuvo en color gris, con tonalidades crudas o en blancos absolutos, las grandes casas de diseño están preparadas para tomar el camino del color, ¿y tú? Desde lo muy acidulado hasta lo más dulce; es tu decisión.

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Louis Vuitton

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Loewe

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Moda

FALDAS Y SKORTS Louis Vuitton

Esto es la unión de skirts (faldas) y shorts en una misma prenda: skorts. O la posibilidad de llevar ambas como un statement absoluto de las nuevas masculinidades. Un movimiento que no debes temer en seguir.

BRAZOS EN LIBERTAD Como es costumbre para esta temporada, las mangas dicen adiós; sin embargo, la diferencia está en que ahora no sólo tanks y playeras recortadas toman protagonismo, sino que chalecos de punto, blazers para mostrar los bíceps, chaquetas universitarias sleeveless y chalecos sastre contra la piel comparten reflector.

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SHINE TIME La ropa de fiesta es primordial para ir construyendo un 2022 mucho más optimista y es por ello que los trajes de coctel se hacen todavía más protagónicos.

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Chaqueta y pantalón, Louis Vuitton

NEW VARSITY La emoción de la temporada no estaría completa si no sumamos todo ese imaginario del deporte y el futbol americano que está tan ligado a ella. Pero para este 2022 la chaqueta varsity se reformula y presenta de formas muy actuales.

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FOTOS © IWAN BA AN STUDIOS, CORTESÍA DE ACADEMY MUSEUM FOUNDATION, D.R Y GE T T Y IMAGES

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Luces, cámara…

Rolex que tenemos del desquiciado coronel Kurtz que Marlon Brando interpreta en Apocalipsis ahora (1979), la película de Francis Ford Coppola que es considerada una de las mejores de la historia, no sería el mismo sin el Rolex GMTMaster que lleva en la muñeca. Lo mismo sucede con el James Bond de Sean Connery y el Rolex Submariner que usa en El satánico Dr. No (1962), así como con el billarista “Fast” Eddie Felson al que Paul Newman da vida en El color del dinero (1986) en compañía de Tom Cruise, pero también de un Rolex Datejust.

Brando, Connery y Newman forman parte de una larga lista de leyendas del cine que han utilizado un Rolex en la pantalla grande, y no pocas veces fuera de ella. Dicho listado también incluye los nombres de Faye Dunaway, Nick Nolte, Harrison Ford, Dustin Hoffman, Dennis Hopper, Alec

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L RECUERDO

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El Academy Museum of Motion Pictures recientemente inaugurado en Los Ángeles.

DE ARRIBA HACIA ABAJO

James Cameron y Martin Scorsese, quienes son Testimonial Rolex.

De la ceremonia de los Premios Oscar al nuevo Museo de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, la marca de la corona es una de las grandes protagonistas y benefactoras del séptimo arte. P o r M A N U E L MARTÍNEZ TORRES

Baldwin, Benicio del Toro, Charles Bronson, Owen Wilson y Ben Affleck.

Por supuesto, ninguna otra casa relojera puede presumir de algo parecido.

Cierto: los cameos de relojes en películas son tan abundantes que existen páginas de Internet y cuentas de Instagram dedicadas a registrarlos. Muchas marcas aprovechan las producciones cinematográficas más famosas para que los protagonistas luzcan sus guardatiempos. Pero lo de Rolex es diferente, como siempre que esta firma se involucra en alguna actividad cultural o deportiva.

Para empezar, la marca no busca salir en cintas a través de product placements. Más bien, los directores y actores deciden que sus relojes le aportan fuerza, credibilidad, estatus, sofisticación, elegancia o poder a un personaje. “Un Rolex no sólo es un reloj hermoso y una obra maestra de la ingeniería; es un reloj muy resistente. Puedes usarlo en cualquier ambiente y aguantará la presión.

Entonces, lo que le estás diciendo subliminalmente a la audiencia es: ese personaje [que usa el Rolex] puede soportar la presión, él o ella tiene lo que se necesita”, explica el cineasta y testimonial de la marca James Cameron. Y sabe de lo que habla: Brock Lovett, el buscador de tesoros

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,© IWAN BAAN PHOTO

, JOSHUA WHITE/ JWPICTURES

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L A M A N E R A E N Q U E lo ha logrado es formidable. Desde 2017, Rolex es el Reloj Exclusivo de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, además de Proud Sponsor of the Oscars, con todo el prestigio que eso significa. En 2018, se convirtió en patrocinador de los Governors Awards, que cada año reconocen la carrera de personajes destacados de la industria. Y desde 2016, es la diseñadora y anfitriona de la Greenroom, el maravilloso lounge donde los presentadores y las estrellas invitadas se relajan antes de subir al escenario de los Premios de la Academia. La temática cambia en cada entrega; por ejemplo, en 2020 la decoraron como si fuera una lujosísima estación de exploración en el Polo Norte.

Pero eso no es todo. En septiembre de 2021, se inauguró el Museo de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas del que Rolex es Founding Supporter. Localizado en Los Ángeles y proyectado por Renzo Piano, ganador del premio Pritzker de arquitectura, es la mayor institución dedicada al cine en Estados Unidos.

Su sede es el May Company Building, rebautizado como Saban Building, un edificio de 1939 que era una tienda departamental en la zona de Miracle Mile, junto al Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA).

El museo cuenta con 27,900 m², de los cuales alrededor de 4,650 m² son galerías con salas de exposición, una sala para proyecciones con 288 asientos y espacios para talleres que se imparten a niños y jóvenes. Se

conecta con el Teatro David Geffen, una impresionante estructura esférica con 1,000 butacas para funciones especiales, conferencias, estrenos y otros eventos. El museo está dedicado a la historia y el impacto cultural del cine a nivel mundial, además de que tiene un claro mandato de difundir las artes y las ciencias relacionadas con esta actividad cultural.

En el tercer piso está la Galería Rolex con la experiencia “Historias del cine”. Está conformada por instalaciones que muestran varios aspectos de la creación cinematográfica en diferentes películas, épocas y géneros, incluyendo el trabajo de ganadores del Oscar. En el área llamada “Inventando mundos y personajes”, los visitantes pueden conocer cómo los diferentes diseñadores y técnicos conceptualizan la producción final, por lo que se exponen elementos como maquetas, acetatos de animación y vestuario. Sin duda, es una metáfora del mundo de la relojería, donde arte y ciencia también se unen en la búsqueda de la excelencia para dar vida a guardatiempos visionarios como los de Rolex.

Uno de los tesoros del museo es el Cosmograph Daytona que perteneció al actor Paul Newman y que le regaló su esposa, la actriz Joanne Woodward, en 1969. En la parte trasera de la caja tiene grabada la inscripción “Drive carefully, Me”, pues el legendario actor corría autos de carreras como pasatiempo. En 2017, este Rolex se subastó por 17,8 millones de dólares, un récord absoluto para un reloj de pulsera.

Para finalizar, hay que mencionar la Iniciativa Artística Rolex para Mentores y Discípulos. Con ella, la marca apoya a los cineastas emergentes al posibilitarles la convivencia y el aprendizaje con un director consagrado durante un periodo de colaboración creativa. En la actualidad, el mentor es Spike Lee, pero antes lo fueron Alfonso Cuarón, Alejandro González Iñárritu, Mira Nair, Stephen Frears, Zhang Yimou y Martin Scorsese, quien, además, es Testimonial Rolex.

FOTOS © IWAN BAAN STUDIOS

de su cinta Titanic, interpretado por Bill Paxton, llevaba un Submariner que es propiedad del cineasta.

Además, la relación de Rolex con el séptimo arte es tan amplia y profunda que tampoco tiene comparación en el sector de la relojería y, tal vez, en ningún otro. La convicción de la firma es apoyar los logros más notables en la industria cinematográfica, preservar y celebrar la creación de obras extraordinarias, y ayudar a transmitir el conocimiento de generación en generación.

ACADEMY MUSEUM FOUNDATION Y D.R.

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PÁGINA OPUESTA, DESDE ARRIBA Un espacio en el Academy Museum of Motion Pictures dedicado a Spike Lee, quien actualmente es mentor en la Iniciativa Artística Rolex para Mentores y Discípulos / E.T., el entrañable personaje creado por Steven Spielberg, también forma parte del Museo de la Academia de Hollywood. ESTA PÁGINA, DESDE ARRIBA Y DE IZQUIERDA A DERECHA El legado del gran Bruce Lee tiene eco en el Academy Museum / Rolex Greenroom / Una vista general del Museo de la Academia / La arquitectura es parte importante en el proyecto del Academy Museum of Motion Pictures / El Premio Oscar que ganó Charles Rosher en la categoría de Mejor Cinematografía en 1927 por su trabajo en Sunrise / Una instalación dedicada al trabajo de Pedro Almodóvar / El Museo de la Academia también cuenta con una sección en la que se muestra la creación de diferentes personajes que han marcado la historia del séptimo arte, como el anfibio de La forma del agua / El Teatro David Geffen / Spike Lee y Kyle Bell del programa Mentores y Discípulos de Rolex.

GQ World Relojes

Él es leyenda Sergio ‘Checo’ Pérez ya demostró ser el mejor compañero que Max Verstappen podría pedir. Ahora es su turno de ir por todo. P o r M A N U E L M A R T Í N E Z T O R R E S “‘Checo’ es una leyenda” y hasta los más incrédulos creyeron. El piloto mexicano acababa de darse un agarrón mitólogico con Lewis Hamilton para que Verstappen, su compañero en la escudería Red Bull Racing, pudiera recortar la distancia que lo separaba del británico en el Gran Premio de Abu Dabi 2021 y mantener vivas sus posibilidades de ganar el Campeonato Mundial de Pilotos. Max finalmente lo logró, con mucha polémica incluida, y las imágenes de la batalla de Sergio Pérez con el todopoderoso Hamilton quedaron archivadas en nuestro sistema límbico para estimular la liberación de dopamina cuando necesitemos una dosis de felicidad.

‘Checo’, con una década de experiencia en la Fórmula 1, disfrutó con sabiduría de esta consagración tan distinta a la de subirse a un podio, algo que ya ha conseguido 15 veces, dos de ellas en el primer lugar. “Defendí la posición como en cada carrera, es importante hacerlo. No porque alguien esté peleando el campeonato tienes que manejar diferente.

Al final todos estamos aquí para hacer lo mejor para nosotros y para nuestros equipos, y fue lo que hice”, declaró. Sin embargo, eso no significa que haya dejado de aspirar a ser el mejor, sobre todo cuando ocupó el cuarto puesto entre los pilotos de la categoría. “Mi sueño es convertirme en campeón del mundo. Soy consciente de que no me quedan muchos años, pero de aquí a que llegue mi retiro lo quiero dar absolutamente todo”, nos dijo en una entrevista reciente.

Los cambios en el reglamento para la temporada 2022, que arranca el 18 de marzo en Bahréin, vaticinan que la competencia será más equilibrada y que se acortarán las distancias entre escuderías y pilotos. Y aunque para Red Bull Racing la estrella es Verstappen, por su juventud y cualidades, nadie le quita a Pérez el derecho a pelear por su sueño. Por lo pronto, lo que logró en 2021 incluso se usa como ejemplo para la gente de negocios. “Algunas de las claves que marcan el éxito de Sergio son el hecho de poner el equipo por encima del interés individual, no perder de vista su objetivo, concentrándose en lograr la mejor carrera posible, priorizar lo positivo y ser resiliente”, dice un artículo del periódico El Economista. Y las marcas con las que colabora están felices. Es el caso de TAG Heuer, que creó un reloj Carrera Tourbillon Sergio Pérez para apoyar a la fundación del tapatío. En esta imagen, el piloto luce el nuevo cronógrafo TAG Heuer Formula 1 x Red Bull Racing Edición Especial. Digno de una leyenda.

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“Soy consciente de que no me quedan muchos años, pero de aquí a que llegue mi retiro lo quiero dar absolutamente todo”.

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Emperador de la comedia

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que se gana el corazón del cínico Hugh Grant —y de todos— en About a Boy (2002) creció para convertirse en uno de los actores más versátiles de la actualidad. Nicholas Hoult se nota igual de cómodo en la serie adolescente Skins, que en el drama A Single Man (2009) —el debut de Tom Ford como director—, en la biopic Tolkien (2019) o como el villano de Those Who Wish Me Dead (2021). Tampoco ha abandonado su gusto por los papeles extravagantes, como el azulado Beast de los X-Men o Nux en Mad Max: Fury Road (2015).

Pero en la serie The Great se ha revelado como una joya de la comedia. El personaje del emperador ruso Pedro III, un tipo detestable que ve amenazado su inmenso poder por su esposa Catalina II (Elle Fanning), le ha caído como anillo al dedo para hacer una interpretación hilarante que le debe mucho a dos de sus ídolos: Robin Williams y Jim Carrey.

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Nicholas Hoult, embajador de la marca de alta relojería Jaeger-LeCoultre, nació para hacernos reír, como lo demuestra su aclamada actuación en la serie The Great. P o r M A N U E L

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Doubtfire, es muy divertido, pero también emocionalmente verdadero, sincero y desgarrador de observar”, dice Nicholas en entrevista con GQ México. “Lo mismo pasa con Carrey. Muchos de estos actores de comedia pueden ser, a la vez, de los más rotos, trágicos, perturbadores y tristes de apreciar, porque has experimentado momentos muy felices con ellos. Nos brindan algunas de las actuaciones más empáticas, sutiles, abiertas y honestas”.

Con Pedro III, Hoult ha intentado lograr algo parecido.

“Ningún personaje es completamente bueno o malo, siempre hay un área gris”, explica. “Cuando conoces a Pedro, sin duda tiene muchas cosas despreciables, pero hay otras ligeramente redentoras que te hacen sentir un poco de empatía hacia él. Es, en gran medida, un producto de su entorno”.

Sus proyectos incluyen las cintas The Menu, con Anya Taylor-Joy (The Queen’s Gambit), y Renfield, en la que interpretará al lacayo de Drácula. “El solo hecho de enfocarme en la relación de Renfield y Drácula de una manera

nueva es muy interesante para mí, explorar la dinámica del poder y las relaciones tóxicas. Además, creo que Nicolas Cage será un Drácula brillante”. Hoult sigue de embajador de Jaeger-LeCoultre y su reloj Reverso, que gracias a su caja reversible es tan versátil como él. “Todos los días uso un Reverso que tiene las iniciales de mi hijo grabadas en la parte posterior, así que es muy personal para mí”, afirma. “Su versatilidad te permite ponértelo con todo: puedes usarlo con ropa casual en el día, pero en la noche lo combinas con un esmoquin y se ve perfecto. Me encanta que el Reverso pueda desempeñar todos los papeles que necesitas”.

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MEJOR PELÍCULA ANIMADA

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Apuesta GQ: Encanto Podría dar la sorpresa: Los Mitchell contra las máquinas

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MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL Apuesta GQ: Drive my Car de Japón Podría dar la sorpresa: The worst person in the world de Noruega

Ha llegado el momento de llenar las quinielas y como queremos que salgas vencedor en todas, aquí te dejamos nuestras apuestas para la entrega número 94 de los Premios de la Academia. P o r

JESÚS ALBERTO GERMÁN

3 MEJOR ACTOR Apuesta GQ: Will Smith por King Richard Podría dar la sorpresa: Andrew Garfield por Tick, tick...

BOOM!

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MEJOR GUIÓN ORIGINAL Apuesta GQ: Belfast Podría dar la sorpresa: Licorice Pizza

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I L U S T R A C I Ó N

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5 MEJOR PELÍCULA Apuesta GQ: El poder del perro Podría dar la sorpresa: Belfast o Drive my Car

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MEJOR DIRECCIÓN Apuesta GQ: Jane Campion por El poder del perro Podría dar la sorpresa: Steven Spielberg por West Side Story

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MEJOR GUION ADAPTADO Apuesta GQ: El poder del perro Podría dar la sorpresa: CODA

8 MEJOR ACTOR DE REPARTO Apuesta GQ: Kodi Smit-McPhee por El poder del perro Podría dar la sorpresa: Ciarán Hinds por Belfast

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MEJOR ACTRIZ Apuesta GQ: Kristen Stewart por Spencer Podría dar la sorpresa: Nicole Kidman por Being the Ricardos

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MEJOR ACTRIZ DE REPARTO Apuesta GQ: Ariana DeBose por West Side Story Podría dar la sorpresa: Judi Dench por Belfast

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Entre la comedia y la tragedia Naian González Norvind cuestiona las relaciones de pareja en Sexo, pudor y lágrimas 2 , Ámsterdam y Hamlet .

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violencia entre géneros. Y creo que es un signo de cambio social, de que sí avanzamos; porque en esta secuela se explora una manera más honesta de abordar nuestra sexualidad sin tanto tabú. Los personajes jóvenes vienen mucho más evolucionados y saben relacionarse de otra forma. Están en búsqueda de la verdad dentro de uno mismo, dentro de su familia. Venimos a cuestionarnos qué queremos heredar y qué queremos soltar de nuestros padres”, explica.

Sin duda, Naian ha elegido valores importantes de su abuela y su madre, las actrices Eva y Nailea Norvind, además de compartir el talento histriónico con su hermana Tessa Ia. Pero el haber crecido en este matriarcado artístico le dejó una enorme lección que ahora retrata en pantalla: “Afortunadamente ya hay una toma de conciencia de lo importante que es la energía femenina. El cuidar, el preservar, el nutrir. Sexo, pudor y lágrimas 2 tiene una postura más integral, hasta los personajes masculinos están más en contacto con su lado femenino, porque necesitamos las dos energías para estar en balance”.

Este tema tan importante para ella también se trata en Ámsterdam, la nueva serie de HBO Max que trae de vuelta la comedia romántica. “Nos encontramos en un periodo de transición, de cambio de narrativa social.

Estamos entendiendo sobre el respeto que debemos a quienes piensan diferente y eso ha generado mucho miedo a bromear, no tenemos claro de qué nos podemos reír o no”, considera. “Ámsterdam es una comedia adulta, madura e inteligente, que termina no siendo tan romántica. Trata los conflictos de una pareja que decide separarse y cómo el perro se vuelve la manzana de la discordia, pero los obliga a conectarse. A través de él, logran averiguar qué es lo que quieren de la relación y el uno del otro”.

