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ALCANZAR LA CIMA ES SOLO EL COMIENZO < u*-\:{ \-C$< B <d B \ UX B- I < BiC I

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AÑO 75 · Nº 2137 · NOVIEMBRE 2021 fotogramas.es

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M U LTI PA N TA L L AS

‘SUCCESSION’

¿LOS RICOS TAMBIÉN LLORAN?

8

3€ (Canarias 3,15 €, Andorra 3 €)

LA PRIMERA REVISTA DE CINE

‘HISTORIAS PARA NO DORMIR’

LOS CUATRO FANTÁSTICOS DEL TERROR

‘TODO LO OTRO’

ABRIL ZAMORA, A LA CONTRA

R E P O RTA J E S

‘WAY DOWN’

FREDDIE HIGHMORE Y LUIS TOSAR REVIENTAN EL BANCO DE ESPAÑA

‘ETERNALS’

LOS NUEVOS GALÁCTICOS DE MARVEL

‘LIVE IS LIFE’

EL VERANO DEL 85 DE DANI DE LA TORRE ‘SPENCER’ P ROTAG O N I STAS

JANE CAMPION ADRIEN BRODY DANIEL BRÜHL CARLOS SAURA THOMASIN MCKENZIE HOMENAJE 75º A N I V E R SA R I O

CONCHA VELASCO LA ARTISTA TOTAL

RETRATO DE UNA PRINCESA EN LLAMAS

SUMARIO

8 11 20 38 20 27 28 48 52 60 66 70 72 73 74 76 77 78 79 80 81 83 85

Con permiso de Clint Eastwood y Woody Allen, Sir Ridley Scott es el cineasta veterano más en forma del planeta. Con cinco décadas en la industria y un ritmo de producción envidiable, en noviembre cumple 84 años, y lo celebra con dos estrenos: El último duelo, el 29 de octubre, y La casa Gucci, el 26 de noviembre.

Foto: Pablo Sarabia.

Foto: Carin Backoff/Trunk Archive.

Un buen año

SECCIONES La Firma Invitada.

Críticas.

Cinefilia.

News.

ENTREVISTAS Roberto Álamo, por Josefina.

Manu Gómez, por Érase una vez en Euskadi.

Andoni Canela, por Panteras.

Kristen Stewart, por Spencer.

Freddie Highmore, por Way Down.

Jane Campion, por El poder del perro.

Dani de la Torre, por Live is Life.

Carlos Saura, por El rey de todo el mundo.

Benito Zambrano, por Pan de limón con semillas de amapola.

Roger Casamajor, por El vientre del mar.

José Sacristán, por Cuidado con lo que deseas. Óscar Aibar, por El sustituto.

Clara Roquet, por Libertad.

Scott Cooper, por Antlers: Criatura oscura.

Ryûsuke Hamaguchi, por La ruleta de la fortuna y la fantasía.

Patrick Bruel, por Villa Caprice.

Romain Duris, por Ei�el.

Daniel Brühl, por La puerta de al lado.

Adrien Brody, por La Crónica Francesa.

REPORTAJES 54 Way Down. Objetivo: el Banco de España.

56 Última noche en el Soho. Doble cuerpo.

64 Eternals. Titanes celestiales.

HOMENAJES 32 Concha Velasco. Fotogramas de Plata Especial Homenaje.

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MULTIPANTALLAS Todo lo otro. Abril Zamora, el alma de la fiesta.

Historias para no dormir. Cuatro pasos en el delirio.

Series.

Succession. Hijos de un Dios peor.

VOD. DVD. Videojuegos.

Leer y Escuchar.

Foto: Getty Images.

FESTIVALES 44 69º Festival de San Sebastián.

46 54º Sitges-Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.

FOTOGRAMAS.ES · N OVI EM BR E 202 1

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ANTONIO NADAL RODÓ Fundador

JULIETA MARTIALAY Directora jmartialay@hearst.es

REDACTORES JEFE: Roger Salvans (Barcelona) rsalvans@hearst.es, Paula Ponga (Madrid) pponga@hearst.es JEFA DE EDICIÓN Y CIERRE: Sonia Guijarro sguijarro@hearst.es JEFES DE ACTUALIDAD: Óscar Cabrera ocabrera@hearst.es, Laura Pérez lperez@hearst.es DISEÑO: Hearst Laboratorio Creativo Israel Álvarez y Ángel Jiménez.

EDITORA GRÁFICA: Laura Párraga.

FOTOGRAMAS.ES: DIRECTOR DIGITAL: Carlos Alonso carlosalonso@hearst.es REDACTOR JEFE DIGITAL: Juan Silvestre jsilvestre@hearst.es. EDITOR DE VÍDEOS: Javier Díaz-Salado jdiaz-salado@hearst.es. Colaboradores: María Aller, Mariona Borrull, Samuel Fuentes, Mireia Mullor, Ricardo Rosado, Rafael Sánchez.

ASISTENTE DE DIRECCIÓN Y REDACCIÓN: Antonio Rodríguez (Tel. 91 728 93 12).

Han colaborado en este número: Rosa Belmonte, Jordi Batlle Caminal, Mr. Belvedere, Mariona Borrull, Ricardo Camarena, Conchi Cascajosa, Coral Chamorro, Fernando Esteso, Fausto Fernández, Cristina Fernández Fernández, Sara González Vellón, Eulàlia Iglesias, Beatriz Martínez, Àlex Montoya, Blai Morell, Mireia Mullor, Sandra Muñoz, Jordi B. Oliva, Juan Pando, Ricardo Rosado, Sergi Sánchez, Ana Santos, Juan Silvestre, Miriam Torres Serrano, Antonio Trashorras, Pere Vall, Gonzalo Varela, Isabel Vázquez, Pablo Vázquez, Manu Yáñez. Corresponsales: María Bernal (Los Ángeles), Marc Tió (Nueva York), Joe Utichi (Londres). Fotos: Nicolás de Assas, Reiner Bajo, Javier Biosca, Kimberly French, Jorge Fuembuena, Carlos Hidalgo, Inés Molina, Diego López Calvín, Pablo Osuna, Manolo Pavón, Martín Sampedro, Pablo Sarabia, Manu Suárez, Paula Tudela, A Contracorriente, Amazon Prime Video, Apolo Films, Avalon, BTeam, Compacto, DeAPlaneta, Diamond Films, eOne, Festival Films, Filmax, Flins & Pinículas, Getty Images, Golem, Karma, HBO, La Aventura, Marvel Studios, Movistar+, Netflix, Paramount, Pirámide, Sherlock, Sony Pictures, Splendor Films, Surtsey, The Walt Disney Studios Company Spain, TriPictures, Universal, Vercine, Vértice, Vértigo, Wanda Visión, Warner.

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EL CINE COMO LA VIDA MISMA

BRUJA, MÁS QUE BRUJA La suspensión durante diez minutos de un pleno del Congreso por el insulto de un diputado de Vox a una diputada socialista sirve de excusa para retratar a las hechizeras que han lanzado conjuros cinéfilos.

e da igual si me llaman zorra, pero me gusta más bruja. Preferiría bitch, pero los que me insultan no hablan idiomas.

Tanto ‘tiquismiquismo’ con lo de llamarse bruja (vale, el Congreso no es el sitio) me ha recordado a todas las brujas adorables del cine y la televisión.

La primera, Elizabeth Montgomery como Embrujada.

Esa música evocadora y esa madre, Endora (Agnes Moorehead) a la que de mayor descubrías en Ciudadano Kane, en El cuarto mandamiento, en Obsesión o en Sólo el cielo lo sabe. Porque fue la bruja/suegra de mi niñez televisiva (niñez televisiva y niñez es lo mismo).

La maldición de las brujas, de Nicolas Roeg, también está dirigida al público infantil. Y como debe ser, para dar miedo. Las brujas encabezadas por Anjelica Huston convertían en ratones a los niños. Ojalá tanta protección de la infancia nunca acabe con uno de los personajes más populares del mundo occidental. Que lo mismo solo dejan La bruja novata.

Los adultos seguimos temiendo a las brujas, aunque no den sustos. Por eso nos gusta Suspiria, de Dario Argento.

Y Jessica Harper. Gusta por ser una película preciosa, con ese color y esa iluminación.

Si me gusta Las brujas de Eastwick, de George Miller, es por sus actrices, Cher, Michelle Pfeiffer y Susan Sarandon. Lo que no sé es qué hacen desperdiciando conjuros para buscar al hombre perfecto. Jack Nicholson nunca ha sido el hombre perfecto. La parte ‘Sexo en Nueva York’ de la película es lo que menos me gusta.

Aunque no se puede olvidar que en Me enamoré de una bruja, de Richard Quine, Kim Novak recurre a un hechizo para conquistar a James Stewart (pero ¿quién querría conquistar a James Stewart? Me quedo con Nicholson). Mucho mejor Me casé con una bruja, con esa Veronica Lake lanzando maldiciones y cobrando vida muchos siglos después para arruinar la vida del heredero de quien la acusó.

M

Por Rosa Belmonte*.

Hasta Dreyer toca la brujería en Dies irae (1943), donde un viejo pastor en la Dinamarca de 1623 promete a una mujer condenada a muerte que salvará a su hija de la hoguera si se casa con él. En el otro extremo está Brujería ’70, un disparate de crudeza, profanación de tumbas, magia negra, exorcismos, vudú… De un año después son La garra de Satán (con niños adorando al Diablo) y Los demonios (con Richelieu beneficiándose a las monjas). Esta tuvo problemas de censura, como la italiana Domingo negro, demasiado espantosa para 1960. Y que no se me olvide ¡Bruja, más que bruja!, delirante zarzuela rural de Fernán Gómez donde Mary Santpere era la bruja. La obvia precursora de Amanece, que no es poco.

“NO HAY QUE Si en 1922 Häxan. La bruDESDEÑAR A LAS jería a través de los tiempos BRUJAS QUE NO LO (una muda) se hizo a modo de ERAN. EN LOS 80 documental, en 1999 se estreEL FEMINISMO NO nó El proyecto de la bruja de ESTABA BIEN VISTO Blair, que no era tan pionera Y SE MOSTRABA A del estilo documental. Pero sí LAS MUJERES CON una magnífica película sobre la histeria colectiva.

CARRERA COMO Y no hay que desdeñar a las MONSTRUOS”. brujas que no lo eran en sentido literal. En los años 80 el feminismo no estaba bien visto y la cultura popular mostraba a las mujeres con carrera como monstruos (la Glenn Close de Atracción fatal o la Sigourney Weaver de Armas de mujer). Estaba tan mal visto el feminismo que hasta Susan Sarandon (¡Susan Sarandon!) prefería el término humanista a feminista.

Resulta menos alienante para gente que considera el feminismo como un reducto lleno de zorras estridentes, decía. Zorras, brujas, feministas. Pasen e insulten. u

*Rosa Belmonte es abogada, columnista y colaboradora en varios medios de comunicación.

