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SECRETOS ÍNTIMOS DE LOS SIMPSON

CHEF JOSÉ ANDRÉS

LA COCINA COMO FUERZA DEL BIEN

SO LO PA RA MAYO R E S DE 18 A Ñ OS

M AYO 202 2 $7 5.00

WWW.GQ.COM.MX

ROSALÍA

CONTENIDO

Mayo GQ World

Colaborador

Isaac Hernández ....... . . . . . . . . .. . . . . . . . . . . . 13 Moda....................... . . . . . . . . . . .. . . . . . . . . 22 Relojes .................... . . . . .. . . . . . . . . . . . . . . 30

ALEJANDRO MANCILLA Melómano de corazón, Alejandro es nuestro experto en materia de música y por ello, en esta ocasión, nos comparte sus tres temas favoritos de Rosalía.

Sneakers........,......... . . . . . . . .. . . . . . . . . . . . 34 Fragancias................ . . . . . . . . . . . .. . . . . . . . 44 Libros ...................... . . . . . . . . . . . .. . . . . . . . 47 Gadgets .................. .. . . . . . . . . . . . . . .. . . . . 48

Features

→ MALAMENTE

“La primera que escuché de ella. Contiene esa inocencia prefabricada —se vale— pero al mismo tiempo casual, y ese neo-flamenco denostado por los puristas, pero innovador. El video es toda una declaración de principios”.

Cover Story: ROSAL ÍA .. . . . . . . . . . . . . . .. . . . . 52 Los Simpson ............. . . . . .. . . . . . . . . . . . ... 62 Marco Asensio ........... . . . . . . . . . .. . . . . . . . . 68 Chef José Andrés ....... . . . . . . . . . .. . . . . . . . . . 76

HENTAI

“De los momentos más downtempo de Motomami, su nuevo disco. Me gusta porque suena como si Tori Amos descubriera el AutoTune y grabara una canción post-urbana”.

Alejandro Puente ...... . . .. . . . . . . . . . . . . . . . . . 84 → LA FAMA

Foto por Jack Bridgland.

Estilismo por Oliver Volquardsen. Jumpsuit vintage, Costume – The Stylist Room Bodysuit, Saint Laurent by Anthony Vaccarello

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FOTOS D.R.

En Portada

“Le da vuelta a la bachata — que no me encanta especialmente— y junto con The Weeknd se apropian del estilo. Los acusaron de ‘profanación’ por ser una española y un canadiense aventurándose en terrenos reservados para los dominicanos, pero en esa falta de respeto radica su valor”.

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© GQ MÉXICO, AÑO 16, NÚMERO 165 MAYO 2022 Primera edición Noviembre de 2006. Es una revista con 11 publicaciones anuales, Editada y publicada por Condé Nast de México S.A. de C.V. Av. Paseo de las Palmas No. 781, Piso 8. Col. Lomas de Chapultepec III Sección. Alcaldía Miguel Hidalgo. CP. 11000. CDMX, México. Teléfono 50623710, por contrato y bajo licencia de Advance Magazine Publishers Inc. Editor responsable Urbano Hidalgo urbano.hidalgo@condenast.com.mx. con número de reserva de derechos al uso exclusico emitido por el indautor 04- 2014-022516445300-102, número de certificado de licitud de título 13563, número de certificado de licitud de contenido 11136, número ISSN 2448-6337. La editorial Condé Nast no se hace responsable de los contenidos de la publicidad revelada por sus anunciantes, dado el caso Iinvestigará la seriedad de los mismos.

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CARTA EDITORIAL

Sobre tristeza y persistencia de la memoria no es un sentimiento que comúnmente ocupe las páginas que les entregamos,enlasquequeremos mostrarles las mejores versiones del hombre contemporáneo y aquellos sueños que a todos (o a muchos) de alguna forma nos gustaría alcanzar: ese regalo inesperado, ese viaje tantas veces aplazado, ese aroma que nos recuerda a la personaamada… Peroestas líneasquemidirectoradearte mereclamaexasperadacada vezquecerramosunnúmero mesirvenenocasionescomo terapia y me ayudan a sentirles más cerca y, por lo tanto, más empáticos conmigo.

Perdonen el atrevimiento.

LA TRISTEZA

Hace unos días murió un amigo muy querido. Amigo que además era la pareja sentimental por más de 20 años de mi hermano no de sangre. Supongo que entonar una elegía sobre sus virtudes sería lo más fácil. Y aunque no quisiera caer en territorio común, sí es verdad que era una persona especial.

Trabajador incansable en este negocio de la moda, a veces hostil, pero que él facilitaba siempre con una sonrisa y con la energía inago-

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table que ponía en cualquiera de los aspectos de su vida, fueran profesionales o personales. No hubo rincón del planeta que no recorriera y siempre en los mejores espacios y la compañía más fulgurante debido a su trabajo internacional. Hoteles, pasarelas de moda, restaurantes y fiestas en las que todo el mundo quedaba inmediatamente seducido por su simpatía.

Pero al final, mi amigo, el lugar en el que estoy seguro fue más feliz era en nuestro barrio de Madrid, acompañado por su novio y sus tres más cercanos, sentado frente a una Coca Light y un bistec con patatas a la francesa que prefería en lugar de las más exquisitas creaciones culinarias contemporáneas que le duraban lo que dura un like en Instagram. Lo más sencillo y lo más básico era su refugio ante el fulgor de los flashes y las peticiones de la última (y posiblemente muy pronto olvidada) celebridad mundial.

No han sido ni probablemente serán días fáciles los que tenemos por delante. La muerte nos obliga a atra-

vesar sentimientos que oscilan entre la incomprensión de lo inesperado, el dolor de la pérdida, la rabia de lo inasequible o la nostalgia de lo vivido. Pero, sobre todo, nos obliga a replantearnos muchas cosas. Si de verdad el tiempo que dedicamos a nuestras obligaciones está compensado por el que le dedicamos a nuestros seres queridos. Si estamos aprovechando y comiéndonos la vida a bocados como hizo mi amigo en cada minuto de su existencia. Si lo que sentimos hoy tendrá un reflejo en lo que seremos mañana, pero sobre todo para que no se nos olvide nunca ese beso de buenos días o buenas noches.

Fundamentalmente, no dar nada por sentado; porque lo que hoy es, mañana puede que no sea. Y porque debemos ser empáticos con quienes nos rodean, pues nuestra obligación debe ser convertirnos en buenas personas, esas que hacen de la vida de los demás algo más fácil y no al revés, como casi siempre.

En México tenemos una tradición que me gusta mucho. El Día de Muertos no solo tiene un significado triste. Más bien todo lo contrario, porque como dice nuestra costumbre, aquellos a quienes recordamos nunca se van para siempre. En eso trato de buscar algo de consuelo.

Para S. que nos dejó demasiado pronto, y para R. cuyo dolor hoy quiero hacer mío, para que compartamos juntos ese viaje.

Urbano Hidalgo HE AD OF EDITORIAL CONTENT @URBANOHIDALGO_GQ

GQ World

Icon

E S T I L I S M O : C E L E S T E A N Z U R E S , G R O O M I N G : D AV O S T H E B A N E PA R A G I V E N C H Y B E A U T Y, A R T E : A N A C E C I AV I L E Z

Blusa y pantalón, Saint Laurent Reloj, Montblanc Star Legacy Automatic Date 42mm

Creando

historias

Isaac Hernández es el bailarín mexicano que ha conquistado al mundo. El también actor y artífice de diversos proyectos culturales que llevan el ballet como inspiración, inicia una nueva aventura —con mudanza incluida— que agregará postales a su periplo y lo traerá de vuelta a América para enfrentar nuevos retos. P o r A L E J A N D R O M A N C I L L A

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TODOS

SOMOS

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Los seres humanos lo traemos desde el principio de los tiempos, cuando clamábamos por la lluvia a través de la danza”, asegura Isaac Hernández.

Pero no, definitivamente no cualquiera ha sido tocado de tal forma por los dioses como él: “Quienes practicamos ballet podemos utilizar eso que llevamos dentro para transmitir algo”, revela sobre su magia, que parece ser una mezcla de disciplina y talento innato.

Pero además de las virtudes que lo han posicionado como el mejor bailarín del planeta, el artista ostenta otras cualidades. Una de ellas, mantener justo los pies sobre la tierra pese a ser visitante asiduo de ese Olimpo donde los héroes contemporáneos del ballet suelen dejar registro de sus momentos sublimes sobre el escenario: “Es ese punto donde pierdes el control sobre tus emociones, donde mente y cuerpo están en perfecta sincronía y libertad”, asegura acerca de aquella LARINES.

región intangible y ese estado de gracia dancístico que puede ser adictivo. “Cuando llegas a ese momento, de inmediato empiezas a buscar el siguiente; pero puedes caer en depresión cuando no logras alcanzarlo”.

En el pleno auge de una carrera marcada por éxitos, proyectos, la vorágine de los viajes y el reconocimiento internacional, Isaac visualiza horizontes aún más prometedores: “Estamos en un buen momento. Con la incertidumbre de la pandemia fue fácil perder la esperanza de una vida como la que teníamos. Hoy, he retomado cosas, nuevas producciones, estrenos; estuve en Dinamarca bailando para la Reina”, rememora. No obstante departir con la realeza, recibir premios como el Benois de la Danse —quizás el más influyente galardón al que un artista del ballet pueda aspirar— y de que su entrega y pasión sigan dejando gran huella en Europa y el mundo entero, Hernández continúa siendo la misma persona capaz de comer con gusto un burrito o una hamburguesa —“casi todos los días”, confiesa—; o aquel que

cuando visita México puede ordenar en un puesto “25 tacos sin ninguna carga de conciencia”, revela con complicidad y entre risas.

El bailarín cultivado entre las Bellas Artes también tiene gustos sencillos: es fan de series como Vikingos o Ragnarök, e idolatra la clásica Singin’ in the rain; además, le gustan lo mismo Maluma o Sam Cooke, que la música punk-rock de Blink 182, agrupación más afín al skateboarding que a la danza: “Me recuerda a mi adolescencia. Tuve una tabla, pero fui un fracaso absoluto patinando porque siempre temía la posibilidad de lastimarme y no tener futuro en el ballet”, confiesa. “Cuando llegué a Londres —hace unos 7 años, tras su paso por Estados Unidos y Países Bajos— al English National Ballet, batallé mucho, andaba cansado, sin ganas de conocer la ciudad. Mi trabajo requería toda la energía, pero comencé a tener amigos de la escena teatral y a sentir la necesidad de hacer otra cosa”. Su debut en la actuación ha sido afortunado, a pesar de que su madre le quitó

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Total look, Dolce & Gabbana Reloj, Montblanc Star Legacy Automatic Date 42mm Bolso “Sling”, Montblanc Extreme 2.0 E N E S TÁ PÁ G I N A

Total look, Dolce & Gabbana Reloj, Montblanc Star Legacy Automatic Date 42mm

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“Me gusta pensar que mis compañeros de generación y yo transformamos la historia del ballet británico, y veo esa misma oportunidad ahora. Estamos tratando de crear los clásicos del futuro”.

Total look, Gucci Reloj, Montblanc Star Legacy Chronograph Day & Date Estuche para Apple AirPods Pro de piel brillante, Montblanc

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el habla durante varios meses después de ver Alguien tiene que morir, la miniserie dirigida por Manolo Caro en 2020. “Le dije que no la viera, pero no pude hacer algo al respecto. Fue difícil para ella separar al personaje de mí y se incomodó”. En el serial de Netflix, el tapatío interpreta a un bailarín asolado por los prejuicios conservadores sobre el sexo.

“Manolo es de Guadalajara, como yo, y sentimos que era una oportunidad para llamar la atención sobre este tipo de cosas que aún suceden y los tabúes que hay en relación a ser artista”. En ese mismo año, también apareció en El rey de todo el mundo, del mítico director hispano Carlos Saura. “Extraño el set. Recién me invitaron a un proyecto y no pude aceptar. Quiero que actuar encaje en mi vida, pero tengo prioridades”. Y es que para Isaac primero está el ballet y ahora, a sus 32 años, se encuentra en un momento decisivo: ha dejado Inglaterra para integrarse, a partir de julio, al San Francisco Ballet. “Me gusta pensar que mis compañeros

E N E S TÁ PÁ G I N A

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de generación y yo transformamos la historia del ballet británico, y veo esa misma oportunidad ahora.

Estamos tratando de crear los clásicos del futuro”, sentencia, dejando claras sus expectativas.

“Me emociona estar cerca de México, trabajar y hacer accesible esta disciplina para las comunidades latinas. Empezará una etapa histórica de la compañía con Tamara Rojo al frente. Ella es la directora más importante del mundo”, comparte. Tamara es su esposa y ambos son padres del pequeño Mateo: “Mi hijo toda la vida va a hacer conmigo lo que le dé la gana. Ahora veo al ballet de una manera diferente, tengo otra visión.

Llego a casa y me desconecto”, confiesa. “Una parte de mí pide que termine algún día esta carrera y que me dedique a algo diferente. Siempre me ha gustado la política, por eso estoy estudiando leyes; me parece crucial tener otras pasiones”. Pero, además, Isaac se da tiempo para ser representante de marcas que lo han cautivado y desde 2019 trabaja muy de cerca con

Montblanc. “Todo comenzó con un shooting en el que había accesorios de la firma. Después de la sesión, mi hermana Emilia buscó al equipo en México para explorar la posibilidad de que yo pudiera ser su embajador.

Trabajar con ellos ha sido un placer, han estado presentes en mis proyectos nacionales y valoro mucho que compartan esos estándares y visión de excelencia, así como el hecho de que apoyen iniciativas que dejan un impacto trascendente”, acota. “Fueron visionarios al ser parte de Despertares —su plataforma multidisciplinaria con una causa social pro juventud—, que está considerado el espectáculo de ballet más grande del mundo.

Montblanc fue la primera marca de lujo que se sumó y me llena de orgullo que haya sido para un proyecto de este perfil en nuestro país. Estoy trabajando mucho para poder presentar Despertares y Despertares Impulsa Industrias Creativas este año”, remata el artista con la mirada puesta en un futuro que promete grandes momentos y hazañas dignas de contarse.

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“Siempre me ha gustado la política, por eso estoy estudiando leyes; me parece crucial tener otras pasiones”.

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MOSAICO DE MODA Y

D E M O L A T H E V I O L I N I S T, F O T O P O R @ H O P E O B A D A N

C U LT U R A S

¡VEN Y VÍVELA A TU GUSTO! HOLAHOUSTON.COM/VIBRAGLOBAL

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EL MUNDO

EN BOLSOS

24 bandoleras, carteras, totes y otros bolsos en tendencia. Por SAMUEL HINE , YANG -YI G OH, EDUARD O LIMÓN Y JESÚS GERMÁN

EN LA ARENA Los bolsos están diseñados para inspirar, pero los mejores también tienen un dejo de fantasía; como éste en forma de triángulo de Prada que nos recuerda los toldos brillantes de las playas del Mediterráneo.

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LA ESENCIA DEL SKATE Si te queda alguna duda sobre la creciente influencia del skateboarding en la moda, deja que esta lujosa creación Hermès —con una tabla de skate como base— lo deje en claro.

PERFECTO PARA ATLETAS El bolso Marni Trunk fue diseñado originalmente por la fundadora de la marca, Consuelo Castiglioni, una ávida ciclista que se inspiró en los monederos antiguos para crear una pieza que pudiera llevarse sobre el hombro durante sus paseos en bicicleta.

A LA MEXICANA Con la filosofía de ser una firma libre de maltrato animal, Caletia presenta una colección de bolsos elaborados con materiales de la más alta calidad y cuyo tamaño los hace ideales para el día a día.

LO MEJOR DE AMBOS MUNDOS La empresa japonesa Porter-Yoshida & Co. es famosa por sus amplios bolsos de nylon meticulosamente diseñados, mientras que Paul Smith es el mejor cuando se trata de color e ingenio.

Pero si los unes, obtendrás una mochila tan práctica como original.

3 .1 P H I L L I P L I M , T E L FA R , M A R N I , G I V E N C H Y, A S H YA , Y PA U L S M I T H : S T Y L E , M E L O D I E D E W I T T E N C R E AT I V E S PA C E A R T I S T S MGMT. MARYAM NAS SIR Z ADEH, HERMÈS, SALVATORE FERR AGAMO Y GUCCI: ST YLE, SHARON RYAN EN HALLEY RESOURCES.

PRECISIÓN EN CUERO Nadiecapturaelactual estilodelosneoyorquinos —nidiseñalosaccesorios precisosydiscretosque desean—comoMaryam NassirZadeh. ¿EL BUSHWICK KELLY? Tras el éxito de su Shopping Bag (también conocida como Bushwick Birkin), Telfar ha lanzado la elegante Circle Bag. Puede que sea más cara que su prima accesible, pero se agota al instante, tan rápido como su predecesora.

TOTE VOLCÁNICO Este suntuoso ejemplar de Salvatore Ferragamo, diseñado en piel de ciervo, aportará una gran dosis de estilo a todos tus looks veraniegos.

UN LIENZO EN BLANCO El icónico bolso Jackie de Gucci fue (con otro nombre) uno de los favoritos de la ex primera dama, y hoy es uno de los lienzos más interesantes de Alessandro Michele.

EL BOLSO CONVERTIBLE Esteesculturaldiseñode Ashyatieneunasacircular yunacorreaquesedesprendeparatransformarlo instantáneamentedeuna bandoleracasualaun elegantebolsodemano.

IDEAL PARA EL TELÉFONO Esta temporada, el bolso Pashli de 3.1 Phillip Lim —uno de los favoritos cuando salió a la venta en 2011— adopta el tamaño del iPhone:la última actualización de 2022.

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BOLSA PUFFER El acolchado de plumón de esta cangurera Moncler no es un mero guiño a las chamarras de esquí francesas, sino que también sirve como una almohadilla extra para proteger todo lo que hay dentro.

CROSS-BODY BAÑADO EN ARTE Una forma de hacer que un bolso sea súper codiciado en 2022 es que parezca una pieza de arte de valor incalculable.

Matthew M. Williams lo ha conseguido colaborando con el pintor Josh Smith, cuyos gráficos espectrales y escenas diabólicas inundan los bolsos de piel de Givenchy.

BOLSO DE NOCHE EXÓTICO Bajo la dirección de Demna Gvasalia, Balenciaga ha creado lujosas bolsas de cuero similares a las de Ikea, bolsas de supermercado y bolsas de basura. Sin embargo, la maison continúa haciendo la clásica pieza de cocodrilo mejor que nadie.

BRILLANTE COMO UNA JOYA El cuero granulado es resistente y atractivo en cualquier color, pero los inesperados tonos esmeralda de esta pieza de Thom Browne son especialmente novedosos.

DE GOMA La mezcla de moda posmoderna fue pionera en Maison Margiela, donde continúa con más fuerza que nunca: el último bolso 5AC de la casa es como un tote envuelto en una bota de goma, incluso, con una suela lista para la intemperie.

LA MOCHILA PREPPY Desde la tela a rayas tipo rugby de los años 60 hasta la construcción con cuerda, todo en esta mochila Bode grita “atleta rebelde de la Ivy League” de la manera más radical posible.

UN COMPLEMENTO IDEAL Con su elaborada cadena tejida de metal y piel de cordero, este grial de Chanel en miniatura es un toque final de tamaño reducido que brilla muy, muy por encima de su peso.

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UNA LENTE DISTINTA Enelmundofuturistade BaoBaoIsseyMiyake,el bolsodepielesexóticasse transformaenunaexploracióngeométricaen3D delastexturassublimes delmundonatural.