Filmada principalmente en la colonia Condesa de la Ciudad de México y en Uruguay, Ámsterdam retrata el romance contemporáneo con empatía y cercanía, de forma que nos identifiquemos con las decisiones equivocadas de los protagonistas. Ello ayuda a preguntarnos sobre nuestros propios errores y el papel que juegan en la creación de nuestra identidad.

Un tema casi shakespeariano, como el tercer proyecto de Naian, igualmente innovador y donde también se explora el poder femenino, las relaciones humanas y el cuestionamiento al pasado: Hamlet, una puesta en escena que abre el 18 de marzo en el teatro Milán y donde se encarga de dar vida a la trágica Ofelia. ¿Su pareja? Irene Azuela, quien revoluciona el teatro en México con el rol titular. No nos la podemos perder.

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MAQUILLAJE: CLAUDIA GAMIÑO PEINADO: GERARDO MALDONADO STYLING: JUAN DE DIOS RAMIREZ & BETO ESCAMILLA ASISTENTE DE FOTO: FERCH UGALDE FOTO FONDO: GETTY IMAGES.

L A N U E V A M U J E R es una castradora, una fuente de impotencia y una causa de divorcio.

Cuanto más admire un hombre a una mujer por sus éxitos, más difícil le resultará desearla”. Así rezaba una de las muchas frases de Sexo, pudor y lágrimas, éxito del cine nacional en 1999 que planteaba una interminable guerra de géneros y que ahora es cuestionada en una secuela que se estrenó en febrero por HBO Max. Naian González Norvind interpreta, precisamente, a la hija de quienes pretendieran filosofar con ese quote: Carlos (Víctor Huggo Martin) y Ana (Susana Zabaleta).

“Creo que hoy en día sucede lo contrario: a los hombres ya les prende el éxito de la mujer y lo celebran”, asegura la actriz, orgullosa de Sexo, pudor y lágrimas 2, en la que también participan Cecilia Suárez, Jorge Salinas, Mónica Dionne y José Ángel Bichir. La primera parte ganó en su momento 115 millones de pesos, inaugurando el llamado Nuevo Cine Mexicano; y ahora, la Generación Z viene a confrontar temas que los protagonistas, pertenecientes a la Generación X, dejaron sin profundizar. “A quienes vimos la primera película recientemente, nos chocó que se hayan normalizado esas situaciones, como la violación dentro del matrimonio, la agresión-pasiva, la

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GQ World Música

cada concierto de Michelle Zauner con su banda Japanese Breakfast, era un homenaje a su madre, que falleció hace más de un lustro a sus 56 años como consecuencia de un cáncer.

Sus primeros álbumes, Psychopomp (cuya portada se adorna con una foto de su mamá y su tía) y Soft Sounds from Another Planet, consistían en una serie de temas de duelo que la intérprete escribió a manera de catarsis, para así ayudarse a sobrellevar su pérdida. En aquel tiempo, era sólo un talento independiente; pero pronto comenzó a generar una poderosa base de seguidores que la acercaría a ser lo que ella describe como “Jimmy Fallon Big”, es decir, tan famosa para cantar en el popular programa de televisión.

Acto seguido, Zauner escribió un libro llamado Crying in H Mart, donde —sin disculpas ni miedos— narró su historia, la de su madre, su compleja relación y la parte de su identidad que se vincula a ella, así como el impacto que tuvo en su música. Esto no sólo la colocó como una de las compositoras más honestas y relevantes de nuestra era, sino también como una de las mejores escritoras contemporáneas de no-ficción. Punto. Pero, ¿cómo N C I E RT A FORMA,

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Júbilo después del dolor

disfrutar del éxito, que no llega todos los días a pesar del talento, si gran parte de él es gracias a su madre y a ese dolor? Quizá es tiempo de aprender.

“Creo que he querido apuntar en esa dirección desde hace mucho, pero no lograba estar lista”, me revela Zauner a la mañana siguiente del primer show que ofreció en Ciudad de México y en el que presentó Jubilee, su tercer trabajo con Japanese Breakfast.

El nombre del material describe la emoción clave, el deseo después del duelo. “Gran parte de la discografía de Japanese Breakfast ha sido sobre la pérdida [...] Ahora han pasado 5 años desde que mi madre murió y estaba lista para escribir sobre algo más, y creo que en cierta forma este álbum se siente como si me estuviera dando permiso para seguir adelante, de experimentar de nuevo alegría y sentirla. El último lustro ha sido una experiencia agridulce porque estuvo lleno de este duelo, pero también fueron algunos de los años más felices en mi vida. Me casé, viajé por el mundo, por primera vez seguí mi trabajo ideal… Es algo con lo que lidié desde hace tiempo, así que siento que quería encapsular ese sentimiento de permitirme disfrutar la vida”.

En otras palabras, es una nueva era y aunque llegue la alegría, el pasado nunca se olvidará.

¿Hasta cuánto tiempo después de una pérdida nos podemos permitir volver a disfrutar de la vida? Michelle Zauner no deja atrás el duelo, pero apunta hacia una nueva felicidad. P o r A L O N S O M A R T Í N E Z M A R Z O

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GQ World Gadgets

NACE UN CHEF ¿Uno de tus propósitos o metas de este año es cocinar como un verdadero chef ganador de estrella Michelin? El primer paso bien podría ser equiparte con algunos de los siguientes artilugios que te ayudarán a “hacer magia” en la cocina y, sobre todo, comenzar a perderle el miedo al arte de preparar platillos.

Por J E S Ú S A L B E R T O G E R M Á N

WI-FI ENABLED INSTANT POT Factor GQ: Esta maravilla es una especie de 8 en 1, es decir, es olla de presión, de cocción lenta, de arroz, vaporera, sartén para salterar, calentador y hasta máquina para hacer tartas y yogurt. Y es que la Instant Pot está integrada por 13 programas que te facilitarán la vida al hacer desde sopas y frijoles hasta costillas, pollo o arroz (que no suele ser tan sencillo de cocinar como se piensa). Lo mejor de todo es que cuenta con conexión Wi-Fi, lo que te permite controlarla desde tu smartphone o a través de comandos de voz de Alexa, para que así la comida se haga como por arte de magia mientras ves tu partido de futbol.

AEROGARDEN GREENHOUSE Factor GQ: ¿Te imaginas tener productos frescos al alcance de tu mano? Ahora esto es posible gracias a un “sistema de cultivo hidropónico” portátil que te ayudará a cultivar hierbas y verduras durante todo el año. El Aerogarden Greenhouse está fabricado con acero inoxidable, cuenta con luces LED de bajo consumo que facilitan el crecimiento más rápido de lo que esté sembrado, un sistema de riego inteligente y una pantalla digital con ajustes avanzados, como el Modo Vacaciones, con el cual tus cultivos se regarán y controlarán automáticamente.

Factor GQ: Por más de 50 años, la firma se ha encargado de salir al auxilio de quienes comienzan a dar sus primeros pasos en el universo de la gastronomía. Con toda esta experiencia, el más reciente eslabón de Thermomix prácticamente puede hacer de todo: trabaja con platillos fríos y calientes, pesa, pica, amasa, bate, ralla, deshebra, cocina al vapor… Además, presume una buena lista de funciones, entre las que destaca el modo Cocina Guiada que, como su nombre lo indica, te llevará paso a paso en la creación de alguna receta, mientras sigues con tus actividades del diario. ¿Algo más? Sí, puedes planear un menú semanal y la TM6 te enviará la lista de súper de acuerdo a los platillos que hayas seleccionado. Después de usarla, estarás listo para The Final Table o Hell’s Kitchen.

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THERMOMIX TM6

KRUPS PREP&COOK Factor GQ: A simple vista se trata de un procesador de alimentos con un recipiente de acero inoxidable de 4.5 litros.

Sin embargo, es mucho más que eso, ya que gracias a su tecnología te permitirá cocinar, hacer puré, mezclar, amasar, vaporizar y freír a través de las 12 funciones con las que cuenta. Aunque también tiene un Modo Manual de preparación, ideal para todos aquellos que ya dejaron atrás su etapa de “principiantes” en la cocina. Lo mejor de todo es que podrás guisar hasta 10 raciones, por si un día llega tu familia de sorpresa a tu departamento. El plus es que incluye un recetario de más de 100 platillos.

NESPRESSO VERTUO PLUS Factor GQ: Obviamente esta lista no estaría completa sin un “gadget” que te facilite la vida al momento de preparar tu café matutino. Después de buscar por todo el universo de cafeteras que existen actualmente, hemos apostado por uno de los más recientes modelos de Nespresso. Se trata de la Vertuo Plus, cuyo abanico cuenta con 25 mezclas de café en tres tipos de cápsulas y cuatro diferentes tamaños de tazas. Está también equipada con una nueva tecnología llamada Centrifusión, la cual extrae hasta la última gota de cada cápsula y agrega la cantidad precisa de crema, basándose en un sistema inteligente de ajuste. Ahora que si quieres prepararte un buen café desde la comodidad de tu sillón, entonces deberías apostar por la Nespresso Expert, que está creada con tecnología Bluetooth para que programes tu taza mientras terminas de vestirte o de hacer cualquier cosa en la que estés entretenido.

ECHO SHOW 15 Factor GQ: Cada nuevo integrante de la familia Echo nos sorprende; sin embargo, el Show 15 fue mucho más allá de lo que esperábamos. Y es que ahora dejó su silueta de “bocina” para dar paso a una imagen más cercana a una pintura digna de museo. El nuevo eslabón de Amazon Devices está conformado por una pantalla Full HD de 15.6 pulgadas (y una cámara de 5MP), la cual puede ser usada de forma horizontal o vertical. Echo Show 15 se puede instalar directamente en la pared o sobre una base ajustable compatible, y lo incluimos en esta lista porque bien puedes colocarlo en la cocina para así tener toda tu casa inteligente al alcance, además de que Alexa saldrá en tu auxilio con recetas, instrucciones paso a paso para cocinar y para agregar ingredientes a tu carrito de compras. También podrás continuar viendo la serie del momento mientras preparas algún platillo.

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o Lexus La marca japonesa basa su filosofía de lujo en la comodidad, la hospitalidad y la tradición artesanal, como lo demuestra el Lexus LS Hybrid, ya disponible en México.

Por MANUEL MARTÍNEZ TORRES

y que nos atrae tanto del Lexus LS Hybrid es resultado de una visión que ha redefinido la exigente categoría de los autos de lujo. Desde el LS original, que se lanzó en 1989, la marca japonesa tenía como objetivo alcanzar la perfección. Para lograrlo, su propuesta fue crear vehículos con una estética elegante y moderna, por supuesto, a la vez que enfocarse con mucha determinación en la experiencia de todos los pasajeros en el interior, algo que hoy es común, pero en lo que Lexus fue pionera.

El LS Hybrid, que ya está disponible en México, tiene un perfil tipo coupé y una poderosa parrilla delantera, faros agresivos y una facia escultural que le aportan mucha personalidad. Al diseñarlo, los ingenieros se concentraron en

en una sola pieza del motor. Esa obsesión cultural por los detalles está presente incluso en los componentes más pequeños, desde el sistema de propulsión y la suspensión, hasta la colocación de los puntos de costura de los asientos. Un ejemplo es el cristal Kiriko, una técnica de vidrio tallado a mano que refleja delicadamente la luz de acuerdo al ángulo desde donde se mira y que se utiliza en paneles de adorno de la cabina.

De esta manera, las emociones están aseguradas con elementos como los asientos Ottoman de la parte trasera del Lexus LS Hybrid, con más de cinco programas de masaje, 22 posiciones e independencia total, gracias a un panel central donde se controla la temperatura, la iluminación, el audio y más. Y también con el sonido envolvente con 23 bocinas Mark Levinson, que puedes manejar con tu voz a través del sistema Dynamic Voice Recognition.

Hay mucho más que disfrutar de un Lexus LS Hybrid y la mejor manera es ponerse al volante de uno.

FOTOS D.R.

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ODO LO QUE VEMOS

elevar la comodidad y el refinamiento a nuevas alturas, para ayudar a equilibrar una gama de mejoras dinámicas dictadas por la iniciativa Lexus Driving Signature.

Esta filosofía, que se aplica al desarrollo de cada modelo de la firma japonesa, establece un nuevo estándar de control del vehículo para que su operación sea fiel a las intenciones del conductor en todo tipo de situaciones. Por ello, involucra ajustes detallados, actualizaciones de componentes muy bien pensadas y mejoras en la superficie de control, para brindarte una sensación absoluta de equilibrio y confianza al volante.

Otra cualidad única de Lexus es la forma en que combina la tecnología avanzada con la tradición japonesa.

La marca tiene genuinos maestros artesanos, conocidos como Takumi, que deben reunir más de 60,000 horas de especialización. Ellos se encargan de supervisar la fabricación de cada coche, comprueban la calidad de la pintura en 4,000 lugares del bólido y examinan hasta 250 puntos

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C O S T A Oeste de Estados Unidos resguarda muchas propuestas, aunque ninguna tan elegante y sobria, por definirla de alguna manera, como ésta.

Pero se trata de una sobriedad que desborda un lujo minimalista, sutil, hipnotizante. Nada le sobra ni nada le falta a The West Hollywood EDITION, comenzando por su ubicación colindante con Beverly Hills. Seguimos con las 140 habitaciones y 50 suites que tienen una relajante paleta de colores neutros claros y madera de pino alerce siberiano, cortinas corredizas de piso a techo, tinas de baño independientes A

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Lujo minimal La creatividad hotelera no tiene límites.

Muestra de ello es este rincón de Los Ángeles dedicado al relajamiento y elevar la experiencia wellness. Todo ello rodeado de sobriedad y vanguardia. P o r M A N U E L MARTÍNEZ TORRES

The West Hollywood

EDITION, L.A.

GQ World Destinos

y productos Le Labo. Algunas cuentan con terraza privada.

En cuanto a la oferta gastronómica, el restaurante Ardor de John Fraser, quien ha sido reconocido con una estrella Michelin, sirve cocina californiana saludable realizada con ingredientes orgánicos locales. Fraser es uno de los mejores chefs de verduras del mundo y se especializa en preparaciones simples que destacan la esencia de la comida. Ardor tiene un jardín lleno de vegetación para cenar al aire libre en un ambiente al estilo Napa, con una selección de vinos dominada por dicha región.

La piscina está en The Roof, la azotea con vistas panorámicas que van desde el océano en Santa Mónica hasta los rascacielos del downtown.

Es un área muy cómoda con bancos de madera, árboles y camastros para asolearse. Y, muy importante, se sirven cocteles de inspiración latina y tropical, algunos con mezcal y tequila, y otros con Kombucha o combinaciones wellness con jugos recién exprimidos. El Lobby Bar tiene una barra excepcional y un ambiente cálido, y en el sótano está el club Sunset.

No podía faltar The Spa, con seis salas de servicio y tratamientos high tech con sonido y luz, terapias de recuperación mental y corporal, y rituales antiguos como la meditación autoguiada. Todo esto en un moderno edificio que combina madera de cedro rojo occidental y mármol travertino italiano, y que en el lobby luce una asombrosa escultura colgante del artista angelino Sterling Ruby.

FOTOS D.R.

EN ESTA PÁGINA

Gracias a todas sus amenidades y propuestas, The West Hollywood EDITION es uno de los secretos mejor guardados de L.A.

FOTOS SIMON WATSON

ESTILISMO JOANA DE LA FUENTE

Es uno de los actores más respetados de la industria y uno de los más esquivos.

Aunque ha formado parte de grandes producciones, sobre todo de la mano de su admirado Christopher Nolan, no suele prodigarse por alfombras rojas y vive alejado del Hollywood más convencional. De su ya extensa carrera ha sido su papel como Tommy Shelby en Peaky Blinderss el que le ha catapultado a la popularidad.

A punto de estrenarse la última temporada de la serie, y mientras protagoniza la más reciente campaña de Montblanc, viajamos a su Irlanda natal para tratar de saber algo más del hombre que nunca quiere mirar a cámara.

ILUSTRACIÓN Y VECTOR TIPOGRÁFICO GETTY IMAGES

POR URBANO HIDALGO

Camisa, Ermenegildo Zegna Pantalón, Hermès Bolso messenger, Montblanc Meisterstück Reloj, Montblanc 1858 Geosphere UltraBlack

Total look , Ann Demeulemeester Bolso messenger , Montblanc Meisterstück

cielo se tiñe de un tono anaranjado mientras amanece en el condado de Wicklow, al sur de Dublín, frente a los verdes (y no es un tópico) montes y a la laguna que en esta parte aún es el río Liffey y que terminará besando el mar a su llegada al estuario de la capital irlandesa. Frente a nosotros se levanta Russborough House, una mole de granito de estilo paladiano construida a finales del XVIII por el arquitecto Richard Castle para el conde de Milltown y que hoy es un museo —exquisitamente cuidado por la Alfred Beit Foundation— que contiene las colecciones de arte y propiedades de las tres familias que lo han habitado. Pinturas, jarrones de Sèvres, libros encuadernados en cuero y que forman parte de una biblioteca especializada en arte y arquitectura, un piano Steinway & Sons, plata y ornamentos italianos se mezclan como los árboles genealógicos de la tercia de dinastías que aquí residieron.

Después de desayunar con esa fuerte, oscura y aromática mezcla de hojas que conforman el tradicional irish tea —para tratar de sacarnos el frío de una mañana de diciembre en la que el sol pareciera que despertó con pereza y que en cualquier momento fuera a ocultarse en el horizonte— caminamos por los jardines y pasillos de la mansión tratando de imaginar cómo se verá ese actor irlandés que interpreta a un gángster inglés en un escenario más propio de la Ópera del mendigo —esa divertida parodia de las clases privilegiadas británicas escrita por John Gay a comienzos del XVIII— que de los avatares del indiscutible protagonista de la serie que ha cambiado hasta nuestra forma de vestir.

Mientras Simon Watson, el fotógrafo, se mueve por la casa como un valet de Downton Abbey de energía imbatible y nos urge a ver las distintas estancias para buscar el ángulo y la luz más adecuados, moviendo alfombras y protestando divertido por la insólita decoración navideña, Cillian Murphy (Cork, 1976) llega solo manejando su MINI Cooper y saluda educadamente a todos los asistentes con un cierto aire de timidez que contrasta con el papel que lo ha catapultado al estrellato, streaming mediante.