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LA FIRMA INVITADA

¡SALVEMOS LA PRODUCCIÓN INDEPENDIENTE!

os productores independientes somos aquellas personas desconocidas para el gran público que de tanto en tanto pisamos los escenarios para recoger algún premio. ¿Y esta quién es?, se preguntan en casa cuando se otorga el premio a mejor película y sale una productora o productor a recogerlo. Todo el mundo conoce a los actores y directores. El productor no deja de ser para el gran público una figura borrosa o en el peor de los casos, malvada.

Lejos de todo ello, no obstante, los productores amamos el cine. La ficción en general. Algunos incluso el documental y la animación. Es por este amor que armamos los proyectos que mejor podemos para contar las historias que nos apasionan. E intentamos rodearnos de los mejores creativos, artistas, directores, técnicos. La obra audiovisual suele ser una obra colectiva, pero, fíjense, que el riesgo económico solo recae en el productor.

La producción independiente, en estos momentos, está amenazada de muerte. La Ley General de Comunicación Audiovisual que promueve el ejecutivo de Pedro Sánchez para, entre otras cosas, regular el papel de las plataformas digitales, nos deja en total indefensión. Es por ello por lo que nos hemos constituido como Plataforma Audiovisual de Productoras Independientes (P.A.P.) para defender los intereses de nuestros asociados, que en conjunto representamos más del 90 % de la producción independiente que se hace en España.

Nuestro país llega tarde a la trasposición europea de la Ley Audiovisual. Y desde Europa ya han amonestado al Gobierno, el cual está forzando una tramitación exprés de la ley para cumplir con Europa y de paso desbloquear una parte de los Fondos de Recuperación.

Desde P.A.P. hemos presentado alegaciones en las dos audiencias públicas que se han hecho y nuestra voz no ha sido escuchada. No se han aceptado ninguno de los puntos primordiales que defendemos, como, por ejemplo, en la definición de quién es un productor independiente: no puede ser que se beneficien de las inversiones de las plataformas productoras adscritas a grupos televisivos ni que lo hagan empresas cuya matriz se encuentra fuera de España.

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Por Jordi B. Oliva*.

Por sus características, las empresas independientes son las que más defienden los intereses culturales, industriales e intelectuales de nuestro país con toda su diversidad. Son las garantes de la transmisión y protección de nuestro imaginario cultural. Las productoras independientes no solo tenemos nuestro patrimonio empresarial en España, sino que somos un sector que genera patrimonio cultural, propiedad industrial y propiedad intelectual apostando por el nuevo talento nacional y la renovación creativa y generacional. Todo esto está en peligro con la nueva ley en su actual definición.

Queremos contar historias, y las queremos contar en la lengua que mejor se adapte a ellas. Necesitamos que la ley defienda la riqueza cultural y lingüística de España, y el redactado actual no lo contempla “LA LEY DEBERÍA, y relega al ostracismo las lenguas minoritarias en las obligaciones de Y ASÍ LO inversión de las plataformas.

SOLICITAMOS, Para crear un tejido cultural sólido RECONOCER A LOS necesitamos que se reconozca la proPRODUCTORES piedad intelectual de nuestras obras.

INDEPENDIENTES La ley debería, y así lo solicitamos, COMO reconocer a los productores indePROPIETARIOS DE pendientes como propietarios de la LA IP DE NUESTRAS IP de nuestras creaciones, para enriquecer y fortalecer la base cultural CREACIONES”. de España. Nos encanta trabajar para terceros cuando hace falta, pero no queremos perder el control intelectual de la obra si las plataformas pueden contemplar los encargos como parte de su obligatoriedad de inversión.

Es por eso que hacemos una llamada a los amantes del cine para que nos apoyen, puesto que apoyándonos estarán apoyando las obras de calidad, de autores noveles, las obras atrevidas, las obras arriesgadas. Estaréis apoyando la cultura, el cine, el audiovisual.

Confiamos en poder revertir una situación que amenaza seriamente con convertir España en un desierto cultural en la próxima década. u *Jordi B. Oliva es presidente de PROA y miembro de P.A.P.

Foto: Archivo Fotogramas.

La recién nacida Plataforma Audiovisual de Productoras Independientes (P.A.P.) busca la ‘complicidad política’ para reforzar el patrimonio cultural español, que ven en peligro, dentro y fuera de nuestras fronteras.

M AT T

DA MON A DA M

D R I V E R J O D I E

C OM E R Y

BE N

A F F L E C K

29 DE OCTUBRE SOLO EN CINES

PELÍCULA PENDIENTE DE CALIFICACIÓN

“DELICADA E INSTINTIVAMENTE PERCEPTIVA”

“UNA JOYA”

SCREENDAILY

EL ESPAÑOL

OTROSCINES.COM

U N A

P E L Í C U L A

D E

C L A R A

R O Q U E T

SEMANA DE LA CRÍTICA

“U UN A BBR I LLL DO NA LANTE Y D O L I D A L EECT C T U R A D E L A C O ND N D I C I ÓN Ó N D E L P RI R IV IILLEEGI G IO” O ELL M MU E U ND NDO

PENDIENTE DE CALIFICACIÓN POR EDADES

MARIA

MORERA

NICOLLE

GARCIA

NORA

NAVAS

CAROL

HURTADO

Y

VICKY

PEÑA

Una producción de LASTOR MEDIA y AVALON P.C. en coproducción con BULLETPROOF CUPID Con MARIA MORERA NICOLLE GARCIA NORA NAVAS CAROL HURTADO CARLOS ALCAIDE OSCAR MUÑOZ SERGI TORRECILLA MARIA RODRÍGUEZ SOTO DAVID SELVAS y VICKY PEÑA Escrita por CLARA ROQUET Dirección de fotografía GRIS JORDANA AEC Montaje ANA PFAFF AMMAC Música PAUL TYAN Dirección de arte MARTA BAZACO Casting IRENE ROQUÉ Vestuario VINYET ESCOBAR Maquillaje BARBARA BROUCKE Peluquería JESUS MARTOS Ayudante de dirección VICKY MULLOR-CABALLÉ Dirección de producción GORETTI PAGÈS WIM AH GOOSSENS Diseño de sonido y mezclas THIERRY DEVRIES Sonido directo DIEGO CASARES Supervisión musical FRED SCHINDLER Producción ejecutiva SERGI MORENO MARÍA ZAMORA TONO FOLGUERA Coproducida por KATLEEN GOOSSENS Producida por TONO FOLGUERA MARÍA ZAMORA SERGI MORENO STEFAN SCHMITZ Dirigida por CLARA ROQUET Con la financiación del a e GOBIERNO DE ESPAÑA

Coproducción España - Bélgica E B lg c

ESTRENO EN CINES 19 DE NOVIEMBRE

LA PISTA DE LAS ESTRELLAS:

Críticas

HHHHH HHHHH HHHHH HHHHH HHHHH

IMPRESCINDIBLE NO SE LA PIERDA NO LO LAMENTARÁ SE DEJA VER ALLÁ USTED

Benedict Cumberbatch .

El poder del perro HHHHH The Power of the Dog (R. U., Aus., Can., N. Z., 2021, 126 min.). Dir.: Jane Campion. Int.: Benedict Cumberbatch, Kirsten Dunst, Jesse Plemons, Kodi Smit-McPhee. DRAMA.

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on la perspectiva que dan los casi 30 años que nos separan de su estreno, podríamos afirmar que, más allá de retratar la fuerza telúrica de una mujer que descubre, resiliencia y furia mediante, el poder emancipador de la sexualidad, El piano (1993) era un estudio sobre dos masculinidades antitéticas que sofocan y/o potencian ese anhelo de autonomía. Atenta observadora de la psicología viril, bien sea disfrazada de reprimidos y civilizados modales, bien sea en forma de desbordante carnalidad, Jane Campion encuentra en Phil Burbank (un inconmensurable Benedict Cumberbatch) el modo de prolongar ese ensayo sobre los tormentos de la masculinidad en un personaje que desafía el arquetipo del cowboy curtido en el arte del rodeo y la castración taurina citando a

los clásicos en latín y ocultando cia, Phil detesta de su mismo PARA LOS QUE CREEN su homosexualidad bajo tonelasexo y, secretamente, más le QUE LA MASCULINIDAD TÓXICA ES UNA das de hostilidad escupida atrae. A medida que esa relaENFERMEDAD ción se consolida, este western sobre sus víctimas. No hay en el TERMINAL. film ningún ánimo revisionista, queer, que nada tiene que ver Lo mejor: Cumberbatch y su gesto adusto, ninguna estrategia preconcebida con el romanticismo lacónico áspero, se contagia al para reescribir un western que de Brokeback Mountain, se tono de la película, que ha muerto y ha cabalgado sobre vuelve cada vez más áspero y no hace concesiones.

Lo peor: no esperen una las tumbas de sus héroes demaabstracto, como si los oscuros revisión de ‘Brokeback siadas veces como para mandar interiores del rancho en el que Mountain’, porque más mensajes cifrados desde el se consume la misantropía de Campion va por otros caminos. crepúsculo. Así las cosas, el marsu protagonista contagiaran de co solo sirve para potenciar el miedo y temblor a los grandes peso de un machismo que asfixia por igual espacios que ya no son de conquista sino a los que lo practican con orgullo y vergüende terror. Es aquí donde Campion se sienza clandestina como a los que lo sufren. te como en casa: en los elusivos misterios Deseo, peligro. Como hacía Paul Thomas del deseo, que aproximan a dos hombres que parecen estar fuera del mundo, Anderson en Pozos de ambición, Campion ofrece, sobre todo en la segunda hablando un lenguaje secreto que huele parte del film, la posibilidad de un vínculo a muerte, tan marciano y sugestivo como la disonante banda sonora de Jonny con este hombre despreciable abriendo en canal su vulnerabilidad. No es una Greenwood que baña de extrañeza las apertura fácil, porque se produce a través imágenes de esta extraordinaria película. de una relación casi sadomasoquista con Sergi Sánchez Peter (magnético Kodi Smit-McPhee), el Entrevista con Jane Campion en pág. 60 reflejo de todo aquello que, en aparienESTRENO: 19 NOVIEMBRE

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CRÍTICAS

Liam Cunningham.

Way Down HHHHH Way Down (España, 2020, 118 min.). Dir.: Jaume Balagueró. Int.: Freddie Highmore, Astrid Bergès-Frisbey, Liam Cunningham, Sam Riley, Luis Tosar, Jose Coronado. THRILLER.

o primero que choca de esta eficaz heist-movie es que su otrora fino ariete del fantástico nacional se haya puesto el disfraz de director de encargo al más puro estilo Renny Harlin. Y lo cierto es que no le queda nada mal. Balagueró deja de lado las señas de identidad de su cine para, con elegancia, cierto estilo y acopio de planos aéreos, hacer suya la frase de Cruyff salid y disfrutad, y ponerse en

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cuerpo y alma al servicio de esta mezcla de Topkapi, La búsqueda y The Italian Job. Un Ocean’s Eleven con vocación internacional y sabor a tortilla de patatas y triunfo mundialista de la Roja.