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PRACTICIDAD AL CINTURÓN ¿Prefieres salir a la calle sin nada más que la cartera, las llaves y el teléfono? El elegante dúo de sobre y tarjetero de The Row puede colgarse del hombro o llevarse alrededor de la cintura como el cinturón de Batman.

MURCIÉLAGO RENACENTISTA Con un estampado del pintor flamenco del siglo XVII, Peter Paul Rubens, esta espaciosa creación de Dries Van Noten es una obra de arte en todos los sentidos posibles.

BRILLA POR LA COMODIDAD La silueta de croissant de esta cross-body oversized de Lemaire ya es bastante ergonómica, pero la lona de lino recubierta está diseñada para suavizarse y amoldarse a tu torso con el tiempo.

THOM BROWNE, CHANEL , IS SEY MIYAKE, THE ROW, BODE, COMMIS SION, MONCLER Y LEMAIRE: ST YLE, MELODIE DEWIT T EN CRE ATIVE SPACE ARTISTS MGMT. MAISON MARGIEL A, DRIES VAN NOTEN Y BALENCIAGA: ST YLE, SHARON RYAN EN HALLEY RESOURCES.

DISCO SHOPPER La nueva empresa neoyorquina Commission se especializa en ropa de fiesta extravagante y lujosa, así como en bolsos plateados con tachuelas que cargas mientras brillan como parte de tu atuendo.

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Fotógrafo: Kon Kau Chuey. Directora de arte: Edna Pedraza. Make up: Gio Lozano. Hair: Luis Gil. PM lead para CNX: Karen González. Productor para CNX: Rodrigo F Tapia.

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Descubre la nueva colección cápsula de colores primaverales.

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Nueva vida, nuevos relatos I D E H A C E R realidad el sueño de cero desperdicios se trata, Zegna sabe perfectamente el camino que debe seguir. #UseTheExisting es un compromiso en evolución constante que está presente en todas las colecciones de la firma, utilizando materiales que ya existen en el planeta y dotándolos de una nueva vida bajo la máxima de no seguir contaminando. Los tote bags de esta colección incorporan elementos de componentes reutilizados en su elegante diseño, inspirados en la herencia de la casa italiana, en su dedicación a los tejidos de alta calidad y a la investigación textil. Con ribetes de piel de becerro de curtido vegetal de color vicuña —el tono que identifica a la firma en todo el mundo—, se emplean fibras recicladas para el forro y la cinta del cierre.

Un bolso contemporáneo que combina la innovación tecnológica y el diseño sostenible, que es tan atemporal como bellamente útil.

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GQ para Other People

CREAR EXPERIENCIAS Other People es mucho más que una agencia creativa tradicional, es una factoría de creatividad incluyente y diversa, cuyo objetivo, desde hace ocho años, es potenciar las ideas de sus clientes y proyectos.

Por Alejandro Mancilla Fotos D.R.

La producción, el diseño, las relaciones públicas y las estrategias de marketing (con la creatividad como punto de partida) son algunas de las áreas desde donde Other People (otherpeople.com.mx y @weareotherpeople en Instagram) ha revolucionado el mercado, desarrollando experiencias diferentes y exitosas en branding, influencer marketing, organización de eventos, activaciones y mucho más. El próximo 24 de junio, la agencia creativa —fundada por su también director Omar Ochoa y su socio Alfredo Couturier— cumple 8 años de innovación y crecimiento, y para celebrarlo presentarán diversas actividades los días 2 y 3 de julio. Durante ese fin de semana, en sus oficinas ubicadas en Sonora 123, en la colonia Roma Norte de la CDMX, se contará con una instalación del artista visual e ilustrador Óscar Torres, quien intervendrá en tiempo real el emblemático vitral de la fachada de la agencia. Además, se llevará a cabo una fiesta donde los amigos, socios comerciales —así llaman a sus clientes— y el barrio mismo, se unirán a la celebración. “En este tiempo hemos aprendido, hemos ido y venido, evolucionado”, asegura Omar Ochoa, haciendo honor a una de las premisas del manifiesto de Other People: “Revolucionamos y evolucionamos lo existente”.

Desde sus primeros años, este grupo apasionado por la creatividad ha apostado por conquistar a través de magnificar la estética. Para su director —quien reveló que tras ver la película Interstellar de Christopher Nolan, se le ocurrió el nombre con el que hoy la agencia hace historia—, el amor comienza por la vista y se consolida en las relaciones a largo plazo y en alcanzar las metas de quienes les confían sus proyectos. Other People ha crecido gracias a sus estrategias y a “ponerle el corazón y el cerebro a ser diferentes para darle la vuelta a las ideas, detectar lo que los clientes buscan, pero cambiarle la forma y ponerle nuestro ADN”. Por ello, esta celebración del octavo aniversario es un acontecimiento: “Somos orgullosamente diversos en un mundo que hoy puede leer y ver estos asuntos, pero que antes

eran temas complicados, en los que nosotros hemos estado involucrados desde el día uno”, comparte el director acerca de su compromiso con la inclusión.

Además de contar con la confianza de marcas de lujo como Moncler, editoriales como Condé Nast y distinguidos establecimientos como El Palacio de Hierro, entre muchísimos otros; Other People mantiene en el radar proyectos que los entusiasman: “8 años se dicen fácil, pero en este tiempo hemos crecido exponencialmente y nos hemos reinventado”, revela Ochoa, quien suele llamar ‘los others’ a su equipo de trabajo, que en sus inicios constaba de cuatro personas discutiendo ideas en una mesa —gracias a la agencia La Colectiva, que les abrió las puertas y su espacio al comenzar—; pero que hoy está conformado por 34 profesionales, entre los que podemos mencionar a Santiago Ramírez, Director Ejecutivo; Nayeli Chacón, Directora de Producción; Eduardo Ramírez, Coordinador PR y Nicolás Olivares, Director Creativo.

En 2017, la agencia se volvió tendencia gracias a su iniciativa #SoyMiBarrio, movimiento que ayudó a reactivar la economía en la zona tras el sismo de ese año. Pero también saben divertirse con la cultura pop de por medio y hace poco lanzaron una playera ilustrada con la icónica presentadora de televisión Lolita Ayala, la cual fue un éxito de ventas. Actualmente, la agencia, en su faceta más social, está apoyando a un joven queretano que busca recursos para irse a estudiar a la NASA. “Si una firma nos dice que quiere algo en especial, nos ponemos creativos; pero nos gusta generar una diferenciación y superar nuestras propias expectativas. ‘Los Others’ tenemos enormes retos ante un mundo cambiante y fascinante, pero el más importante es evolucionar con la industria, porque en Other People estamos en una evolución constante. Después de ocho años aquí seguimos, más fuertes y más diversos que nunca”, remata el director de la agencia creativa que deja todo en cada proyecto para darle la vuelta a lo convencional y crear grandes experiencias.

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El Royal Oak lo cambió todo El reloj más emblemático de Audemars Piguet cumple 50 años con su influencia intacta. ¿Qué lo hace tan único? Por MANUEL MARTÍNEZ TORRES

llamado Safari, Grand Prix, Surfrider, Kilimanjaro, Canyon, Oxford, Ascot o Yale. Pero como suele ocurrir con los productos que cambian la historia, el Royal Oak encontró un nombre a la medida de la conmoción que provocó en la relojería desde su lanzamiento en 1972. Con este modelo, Audemars Piguet ennobleció el acero y creó el estilo sport elegant, que ha sido replicado al infinito por marcas de todos los segmentos. Georges Golay, quien dirigía la firma en esa época e impulsó este guardatiempo, lo definió así: “Es bello, elegante y de aspecto deportivo, mientras que los relojes hasta ahora eran o muy elegantes o muy deportivos”.

Golay contaba con el cómplice perfecto para acompañarlo en esa aventura que empezó en 1970. Ese cómplice era Gérald Genta, un diseñador suizo de ascendencia italiana que, con el paso del tiempo, sería conocido como el “Picasso de los relojes”. Como corresponde, la génesis del Royal Oak tiene algo de milagroso. El iluminado Genta trazó el primer boceto en la noche del 10 de abril de 1970. El dibujo ya contenía las características esenciales que lo

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El Royal Oak fue lanzado por Audemars Piguet en 1972 y, desde su presentación, marcó al universo de la Alta Relojería.

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Los modelos del 50 aniversario del Royal Oak, lanzados en 2022, tienen la masa oscilante conmemorativa, como esta versión “Jumbo” en oro rosa.

definen,como el bisel octagonal,los ocho tornillos hexagonales visibles,la esfera con motivo guilloché y el brazalete integrado con eslabones intermedios estrechos. “Fue una locura,no sé con qué magia pude crear algo así en una noche,fue sorprendente”,recordó Genta años después.

Igual de milagroso fue el desarrollo de los primeros prototipos. Audemars Piguet recurrió a Favre & Perret, uno de los mejores fabricantes de cajas de relojes,pero que nunca había trabajado con acero. Genta los convenció de que trataran ese material con el mismo cuidado que al oro; además,les pidió que crearan una caja monocasco resistente al agua sin precedentes. Algo similar pasó con el brazalete,que se le encargó a la empresa especializada Gay Frères; nunca había producido una pulsera de acero tan compleja como la del Royal Oak,que tenía 154 componentes. Otro aspecto fundamental del modelo han sido siempre sus acabados pulidos y satinados a mano.

La gestación de la esfera también fue mágica. El fabricante Stern Frères acababa de recibir unas máquinas antiguas de grabado guilloché,junto con 300 plantillas con diseños diferentes. Genta eligió la plantilla T21, que significa Tapisserie 21,rebautizada como Petite Tapisserie por Audemars Piguet. El color de la esfera del primer Royal Oak,el modelo 5402,quedó en los registros como “Bleu Nuit 1 + N50”.

Al Royal Oak se le equipó con el mecanismo automático Calibre 2121,de sólo 3.05 mm de grosor. Por todo lo anterior,se lanzó a un precio nunca visto para un reloj de acero,pues era tan caro como algunos de oro. Sus campañas de publicidad explotaron ese hecho con frases como: “¿Qué hace que el acero sea más valioso que el oro?”,“Acero a precio de oro” o “El reloj de acero más caro del mundo”. ¿Y el nombre? Se dice que un agente italiano de ventas se lo puso en referencia a los barcos Royal Oak de la Marina Real,ya que los más recientes estaban blindados en metal. Asimismo,era un guiño a la historia de Carlos II,rey de Inglaterra,que salvó su vida gracias a un roble al que después le otorgó un título nobiliario. En estas cinco décadas,han existido muchas versiones del Royal Oak, pero todas conservan intacta su esencia,como demuestra el nuevo Royal Oak “Jumbo” en oro rosa con la masa oscilante conmemorativa de los 50 años.

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SEAMASTER PLANET OCEAN ULTRA DEEP Omega Un poderosísimo reloj de buceo de 45.5 mm que es hermético hasta 6,000 metros de profundidad, lo que requirió de innovaciones como la forma cónica del cristal de zafiro que protege la esfera y soporta hasta 7.5 toneladas. Además, la marca lo presenta en la nueva aleación de acero noble O-MEGASTEEL, que ofrece varias ventajas frente a los aceros más usados en la relojería: es hipoalergénico, no ferromagnético, más duro y con un color más claro. Lo impulsa un mecanismo automático.

Las marcas se quitan los guantes para presentar tool watches con la estética que amamos y listos para la aventura. P o r MANUEL MARTÍNEZ TORRES

1858 ICED SEA AUTOMATIC DATE Montblanc Para el primer reloj de buceo de su historia, Montblanc se inspiró en el glaciar Mer de Glace, ubicado en la montaña Mont Blanc. El resultado son unas esferas espectaculares de color azul, verde o negro, que reproducen la textura, profundidad y luminosidad del hielo mediante la técnica ancestral gratté boise. Tienen bisel giratorio unidireccional con inserto de cerámica bicolor y un sistema para intercambiar el brazalete de acero por una correa de caucho azul o negra. Misión cumplida.

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Tough guys

BR 03-92 DIVER WHITE Bell & Ross El reloj de buceo cuadrado de Bell & Ross ha sido un éxito desde que apareció en 2017. La firma adaptó su caja basada en los instrumentos de los tableros de los aviones a una pieza de submarinismo hermética hasta 300 metros. Ahora la presenta en acero con una esfera blanca metalizada que se inspira en los océanos y lagos congelados. Mide 42 mm y tiene un bisel giratorio unidireccional con inserción de aluminio anodizado negro.

Se entrega con una correa de caucho y otra de tela sintética.

RELOJ DE AVIADOR CRONÓGRAFO TOP GUN EDICIÓN “WOODLAND” IWC Schaffhausen Un reloj que se llama TOP GUN —el programa de instrucción para los pilotos de élite de la Armada estadounidense— tiene que aparecer en esta selección. IWC fabrica la caja de 44.5 mm en cerámica de óxido de circonio verde oscuro, el mismo color de la esfera y de la correa de caucho con incrustación textil. Tanto el reverso, grabado con el logotipo de TOP GUN, como la corona y los pulsadores son de Ceratanium negro mate. El diseño se basa en los uniformes de los aviadores navales.

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SPIRIT ZULU TIME Longines

PROPILOT X CALIBRE 400 Oris Su diseño se inspira en el mundo de la aviación, lo que le confiere un espíritu tough sin perder la elegancia. La caja mide 39 mm de diámetro, un tamaño compacto muy en tendencia. Para mayor comodidad, Oris decidió fabricarlo en titanio, un material ligero, resistente e hipoalergénico, que se ve increíble con los acabados satinados y arenados. Está disponible en tres colores de esfera: azul, gris y salmón. Su mecanismo es el Calibre 400 automático con 10 años de garantía.

Un nuevo modelo que indica varios husos horarios y retoma el legado del primer reloj de pulsera de Longines con doble huso horario fabricado en 1925.

El nombre Zulu hace referencia a la letra Z, que marca la hora universal en la aviación y las fuerzas armadas. La caja de acero mide 42 mm y en el modelo que presentamos aquí se complementa con bisel giratorio bidireccional con inserto de cerámica verde, esfera de color negro mate, números recubiertos de SuperLumiNova y correa de cuero.

CONNECTED CALIBRE E4 TAG Heuer La cuarta generación del smartwatch de lujo más exitoso está disponible en una versión de 45 mm en acero, que luce robusta y deportiva. Además, tiene un bisel de cerámica con escala de minutos que lo identifica con los modelos mecánicos de la casa. TAG Heuer ha mejorado el diseño al integrar completamente los pulsadores y aumentar el diámetro de la corona, para que sobresalga de la caja y sea más fácil de manejar con la punta del dedo. Viene con brazalete de acero o correa de caucho o piel.

TOP TIME TRIUMPH Breitling La esfera de esta pieza, con el color azul hielo y los contadores negros, es una maravilla. Breitling lo creó como parte de su alianza con la marca británica de motocicletas Triumph, que, a su vez, fabricará la moto Speed Twin Breitling en la que usa el mismo tono. La caja de acero mide 41 mm y hay dos detalles que nos encantan: los pulsadores tipo seta que facilitan la manipulación y la correa negra en piel de becerro con costuras blancas y perforaciones. Bad to the bone.

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Estos tenis —y un par de zuecos— encarnan el atrevido espíritu de creatividad y colaboración que define la moda actual.

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LOUIS VUITTON MEN’S X NIKE AIR FORCE 1

BY VIRGIL ABLOH ¿Tienes curiosidad por saber lo monumental que es la colaboración entre Louis Vuitton Men’s y Nike, diseñada por Virgil Abloh? Sotheby’s Nueva York tiene la respuesta: en enero, se subastaron 200 pares de Air Force 1 edición limitada, con el logotipo de LV, por la abrumadora cantidad de 25.3 millones de dólares en total; lo que establece un nuevo récord de ventas en subastas de tenis y moda.

Las últimas combinaciones de colores —un blanco brillante y una mezcla cromada de azul y amarillo— son, quizás, más deseables que las ya históricas O.G., así que habrá que mover montañas para conseguir un par. —YA N G -Y I G O H

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ADIDAS X GUCCI GAZELLE Cuando Gucci develó su aclamada alianza con adidas durante su pasarela en febrero, vimos muchas de las creaciones de Alessandro Michele.

Sombreros y conjuntos deportivos de mohair, vaporosos vestidos de seda, botas de tacón a tres bandas, entre otras. Sin embargo, el más grande espectáculo de todas ellas podría haber sido también el más sencillo: los icónicos Gazelle adornados por completo —desde la parte superior de lona hasta la entresuela de goma— con el monograma de Gucci. —Y. G .

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BALENCIAGA DEFENDER Cuando estás en una racha de éxitos tan vibrante como la de Demna Gvasalia, necesitas un par de tenis lo suficientemente audaces y extravagantes como para seguir tu ritmo. Aquí entran los Balenciaga Defender: un moderno modelo de sneakers inspirado en el estilo de la era Y2K, con una base atornillada a una suela chunky (similar a la de un tractor). El resultado es un poco Mad Max, pero los tranquilos tonos monocromáticos lo sitúan firmemente en el ámbito de lo usable. —Y. G

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GIVENCHY TK-360 El director creativo de Givenchy, Matthew M. Williams, llama a los nuevos TK-360 sus “zapatos soñados”. El sueño de Williams es radicalmente original, incluso para un diseñador conocido por explorar la tecnología de vanguardia en sus prendas. Todo el modelo, parecido a los ‘tacos’ de futbol, fluye como un tejido sin costuras, hasta la suela totalmente integrada. ¿Cómo serán los tenis del futuro? Probablemente, se parecerán mucho a éstos. — S . H .

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BOTTEGA VENETA RIPPLE Puedes pasear descalzo por el pasto recién cortado o, simplemente, llevar el pasto en tus pies. La reciente creación de calzado de Bottega Veneta —del último año de Daniel Lee en la casa, antes de su partida el pasado noviembre— son unos tenis de pata de gallo de pana aterciopelada, con suelas estriadas que reflejan cierto estilo espacial. —Y. G .

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NIKE PEGASUS TURBO NEXT NATURE Nike fue fundada hace 51 años en Oregón como una marca de running, y los recientes Pegasus, que salen a la venta este 2022, representan el clímax de esas décadas de innovación estética y de materiales. Fabricados con más del 50% de elementos reciclados, se trata de uno de los diseños más sostenibles del Swoosh. También es uno de los más ligeros, con un peso de 272 gramos y una entresuela de espuma Zoom X de élite, la cual es la suela con mayor respuesta energética fabricada por Nike. — S . H .

DIOR X BIRKENSTOCK TOKIO MULES Si hay algo que resume el momento actual de la moda masculina, es que los zuecos y las sandalias pueden ser tan espectaculares como los sneakers. Y los Dior x Birkenstock Tokio Mules son los zuecos más esperados de la historia de la moda. Kim Jones dedicó la colección de Otoño/Invierno 2022 de Dior Men al propio Christian Dior, quien era un ávido horticultor. Estos Birkenstock — bordados con un ramo de las flores que inspiraron a Monsieur Dior a lo largo de su vida— son la versión creada por Jones basada en el zapato de jardinería del diseñador francés. —S . H .

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En la cima del lujo

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Después de revelarse su primera colección de piel para Montblanc, y a un año de su nombramiento como director artístico, charlamos con Marco Tomasetta para saber más de su experiencia y propuesta al frente de una casa que busca la reinvención, sin olvidar su gran legado. P o r E D UA R D O L I M Ó N

artística de una casa de lujo es, en la idea y en la práctica, un salto de fe; el empuje y arrebato frente a la consciencia de que, a partir de ahora, las visualidades y el alcance futuro de dicha firma dependen por completo de ti; que en tus manos descansa la herencia de un universo completo con tal de que, ahora, seas tú quien continúe con la expansión de ese cosmos.