Está muy delgado y los pómulos se le marcan duramente en la cara, como si fuera el hijo de la Gran Hambruna irlandesa. Se encuentra preparando su próximo personaje. Es curioso, que nos confiese que los castings no son lo suyo. “No soy bueno en las audiciones. Creo que si en verdad quieres ser sobresaliente en la actuación, debes de pasar por un gran proceso de contacto con el personaje que interpretas, reconocer lo que sucede e involucrarte con lo

que vas a crear; y las pruebas son todo lo opuesto. Me estresan. No puedes ponerte en el papel en 15 segundos y en eso soy muy malo”.

Durante la sesión conversará con Simon y se dejará fotografiar mucho más relajado cuando no le pidamos que mire a cámara. “Ese es mi trabajo, no querría tener que repetirlo hoy también”. Pienso que pueda ser inseguridad más que extravagancia ya que, aunque serio, se mostrará relajado durante todo el día y compartirá con nosotros un almuerzo en el que obviamente los platillos contarán con una abundante ración de papas de todos los estilos irlandeses. A veces, me sentiré tentado de ejercer de madre o abuela y servirle más en el plato, pero me retiene el recuerdo de las, en ocasiones muy violentas, escenas de Peaky Blinders y no quiero arriesgarme a enfadar a Tommy Shelby cerca de un cuchillo.

Murphy aprendió muy pronto lo que significaba estar frente al público. Desde los 10 años experimentó inquietudes musicales y formó en la adolescencia una banda con su hermano. Una fallida carrera como estudiante de Derecho, la visión de un montaje teatral de Naranja mecánica y un encuentro con un maestro que le animó a seguir en la actuación, le permitieron participar en el drama teatral Disco Pigs, un papel que interpretó tanto en el escenario como en su versión cinematográfica.

Desde pequeño, toda tu vida ha girado en torno a la creación y la actuación. ¿Crees que exista eso de llevar el arte en los genes?

Creo que uno lleva en los genes el hecho de querer actuar y presentarse ante la gente. Hay talentos que desde que eres pequeño se pueden mostrar, como cocinar o hacer algún deporte. Y entre ellos está el de representar un show para el público.

No estaba en mi familia, eso es cierto. ¿Cómo participó tu familia en ese camino?

Siempre hubo libros y mucha música en casa. Mi familia giraba alrededor de lo moderno y lo tradicional en lo musical, así que siempre encontré esta retroalimentación en mi hogar. No era una casa muy artística, pero había incentivos y fueron éstos los me motivaron en un inicio, desde ir a un pub con mi papá hasta acudir al teatro.

Es ahí también donde comienzas tus primeros proyectos…

Sí, yo tocaba un poco el piano y mi hermano Páidi es un gran músico que adora el jazz. Toqué con él casi hasta los 20 años. Yo no era muy bueno, así que no lo haría de nuevo, pero amaba la música y ahí crecí en muchos sentidos. ¿Por qué decidiste ser actor?

Creo que estaba en segundo grado y tuve la oportunidad de tomar clases con un gran maestro. Fue algo que amé. Parece tan lejano platicar de eso hoy… Siempre estaba distraído, pero esas clases me ayudaron a enfocarme y a empezar a entender que quería estar cerca de la actuación para vivir. Luego me aproximé al teatro musical a través de algunas audiciones para obras locales y ahí comencé a encontrar definitivamente mi camino.

Y pronto encontró la ruta que le ha hecho aparecer en muchos títulos considerados como míticos y a los que ha asomado esos ojos azules que son uno de sus grandes instrumentos en la construcción de un personaje. Su mirada se ha posado en cintas como Desayuno en Plutón (2005), donde interpretó a una joven transexual; dio vida al Espantapájaros en las versiones que Christopher Nolan dirigió sobre Batman; fue el superviviente post cataclismo de Exterminio (2002) y un soldado con estrés postraumático en Dunkerque (2017).

Después, y durante seis temporadas, vistió los trajes de tweed del líder de una banda de gángsters de Birmingham en Peaky Blinders, cuya evidente violencia (aunque nuestro Tommy siempre esté a favor de los más desfavorecidos) y estilo han marcado una época en la televisión reciente. ¿Qué es lo que más has disfrutado de estos últimos años de tu carrera, en los que la fama y el éxito están muy presentes gracias a Peaky Blinders?

He disfrutado mucho la evolución de mi último personaje y eso se lo debes atribuir siempre a un muy buen equipo de escritores que te ponen en situaciones únicas y retadoras. Mi preocupación es crecer como actor y ver las posibilidades del personaje. Creo que me falta un poco de distancia y perspectiva para entender lo que ha pasado en esta época y cómo lo he enfrentado. ¿Cómo trabajas todos estos papeles tan intensos?

Es importante tomar tiempo entre personaje y personaje para poder abordarlo desde la perspectiva correcta y ayudarlo a crecer.

Creo que tardé cerca de tres meses en salir de un protagonista que fue muy importante para mí. No es que sea un actor de método, que todo el tiempo convive con su papel en la vida real, pero sí me afecta y debo tomar distancia para poder enfrentarme a otro reto.

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“ESCUCHAR ES UN ACTO DE EMPATÍA, NECESITAMOS MÁS GENTE QUE ESCUCHE”.

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¿Cómo realizas ese proceso de limpieza?

Necesitas tiempo para estar solo y escapar.

Me acerco a mi familia [Murphy vive a las afueras de Dublín con su esposa y sus dos hijos] y trato de estar cerca de ellos en estos lapsos. Creo que eso me ayuda mucho.

Sin olvidar la importancia de sus otros personajes, Tommy Shelby en muchos sentidos ha sido el más importante si lo evaluamos en términos de reproducciones y de influencia en el público. Basada lejanamente en la historia de una banda que existió en Birmingham en las fronteras de los siglos XIX y XX, su manera de ejercer el control de los negocios ilegales de la ciudad inglesa, su forma de vestir, sus peinados y las formas exquisitas en las que en ocasiones ejecutan una violencia extrema han hecho que el público haya seguido, temporada tras temporada, sus andanzas. Sobre todo por el hecho de que no está muy clara la posición ética desde la que debemos evaluar la ficción. No todo es blanco o negro. No siempre el mismo personaje transita por los mismos dilemas morales. Y a su manera, Tommy Shelby trata de ser un hombre (violentamente) justo. Últimamente observamos personajes que son directamente antihéroes. ¿Cómo explicas ese interés por este tipo de historias vitales?

Todos sabemos que no existe algo tan sólido como el héroe o el villano y a la gente le gusta esa área entre el bien y el mal en la que todos habitamos. De ahí que se sientan conectados. Antes, esa dualidad reducía todo entre la batalla del héroe y el villano, pero últimamente se han contado historias acerca de personas que viven esta realidad en la que hay problemas, errores y grandes dilemas, y es mucho más interesante ver eso en pantalla.

No se trata únicamente de intentar hacer lo correcto, también vas equivocándote y tus errores cuestan y tienen consecuencias. ¿Cuál es tu opinión de esos antihéroes con comportamientos violentos que parecen ser glorificados a través de las cámaras? Pienso, por ejemplo, en México y las series y películas sobre el narcotráfico que dibujan a esos personajes como una especie de celebración…

El público históricamente ha sentido una gran atracción por el mafioso que parece ser global. Ahí está Martin Scorsese, por ejemplo, para demostrarlo. No sé si tenga que ver con la visión de la vida y la muerte o si lo ven como un modelo a seguir, pero es cierto que romper las reglas le parece atractivo a la gente. En lo particular, no sé qué pensar sobre eso. Las personas se apropian del personaje, sobre todo en la televisión, y quieren más y más de él.

El final de la serie ha coincidido con el inicio de una campaña publicitaria para la firma

Montblanc. Si ha habido programas que han influido de una manera evidente en nuestros hábitos de vestir, desde luego Peaky Blinders ha sido uno de ellos, principalmente entre los grupos más jóvenes del Reino Unido.

Por supuesto esto ha sido una asunción de estilo, ya que en la ficción la ropa sirve para marcar visualmente las personalidades de los diferentes actores. No visten igual Tommy, quien quiere ser percibido como un elegante upper class englishman, que su hermano Arthur, a quien esa preocupación le resulta irrelevante. Y desde luego, la adaptación del vestuario a una época y lugar concreto, tras una Guerra Mundial y en una fría ciudad con un alcantarillado deficiente (de ahí el corte de los dobladillos del pantalón siempre alzados sobre el zapato, porque realmente habría cosas en el suelo que no querías pisar), los cortes de pelo y el uso de unas boinas muy particulares en las que, además, se escondían navajas para defenderse o atacar llegado el caso.

Hoy, el actor revisa con cuidado el vestuario y rechaza amablemente algunas prendas, pero se divierte con otras que confiesa no entrarían nunca en su guardarropa. Por supuesto, mantiene un gran respeto por las nuevas piezas de Montblanc que le acompañarán en la sesión. Quizá por su suave clasicismo de modernas formas redondeadas, una sofisticada piel con un tacto más suave y un tono negro incluso en acabado brillante. “Nuestro objetivo era acercar aún más el producto por excelencia de la maison: el artículo de escritura Meisterstück”, explica Marco Tomasetta, el nuevo Director Artístico de la firma, acerca de esta nueva colección.

El público está enamorado del vestuario de Peaky Blinders. ¿Has incorporado algo de esta vestimenta en ti?

No es mi estilo, la verdad, pero amo usar trajes. En la serie nos los hicieron a la medida y es algo que me emociona, aunque en la vida diaria me gusta vestir mucho más casual. En mi guardarropa puedes encontrar buenas botas, excelentes jeans, un buen abrigo, bufandas…

Todo a la medida me encanta. ¿Cómo decides trabajar con una marca como Montblanc?

Soy muy clásico y me gustan los objetos que tienen una

tradición y respetan su manufactura.

Ahí es donde encuentro puentes para colaborar, como he hecho con Montblanc.

Ahora que trabajo con plumas, entiendo perfectamente cómo es su manera de pensar. ¿Escribes con pluma y a mano?

Lo intento muy seguido. Nadie recibe cartas ya, pero trato de hacerlo con mi familia. Antes tenía un diario, pero ya no.

Creo que es un poco triste que se haya perdido el acto de la caligrafía y su belleza.

Además de su prolífica carrera como actor, Cillian ha desarrollado en paralelo una serie de importantes campañas como activista.

Sus posturas sobre la necesidad del voto de los jóvenes irlandeses, sus acciones para ayudar a las personas sin hogar, su papel como Embajador ante la UNESCO para la protección de los menores y su posicionamiento ideológico (abandonó con su familia Londres en medio de la tóxica niebla londinense del Brexit) es muy claro sobre algunos aspectos: “Estamos observando una polarización extrema en ciertos lugares del mundo que da miedo. Creo que todos los políticos son terribles y me parece que ser terrible es parte del hecho de ser político”. ¿Cómo eliges tus proyectos de filantropía?

Siempre a través de la empatía, que es lo que más necesita el mundo. Me gusta mucho participar en proyectos de educación en mi país. El mundo está muy polarizado. Además, para los niños y los jóvenes las redes sociales son un lugar muy difícil para crecer. Toda esa competencia y ese juicio que existe ahí dentro termina por presionarlos mucho. Así que mi trabajo hoy es tratar de enseñar sobre el poder de la empatía, que puede ser una gran respuesta a lo que nos pasa. Y además, la empatía es una herramienta esencial para ser actor ya que tienes que aprender a escuchar al otro para poder interpretarlo.

Escuchar es un acto de generosidad, necesitamos más gente que escuche.

El día ha terminado como comenzó: frente a una taza de irish tea. Le noto cansado, pero durante toda la jornada Murphy ha sido colaborador y su única extravagancia ha sido tratar de ser un personaje que no es consciente de que la cámara le está disparando. Sólo se me ocurre una última pregunta a alguien que, desde luego, no parece que tenga el habitual ego de muchas de las celebridades del cine. ¿Hoy eres un buen actor?

Alguien dijo, no recuerdo quién, que te toma cerca de 30 años ser un buen actor. Llevo 25 y no he terminado mi labor. He aprendido trabajando y observando; me he instruido de grandes nombres y sí, creo que estoy cerca de ser un buen actor.

Camisa y pantalón, Ermenegildo Zegna

Trench , Dries van Noten Zapatos, Ann Demeulemeester Reloj, Montblanc Star Legacy Nicolas Rieussec Chronograph ASISTENTES DE FOTOGRAFÍA: ALEXANDER FIVES Y LUKE MCCORMACK ASISTENTE DE ESTILISMO: JUAN LUIS ASCANIO GROOMING: GARETH BROMELL DE PREMIER HAIR Y MAQUILLAJE CON PRODUCTOS DE OXYGENETIX Y BUMBLE & BUMBLE PRODUCCIÓN: GROSSOPROD AGRADECIMIENTOS: RUSSBOROUGH HOUSE

“ESTAMOS OBSERVANDO UNA POLARIZACIÓN EXTREMA EN CIERTOS LUGARES DEL MUNDO QUE DA MIEDO. CREO QUE TODOS LOS POLÍTICOS SON TERRIBLES Y ME PARECE QUE SER TERRIBLE ES PARTE DEL HECHO DE SER POLÍTICO”.

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Camisa y pantalón, Saint Laurent by Anthony Vaccarello Zapatos, Prada Bolso tote , Montblanc Meisterstück →→ PÁGINA OPUESTA Jersey y pantalón, Prada Clutch, Montblanc Meisterstück Pluma Fuente, Meisterstück 149 Reloj, Montblanc 1858 Geosphere UltraBlack

“SOY MUY CLÁSICO Y ME GUSTAN LOS OBJETOS QUE TIENEN UNA TRADICIÓN Y RESPETAN SU MANUFACTURA”.

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POR ZACH BARON FOTOS JIM GOLDBERG

ILUSTRACIÓN GETTY IMAGES

Cincuenta años después de El Padrino, el icónico director anhela su mayor proyecto hasta la fecha —y está dispuesto a invertir más de 100 millones de dólares para demostrar que su mejor trabajo aún está por llegar.

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FRANCIS

El gran sueño de Fancis Ford Coppola

Ford Coppola vive, como lo ha hecho de una forma u otra desde que dirigió El Padrino, en 1972, en todo su esplendor. O algo así.

En las últimas cinco décadas, el director se ha declarado en bancarrota al menos una vez y ha sido expulsado de Hollywood otras tantas. Un esplendor relativo. Su residencia principal se encuentra en el Valle de Napa, en los terrenos de un viñedo de antaño fructífero, Inglenook, que el cineasta lleva 47 años intentando encumbrar de nuevo. Hay aquí un viejo gran château, donde antes se hacía el vino, y unas instalaciones de última generación donde se realiza ahora. También hay una cochera que alberga una sala de edición y su archivo cinematográfico personal —guiones técnicos de The Cotton Club, Jack y The Outsiders; la notación musical de Drácula de Bram Stoker; documentación para El Padrino Parte III. Hay una casa enorme de dos plantas para invitados en el musgoso límite de la propiedad, donde sus hijos se quedan a menudo, y una vieja mansión victoriana construida por un capitán de barco, donde los Coppola criaron a su familia y donde aún hospedan a sus visitas, ya que se construyeron otra casa para vivir.

Hay bandadas de pavos salvajes que deambulan, enredaderas y una fuente exterior diseñada por Dean Tavoularis, encargado de la producción de The Godfather.

Casi en cada rincón de este lugar hay algo bello: una primera edición de Hojas de hierba; un cuadro de Akira Kurosawa o Robert De Niro; una foto de Sofia Coppola abrazando a George Lucas.

Francis, de 82 años, se mueve entre estos edificios en un Tesla o en un Nissan Leaf que conduce a una velocidad alarmante; o a pie, encorvado sobre la cintura como si estuviera caminando contra un fuerte viento. Ya me ha dicho que me ve demasiado impresionado por sus propiedades, por lo que ha tenido, perdido y ganado otra vez. “Ese es realmente el problema”, me dijo. “Estás hablando con un tipo que puede decirte con honestidad que el motivo por el que ha hecho todo lo que

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ha hecho en la vida nunca ha sido el dinero”.

Sonrió. “Irónicamente, hice lo que quería y además conseguí mucho dinero”. Una pausa breve. “Parece una broma”.

Pero lo del dinero es verdad: primero gracias al cine y luego, sorprendentemente, al negocio del vino. Su segunda fortuna le permite pasar la mayor parte de su tiempo aquí, me aseguró, leyendo cosas como la novela del siglo XVIII Sueño en el pabellón rojo, uno de los libros más extensos nunca escritos. “Se tomaron su tiempo ideando nombres poéticos para las cosas”, me explicó el cineasta sobre los personajes del texto. “Por ejemplo, para recibirte debería haberme reunido contigo en los Escalones del Saludo Amistoso y haberte saludado allí. Y cuando te vayas, debería llevarte al Pabellón de la Despedida. Es una especie de actitud de hacer todo en la vida bonito, como un ritual. ¡Podemos hacer eso! Te despediré en el Pabellón de la Despedida. Nunca lo olvidarás”.

A Coppola le gusta definirse como un “director de cine de segunda”, parafraseando al compositor Richard Strauss: “Pero soy un realizador de primera dentro de los de segunda”. En realidad, está claro, Francis Ford ha dirigido varias de las mejores películas de todos los tiempos. Cualquiera que haya trabajado en el séptimo arte te dirá que la suerte es muy importante, que se trata de un medio colaborativo, que el arte y el negocio y los ejecutivos despiadados y los actores malos se alían para mantenerse fuera del control del director, a veces para bien, a menudo para mal. Pero Coppola, durante un tiempo, jugó con cartas totalmente diferentes. Después de ganar un Oscar por el guion de Patton, de 1970, hizo consecutivamente El Padrino (1972), The Conversation (1974), El Padrino. Parte II (1974) y Apocalypse Now (1979). Señalar que a los 36 años ya tenía Premios de la Academia es restarle importancia a lo que estaba sucediendo.

Es mejor decir que durante un tiempo tuvo a Dios de su lado. Lo dejaremos ahí.