No faltan los elementos clásicos de un atraco a priori PARA AMANTES DEL imposible: un CINE ENTENDIDO COMO PURO tesoro/botín que ESCAPISMO. recuperar, un Lo mejor: un disfrutón lugar a prueba de Luis Tosar en el papel robos, un equipo de un Templeton Peck futbolero. de expertos, un Lo peor: le sobra antagonista –un seriedad y le falta guasa.

Coronado con cara de haberse bebido dos tetrabriks de leche agria– y los lógicos obstáculos que se encuentran en su camino, aunque los gastados giros de un mejorable guion escrito a 10 manos se vean venir a la legua submarina. Decía Luis Aragonés que las finales no se juegan, se ganan. Pues Balagueró ganó la suya.

Y que le quiten lo ‘rodao’. Blai Morell

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Kotone Furukawa y Ayumu Nakajima..

Entrevista con Óscar Aibar en pág. 76

Ent. con Ryûsuke Hamaguchi en pág. 79

ESTRENO: 29 OCTUBRE

ESTRENO: 5 NOVIEMBRE

ESTRENO: 12 NOVIEMBRE

El sustituto (España, Bélgica, 2021, 117 min.).

Dir.: Óscar Aibar. Int.: Ricardo Gómez, Pere Ponce, Vicky Luengo, Joaquín Climent, Bruna Cusí, Nuria Herrero. THRILLER.

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Gûzen to sôzô (Japón, 2021, 121 min.). Dir.: Ryûsuke Hamaguchi. Int.: Kotone Furukawa, Kiyohiko Shibukawa, Katsuki Mori, Ayumu Nakajima. DRAMA.

de los 80, emociona, especialmente, el papel de Pere Ponce, Colombo: Lo mejor: el tierno años después de mano a mano entre la ópera prima de Gómez y Ponce, la recreación de la época.

Aibar, Atolladero Lo peor: se echa de (1995), Ponce menos un poco vuelve a intentar de humor. defender la ley, cambiando el polvo del western por la arena de las playas, la hermosa juventud de antaño por la achacosa senectud actual, la ilusión del joven ayudante de sheriff por el pesimismo del arrinconado madero. Pere Vall

Ent. con Freddie Highmore, Jaume Balagueró y Luis Tosar en págs. 52 y 54

HHHHH

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HHHHH

n gesto de afecto mínimo, una pequeña inflexión en la voz o una conversación que de repente fricciona.

Las casualidades, nimias e increíbles: encontrarte repetidas veces con una misma persona y que el día acabe llevando su nombre. El cine de Ryûsuke Hamaguchi nos enseña, una y otra vez, a fascinarnos por un mundo, de por sí, fantástico. Atento al vibrar de las situaciones, sus imágenes se PARA MIRAR AL MUNDO COMO SI resuelven siempre FUERA LA PRIMERA en el silencio de VEZ. un discreto plano Lo mejor: su sencillez, maravillosamente medio, como si las intricada. películas se transLo peor: que sea vista cribieran a medicomo una película menor. da que son vividas ante la cámara, como si solo pudiéramos acceder a sus personajes igual que conocemos a nuestros allegados, es decir, pasando tiempo con ellos.

Y así, al son de los días, se perfila La ruleta de la fortuna y la fantasía.

Las tres historias de esta antología mínima ensayan caminos regados de cariño, deseo y, por qué no, de una ligera insatisfacción. Todas parten de encuentros azarosos, pero se cuecen a fuego lentísimo. Al no alzar nunca la voz, permitirán que en sus imágenes crezca aquel halo de magia, destellos de realidad que vuelven nuestro mundo un sitio bueno para vivir. Mariona Borrull

El sustituto

iempre se ha dicho, y ya es un tópico, que John Huston dedicó su filmografía a los perdedores. En el caso de la obra de Óscar Aibar, ni eso: los protagonistas de sus películas, seres escacharrados, luminosos, tenaces, ilusionados, orgullosos pese a todo y a todos, son los pringados. Pringados como este policía bigotudo que interpreta Ricardo Gómez y que, en vez de buscar platillos volantes, descubre y persigue a nazis. El autor de La máquina de bailar (2006) y El Gran Vázquez (2010) sigue tendiendo la mano al antihéroe, al adorable pazguato, chivándole que, muy cerca de su aburrido lugar de trabajo y su desestructurado hogar, hay otros extraños y excitantes mundos. ¡A por ellos, pues!

En El sustituto, que tiene una austera e impecable recreación de la España

La ruleta de la fortuna y la fantasía

Pere Ponce y Ricardo Gómez.

PARA SOÑADORES, AVENTUREROS E INVESTIGADORES DE OTRAS REALIDADES.

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DEL CREADOR DAVID CHASE

UNA HISTORIA DE LOS

5 NOVIEMBRE SOLO EN CINES BASADA EN LOS PERSONAJES CREADOS POR

DAVID CHASE ESCRITAPOR DAVID CHASE Y LAWRENCE KONNER DIRIGIDAPOR ALAN TAYLOR PENDIENTE DE CALIFICACIÓN POR EDADES

CRÍTICAS

Los chavales protagonistas del film.

Live is Life HHHHH Live is Life (España, 2021, 109 min.). Dir.: Dani de la Torre. Int.: Adrián Baena, Juan del Pozo, Raúl del Pozo, David Rodríguez, Javier Casellas. COMEDIA DRAMÁTICA.

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icen que la nostalgia (casi) siempre es de derechas, pero en estos tiempos necesitados de magia y mitología no creo que sea malo mirar de vez en cuando hacia atrás armados con la sabiduría que aporta la distancia. Así lo hacen, valiéndose de una esmerada recreación y un inspirado reparto juvenil, Dani de la Torre y Albert Espinosa, en este retrato de

una singular pandilla en la Galicia rural de los ochenta. Live is Life no se muestra tan interesada en el conflicto y la aventura como en capturar el poder del instante, la procesión interior, la dinámica de grupo de estos chavales con conPARA ESA INMENSA ciencia de muerMINORÍA QUE PREFIERE ‘CUENTA CONMIGO’ A te, lo que la aleja, ‘LOS GOONIES’. para bien, de la Lo mejor: la secuencia pirotecnia, tantas de inmersión en la veces exenta de ‘zona chunga’.

Lo peor: la sombra de alma, de series ‘Héroes’ (P. Freixas, 2010) como Stranger puede perjudicarla.

Things.

Y aunque aquí los quinquis sean los feroces antagonistas (otro acierto), Live is Life acaba rimando de forma estremecedora con la secuencia que cerraba la icónica Navajeros (Eloy de la Iglesia, 1980): esa extraña poesía que surge de confrontar dolor y ternura, angustia y gozo, resignación y esperanza. La vida y nada más. Pablo Vázquez

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Manuel García Rulfo.

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Más información en pág. 84

Entrevista con Carlos Saura en pág. 70

ESTRENO: 5 NOVIEMBRE

ESTRENO: 12 NOVIEMBRE

ESTRENO: 19 NOVIEMBRE

The Many Saints of Newark (EE. UU., 2021, 120 min.). Dir.: Alan Taylor. Int.: Michael Gandolfini, Alessandro Nivola, Vera Farmiga, Ray Liotta. THRILLER.

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El rey de todo el mundo (España, México, 2021, 95 min.). Dir.: Carlos Saura. Int.: Ana de la Reguera, Manuel García Rulfo. MUSICAL.

misterioso Dickie Moltisanti), sino también en su discurso sobre los ciclos de la Lo mejor: Michael violencia y las Gandolfini heredando el personaje que lanzó herencias entre a la fama a su padre. padres e hijos.

Lo peor: que no En lo segundo explore mejor ni lo nuevo ni lo ya está su mejor conocido. arma, también fuera de la ficción: ver a Michael Gandolfini interpretar la versión joven de su padre, James Gandolfini, como Tony Soprano es algo maravilloso. Mireia Mullor

Entrevista con Dani de la Torre en pág. 66

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uando se cumplen 40 años desde que Carlos Saura iniciara su ciclo de musicales con Bodas de sangre (1981), estos mantienen como seña de identidad sus portentosos juegos de transparencias y sombras sobre lienzos, imágenes reflejadas en espejos e iluminación magistral, pero se ha ido estilizando cada vez más, hasta esta El rey de todo el mundo, que dedica a México.

La película no se centra en exclusiva en los números musicales, como en PARA AMANTES DE LA DANZA Y DE MÉXICO Y Zonda: Folclore ADMIRADORES DE argentino (2015) CARLOS SAURA. o Jota de Saura Lo mejor: el liberar los sones mexicanos del (2016), sino que folclorismo rutinario. alterna estos con Lo peor: acercarse al una trama de amofilm con el prejuicio de que será algo visto ya. res contrariados y thriller, al modo que ya hiciera en Tango (1998). Pero en esta ocasión la ficción resulta forzada y no se integra en una unidad, como ocurría en aquel film.

El problema reside en gran parte en un reparto, en el que brilla Greta Elizondo, que no alcanza la química deseable. La fuerza de temas como Fallaste corazón, de Cuco Sánchez, del que toma su título la cinta; No volveré, de Chavela Vargas, o La llorona, en versión de Fela Domínguez, y la potencia visual y maestría de Saura, junto a ese mago de la luz que es Vittorio Storaro, mantienen el elevado nivel de la propuesta. Juan Pando

Santos criminales

odríamos pensar que, al evitar mencionar a Los Soprano en su título, Santos criminales iba a intentar ser algo más que una precuela de la considerada como una de las mejores series de todos los tiempos. Que David Chase había aprovechado la atención incondicional del público para hacer algo único y extraordinario. Por desgracia, la alargada sombra de la serie –por no hablar de la de El Padrino (F. F. Coppola, 1972) y Uno de los nuestros (M. Scorsese, 1990)– pesa como una losa sobre las rutinarias imágenes de un film que, a pesar de apoyarse en el fanservice, no sabe cómo alimentar la fascinante mitología de su historia.

Aun así, este relato de mafias de corte clásico encuentra aciertos no solo en su fantástico elenco (Alessandro Nivola brilla como el

El rey de todo el mundo

Michael Gandolfini y Alessandro Nivola.

PARA FANS NOSTÁLGICOS DE ‘LOS SOPRANO’ QUE DISFRUTEN CAZANDO REFERENCIAS.

Una amistad poco probable.

Una aventura increíble.