El director artístico, en ese sentido, trabaja para seguir construyendo la realidad de la marca, pero también podemos preguntarnos si es para crear una nueva. ¿Tal vez la suya? ¿La de quienes siguen ya al sello o se aproximan por vez primera a él? No hay una respuesta definitiva, pues ésta —siempre mutable— se formula en la intersección de todas las posibilidades anteriores (y más).

Lo único claro e inequívoco es que esta figura intenta en todo momento responder a la vida misma, incluso en sus aristas más complicadas.

Marco Tomasetta encarna, así, la esencia de esta posición. Con un genio particular que le llevó a transitar por las casas de moda más prestigiosas a nivel internacional, trazando un camino sin igual frente a sus colegas, llegó en 2021 a Montblanc para convertirse en su nuevo director artístico. Su primera colección de piel, la cual da una vuelta de tuerca a la clásica familia de Meisterstück para este año, da cuenta del gran acierto que tuvo la firma alemana al fichar su nombre, al convertir la visión de este creativo italiano en el próximo pilar de su incomparable historia.

Bajo la responsabilidad de traer vanguardia a la firma y aportar en su transformación a una marca de moda para los nuevos estilos de vida y trabajo, Tomasetta es el director artístico que la casa estaba esperando para continuar con su historia de belleza y perfección.

Y uno pensaría que con tal trayectoria y ungido por el sello que hoy le acoge, podríamos estar frente a un hombre de lo más extravagante y duro al interactuar; a fin de cuentas, su currículum ostenta las etiquetas que gobiernan hoy al mundo del diseño. Sin embargo, hablar con él es todo lo contrario a ello.

Gentil, sonriente y dispuesto a escuchar, Marco es la figuración más contemporánea del creativo. Aún más con la pasión y el énfasis que su lengua materna, el italiano, le permite.

“Para mí, la tradición en Montblanc significa mirar nuestra historia y nuestro

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OMAR LA DIRECCIÓN

Marco Tomasetta es la mente que hoy dirige a Montblanc por un camino donde se reunirán los clásicos íconos de la marca con nuevos conceptos.

archivo. Ahora, necesitamos observar realmente hacia el interior para expresar nuestra propia tradición. Creo que ésta es misión de todas las firmas de lujo, expresar su propio ADN a partir de la introspección”, responde cuando lo cuestionamos sobre su dirección de hoy en día ante la urgencia actual en el público por tenerlo todo nuevo y jamás-antes-visto.

“Haciendo esto podemos crear algo innovador, pero aún así alineado con el espíritu de la marca. Cuando miras fuera de tu firma corres el riesgo de hacer algo viejo y que ya se conoce; pero si miras al corazón de ésta, entonces podrás generar algo que sea de lujo y para siempre”.

El italiano reconoce que aún tiene mucho por aprender en Montblanc, pero al tener antecedentes en el mundo de la moda, donde todo acontece muy rápidamente, ahora confirma que está instruyéndose en afrontar la creatividad de una manera más inteligente y con un acercamiento cultural mayor. Algo que le ha ayudado a estar más enfocado y a poner más atención en sus procesos de creación.

Lo anterior, tomando en cuenta el escenario donde hoy nos encontramos, tras un período de confinamiento en todo el mundo que nos hizo revalorar —y redirigir— los horizontes del lujo, le comisiona también la necesidad de plantear una identidad actual de la marca. “Estoy trayendo una nueva mirada hacia quién es realmente el hombre Montblanc. Un tipo diferente de caballero, claro. Pero también de la mujer. De igual manera, estoy buscando introducir un segmento de prêt-à-porter; queremos crear objetos que tengan una personalidad muy fuerte, atractivos para personas de todas las edades”, dice Tomasetta. “Me gustaría traer piezas que la gente desee, que anhele verdaderamente tener”. Lo cual se suma a una perspectiva que pone el ojo en la sustentabilidad, la modernidad y la atemporalidad. “Pretendo cosas que trabajen por siempre en cualquier contexto”.

Hoy, como parte de la revolución en sus colecciones de marroquinería, Montblanc eleva su icónica colección de piel de lujo con un emblema reinventado, nuevas formas originales y una refinada piel brillante. “Nuestro objetivo era acercar aún más el diseño de la colección al símbolo del lujo atemporal por excelencia de la maison: el instrumento de escritura DOLEST Meisterstück. Hemos reproducido alguIIS ET QUE nas de sus características distintivas, ALICILIT como el plumín, el color o el brillo de la resina preciosa, con su tacto suave y delicado, para crear piezas impactantes.

No solo destacan por su diseño refinado, sino que muestran claramente el ADN de Montblanc”, explica Marco.

Es esta la colección de un hombre que entiende su lugar, que reconoce lo que está sosteniendo, pero sobre todo, que tiene las pupilas puestas hacia el futuro. A donde solamente debería estar mirando el mundo del lujo si es que de verdad busca la eternidad. Este es el ejemplo de un director artístico de nuestros tiempos, alguien que sabe que una buena idea siempre debe buscarse; pero, especialmente, celebrarse, reinventarse y ser compartida.

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GQ World Fragancias

DEJAR HUELLA

La perfumería masculina se renueva cada temporada. Y para muestra, estos cinco lanzamientos ideales para hacer frente al próximo verano. P o r J E S Ú S A L B E R T O G E R M Á N

PAULA’S IBIZA ECLECTIC Loewe Los veranos deberían ser eternos. ¿Estamos de acuerdo? Esta premisa fue la que dio origen a Paula’s Ibiza Eclectic, una fragancia con notas amaderadas y florales, las cuales denotan la alegría y el desenfado de quien la utiliza. Por supuesto, se trata de un Eau de Toilette unisex que se convertirá en tu mejor compañero a lo largo de estos días.

TOUS MAN CHILL Tous Su nombre lo dice todo. Esa sensación de libertad y comodidad que experimentamos cuando hacemos alguna escapada a la playa, fue el punto de partida para que la firma presentara su más reciente eslabón. Obviamente, el elemento de frescura también está presente en la fragancia, gracias a sus ingredientes cítricos, en los que sobresale la lima, el cardamomo y la pimienta negra.

COLONIA C.L.U.B. Acqua di Parma Los cítricos y las notas de menta predominan por completo en el nuevo o integrante de la familia Acqua di Parm ma.

Y es que aunque Colonia C.L.U.B. form ma parte del universo de las amaderadas s-cítricas, cuenta con algunos ingredientes que le dan ese twist de frescura, como el limón y la bergamota.

SOUND OF THE BRAVE Diesel

Dior Si lo que buscas es hacer frente a esta primavera y verano con una etiqueta que sea fresca y elegante al mismo tiempo, entonces aquí tienes la opción ideal. Ya conocemos la tradición de Dior, así que está de más decir que Homme Sport apuesta a la explosividad y a la sensualidad a través de una combinación que deja huella y que es reconocible al instante.

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DIOR HOMME SPORT

El frasco que resguarda este Eau de Toilette es bien conocido por todos: el puño cerrado que se ha convertido en emblema de la marca. Además de lo anterior, la lucha por el cambio inspiró la creación de esta fragancia de vena amaderada, la cual es perfecta para usar durante los días de sol.

GQ World Spa

Fast & Wellness ¿El pretexto para no ir a una sesión de masaje es el tiempo? ¿Tu agenda siempre está demasiado ocupada? Pensando en esos hombres de negocio, The Ritz-Carlton Spa tiene la solución. P o r J E S Ú S ALBERTO GERMÁN

un mundo hipercomunicado y en el que la velocidad parece ser una de las características de la modernidad: prácticamente andamos “corriendo” todo el tiempo, saltando de junta en junta e, incluso, los fines de semana la agenda se llena con compromisos personales. ¿Tiempo para ti? ¡Imposible! Si lo anterior representa tu estilo de vida, entonces necesitas con urgencia algún tratamiento en Timeless Capsule de The Ritz-Carlton Spa. Enclavado dentro de uno de los spots del momento (The Ritz-Carlton Ciudad de México) este santuario wellness ofrece a todos sus visitantes un gran abanico de servicios de lujo que tienen como finalidad el bienestar individual, la relajación y desconectar un poco de la ajetreada rutina.

Baños de vapor, saunas y una piscina con vistas espectaculares a la capital mexicana son algunas de las instalaciones de las que podrás disfrutar.

Obviamente, a ello debemos sumar los tratamientos que combinan las

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The Ritz-Carlton

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tradiciones curativas propias de la cultura azteca, con ingredientes y botánicos de origen local.

Sin embargo, de entre toda la oferta, una de sus propuestas más interesantes está en el Timeless Capsule, un espacio privado para tratamientos exprés, de 12, 25 o 40 minutos máximo, pensados en todos aquellos caballeros que no tienen demasiado tiempo libre en su agenda.

Esta cápsula cuenta con una silla de Masaje Fusión, con la cual la persona se sumerge en imágenes y sonidos estimulantes al tiempo que los músculos de la espalda, cuello y hombros se relajan. Por supuesto, también podrás disfrutar de la silla Gravedad Cero, que ayuda a la liberación del estrés y la recuperación de la energía y el descanso profundo.

Con terapias para tus ojos, pies, espalda y hasta faciales y tratamientos de colágeno, la Cápsula Atemporal de The Ritz-Carlton Spa es el rincón que tu cuerpo estaba necesitando para combatir el día a día. Te aseguramos que después de unos minutos, saldrás totalmente renovado y reiniciado.

The Ritz-Carlton Spa sorprende con sus instalaciones, tratamientos y panorámicas.

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THE MENTALIST

Actualidad

Diego Winburn ha tenido que romper con los clichés y arquetipos que se tienen en torno a la magia, para así abrirse paso e instalarse como uno de los ilusionistas mexicanos más importantes a nivel internacional. P o r J E S Ú S

A F I L O S O F Í A , la metafísica y la medicina alternativa fueron algunas disciplinas que rodearon la infancia de Diego Winburn, quien asegura que “desde niño, mis papás siempre me dijeron que no hay poder más grande que el de la mente”. Poco a poco fue descubriendo el mentalismo como un vehículo para demostrar su aprendizaje, además de enfocar su energía para sanar a través del pensamiento. Tomando todo esto como base, a los 10 años comenzó a realizar sus primeros trucos; pero no fue sino hasta que estaba en la Universidad cuando decidió seguir su gran pasión: abandonó los estudios en Ingeniería

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Ambiental y Teatro, e ingresó a Chavez Studio of Magic, donde se han preparado los mejores magos del mundo.

Hoy, Winburn lleva más de una década viviendo de la magia y puede presumir de ser el primer ilusionista mexicano en hacer una serie en Estados Unidos: Diego Street Magic, creada por Telemundo/NBC Universal. A pesar de todos los logros, el camino no ha sido sencillo, pues ha tenido que hacer frente a una serie de clichés que se tienen en torno a su especialidad. “La mayoría de las personas en nuestro país escuchan la palabra ‘mago’y piensan en un payaso o en el conejo saliendo del sombrero. Pero todo ha evolucionado muchísimo, se trata de reeducar a las personas y hacerles ver que todo es posible”, sentencia.

Tras sorprender con sus rutinas en lugares como Los Ángeles, Miami, Nueva York, Panamá y, por supuesto, el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, Diego está listo para dar el siguiente paso: lanzar su primer podcast de hipnoterapia, una disciplina que comenzó a descubrir y a estudiar hace algunos años, y que actualmente realiza

de manera profesional. “Fue después de un show cuando decidí enfocarme en ella. Una persona del público llegó y me preguntó si le podía quitar un dolor crónico que tenía en el cuello y que no lo había dejado dormir en meses. En ese instante le di una sesión y tras cinco minutos, el malestar desapareció. Incluso, me mandó un mensaje varios meses después para agradecerme. La hipnoterapia trabaja directamente con la reprogramación del subconsciente, pues entras en un estado profundo de relajación donde se puede acceder de manera directa para ocuparse de limitaciones mentales, hábitos, traumas, adicciones, fobias, inseguridades y trastornos, entre otras cosas”, remata.

FOTO CÉSAR DURIONE

ALBERTO GERMÁN

GQ World Libros

Entre sectas y dinastías En Ceremonia , el escritor colombiano Felipe Restrepo nos lleva de la mano por algunos temas propios de la gran novela latinoamericana, como la tradición familiar y el paramilitarismo. P o r J E S Ú S A L B E R T O G E R M Á N

FOTOS D.R. RE TR ATO: PHOEBE LING.

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ABLAR DE LA NOVELA

latinoamericana es hacer referencia a esas grandes plumas que en sus obras entregaron elementos que han caracterizado a esta corriente (principalmente al Boom) a lo largo de los años. De la saga familiar por excelencia escrita por Gabriel García Márquez en Cien años de soledad, a esos “espectros” y recuerdos que dejan huella en La casa de los espíritus de Isabel Allende, pasando por los temas militares y su relación con las altas esferas políticas y sociales que retrata a la perfección el peruano Mario Vargas Llosa en algunos de sus libros. Estas particularidades también las encontramos en Ceremonia, la segunda novela de Felipe Restrepo Pombo, que bien podríamos insertar en esta serie de grandes títulos hispanos. “A mí esas historias siempre me fascinaron. Al final, los temas de la familia son algo que a todos nos llama la atención, con lo que nos sentimos identificados. Y es que aunque nuestra estirpe no forme parte de las élites, todas tienen sus cosas, sus secretos, historias que contar. De alguna manera sí quise hacer un homenaje a todos esos autores que mencionas del Boom, pero de una forma más contemporánea”, comparte el autor.

En Ceremonia somos testigos del ascenso al poder de los Ibarra, pero también de cómo prácticamente todos sus integrantes guardan secretos que podrían poner en riesgo su imagen frente a la alta sociedad.

La historia se desarrolla en un contexto imaginario, aunque mientras avanzamos en su lectura vamos descubriendo ciertos elementos y personajes que nos resultan un tanto familiares. “Muchos lectores me han comentado que reconocen algunos espacios, pero en realidad son

Ceremonia es la segunda ficción escrita por Felipe Restrepo Pombo.

lugares ficticios, inspirados en cosas que todos hemos visto, en personas que quizás conocemos. Entonces, para un lector mexicano puede haber elementos que se reconozcan de inmediato, pero un colombiano hará otro tipo de reconocimientos”, asegura Restrepo. Y es que su formación y labor periodística a lo largo de varios años ha sido uno de los vehículos al momento de construir sus historias. “Yo trabajo mucho a partir del periodismo, que es observación de la realidad. Desde que empecé, tomo notas y llevo una libreta con cosas que veo, que me interesan y que podrían servir para un perfil o una crónica, pero luego muchas de ellas las uso para la ficción. Y eso ocurrió en este caso”, continúa.

La pluma de Felipe Restrepo hace que cada capítulo del texto sea como un episodio de una serie de televissión: la intriga y los secretos van en aumento conforme se avanza en las a páginas. Esto hace que Ceremonia p sea una “materia prima” de primera ccalidad en caso de que quiera llevarse a la pantalla chica. “Ojalá que así sea”, cconfiesa el autor entre risas. “Creo que muchos escritores de mi generaq cción hemos crecido con el cine y cada vvez más con los seriales como un referente; y en mi caso es muy notorio. He vvisto muchas películas en mi vida, soy muy fan, y ahora veo muchas series. m De hecho, mientras escribía esta D novela tuve dos que me marcaron n bastante: Succession y Euphoria, y b hay h guiños en todo el libro porque me parece que tienen narrativas muy m originales, están tan bien construidas o y escritas, que no tienen nada que eenvidiarle al séptimo arte ni a la gran literatura. Por supuesto, para mí sería muy interesante que se adaptara mi m obra. Qué bueno que lo notaste, ojalá que algunos productores observen lo mismo que tú”, remata.

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Duplas poderosas Sabemos que eres un cinéfilo empedernido, un verdadero amante de las buenas series o un gamer implacable… o quizás, los tres. Por ello, aquí te presentamos cuatro buenas mancuernas de imagen y sonido, las cuales llevarán tu pasión por estas actividades a otros niveles.

Por JE S Ú S A L B E R T O G E R M Á N

PARA GAMERS LG OLED C2 - LG LHB725 El nombre de los dos “artefactos” que conforman esta dupla parece salido de Star Wars, y sí, lo que ofrecen bien podría ser digno de una cinta de Ciencia Ficción.

La OLED C2 es una de las más recientes pantallas de la familia LG, la cual destaca, precisamente, por ser el primer eslabón en la industria que es compatible con Dolby Vision Gaming 4K que, para los conocedores, significa poder tener juegos más fluidos y realistas —con apenas un 1ms de tiempo de respuesta—.

Obviamente, a ello debemos sumar que también sea compaginable con otras tecnologías, como NVIDIA G-Sync; que su diseño haya recibido un buen facelift (sus biseles son más delgados) y que cuente con un potenciador de brillo y el procesador de avanzada Alpha 9, por mencionar apenas algunas de sus muchas cualidades. Gracias a su Inteligencia Artificial, la C2 puede mezclar el audio de dos canales en un sonido virtual de 7.1.2, lo que te sumergirá por completo. Y para llevar esta inmersión un nivel más allá, nosotros apostamos por enriquecer la experiencia con el LG LHB725, un poderosísimo teatro en casa que hará vibrar hasta las paredes de tu departamento.

PARA LOS AFICIONADOS DE LOS DEPORTES SAMSUNG THE TERRACE - THE TERRACE SOUNDBAR LST70T Los encuentros más destacados de tu deporte favorito se disfrutan mejor al aire libre, en compañía de tus amigos y con una buena carne asada de por medio, ¿o no? Que la lluvia, el sol o el viento no detengan tus planes, pues para eso Samsung se encargó de lanzar al mercado hace un par de años su modelo The Terrace. Tanto la pantalla como el control remoto cuentan con certificación IP55 e IP56, respectivamente, lo que los hace resistentes al agua, el polvo y el calor. Además de ello, la tecnología de vanguardia a la que nos tiene acostumbrados la firma está presente a través de todas sus características: se trata de una pantalla QLED 4K; cuenta con Quantum Dot, que muestra las imágenes tal y como deberían de lucir; y, lo mejor de todo, presume la función Adaptive Picture, que hace que el brillo se adecue automáticamente con relación a la cantidad de luz exterior. Para elevar la adrenalina y los momentos de tensión, suma la Soundbar LST70T, que también es invencible frente a los diferentes factores climáticos y que “nada más” lleva cuatro woofers integrados.

PARA MARATONISTAS DE SERIES HISENSE LASER T V - AIRPODS MAX Nada como ver tu serial favorito o la historia del momento en una pantalla de 100 pulgadas, ¿cierto? Pensando en una inmersión total, hace unos meses Hisense presentó su LASER TV, un proyector de tiro corto (es decir, no tiene que estar lejos de la pared o lugar donde se exhibirá la imagen) y cuya tecnología es digna de admirar: resolución 4K UHD, colores 70% más puros y naturales que una pantalla de LED tradicional, brillo de 3,000 lúmenes y Anti-Glare, con el cual rechaza hasta el 85% de la luz ambiental con el fin de no perder ningún detalle de lo que estamos viendo. Por supuesto, el diseño también merece tener una mención. Y como sabemos que amas adentrarte por completo en cada uno de los capítulos, te apremiamos a que sumes los flamantes AirPods Max, los cuales se han caracterizado por su certera cancelación de ruido exterior.