Este año se celebra el 50 aniversario del estreno de The Godfather (que llega a las salas de cine a finales de febrero y en marzo a las plataformas de streaming). Oficialmente, esa es la razón por la que me han invitado, para hablar de la película y participar en lo que se ha convertido en un ritual familiar para Coppola a lo largo de estas celebraciones. Pero la relación de Francis con El Padrino es complicada. “Esa película me destrozó”, confesó, “en el sentido de que tuvo tanto éxito que todo lo que hice después se comparó con ella”. El realizador aún tiene cosas fascinantes que contar sobre la producción y lo hará en el curso de nuestra conversación. Pero lo que realmente le interesa es hablar de otra cosa. De algo nuevo.

UN REGRESO DE 120 MILLONES Se trata de una pelíc ula llamada Megalopolis, la que Coppola ha estado intentando hacer, de forma intermitente, durante

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más de 40 años. Si pudiera resumir la trama de forma concisa, lo haría, pero no puedo, y el realizador tampoco. Pregúntale. “Es muy simple”, dirá. “¿La premisa? Bueno, básicamente… Te haré una pregunta primero: ¿Cuánto sabes de la utopía?”.

Lo mejor que puedo ofrecer, después de pasar literalmente horas hablando con él, es esto: es una historia de amor que también es un estudio filosófico de la naturaleza del hombre. Está ambientada en Nueva York, pero una Nueva York en la que resuenan los ecos de la Antigua Roma. Su tamaño y ambición es tal, que Coppola ha calculado que costaría 120 millones de dólares. Me dijo que sueña con crear algo como It’s a Wonderful Life, esa película que todo el mundo debe ver una vez al año, para siempre. “En Año Nuevo, en lugar de hablar de dejar los carbohidratos, me gustaría que la gente reflexionara sobre esta pregunta: ¿Es la sociedad en la que vivimos la única a la que podemos acceder? Y debatir sobre ello”.

Coppola tiene la esperanza de que Megalopolis, de una forma u otra, genere esa conversación. Una vez al año.

En este punto, puede que te estés preguntando: ¿Qué estudio de Hollywood, en la era de Marvel, financiaría un proyecto tan grande, ambicioso e imposible de resumir? ¿Cómo reaccionarán los ejecutivos cuando les describa esta cinta? “De la misma forma que cuando, después de ganar cinco Oscar y siendo el director de moda, llegué con Apocalypse Now y dije: ‘Ahora me gustaría hacer esta’.

Apocalipsis ahora me pertenece. ¿Sabes por qué? Porque nadie más la quería. Así que imagina, si eso fue cuando tenía 33 años, más o menos, luego de haber ganado todos los premios y haber roto todos los récords, y aún así absolutamente nadie quería participar”, cómo reaccionarían ahora al Francis Ford del presente, me dijo. “Sé que Megalopolis, cuanto más personal la haga, cuanto más me la plantee como un sueño; más difícil de financiar será. Y cuanto más tiempo pase, más dinero generará porque la gente se pasará los próximos 50 años pensando: ¿De qué trata realmente? ¿Qué intenta decirnos? Dios mío, ¿qué significa cuando pasa eso?”.

Así que este es el plan de Coppola: tomar 120 millones de su fortuna personal, a sus 82 años, y hacer la maldita película él mismo.

La primera vez que nos reunimos fue para una comida en el solárium del antiguo hogar del cineasta. Yo venía de la casa alejada en la que me habían invitado a quedarme, en un área remota de sus propiedades. Ese es el estilo de Coppola: una hospitalidad tan absoluta que parece algo íntimo. Aquella mañana me desperté con el sonido de un riachuelo y vi el sol elevarse de forma soñolienta sobre las viñas que tanto le obsesionan últimamente. Francis llegó para la comida con una camisa amarilla, una corbata de nudo francés, un jersey con cierre y su pelo alegremente peinado hacia atrás.

Se sacó de su bolsillo un par de audífonos —“Me informé mucho”, explicó. “Al final, descubrí que los mejores de todos son los que puedes conseguir en Costco”— pero por lo demás parecía casi inquietantemente juvenil. El vigor obstinado que exhibía en documentales antiguos como Corazones en tinieblas o Filmmaker es exactamente el mismo que puedes ver ahora: como si estuviera dispuesto a hablar y hablar y hablar hasta que todo cobra sentido y todo el mundo presta atención. Estaba notablemente delgado, resultado, dijo, de una prolongada estancia hace unos años en un lugar de Carolina del Norte llamado Duke Health & Fitness Center. Me observó cuidadosamente. ¿Cuántos años tienes?”, me preguntó.

“Treinta y nueve”, le dije.

“Bien. Cuando tenía tu edad, ya tenía bastante éxito. Pero tenía sobrepeso. Tú tienes suerte. ¿Estás casado?”.

“Sí”, le respondí.

“Pues tienes suerte de estar tan delgado”, me contestó, con seriedad.

“EL PADRINO ME DESTROZÓ, EN EL SENTIDO DE QUE TUVO TANTO ÉXITO QUE TODO LO QUE HICE DESPUÉS SE COMPARÓ CON ELLA”.

Coppola me contó que, como parte de su preparación para hacer Megalopolis, y después de verse a sí mismo en televisión en un episodio del programa de Anthony Bourdain, se propuso un disciplinado esfuerzo para perder peso. “Me di cuenta de que no hay muchos hombres por ahí con 140 kilos y 85 años de edad. Nunca he llegado a pesar tanto, pero siempre he estado en torno a ello. Comprendí que mi peso sería un factor limitante en mi vida”. Han pasado tres años desde su viaje a Duke, me narró, y su cuerpo está acostumbrándose a su nuevo aspecto.

Durante lo peor del COVID, toda su familia se confinó aquí: sus dos hijos cineastas, Roman y Sofia, y sus nietos, cenando juntos todas las noches. Ellos ya se marcharon de nuevo, pero Francis reconoció que él no había viajado mucho, aun cuando su esposa y él poseen hoteles en Belice e Italia, entre otros sitios. “Siento que según envejezco, me vuelvo más ermitaño”, comentó. “Es lo que soy. De niño siempre estaba solo”.

Si sabes algo de la ajetreada vida de Coppola, esa afirmación te parecerá improbable. Pero es cierto que tuvo una infancia solitaria. Nació en Detroit pero creció alrededor de Nueva York, donde pasó mucho tiempo aislado y postrado en una cama por la polio.

Su padre era un músico que hacía a su familia

Coppola, de 82 años, está más cerca que nunca de comenzar Megalopolis, el ambicioso proyecto cinematográfico que ha querido hacer durante 40 años.

mudarse continuamente por trabajo. Cuando Francis se graduó del colegio, ya había estado en más de 20 escuelas diferentes.

“Siempre era el niño nuevo”, me explicó. “Nunca tuve amigos. Era un solitario y un marginado absoluto. Eso hizo que mi gran deseo fuera formar parte de un grupo y por ello me gusta el teatro”.

Su gran personalidad le viene de una familia de gran personalidad. “Mi madre era muy bonita”, recuerda. “Se parecía a Hedy

Lamarr. Todo el mundo decía: ‘¡Qué mamá tan guapa! Parece una estrella de cine’. Mi padre tocaba la flauta transversal.

Durante años pensé que era un mago, ¡pero era músico! Éramos una familia muy carismática”.

Adoraba a su hermano mayor, August Floyd Coppola, y se inspiró en ese nombre para crear el suyo. Su hermana pequeña es la actriz Talia Shire. Cuando eran niños, Francis siempre fue el más “normal” de su familia, me contó,

y su éxito, cuando llegó, tuvo un efecto un tanto desestabilizador en sus padres y sus hermanos.

Particularmente en su papá, que era ambicioso pero también un artista frustrado. “Él solía trabajar en la ciudad como músico”, me confesó el cineasta. “Al parecer solía frecuentar a una adivina y una vez volvió a casa muy feliz, completamente feliz, porque le había dicho que algún día su apellido sería conocido. Todos comimos cannoli. Mi hermano se reía de ello después. Decía: Sí, [Coppola] sería un apellido conocido. ¡Pero no por él, sino por ti!”.

Francis se marchó a Hofstra a estudiar teatro y luego a la escuela de cine de la UCLA. Pero Hollywood le decepcionó inmediatamente: “Pronto entendí que Los Ángeles no iba a ser como la troupe de teatro de la que había soñado formar parte. Todo era extremadamente jerárquico. Ni siquiera podías acercarte a un estudio si tu padre no había trabajado en él”. Aun así, se las ingenió para dirigir enseguida: películas porno, cintas para el legendario productor y cazatalentos Roger Corman, sus dos primeros trabajos de estudio —You’re a Big Boy Now, su proyecto de tesis que fue estrenado por Warner Bros en 1966 y le granjeó a Geraldine Page una nominación al Oscar; y El camino del arcoiris, de 1968, una adaptación de Broadway que protagonizaron Fred Astaire y Petula Clark. Ninguna tuvo éxito y fue mientras rodaba The Rain People, un filme escrito y dirigido por él mismo, cuando empezó a soñar con trabajar totalmente fuera del sistema hollywoodense. “La cinta entera se hizo de viaje. Recuerdo cuando estuvimos en Ogallala, Nebraska, y rodamos allí. Las autoridades de la ciudad nos dijeron: ‘Si quieren quedarse aquí les ayudaremos y construiremos algo así como un estudio de cine’. Pensé entonces: ¿Por qué todo tiene que hacerse en Hollywood? El equipo era ligero y nos salió barato.

Sabíamos cómo hacer las cosas”.

Poco después, Coppola condujo una caravana de estudiantes y directores de cine hacia el norte, a San Francisco. Entre ellos se encontraban el futuro creador de Star Wars, George Lucas; el futuro montador

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era. “Podías tener todo el dinero del mundo, pero no era suficiente, porque la distribución depende de tus contactos y amigos”, me contó. “Es la influencia que adquieres cuando eres parte de un círculo de viejos amigos. Así que, poco a poco, me di cuenta de que, a pesar de haber reunido algo de dinero y tener mi propio equipo, necesitaba más. No puedes estrenar una cinta tú mismo porque no perteneces a esa red en la que tienes que estar. ¿Qué podía hacer? Parecía que el sueño de hacer cine desde el corazón siempre estaba un paso más lejos de lo que había pensado”.

En 1970, se encontraba en deuda con Warner Bros. y tenía niños pequeños en casa, sin ningún plan real para mantenerlos. Paramount poseía los derechos de una novela titulada El Padrino, que entonces escalaba puestos en la lista de los

más vendidos, y aunque nadie tenía particularmente altas expectativas en una adaptación, el estudio le preguntó a Coppola, en cierto modo humillado, si quería dirigirla. Al principio dijo que no. “Nunca quise hacer El Padrino”, me contó. Soñaba con hacer películas más personales, sueños que aún conserva. Cintas desde el corazón. Material que hubiera escrito él mismo, sobre cosas que le preocupaban —al estilo de Megalopolis. Pero su familia y amigos le convencieron para aceptar el proyecto.

AN OFFER HE CAN’T REFUSE...

Lo que pasó después es casi tan conocido como la película. La producción de The Godfather fue muy tensa —Robert Evans y el estudio odiaban el reparto desde el principio, en especial a Al Pacino; odiaban la fotografía

DESDE LA IZQUIERDA Y DESDE ARRIBA: Coppola en el rodaje de Apocalypse now (1979), Talia Shire y Marlon Brando en El Padrino; James Caan como Sony Corleone; escena de The Godfather; Francis Ford en el rodaje de The Conversation (1974); Marlon Brando como Vito Corleone.

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ganador del Oscar Walter Murch; el imprevisible y futuro guionista de Apocalypse Now, John Milius. “Éramos un equipo grande.

Nadie tenía dinero. Siendo cinco años mayor, yo tenía algo más. Estaba casado. Tenía una casa. Así que la vendí y me quedé con el dinero. Incluso tenía una casa de verano que también vendí y usé esos dólares para comprar equipos de filmación, de montaje, de mezcla de sonido”. Llamaron a su estudio Zoetrope y tenían el gran sueño de crear un sistema propio, más afín a los artistas.

Pero The Rain People no tuvo más éxito comercial que las películas que Francis había hecho antes, y el director comprendió rápidamente que no era el dinero ni el equipo ni un improbable grupo de talentosos colegas lo que había hecho de Hollywood lo que

oscura y turbia de Gordon Willis; y odiaban al mismo Coppola, a quien consideraban lento e indeciso. Francis te contará diligentemente que el estudio conspiró para reemplazarlo por Elia Kazan. Recordará su lucha para que ficharan a Marlon Brando en el papel de Vito Corleone. Te explicará lo infeliz y dubitativo que se sentía haciendo la cinta. El cineasta ha contado estas historias muchas veces y lo volverá a hacer si le preguntan, y son realmente fascinantes, porque la única cosa más tentadora que la grandeza misma es la idea de que esa grandeza puede mostrarse esquiva incluso para el artista que la está invocando.

Pero hay otra historia sobre The Godfather que Coppola ofrece sin que le insistan. La primera parte es conocida —he oído al realizador contarla antes— y se remonta a la época en que estaba en Los Ángeles montando la cinta.

Por entonces, a Francis se le había agotado la confianza en sí mismo y en la película, y tenía muchos miedos. Un día, recuerda, un joven asistente de montaje condujo su bicicleta al trabajo y le contó a todo el mundo en la sala de edición lo buena que era la recién estrenada The French Connection. En aquella época, Coppola se hospedaba en la casa de uno de sus actores, James Caan. “Decidí volver caminando. Estaba tan arruinado que tenía que enviar todo el dinero que ganaba a mi familia.

Tenía hijos y yo estaba viviendo en la habitación del servicio de Jimmy Caan. Así que me fui andando a casa con este chico. Él iba con su bici y mientras caminábamos, le dije, no debería haberlo hecho, pero sentía mucha curiosidad: ‘Bueno, imagino que si todo el mundo cree que The French Connection es tan buena, pensarán que El Padrino es una película oscura, aburrida y densa’. Y él me dijo, ‘Sí, puede que tengas razón’”.

Lo que Coppola me explicó luego, sin embargo, lo cuenta con menos frecuencia y quizá revela algo más verdadero, y menos contundente, sobre sus sentimientos reales hacia la película y el efecto que tuvo en él. “Bromeo mucho con esto”, confesó, “pero al carajo lo que piense la gente. La única forma en la que pudo pasar lo que finalmente pasó es si, aquella noche, después de que el chico me dijera ‘sí, puede que tengas razón’, se montara en la bici y se largara; un tipo vestido de rojo hubiera aparecido de entre una bruma de niebla y me hubiera dicho: ‘¿Te gustaría que El Padrino fuera una de las mayores películas de la historia del cine?’. Y yo le hubiera preguntado: ‘¿A qué tengo que renunciar?’. Y él hubiera contestado: ‘Ya lo sabes’. Y luego se hubiera marchado y yo me hubiera ido a dormir a la habitación del servicio de Jimmy Caan”.

Coppola me miró fijamente con una mirada expectante, pero yo soy un poco lento. “¿A qué tuvo que renunciar?”, le pregunté. “¿Qué le entregas al diablo?”, me cuestionó a su vez.

“¿Tu alma?”.

Coppola asintió. “Siempre quiere tu alma, ¿no? Es una broma”, me dijo para terminar.

En algún punto de nuestra conversación, a Francis le empezó a preocupar estar divagando demasiado, haberse alejado de lo importante, algo que le suele pasar de una forma u otra. De repente puede acordarse de algo que únicamente cobra sentido si menciona la historia de Corea del Norte o el primer rey de la humanidad (Sargon, según él), o la obra de Herman Hesse. Pocos hombres han conquistado tanto a la audiencia como Coppola, así que está acostumbrado a ciertas licencias. Llegará a lo importante cuando esté preparado. Pero también sabe que el tiempo es finito y que no puedo quedarme en sus dominios para siempre.

“Esto es lo que vamos a hacer ahora, si soy capaz”, me dijo, tratando de retomar el hilo otra vez. “Hagamos la entrevista en la que tú me planteas preguntas y yo intentaré responderlas sin hablar demasiado. Porque soy un tipo que toma confianza y me pondré a hablar yo solo”.

“Genial”, le dije.

“Pero quiero que te lleves lo que has venido a buscar”.

Es lo que estoy haciendo, le dije.

“Está bien, pues hazme preguntas, y las responderé”.

Está bien, le dije. El Padrino comenzó como un proyecto de estudio con el que no tenía ninguna afinidad. ¿Al final se convirtió en algo personal para usted?

“Bueno, eso creo… Voy a tener que contar esto de golpe. Una vez leí un artículo de Balzac —desearía poder encontrarlo, pero no está publicado y no sé de qué libro es”. Creo que así es como Coppola me estaba diciendo que tiene, o que una vez tuvo, una obra descatalogada del novelista francés. “La gente le decía: ‘Todos esos jóvenes se están copiando de ti’. Y Balzac dijo: ‘Para eso lo escribí. Quiero que se lo queden todo, todo lo que tengo, son bienvenidos todos esos jóvenes autores. Copien lo que quieran. Primero, porque nada puede ser una copia exacta, pues cada uno de ellos es un individuo diferente y va a salir a su manera, así que no me pueden copiar. Pueden apropiárselo, pero el resultado nacerá de ellos.

Y después, porque me están concediendo la inmortalidad y eso me encanta. Me hace parte de su trabajo y eso me mantiene con vida’. ¿Cuál era tu pregunta?”.

En otro momento, Coppola decidió que estaba siendo demasiado benevolente con él. “Hazme la pregunta más provocativa que creas que puedes hacer”.

Pensé en ello durante unos segundos.

En algunos relatos de la industria del cine de los 70, como Moteros tranquilos,

toros salvajes, de Peter Biskind, se le pinta como un rey sibarita: firmando cheques de un millón de dólares por los royalties de El Padrino en la sala de montaje de San Francisco que compartía con George Lucas; volando en su jet privado; coleccionando casas y mujeres por cada año de éxito que tenía. ¿Le parece cierta esa descripción?

“Yo no llevé esa vida”, respondió. “No tenía jet privado por entonces. Tuve un avión privado más tarde y con dinero hice otras cosas aparte del cine”. ¿Entonces no era como un emperador romano de los 70?

“No, nunca, ni siquiera ahora soy así.

No era muy diferente de como soy ahora.

Siempre me gustaron los niños. Era un buen guía de campamento”. Sonrió. “Era un guía de campamento genial”.