DE LOS CREADORES DE MÍA Y EL LEÓN BL ANCO MAI JUIN PRODUCTIONS GALATÉE FILMS TRANSFILM INTERNATIONAL Y STUDIOCANAL PRESENTAN “THE WOLF AND THE LION” UNA PELÍCULA DE GILLES DE MAISTRE CON MOLLY KUNZ GRAHAM GREENE CHARLIE CARRICK DEREK JOHNS RHYS SLACK EVAN BULIUNG UNA PELÍCULA DE GILLES DE MAISTRE GUION PRUNE DE MAISTRE DE MÚSICA 1 ASISTENTE SONIDO COORDINADOR MEZCLAS EMMANUEL GUIONET MONTAJE JULIEN REY DIRECTOR VINCENT COSSON PRODUCTORES ARMAND AMAR DIRECTOR FOTOGRAFÍA ASERGES DESROSIERS CSC DIRECTOR JULIEN DECOIN DE ARTE RAYMOND DUPUIS AN MALES ANDREW SIMPSON EJECUT VOS GILLES DE MAISTRE CATHERINE CAMBORDE JACQUES PERRIN NICOLAS ELGHOZI VALENTINE PERRIN DE PRODUCTORES PRODUCTOR SYLVAIN PROULX CLAUDE LÉGER JONATHAN VANGER DIRECTORA PRODUCCIÓN CAROLE VAILLANCOURT EJECUTIVO ANDREW SIMPSON EN COPRODUCCIÓN CON CANADA-FRANCE MAI JUIN PRODUCTIONS GALATÉE FILMS WEMATIN PRODUCTIONS STUDIOCANAL MG FILMS CON LA PARTICIPACIÓN FINANCIERA DE SODEC QUEBEC CAVCO Y LA PARTICIPACIÓN DE CANAL+ CINE+ M6 W9 MK2 MILE END

5 NOVIEMBRE SOLO EN CINES

CRÍTICAS

Maria Morera y Nicolle García.

Libertad HHHHH Libertad (Esp., Bél., 2021, 104 min.). Dir.: Clara Roquet. Int.: Maria Morera, Nicolle García, Vicky Peña, Nora Navas. DRAMA.

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n el arranque del debut en el largo de la guionista Clara Roquet contemplamos cómo se hace visible Consuelo, la trabajadora del hogar en que se ambienta la película, entre las cortinas de los ventanales que limpia. Una imagen en absoluto banal que sintoniza con el tono de una propuesta firmada por alguien con un inmenso talento para observar los matices de las relaciones sociales y plasmarlos sin subrayados

en la pantalla. Roquet resigue el despertar adolescente de Nora, a priori una muchacha como cualquier otra que pasa el verano en el chalé familiar en la Costa Brava. La llegada de Libertad, la hija de Consuelo, activa en Nora un remolino de emoPARA DESCUBRIR UN ciones entre la RETRATO DEL TRÁNSITO HACIA LA fascinación y MADUREZ DESDE UN el deseo. ÁNGULO INÉDITO. Pero, sobre el Lo mejor: Maria rico tapiz del tránMorera y el descubrimiento de sito hacia la maduNicolle García. rez de la protagoLo peor: suena forzado nista, la cineasta que solo hablen en castellano. teje una nueva capa: la toma de conciencia del propio privilegio de clase. El despertar de Nora también pasa por asumir que su vínculo con Libertad no es horizontal. Una ópera prima que hace emerger con notable sutileza una desigualdad cotidiana, tan invisibilizada en nuestro entorno como en nuestro cine. Eulàlia Iglesias Entrevista con Clara Roquet en pág. 77 ESTRENO: 19 NOVIEMBRE

La puerta de al lado HHHHH Nebenan (Alemania, 2021, 92 min.). Dir.: Daniel Brühl. Int.: Daniel Brühl, Peter Kurth, Nils Doergelo, Aenne Schwarz, Vicky Krieps, Mex Schlüpfer. COMEDIA DRAMÁTICA.

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esde su irrupción como el protagonista de Good Bye, Lenin!

(W. Becker, 2003), Daniel Brühl ha logrado afianzarse en el mercado europeo mientras conquistaba el norteamericano con impecables trabajos junto a tótems como Quentin Tarantino o Ron Howard. Por el camino, además de robar planos a los héroes de Marvel titulares de Falcon y el Soldado de Invierno, ha aprendido a moverse tras las cámaras y lo ha demostrado en La puerta de al lado, una sencilla producción en la que encarna a un actor afincado en Berlín que, antes de dar el salto internacional, se enfrenta en un bar al más inesperado pero entregado adversario: un vecino.

Asqueado por la gentrificación, y personalmente molesto con su colindante estrella por el retrato de

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N OVI E MBR E 2 02 1 · FOTOGRAMAS.ES

Peter Kurth y Daniel Brühl.

los agentes de la Stasi en la película que le hizo famoso, el Lo mejor: la personaje de naturalidad de Daniel Peter Kurth es Brühl (también) tras la cámara. el acicate de Lo peor: que la Brühl en el ácido exigencia de estímulos guion de Daniel impida valorarla.

Kehlmann, admirablemente exprimido por el debutante director que aprovecha el drama y humor negro acercando esta deconstruida Birdman a un thriller que aporta incluso más de lo que (quizá) hacía falta. Ricardo Rosado PARA COLECCIONISTAS DE DEBUTS CON ESTILO Y RECOMENDACIONES IRREFUTABLES.

Josefina HHHHH Josefina (España, 2021, 90 min.). Dir.: Javier Marco. Int.: Emma Suárez, Roberto Álamo, Miguel Bernardeau, Manolo Solo, Simón Andreu. DRAMA.

Emma Suárez y Roberto Álamo.

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osefina describe el encuentro entre dos almas solitarias: una mujer que cada domingo visita a su hijo encarcelado y un funcionario de la prisión que se siente atraído por ella y que, cuando finalmente la conoce, se hace pasar por otra persona, se inventa una hija, etc.

El personaje femenino, muy triste, es transparente, creíble, cálido y acogedor. El masculino, por su comportamiento, siembra la inquietud; a ratos (cuando, en su inmensa soledad, PARA ADICTOS A LAS HISTORIAS DE come ensimismaEXPOSICIÓN do en casa, por TRANQUILA, SIN RUIDOS NI ejemplo) parece SOBRESALTOS. el primo hermano Lo mejor: Suárez y del protagonisÁlamo forman una ta de Caníbal pareja tan extraña como persuasiva.

(2013), sensación Lo peor: cuesta que viene acomdilucidar cuál es, de pañada por el hecho, el tema del film. tono de la obra, próximo al de la de Manuel Martín Cuenca: serenidad expositiva, respiración lenta, propensión a los silencios (la larga toma de Suárez y Álamo sentados y callados en la parada del autobús) y un humor oblicuo que por momentos se diría que coquetea con el surrealismo. Aquí hablan más los objetos (incluso un robot aspirador llega a ser un personaje delator) que los humanos. Primer largometraje de Javier Marco, Josefina es una película modesta pero atractiva, estimulante.

Entrevista con Daniel Brühl en pág. 83

Jordi Batlle Caminal Entrevista con Roberto Álamo en pág. 20

ESTRENO: 19 NOVIEMBRE

ESTRENO: 5 NOVIEMBRE

CRÍTICAS

Spencer HHHHH Spencer (R. U., EE. UU., Chile, Ale., 2021, 111 min.).

Dir.: Pablo Larraín. Int.: Kristen Stewart, Jack Farthing, Timothy Spall, Sally Hawkins, Sean Harris, Jack Nielen, Freddie Spry. DRAMA.

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esulta estimulante y curioso que, en unos días en los que estamos reivindicando a nuestro Carlos Saura como uno de los puntales del fantaterror nacional, el visionado de Spencer nos haga pensar inmediatamente en Ana y los lobos (1973). Si allí una Geraldine Chaplin representaba a la joven y nueva España devorada por un clan familiar de cadáveres vivientes que eran, claro, el PARA ICONOCLASTAS DEVORADORES DE franquismo, en el BELLOS ANIMALES film de Pablo DESTINADOS AL SACRIFICIO. Larraín, Kristen Stewart (una Lady Lo mejor: una Kristen Stewart que ha Di ofrecida en banentendido que está en deja a una corte de ‘Barba Azul’ y no en reales caníbales un biopic.

Lo peor: una reina reales) sirve a un caricaturesca. mismo propósito:

Anya Taylor-Joy y Matt Smith.

Última noche en el Soho HHHHH Last Night in Soho (Reino Unido, 2021, 116 min.).

Dir.: Edgar Wright. Int.: Thomasin McKenzie, Anya Taylor-Joy, Matt Smith, Diana Rigg, Rita Tushingham, Terence Stamp. THRILLER.

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n los últimos lustros, varios maestros de la posmodernidad, del Paul Thomas Anderson de Pozos de ambición (2007) al Quentin Tarantino de Django desencadenado (2012), se han atrevido a abandonar las mansas aguas de la cinefilia para adentrarse en las

alimentar con su humillación, tortura y muerte el enquistamiento en el poder de una familia, de un régimen como el monárquico. Lo mismo que sucedía con los sacerdotes pedófilos en El club (2015), también de Larraín.

Spencer es un cuento de terror (navideño, que dan más miedo) engalanado con un interminable desfile de vestidos, trajes de gala y uniformes que recuerdan más a El baile de los vampiros (Roman Polanski, 1967) que a la serie The Crown. Una fábula de fantasmas, no solo el de Ana Bolena que se materializa como un eco desde el pasado del futuro de Diana o esa Rebeca de Daphne du Maurier y Alfred Hitchcock que vendría a ser Camilla Parker Bowles, sino los de un matrimonio roto, espectros de dolor que te atan y arrastran con cadenas similares. No es nada novedoso en Larraín: el vestido rojo sangre maldito de Jackie (2016), el hijo adoptivo rechazado de Ema (2019) y el Clive Owen de la televisiva La historia de Lisey (2021).

Farsa grotesca que hiela cualquier atisbo de sonrisa (Steven Knight, el

arremolinadas corrientes del cine de raigambre histórica y horizonte sociopolítico. Este es el tipo de salto mortal que se propone Edgar Wright, todo un chef de alta cocina pop, en Última noche en el Soho, un inspirado thriller psicológico que exorciza la cosificación femenina que se ocultaba tras el glamuroso oropel del Swinging London.

Wright pone pie y medio en el zeitgeist, pero no renuncia a su debilidad por el pastiche fílmico. De hecho, ese interés por traer al presente motivos del pasado deviene el mecanismo narrativo central de Última noche en el Soho, en la que una joven aprendiz de modista, Eloise (una versátil Thomasin McKenzie), se ve transportada misteriosamente del Londres actual al de los años 60. Para avivar el juego de espejos entre lo pretérito y lo contemporáneo, Wright desdobla a la morena Eloise en el cuerpo de la rubia Sandy (Anya TaylorJoy entregada al divismo), quien aspira a triunfar cantando en los clubes nocturnos del Soho londinense. ¿Es Última noche en el Soho una relectura (muy British) de Mulholland

Kristen Stewart.

guionista, no es Peter The Queen Morgan), Spencer podría ser asimismo el recurrente perverso sueño secreto del Larraín cineasta: encerrar o emparedar en lujosos castillos sin salidas (la sucesión de puertas que cruza el personaje de Stewart) que se revelan tenebrosos a iconos populares femeninos, aislarlos y dejar que se vayan consumiendo lenta y angustiosamente (no hay respiro nunca para ellas) en unas películas que son un perturbador ejercicio de estilo sobre la soledad y la antropofagia social.