PARA CINÉFILOS

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SONY A90J OLED BEATS STUDIO3 WIRELESS X KERWIN FROST - ECHO BUDS El diseño de esta pantalla de Sony es lo primero que atrapa nuestra atención, pues además de sus biseles más finos, también destaca por el hecho de que los cables prácticamente pasarán desapercibidos. Hablando de su equipamiento, este eslabón fue pensado para todos aquellos amantes del séptimo arte con tecnologías como Netflix Calibrated Mode, IMAX Enhanced y Dolby Vision, que se encargan de reproducir el dramatismo y la emoción tal y como fueron pensadas por el creador. De igual manera, presume Ambient Optimization, Acoustic Auto Calibration y Light & Color Sensor, que ajustan la imagen y el sonido dependiendo del entorno. Para que nada te interrumpa, lo mejor es sumar los Beats Studio3 Wireless x Kermit Frost, que no sólo se caracterizan por su excelente cancelación de ruido exterior, sino también por su diseño (intervenido por el artista que les da nombre), sus cómodas almohadillas y una batería de hasta 22 horas utilizando la cancelación activa.

Por otro lado, si no quieres unos auriculares demasiado grandes, entonces la opción son los recientes Amazon Echo Buds: cómodos, fáciles de manejar, con una gran calidad de audio, cancelación de ruido y la función de Alexa integrada.

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En entrevista, el tenista italiano Matteo Berrettini nos habla sobre su amor por el mundo de la moda y el camino que debe seguir para su gran apuesta de 2022: ser uno de los tres jugadores más importantes del mundo.

Por HUGO MENA

L 11 DE JULIO DE 2021,

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la historia del tenis italiano cambió para siempre gracias a Matteo Berrettini. La sentencia, que se repite aquí y allá, busca convertir en una anécdota histórica la primera final de Wimbledon que jugó un tenista de dicha nación en el legendario césped de la cancha central del All England Lawn Tennis and Croquet Club, pero también intenta colocar su nombre como un detonador de historia. Él entiende que ese ha sido el momento más importante de su carrera y también para el tenis del “país de la bota”, pero prefiere detenerse dos segundos antes de responder: ¿misión cumplida?

“No, definitivamente no está cumplida.

Sin duda fue un escenario memorable para mí y para muchos italianos. Lo disfruté, lo valoré y aprendí bastante.

Al final perdí y la historia no puede cerrarse así, tengo que escribir otro capítulo”, sentencia tras un par de días de descanso después de abandonar por una lesión el Abierto Mexicano de Tenis, realizado en Acapulco. Las reflexiones están en la punta de la lengua, así que es mejor comenzar.

Han pasado cinco años desde tu debut como profesional, ¿cómo ha sido el camino hasta ahora?

Parece que han transcurrido dos días. Soy una persona feliz porque puedo jugar tenis y todo ha sido tan rápido que da miedo ver atrás. ¿Cinco años? De verdad, lo he sentido todo muy veloz. Mi cuerpo es el que más ha sentido el camino. Se ha transformado y no para de hacerlo, y ese es un gran aprendizaje. Siempre soñé con estar aquí y trataré de disfrutarlo la mayor parte del tiempo porque se hacen muchos sacrificios para ser tenista profesional y entre más lejos quieres llegar, más cosas tienes que dejar. Hoy, la meta es el Top 3, todo un desafío al ver el nivel que se debe tener para estar ahí. Sí, estoy entre los 10 mejores, pero la escalada que pretendo lograr es la más complicada porque debes de trabajar cada detalle y acercarte a la perfección. Los tres que están arriba siempre la rozan.

El deporte italiano ya tiene un capítulo con tu nombre, pero ¿cuál fue la mejor lección que te dejó la final de Wimbledon?

Aprendí de mí mismo, de lo que tengo dentro. Pensé que tardaría más en llegar ahí, pero me enfoqué en entrenar y el ambiente del torneo me llenó.

Considero que tengo muchas lecciones que poner en práctica, pero sólo tendré la ocasión de hacerlo al llegar a otra final y espero que sea Wimbledon.

Siempre ha sido mi torneo favorito de los cuatro grandes, así que deseo ganarme la oportunidad de volver a repetir aquel momento.

Hoy trabajas como embajador de Boss, ¿qué es la moda para un italiano? ¿Dedicarías tu vida a ella?

Llevamos mucho tiempo conectándonos, encontrando y empatando nuestras esencias. A ellos les gusta quién soy dentro y fuera de la cancha, y se siente especial ser el tenista que lleva Boss en el circuito. Ha sido una experiencia única y ojalá que sea muy larga, porque estamos abiertos a crecer.

Como italiano, la moda es parte esencial de nuestro ADN. Yo trato de involucrarme en presentaciones, pasarelas y ahora estar con esta firma redondea todo. ¿Dedicarme a este mundo? Claro, si en el futuro hay oportunidad de estar en la industria de la moda, podría tomar ese camino.

LA NUEVA CASA DEL ABIERTO MEXICANO DE TENIS

La edición número 29 del Abierto Mexicano de Tenis será recordada como una de las más especiales de la historia al ser la encargada de presentarle al mundo la nueva casa del torneo: la Arena GNP Seguros. Se trata de un estadio que apuesta por competir contra cualquier inmueble deportivo moderno y que coloca al “deporte blanco” mexicano en la mira del mundo. Ubicada en la Riviera Diamante de Acapulco, la arena fue diseñada por el arquitecto José Moyao y presume un aforo total para 10,229 personas; además de tener canchas secundarias (entre ellas un Grandstand para 3,000 espectadores y otro para 1,500), siendo la gran apuesta del tenis nacional para alcanzar una nueva categoría como torneo.

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ROSALÍA ALCANZÓ LA FAMA HACIENDO ALGO MUY CONCRETO: ACTUALIZAR EL FLAMENCO PARA LA ERA DIGITAL. PERO MOTOMAMI, SU NUEVO DISCO, MEZCLA VARIOS ESTILOS Y CONTIENE TEMAZOS PARA LA PISTA DE BAILE, DEMOSTRANDO LO EXPANSIVA QUE PUEDE SER SU MÚSICA.

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Motomami, el más reciente álbum de Rosalía, comienza con esta pregunta aparentemente sencilla, pero que tiene más enjundia de lo que parece. Después de todo, nadie, ni mucho menos ella, podía haber anticipado que El mal querer (2018), un disco cantado en español que compuso y produjo de manera independiente como parte de su proyecto de tesis, la catapultaría a la fama mundial. La insólita mezcla de flamenco con sonidos urbanos que fluye a lo largo del material fascinó a los oyentes y encajó en lo que algunos denominaron “la segunda explosión latina”, tras una primera hornada de artistas como Ricky Martin, Marc Anthony y Enrique Iglesias que, a finales de los 90, irrumpieron en el pop anglosajón con éxitos cantados en inglés. La diferencia ahora es que Rosalía y otros músicos, como Bad Bunny, JBalvin o Luis Fonsi, cantan en español, negándose a someterse a las condiciones de un mercado concreto para alcanzar el éxito. Al disco le siguieron una serie de sencillos —algunos con arreglos

de flamenco y otros no— que compuso junto a eminencias del reguetón y de la música urbana, cuando no con figuras de alto voltaje como Travis Scott, The Weeknd y Billie Eilish.

Y, mientras tanto, Rosalía se convirtió en un fenómeno pop en español y en pionera a la hora de realizar y lanzar tracks para las pistas de baile globales.

Esa sencilla pregunta oculta, pues, otras más complicadas. ¿Qué haces cuando alcanzas la cima del pop y en todo el mundo quieren bailar al son que tú les digas? ¿Cómo superar un disco que te ha cambiado la vida para siempre? ¿Repites la fórmula o intentas ir más allá y hacer algo completamente nuevo? ¿Rosalía, qué dices?

“Cuando estaba trabajando en este proyecto, la pregunta que me planteaba era cómo hacer una instantánea de este momento”, me explica en los Electric Lady Studios de Nueva York, donde ensambló casi todas las piezas de Motomami. Las puertas de la terraza están abiertas y el sol entra hasta el interior.

“¿Cómo hago un autorretrato?”, se pregunta. “¿Cómo traduzco mi experiencia, aquí y ahora, en música?”. La intérprete lleva un vestido de Coperni de cuello halter con aberturas a ambos lados y un estampado a cuadros decorados con iconografía de los 90 (el ying y el yang, un sol con rayos ondulados, Beavis and Butt-Head…), y unas voluminosas botas de plataforma. Nos sentamos en un sofá rojo y cuando pone alguna de sus canciones, cierra los ojos —maquillados con una brillante sombra verde— y se deja llevar por el tema.

Marca el ritmo con los pies y las melodías moviendo la cabeza a los lados. Si no fuera una superestrella, pensaría que somos un par de adolescentes escuchando discos.

“Sigo dedicando casi todo mi tiempo a la música”, me cuenta. “No he cambiado lo básico. Lo que sí se ha modificado es el contexto”. El mal querer le abrió las puertas del mundo. Se convirtió en una figura habitual en el circuito global de la moda, sentada en los Front Rows entre Virgil Abloh y Drake un día, y al otro actuando en la presentación de la colección Savage x Fenty de Rihanna. Pulió su estilo tanto en videos musicales como en actuaciones en directo a base de combinar una estética motera con prendas de diseñadores de renombre (así apareció, brevemente, en el video de “WAP”, la colaboración entre Cardi B y Megan Thee Stallion que reventó Internet en 2020). Hizo nuevos amigos. “Con Rosa puedes sentir que su cuerpo y su espíritu están perfectamente alineados, lo cual le permite crear desde su verdad”, me cuenta su amiga Alexa Demie, una de las estrellas de Euphoria. “Tiene mucho poderío, pero al mismo tiempo es capaz de sondear las profundidades de su vulnerabilidad, y luego compartir ambos aspectos sin ningún esfuerzo”.

“Pasaron muchas cosas”, dice Rosalía: “En tres años mi vida ha dado un giro de 180 grados.

Hacer música sobre todos estos cambios ha sido mi manera de poder procesarlo todo”.

Durante dos años ha vivido en Estados Unidos, principalmente en Miami, Nueva York y Los Ángeles, lugares donde ha trabajado en la composición del disco. Ha sido el periodo de tiempo más largo que ha pasado fuera de España y lejos de su familia. Pero el cambio de escenario, dice, ha terminado siendo de ayuda. “En estos dos años que he pasado en Estados Unidos he redescubierto mi centro”, nos confiesa. “Porque si ocupas tu centro a nivel creativo, compones desde la honestidad, produces desde la honestidad y haces arreglos desde la honestidad”.

Eso significaba explorar tipos de música con los que hasta ahora nadie la había asociado. “Saoko”, el tema que abre el álbum, fue la última canción que grabó para Motomami.

EN TODA L A HISTORIA

Joyas y gemas de los dientes, propiedad de Rosalía ← EN ESTÁ PÁGINA

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PEINADO: SERGIO SERPIENTE, DE ONE OFF ARTISTS, USANDO PRODUCTOS DE SEBASTIAN MAQUILLAJE: MARIONA BOTELLA CON MAC COSMETICS MANICURE: ANNA SANCHO TAILORING: ROSA PÉREZ CADENAS DISEÑO DE SET: CHLOE ROOD DE DAIS AGENCY PRODUCCIÓN: SUSANA & KIKU DE BCN SKIES PRODUCTIONS LETTERING: ANA CECI AVILEZ.

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Estaba en el estudio improvisando y, quizá porque había estado escuchado mucho reguetón, “me salió ‘Saoko, papi, saoko’”, dice en referencia al éxito de Wisin y Daddy Yankee de 2004. El resto de la canción construye una filosofía. Rosalía no es una presencia musical estática (“Yo soy muy mía, yo me transformo / Una mariposa, yo me transformo”). No va a permitir que la presión del éxito interfiera en sus instintos creativos (“Frank me dice que abra el mundo como una nuez”, canta, refiriéndose a su amigo Frank Ocean. “Si me muero, que me muera por la boca como muere el pez”). Si nada de esto ofrece al oyente pistas sobre la metamorfosis que tiene lugar en el corazón de la canción, el interludio con piano de jazz que introduce hacia el final proporciona una prueba definitiva de su voluntad de entregarse a experimentos musicales tan extraños como quiera. “Le debo tanto al flamenco… Ha sido mi hogar y siempre será la base de mi música”, comparte. “Pero para mí no hay una música mejor que otra, no hay una música que sea buena y otra que sea mala”.

La cosa era así de fácil: “Creo que era muy guay abrir el disco con una canción que creara el clima adecuado y que contuviera todas las referencias del álbum, especialmente el reguetón clásico, que me encanta.

Me pasé toda la adolescencia escuchando este género. Recuerdo que bailaba con mis primas canciones de Don Omar, Lorna, Ivy Queen… Todos los clásicos, así que ¿por qué no hacerles un homenaje?”.

En el paisaje sonoro de Motomami conviven reguetón, bachata, un poco de dembow e, incluso, una versión de “Delirios de grandeza”, un bolero de 1968 del cantante cubano Justo Betancourt. Da la impresión de que Rosalía se ha dado un paseo por el jardín de su música favorita, ha reunido flores de distintas especies, las ha injertado y ha creado nuevos híbridos; o eso da a entender con las múltiples y eclécticas menciones a artistas que van apareciendo a lo largo del material: el salsero Willie Colón, las raperas Lil’ Kim y M.I.A., los artistas flamencos José Mercé, Niña Pastori y Manolo Caracol… Durante nuestra conversación, la ibérica se refiere al disco como una “radiografía”, pero no como una imagen de rayos X, sino como una combinación libre de las palabras ‘radio’ y ‘biografía’. Las referencias no hacen sino fundamentar aún más el proyecto en lo autobiográfico: esta es la música que crecí escuchando.

ROSALÍA: EL MITO Un primer éxito puede osificar una carrera artística, particularmente si se trata de una mujer joven con intereses que no cumplen con las expectativas sociales. La historia de Rosalía Vila Tobella se convirtió rápidamente en el mito de Rosalía. Nació en Sant Cugat del Vallés, a poco más de 10

kilómetros al norte de Barcelona. Cuando tenía siete años, cantó para su familia y les arrancó las lágrimas. A los nueve, empezó a tocar la guitarra y a los 13, se enamoró del flamenco. Estudió en la Escuela Superior de Música de Cataluña, en un programa que únicamente acepta a un estudiante por año. Actuaba en tablaos, a veces a cambio de una cena. Lanzó Los Ángeles, su álbum de debut, un disco de flamenco grabado solamente con una guitarra y su voz. La fama llegó pronto con El mal querer, material basado en una novela clásica del siglo XIII, por el que recibió críticas excelentes y hasta un papel en Dolor y gloria, la película de Pedro Almodóvar estrenada en 2019. Todo esto la convirtió en una artista muy seria con intenciones muy serias. No era difícil imaginarse lo que vendría después.

Pero Rosalía tenía otras ideas en mente; siempre las había tenido, de hecho. Creció escuchando de todo: Bon Iver y Kate Bush, Aphex Twin y Janis Joplin. Aprendió a escribir canciones ella sola, en parte con la ayuda de los libros de letras de temas de Bob Dylan y Patti Smith que le había dado su madre. Como niña de los 90 que creció con Internet, la idea de ceñirse a un solo género musical le resultaba demasiado restrictiva. “Con su música no sólo quiere

ser más grande y llegar a más gente, sino también conectar de una forma más profunda y espiritual con el público de todo el mundo”, me cuenta Arca, una de sus amigas. Ambas suelen conectar con “notas de voz melódicas”, alentándose mutuamente en sus empeños artísticos. “Su estrella va a brillar mucho”, me asegura la venezolana.

En El mal querer incorporó sonidos del pop global. Después, comenzó a trabajar con los artistas más importantes del planeta.

Rosalía encajó a la perfección. “Con altura”, su canción reguetonera que compuso junto a J Balvin y El Guincho, lleva más de 2,000 millones de reproducciones en YouTube. Las expectativas más probables, que cosechara un reconocimiento dentro de la escena independiente global, aumentaron hasta convertirse en una fama absoluta en todo el mundo.

Motomami prolonga este proceso. Cambia de marcha y transmuta. Esa ha sido siempre la idea, aunque a muchos les ha costado entenderla. “El mal querer era un estado de ánimo, un estado de ánimo muy serio, además”, dice la ibérica. “Un estado de ánimo es un momento, y los momentos no se pueden repetir. Lo más honesto que podía hacer en este proyecto era sincerarme de verdad”.

En este caso, sincerarse significaba crear un personaje: la motomami. Todo el trabajo

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que había acumulado —“Había una parte muy atrevida, que tenía mucha energía; y otra más frágil y vulnerable”— requería de una cualidad específica. Entonces se acordó de la dirección de correo electrónico de una vieja amiga: motomami. Rosalía se había quedado con el apodo y ahora le traía nuevas ideas a la mente. Sonaba duro, pero suave al mismo tiempo; femenino, pero en un sentido no demasiado rígido. También le recordaba a su madre. “Mi mamá siempre se ha movido en una Harley y ha llevado cuero”, confiesa. Y aunque se le ocurrió cuando el disco ya estaba bastante avanzado, Motomami representaba algo que, de alguna forma, era anterior a ello; anterior incluso a su vida. Se convirtió en una suerte de afirmación, me dice: “Yo soy una motomami porque mi madre es una motomami, y la madre de mi madre es una motomami, y la madre de la madre de mi madre era una motomami también”.

Una motomami tiene un lado divertido.

En “Hentai”, el tercer single del material, se inspira en el manga erótico para componer una lista de deseos sexuales. La letra causó algo de revuelo entre una parte de sus fans.

“Cuando compartí unos 15 segundos de la

canción, a principios de este año”, dice, “a mucha gente le gustó y estaba muy contenta y agradecida; pero otros se llevaron las manos a la cabeza y yo pensaba: ‘¡Pero si Lil’ Kim lleva toda la vida escribiendo letras explícitas!’”, comparte riéndose. “Puede que las personas tengan ciertas expectativas porque mis otros dos proyectos eran muy serios, pero en este disco quería crear más espacio para el humor, para la ironía y para todos los otros temas que son parte de mi vida”.

La motomami existe para estos momentos. “La gente suele ser implacable cuando una mujer no hace lo que se espera de ella”, sentencia. Así que Rosalía ha aprendido a ser implacable también. “Al final, digo: ‘motomami y p’alante’”.

Esa cualidad le ha venido muy bien para lidiar con las complicaciones a las que ha tenido que enfrentarse en su nueva vida.

Primero, la acusaron de hacer flamenco siendo paya, una crítica que cobró un impulso renovado tras el éxito mundial de El mal querer, un disco mucho menos tradicional que Los Ángeles. Luego, después de recibir varias nominaciones a los Grammy Latinos por El mal querer, los juicios viraron hacia

su inclusión en unos galardones en los que, en realidad, siempre han figurado artistas españoles, ya que se trata de unos premios que condecoran la música en español, en portugués y en otros idiomas hablados en Latinoamérica y la Península Ibérica.

Le pregunto si pensó en estas cosas cuando estaba grabando Motomami, tan lleno como está de estilos musicales caribeños y latinoamericanos. “Sólo puedo hablarte desde mi verdad, que no significa que sea la correcta”, me comparte. “Para mí, hacer música es una manifestación humana. Es lo que hace levantarme por la mañana con ganas, lo que me da esperanza y es mi forma de comunicación más sincera”.

Continúa hablando de un tema al que claramente le ha dado muchas vueltas. “Una de las razones por las que quería dedicarme a esto era porque así viajaría, aprendería cosas nuevas y conocería gente distinta”, asegura. “Todo ello me afecta como persona y quiero que también afecte a mi sonido”.

“Comprendo y empatizo con la gente que siente de otra forma, pero si me detuviera a pensar que hay una manera correcta y otra incorrecta de estar inspirada, no podría hacer música. Hay muchas cosas y muchas personas que me han influido y me han permitido hacer música. He elegido estilos musicales, ahí están el reguetón clásico, el dembow, la bachata y el bolero; y lo he hecho desde el amor, la admiración y el respeto más profundo”, continúa la intérprete.