Nuestro encuentro fue en diciembre y Steven Spielberg estaba a punto de estrenar su nueva película, West Side Story, en las salas de todo el país. Coppola no la había visto aún, me contó. Pero tenía ganas de hacerlo y planeaba no sólo ir al cine local de Napa a verla cuando la pusieran aquel viernes, sino además hablar, antes de verla, con quien estuviera allí para generar entusiasmo.

“Para recordarles la emoción de ir al cine”, me dijo. “Quiero que West Side Story sea un éxito increíble, para recordarle a la gente que un estreno en las salas es mucho más importante que el dichoso streaming. El streaming es como el videoclub”.

Francis ama el cine, pero no reconoce ni disfruta particularmente la industria actual.

“Antes había películas de estudio”, dijo.

“Ahora hay películas de Marvel. ¿Y qué es una película de Marvel? Es un prototipo que se replica una y otra y otra y otra vez para que parezca diferente. Incluso la gente con talento —puedes tomar Dune, hecha por Denis Villeneuve, un artista con grandes dotes y extremadamente talentoso, o Sin tiempo para morir, dirigida por… ¿Gary?”.

“Cary Fukunaga”, acoté.

“Cary Fukunaga. Puedes tomar esas dos películas, de artistas extremadamente bellos, dotados y talentosos, y sacar la misma escena de ambas y ponerlas juntas. La misma secuencia con autos chocándose. Las dos tienen escenas de esas, y así tiene que ser, para justificar su presupuesto. Y esas son los buenos largometrajes, los realizadores con talento”, sentencia Francis Ford.

A diferencia de la mayoría de los que se quejan del estado actual de Hollywood, Coppola ha intentado cambiarlo muchas veces a lo largo de los años, o al menos escapar de ello. A finales de los 70, después de financiarse con éxito Apocalypse Now y demostrar que la película era un éxito, decidió comprar una nave en Los Ángeles y abrir su propio estudio, que llamó de nuevo Zoetrope. El plan

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era contratar actores —“a los que enseñar a dialogar y a bailar y a hacerlo todo”— y usar las nuevas posibilidades de la tecnología digital; quería prescindir de los estudios y financiarlo y hacerlo todo él. Pero la primera película que produjo para Zoetrope Studios, One from the Heart, de 1982, fue un desastre comercial: Coppola puso 26 millones de dólares de su propio dinero y perdió hasta el último centavo. La nave se vendió. “Los sueños no duran mucho”, me reveló el cineasta.

“Te contaré algo sobre los sueños. Los sueños son atemporales”.

Aquel fue un período oscuro en la vida de Coppola. “Fue traumático”, confesó.

“Me deprimí mucho. Tenía el corazón roto.

Me daba vergüenza por mi mujer, porque no tenía crédito ni en la frutería. Sentí que había caído en desgracia, que era un fracaso”. Pasó el resto de la década trabajando

cambió. Y con ese cambio, dejó de interesarme. Empecé a centrarme más en mis sueños cinematográficos personales”.

Esta, por supuesto, es la paradoja de la carrera de Coppola: a pesar de su éxito, en cierto modo ha estado esperando a hacer sus propias cintas, en lugar de las de los demás, durante prácticamente su vida entera.

“Siempre les digo a mis hijos, como Sofia: ‘Haz películas personales. Hazlas siempre lo más personales que puedas porque eres un milagro, incluso estar vivo lo es. Y tu arte será un milagro porque refleja cosas de alguien incomparable’. Si perteneces a una escuela o si dices ‘voy a hacer un largometraje para Marvel, y ésta es la fórmula y la entiendo y lo voy a hacer lo mejor posible’, seguramente tendrá algo de tu personalidad. Pero si de lo que se trata es de hacer arte, haz eso y más.

Haz algo que sea personal para ti”.

también cuelga un cuadro. Hay partituras enmarcadas de su abuelo materno, Francesco Pennino, y hay cómodas butacas, donde el cineasta y yo nos sentamos una mañana y charlamos. Aún estaba intentando averiguar, entre otras cosas, de qué va realmente Megalopolis y si realmente iba a hacerla.

“Es una historia de amor”, aseguró Coppola, intentándolo de nuevo. “Una mujer se halla dividida entre su lealtad a dos hombres. Pero no sólo a ellos. Cada hombre representa un principio filosófico. Uno es su padre, que la crió, le enseñó latín en su regazo y que es fiel a una visión mucho más clásica de la sociedad, a lo Marco Aurelio.

El otro, su amor, es el enemigo de su padre y está consagrado a una visión mucho más progresista: ‘Saltemos al futuro, olvidemos toda esta basura que ha contaminado a la humanidad durante 10,000 años.

“SI HUBIERA DEDICADO TODA MI CARRERA A HACER 15 PELÍCULAS DE MAFIOSOS, SERÍA MUY RICO, PERO NO SABRÍA TODO LO QUE SÉ.

AHORA SOY RICO Y SÉ UNAS CUANTAS COSAS”.

para el estudio de cuya deuda estaba intentando librarse con varios éxitos. Algunas de esas películas —las dos adaptaciones de S.E. Hinton que dirigió Coppola, Rumble Fish y The Cotton Club, y Peggy Sue Got Married, de 1986— han envejecido mejor que otras. Pero siguió trabajando, incluso, a duras penas, en Gardens of Stone, de 1987, durante la que Francis perdió a su hijo mayor, Gian-Carlo, en un extraño accidente. “Nada de lo que he experimentado en mi vida puede compararse con la profundidad de aquello”, dijo.

Aun así, terminó Gardens of Stone y continuó hasta The Rainmaker, de 1997, antes de alejarse del cine por primera vez. “Siempre sentí que no era yo quien había abandonado la industria”, me contó. “La industria del cine me abandonó a mí. Se fue en otra dirección”.

Hacía secuelas y películas que ya se habían hecho, lejos de nombres de directores reconocibles como Coppola. “El negocio del cine

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EL GRAN SUEÑO DE COPPOLA Sobre Coppola y su retiro del cine, bueno, lo hizo porque consiguió cerrar deudas con el banco. Se descubrió invirtiendo cada vez más en la producción de vino —es propietario de sus viñedos en Napa desde hace años; pero con el tiempo el negocio se ha ido convirtiendo cada vez menos en un hobby y más en otra carrera, según crecía su fascinación a la hora de mejorar y potenciar lo que ya tenía. No le hacía falta trabajar para vivir. “Así que me interesé en otras cosas”, me explicó. “¿Qué pasaba con el cine?

Sabía que eso iba en otra dirección”.

En el viejo château de Inglenook, en la primera planta, hay salas de cata donde, en las Navidades de tiempos no pandémicos, los Coppola celebraban una recepción festiva para la ciudad, como nobles caritativos. Está lo que se solía llamar la Biblioteca y lo que ahora se llama el Ateneo. La cara colección de discos de jazz de Francis descansa en una esquina, donde

Descubramos quiénes somos realmente, una especie dichosa, amistosa y tolerante”.

Le planteé a Coppola que sus ambiciones con esta película, así como ese gran tema en cuestión, suenan notablemente optimistas para un cineasta conocido sobre todo por un puñado de cintas sobre los fracasos humanos: la codicia, la paranoia, la corrupción, la guerra.

Francis se mostró de acuerdo, pero dijo que no podía recordar ningún momento de su carrera como cineasta en el que hubiera hecho lo que realmente quería hacer. Rememorando sus películas más aclamadas, reconoció, “estaba tan ocupado intentando sobrevivir y mantener a mi familia, en tener una carrera de éxito como director y en no hundirme en el profundo pozo de desgracia en el que me sentía… Hice aquella gran película, El Padrino, y lo siguiente que recuerdo es hacer todas esas otras de las que podría avergonzarme. Y por supuesto que fui crítico conmigo mismo”. Pero también buscó

“QUIERO QUE WEST SIDE STORY SEA UN ÉXITO INCREÍBLE, PARA RECORDARLE A LA GENTE QUE UN ESTRENO EN LAS SALAS ES MUCHO MÁS IMPORTANTE QUE EL DICHOSO STREAMING. EL STREAMING ES COMO EL VIDEOCLUB”.

PÁGINA OPUESTA Paramount Pictures celebra el 50 aniversario de El Padrino relanzando la cinta en cines a finales de febrero y en plataformas digitales en formato 4K UHD el 22 de marzo.

desafíos, “cintas que no sabía cómo hacer”, según lo reconoce ahora, para aprender. “Si hubiera dedicado toda mi carrera a hacer 15 películas de mafiosos”, dijo Coppola, “sería muy rico, pero no sabría todo lo que sé. Ahora soy rico y sé unas cuantas cosas”.

Cuando Francis volvió de su descanso del cine, fue para hacer el tipo de películas autorales y personales de las que ha estado hablando desde el principio: la casi incomprensible Youth Without Youth, un tratado de dos de sus fascinaciones de siempre, la conciencia y el tiempo; un cautivador noir, Tetro, de 2009; una cinta de terror a lo Roger Corman de 2011, que rodó en parte en Napa, titulada Twixt. Ninguna de ellas requería el presupuesto o la audiencia que Megalopolis necesitaría para ser un éxito. ¿Será capaz de gastarse todo ese dinero? Me pregunté. ¿De dónde lo sacaría?

“Bueno, si fuera Disney o si fuera Paramount, o si fuera Netflix”, respondió, “y necesitara 120 millones para empezar a decir que sí a todo el mundo y pagar a la gente, ¿cómo lo haría?

Sólo hay una manera. Con una línea de crédito, ¿no? Tengo esa línea de crédito”.

Pasó años endeudado con el banco por One from the Heart. Es un gran riesgo endeudarse para hacer otra película. “¿Un riesgo de qué? ¿Qué me jugaría yo?”. ¡No lo sé! Es lo que le pregunto.

“Si hablamos de One from the Heart, te sorprendería saber cuánta gente la sigue viendo. ¿Y en cuántas películas habrá influido?”.

Me refería más al impacto financiero que tuvo en usted.

Perdió un montón.

“No me podría importar menos el impacto financiero. Eso no significa nada para mí”.

Tiene una gran familia. ¿Están todos de acuerdo con su plan?

“Bueno, esos 120 millones de dólares no son lo único que tengo.

Les he dejado mucho a mis hijos.

Lo más grande que les he legado es su saber hacer y su talento. Sofia no va a tener ningún problema.

Roman tampoco. Son todos muy capaces. Y luego tienen Inglenook, donde estamos ahora. Aquí no hay deudas. Ninguna. Así que no”.

El año pasado, Coppola vendió una importante parte de su imperio enológico con el fin de usar un porcentaje como línea de crédito para hacer finalmente Megalopolis. “Si voy a invertir 120 millones de mi propio dinero —algo que ya he hecho, básicamente, los tengo aquí, esperando a que me escriban para hacerlo— quiero que tenga un impacto positivo en la humanidad”. ¿Piensa en esta película como la próxima que hará o como la última que hará?

“No tengo ni idea. Mi tío, el hermano de mi padre, murió con casi 103 años. Tenía la cabeza en su sitio. Escribía óperas. Leía a Proust en francés. Tenía 102 años y podías charlar con él de cualquier cosa. Con una memoria estupenda. Había vivido mucho y era un experto en música.

Ahora tengo 82. Bien podría vivir hasta los 100 más o menos. Eso significa que aún tendría 20 años de productividad”.

Coppola empezó a hacer cuentas en su butaca. “Pongamos que tengo otros 20 años de vida productiva, aunque una compañía aseguradora me diría ‘por amor de Dios, déjelo en la mitad’. Vale.

Me quedan 10. Eso significa que moriré a los 92. Sería una vida larga y maravillosa. No tendría queja. ¿Cuánto me quedaría?

Hacer esta película me llevaría fácilmente tres años”. Eso nos pondría en 2025, me dijo. “No me queda duda de que, si aún puedo dar guerra, querría hacer un filme que ya abandoné en su momento, titulado Distant Vision” —un ‘proyecto de cine en vivo’ que Coppola empezó en torno a 2015, sobre tres generaciones de una familia italoamericana no muy diferente de la suya, narrado en paralelo a la historia del nacimiento de la televisión y todo lo que vino luego.

Eso es lo que haría después.

“Sí. ¿Y después de eso? ¿Cuánto tiempo me queda?”. ¡Ni idea! “¿Me das otros cinco años?

Seguro que me queda algún otro sueño”.

Antes de marcharme, Francis quería enseñarme algo —un proyecto diferente, uno en el que ha

estado trabajando unos años.

Francis primero es cineasta, por supuesto, pero el negocio del vino le ha ocupado cada vez más tiempo. Hay, me dijo, 120 áreas diferentes de cultivo de uvas en su propiedad. En la mayoría de los viñedos, la fruta de esas parcelas acaba en unas cuantas fermenteras, donde se mezclan. Pero, ¿qué pasaría, se preguntó el realizador, si pudieras fabricar 120 fermenteras, una para cada área de cultivo, y saber cuáles son las realmente buenas, las regulares y las demás?

El único obstáculo es el espacio y los vecinos, a los que seguramente no les gustará mucho tener una planta gigante de fermenteras alzándose en el horizonte. Así que Coppola decidió: la construiremos bajo tierra.

Me metió en el Leaf y condujo hasta la entrada de lo que es todavía un lugar en construcción.

Varios tipos con casco se situaban frente a una zanja de hormigón. El interior parecía un acelerador de partículas —depósitos y túneles que se extienden tan lejos como alcanza la vista. “Imagina que hubiera aquí un estadio de béisbol”, me dijo para orientarme, “esto sería la última base. Tendrías la última base, la primera, la segunda, la tercera. Y las 120 fermentaras irán al otro lado”.

El espacio era cavernoso y me dejó aturdido. Nos quedamos ahí, observándolo. Y luego me acompañó de vuelta al coche.

“Estoy orgulloso de esto porque creo que lo más emocionante en la vida es tener un sueño, imaginar algo e intentar hacerlo real”, me explicó Coppola. “Es insuperable”.

Ha tenido más oportunidades de lograrlo que la mayoría de la gente.

“Sí, pero cuanto más difícil, más emocionante es. Esta idea era una locura. Cuando dije que quería hacerlo, no sabes las reacciones que obtuve”. ¿No eran positivas?

“Bueno, más bien al contrario. Suena genial, pero, ¿cómo vas a hacerlo?”.

Eso se lo han dicho muchas veces en la vida.

Coppola condujo el coche marcha atrás.

“Me lo dicen todo el tiempo”, afirmó.

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No hay duda: Farruko dominó el verano, se apoderó de las discotecas y se convirtió en el gran referente de las coreografías de TikTok. Y hoy, unos meses después del boom causado por la canción “Pepas”, el artista puertorriqueño se toma un tiempo para reflexionar y entender si vale la pena seguir o retirarse en la cima.

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← Overall, Gucci x The North Face Lentes, Moncler Reloj, propiedad de Farruko

de música electrónica...”, sentencia Carlos Efrén mientras mira sobre la mesa una gran colección de lentes de sol. Los recorre con la mirada y Carlos, o Farruko, como se hace llamar desde hace más de 15 años, cuando lanzó a la calle el tema “Bla, bla, bla”, elige unos, los toma y se los prueba.

“Muy chico, muy chico, ¿no?”, pregunta a sus acompañantes, quienes terminan por darle la razón: el marco es muy chico para su rostro, comparado con los anteojos que habitualmente usa. Inmediatamente toma otro par, mucho más grande, lo ajusta sobre la nariz y sonríe, listo para continuar con la respuesta.

“No, definitivamente no esperaba nada de ‘Pepas’. Simplemente estaba sentado en el estudio con la idea de probar sonidos electrónicos, de hacer una canción de música electrónica y urbana. Tenía en la mente varios temas de fiesta de los 90 y empecé a jugar con eso, a darle vueltas. Así, la canción fue creciendo sola y cuando llegó el coro sabía que era el tema perfecto para bailar después del encierro, pero ni mínimamente imaginé que sería ese tipo de track que te cambia la carrera”, sentencia el intérprete, satisfecho con los lentes y con lo que acaba de decir.

Han pasado ya varios meses desde que el tema se apoderó de listas, fiestas, discotecas, pies y cabezas de cada rincón de Latinoamérica y el puertorriqueño está de regreso en México para comprobar hasta dónde llegó su canción al ser considerado como el Trending del Año en los TikTok Awards, así como para adelantar los primeros detalles de lo que será la gira de presentación de La 167, su más reciente material discográfico en el que ha comenzado a plantearse una despedida de la industria y en el que ha apostado por la honestidad como puente entre sus seguidores y la vida real de Carlos Efrén, quien ha pasado meses complicados tras la pérdida de uno de sus mejores amigos, replanteando todo a su alrededor. “Sé que todos hemos pasado por un par de años complejos y que hoy más que nunca necesitamos quitarnos máscaras, así que esa fue la apuesta de La 167. Este álbum se lo dediqué principalmente a mi vida, a mis EXPERIMENTO

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Suéter, Fendi Lentes y cadena, propiedad de Farruko →→ PÁGINA OPUESTA

Suéter, Dior Men Lentes y cadena, propiedad de Farruko

“LA INDUSTRIA Y SUS MÉTODOS ME HAN DESGASTADO, PERO LA MÚSICA ES MI VIDA, ASÍ QUE DEBO PENSAR BIEN EL SIGUIENTE PASO”.

→ Suéter, Fendi Lentes y cadena, propiedad de Farruko MAQUILLAJE: LUIS GIL PARA GIVENCHY BEAUTY HAIRSTYLING: ARTURO CASTRELLÓN PRODUCCIÓN: SALVADOR COSIO

→ Chamarra, Dolce & Gabbana

“SÉ QUE TODOS HEMOS PASADO POR UN PAR DE AÑOS COMPLEJOS Y QUE HOY MÁS QUE NUNCA NECESITAMOS QUITARNOS MÁSCARAS, ASÍ QUE ESA FUE LA APUESTA DE LA 167”.

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principios; pero también a lo que es mi historia, a lo que estoy viviendo, a lo que siento.

Sin dudarlo, es el material más real y personal que he tenido. No me puse una máscara, fui totalmente sincero”, cuenta el cantante mientras busca la explicación más sensata al título. “La 167 es una carretera en Puerto Rico, muy cerca de donde crecí. Fue el primer camino que vieron mis ojos, que tocaron mis piernas y creo que es la experiencia más nostálgica que tengo del mundo exterior, del primer mundo que conocí en mi infancia. Es un espacio que me marcó y al que busqué hacerle un homenaje”.