Fausto Fernández Entrevista con Kristen Stewart en pág. 48 ESTRENO: 19 NOVIEMBRE

Drive (2001)? Allí donde Lynch diseccionaba la siniestra trastienda de Hollywood, Wright se abisma en las catacumbas del Londres de ayer y hoy, un universo marcado por el violento mercadeo con el cuerpo femenino.

Así, exprimiendo el potencial político del cine de género, el director de Scott Pilgrim contra el mundo (2010) imagina la posibilidad de construir una obra de vocación feminista invoPARA PENSAR QUE EL FEMINISMO PUEDE SER cando una ilusTAMBIÉN COSA DE tre colección de HOMBRES. miradas fílmicas Lo mejor: una escena de baile (con cambio de masculinas, de los pareja) que quita maestros del giallo el aliento. al Michael Powell Lo peor: algún giro de más en el segundo acto. de El fotógrafo del pánico (1960) o al Alfred Hitchcock de Vértigo (De entre los muertos) (1958), con su interés por la fantasmagoría, la dualidad femenina y la pulsión tanática. Así subvierte Wright toda una trágica Historia de violencia.

Manu Yáñez Entrevista con Edgar Wright en pág. 56 ESTRENO: 19 NOVIEMBRE

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CRÍTICAS

Alma (Molly Kunz), con el lobo Mozart.

El lobo y el león HHHHH Le loup et le lion (Francia, Canadá, 2021, 99 min.). Dir.: Gilles de Maistre. Int.: Molly Kunz, Graham Greene, Charlie Carrick, Derek Johns. AVENTURAS.

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unque parezca que Gilles de Maistre haya heredado del JeanJacques Annaud de El oso y Dos hermanos el carné de director de películas de corte ecológico donde los animales son el centro de atención, lo cierto es que hay bastantes diferencias entre ellos. Annaud es un escéptico respecto al hombre, sean amigos o villanos, mientras De Maistre

(recordemos la previa Mia y el león blanco) cree firmemente en la comunión entre el universo animal (y la naturaleza) y los nada racionales seres humanos.

Eso queda claro en su nuevo trabajo, El lobo y el PARA DEFENSORES DE león, el cual pese LA CONVIVENCIA CON EL MUNDO ANIMAL. a no incluir en el título a la joven Lo mejor: el uso terapéutico y protagonista ciecomunicativo de rra la historia de la música. amistad entre el Lo peor: la subtrama del litigio con el circo. cánido y el felino cuando ella entra a formar parte de sus vidas. Así, más cerca de un Jules y Jim de inocencia zoófila que de Tod y Toby, el film pone a los espectadores en un mismo plano que la pareja cuadrúpeda, lo mismo que paisaje y música se unen para recordarnos que compartimos mismo planeta, sentimientos y pertenencia a nadie más que a nosotros mismos. Fausto Fernández

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El ventre del mar (España, 2021, 76 min.).

Dir.: Agustí Villaronga. Int.: Roger Casamajor, Òscar Kapoya, Mumi Diallo, Armando Buika. DRAMA.

Òskar Kapoya y Roger Casamajor.

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Eso no quiere decir que se evite, hay una mirada crítica –potente y Lo mejor: la verdad e desde un punto de inocencia que vista maqueta, tres transmite la cuadrilla de niños. de los chavales son Lo peor: unos giros de familias de emifinales dramáticos grantes–, pero el en exceso. enfoque se pone siempre en la vivencia personal con un especial detalle en la recreación de una cotidianeidad que refuerza la intimidad de una etapa perdida. Unos años, los 12, en los que lo importante aún estaba por encima de lo urgente. Roger Salvans Entrevista con Manu Gómez en pág. 27

Ent. con Roger Casamajor en pág. 73

ESTRENO: 29 OCTUBRE

ESTRENO: 12 NOVIEMBRE

Más información en pág. 86 ESTRENO: 5 NOVIEMBRE

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a cita se le atribuye a Rainer Maria Rilke, pero es algo en lo que también ahondaron Saint-Exupéry, Baudelaire o Delibes y, ya en el cine, Fellini, Truffaut o Malle, por citar solo algunos: la verdadera patria del hombre es la infancia. Y a su niñez, enmarcada en otro verano del 85 –¿qué tendrá ese año?– repleto de partidos de fútbol en la calle, expediciones al videoclub, caracoles en casa de los amigos o fracasos ciclistas, es a la que nos lleva Manu Gómez en su debut como director: una fábula en la que prima la dimensión de la memoria, el poder evocador de los recuerdos, más que el retrato social y político de un tiempo convulso y difícil.

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ay muchas formas de contar la crisis migratoria en el Mediterráneo, pero seguramente nadie sea capaz de hacerlo de una manera tan inclasificable y radical como Agustí Villaronga en El vientre del mar. Su adaptación muy libre de un relato de Alessandro Baricco le permite relacionar pasado y presente para experimentar con el lenguaje cinematográfico, combinar texturas y diferentes niveles narrativos, configurando un relato tan deconstruido PARA CINÉFILOS AMANTES DE LOS como repleto de EXPERIMENTOS vasos comunicanCINEMATOGRÁFICOS AL LÍMITE. tes que nos llevan Lo mejor: su genial y por diferentes libre osadía. disciplinas artístiLo peor: que pueda cas que abarcan resultar un reto conectar con la desde la represenpropuesta. tación teatral a la pintura, desde la crudeza del documental a la poesía.

En realidad, El vientre del mar se articula alrededor de algunas de las grandes obsesiones del autor, como la creación de monstruos en las sociedades contemporáneas como reencarnaciones del subconsciente colectivo, así como la forma en la que se perpetúa el odio y la violencia (hacia lo diferente) como una herencia maldita. Aunque quizás, lo más sorprendente sea comprobar cómo a partir de un presupuesto ínfimo, Villaronga ha conseguido crear una obra de arte. Beatriz Martínez

Érase una vez en Euskadi Érase una vez en Euskadi (España, 2021, 100 min.). Dir.: Manu Gómez. Int.: Asier Flores, Aitor Calderón, Miguel Rivera, Hugo García, Arón Piper, Yon González, Luis Callejo.

COMEDIA DRAMÁTICA.

El vientre del mar

Aitor Calderón, Miguel Rivera, Asier Flores y Hugo García.

PARA PERDERSE DE NUEVO EN LOS MEJORES AÑOS DE NUESTRAS VIDAS.

Cinefilia

TA S I V E R ENT

ROBERTO ÁLAMO

LA MIRADA QUE LO DICE TODO Personajes míticos. Roberto Álamo (Madrid, 1970) le debe varias cosas a su infancia. La primera, su apellido artístico, Álamo, que cambió por el Martínez de nacimiento en recuerdo del pueblo donde pasaba las vacaciones cuando era niño. Y la más importante, la decisión de ser actor cuando vio en la oscuridad del salón de su casa, probablemente sin permiso, Días de vino y rosas (Blake Edwards, 1962). Tendría 11 años, me tiré tres días llorando y pensé que, de alguna manera, quería provocar en los demás lo que Jack Lemmon había provocado en mí, cuenta.

Creyó que no lo conseguiría porque era, y es, enfermízamente tímido –De los de verdad; prefiero escuchar que hablar, confiesa–, pero tras más de 70 títulos a sus espaldas entre obras de teatro, series y películas, un par de premios Goya y personajes inolvidables como el boxeador Urtain o el inspector Alfaro de Que Dios nos perdone (Rodrigo Sorogoyen, 2016), parece haber logrado su objetivo. En mi caso, como en el de muchos actores, actuar viene de la necesidad de sentirse valorado y, al mismo tiempo, de corresponder mostrando tu yo más íntimo, reflexiona.

La virtud de emocionar. Una máxima a la que Álamo vuelve a ser fiel en Josefina, la ópera prima del director Javier Marco y la guionista Belén Sánchez-Arévalo, pareja curtida en el cortometraje y ganadora del Goya en 2021 por A la cara.

Todas las películas tratan de contar cosas sobre los seres humanos, pero no hay tantas que lo hagan así, de gente de la calle, con sus miradas y sus silencios. En estos tiempos en los que todo, 20

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no solo el cine, es rápido y a todo color, se agradece detenernos y reflexionar, argumenta. Álamo, que ha interpretado a todos los hombres con uniforme imaginables, se pone ahora en la piel de un funcionario de prisiones alejado de los tópicos, callado y sensible. Yo me considero un actor versátil, pero este es de esos personajes que me gusta interpretar; los que han trabajado conmigo saben que si puedo eliminar dos frases o decirlas con un gesto o una mirada, lo prefiero, afirma. Porque tratándose de un intérprete con alma de poeta –acaba de publicar el poemario Amantes venía de amar–, todo gira en torno a las emociones. Si pudiera, elegiría solo aquellas historias que realmente me conmueven, que cuando he leído las 10 primeras páginas del guion se me pone la piel de gallina. Pero si en la 15 no me he enganchado, miro el saldo del banco. Y si hay que hacerlo, pues venga, soy actor, ¿no?, dice.

Por partida triple. Además de estar presente en televisión con la serie Caronte (Amazon Prime), Álamo estrenará en los próximos meses en salas las películas El lodo (Iñaki Sánchez Arrieta, Zerø, 2020) y El páramo (David Casademunt). Pero, de momento, habrá que esperar para verlo sobre las tablas, su verdadera pasión. La obra Lluvia constante, que estrenó en 2014 y por la que obtuvo el Fotogramas de Plata, le hizo replantearse las cosas. Me desnudaba y sufría en el escenario. De las 160 representaciones que hicimos, las últimas 50 se me hicieron durísimas, me costaba la Emma Suárez vida ir al teatro, así y Roberto que decidí tomarÁlamo, juntos por primera me un descanso, vez en el cine. reconoce. u

‘JOSEFINA’ Juan (Roberto Álamo) es un introvertido funcionario de prisiones que cada domingo observa a Berta (Emma Suárez), la madre de uno de los presos, Sergio (Miguel Bernardeau). Cuando por fin se acerca a ella, se inventa que tiene a una hija en la cárcel: Josefina. Este es el punto de partida de un film que empezó a fraguarse hace cinco años, cuando el director Javier Marco y la guionista Belén SánchezArévalo, que debutan en el largo, viajaban en un autobús junto a familiares de presos.

Josefina es una historia de esperanza en que la gente solitaria pueda abandonar esa situación casi impuesta gracias al afecto y al amor, explica Álamo. Completan el reparto Olivia Delcán, Pedro Casablanc, Manolo Solo y Simón Andreu.

ESTRENO: 5 NOVIEMBRE

Foto Roberto Álamo: Carlos Hidalgo.

Tras el éxito de la serie ‘Antidisturbios’, cambia de uniforme y se pone en la piel de un hombre que trata de llenar su vacío existencial en ‘Josefina’, ópera prima de Javier Marco. Una muestra más de que no hay registro que se le resista. Por Ana Santos.