Unas semanas después de nuestra entrevista, Motomami, el producto de toda una carrera de exploración sónica —y de reconocimiento personal también—, está cerca de publicarse. El lanzamiento está a la altura de la estrella de primer nivel en la que se ha convertido Rosalía: participación en The Tonight Show de Jimmy Fallon, como invitada musical y como entrevistada; actuación en directo en Saturday Night Live, cantando en español para millones de espectadores. Y luego, una noche antes de la presentación oficial del álbum, la emisión de un concierto especial en TikTok en el que interpreta un popurrí de todas las canciones del disco en media hora, usando muchos de los efectos especiales propios de la aplicación, y explicando que el show tenía que verse en el celular.

Es una actuación que rezuma confianza y desenvoltura, diseñada para una audiencia todo lo amplia que uno pueda imaginar, y que deja bien clara una cosa: que con sus dos primeros discos, Rosalía creó un mundo al que nos invitó a entrar; pero que su nuevo trabajo, y lo que venga después —desafiante, hermosamente caótico e inequívocamente Rosalía— llegará a un mundo donde el pop estará moldeado, de manera sutil pero indeleble, por su influencia. ¿Chica, qué dices?

Y responde: “todo”.

Jumpsuit vintage, Costume - The Stylist Room

Surgieron como una sátira de la sociedad norteamericana transmitida en horario estelar; sin embargo, hoy, Los Simpson se han convertido en algo más: la inspiración para todo tipo de arte, desde las pasarelas de Balenciaga hasta los lienzos de KAWS. GQ se adentra en las mentes de los creadores de la serie —y consigue una rara entrevista con Matt Groening— para explorar la segunda vida de este influyente sitcom.

POR M.H. MILLER ILUSTRACIÓN DE DAVID SILVERMAN

el equipo de Los Simpson produjo un video para Balenciaga, el cual se estrenó en octubre durante la Semana de la Moda de París (esta es una frase que nunca pensé que escribiría).

En él aparecían los personajes del programa caminando por una pasarela con diseños de la maison y era, dependiendo de tu visión del mundo, lo que podríamos llamar un largo comercial de la marca o un breve episodio del show. David Silverman, un veterano productor y animador de Los Simpson —y quien dirigió el corto—, lo describe como “una de

las cosas más difíciles que he hecho”. Demna Gvasalia, director artístico de Balenciaga y —al igual que muchos cuarentones— fan de la serie animada desde pequeño, hacía anotaciones tratando de encontrar el equilibrio adecuado entre la caricatura y la imagen fiel a sus diseños. “Los personajes”, dice Silverman, “son bastante diferentes de las proporciones humanas, así que en algunos aspectos nos tomamos grandes libertades.

Trampas, las llamamos. Nos costó un año de trabajo y al final le dimos a la gente algo que no sabían que necesitaban”.

Que la industria de la moda se inspire ahora en este célebre show es extraño para un grupo de personajes que, en su mayoría, nunca han cambiado de atuendo. Sin embargo, en el videoclip, Bart —con su patineta y su inocencia— luce como un auténtico hypebeast. Además, en un reciente episodio

en el cual el dibujo animado hizo una parodia de la moda contemporánea, The Weeknd prestó su voz al propietario de una nueva empresa de streetwear: Slipreme. Adidas tiene una línea de sneakers inspirada en ellos y Nike ha fabricado un par de modelos con el color de Marge (con franjas azules, como su pelo, y el resto en verde claro, como su vestido) que alcanzan un precio promedio de 873 dólares en sitios de reventa. Desde el principio, los creadores de la serie siempre entendieron su potencial comercial. En los años 90, Los Simpson vendían caramelos de mantequilla y llaveros de plástico —y se burlaban de sí mismos por su comerciabilidad—. Como dice un habitante de Springfield (Otto) después de encontrarse con el último ejemplo de venta de la familia Simpson (el anuncio de un disco, ¡Los Simpson cantan Calipso!), “¡Oye viejo, esto es demasiado!”.

Tres décadas después, como prueba de la longevidad del serial —por no hablar del progreso estadounidense—, continúan apareciendo en llaveros, solo que ahora están fabricados en piel, son diseñados por una maison de lujo y cuestan 260 dólares.

Incluso para una cultura obsesionada con el reciclaje de la propiedad intelectual — hemos visto no menos de ocho películas live action protagonizadas por Spider-Man en los últimos 20 años— Los Simpson son omnipresentes. En un video musical para el single de Bad Bunny “Te Deseo Lo Mejor”, el cantante, animado al estilo clásico de estos personajes amarillos, reúne a Homero y Marge tras una discusión. Los artistas extraen material de la serie, ya que su imagen, como la de Mickey Mouse y la M de McDonald’s, se ha convertido en un referente del materialismo estadounidense. En 2019, el diseñador NIGO vendió un cuadro del artista conocido como KAWS, el cual representa, con bastante fidelidad, la portada de un disco de 1998 interpretado por los protagonistas del programa: el elenco completo posando como la portada del Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de Los Beatles (el CD tenía un precio de 11.98 dólares; el cuadro de KAWS alcanzó los 14.8 millones de dólares en la casa de subastas Sotheby’s). Por su parte, el artista conceptual Tom Sachs realizó una serie de lienzos de Krusty el Payaso, algunos de ellos con el eslogan del sello de aprobación de la marca Krusty: “No solo es bueno. Es lo suficientemente bueno”, tanto que Estados Unidos podría adoptarlo como lema.

Nos encontramos en un momento de la historia en el que generaciones de personas apenas han conocido un mundo sin Los Simpson.

“Las 10 primeras temporadas fueron un fenómeno cultural determinante”, me dice Sachs. “¿Por qué fue tan importante? Porque era convencional y subversiva al mismo tiempo.

Surgió de la cultura punk y representó la desconfianza popular en el gobierno, la policía y en las corporaciones que poseen el control. Y al ser una caricatura, se salía con la suya. Podía decir y mostrar cosas demasiado violentas, escandalosas o anarquistas para la televisión.

Y ocurrió cada semana durante una década”.

En la cumbre de la popularidad del programa, en 1990, alrededor de 28 millones de personas sintonizaban el show cada domingo por la noche. Tom Sachs recuerda un momento en el que se dio cuenta de lo influyente que se había vuelto la serie, incluso en esferas menos esperadas: una noche de 1994, se encontraba entre el público del National Arts Club, ubicado en una mansión gótica victoriana de Manhattan, frente a Gramercy Park, cuando Roy Lichtenstein, el pintor del Siglo XX conocido por sus apropiaciones de las imágenes de los cómics, recibió la medalla de honor de la institución. Era un domingo por la noche y ¿qué hizo Lichtenstein en su

discurso de aceptación? Dio las gracias a todos por haber ido a apoyarlo y perderse así un nuevo episodio de Los Simpson.

Roy rompió las barreras entre el Arte elevado y las iteraciones populares, ayudando a convertir lo mundano en una fuente de inspiración significativa, una visión que Los Simpson extendieron más allá del siglo XX. La serie se estrenó justo cuando caía el Muro de Berlín y hoy, 33 años después, sigue en la misma cadena, en la misma codiciada franja horaria: los domingos a las 20:00 horas. Los fans más apasionados tienden a reconocer que la primera década del programa fue su época clásica y, sin embargo, la influencia de la serie sigue siendo ilimitada.

DE PREDICCIONES Y COINCIDENCIAS Ahora es común observar que Los Simpson predijeron con precisión varios momentos de la historia del Siglo XXI, entre ellos la crisis de la deuda griega, la acuñación de un billete de un trillón de dólares (que luego se contempló durante el gobierno de Obama para resolver el problema del techo de la deuda) y, en lo que podría haber sido un trato faustiano para permanecer al aire durante otras 20 temporadas, un chiste de la temporada 11 sobre la presidencia de Donald Trump que destruiría la economía. Los Simpson entendían mejor hacia dónde se dirigía el mundo.

Todas las sitcoms son, en cierta medida, de actualidad. Su objetivo siempre ha sido ofrecer una ventana a cómo vive una familia o un grupo de amigos en un momento determinado. Sin embargo, este show fue mucho más allá de esta premisa. La serie parecía hacer nada menos que crear el mundo en el que ahora vivimos. ¿Qué tiene este programa —una caricatura, que ahora entra en la mediana edad, de la misma cadena que nos dio shows históricos como The Chevy Chase Show, Alien Autopsy y Temptation Island— que permanece arraigado en nuestra memoria colectiva? No puedo recordar los dígitos de mi cuenta de banco, pero sí consigo rememorar a la perfección varias escenas de las primeras 12 temporadas con una claridad que sugeriría que son mis propios recuerdos. Hay un chiste entre los guionistas de televisión —especialmente los que trabajan en programas de animación— que dice que “Los Simpson ya lo

hicieron”, lo que se ha convertido en una abreviatura de la inutilidad de un pensamiento original en un mundo “post-Homero”.

En su primera década, estos personajes satirizaron casi todas las facetas del final del Siglo XX y los horrores que trajo consigo, convirtiéndolos en chistes que parecen inquietantemente premonitorios hoy en día: desde la miseria de las marcas corporativas (“No tenemos presupuesto para tiendas con filosofía”, dice Marge) hasta la locura del sistema judicial (otra de las divertidas observaciones de Marge: “El sistema judicial ya no funciona, pero mientras todo el mundo grabe a todo el mundo, la justicia prevalecerá”). Incluso los horrores eventuales del conglomerado Fox fueron señalados en el show, en una broma que data de cuando Tucker Carlson escribía columnas para el Arkansas DemocratGazette: “Es cierto lo que dicen en la tele. Vea Fox y será condenado por toda la eternidad”.

“Ciertamente, Estados Unidos se ha convertido en Springfield”, dice Matt Selman, quien es, junto con Al Jean, el showrunner actual.

“Voy a decir generosamente: las personas buenas son engañadas fácilmente. Terriblemente fácil de engañar. Eso siempre ha estado en el ADN del programa, pero ahora está en el ADN de la Unión Americana. Fue un show sobre el pensamiento colectivo estadounidense y cómo son engañados —por la publicidad, las corporaciones, la religión, todas estas otras instituciones que no tienen en mente los mejores intereses de las personas—”.

Es difícil imaginar lo inesperada que fue la influencia del serial para sus creadores.

“Tiene que ser el momento, ¿no?”, me dice por teléfono un ligeramente desconcertado James L. Brooks, uno de los desarrolladores, junto con Matt Groening y el difunto Sam Simon. Brooks ya era una leyenda antes de Los Simpson, pues arrasó en los Oscar con su película de 1983, La fuerza del cariño (“el director de algunas de las mejores películas de la historia”, dice Groening para referirse a él).

En su oficina colgaba un cómic, Life in Hell de Groening. Se llamaba “The Los Angeles Way of Death” (los temas eran, por orden: pistola, coche, droga, mar, aire, policía, guerra, fracaso y éxito). Brooks convocó una reunión con Groening, quien, poco dispuesto a desprenderse de Life in Hell, creó Los Simpson allí mismo, en la recepción, utilizando a su propia familia como modelo. Ni siquiera les cambió

“Las primeras 10 temporadas fueron un fenómeno cultural determinante.

Y como era una caricatura, se salía con la suya” —TOM SACHS

ILUSTR ACIÓN: MAT T GROENING/ THE SIMP SONS ™ Y ©202 2 20TH TELE VISION.

Dibujo preliminar del animador David Silverman de Marge con un vestido de baile dorado de la colección primavera-verano 2020 de Balenciaga.

los nombres, excepto el suyo: el mayor de la serie pasó de ser Matt a Bart, “el cual me pareció un nombre gracioso”, me dice.

Homero, Marge, Bart, Lisa y Maggie comenzaron su vida en los últimos días de la presidencia de Ronald Reagan como breves segmentos en The Tracey Ullman Show, un programa de variedades que nunca llegó a tener audiencia por sí mismo. En diciembre de 1989, el prometedor proyecto se convirtió en un programa de televisión completo y a partir de ahí todo fue muy rápido. “¿Recuerdas la película Tootsie?” dice Brooks.

“Hay un momento en el que ella se convierte en una celebridad y muestran un montaje de portadas de revistas. Eso nos pasó a nosotros.

Había una revista llamada Satellite Times y nos pusieron en el cover. Y lo colgué en mi pared. ¡Porque realmente estábamos en la portada de algo! Y al minuto siguiente, toda la pared estaba cubierta. Y entonces el programa se convirtió en lo que era y es. Hay un momento que te puede pasar cuando estás haciendo algo y te supera, y únicamente intentas seguir el ritmo”.

Fox era entonces una cadena nueva que intentaba ganar terreno y Brooks era un productor con influencia, por lo que los ejecutivos dieron paso a que los creadores hicieran lo que quisieran —el tipo de tormenta perfecta que permitió que Los Simpson se volvieran tan populares—. Durante la creación de la primera temporada, la idea de que el programa continuaría durante décadas y se convertiría en parte del éter de la cultura pop era una posibilidad tan remota que Simon, el pesimista entre los creadores, tenía una filosofía de “13 y fuera”; es decir, 13 episodios

y se acabó. Fue uno de los animadores — Silverman, a quien Groening ahora describe como “el alma” del equipo—, que conoció a Brooks en una fiesta de Navidad y lo convenció de que el show debía tener su propia serie. “Se emborrachó”, recuerda Brooks, “me inmovilizó contra la pared y me dijo apasionadamente cuánto sentía que teníamos la oportunidad de ser un programa de media hora, cómo no había habido uno en 25 años y qué tan importante sería para la animación”. La última sitcom animada en horario estelar que se ejecutó durante más de tres temporadas fue Los Picapiedra, la cual debutó durante la administración de Eisenhower (por allá de los 50). “Él estaba a pocos centímetros de mi rostro y podías ver su pasión”, continúa Brooks.

“Fue un momento clave para mí. Puso este tipo de cosa religiosa en él”. (“Podría haberme dejado llevar un poco”, dice Silverman, y agrega: “Me alegro haber hablado”).

LA CLAVE DEL ÉXITO En la temporada 1989-1990, los programas de televisión en horario estelar de Estados Unidos, según los índices de Nielsen, eran Roseanne, The Cosby Show y Cheers. La primera temporada de Los Simpson fue lo suficientemente popular como para entrar en el top 30, una de las únicas razones por las que Fox sobrevivió a sus primeros días.

El equilibrio entre la sinceridad y la sátira de la serie resonó en un público cuyas vidas habían sido moldeadas por dos enfoques opuestos: casi cuatro décadas de televisión popular y el miedo siempre presente de un holocausto nuclear. El hecho de que Homero trabajara en una central nuclear en la que

las tuberías gotean residuos radiactivos y todo el lugar se tambalea al borde de una fusión similar a la de Chernóbil lo mantenía sombríamente novedoso.

Incluso los mejores programas de esta época deben ser defendidos por el simple hecho de ser de su época, pero un episodio de los primeros Simpsons puede seguir pareciendo una comedia sobre el presente, o un mensaje de un posible futuro. “La animación es un medio realmente imperecedero”, dice Jean. “Si existiera un Bart de verdad, ya tendría 40 años.

Pero en la animación es siempre joven”.

Groening dice que fue Brooks quien les dijo a todos que trataran de olvidar que estaban trabajando en un dibujo animado —que buscaran la resonancia emocional en lugar de la simple torpeza—. Esta es otra razón por la que la serie es, como dice Selman, “lo único de los 90 que todavía existe”. Ayudó el hecho de contar con un reparto sumamente talentoso. El mismo Brooks señala un episodio de la segunda temporada en el que Lisa se encariña de un encantador profesor sustituto, al que presta voz Dustin Hoffman, quien al final del episodio deja la ciudad para ir a su siguiente trabajo. Los dos se despiden con lágrimas en los ojos, y Brooks insistió en que Hoffman y Yeardley Smith (la voz de Lisa) se metieran en la misma habitación, actuando cara a cara, para grabar la escena.

Es un momento desgarrador, ya que Lisa se despide del único maestro que la tomó en serio. Con ese episodio, dice Groening, “nos dimos cuenta de lo que podíamos hacer”.

A pesar de que el mundo ha cambiado desde aquella época, la forma en que se desarrolla el programa sigue siendo la misma. “Alguien dice

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algo gracioso y otra persona lo escribe”, como dice James Brooks. Los chistes han mantenido vivo el programa y muchos han sobrevivido a los diversos temas de los que se burlaban.

“Todos estos pequeños imperios surgen y caen”, acota Silverman, “y nosotros seguimos avanzando. Como un glaciar de comedia, a la deriva”. Los Simpson se abrieron paso entre todos los sentimientos y crearon un nuevo tipo de comedia —más divertida, más extraña, más conceptual— que sigue siendo el estilo por defecto de la comedia en la pantalla chica.

“Creo que hemos despejado la cabeza de playa para la invasión de la comedia más mordaz y retorcida en el horario de máxima audiencia”, comparte George Meyer, uno de los mejores guionistas del show. “La comedia impresa que nos gustaba, como National Lampoon y The Onion, asumía grandes riesgos y buscaba grandes risas en lugar de simples sonrisas”. “¿Cómo íbamos a hacer menos, con la libertad que teníamos en Fox?”. Veo dos vertientes del humor de Los Simpson. Una es una parodia de la falta de humor y de los principios de otras series de los 90. El moralismo abrumado y obvio, así como el gaslighting de los temores de los padres, eran un marco tan predominante para la pantalla chica de esa época como la desnudez cruda se ha convertido para los dramas contemporáneos de HBO. Y así, en un momento tras otro, Homero se arrodilla al lado de uno de sus hijos y, adoptando la suave forma de hablar de Danny Tanner de Bob Saget, mientras música ambiental suena de fondo, ofrece el peor consejo posible para la situación en cuestión: “Niños, hicieron su esfuerzo y fracasaron miserablemente. La lección es: nunca se esfuercen”, o “La gente muere todos los días. Así nada más. Tú podrías amanecer muerto mañana… Bueno, hasta mañana”. Mi favorito de estos instantes viene en un episodio de la tercera temporada, que en mi opinión podría ser el punto más alto de toda la historia de la televisión. Marge y Homero le compran a Bart una guitarra, que termina por no tocar: Homero: Oye, Bart ¿y por qué no tocas ya tu guitarra?

Bart: Te voy a decir la verdad. No tengo facultades, así que lo dejé. ¿No te enfadarás?

Homero: Hijo, ven acá. (Bart se sienta en sus rodillas y la suave música orquestal empieza a aumentar) Claro que no me enfado. Eso es algo muy difícil y que no vale la pena. Guarda esa guitarra en el armario junto a tu radio de onda corta, tu traje de karate, tu monociclo y vamos a ver la televisión Bart: ¿Y qué hay?

Homero: [Con cariño] Es lo que menos importa.

Si Los Simpson se hubieran limitado a hacer una sátira divertida del sitcom estadounidense, no habrían perdurado como lo han hecho. El intercambio anterior, en particular,

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es mucho más que un buen chiste, aunque también lo es. Tanto si se ve hoy en día, como si se ve a principios de la primavera de 1992, cuando Kurt Cobain era el músico más famoso del planeta y Johnny Carson todavía presentaba The Tonight Show. Era una filosofía de vida para una incipiente generación de holgazanes que interiorizarían esta idea y acabarían convirtiéndose en un mundo de adultos deprimidos y llenos de ansiedad. Aunque únicamente sea por eso, consigue destilar, en unas pocas líneas, la experiencia de crecer como un pequeño niño blanco privilegiado en los Estados Unidos de los 90, un miembro perpetuamente decepcionado de lo que Homero denominó en su día “clase media-alta”.