Y esa parece ser la palabra clave para entender no sólo el momento que vive el artista, sino también las intenciones detrás de cada uno de sus últimos movimientos musicales (“he sido muy criticado porque dicen que un día soy jamaiquino, ahora soy dominicano, luego llego con un techno... pero es que la verdad, yo no me limito”) y las elecciones que ha realizado para construir un álbum que se ha convertido en un punto de quiebre para el intérprete, quien apostó por la compañía de músicos y productores como Pedro Capó, Myke Towers, Ñengo Flow, Jay Wheeler, Brray, Tempo, Lito MC Cassidy, India Martínez, Pacho ‘El Antifeka’, Yomo, Noriel y O’Neill, entre otros, para crear un ambiente íntimo para su material más personal.

“Este disco, como te platico, es sobre voltear a ver mis raíces y agradecer. Estoy en un momento en el que me siento muy consciente de lo que pasa a mi alrededor y de lo que ha ocurrido para llegar hasta aquí, así que busqué, simplemente, darle gracias a muchos que me han influenciado y ahí tienes pequeños homenajes a Ismael Rivera o Héctor Lavoe, a quienes les debo mi amor por la salsa; pero a la vez también tienes esos guiños de agradecimiento a agente como Paquita la del Barrio, que me parece una mujer icónica y única en la industria musical, un verdadero referente del feminismo en tiempos en los que el machismo era todo en México. Este tipo de agradecimientos son los que me motivan a seguir… aunque también tengo homenajes a naciones que me han dado mucho y para mi México querido está la canción ‘Baja Cali’, un corrido que nace de esa sensación de querer devolverle algo a este maravilloso país”, remata Farruko, dejando abiertos los rumores sobre un posible retiro y sobre el hecho de que La 167 podría ser el último disco de su carrera.

“Estoy en un momento de reflexión y como no sabes si al día siguiente estarás acá, hoy se trata de agradecer. Es verdad que la industria y sus métodos me han desgastado, pero la música es mi vida, así que debo pensar bien el siguiente paso”.

Overall, Gucci x The North Face Lentes, Moncler Tenis y reloj, propiedad de Farruko

el cine m contem a través director POR JESÚS ALBERTO GERMÁN

“BUENO, EL TIEMPO HA LLEGADO”, dijo una emocionada Barbra Streisand en la ceremonia de los Premios Oscar de 2010 antes de entregar la estatuilla dorada a Kathryn Bigelow por Mejor Dirección. La felicidad de la protagonista de Funny Girl era de esperarse: habían tenido que pasar muchos años, décadas, para que Hollywood finalmente decidiera reconocer a una mujer dentro de una categoría dominada, tradicionalmente, por el género masculino. Este reconocimiento tardío no era por falta de talento; el problema era una cuestión de oportunidades: ¿cuántas mujeres pueden sentarse en la silla del director?

ILUSTRACIONES IVÁN MAYORQUÍN

Tomamos como punto de partida un ejemplo de la Meca del cine pues se tiene la concepción de que lo que se hace allá siempre es punta de lanza y tiene eco en otras industrias y latitudes. El caso de México no dista mucho de aquel panorama.

Cuando hablamos de la industria nacional, es común escuchar nombres como el de Emilio ‘El Indio’ Fernández, Ismael Rodríguez, Roberto Gavaldón, Carlos Enrique Taboada o Fernando de Fuentes, entre otros, como referentes y artífices al momento de sentar muchas de las bases de la cinematografía actual. Pero, ¿qué tanto se recuerda lo hecho por la gran Mimí Derba?

exicano poráneo de sus as Premios nacionales e internacionales, historias crudas que llegan al alma, narrativas frescas y elementos diferentes. Hoy en día, la industria nacional del séptimo arte cuenta con el atrevimiento y la vanguardia necesarias, principalmente gracias a las obras de un grupo de cineastas que han trabajado arduamente para seguir abriendo brecha en un universo dominado por el género masculino. De entre todas ellas, hemos elegido siete voces (y visiones) que nos ayudan a confirmar esta hipótesis.

¿Por qué en las charlas y las discusiones se suele omitir la importancia de pioneras como Matilde Landeta?

En 2019, de acuerdo con los datos presentados por el Instituto Mexicano de Cimeatografía (IMCINE), de los 216 largometrajes producidos en nuestro país, únicamente el 20% (44 cintas) fueron dirigidos por mujeres. Cifras que no han cambiado mucho. Con todo y ello, en los últimos años, varias de las películas dirigidas por mujeres han sido aclamadas por la crítica, vistas por el público y han salido victoriosas en diferentes festivales nacionales e internacionales.

Gracias al trabajo de realizadoras que abrieron brecha, como Mimí Derba, Matilde Landeta, María Novaro, Maryse Systach y Mariana Chenillo, por mencionar apenas algunas; hoy, un grupo de cineastas han comenzado a marcar el camino (muchas veces fabricando sus propias oportunidades) del séptimo arte en México para las futuras generaciones. De entre todos esos nombres, hemos elegido a siete representantes, quienes nos han enamorado con sus trabajos en la pantalla, pero que para conseguirlo han tenido que sortear todo tipo de obstáculos, muchos de ellos por una cuestión de género.

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Tatiana HUEZO

Alejandra MÁRQUEZ ClaudiaSAINTE-LUCE

Fue en 2016 cuando un poderoso documental titulado Tempestad irrumpió en las carteleras para “poner el dedo en la llaga”. Las historias de Miriam Carvajal —una empleada del Aeropuerto de Cancún que fue acusada injustamente de tráfico de personas— y Adela Alvarado —una mujer que trabajaba en un circo y que desde hace una década buscaba a su hija desaparecida— sirvieron para volver a poner en tela de juicio el endeble sistema de justicia nacional y la manera en que el crimen organizado se ha permeado en prácticamente todos los estratos de nuestra sociedad. El viaje y la dolencia son los puntos en los que convergen ambas narraciones, de la mano de una dirección poética (imágenes que contrastan precisamente con la deshumanización de lo que estamos escuchando) que llevó a Tatiana Huezo a alzarse con el Ariel a la Mejor Dirección y a ser distinguida en diferentes festivales del mundo.

Nacida en El Salvador, Tatiana se estableció en México desde muy pequeña, pero esto no significó que fuera ajena a aquellos problemas que unen a las diferentes naciones latinoamericanas: el dolor, las injusticias y las jerarquías de poder. Pronto, todas estas “venas abiertas” encontraron en el cine el escaparate perfecto para hacer conciencia entre las audiencias. Huezo estudió en el icónico Centro de Capacitación Cinematográfica (C.C.C.) de la CDMX y posteriormente realizó una maestría en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona. El ombligo del mundo (2001) —una especie de viaje introspectivo de tres personajes con el fin de hacer frente al destino y al pasado— fue su primer trabajo dentro del séptimo arte, un cortometraje con el que marcó un estilo y un discurso.

Por más de dos décadas, Tatiana ha buscado narrar con su muy particular lenguaje cinematográfico aquello que en muchas ocasiones no se dice, transformar en poesía visual las contrariedades que ha estudiado en México y Centroamérica, y que quizás muchos otros no han querido (o no han tenido el valor de) mostrar. La realizadora reveló en una entrevista que está convencida de que el séptimo arte no puede cambiar al mundo, pero que sí cree que “toca almas y despierta pensamientos”; algo que consiguió con su primera ficción: Noche de fuego, un largometraje basado en el libro Ladydi de Jennifer Clement y en el que nos sumerge en la cruda realidad que deben enfrentar las niñas de nuestros tiempos, a la par de hacernos reflexionar cómo los adultos hemos orillado a que las infancias “pierdan su inocencia”. La película representó a México en los Premios Oscar 2022 y aunque quedó en la antesala de la nominación, hay algo cierto: hizo que muchos sopesaran una realidad que no nos es distante.

El primer recuerdo cinematográfico que Alejandra Márquez tiene es haber visto la película de Las Tortugas Ninja en el Cine Plaza Tangamanga de su natal San Luis Potosí. Admiradora del trabajo de cineastas como la mexicana Dariela Ludlow y la argentina Lucrecia Martel, la potosina decidió decidarse al séptimo arte “por la idea de volver tangibles procesos mentales, ordenar símbolos”, comparte a GQ México.

Márquez realizó sus estudios en el Centre d’Estudis Cinematogràfics de Catalunya en España, país en el que residió hasta 2006.

Tres años después, presentó en el afamado Festival Internacional de Cine de Morelia su cortometraje 5 recuerdos, el cual la hizo acreedora de una Mención del Jurado. A partir de ese momento, comenzó a forjar una carrera fílmica en la que busca mostrar profundidad, pero una profundidad alejada de todo estereotipo; pues como ella misma asegura, cree mucho en la contradicción, en hacer cosas que no son obvias.

Para 2015, su primer largometraje estaba listo: Semana Santa, un retrato de la familia mexicana como esa estructura en la que se almacenan muchos resentimientos que cuando salen a flote amenazan la estabilidad. Inspirada en el cine de Pablo Larraín y la propia Lucrecia Martel, Alejandra decidió arriesgarse con su siguiente paso al retomar los personajes del célebre libro Las niñas bien, de Guadalupe Loaeza, para plasmar en celuloide no únicamente la debacle de la clase acomodada en el México de los años 80, sino también la doble moral y la superficialidad (¿de ayer o de hoy?).

Las niñas bien fue considerada una de las mejores películas mexicanas de los últimos años y le valió a su realizadora diferentes reconocimientos a nivel nacional e internacional, entre ellos tres nominaciones al Ariel.

Y si bien el hecho de ser mujer no ha significado un obstáculo en su carrera, sí asegura que en muchas ocasiones el género femenino suele ser objeto de más críticas. “La discriminación muchas veces es temática. Los temas que rodean la experiencia de las mujeres en el mundo no parecen ser igual de relevantes que cuando se trata de los hombres. También somos objeto de más escrutinio”, comparte y remata diciendo que “hace falta que más mujeres empiecen a producir y a ganar de los proyectos. Es verdad que cada vez somos más las mujeres en puestos importantes, pero siguen siendo muy pocas las que están arriba de la ‘cadena alimenticia’ que conforma nuestra industria”.

“Hay que saber escuchar, hay que saber observar y que el miedo no mate las ganas de saltar”, rapea Claudia Sainte-Luce —en la serie de cortometrajes elaborados por el FICM— a manera de consejo para todo aquel que busque dedicarse al séptimo arte. Fiel creyente de que “las imágenes hablan por sí solas” y “enemiga” de las entrevistas, la cineasta oriunda de Veracruz viajó, hace algunos años, del Atlático al Pacífico con un objetivo en mente: saber si el cine era aquello a lo que quería dedicarse. “No sabía bien qué estudiar después de la prepa. Acababa de hacer una prueba de aptitudes y salí ‘buena para nada’.

Una compañera mencionó que estudiaría cine y pensé que eso no se estudiaba, que nacías con el don o no. Por curiosidad, me puse a investigar las escuelas de aquel entonces y me fui a Guadalajara para empezar la carrera de Artes Audiovisuales”, comparte a GQ México.

De entre todas las realizadoras mexicanas contemporáneas, Sainte-Luce admira el trabajo de Yulene Olaizola, “por sus temas y personajes”. Y es que para ella, las barreras u obstáculos que ha tenido que enfrentar no se deben tanto a la cuestión de género, sino a aquellas temáticas que quiere abordar. “Hay proyectos que empiezan con el pie derecho, otros con el izquierdo, otros con los pies chuecos, otros caminando hacia atrás; pero en mi caso ha sido más por los temas que quiero tratar y cómo los quiero abordar, no por mi género”, comparte.

Muestra de lo anterior fue su ópera prima, Los insólitos peces gato (2013), una narración visual en el que se abordan cuestiones como la amistad, la enfermedad y la muerte de una manera alejada de todo sentimentalismo. Tres años después, Sainte-Luce regresó con La caja vacía (2016), donde la familia y las heridas del pasado vuelven a salir a flote a través de la historia de Toussaint, un haitano que debido a sus problemas de salud debe aprender a vivir con su hija en la CDMX. ¿Su próximo proyecto? El reino de Dios, acerca de un niño de nombre Neimar, que cuestiona cosas como la religión y la felicidad, y que fue elegida para formar parte de la edición 72 de la Berlinale.

La cineasta es consciente de la realidad que vive la industria nacional hoy. “Creo que hay dos grandes temáticas que acaparan la atención: la que retrata nuestra sociedad desde la violencia en sus múltiples formas y la comedia comercial, que replica fórmulas.

Quien no está ahí, sufre para levantar dinero y para obtener visibilidad. ¿Qué hace falta?

Que haya interés de las exhibidoras por el cine mexicano, que permanezcan más de dos semanas en cartelera, que existan salas para películas nacionales, que las plataformas programen su algoritmo gentilmente, que la gente quiera verlas. Una carta al niño Dios, pero dicen que Dios no existe”, remata.

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Natalia BERISTAIN

Rita BASULTO

“Digamos que la manzana no cayó muy lejos del árbol. Vengo de una familia de actores y actrices, crecí sobre todo en el teatro, los sets no me eran ajenos y había algo en ese mundo que me atraía”, confiesa Natalia Beristain.

Hija de la actriz Julieta Egurrola y el actor Arturo Beristain, uno pensaría que este hecho podría haber sido el pasaporte definitivo para que Natalia recibiera proyectos a manos llenas. La historia es otra.

“Los ‘no’ que he recibido no me han detenido. Te pongo un ejemplo de cosas que sí me han tocado vivir y entender: mi primera película aborda una historia protagonizada por dos mujeres. Recuerdo que cuando salí a buscar dinero para levantar el proyecto (que por cierto no conseguí), me topaba con gente a la que le interesaba el guion, pero que me decía: ‘¿Cómo? ¿Dos mujeres? ¿No puede ser un nieto y una abuela o un abuelo y su nieta?’. En general, trataban de decirme cómo tenía que ser la película y los personajes. Al final, decidí que no me iba a quedar con lo que la gente opinaba y la hice como pude, pero era muy fuerte ver que a las personas les costaba mucho trabajo imaginar un filme protagonizado por dos mujeres”.

El proyecto en cuestión es No quiero dormir sola, la ópera prima de Beristain estrenada en 2012 que le ganó buenas críticas y la colocó dentro del grupo de directoras que hoy en día siguen abriendo brecha en el cine mexicano. “Admiro profundamente a la generacion a la que pertenezco. Saberme parte de ella significa para mí un orgullo y un reto, sin que esto niegue o borre el hecho de que las que estamos aquí, estamos gracias al trabajo de directoras que nos precedieron, que les tocó picar piedra mucho más de lo que nos toca ahora”, asegura.

En 2017, Natalia encantó a la crítica y a la audiencia con Los adioses, basada en la vida y obra de Rosario Castellanos, y en años recientes se ha involucrado más en proyectos para la pantalla chica, dirigiendo episodios en series como Luis Miguel, El secreto de Selena, Historia de un crimen: Colosio, Monarca y The Mosquito Coast.

“Sí creo que cuando empecé a estudiar cine, hace como 20 años, muchas posiciones eran casi exclusivas para los hombres, como la dirección o la fotografía. Hoy, las mujeres no únicamente están involucradas en cosas ligadas a lo estético, como el vestuario o el maquillaje, sino en otros puestos con unas posiciones de poder importantes dentro de la pirámide. Sí somos más que hace dos décadas, pero seguimos siendo minoría. Sigue habiendo una disparidad enorme. Eso es en el mundo del cine. En la televisión, cosa que vivo de primera mano, la narrativa y el discurso está mucho más atrás”, remata.

El cine de animación ocupa un lugar importante en nuestra industria. Principalmente tras el éxito de muchos cortometrajes en festivales a nivel internacional y largometrajes que han llevado de vuelta a los espectadores a las salas de cine, pero que también han dejado de manifiesto el gran talento que existe en nuestro país en el rubro.

Obviamente no podemos hablar de animación, sin mencionar el nombre de Rita Basulto, quien con apenas 15 años decidió entrar a la Escuela de Artes Plásticas para estudiar la carrera de Pintura y hoy es un referente del cine animado hecho en México, gracias a cortometrajes como El octavo día, la creación (“que surgió del delirio, una pesadilla en tinta china”, según reveló al Festival Internacional de Cine de Morelia, y que fue producido por Guillermo del Toro), Lluvia en los ojos y Zimbo, con los cuales ha ganado diferentes reconocimientos en más de 50 festivales internacionales, además de cuatro galardones Ariel y el Premio Mayahuel que otorga el Festival de Cine de Guadalajara.

Para Rita, “la animación es una bellísima técnica que exige disciplina y perseverancia”, según reveló al Compendio de Cineastas Contemporáneas del FICM. Sin embargo, los cortometrajes no han sido el único campo en el que hemos podido apreciar el talento de la artista: también realizó las animaciones del filme Desierto adentro de Rodrigo Plá, además de participar en alrededor de 20 exposiciones como pintora.

Recientemente, Rita Basulto presentó el corto Eclosión (2019), en donde somos testigos de una especie de nacimiento del hombre moderno. Todo ello siguiendo esa técnica perfecta que sólo ella es capaz de entregarnos, pues para la artista, “el stop motion tiene uno de los procesos creativos más exquisitos, donde confluyen distintas disciplinas, artes y ciencia”.

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Fernanda VALADEZ Astrid RONDERO “En México, por cada directora en activo hay cuatro realizadores varones”, comparte Fernanda Valadez a GQ México. “Comprender esto me impulsó a hacer equipo con otras compañeras cineastas. Fue así que llegué a hacer mancuerna con Astrid Rondero. Juntas entendimos, cuando aún éramos estudiantes, que en este contexto de disparidad de géneros las oportunidades las teníamos que generar nosotras y no esperar a que alguien nos las ofreciera”, continúa. El primer proyecto fruto de esta simbiosis vio la luz en 2017 bajo el título de Los días más oscuros de nosotras.