“Si pudiera, elegiría solo aquellas historias que me ponen la piel de gallina.

Cuando en la página 15 del guion no me he enganchado, miro la cuenta del banco”.

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CINEFILIA

EN EL PUNTO DE MIRA

LÉA SEYDOUX Desde que nos enamoró en La vida de Adèle su ascenso ha sido imparable. En Sin Tiempo Para Morir James Bond pierde su frialdad gracias a ella y con su creación en La Crónica Francesa se ha ganado un lugar destacado en el cotizado clan Wes Anderson.

FAHRENHEIT 451 AL ROJO VIVO

NI FRÍO NI CALOR

El (lógico) deseo de ver, el 21 de diciembre, si El buen patrón se sitúa entre los finalistas a la nominación al Oscar.

El (desenfadado) esmoquin rosa con el que Daniel Craig sorprendió en el estreno londinense de Sin Tiempo Para Morir.

La (prometedora) alianza de A Contracorriente con la productora de Johnny Depp, In.2 Films, para crear proyectos conjuntos.

El (redundante) tercer divorcio de Sean Penn, de 61 años. Esta vez de Leila George, de 29, tras 15 meses casados.

El (estratosférico) éxito de la serie coreana El juego del calamar, por encima de toda previsión (y de paso ha multiplicado los beneficios) de Netflix.

El (dudoso) poder de convocatoria de los próximos Globos de Oro tras anunciarse que la NBC no los retransmitirá.

CALDEADO DIANA RIGG Nos dejó con un papel a su altura en Última noche en el Soho, su film póstumo.

Fotos: Getty Images.

BENEDICT CUMBERBATCH Agente a su pesar en El espía inglés o perverso ranchero en El poder del perro, lo borda todo .

SALMA HAYEK De inmortal en Eternals a darle morbo a La casa Gucci: su marido es el dueño de la firma.

MICHAEL GANDOLFINI Impresiona tomando el relevo de su padre como joven Tony Soprano en Santos criminales.

VICKY LUENGO Sigue alternando con soltura cine, en El sustituto, y TV, en Historias para no dormir.

IRÈNE JACOB Mujer silenciada en Villa Caprice, pero presidenta del Instituto Lumière en su vida real.

Los (cariñosos) mensajes desde el Festival de Sitges echando en falta a Carlos Pumares.

El (irónico) viaje al espacio de William Shatner, tras recorrerlo años, como Capitán Kirk, en la franquicia Star Trek.

La (incierta) amenaza de una huelga de técnicos de cine y televisión para paralizar Hollywood.

ZONA GLACIAL El (vergonzoso) acoso a la hija de Robin Williams, Zelda, que no deja de recibir por redes un vídeo en el que Jamie Costa imita a su padre.

La (estelar) presencia en Almería de Franco Nero, irrepetible Django, para recibir el premio Tabernas de Cine.

La (justificada) protesta del director David Zucker de que hoy solo habría podido hacer Aterriza como puedas eliminando los chistes.

La (prolongada) ovación a John Williams al acabar su concierto en la Filarmónica de Berlín.

Las (fundadas) dudas de que se ha malinterpretado la anunciada retirada de Michael Caine.

La (imparable) carrera del sevillano Marcos Fajardo, que con su software Arnold, usado en Juego de Tronos o Blade Runner 2049, acaba de ganar el Emmy técnico, tras recibir el Oscar.

La (amarga) realidad de que los Presupuestos para 2022 mantienen congelado el Fondo de Protección a la Cinematografía en 70 millones de euros, misma dotación de 2017.

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CINEFILIA # MI CINE ESPAÑOL

QUIZ Por Ricard Camarena.

GRACIAS POR LA MÚSICA El chef Ricard Camarena, dos estrellas Michelin, recuerda la banda sonora de la ‘Calle 54’ de Trueba, su devoción por La Verdú y la admiración 360 grados por Paco León. ¿Su primera vez con el cine español?

Bienvenido, Míster Marshall (Luis García Berlanga, 1953). Recuerdo verla un sábado por la tarde junto con mis abuelos maternos. Nunca olvidaré los aspavientos de Pepe Isbert. ¿En qué film se quedaría a vivir? En Calle 54 (2000), es una auténtica delicia. La manera en que Fernando Trueba nos enseña su jazz es como para repetir muchas veces. ¿Con quién de nuestro cine se iría de cañas?

Con Javier Gutiérrez e Ivan Massagué, me da la sensación de que no me aburriría. ¿Con quién se quedaría encerrado en un ascensor? Con Rafael Cobos, alguien con su capacidad me daría para uno y muchos encierros. ¿A quién no querría tener al lado en un avión? A Torrente, imagino que sería un viaje muy embarazoso.

Un amor adolescente mitómano.

Maribel Verdú, sin ninguna duda. ¿A qué estrella internacional le gustaría ver trabajando en nuestro cine?

A Steve Buscemi. ¿En qué película le habría gustado hacer

Peu de foto dellate volores sition enis quiam quide.

un cameo? En Camino (Javier Fesser, 2008). Habría pagado por poder abrazarla; viendo esa película sientes una gran necesidad física de hacerlo. ¿Algún director o actor al que admire?

A Paco León. Por su versatilidad, creatividad, sentido del humor, inteligencia… y a Luis Tosar, por los maravillosos momentos que he pasado viéndolo actuar. ¿A quién invitaría a comer en su restaurante? A Juan Echanove, que es una de las personas que conozco que más disfruta sentándose a la mesa. Negociaría con él quién y qué cocina. ¿Hay alguna película que le haya inspirado alguna creación culinaria? Todas las películas te invitan a reflexionar sobre algunos aspectos de la vida, pero no sabría decir ninguna que haya provocado en mi trabajo un cambio muy profundo.

Un recuerdo cinéfilo. Una cena en mi restaurante en la que se reunió el equipo de rodaje de El bar (Álex de la Iglesia, 2017). Pasé toda la noche embobado observándolos… ¡Había tanto talento reunido allí! u

Se estrena ‘Un espíritu burlón’ y recordamos los vínculos de su autor, el escritor Noël Coward, con el cine.

A. ¿Qué película de Alfred Hitchcock adaptó una pieza teatral de Coward?

1. La soga.

2. Champagne.

3. Easy Virtue (Vida alegre).

4. Pánico en la escena.

5. Matrimonio original.

B. ¿De qué hacía Coward en Un trabajo en Italia (Peter Collinson, 1969), su última aparición como actor?

1. Magnate de la industria.

2. Inspector de policía.

3. Mecánico de automóviles.

4. Delincuente en prisión.

5. Embajador en Roma.

C. A Billy Wilder se le ocurrió la idea de hacer El apartamento después de ver qué adaptación de Coward?

1. Vidas íntimas.

2. Reina el amor.

3. Weekend.

4. Una mujer para dos.

5. Breve encuentro.

D. ¿Qué obra española, protagonizada en cine por Fernando Fernán Gómez, se dice, inspiró a Coward Un espíritu burlón?

1. Viviendo al revés.

2. Un marido de ida y vuelta.

3. Empezó en boda.

4. El destino se disculpa.

5. ¿Dónde pongo este muerto?

E. ¿Qué cinta de Gaspar Noé se titula igual que el primer éxito de Coward, con el que este ganó la fama inmediata?

1. Climax.

2. Solo contra todos.

3. Sodomites.

4. Vortex.

5. Irreversible.

A. ‘Easy Virtue (Vida alegre)’. B. Delincuente en prisión. C. ‘Breve encuentro’. D. ‘Un marido de ida y vuelta’, escrita por Enrique Jardiel Poncela. E. ‘Vortex’.

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RESPUESTAS

‘El bar’, de Álex de la Iglesia.

CINEFILIA # ARTE Y ENSAYO

CONEXIÓN CADAQUÉS ‘La Crónica Francesa’. Pocos cineastas mantienen un estilo tan identificable como Wes Anderson. Para su última película, el director texano ha pescado en la Costa Brava a Javi Aznarez, un talento barcelonés a quien le ha encargado parte de la imagen gráfica del film. El artista nos lo cuenta. Por Àlex Montoya (Festival de San Sebastián).

Cocker canta Aline y hace un recorrido por la ciudad interactuando con los personajes de la película. Parecía que iba a ser mucho menos, pero el trabajo fue creciendo como una bola de nieve, explica, y añade una curiosidad: Hay un momento en que Jason Schwartzman hace un dibujo de una mano…, eso también es mío, mi mano es la que sale en esa escena.

Tarea didáctica. Un inesperado cameo para este artista que ya había experimentado el mundo del cine con Neil Jordan, otro habitual de Cadaqués, para el que trabajó en los storyboards de La viuda (2018). Y que vivió intensamente su relación con Wes Anderson: ¡Es un genio! Yo era fan suyo, sobre todo de Life Aquatic, que es la primera película suya que vi, y de Fantástico Sr. Fox. Sabe de todo, de cine, de literatura, de música, de iluminación.

Tiene un ojo alucinante.

Y todo pasa por él, tiene un control absoluto sobre cada aspecto del rodaje. Trabajar con él es increíble, si algo no sale, se prueba otra cosa, es muy amable. Me ha dado muchísima libertad, es exigente, está claro, no ha sido fácil, también por la presión que yo mismo me he puesto, pero ha sido un gustazo… u

Javi Aznarez dibujando en su estudio.

De Cadaqués a Ennuirsur-Blasé. Cuenta el artista Javi Aznarez, barcelonés de 42 años afincado en Cadaqués (Gerona), que jamás se imaginó lo que está viviendo. Regentar la galería Taller de Tabakov en uno de los pueblos más emblemáticos de la Costa Brava le acercó a Octavia Peissel, colaboradora habitual de Wes Anderson, y veraneante en el lugar desde pequeña.

Ella me puso en una lista de candidatos, ella le enseñó mi trabajo al director de arte y al mismo Wes, ella fue la clave de todo, recuerda el ilustrador en su encuentro con FOTOGRAMAS en la recta final del Festival de San Sebastián. El trabajo de Aznarez y las pruebas que le hicieron encajaron a la per-

fección con la imagen que el cineasta quería proyectar en su nueva película.

La bola de nieve. Cuatro portadas de la revista, el tintero boca abajo que aparece en el primer fotograma de la película (Una cosa muy técnica que fue la que repetí más veces; ahí me asusté, pensaba que si todo el trabajo era igual, iba a ser una locura, cuenta), las portadas que van apareciendo en la trama, un retrato de Bill Murray, una entradilla para cada capítulo del film, los créditos finales y varios retratos de los periodistas del The New Yorker que han inspirado a los del film. Luego llegarían 20 portadas más, las covers, el póster definitivo y otras cuatro versiones, y finalmente un videoclip en el que Jarvis

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1., 2., 3. y 4. Cuatro de las creaciones de Javi Aznarez para Anderson: “Tenía una idea muy clara de lo que quería. A mí me tocaba encontrar la fórmula para plasmarlo. Tanto para el póster como para las ‘covers’ de los créditos”.