La otra categoría de chistes de Los Simpson es la que se prolonga mucho más

conseguir. Entonces, de repente, se cae. Se golpea contra el lado del acantilado hasta el fondo y aterriza con mucho dolor en el suelo.

Luego se golpea en la cabeza con la patineta.

Después, un helicóptero lo saca del barranco en una camilla y vuelve a golpearse la cabeza contra la pared del cañón. Lo colocan en una camilla móvil y lo meten en la parte trasera de una ambulancia. La ambulancia arranca, avanza unos 3 metros y choca contra un árbol. Las puertas de la ambulancia se abren y Homero vuelve a caer por el precipicio”.

Los Simpson no crearon este tipo de humor —Groening da crédito a Buster Keaton—, pero sí lo perfeccionaron. “¿Cuál es su chiste favorito de Los Simpson?” es una pregunta que ha resonado durante tres décadas. Homero es mi héroe (tal y

Boceto de Silverman de Homero como King Kong luchando contra un dinosaurio, para el episodio Treehouse of Horror III, emitido en octubre de 1992.

de lo esperado. Frecuentemente, son graciosos desde el principio, luego dejan de serlo y continúan hasta que vuelven a serlo. Uno de los ejemplos más famosos —posiblemente el estándar de oro de la comedia del programa, que tanto Brooks como Groening nombraron como uno de sus momentos favoritos de la serie— es cuando Homero, tratando de enseñar a Bart una lección sobre seguridad, intenta accidentalmente saltar el barranco de Springfield en una patineta. “Es Homero tratando de impresionar a su hijo”, dice Matt.

“Sin darse cuenta, se tira con la patineta por el borde del barranco. Vuela por el aire y, con una confianza equivocada, cree que lo va a

como me lo describe Meyer, “sin problemas de contención, deliberación o arrepentimiento... un camión sin volante”), pero si me presionan, les diría que mi predilecto viene de Marge, quien parece volverse más graciosa a medida que envejezco. Hay algo en su intensa racionalidad que se siente tan digno. Es del episodio en el que los padres del mejor amigo de Bart, Milhouse, se divorcian después de tener una discusión pública en una cena organizada por ella. Más tarde, esa misma noche, mientras Marge y Homero se sientan en la cama, ella se pregunta (“Cúlpate una vez y a otra cosa”, dice Homero) qué fue lo que salió mal. “No debí

servir galletas de la suerte norcoreanas”, dice. “Eran insultantes. ‘Eres un cobarde’.

Nadie quiere oír eso después de cenar”.

EL ANTES Y EL DESPUÉS En este sentido, es hora de abordar el tema que nos interesa, y que muchos comentaristas sostienen —y lo han hecho antes—, que Los Simpson no han sido un buen programa desde hace dos décadas. Es discutible si esto ha ocurrido o cuándo, pero incluso las evaluaciones más generosas sitúan el final de la era clásica en la temporada 12, que comenzó en 2000, la primera de Los Simpson durante el gobierno de George W. Bush. En otras palabras, una época en la que los funcionarios electos más poderosos del país pronto empezaron a cometer crímenes de guerra

consciente del sentimiento popular de qué temporadas son clásicas y cuáles no”, me dice Selman. “Estamos escribiendo algo con lo que, al igual que con cualquier pieza de propiedad intelectual, la mayoría de la gente tiene algún tipo de relación. Los Simpson son como una autopista, y todo el mundo ha estado en una, o ha decidido activamente no hacerlo, en algún momento de su vida”.

Por supuesto, Los Simpson también predijeron esta reacción. Fue en un episodio llamado El espectáculo de Tomy, Daly y Poochie, sobre la caricatura favorita de Bart y Lisa, una especie de iteración ultraviolenta de Tom y Jerry que también era un meta stand-in de los propios Simpsons. Cuando Tomy y Daly empiezan a perder audiencia, los niños acaban en un grupo de discusión, donde los ejecutivos de la

Del episodio de 1993 Selma’s Choice, el sketch “a lo Ralph Steadman” de Selma, la hermana mayor de Marge, alucinada por Lisa después de beber el agua de una atracción en un parque temático.

con la actitud de “Ay, caramba, ¿he hecho yo eso?” de un personaje televisivo de la peor comedia imaginable. Las tonterías de un bufón adorable como Homero no cayeron de la misma manera cuando el presidente estadounidense fue disuadido brevemente de violar las Convenciones de Ginebra por atragantarse con un pretzel.

Otra forma de decirlo es que los años 90 por fin han terminado. ¿Cómo podría seguir siendo relevante la gran parodia de la década?

La serie no ha cambiado, pero el mundo que la rodea sí. Es tentador decir que el Siglo XXI —que Los Simpson predijeron con exactitud— también causó su caída. “Créeme, soy

cadena intentan diagnosticar el problema.

Lisa, siempre la persona más inteligente de la sala, ofrece una explicación que aún basta para explicar la trayectoria de su propio show en sí: “La cuestión es”, dice, “que no hay nada malo en Tomy y Daly; es tan bueno como siempre.

Pero después de tantos años, los personajes no tienen el mismo impacto que antes”. (O, como me dice Tom Sachs, “La vanguardia siempre es asimilada por la corriente principal, así que, después de una década, perdió su chispa”).

Esto ocurría en la octava temporada del programa, que suele ser el momento en el que incluso las comedias más queridas empiezan a decaer. Como personajes de dibujos

animados, el reparto tenía la ventaja de no envejecer, pero el agotamiento era inevitable; sus creadores parecían sugerir la probabilidad de un retroceso. Por increíble que parezca, aún no han producido ni un solo episodio sin autenticidad, no obstante, sabían que se avecinaba el momento.

Como suele ocurrir en las sitcoms, el problema de Tomy y Daly se resuelve por sí solo al final del episodio, y Bart y Lisa vuelven a pensar que el programa es divertido. “Hay que agradecer a la vida que podamos tener este programa por muchos años todavía”, dice ella, y luego mira directamente al público. Los Simpson, en este momento, se acercan lo más posible a una verdadera moraleja. Entonces, tras una breve pausa, Bart pregunta: “¿Qué más hay?”, y Lisa cambia de canal.

Pero en nuestra era de la propiedad intelectual reutilizada sin cesar, nunca cambiamos realmente de canal. La muerte no es el final.

Lo nuevo de Peacock: Bel-Air, una reinterpretación dramática de la comedia de los años 90 protagonizada por Will Smith, El Príncipe del Rap. Space Jam: A New Legacy parece un título que verías en la cartelera del cine del centro de Springfield en un gag visual de Los Simpson de los 90. En 2019, Disney, la compañía propietaria de Marvel, Pixar y la franquicia de Star Wars, adquirió 20th Century Fox, lo que significa que Los Simpson han sido oficialmente absorbidos por el mayor gigante del complejo industrial del entretenimiento. Esto ilustra mejor que nada cómo ha cambiado el método básico por el que consumimos entretenimiento. La idea misma de elegir un programa cada día de una de las pocas cadenas, se ha convertido en un anacronismo de finales de los años 90. En aquella época, había que esperar hasta el domingo por la noche o convencer a los padres de que no vieran las noticias locales para ver una repetición a primera hora de la noche. Hoy, la imagen misma de la familia reunida alrededor de la televisión ha caído. Sin embargo, a diferencia de otras reliquias de décadas pasadas, el show se ha vuelto más accesible; de hecho, sus capítulos son más fáciles de encontrar. Y ahora que la serie es un componente importante de la sopa cósmica del streaming, es un punto de referencia aún mayor —la sitcom que perdurará—.

Puede que no sea necesario, pero Jean me cuenta su idea de un final para la serie, si es que se llega a él. Sería un retorno al primer capítulo, que comienza con la familia asistiendo a un desfile navideño en la escuela primaria de Springfield. “Siempre he pensado que en el último episodio deberíamos volver a la representación navideña original a la que asisten, para que toda la serie sea un bucle continuo, de modo que los dibujos animados no tengan ni principio ni final, nadie envejezca ni aprenda nada. Eso es lo que yo haría”.

“Pero”, concluye, “no creo que vaya a terminar”.

POR NÉ FOTOS ESTILIS

El r del Real Madrid M ensio está ha or temporada de uperar una tre que no sólo no ha acabado con su carrera, sino que le ha hecho más fuerte. Ha con él sobre rachas, g tenis, undo jes y ios, y el espejo ue se mira: Karim Be .

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PARA el madridismo, Marco Asensio (Calviá, 1996) es más que un jugador. Es un estandarte. Cuando el Real Madrid lo fichó en 2015 por 3.5 millones de euros, no sólo se convirtió en merengue, también en un gran hito.

Asensio es considerado como uno de los negocios del siglo que ha hecho el Real Madrid. El club lo ficha en 2015 con 18 años y lo cede al Espanyol, donde maravilla con su juego en cada partido. La siguiente temporada ya debuta como madridista, deslumbra como hombre de rotación, con golazos que desafían la física y que tienen un enorme impacto en la historia del club — como en la final de la Supercopa de Europa y en la final de la décimosegunda Champions—. El madridismo lo ama, pero su progresión se ve cortada por dos hechos.

El primero, por el bajón general que sufre el equipo tras la primera marcha de Zinedine Zidane y el adiós de Cristiano Ronaldo en 2018. El segundo, por la maldita lesión que sufre en el verano de 2019 en la que se rompe el cruzado y el menisco. Para muchos futbolistas, este daño significa el fin de su trayectoria. Para Marco Asensio, no. Más bien parece que ha sido un punto de inflexión que le ha hecho volver con más fuerza y determinación a las canchas. Nadie puede negar que la presente temporada está siendo la mejor de su carrera, con goles que se han traducido en valiosos puntos y un rol más determinante en la escuadra. Así nos describe su presente: “Me encuentro muy bien después de pasar un par de años difíciles. Estoy encontrando otra vez mi forma. Estoy muy feliz”.

Marco ha encontrado su sitio en el Real Madrid gracias al apoyo de Carlo Ancelotti. Con el entrenador lombardo, el balear se ha desatado. Ahora es más agresivo, roba más esféricos, es más vertical y tiene más oportunidades de conducir en carrera. A estas cualidades se suma una pierna izquierda que es un cañón y, a la vez, un guante.

Efectivamente, suficientes cualidades para ser titular.

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“Me encuentro muy bien después de pasar un par de años difíciles. Estoy encontrando otra vez mi forma. Estoy muy feliz”.

“Estoy muy agradecido con la confianza que me está dando el míster”, concede con aplomo y sonriendo. “Me da libertad para aparecer en zonas más intermedias, que es donde aporto mi máximo rendimiento; no tengo que estar atado a la banda. Entendemos el futbol de la misma manera y eso me da mucha confianza a la hora de jugar”.

Sus grandes noches esta temporada no sólo significan que Asensio ha dado un paso adelante, ése que el madridismo le ha pedido con insistencia; sino también que la lesión, la maldita lesión, se ha olvidado. “Recuperar las buenas sensaciones es un proceso difícil. Me costó hacerlo. Toqué fondo; anímicamente es muy complicado de superar. Únicamente tienes dos opciones: dejarte llevar o coger el toro por los cuernos”, explica.

En su recuperación ha sido clave tanto lo físico como lo psicológico. “Formé un equipo que me ayudó a recobrar la forma, trabajar el estado de ánimo, la alimentación, el descanso... Creo que se ha visto el cambio. Como te decía, me encuentro mejor que nunca y estoy en un momento muy feliz de mi vida. Y eso se nota en el campo y en la sensación de querer ir a por todas”, analiza.

Lo psicológico también es clave para el grupo. Marco lo sabe bien por el bajón que experimentó el Real Madrid con la salida de Cristiano Ronaldo. ¿Por qué suceden este tipo de situaciones? Asensio resuelve el misterio que, en su opinión, no radica ni tiene nada que ver con lo físico: “El fútbol es un estado de ánimo. Cuando el equipo gana, se refuerza mucho más. Cuando pierde, aparecen las dudas. Tenemos que estar conectados con lo que hacemos, unidos.

Ahí es cuando aparecen las buenas rachas.

Cuando el estado de ánimo se hunde, llegan los malos resultados”.

DENTRO Y FUERA DE LAS CANCHAS La carrera de Marco Asensio ha sido una montaña rusa. Cuando los chicos de su edad sueñan con aprender a conducir, él ya estaba echándose a la espalda equipos de Primera

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“Lo de Benzema tiene un mérito tremendo. Ha aprovechado las críticas para hacerse mejor.

Para mí, es una inspiración, por cómo ha crecido como futbolista y como persona”.

División. Si tuviera una máquina del tiempo, ¿qué le diría a su ‘yo’ de los 15 años? “Que siguiese con esa fuerza, con ese desparpajo, que no perdiera la ilusión”, vuelve a sonreír. “También le diría que es importante que expresara sus dificultades, que eso es algo clave.

Pero, sobre todo, le diría que iba a cumplir su gran sueño: jugar en el Real Madrid”.

En el soccer, los tatuajes y los peinados estrambóticos son la norma. Lo raro es el estilo pulcro de Marco Asensio. El mallorquín no tiene ni un milímetro de tinta en su piel y se peina igual que cuando era adolescente.

Su ropa es sobria, huye de colores estridentes y de logos exagerados. “Me gusta, principalmente, la ropa cómoda y elegante que pueda llevar cada día”, sintetiza. ¿Y hay alguna prenda que le guste en particular? “Me encantan los sneakers de adidas, sobre todo las colecciones Y-3 [del diseñador japonés Yohji Yamamoto] y las Yeezy [del rapero Kanye West]. No te puedo decir un modelo concreto que me guste más… En realidad, me los compro porque me agrada el color y la forma, y así voy creando mi colección”, comparte de nuevo con una sonrisa.

A pesar de tener un estilo propio basado en los principios de la comodidad y la elegancia, no hay una prenda que Marco Asensio no se pondría. Pero sí tiene claro, por ejemplo, que “los pantalones pitillo no nos sientan muy bien a los futbolistas porque, obviamente, nos quedan muy apretados por los músculos. Lo que yo busco es comodidad, pero eso no implica que haya cosas que descarte”.

En Instagram, divina fuente de inspiración a base de scroll, el mallorquín sigue a J Balvin, Bad Bunny y Drake, todos ellos referentes de la nueva masculinidad. ¿Tiene algún ídolo a nivel estético? “Todos ellos me gustan por cómo visten y cómo piensan. Pero lo que más me agrada es su colección de sneakers”, confiesa con una risa franca.

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Asensio ha adoptado los golazos como rutina y a Benzema como ejemplo. Esta temporada, ha logrado su primer hat-trick con el Real Madrid en el partido de Liga contra el RCD Mallorca y, como ya viene siendo habitual en él, ha metido un buen puñado de tantos que pasarán a formar parte de sus grandes éxitos, como los que consiguió contra el Inter de Milán o contra el Granada. Pero a pesar de la espectacularidad de sus anotaciones, el atacante se sigue quedando con la primera que marcó de blanco, el de la Supercopa de Europa contra el Sevilla en 2016. “Ese gol es difícil de igualar por varios motivos: por el ambiente que había en las gradas, por lo importante que fue, porque mi familia estaba ahí, porque hizo que me diera cuenta de que ya era jugador del Real Madrid... Fue un momento muy especial.

Aunque yo siempre digo que el mejor tanto siempre está por llegar”.

El renacimiento de Asensio no sólo se percibe en su entrega, sino en detalles como la celebración de los goles. Aunque le hemos visto quitarse, desaforado, el jersey; la esencia para expresar alegría consiste en pellizcar sus hombros para que su nombre se lea bien cuando lo lleva puesto. “Raúl celebraba las anotaciones así, señalandose la camiseta.

Es uno de mis referentes”, cuenta. “Siempre había pensado que cuando metiera un gol importante, iba a hacer lo mismo, para mostrarme y para reivindicarme. Lo hice contra el Bayern, en los cuartos de final de la Champions de 2017. A la gente le gustó, así que me he quedado con ese estilo”.

Su carrera mantiene ciertos paralelismos también con la de Benzema. El francés es uno de los mejores delanteros del momento y un referente absoluto de la escuadra merengue.

Pero al principio no fue comprendido por el Bernabéu. “Lo de Benzema tiene un mérito tremendo”, remarca Asensio. “Ha aprovechado esas críticas para hacerse mejor. Para mí, es una inspiración, por cómo ha crecido como futbolista y como persona. Es un emblema y un gran capitán”. Está claro que Marco aspira a seguir los pasos del galo. De momento, es una divisa que no ha parado de subir de valor. Y eso, en el futbol, es oro.

EL POR BRETT MARTIN

CHEF

Se convirtió en una estrella alimentando a los afortunados y en un Santo dando comida a los desafortunados. Ahora, el chef José Andrés está trabajando en balancear su llamado épico para responder a las emergencias del mundo a través del World Central Kitchen, haciendo crecer el imperio restaurantero que ha construido a lo largo del camino. Lo seguimos desde sus operaciones

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en la frontera ucraniana hasta sus cocinas en Washington D.C y todos los lugares en el medio.

Lo que encontramos fue a alguien mucho más complejo e interesante que un simple Santo.

ILUSTRACIÓN: GETTY IMAGES.

FOTO MELANIE METZ

tiene 42 años y opera un food truck llamado Syty Wół —o “Buey satisfecho”— en las afueras de Łancut, Polonia; a más de 80 kilómetros de la frontera occidental con Ucrania. Mroczka sirve hamburguesas y otros emparedados, como el Syty, que incluye carne de vaca, tocino, rúcula y su propia salsa especial. En 2021, fue nominado a los European Street Food Awards. Está más ocupado entre abril y octubre, cuando lleva el camión a la carretera, a festivales y otros compromisos en exteriores. “No le tenemos miedo a los eventos masivos”, presume el sitio de Syty Wół, “somos capaces de alimentar a cientos de personas a lo largo de la noche”.

A finales de febrero, Maciej tendría la oportunidad para demostrarlo. Poco después de que Rusia invadiera

José Andrés en Palmis Tempe, Haití (2014), una comunidad a la que él mismo ayudó.

Ucrania, llegaron avisos de refugiados de Łancut pasando por la frontera cerca de Korczowa. “Personas exhaustas por el viaje, gente que tenía hambre y frío, y que necesitaban ayuda”, me dijo. “Decidí que me gustaría ayudar, debido a mi experiencia. Sin embargo, no sabía exactamente a dónde ir”.

Mientras sucedía, el teléfono sonó. Era la World Central Kitchen (traducido como Cocina Central Mundial), la organización de socorro fundada por el chef español-estadounidense José Andrés, con el propósito exprés de organizar la energía y la experiencia de los chefs y cocineros en emergencias. Durante la década pasada, WCK ha pasado de ser el trabajo secundario de una celebridad de la cocina, a un gigante de la ayuda; respondiendo a algunas de las crisis más grandes de nuestro tiempo —el terremoto de 2010 en Haití, el huracán María en Puerto Rico, la pandemia por Covid— e

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1,700 hamburguesas por noche — pagadas por WCK— a un arroyo de refugiados que pronto se convirtió en río. Estaban en el turno de madrugada, terminando a las 7 a.m, y el ambiente de trabajo era helado y agotador. “Fue mentalmente difícil porque la mayoría de quienes piden asilo son mujeres con niños”, dijo Maciej, quien tiene dos hijos.

“Sin embargo, la gratitud y las sonrisas de las personas que ayudamos dan un extra de fuerza y entusiasmo”. Después de 11 días, su camión había servido 18,100 comidas por su propia cuenta.