A partir de ese momento, y como bien lo señala Fernanda, la dupla Valadez-Rondero no se detuvo a esperar que el proyecto adecuado llegara a ellas; como muchas otras mujeres cineastas de México y del resto del mundo, decidieron mover la maquinaria y comenzar a fabricar sus propias oportunidades. “En prácticamente todos los procesos hemos vivido pequeños obstáculos, desde la escuela; pero ninguno lo suficientemente grande para que nos detenga. Acá lo que siempre nos ha ayudado es hacer equipo. Tal vez lo más aleccionador sucedió en nuestra primera película”, acota Astrid. Y es que de acuerdo con Valadez, hacer Los días más oscuros de nosotras “nos hizo enfrentar la resistencia de gente que no está habituada a colaborar con el género femenino en esos términos, ni con personas de diversidad. Ser productoras de nuestras cintas nos da la oportunidad de poner condiciones distintas y aportar nuestro granito de arena en busca de la equidad en un sentido amplio”.

Llevando siempre el “estandarte” de la inclusión (“eso para mí fue algo que tuve claro desde estudiante: en los sets de mis películas siempre habrá mujeres y gente de la diversidad. Es un compromiso que me define”, comparte Astrid), hace un par de años la dupla volvió a las andadas con Sin señas particulares, la historia de una madre que cruza la frontera entre México y Estados Unidos en busca de su hijo, de quien no ha sabido nada en mucho tiempo. El largometraje (poderoso y contundente) fue muy bien recibido y ganó 9 Premios Ariel, entre ellos el de Mejor Película, Mejor Dirección (para Fernanda Valadez) y Mejor Guion Original (para la dupla Valadez-Rondero).

Tras estos trabajos, estamos expectantes por ver lo que nos tienen preparado para el futuro. Sin embargo, antes de volver a las carteleras, para las directoras hay un paso importante que debe darse: “Somos de la idea de que en la formación está el gran reto.

La paridad en las instituciones es el primer paso; pero claro que hay muchos más movimientos que debemos dar para lograr equidad para las mujeres y para las minorías”.

F U E R Z A S POR EDUARDO LIMÓN

FOTOS SANTIAGO SIERRA SOLER

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ESTILISMO CHINO CASTILLA

Los caminos y la insubordinación de la creatividad bajo la óptica de tres diseñadores que están escribiendo el presente y el porvenir de la moda en México.

FONDO GETTY IMAGES.

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Pantalón y saco, The Pack

by Campillo Botas, OUTOFCOMFORT → PÁGINA OPUESTA

Pantalón, The Pack

by Campillo Botas, OUTOFCOMFORT

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Cuestionando los límites de género, oponiéndose a la moda rápida, con un fuerte enfoque en la sostenibilidad y una identidad arraigada en la cultura mexicana, The Pack by Campillo ha desarrollado una visión única incorporando la cultura charra, la arquitectura mexicana y el “minimalismo prehispánico” a la moda masculina de todo el mundo.

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no es un asunto reciente, tampoco es una industria menor ni un sector “en pañales”. Tal vez no con la categoría disciplinaria que hoy tiene ni en el punto donde más quisiéramos, pero definitivamente allí ha estado por largo tiempo. Cuando menos, tenemos a Ramón Valdiosera y Margarita Rostan a principios del siglo pasado para desmentir esta idea de que la moda no se había comenzado a escribir hasta ahora. En todo caso, lo que ha cambiado desde aquellos días —y qué bueno, porque lo que no evoluciona, muere— es su orden. Su jerarquía. Sus intenciones de seguir marcando diferencias; arribas y abajos, adentros y afueras. Actualmente, la moda no podría seguir construyéndose en esa lógica, ni en lo intelectual ni en el plano de los negocios. Sobre todo, en nuestra constante urgencia por sobrevivir.

Seguir construyendo una identidad creativa con sello mexicano ha llevado a que la industria también deje de pensarse con base en imágenes importadas, con reglas que no son las nuestras. Mucho menos con papeles rígidos y rangos que ya nada tienen que ver con la época que vivimos. Es en la

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intersección, en el cruce de viejas fronteras, donde hoy despunta la moda en México. A veces por convicción, en muchas ocasiones por necesidad; diseñadores, fotógrafos, estilistas, publirrelacionistas y un sinfín más, intercambiando funciones, se encargan en la actualidad de que la moda nacional se proyecte ya no como un paquete de indumentaria eurocentrista sin más, sino como un sintetizador de nuestras propias realidades y pensamientos. Una ventana para nuestras maneras de sentir, para nuestra piel y nuestra belleza.

Como en un rizoma, ese tallo horizontal de distintos brotes y nudos, sin puntos centrales, sólo con la idea de seguir expandiéndose; la moda en México empuja hoy sus horizontes. Muestra su vanguardia sin subordinaciones; sus lindes con el arte y la crítica social, así como un rostro local y genuinamente disruptivo con las viejas normas —especialmente de género y representación. Es ahí donde está el verdadero cambio. México es un siguiente paso para la moda internacional. Somos principio.

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Sánchez-Kane resiste las nociones tradicionales de la mexicanidad y su relación con lo femenino y lo masculino. Su producción es, justamente, el ejemplo más claro que tenemos hoy en la moda mexicana del cruce entre diseño, pintura, performance e instalación, con un discurso muy bien definido.

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Total look, The Pack

by Campillo

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ASISTENTE DE ESTILISMO: LUIS MEZA Y OSCAR BARRAGAN ASISTENTE DE FOTOGRAFÍA: VALENTINO PATAT CINEMATOGRAFÍA: REID ROHLING PELO Y MAQUILLAJE: SEAN DEERBES MODELO: MAGDALENO DELGADO FEATURING: PATRICIO CAMPILLO FROM THE PACK BY CAMPILLO BARBARA SÁNCHEZ-KANE FROM SÁNCHEZ-KANE GABRIELLE VENGUER FROM GABRIELLE VENGUER

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Las propuestas de Gabrielle Venguer se basan en el entendimiento del color y la armonía que se alcanza al experimentar con materiales y texturas. Dejándose guiar por su intuición, encuentra la mayor satisfacción en las sorpresas inesperadas del proceso creativo. Venguer disfruta trabajar con artistas de diferentes disciplinas para obtener resultados más poderosos.

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POR ANTWAUN SARGENT FOTOS TYLER MITCHELL

Pasé dos años tratando de capturar la esencia del genio de uno de los artistas más versátiles para una exposición en un museo. Sin embargo,

me senté algunas filas detrás de su familia, junto a los artistas Arthur Jafa y Theaster Gates.

Era el lunes 6 de diciembre, a mediodía, y estábamos reunidos en el domo de cristal de dos pisos del Museo de Arte Contemporáneo de Chicago para presentar nuestros respetos al artista Virgil Abloh, quien una semana atrás había fallecido por un extraño cáncer de corazón a los 41 años.

El interior era como una sombría Met Gala: entre la multitud reunida se encontraban Rihanna, Frank Ocean, Drake, las modelos Karlie Kloss y Bella Hadid, y los jóvenes diseñadores Kerby-Jean Raymond y Rhuigi Villaseñor. Nos sentamos en sillas blancas en una gran sala modernista llena de luz que daba al horizonte de la

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ciudad. Afuera estaba nublado y hacía frío, un clima que ciertamente reflejaba el ambiente del lugar.

El servicio comenzó con el discurso del pastor, Rich Wilkerson Jr, quien ofició la boda de Kim y Kanye y había conoció por primera vez a V —como le conocían quienes trabajaban estrechamente con él— durante los años en que fue el director creativo de Kanye. A raíz del diagnóstico de Virgil, en 2019, Rich se había convertido en una especie de consejero espiritual, ayudándolo a afrontar el trabajo que dejaría inconcluso. Aquel día fue el maestro de ceremonias e invitó a la esposa de Abloh, Shannon, a elogiarlo. Ella vestía una bata de seda negra que V había diseñado con la palabra “woman” estampada en la espalda.

En el podio le siguieron algunos de sus colaboradores más cercanos: el diseñador de streetwear, Don C; el DJ y productor británico, Benji B; el arquitecto y escritor, Mahfuz Sultan; el rapero, Tyler, the Creator.

Todos recordaron los sacrificios que Virgil hizo por su arte, los vuelos interminables y los DJ sets remotos, los constantes mensajes de WhatsApp, la cuenta de Instagram que utilizaba como estudio abierto donde compartía algunos “trucos” para vencer el juego que es nuestra cultura. Se asombraron por el diverso grupo de personas que había reunido en una constelación que iluminó un nuevo universo estético y lloraron por el potencial frustrado de los años perdidos.

Y claro, yo también lloré a V. Para mí, este homenaje representó un cierre, el epílogo de mi viaje de dos años para reunir la obra de este genio tan poco ortodoxo en una exposición de museo. Había intentado llegar

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al corazón de lo que motivaba a Virgil como creador, comprender sus impulsos y preocupaciones, así como catalogar su prolífica producción. Había luchado con la aparentemente imposible tarea de curar la obra de uno de los artistas más versátiles de nuestro tiempo. Y, sin embargo, al escuchar a sus amigos, colaboradores y protegidos, me di cuenta de que el gesto más genuino que tuvo fue inspirar actos de creatividad a casi todas las personas con las que él y sus objetos entraron en contacto. La profundidad de ese deseo —de introducirnos en una nueva era de creatividad— no me quedó del todo clara hasta ese mismo momento. Sabíamos que V se esforzaba por llevar sus ideas al mundo. Pero sus mejores ideas eran las que había cultivado en la multitud de artistas que tomaban

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no fue sino hasta que viajé a Chicago para asistir a su homenaje, que me di cuenta de la magnitud de su talento e influencia.

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su batuta —los jóvenes que habían visto lo que él hacía y decidieron que ellos también podían crear su propio arte.

EL ARTISTA QUE INSPIRA ARTISTAS En otoño de 2019, conocí a V en una llamada concertada por la directora del Museo de Brooklyn, Anne Pasternak. Ella me dijo que quería llevar la “explosiva creatividad” de Virgil al museo. En ese momento, él tenía una exposición itinerante, Virgil Abloh: Figures of Speech, y Pasternak me aseguró que el diseñador quería que fuera el curador invitado de la iteración final de la muestra. “Estaba haciendo algo donde había un vacío”, me dijo recientemente Anne. “Estaba poniendo un foco en un espacio, abriendo las puertas para hacer posible que otros jóvenes creativos negros se visualizaran en estas posiciones”. Y añadió: “Creo que hay una oleada de excelentes creativos que se nos viene encima, que quizá no habría existido si Virgil no hubiera derribado esas puertas”.

En ese momento, la exposición de V se había inaugurado en Chicago y pasaría por Atlanta, Boston y Doha antes de llegar a Brooklyn. Sin embargo, en nuestra primera llamada, él me dijo que quería decir algo nuevo en Nueva York. Con un profundo cariño, recordó su paso por la ciudad, hace algo más de una década, como miembro del colectivo de moda streetwear y arte #BEEN #TRILL. También rememoró sus amistades con jóvenes creativos del centro de la ciudad como Venus X, el DJ y fundador de la fiesta underground GHE20G0TH1K, y Shayne Oliver, el cofundador y director de diseño de Hood by Air. Juntos, V y Shayne, habían compartido notas sobre cultura, tratando de hacer ruido como diseñadores negros en el exterior de los mundos de la moda y el arte, desde una mirada interna. Para conmemorar esa época, crearon In Conversation With Shayne (2019), una exposición compuesta por varias camisetas dobladas dentro de cajas de cartón con la etiqueta “Virgil Abloh Official Files” (“los archivos oficiales de Virgil Abloh”). Como un claro argumento de su espíritu vanguardista y su índole atemporal, la obra también mostraba, como ha dicho Oliver, que “tenían ideas que aportar a la moda, pero no específicamente para la moda”.

Después de esa reunión inicial, el antiguo jefe de personal de V, Athiththan Selvendran, conocido como Athi, creó un grupo de WhatsApp para que todos pudiéramos comunicarnos en tiempo real.

En el chat también estaba Sultan, quien había estudiado arquitectura en Harvard y nos ayudaría a conceptualizar la exposición. Desde el principio las ideas fluyeron. Lo que me sorprendió de inmediato es que Virgil estaba tan centrado en la obra de otros artistas como en la suya propia.

Estábamos curando a un hombre que no dejaba de curar la cultura que le rodeaba, tomando muestras de ideas, haciéndolas suyas, cediendo espacio a quienes le inspiraban. Otras ideas eran más radicales. Un día, V envió al chat bocetos de carteles neón a gran escala que deletreaban, con su propia letra, palabras como “IRAK”, una referencia al legendario grupo de grafiteros del centro de Nueva York de finales de los 90. Abloh

“Virgil Abloh estuvo aquí”. sugirió que los instaláramos en la fachada de Bellas Artes del museo para hacer un statement: Esta no sería una exposición ordinaria.

Una de las primeras ideas que tuve fue crear una exposición en la que todo estuviera a la venta —es decir, una muestra en la que se pudieran comprar las sillas, los cuadros, los tenis, las joyas, las bocinas, las esculturas, los bolsos y todo lo demás de las paredes, incluyendo los pedestales— como una crítica al consumo del mundo del arte y a la cultura del consumismo. A medida que se compraran los objetos, los mensajes, escritos con el característico estilo de V, se revelarían en las galerías vacías del salón principal del museo. Sin embargo, después de investigar un poco más, abandonamos el plan. Takashi Murakami,

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el aclamado artista pop japonés que había colabrado con Virgil en un trío de exposiciones en la Galería Gagosian, había explorado una premisa similar con el antiguo director creativo de Louis Vuitton, Marc Jacobs, en el Museo de Brooklyn en 2008.

Abloh no tenía ningún problema en reproducir conceptos, pero este enfoque tenía que ser totalmente nuevo.

Con el tiempo, el chat se convirtió en un flujo de imágenes de referencia para el diseño de la exposición, un lugar para que V compartiera trabajos antiguos y nuevos, y un espacio para pensar juntos en las relaciones entre elementos como la publicidad y la pintura, las prendas y la arquitectura. En enero de 2020, lo visité en su amplio y desordenado atelier de Louis Vuitton en París, un taller extenso y laberíntico que era como una entrada al cerebro del artista. Había equipos de DJ para improvisados sets de oficina, bolsas y estantes con sus diseños para LV, además de un gran espejo enmarcado con el logo rojo de la revista Time. Entre las pruebas para sus colecciones de moda, Virgil compartió ideas para nuestra exposición. Sobre una mesa naranja había una maqueta de espuma del salón principal del Museo de Brooklyn, y dentro, los objetos que quería presentar — zapatos de sus colaboraciones con Nike, su primera campaña publicitaria para Vuitton, maniquíes con sus diseños, esculturas que él mismo había construido, sillas que había diseñado y serigrafías de Pyrex Vision, su primera marca de moda. Se trataba de un estudio que representaba todos los capítulos de su carrera como creativo.

Esto fue justo antes de la pandemia y las protestas raciales, que nos harían replantear la exposición. En julio de ese año, nos dimos cuenta de que tenía que ser más contundente, tener una dimensión social más directa. Comenzamos a pensar en la idea de una escultura social, una versión contemporánea de lo que V llamaba “un caballo de Troya”. Sería un “espacio negro” poblado con la obra de Virgil, diseñado con los principios de lo que el artista David Hammons denominó una

vez “arquitectura de la negritud”, que definió como “la forma en que la comunidad negra hace las cosas, las casas o los puestos de revistas en Harlem, por ejemplo.

Tal como usamos la carpintería.

Nada encaja, pero todo funciona.

La puerta se cierra, impide que pasen las cosas. Pero esto no tiene esa pulcritud, la forma en que las personas blancas arman las cosas; todo está a treinta segundos de distancia”.

La idea se concretó en octubre de 2020, cuando V envió al chat una renderización de una casa negra de una sola planta con proporciones exageradas, que tomaba ligeramente la dirección del museo del mueble Vitra Schaudepot —diseñado por Herzog & de Meuron, en Weil am Rhein (Alemania). El edificio ocuparía el espacio central de la sala de exposiciones. Cuando los visitantes se desplazaran por ella, se encontrarían con una escalera táctica negra —una metáfora de la manera en que Virgil irrumpía en el museo— con peldaños metálicos grabados con los nombres de varias “figuras de la palabra”: desde el músico panafricanista Fela AnikulapoKuti, hasta el rapero Ghostface Killah. Uno de los lados de la casa estaría revestido de pedestales en los que se expondría, por ejemplo, un zapato o un bolso o un papalote que V hubiera diseñado, como una forma de elevar los objetos de la cultura (ya sean low-cost, de masas o de lujo) al ámbito de la escultura, es decir, del arte. En la entrada habría un cartel en blanco y negro que diría “Sólo gente de color”. El interior tendría suelo de madera oscura, transmitiendo una nota de intimidad e historia. Era una escultura viviente que serviría como casa y museo al mismo tiempo, un guiño a la interioridad negra y un recordatorio de que antes de que los museos dejaran entrar a las personas negras, usábamos nuestros salones como lugares para mostrar nuestro arte e historias.

Sobre todo, el espacio sería autónomo: Abloh y sus colaboradores establecerían las reglas de lo que se expondría y por qué.

Para V, esta era una forma de jugar con la dinámica del poder y la historia que había mantenido

en gran medida el arte negro fuera de las paredes blancas de las instituciones artísticas. También era una forma de demostrar que lo hacía todo a lo largo de lo que Hans Ulrich Obrist, historiador del arte y director artístico de las Serpentine Galleries (en Londres), llama un “enfoque DIY”. Obrist, quien colaboró con Virgil en una serie de charlas en las que se analizaba todo, desde la ciudad moderna hasta la fabricación de libros, me dijo que la “condición posmoderna” de Abloh es el resultado de “esta idea de DIY, de que el artista o el diseñador podían hacer algo como una manera de dictar las instrucciones para que después cualquiera pudiera hacerlo”. V “tenía una conexión muy concreta con la utopía”, explica Hans Ulrich. “Lo que él quería decir con utopía es que ‘falta algo’, como diría él. Siempre tuve la sensación de que también le interesaba producir y hacer que ocurrieran cosas que faltaban”. Lo que hacía falta para Virgil era un espacio negro real —un lugar para soñar, idear y crear— y la estructura que propuso para el Museo de Brooklyn era una forma de hacerlo realidad.

A medida que avanzaba nuestra conversación, quedó claro que nos interesaba especialmente, como dijo V en una llamada vía Zoom,

medio sobre otro, es decir, no debía ser un desfile de moda disfrazado de exposición de arte.