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CINEFILIA # ¡QUÉ PELÍCULA LA DE AQUEL RODAJE!

PARECIDOS RAZONABLES

Por Fernando Esteso.

CON PISTOLAS DE IDA Y VUELTA Fernando Esteso estrena ‘Cuidado con lo que deseas’, de Fernando Colomo, y, con su humor de siempre, cuenta la locura que fue filmar ‘Al este del oeste’.

Desde pequeñajo me han gustado los westerns. Así que siempre me hizo mucha ilusión protagonizar uno, y casi que fui yo quien animó a Mariano Ozores a lanzarse con Al este del oeste. Fue mi primera y única incursión, con un guiño de comedia, claro, en este género que tanto admiro. Una superproducción para aquel entonces, con una semana de exteriores en Almería. Hacia allí, el destino con fama de gozar de 365 días con sol, nos embarcamos.

Primera sorpresa, soplaba el viento con tal fuerza que hubo que juntar los camiones formando un parapeto para protegernos; como si fuéramos una caravana del Far West haciendo frente con sus carretas al envite de los pieles rojas. Luego llegó aquella pequeña nube que no nos abandonó durante todo el rodaje. Cuando no descargaba un aguacero, iba y venía sobre nosotros tapándonos el sol.

Y llegó la hora de lucirse con las pistolas, como cuando mi personaje está en una escalera y hace acrobacias con ellas. ¿Cómo lo logré cuando

se me ve la cara y no me sustituía el doble? Sencillo. Lo filmamos al revés. Cuando parecía que las estaba enfundando con toda precisión, en realidad, las estaba sacando de las cartucheras. La magia del cine. Lo de los caballos no fue tan sencillo porque aquellos animales tenían muchas horas de vuelo. En cuanto escuchaban: ¡Motor! ¡Acción!, levantaban la cabeza, estiraban las orejas y se ponían en posición. El de Antonio Ozores era tan tranquilo que se dormía en cuanto se paraba. El pinto que llevaba Juanito Navarro tenía el hábito, al detenerse, de darse la vuelta y mostrar sus cuartos traseros. Yo parecía que era quien tenía más dominio, pero se debía a que imitaba la postura de mi admirado John Wayne en cuanto me quedaba quieto. Lo más terrible era que si aflojaba las riendas el animal bajaba la cabeza para buscar algo en el suelo, yo le perdía de vista y mi angustiosa impresión era que el caballo desaparecía debajo de mí. u

ALMUDENA AMOR

(El buen patrón) Y VIOLETA RODRÍGUEZ (Los del túnel) Envío de: Teresito (Sevilla).

ÀNGEL LLÀCER Y EL DIRECTOR JAMES GUNN (El Escuadrón Suicida) Envío de: El Sobrino de Pepe Gotera (Ávila).

DENIS LAVANT (Holy Motors) Y JOSÉ MARÍA AZNAR Envío de: Antoni Lasierra (Canet de Fals, Barcelona).

‘CUIDADO CON LO QUE DESEAS’ SE ESTRENA EL 19 DE NOVIEMBRE

JENNIFER CONNELLY Y la youtuber PATRY JORDÁN

Fernado Esteso, como Bill Pistolas de Oro, en ‘Al este del oeste’.

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VIRGINIE EFIRA E IRA DE FURSTEMBERG (No desearás al vecino

del quinto) Envío de: Don Cicuta (Huelva).

Fotos: Archivo Fotogramas y Getty Images.

Envío de: El Observador Observado (Huelva).

CINEFILIA # ¿QUIÉN ES QUIÉN...?

LA INFANCIA COMO PATRIA

Foto: Manolo Pavón.

Los años 80 no fueron quizá el mejor de los tiempos en el País Vasco, pero el director Manu Gómez (Mondragón, 1973) los recuerda en ‘Érase una vez en Euskadi’, entre pintadas callejeras, violentas manifestaciones y pelotas de goma, como una época inolvidable. Al menos si tenías 12 años, un verano por delante para vivir en libertad y unos amigos del alma con quienes compartir alegrías y tristezas. El cineasta nos presenta a los protagonistas de su ópera prima. Por Juan Pando.

HUGO GARCÍA (JOSÉ ANTONIO)

MIGUEL RIVERA (PAQUITO)

AITOR CALDERÓN (TONI)

ASIER FLORES (MARCOS)

“Lo más especial y bonito de Hugo fue la generosidad que mostró con sus compañeros.

Esta ha sido su primera experiencia en el cine. Tiene talento y trabaja desde un lugar muy adentro, lo que se ajustaba a la perfección a lo que yo buscaba en su personaje, José Antonio, un muchacho introvertido, que se oculta tras su pelo largo. Nos centramos mucho en sus silencios. Es de los cuatro amigos el que se esfuerza más por integrarse en Euskadi, da clases particulares de euskera y toma como ejemplo a su hermano mayor, a quien adora, que está volcado en el activismo político.”

“Lo que menos le gustó a Miguel, que es pura espontaneidad, fue que Paquito sea el único de la cuadrilla que lleva aún un infantil pantalón corto. Por no hablar de que use gafas, que él no necesita, y ese tremendo pelo casco que luce. Lo pasó mal porque su aspecto va a peor según avanza la película, y le rapan. Había salido ya en la serie Señoras del (h)AMPA. Su familia es la más berlanguiana y su personaje, un valiente, que usa agua oxigenada para teñirse de rubio por conquistar a su amor platónico.

Es testigo del dolor de la doble inmigración, ya que su padre, andaluz, pasó por Alemania antes de ir a Euskadi.”

“La fotogenia y la intuición de Aitor, que se come literalmente la cámara, resulta increíble.

Rodamos la escena tan dramática en la que está con su hermano, cuando se baña, y quedó impecable. Pero por un fallo de cámara hubo que repetirla al día siguiente. No se me olvidará que la clavó del modo exacto que la primera vez. Él ya tenía experiencia previa en series como Gigantes y films como Que Dios nos perdone. Toni, su personaje, es hijo de familia monoparental, tiene una madurez prematura a la que lo ha forzado la vida.

Encuentra en la compañía de su perro el cariño que le falta.”

“Mi álter ego en la película es Marcos. Sus penurias, de ciclista frustrado e infortunios familiares, fueron los míos en la niñez. Con Luis Callejo, que encarna a su padre, me sucedió algo extraño. Según avanzaba la filmación, y sin buscarlo yo de modo consciente, se parecía cada vez más a mi propio padre.

Asier es inteligente en extremo y tiene unas cualidades técnicas asombrosas. Él solo se iba a la marca, que no necesitaba mirar ni que le dijeran nada. Cuando lo elegí me recordaron que era el niño que se desmayaba en Dolor y gloria, de Pedro Almodóvar.” u ESTRENO: 29 OCTUBRE

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ESTRENO # ENTREVISTA # CÓMO SE HIZO

LA LLAMADA DE LO SALVAJE El fotógrafo de la revista ‘National Geographic’ Andoni Canela, nominado al Goya por su documental ‘El viaje de Unai’ (2016), nos narra cómo ha recorrido el mundo, a lo largo de cuatro años, para reflejar en ‘Panteras’ la situación en la que se encuentran los felinos más majestuosos y amenazados del planeta. Por J. P.

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el que concluyó aquel documental y donde comienza Panteras, decidí que ellos serían los protagonistas de mi próximo trabajo.

Termómetros biológicos. Elegir a estos animales tenía un fin muy preciso.

Son bioindicadores de la salud del planeta. Necesitan un hábitat adecuado, con grandes espacios naturales y presas con las que alimentarse, explica. Si no se dan esas condiciones, desaparecen, como pasa en muchos lugares. Nuestra intención es reflejar la situación en la que se encuentran.

Los más amenazados son el guepardo

5 MOMENTOS INOLVIDABLES PARA EL JOVEN UNAI 1. Cuando vi al leopardo de las nieves, a cinco mil metros de altitud, en el Tíbet.

2. Darme cuenta, en el Himalaya, de que se acababa el viaje, y reflexionar sobre todo lo vivido en los cuatro años que duró.

3. El día en la Patagonia chilena que no comimos nada del amanecer a la puesta del sol, y aprendí la dureza de este oficio.

4. Estar solo y ser el primero en ver a una hembra lince y sus crías en Andújar, Jaén.

5. El paisaje del Himalaya, que me inspiró para componer The Song of the Irony.

y el tigre; el que menos, el lince ibérico. Los más accesibles, el león y el leopardo; los menos, el puma, el jaguar y el leopardo de las nieves. En el film, además de estos, salen hasta 50 especies de animales diferentes, desde ratoncitos hasta elefantes monumentales. El mensaje final es que su hábitat y quienes conviven con ellos son tan importantes como los propios felinos.

“Los grandes felinos son bioindicadores de la salud del planeta. Necesitan vivir en grandes espacios, con presas de las que alimentarse”.

Planear y esperar. Su compañero de periplo, su hijo, tenía 12 años cuando lo iniciaron y al concluirlo, en el Himalaya, iba a cumplir 17. La experiencia me ha aportado una gran perspectiva ante la vida, reconoce Unai, que estudia segundo de bachillerato. He conocido culturas distintas, me he familiarizado con los animales y he aprendido mucho de mí mismo.

Este viaje puede parecer un sueño para cualquier chaval, y lo era para mí, pero tengo conocidos que jamás lo habrían hecho, por no separarse de los suyos. Este fue un aspecto que cuidó mucho su padre. No lo hicimos seguido, cuenta Andoni. Nos íbamos tres o cuatro semanas, unas tres veces cada año, aprovechando la Semana Santa, las Navidades y épocas así.

El planificar es esencial en este oficio, lo mismo que la paciencia, el estar abierto a lo imprevisto y, sobre todo, que te apasione lo que haces. u ESTRENO: 5 NOVIEMBRE

Fotos: Wanda Visión.

Llevaba Andoni Canela (Tudela, 1969) más de año y medio recorriendo con sus cámaras, en compañía de su hijo Unai (Barcelona, 2004), junglas, desiertos y sabanas, cuando se decidió al fin a proponerle al productor José María Morales que apoyase con su sello Wanda Natura su proyecto de filmar a los grandes felinos del planeta, en peligro de extinción. Empecé con mis propios medios y hasta que no pude armar una pieza en la que se vislumbrase la película que pretendía hacer no me atreví a buscar un productor, reconoce. Con su apoyo las cosas se hicieron más fáciles, aunque el reto principal, que era avistar a los animales, se mantuvo igual de difícil.

Su sueño se ha hecho realidad en el documental Panteras, tras un total de 15 viajes a 13 países, en cuatro continentes, y a lo largo de cuatro años.

Un puma prendió la chispa. Canela, reconocido fotógrafo de naturaleza de la revista National Geographic, que lleva capturando animales con su objetivo desde los 19 años, tuvo la idea de afrontar semejante desafío al concluir El viaje de Unai (2016), documental por el que estuvo nominado al Goya.