“La gente fue increíble: personas aleatorias que creían que tenían que hacer algo, lo cual fue hermoso de ver”, me contó Andrés, pocas semanas después.

Estaba llamando de otro cruce de frontera, Przemysl, donde la WCK siguió alimentando un flujo estable de ucranianos desplazados mientras abordaban autobuses destinados hacia Polonia y a lo largo de Europa. A diferencia de un huracán, me dijo, después del cual las cosas se ponen mejor cada día exponencialmente, la guerra era un constante desastre.

“A veces puede ser muy silencioso aquí y entonces, de pronto, caos”.

Tarareó un pedazo de “La cabalgata de las valquirias”.

Para ese momento, José había pasado casi cuatro semanas enviando mensajes desde la frontera ucraniana y dentro del mismo país arrasado por la guerra. Muchos fueron los clásicos videos-selfie que se han vuelto parte vital de la narrativa de World Central Kitchen y de su identidad, y suelen ser las primeras imágenes en el propio terreno que el mundo ve después de un desastre. Vimos una panadería en Lviv entregando miles de hogazas a refugiados que se cobijaron en una estación de tren; chefs en Kiev haciendo pyrizhky relleno de col y papa que serían enviados a orfanatos; el food hall en Odessa se convirtió en un centro de donación y distribución de comida; los emblemáticos sartenes gigantes de paella de WCK fueron reutilizados para lotes masivos de borscht y coba; mientras que vehículos de 18 ruedas, llenos con harina y otras bases, se dirigían a áreas de pelea demasiado intensa para establecer operaciones de cocina. “¡A donde vayamos en Ucrania… la comida está al centro de la resistencia!”, escribió el chef español en Twitter.

UNA OLLA QUE ALIMENTE AL MUNDO En los meses anteriores, José Andrés y yo pasamos tiempo juntos en Chicago, donde abrió dos nuevos restaurantes, y en su base de Washington D.C. Parecía entonces que la pandemia de COVID-19 —durante la cual WCK ofreció ayuda a 2 mil 500 restaurantes en 400 ciudades dentro de

FOTO: GETTY IMAGES.

MACIE J MROCZKA

incontables esfuerzos menores que, en el proceso, han convertido a Andrés en una estrella humanitaria. Aunque es mucho más pequeña que otros organismos; como la Cruz Roja, World Central Kitchen ha dejado una marca enorme, en parte por su gran líder, y también por la estrategia que tienen de usar recursos locales. “Somos como el Airbnb o el Uber de la ayuda”, me había dicho José durante el invierno pasado.

Mroczka y su food truck se encontraban estacionados en la frontera de Korczowa, sirviendo

Estados Unidos, pagándoles para proveer de comida a quienes lo necesitaban— había sido la calamidad para la cual él y la World Central Kitchen habían estado preparándose sin saberlo. Ahora, fue este nuevo desastre creado por el hombre que parecía poner a prueba el completo rango de sus estrategias y recursos.

Pensé en una conversación que tuvimos en una tarde fría de diciembre, parados en el patio de su nuevo restaurante. “La forma en que lo veo, ahora mismo con WCK tengo la red más grande y poderosa de hardware en la historia de la humanidad”, dijo.

“Porque, a mis ojos, cada cocina ya es nuestra. Y cada auto, y cada bote y cada helicóptero. Cada cocinero es parte de nuestro ejército, incluso si no lo saben aún”.

Tomó una calada a su puro y reflexionó: “No lo digo tan abiertamente porque la gente creerá que estoy loco. Es solo la forma en que lo veo: Somos la organización más grande en la historia de la humanidad. Incluso si solo tenemos a 75 personas en nómina”.

Cuando José Andrés dice que quiere alimentar al mundo, no es una metáfora. Lo dice en serio.

Se hizo famoso alimentando a los afortunados, en un héroe haciendo lo propio con los desafortunados, y, mientras tanto, ha hecho el esfuerzo de dar de comer a todos los que están en medio. El ibérico suele invocar a Tom Joad en Las viñas de la ira: “Donde haya una pelea para que las personas hambrientas puedan comer, ahí estaré”. Su omnipresencia puede llegar a ser cómica: en un momento escuchas sobre un desastre en algún lugar en el mundo y al siguiente, ahí está en tus redes sociales. “Es como si estuviera en todos lados al mismo tiempo”, dice el golfista Sergio García, amigo de Andrés y también originario de España.

“Sabes que no puede ser cierto, pero se siente de esa forma”.

Hay operaciones que quizá has olvidado o de las que sólo escuchaste un poco: los equipos y pasajeros varados en naves de crucero atracadas en Japón y en Oakland durante el inicio del COVID; incendios en el Bronx y en Boulder County, Colorado; tifones y tsunamis en

las Filipinas e Indonesia; la erupción volcánica de La Palma, España; la explosión de municiones en Beirut. En el verano, son incendios; huracanes en otoño. Andrés y su equipo saben tanto por las tormentas que han vivido, que pueden sonar como maestros de kinder pasando lista: Sally, Michael, Laura, Ida, Sandy. Si la emergencia se ha vuelto la condición permanente de nuestro planeta, es difícil pensar en una sola cara más asociada con afrontarlo que la de José.

Hace algunos años, un periodista le preguntó que si pudiera inventar cualquier cosa, ¿qué sería? “La olla que alimenta al mundo”, respondió el chef. Esa historia surgió recientemente mientras Andrés se sentaba con algunos miembros de su equipo en los cuarteles generales de ThinkFoodGroup, en Washington D.C. Al tiempo que todos reían, José pausó y consideró de nuevo la olla mágica, de nuevo el desliz elegante hacia lo pragmático. “Creo que probablemente podría suceder”, dijo. “Quizás”.

Podías sentir a los miembros de su equipo hacer una nota mental de que esto podría ser algo que se tendría que investigar. Decir que Andrés quiere alimentar a cada humano en la tierra no es tan preciso, así nos refiramos a los humanos o a la Tierra: No mucho antes de la conversación sobre la olla mágica, uno de los chefs de del equipo de investigación y desarrollo, trabajando en la cocina fuera de su oficina, había abierto una bolsa de vacío gris para dejarme probar un pisto con cerdo Ibérico programado para servirse durante la misión Axiom Space’s Ax-1 a la Estación Espacial internacional. No mucho después, Andrés meditó en voz alta sobre otro posible frente en la misión: comida para mascotas.

Es absurdo. Casi infantil. Pero los números no mienten. Desde 2010, World Central Kitchen ha servido cerca de 70 millones de comidas en prácticamente cada esquina del globo. Lo que alguna vez fue una organización sin fines de lucro con dos empleados ofreciendo ayuda ad hoc, a veces con la tarjeta de crédito de José Andrés; recaudó casi 270 millones de dólares en 2020. Jeff Bezos salió de su nave espacial New Shepard, con sombrero de vaquero aún en la cabeza, para anunciar un premio de 100 millones de dólares para que José los gastara como deseara, y desde entonces destinó una porción para trabajar en Ucrania. E incluso, todo eso es apenas una pequeña muestra de la visión final del ibérico. WCK recientemente estableció un Fondo de Desastre Climático de mil millones de dólares.

José Andrés también maneja un imperio restaurantero.

ThinkFoodGroup (TFG) ocupa tres pisos en un edificio en Penn

Mientras tanto, WCK opera principalmente de forma remota, usando un juego de oficinas de WeWork como cuartel general de D.C. Las dos organizaciones han aprendido a operar sin la presencia física de su líder, cada uno haciéndole espacio para que vuelva a entrar con un empujón, cuando regrese de sus negocios con la otra. Algunos ven ciertas contradicciones inherentes en los dos lados de la vida de Andrés. Si crees que el capitalismo es la raíz de la mayoría de los desastres, naturales y creados por los humanos, entonces José quizá no sea tu tipo.

“Tengo que ganarme la vida”, dice encogiéndose de hombros, cuando le pregunto si piensa renunciar a esa parte. Como todo restaurantero en Estados Unidos, los últimos años le han parecido difíciles. Asegura que perdió entre 20 y 30 por ciento de su propio capital en TFG durante la pandemia, solo manteniendo las puertas abiertas.

Admito un toque de cinismo cuando el equipo de José Andrés me invitó a conocerlo por primera vez en la apertura de sus nuevos restaurantes en Chicago, en vez de hacerlo en una operación WCK (“Ahora todos quieren venir a las emergencias”, después me diría con un suspiro). Al final, vendría

“Donde haya una pelea para que las personas hambrientas puedan comer, ahí estaré”, sentencia el chef españolestadounidense José Andrés.

Quarter, donde el chef también tiene seis de los 28 restaurantes que opera en siete ciudades a través de Estados Unidos, al igual que en Bahamas (con proyectos para Los Ángeles y Nueva York en camino).

Estas incluyen Jaleo, el local que lo trajo a D.C. a los 23 años y que hizo que emergiera también la era de las tapas; y Minibar, el lugar de prueba de menú con 12 asientos que se encontraba entre los primeros en Estados Unidos en usar la gastronomía molecular que Andrés conoció como un joven cocinero en el legendario El Bulli en España. En una de las tardes que estuve ahí, la oficina se sacudía con diseñadores, personas de marketing, cocineros de investigación y desarrollo, un chef de visita desde Barcelona audicionando para un empleo, y el equipo del recién creado José Andrés Media. También había un maestro tallador de jamón, quien me dio la sensación de que únicamente estaba paseando, como un samurai itinerante, por si algún jamón apareciera necesitado de ser magistralmente tallado —lo cual, para ser justos, no parecía poco probable—.

a ver las dos mitades de su vida como una extensión de la visión central que impulsa a World Central Kitchen: que el conjunto de habilidades y el temperamento que se necesita para dar de comer a personas en un restaurante —emprendedurismo, pragmatismo, improvisación, energía, planeación y, sí, carisma y celebridad— son únicamente apropiadas para alimentarlos en una emergencia. Y que los dos surjan del mismo impulso elemental casi demasiado simple: el de alimentar.

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DEL NOBEL A LA BEATIFICACIÓN Hay una mujer en Honduras que cree que José Andrés quizá pudo haber curado su cáncer. Una vez, en un juego de playoffs de los Wizards, salvó a un hombre de ahogarse con un pedazo de salchicha, haciendo la maniobra de Heimlich y después ocultándose en la multitud, sin dejar pista de su identidad más que el estilo con el que le sirvió a la víctima un vaso de agua. “Podías asegurar que había trabajado en hospitalidad”, le dijo el rescatado al Washington Post.

Hay islas enteras en el Caribe donde es imposible que Andrés se compre una bebida. La más joven de sus tres hijas finalmente exigió que quitara el logo WCK del Jeep de la familia, ya que atraía a muchas personas queriendo

prefiere decirlo, “enojón”) e inspirado, humilde y vanaglorioso, generoso con los equipos de personas que tienen la tarea de llevar a cabo sus visiones, e inadvertido a los quiebres que sus impulsos cambiantes pueden crear entre sus filas. A veces te sientes en compañía del anfitrión consumado, en ocasiones como si estuvieras atado a Ahab.

Fui a la fiesta de apertura de sus restaurantes en Chicago, donde están puestos uno sobre el otro en el nuevo rascacielos de Bank of America. Abajo, en el Bar Mar —enfocado a los mariscos— los invitados interactuaron bajo una escultura enorme de un pulpo brillante y comían sashimi de atún español. Arriba, en el Bazaar Meat, estaciones ofrecían los clásicos de Andrés: las olivas esferificadas que aún son un pequeño brote salado de alegría; el algodón de azúcar de foie gras que todavía es ligeramente nauseabundo. Por supuesto, también había jamón ibérico, el tesoro español que José fue responsable de popularizar en Estados Unidos, además de llevarlo en primer lugar, pasando por un campo de batalla de problemas regulatorios en los 90.

Mientras avanzaba entre los restaurantes, José Andrés se detuvo por una selfie cada varios metros. Posó para una foto sosteniendo una pierna de Ibérico sobre su hombro. Una vez llegó a pesar 136 kilos, pero perdió 31 en la pandemia, con ayuda de una dieta de 21 días en unas instalaciones en España. Su aspecto más delgado, la barba blanca y su gorra de vendedor de periódico le han dado el aspecto del viejo mundo, parecido a Zorba o a Hemingway. Se ve más maduro que sus 52 años, pero de alguna forma más poderoso

En casa, dijo, a veces se preocupaba si estaba fracasando. En el campo, era muy simple: “¿Estamos alimentando a todos o no? Si no es así, necesitamos mejorar”. decir gracias; José se queja de que tiene más multas de estacionamiento ahora. Ha convertido a la mitad de sus seguidores de redes sociales en un comité nominador al Premio Nobel, mientras que sus fans más apasionados quieren una beatificación (fue, de hecho, oficialmente nominado para el Nobel de 2019, siguiendo su trabajo en Puerto Rico después del Huracán María). En cada espacio de sobra y superficie de sus oficinas y su hogar en Bethesda, Maryland, hay pequeños montones de premios, citaciones, placas y otros trofeos.

Las Relaciones Públicas de Andrés son tan impecables que, a decir verdad, casi se puede perder de vista el hecho de que son Relaciones Públicas. ¿Cómo escribes sobre un Santo? Ayuda el hecho de que el ibérico no oculte sus características más mortales. Pasar tiempo con él es obtener el sentido de un hombre sin filtros y pleno. Se emociona, contempla, es irritable (o, como

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que cuando era joven. Platicó con Erharin Cousin, una vez director del Programa Mundial de Alimentos de las Naciones Unidas (WFP por sus siglas en inglés), quien ha estado buscando su apoyo para una conferencia en la Casa Blanca sobre asuntos de alimentación, la primera en su tipo desde 1969. Nunca lejos de él estaba su jefe de personal, un joven de 30 años, ex-voluntario del Cuerpo de Paz, llamado Satchel Kaplan-Allen y cuyo portafolio incluye un poco de todo, desde estrategia política hasta hacer planeación para sacar copias. Esa noche, bromeó, uno de sus deberes era asegurarse de que en las docenas de conversaciones que tuviera su jefe “no prometiera hacer nada que después tuviera que hacerse”.

La mañana siguiente, Andrés y yo nos sentamos en el bar de Topolobampo, el restaurante Mexicano seminal de Rick Bayless, tomando Margaritas y comiendo guacamole a las 11 de la mañana.

Pregunté qué hubiera pasado si, durante la fiesta, un huracán hubiera dado un giro peligroso en el Golfo o si una explosión hubiera devastado una ciudad en Venezuela. Incluso mientras seguía tomándose selfies, explicó que comenzaría una serie de eventos. Los canales de WhatsApp de WCK brotarían con vida; especialistas en clima serían consultados y los mapas serían descargados en el teléfono en caso de que se interrumpa la conexión. El equipo comenzaría a moverse de uno de los Centros de Operaciones de Socorro de la WCK, localizados en los suburbios de Maryland; Oxnard, California; y pronto en Nueva Orleans: vehículos anfibios, purificadores de agua, hornos solares; la llamada unidad de cocina desplegable (o DKU por sus siglas en inglés), una cocina de campo con un domo geodésico de 3x3 metros que se almacena en contenedores modulares lista para ser apilada en un avión o un camión.

Mientras tanto, si la situación garantizaba que Andrés viajara al área afectada, se harían reservaciones, tomaría una de varias

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mochilas preparadas y, para el momento en que saliera de las puertas del restaurante, subiría a un auto que le esperaría con un plan preparado. Al día siguiente, ahí estaría, en tu timeline de Twitter transmitiendo desde la locación en cuestión.

En su teléfono había una lista de canales de WhatsApp dedicados a varias operaciones WCK. Abrió un mapa de Haití cubierto en pines digitales. “Visitamos cada uno de estos puntos todos los días”, mencionó. Dando clics en cada sitio, podía ver un reporte detallado de las comidas servidas y a quién se le habían dado.

Esa mañana había comenzado con una cita con Richard Wolffe, director de la recién establecida empresa de medios de José Andrés, sobre una nueva serie de TV en España.

Antes de que el día terminara, el chef revisaría el menú de apertura del Bar Mar, filmaría un segmento para The Daily Show With Trevor Noah, discutiría la inseguridad de alimentos y se dirigiría a la cima de la Torre Willis para asistir al Club Ejecutivo de Chicago, donde le habló a líderes de negocios sobre la necesidad de eliminar estructuras gerenciales piramidales. ¿Sorprende que sus despliegues de WCK parezcan una especie de ayuda? “Todo lo demás se cae”, dijo.

Uno de sus rituales al tocar el piso es dividir un mapa del área afectada y subir a un Jeep, a veces solo, a buscar a las personas que necesiten agua y comida.

Usualmente, trae montones de efectivo, por si se encontrara a, digamos, un pescador al que le pueda comprar toda su pesca de langosta, como sucedió en la isla colombiana de Providencia después del Huracán Iota en 2020. En casa, dijo, a veces se preocupaba si estaba fracasando. En el campo, era muy simple: “¿Estamos alimentando a todos o no? Si no es así, necesitamos mejorar”.

TODOS PODEMOS SER JOSÉ ANDRÉS La mayor parte del mundo tuvo la primera “probadita” del estilo de José Andrés en junio de 2015, cuando Donald Trump comenzó su campaña presidencial al decir

que los inmigrantes mexicanos eran narcotraficantes y violadores. El chef canceló los planes para abrir un restaurante Japonés-Español en el nuevo hotel de Trump en Washington, estableciéndose como uno de los críticos públicos más prominentes del mandatario, y uno de los pocos con un sentido intuitivo de cómo trollear a un troll. En Twitter, Andrés se burlaba diciendo que su

de crédito, planeando quedarse unos cuántos días. Su estancia se prolongó tres meses y sirvió más de 3.7 millones de comidas, básicamente en lugar de una respuesta federal inexistente. Según Nate Mook, ex documentalista que se unió a José en Puerto Rico y que después se convertiría en el primer CEO de WCK, fue una prueba de concepto: “Estábamos profesionalizando el trabajo que

íbamos hacia el Loop de Chicago, con José avanzando a través del viento con cortas zancadas y mochila ajustada a su espalda. Pero ahora nos deteníamos en seco en una esquina. Lo había hecho enojar. “¿De qué carajos estás hablando?”, me dijo. Lo que había comentado es que la mayoría de los estadounidenses no se sentían libres para tocar las puertas de sus representantes y expresar sus opiniones, incluso si, como dijo Andrés, era una característica única de la democracia estadounidense. “¡Sí puedes! ¡Es uno de tus deberes como ciudadano!”, continuó.

“Carajo. Me molesta mucho cuando la gente me dice: ‘Oh, hiciste que esto pasara porque eres José Andrés’. Cuando

FOTO: CORTESÍA DE WORLD CENTRAL KITCHEN.

José Andrés en una operación de World Central Kitchen en Lviv, Ucrania (marzo 2022).

declaración en la futura demanda sería más larga que la del presidente, cuya obsesión con el tamaño es bastante conocida.

Pero la reprimenda más dura a la administración de Trump vendría después del huracán María, el cual pulverizó a Puerto Rico en septiembre de 2017, dejando 3,000 personas muertas y un territorio estadounidense paralizado. Andrés fue a la isla con dos chefs y una cartera de tarjetas

hacemos. Mostramos un nuevo modelo, una nueva forma de hacer esto”, dijo. “Y fue algo que podíamos hacer alrededor del mundo, desplegándonos en poco tiempo y estar en primera línea”.