OBRAS Y METÁFORAS La primera entrega de la muestra, la primera de Virgil en un museo, había sido curada por Michael Darling y montada, en 2019, en el MCA de Chicago, antes de viajar al High Museum de Atlanta, al ICA de Boston y al Fire Station de Doha. Como escribió Darling, se centró en cómo el “enfoque del arte conceptual de V se basa en las herramientas más impactantes que ofrece la cultura contemporánea —música, moda, redes sociales, celebridades—, llenando su obra de préstamos, rebrandings, reivindicaciones, críticas y deconstrucciones que tienen todas las características de la ironía duchampiana”. Michael presentó objetos como la tesis de licenciatura de Abloh de 2006, que imaginaba un rascacielos de Chicago doblándose, como un árbol al viento, hacia el lago Michigan; la placa de oro que hizo para promocionar Watch the Throne de Jay-Z y Kanye; la falda de tenis negra “Queen” con una silueta parecida a la de un tutú que diseñó para Serena Williams; y The Reality (2016), una manta del showroom de Off-White que citaba una reseña crítica a una colección de su primera marca, Pyrex Vision.

Usando el enfoque de Michael Darling, mi intención era que nuestra exposición de Brooklyn revelara el proceso creativo de un artista negro que había tomado los códigos culturales, aparentemente desconectados del hiphop, la alta costura, el diseño, la arquitectura y el arte; y

tanto en peso, como en estatura.

Muy pocos hombres negros han ejercido ese nivel de poder en nuestra cultura. Para mí, valía la pena investigar eso. Pero la verdadera razón por la que decidí curar la exposición fue su tema creativo central: La infancia negra. Yo había alcanzado la mayoría de edad en Chicago, en el mismo barrio al que Virgil se mudaría con su esposa para crear su obra y formar una familia. Y hasta que lo conocí, nunca había encontrado a un creativo negro que hablara tan abiertamente a la siguiente generación de creadores negros. Hijo de inmigrantes ghaneses en el suburbio de Rockford, Illinois, V siempre estuvo motivado por la curiosidad y los sueños de lo que él llamaba su “yo de 17 años”. Como adolescente esteta de los suburbios, amaba el hip-hop, el graffiti, el diseño de alta y baja calidad, y el skateboarding. Todo lo que creaba surgía de esas obsesiones.

“Lo que queremos en el siglo XXI son modelos diferentes de estar en el mundo. Virgil decidió que iba a hacer un espacio para sí mismo y lo hizo sin disculparse” - SIR DAVID ADJAYE

“lo que tres chicos negros” —Virgil, Sultan y yo— podíamos hacer en un museo. Eso era para él “nuestra estrella del norte”. La parte “cool” de la planificación de la exposición fue la rara oportunidad de que un artista, un arquitecto y un curador negro dieran a conocer sus inquietudes en las salas de uno de los museos más distinguidos de Estados Unidos.

Cuando a V no le gustaba una idea, como recordaba Benji B en su homenaje, hacía una pausa cortesmente, giraba la cabeza hacia un lado, se rascaba y decía, con su acento profesoral: “Yeaaaaah”. Le dije que me gustaría incluir más moda en la exposición, pues creía que el público lo apreciaría. Yeaaaaah.

Esto no quiere decir que no fuera increíblemente abierto en nuestras conversaciones.

“Estoy enfrascado en esta nueva escultura que acabo de hacer —y acabo de tomar algunas fotografías de ella—, las enviaré aquí en caso de que genere alguna idea”, escribió en el chat, en diciembre de 2019, refiriéndose a un Coffret Trésor de LV con monograma, que había rediseñado para convertirlo en un “boombox” de la vieja escuela, con algunos cuernos, plumas y espejos de bicicleta, una obra que más tarde aparecería en el desfile de otoño-invierno 2022 de Louis Vuitton en la Semana de la Moda de París. Abloh no quería que la exposición le diera privilegio a un

utilizando una lata de pintura en aerosol, un Sharpie y Helvetica Neue Bold, los había mezclado en un lenguaje visual único. Vas a la guerra con el arsenal que tienes.

Escribiendo sobre objetos mundanos, como materiales de oficina, cierres, corbatas, banderas, papalotes, cinturones, bolsos (a los que V llamaba esculturas) y unos Nike Air Force 1 (a los que él nombraba iconos), los elevaba al terreno de la metáfora, cargado de preguntas sobre la identidad, el trabajo y el valor. Estos objetos cotidianos elevados artísticamente eran un guiño a la historia del arte —Duchamp, Warhol, Hammons—, así como un homenaje a los graffiti writers influenciados por el hiphop, como Futura, Zephyr y Jim Joe, quienes plasmaban su arte donde les parecía adecuado. Pero a Virgil también le interesaba la esencia de los objetos y a menudo reducía los artículos de lujo tradicionales a sus fines utilitarios (“PARA CAMINAR”, escribió en un par de botas de cuero negro de Off-White). Era una forma de hacernos repensar la cultura contemporánea. Para mí, ese ethos estaba mejor encapsulado por una pieza en particular: PSA (2019), una bandera de nylon negra con dos palabras blancas entrecomilladas que ahora se leen como una advertencia urgente: “QUESTION EVERYTHING”.

EL ORIGEN V era un maaestro de los signos y los símbolos, y dedicó su carrera a cuestionar las jerarquías culturales establecidas desde hace tiempo con una ironía lúdica. También planteó interrogantes sobre lo que es el arte: Nos recordó, por ejemplo, que para algunos un bolso caro es una escultura,

Cuando V fue a la Universidad, ese amor por el diseño se convirtió en una fascinación por la ingeniería, y luego por la arquitectura, cuyos estudios tomaron sede en el campus diseñado por Mies van der Rohe del Instituto Tecnológico de Illinois, a principios de los ochenta. Años después, se graduó en un mundo totalmente diferente —el floreciente nuevo capítulo del hip-hop de Kanye, donde se convirtió en una especie de profeta del poder de la juventud. Primero como el director creativo de Ye, luego como fundador y diseñador de dos marcas de moda: Pyrex Vision y Off-White, y finalmente como el primer director artístico negro de Louis Vuitton menswear, V animó pacientemente a otros jóvenes artistas, activistas, arquitectos, raperos y diseñadores a la acción.

Samuel Ross y Luka Sabbat; Tyler, The Creator y Heron Preston han reconocido que él les ayudó a aclarar sus visiones y a hacerlas realidad. Entendió, como dice el viejo adagio afroamericano, “lift

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en la Graduate School of Design de Harvard. Antes de Virgil, me cuenta, un arquitecto e historiador llamado Kenneth Frampton dio una breve plática. “Él es casi cinco décadas mayor que Abloh”, dice Stanescu, “y es el tipo que escribió la historia moderna de la arquitectura, es superconocido”. La charla de Frampton, recuerda, fue increíblemente sombría. “Era muy oscura”, recuerda. Les dijo a las mentes brillantes del mañana que, entre la política y el medio ambiente, estaban arruinados.

“Recuerdo que le pregunté: ‘¿Hay alguna oportunidad en esto?’. Y él dijo: ‘no’. Y luego, una hora más tarde, Virgil llegó y su mensaje fue: ‘Este es un gran momento para estar vivo’”. Oana rememora que V les dijo a los jóvenes que debían reimaginar el mundo que habían heredado.

Una de las formas en que Abloh reimaginó el mundo fue a través de su regla del tres por ciento, la cual consideraba que era la cantidad exacta de reelaboración creativa necesaria para transformar un objeto cotidiano en una obra de arte. Este controvertido dogma le llevó a tomar muestras de todo, desde The Entombment of Christ de Caravaggio, hasta el logotipo de las Naciones Unidas (hasta que la ONU le pidió que desistiera). Sus ligeras modificaciones hicieron que algunos críticos pensaran que no era especialmente innovador.

“Me inspira la gente que aporta algo que creó, que no se ha visto, que es original”, dijo el diseñador Raf Simons sobre Off-White en una entrevista de 2017. Sin embargo, esas críticas no le importaban a V. Era imposible romper su espíritu. Él me contó que cuando preguntó al grupo industrial Cotton Incorporated si podía utilizar su famoso

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as you climb” (“mientras subes, ayuda a los demás’’).

Una de las formas en que V logró ese ascenso fue diciendo a los jóvenes que simplemente hicieran lo que él hacía: probar todas las ideas que se les ocurrieran, sin estresarse por la llegada del éxito.

En nuestras conversaciones, siempre fomentaba lo que él llamaba “algunos grandes cambios”. Una vez, después de hablarme sobre un proyecto en el que estaba trabajando, me dijo: “Si los chicos con los que te cruzas son especiales para esta misión, envíalos y hagamos todos un proyecto”.

Hace unos años, la amiga de V, Oana Stanescu, una arquitecta con la que se relacionó trabajando en Cruel Summer de Ye y con la que más tarde colaboró en el diseño de varias tiendas OffWhite, le invitó a dar una charla

logotipo, la empresa se negó, pues, según recuerda que dijo un representante, suponían que “[Abloh] retrataría al algodón bajo una mala luz”. Nos reímos ante la idea de que un hombre negro pudiera retratar el algodón bajo una mala luz. De todos modos, V lo usó haciendo Cotton (2019), una pintura acrílica que presentaba el logotipo blanco agudamente yuxtapuesto contra un fondo negro mate. En su mente, todo lo que tomaba y alteraba era “7.0 por ciento”, elevado a la máxima potencia.

Virgil solía decir que se dedicaba a estos proyectos para satisfacer las curiosidades de su juventud. Sin embargo, también tenía otra motivación más transgresora: quería señalar con el dedo a los que él llamaba “los puristas”, miembros de la industria de la alta cultura, incluso cuando era aceptado entre sus filas. Como dijo el célebre arquitecto y teórico holandés Rem Koolhaas en una mesa redonda de 2019, Virgil utilizó la arquitectura como “coartada para entrar en territorios a los que no ha sido invitado”. Formaba parte, continuó Koolhaas, de una generación de “niños prodigios autodeclarados y amplificados por los medios sociales autoorganizados”, una nueva guardia que ha acelerado la ruptura de las fronteras en torno a las profesiones. Abloh, por su parte, explicó su espíritu disruptivo como una forma de ayudar a los “turistas” —como denominó a la generación más joven— a aprender y superar a los antiguos guardianes de la cultura.

Como me dijo el arquitecto británico ghanés Sir David Adjaye, “Virgil utilizó su formación como arquitecto, sabiendo que no iba a construir edificios, para imaginar diferentes posibilidades.

Lo que queremos en el siglo XXI son modelos diferentes de estar en el mundo. Decidió que iba a hacer un espacio para sí mismo y lo hizo sin disculparse”. Para Stanescu, su energía era más anárquica. “En cierto modo, creo que era el caos lo que le gustaba”, explica. “No le interesaba una narrativa hábil y limpia”. V tenía “esta especie de saludable falta de respeto hacia la autoridad y hacia cualquiera que estuviera en esa

posición”, dice. “Así que cualquier gesto entonces, ya fuera con un museo o con galerías... era como un constante Fuck You”.

INMORTAL Una vez, V me llamó para pedirme consejo sobre un fotógrafo que quería contratar para una campaña de moda. Buscaba el tipo de libertad de expresión que encontraban los creativos negros en, por ejemplo, la revista Vibe de los 90. Y se sentía asfixiado. Hacia el final de la llamada, casi como un comentario aparte, dijo: “El mundo no fue diseñado para nosotros”. Como hombre negro de 1.80 metros, sentía que el mundo no lo tenía en cuenta, ni física ni espiritualmente. Así que creó otro mundo que sí lo hacía —convertir a los niños negros en esculturas de moda a gran escala, realizar pinturas cargadas de grafitis y diseñar collares de clips con incrustaciones de oro y diamantes. Remodelar objetos a su imagen y semejanza era un mensaje para cualquier joven negro de que sus deseos y gustos importaban, de que si no los hubieran ignorado, las jerarquías culturales del mundo serían diferentes.

Al igual que Michael Jordan, el héroe de la ciudad natal de Virgil que inspiró su larga colaboración con Nike, y Michael Jackson, el tema de su segunda colección otoño de 2019 en Louis Vuitton era su propio género.

Incluso hasta el final de sus días, Abloh continuó trabajando.

No hizo pública su batalla contra el cáncer. Creo que no quería que su arte causara lástima. Dos semanas antes de su muerte, apareció un PDF en nuestro chat con una serie de obras que quería que se añadieran a la exposición: sus colaboraciones tipográficas con el conceptualista Lawrence Weiner, un par de cintas de Louis Vuitton, su pintura Rocawear, una silla y un banco de bronce. “Fase 1”, dijo. “Si se me ocurren más obras del archivo, las empaquetaré y las enviaré”. Escribí que revisaría los objetos y que actualizaría la lista de control de la exposición.

Fue nuestro último intercambio.

Recibí la noticia de su muerte cuando me dirigía al aeropuerto para volar a Miami, donde, la

semana de Art Basel, iba a montar su exposición derivada de LV primavera-verano 2022.

Tenía que reunirme con él para la primera de una serie de entrevistas que formarían un perfil para esta revista.

El show de Miami, efectuado en una embarcación improvisada frente al Miami Marine Stadium —una estructura deteriorada de 60 años de antigüedad varada en la bahía de Biscayne—, debía celebrar la obra que V realizó durante los dos primeros años de la pandemia y que no había sido presentada a un público presencial. En su lugar, se convirtió en un sombrío homenaje a la vida del artista, iluminado con fuegos artificiales. Ye, Pharrell, A$AP Rocky, Rihanna y la familia Arnault asistieron, al igual que montones de estilistas, diseñadores y amigos. A la entrada del espectáculo se erigió una monumental escultura multicolor de V, vestido con jeans, un suéter de LV y sus características gafas oversized, sosteniendo lo que parece ser un gran portafolio.

Me senté en la primera fila, en estado de shock, observando a dos hombres que sollozaban incontroladamente mientras una procesión de jóvenes modelos masculinos bajaba por la pasarela, cada uno de ellos representando un arquetipo diferente de masculinidad juvenil: skater, rapero, deportista, queer… todos vestidos con la paleta de colores del arco iris. La colección, que incluía camisas de tul, pieles brillantes, trajes poco convencionales y ligeramente holgados, además de artículos de cuero, fue tan optimista como siempre. Al final del desfile, los artesanos del atelier de Virgil salieron a la pasarela vestidos de blanco y saludaron. El diseñador negro con el potencial para crear la primera marca de herencia negra de la moda se había ido.

V nunca me habló de su lucha contra el cáncer, pero un amigo en común me dio la noticia. Justo antes de comenzar nuestra colaboración, se había tomado un descanso de tres meses, supuestamente para someterse a un tratamiento. Cuando regresó y lo vi por primera vez vía Zoom, me quedé helado. Apenas lo reconocía y no quería preguntar por su salud, pero estaba preocupado. Aunque había dicho públicamente que sus constantes viajes y el multitasking habían causado estragos en su salud, me di cuenta de que esa no era la historia completa.

Quería saber si estaría bien. Sin embargo, me abstuve de preguntar. Quería privacidad para centrarse en su trabajo y yo se la di.

A pesar de ello, los signos de su lucha eran evidentes en su arte: Un yunque inspirado en Alexander Calder, realizado más o menos cuando recibió la noticia de su enfermedad, en 2019. Estaba fabricado en rosa, el color de la sensibilización sobre el cáncer de mama, que fue titulado Pink Panther. V sufría un angiosarcoma cardíaco, una forma rara de cáncer de corazón, pero para mí la alusión era clara: era su forma de reconocer que vivía al borde de la

muerte. Su uso surrealista de las nubes en su presentación de otoño de 2020 —“cloudification”, en sus palabras — fue, creo, una reflexión sobre el cielo. El motivo del papalote en su obra era, al parecer, un símbolo de la infancia. El reloj LV gris mate que regaló a los invitados de esa exposición, con las manecillas caminando en sentido contrario a las agujas del reloj, retrocediendo en el tiempo, sugería que era un artista que se acercaba al final.

La única cita de V en el programa del homenaje, diseñado por Sultan para hacer referencia a un viejo cartel de John Cage y evocar el minimalismo del artista conceptual Sol LeWitt, era un recordatorio de su alegría de vivir y su curiosidad infantil: “Estoy explorando la libertad autodeterminada de crear. El lenguaje cotidiano, la gramática y mis propias filosofías personales son tanto mi territorio como el canon del arte”.

Hacia el final del servicio, después de un homenaje musical de Lauryn Hill, Arthur Jafa y Theaster Gates se levantaron de sus asientos y se dirigieron al podio.

Enmarcado por rosas blancas, Jafa sacó su iPhone y leyó una elegía que había escrito, un poema titulado Virgil.

“Nos mostró cómo es Dios, no en el cielo, no en nuestros sueños; sino Dios en la carne, en el cuerpo, en esta vida” -ARTHUR JAFA

Una línea en particular me impactó: “Nos mostró cómo es Dios, no en el cielo, no en nuestros sueños; sino Dios en la carne, en el cuerpo, en esta vida”.

Tras su muerte, llegué a comprender lo que Jafa pudo haber querido decir con “Dios en la carne”. Había algo divinamente inspirado en la urgencia de la producción de V. Quería mostrarnos lo que era posible con una visión juvenil. Sin embargo, por muy prolífico que fuera, no estaba en una carrera contra el tiempo; vigilaba y manejaba el reloj mejor que la mayoría. Tal vez nunca se apresuró a crear objetos porque la creación de arte era un proceso tan natural para él, tan inherente de lo que él era en sí. Siempre me ha llamado la atención el título de una serie de retratos con caja de luz que hizo en Londres con el fotógrafo de moda alemán Juergen Teller. Una de las imágenes muestra a Virgil sentado en una pelota color rosa, posando junto a algunas de sus obras de arte: un gran T. Rex inflable, una chaqueta amarilla cubierta de pintura, una bandera de las Naciones Unidas pegada a la pared blanca. “¿Qué es Virgil Abloh?”, pregunta el título. El uso del “qué” y no del “quién” sugiere que el artista se ve a sí mismo como un objeto.

Mientras continúo curando su exposición, que se inaugurará este verano, así es como he llegado a verlo. Para mí, V es el papalote al que tantas veces se refirió, navegando hábilmente por un cielo azul inmaculado. Al imaginarlo, puedo distinguir un mensaje, escrito en Helvetica Neue: “Virgil Abloh estuvo aquí”.

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