Cuando caminas junto a Andrés y empieza a apasionarse sobre lo que dice, se dirigirá hacia ti, dando énfasis en cada punto con un pequeño y asertivo golpe en el antebrazo. El mío comenzaba a doler mientras

fui con el Primer Ministro de Bahamas y le comenté que necesitaba un jodido helipuerto, ¿crees que sabía con quién estaba hablando? Si hubiera sabido que era chef, probablemente me habría tomado menos en serio. Sólo vio a un tipo que estaba muy determinado y casi un poco molesto. ¡Así que todos podemos ser José Andrés!”. ¿Quién habla de esta forma en 2022? Es lo que hizo que el chef español fuera un contraste natural y efectivo frente a Trump: Realmente cree en todo esa parte de Estados Unidos que Donald considera que es para perdedores. Es el fervor arquetípico de un inmigrante.

Cuando le pregunto qué es lo que le hizo decidir convertirse en un ciudadano naturalizado estadounidense

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desde Zaytinya, su restaurante Mediterráneo en la novena calle, a Jaleo en la séptima. No se puede exagerar la importancia de que haya terminado en Washington, en el camino de su activismo y trabajo. “Nada hubiera pasado si no estuviera aquí”, dice. En Nueva York o San Francisco, los engranajes del poder y cómo trabajarlos hubiera sido algo abstracto; en D.C., eran literales y al alcance.

El ex-senador de Nueva York, Daniel Patrick Moynihan, vivía alrededor de la cuadra de Jaleo y era un cliente regular y un

José Andrés juega con unos niños del Orfanato Zanmi Beni de Puerto Príncipe, Haití.

Río de Janeiro y luego… ¡Pensacola! “La ciudad de las cinco banderas”, como el chef se refiere a ella, como si el pueblo mendigo de Florida aún fuera un puerto exótico como cualquier otro en el mundo. Probó su primer pastel de cangrejo y su primer cangrejo de caparazón blando y quedó enganchado.

Andrés nunca ha dejado de ser un hombre militar. En los primeros días de COVID, llevó a su equipo senior a que se hicieran cortes al raso con un barbero en el Barrio Chino de Oakland. “Dije: ‘ahora somos Marines’”, afirmó. ¿Y cuál es la visión de WCK si no es una de los que el viejo imperialismo americano puede lograr?

En enero, el Smithsonian anunció que el retrato de Andrés sería colocado en la Galería Nacional de Retratos; el chef no tenía que imaginar cómo se vería.

Durante años, José ha usado los dos lobbies y el patio interior de la galería como el camino más directo

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amigo. Andrés aprendió a navegar por el Capitolio, cabildeando para legislaciones, sentándose en consejos. El ex senador republicano Lamar Alexander vino al restaurante para mostrar jitomates Grainger County de Tennessee, y José le podía decir: “Me encanta que ames estos tomates. ¡Espero que pases la legislación para protegerlos!”.

El impacto más grande de José Andrés para el futuro podría ser como un experto en política, inteligente, práctico y de alto perfil. Incluso durante su pelea con Trump, él y el equipo de

World Central Kitchen mantuvieron comunicación constante con miembros de la administración, incluyendo a Ivanka.

Senadores de ambos partidos se han alistado para visitar y ser fotografiados en las operaciones de WCK en la frontera de Ucrania. El presidente Biden hizo una visita cuando estuvo en Varsovia en marzo.

Andrés es un miembro clave del Grupo de Trabajo de Seguridad Alimentaria y Nutricional del Bipartisan Policy Center, un think tank que “busca impulsar la salud, seguridad y oportunidad para todos los estadounidenses”, el cual ha estado apoyando la legislación para extender los programas de nutrición infantil. Es prudente sobre exactamente quién puede estar en su agenda de contactos, aunque las entrevistas secundarias que me ofrece su equipo me sugieren que es un roster grande e influeyente. La vicepresidenta Kamala Harris envió una declaración notando su trabajo en conjunto con Andrés en el Acta FEED, una legislación de 2020 que permitía al gobierno federal pagarle a los restaurantes para que ofrecieran comidas de socorro. “Su labor es un recordatorio para todos que nuestras mesas siempre son lo suficientemente grandes para darle la bienvenida a aquellos que lo necesitan, y una persona como él puede tener un impacto monumental en la vida de la gente”, dijo Harris. El senador republicano de Carolina del Sur, Tim Scott, un co-patrocinador del Acta FEED, también dio su opinión notando que la legislación había sido inspirada por el modelo WCK. “Nunca tuve nada en contra de los republicanos”, dice Andrés. “Tengo algo contra un republicano”.

HASTA LOS SANTOS SON CRITICADOS “Todo nuestro modelo de respuesta a desastres es uno en el que los extranjeros van a un lugar para ‘salvar’ ese lugar, y no creo que sea un buen modelo”, dice Devin De Wilf, el fundador de una ágil y creativa organización sin fines de lucro en Nueva Orleans, llamada la Krewe of Red Beans (Krewe de Frijoles

FOTO: GETTY IMAGES.

en 2013, piensa durante casi medio minuto. “Porque en la vida, ¿eres 100 por ciento o no lo eres?”, finalmente sentencia. “Te estás mojando o no lo estás haciendo.

Y yo tenía que hacerlo. Si quería tener una voz más grande, no podía estar afuera”.

Andrés se embarcó hacia el Nuevo Mundo como Cristóbal Colón, en el aparejo del Juan Sebastián de Elcano, un barco de cuatro mástiles de la armada española. Se había ido temprano de casa, primero encontrando trabajo en cocinas de Barcelona y después, junto a Ferran Adrià, en El Bulli. Ese pedigree le consiguió una posición como chef privado para un almirante ibérico cuando tenía que hacer su servicio militar obligatorio; pero en vez de eso, José llegó a Juan Sebastián de Elcano como cocinero. Había visto el navío en el puerto con su padre cuando era niño, y ahora lo llevaba al mundo entero: Las islas canarias, Abidjan, Montevideo,

Rojos). En 2020, mientras Nueva Orleans experimentaba una difícil primera ola de COVID-19, su institución recaudó un millón de dólares en seis semanas para pagarle a 45 restaurantes locales para que ofrecieran comidas a los trabajadores de salud de primera línea, sólo para ver a WCK llegar y esencialmente hacerse cargo.

“Creo que todos los desastres deberían ser manejados de forma local, porque a los locales les importa su comunidad. Los locales entienden el panorama cultural y el político de una manera que alguien que está cayendo en paracaídas al sitio no lo hará”.

Andrés y Mook dicen que todo el modelo de World Central Kitchen es conectarse con los recursos locales, con un énfasis cada vez más importante en dejar infraestructura en su lugar cuando se vaya. Pero, José añade: “Lo que he aprendido es que en esos eventos, la gente regional está muy abrumada. No tienes el dinero para empezar desde cero.

Recaudar toma mucho tiempo.

Las personas donan cosas que no necesitas. Por eso una organización como la nuestra viene con un sentido claro de la mejor respuesta y entonces encima de eso funciona con locales”.

El español oscila entre la aceptación y la frustración ante esta y otras críticas. “Es gracioso, porque justo ahora únicamente necesitas una persona que diga algo acusatorio y un periodista que escriba esa acusación, quizás dos para que sea plural, y después es: ‘La gente está diciendo…’. ¡No es gente diciendo nada! Es una persona”.

Se detiene al despotricar. “Me empiezo a sentir como Trump con sus ‘fake news’”, refunfuña.

Parece indiscutible que José Andrés, el humanitario, tenga un efecto positivo en José Andrés, el empresario. Las noticias en las redes sociales que muestran sus llegadas a Kiev y otras áreas de desastre, le da también a ese más de millón de seguidores noticias de sus aperturas de restaurantes y colaboraciones comerciales, como una con Capital One, a veces con una impresionante cercanía.

Andrés señala que su trabajo de ayuda también distrae de su

negocio principal. “Cuando desaparezco en medio de Puerto Rico por 90 días, no es sólo por esos 90 días. También es el tiempo que me toma regresar mentalmente hablando”, afirma. “Créeme, si pusiera 100% de mi energía en mi empresa, sería mucho más exitosa. Cuando la gente dice: ‘José, te beneficias de todo esto’. ¿De verdad? ¿De verdad? Prefiero tener mi vida de antes”. ¿Lo dice en serio? “No”, responde, sacudiendo su cabeza. “Me gusta ayudar a las personas; pero al mismo tiempo, sabes, podría estar en el juego de celebridades Ryder Cup y me encuentro en las montañas de Haití. ¿Qué quieres que te diga? También tuve una buena vida antes de todo esto”.

Esto es al final de un largo día en Washington, D.C. Es una de esas noches cuando Andrés cambia de pensar sobre qué hacer cada pocos minutos: El crítico de restaurante para el Washington Post está en el minibar, así que debería hacer una parada ahí; un grupo de chefs españoles vienen de visita a su casa para ver a Rafael Nadal en la final del Abierto de Australia, así que quizás todos cocinarán. Finalmente, decide no hacer ninguna de las dos, optando en su lugar por entregarle un camión lleno de comida de su restaurante peruano-chino-japonés, China Chilcano, a su hija Inés, una estudiante de Política Exterior en la Universidad de Georgetown, e ir por cangrejos.

José Andrés ignora religiosamente el consejo de Siri mientras manejamos fuera del centro de D.C. por la autopista Clara Barton, y a través de las calles adormecidas de Bethesda hacia la luz solitaria del restaurante. Andrés ha llamado a su esposa Patricia, quien es de Cádiz y trabajaba en la Embajada española cuando lo conoció. Se casaron hace 26 años. Tiene el equilibrio tolerante y cálido de una Primera Dama y la seguridad de una mujer que usa un abrigo blanco en una casa de cangrejos. Los dos son burlonamente cariñosos. “Siempre he pensado que es un hombre gracioso”, confiesa Patricia cuando le pregunto cuál fue la primera impresión que le dio su esposo. “¿Por qué no puedes decir que era el tipo ardiente?”, se queja él.

El chef infatigable está cansado. “A veces sólo quiero ser como mi madre y mi hermano cuando me alimentaban junto a mis hermanos.

Cuando mi padre alimentaba a sus amigos. No más, no menos. Sin drama. ¿Vendrá más gente? Manda más arroz”, dice. “Me convertí en

sigue. De cualquier forma, en unos días Vladimir Putin dará una respuesta, al menos temporalmente. Pero ahora, Andrés se ilumina mientras una bandeja de cangrejos aterriza en la mesa.

“Okay, pon atención”, exclama.

Toma uno y rápidamente le quita todas sus piernas, poniéndolas a los lados. “Boom. Ahora estamos en un buen momento. ¿Estás conmigo?”.

Con su pulgar, le arranca la boca al crustáceo, y después levanta la parte de arriba de su carapacho. Quita una capa de branquias esponjosas, y usando un cuchillo de plástico marca las líneas del caparazón suave por debajo. “Ahora, esto es muy importante. Tengo la apertura perfecta al cuerpo. ¿Por qué? Porque estoy escuchando al cangrejo. El cangrejo me dice dónde cortar”, asegura mientras saca un dedo intacto y perfecto de carne blanca. Se lo da a Patricia. “¿Me sigues?”.

“Los cangrejos son buena gente. Quieren que yo tenga éxito. Aunque estén muertos”, dice. Derrama mantequilla en la pila de carne, añade un chorro de vinagre blanco y un poco de polvo de especias. “La vida es sobre saber cómo comer”,

“Su labor es un recordatorio para todos, que nuestras mesas siempre son lo suficientemente grandes para darle la bienvenida a aquellos que lo necesitan”, aseguró la vicepresidenta Kamala Harris acerca del trabajo de José Andrés. esposo antes de que me convirtiera en un chico grande. Te conviertes en papá antes de ser un buen esposo. Necesitas ser un empresario adulto antes de que sepas cómo ser un chico cocinando en la cocina, y nada viene con instrucciones”.

Abre una botella de vino. “Quiero terminar la hambruna en India.

Quiero terminar el hambre en África. Y soy lo suficientemente loco y atrevido para pensar que puedo hacerlo”, sentencia. “Pero después dirás: Aún tengo una hija que me necesita cerca. Y yo también la necesito. Y mi esposa y mis compañeros me necesitan. Y todo está aquí”. Se da palmadas en los hombros. “Todo está aquí”.

Quizás esta ambivalencia es sólo un humor. Tal vez, conforme se disipe el COVID y WCK opere más como una máquina bien aceitada con o sin él, José se siente a la deriva, inseguro sobre lo que

asegura seriamente. “Todos creen que se trata sobre cocinar, pero es más importante saber cómo comer”. Toma una cucharada del caparazón, lo extiende a través de la mesa, a poco de mi boca. Mis manos están llenas con un cuaderno de notas y una pluma. Así que veo a ambos lados, me inclino hacia enfrente y antes de que lo note, José Andrés también me ha alimentado.

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POR DOLY MALLET

FOTOS RICARDO RAMOS

REALIZACIÓN SOMETHING WONDERFUL

Aunque acostumbrado a interpretar a adolescentes tanto en teatro como en series y películas, Alejandro Puente nos habla sobre la Generación Z y de cómo es vivir los veintitantos hoy en día.

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Traje y camisa, Dolce & Gabbana ← EN ESTÁ PÁGINA

VECTOR TIPOGRÁFICO: GETTY IMAGES.

Camisa, Chava

“PARA MÍ, LA MODA ES PODER PONERME UN DÍA UN TRAJE Y AL OTRO UNA FALDA, USAR FLORES O UNA GORRA Y JEANS”.

siempre fue un buscador. Después de estudiar violín por ocho años, encontró nuevas emociones en la actuación al cumplir los 16. “Me enamoré y decidí que esto iba a ser mi vida”, nos platica en exclusiva, una mañana después de hacer ejercicio. Estudió en México en Bellas Artes y posteriormente en la AADA (The American Academy of Dramatic Arts) en Nueva York; al regresar a su país natal, se quedó en la exitosa puesta en escena de La sociedad de los poetas muertos, en donde encarnó a Todd Anderson, interpretado en la película de 1989 por Ethan Hawke. “Todd es muy diferente a mí. Él es muy tímido y yo no, entonces pude conocer nuevas partes mías”, rememora.

Después de estar casi un año en la obra, el golpe internacional se dio con El Club, el serial de Netflix donde compartió créditos con Alejandro Speitzer y Minnie West: ALEJANDRO PUENTE

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Saco, camisa, bermudas y broche, Saint Laurent Botas, Gucci ← EN ESTÁ PÁGINA

Suéter, Hermès Broche, Saint Laurent

“Sabía lo que era que las personas me abrazaran llorando afuera del teatro, pero no conocía cosas como que me escribieran de Grecia o de Italia, que me manden mensajes bonitos, pero también unos que no lo eran tanto. Y es que no es lo mismo leer una reseña profesional, sea buena o mala, que te manden un DM en Instagram. Fue algo nuevo y creo que ya me acostumbré, pero sí me revolucionó completamente y lo agradezco muchísimo”.

A pesar de ello, lo más mediático estaba por venir. En la nueva adaptación de Rebelde interpretó a Sebas, su primer villano, y eso le abrió las puertas a un abanico de distintas reacciones por parte del público: “Cuando tocas algo tan importante para muchos, se pueden poner a la defensiva. Nos tomó tiempo ganarnos a los espectadores, muchos meses de esfuerzo. Me pareció

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Camisa y pantalón, Fendi

Traje, Christian Dior Botas, Gucci Aretes Tiffany Knot usados como broche, Tiffany & Co. MAQUILLAJE Y PELO: ERICH CLEMENZ LOCACIÓN: POSADA DEL TEPOZTECO, EN TEPOZTLÁN, MORELOS @PDELTEPOZTECO

raro que se sintieran atacados, pero también hubo jóvenes que se conectaron con la historia”.

La segunda temporada del serial se estrena este año y da un giro interesante, con un tono más oscuro, en el que Sebas ya no tendrá la misma fuerza antagónica, pero sí conflictos más maduros. Esto emociona a Alejandro, porque, aunque le gusta interpretar a adolescentes, poco a poco quiere empezar a contar lo que vive a sus 20. “Fui un adolescente muy, muy rebelde, pero ni era popular, ni tenía 30 novias. Entonces, poderlo vivir ahora, a través de un papel, también es muy bonito”, acepta y continúa diciendo que “lo importante de mis veintes es que escribo mis propias reglas.

Nunca me ha interesado seguir otras. Es muy raro tener veintitantos, porque pensé que todo se iba a tranquilizar y no, se vuelve más complejo, las emociones están a flor de

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Traje, Ermenegildo Zegna Camisa, Acne Studios en Silver Deer Zapatos, Salvatore Ferragamo

piel. Se transforma en un chiste explicar a los baby-boomers nuestra edad, porque no es lo que ellos sintieron. Ellos creen que saben lo que queremos, pero no y eso es cansado.

Ya no estamos cómodos con lo que antes era considerado como ‘normal’, ahora somos quienes queremos ser, individuos propios, y lo vivimos con ganas, felicidad y orgullo”.

Uno de los principales cambios en la Generación Z es romper los conceptos binarios, haciendo que los roles de género sean mucho más fluidos, además de que el significado de masculinidad se ha transformado. “Las oportunidades son infinitas, se expanden cada día más. Yo me identifico como un hombre cis-género; sin embargo, la masculinidad es una fuerza tan necesaria como la feminidad, ambas son un balance y me gusta abrazar las dos. No soy de una sola nota, tengo muchas versiones,

“LA MASCULINIDAD ES UNA FUERZA TAN NECESARIA COMO LA FEMINIDAD, AMBAS SON UN BALANCE Y ME GUSTA ABRAZAR LAS DOS”.

Suéter y pantalón, Salvatore Ferragamo Collar y pulsera Tiffany Hard Wear, Tiffany & Co.

Camisa y pantalón, Gucci Mascada, Hermès

“ES MUY RARO TENER VEINTITANTOS, PORQUE PENSÉ QUE TODO SE IBA A TRANQUILIZAR Y NO, SE VUELVE MÁS COMPLEJO, LAS EMOCIONES ESTÁN A FLOR DE PIEL”.

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Pantalón, Louis Vuitton ←

muchos colores y la oportunidad se da en romper lo que antes pensábamos que era masculino”, reflexiona.

Una de las mejores formas de expresar lo anterior es a través de la moda, la cual, para Alejandro, “es libertad y no le tengo miedo. Esas ideas arcaicas conmigo no van.

Me pinto las uñas dependiendo de mi día, uso falda si se me ve cool, es una manera de divertirme y de comunicarme. El otro día fui a una fiesta donde había más millennials, yo iba vestido como usualmente lo hago y la recepción sí fue diferente. Si voy con mis amigos más chicos, a nadie le importa, celebramos lo raro. Para mí, la moda es poder ponerme un día un traje y al otro una falda, utilizar flores o una gorra y jeans”.

Pero lo más sorpresivo es que lo veremos vestido de zombie en la nueva película de horror y comedia

EN ESTÁ PÁGINA

Chaleco, pantalón y botas, Gucci Aretes Tiffany Knot usados como broche, Tiffany & Co.

dirigida por Chava Cartas (Mirreyes vs Godinez, 2019), titulada Mexzombies: “La grabamos antes de pandemia en Durango y ha sido mi experiencia más profesional en cine. También es de adolescentes, pero con un tono sombrío, así que me encantó”. Además de ello, durante el confinamiento, Alejandro siguió otra de sus pasiones y decidió contar sus propias historias. Así escribió su primer proyecto, Adiós Hamburgo, el cual también dirigió. Después, hizo otro corto: Verónica.

Para continuar con esta faceta, ahora prepara la preproducción de su primera serie: “He trabajado con realizadores buenísimos y no les llego ni a los talones, entonces no quiero dirigir, por lo menos no ahorita. Me gusta escribir y producir porque es necesario, pero lo que prefiero es actuar”, remata.

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No te pierdas nuestra historia con Rosalía en la página 52 Tank Top, Louis Vuitton Goggles, vintage

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