Se contaba en él cómo recorrió medio mundo, durante año y medio, con su mujer, la escritora Meritxell Margarit, guionista de sus films, y sus dos hijos, Unai y Amaia, en busca de especies en riesgo de desaparecer. La secuencia final de esa cinta captaba a un puma tratando de cazar a un guanaco, animal semejante a una llama. Había tenido encuentros antes con estos grandes felinos, que son animales con un atractivo muy fuerte, pero en aquel momento, en Torres del Paine, en la Patagonia chilena, el lugar en

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1. Andoni Canela al acecho de la vida salvaje con sus cámaras. 2. El lince ibérico, en Andújar, Sierra Morena, Jaén. 3. Una leona descansando, en Kalahari Central, Botsuana. 4. Leopardo, en Yala, Sri Lanka. 5. Tigres, en Ranthambore, Rajastán, India. 6. Pumas, en Torres del Paine, Patagonia, Chile. 7. El esquivo leopardo de las nieves, en Ladakh, Himalaya, India.

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Fotos: Quim Vives, Archivo Fotogramas, Richard Harbaugh y Nacho Pinedo.

Bendecimos el debut de Miri Pérez-Cabrero (MasterChef, TVE) en la actuación, gracias a la miniserie Alguien tiene que morir y a Fuimos canciones, rom-com de Juana Macías, ambas en Netflix.

OCTUBRE

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Pedra pàtria, de Macià Florit Campins, obtiene la Caracola Alcances 2021 a la Mejor Película en el Festival de Cine Documental de Cádiz. Una edición que ha apostado por la paridad.

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A N I V E R S A R I O

1946/2021

Concha Velasco

LA ARTISTA TOTAL De los 82 años que está a punto de cumplir, 67 los ha pasado en platós y escenarios.

Entrar en su casa es un viaje ultraordenado al pasado (y presente) del cine, el teatro y la televisión en España.

Y nos recibe feliz, notoriamente feliz, por su Fotogramas de Plata Especial Homenaje a toda una vida de entrega al oficio.

Por Paula Ponga.

Quebradiza y fuerte; lenta de andares y de ademanes, veloz de mente. Hospitalaria y mandona. En vísperas de un nuevo paso por quirófano nos abre, descalza y empuñando un elegante bastón, las puertas de su casa, un museo doméstico en el que cada objeto alberga mucha Historia. Ni se os ocurra dejar algo fuera de lugar, lo quiero todo como estaba, ¿eh? Divertida: Si ya lo decía Antonio Gala, que soy insobrellevable. Agradecida: No quiero llorar, pero recibir este premio en este momento de mi vida me llena de gratitud.

Siempre que recibo un Fotogramas estoy en algún momento especial de mi vida. Temerosa: Sé que me voy a morir pronto. Me gustaría hacerlo sin llamar la atención, sin dar la lata. Mi padre, tan guapo, tan alegre, tan estupendo, murió con 86 años después de bebérselo todo; murió de un ataque de fabada y de una botella de Vega-Sicilia enterita. Mi madre, una mujer culta y triste que siempre estuvo enferma, no llegó a cumplir los 74 años. Me hizo estudiar mucho, leer mucho: ¡estudia y trabaja! Me hizo muy responsable. Es que a mí la vida se me ha hecho muy corta, desde cría. Se me ha pasado sin sentir. Sincera con sus rencores: Yo, a quien quiero, lo quiero mucho y a quien odio, lo odio profundamente.

Pero si tú eres católica, mujer, me dicen, y sí, soy católica practicante, española y socialista. Pero no santa. Y últimamente no me siento bien tratada, no; en TVE han querido

borrarme. Y eso no. No voy a permitirlo. A mí no hay quien me borre. Y se lanza: Fuimos (Pedro) Zerolo y yo los que nos recorrimos España entera para conseguir el matrimonio homosexual, y cuando lo conseguimos y lo firmamos nos tiraban huevos y piedras a Pilar Bardem y a mí delante del Monumento a la Democracia, en Madrid. Solo ha quedado en la memoria la huelga de actores, con Juan Diego, pero se han olvidado de lo de la cárcel. Se les ha olvidado que Pepe Sacristán, Adolfo Marsillach y yo estuvimos condenados a muerte si llega a ganar el 23F. Mucha vida. Su anecdotario es tan suculento como inabarcable: Fíjate, cuando hice Libertad provisional, con Patxi Andión, con el que no me hablaba porque era el único que durante la huelga de actores nos denunció y metieron en la cárcel a la pobre Tina Sáinz, a Pedro Mari Sánchez… Pues yo –esto no lo he contado nunca– conseguí los diez millones de pesetas que había que entregar como fianza para que los sacaran. Me los dio el Partido Comunista, pero como siempre he ido muy vestida, con pamela y tal, porque a mí si me detienen, que me detengan pintada, como le decía a Mari Paz Ballesteros, pues me subí a un tren, el Partido Comunista me dio el dinero, lo entregué y ya está. En esa película me tenía que acostar con Patxi Andión y tenemos escenas maravillosas, es una de mis preferidas. La rodé embarazada.

ESTRELLA CERCANA “Cuando me veo en las portadas de FOTOGRAMAS pienso ¡vaya cuerpazo! Lo tenía todo bien puesto por el ‘ballet’. Fui de las primeras actrices en salir sin medias, y Ana Belén y yo las primeras en enseñarlo todo, aunque tuvimos que echar el freno porque siempre hay alguien que te utiliza”, dice la actriz, que demandó a un fotógrafo por publicar en la revista ‘Lib’ una fotografía suya empleada en el rodaje de ‘Yo soy Fulana de tal’ (Pedro Lazaga, 1975) con el título ‘Las tetas del franquismo’.

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“Los directores a los que les debo todo se llaman Mariano Ozores, Pedro Lazaga, Sáenz de Heredia, José Mª Forqué… Obviarlos por hacerme la progre, pues no”.

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Quiero ser artista. Hija de la posguerra (Valladolid, noviembre de 1939), vecina de las vías ferroviarias, niña de la estación (que cantaba otra Concha, la Piquer, a la que admiraba), de padre militar franquista y madre maestra republicana, pronunció sus primeras frases (en La fierecilla domada, Antonio Román, 1956) después de mucha figuración. Lo suyo no fue llegar y besar el santo. Revista, folclore, ballet, hasta que Celia Gámez (después de examinar sus espléndidas piernas) la enrola en su compañía y adopta (por poco tiempo) el nombre artístico de Lucrecia Velbar (iniciales de los apellidos paternos: Velasco y Barona). Destaca en Muchachas en vacaciones (José María Elorrieta, 1958), llega el éxito con Las chicas 34

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de la Cruz Roja (Rafael J. Salvia, 1958), Pedro Lazaga (Los tramposos, 1959; Sabían demasiado, 1962), Los que tocan el piano (Javier Aguirre, 1968), todas con Tony Leblanc, con quien forma pareja artística de enorme tirón, y con Sáenz de Heredia, a quien se le ocurrió que fuese la aspirante a cantante famosa que populariza La chica ye-ye en Historias de la televisión (1965), de nuevo con Leblanc, y, junto con Ozores, el director que más frecuentaría Concha Velasco a finales de los 60 y principios de los 70. Hasta llegar a Tormento (1974), su primer gran trabajo en cine, por el que obtuvo el primero de sus 11 Fotogramas de Plata (incluido el flamante Especial Homenaje). Perseguí a Olea para hacer Tormento y Pim,

Fotos: Pablo Sarabia, Archivo Fotogramas e Inés Molina.

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1. ‘Tormento’ (Pedro Olea, 1974), con fotografía de Fernando Arribas, padre biológico de Manuel Martínez Velasco, el primogénito de Concha Velasco, que adoptó el primer apellido de Paco Marsó, contracción de Martínez y Socías.

2. ‘Pim, pam, pum… ¡fuego!’ (1975), del mismo tándem que la anterior, Olea y Arribas, con Fernando Fernán Gómez, “que como no conducía llevaba en el coche un enano entre las piernas”. 3. ‘Libertad provisional’ (Roberto Bodegas, 1976), con guion de Juan Marsé, junto a Patxi Andión. 4. ‘Yo me bajo en la próxima, ¿y usted?’ (José Sacristán, 1992) adapta la obra de Marsillach que antes protagonizaron en teatro el propio Sacristán y Concha Velasco. 5. En la versión española de ‘Las chicas de oro’ era la hija de Sofía (Alicia Hermida).

6. Con Fernán Gómez en el Festival de San Sebastián con ‘Los gallos de la madrugada’, mal recibida: “Sentí como una especie de terremoto y le pregunté a Fernando: ‘No, nos están pateando a nosotros’”. 7. ‘Mata-Hari’, la obra con la que llenaba cada día el Teatro Calderón y por la que le dijo no a Almodóvar al ofrecerle el papel de Carmen Maura en ‘¿Qué he hecho yo…?’. 8. En la obra ‘Filomena Marturano’: “La repetí (en 1979 y 2006) por trabajar con Héctor Colomé, un actor maravilloso”. 9. ‘Teresa de Jesús’, de Josefina Molina, otra gran composición. 10. En la serie ‘Herederos’. 11. En ‘París-Tombuctú’ (Berlanga, 1999).

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pam, pum…¡fuego!, que considero uno de mis mejores trabajos. Yo conocía en profundidad la obra de Galdós y a Rosalía de Bringas, y le pedí que me diera el personaje.

Tú no puedes hacer ese papel, me dijo. Y yo, que nunca he dejado que me hagan pruebas, le pedí que me hiciera una.

Ya coqueteaba yo entonces con Fernando (Arribas, el director de fotografía de ambas películas y padre de su primer hijo). Siempre digo que hay que coquetear con los directores de fotografía, he tenido varios amores con directores de fotografía, aunque el gran amor de mi vida fue Fernando.

Cuando hicimos Las largas vacaciones del 36 (Jaime Camino, 1976) le dije: ¿Por qué no nos casamos? Y me dijo: Yo contigo

no me voy a casar nunca. Y le eché de mi vida. Pero en los últimos años hemos tenido una relación muy bonita, hasta que murió. Volviendo a Tormento: Frade aprovechó para pagarme 200.000 pesetas, cuando yo ya cobraba dos millones por película. Yo siempre he cobrado mucho, a mí lo de trabajar gratis, para nada, yo gratis no hago nada. Pero luego fue el productor que mejor me ha pagado, y con él hice la serie Yo, una mujer (Ricardo Franco, 1996).

Memoria histórica. Pedro Olea quizás sea el director que más partido ha sabido sacarme, pero no quiero olvidarme de Mariano Ozores. Como dice Pepe Sacristán, gracias a él en mi casa tuvimos agua incluso caliente. No permito que nadie se meta con él. Los directores a los que les debo todo lo que soy se llaman Mariano Ozores, Pedro Lazaga, Sáenz de Heredia y José María Forqué. Obviar a estos directores por hacerme la progre, pues no. Y creo que eso me ha perjudicado últimamente, porque si no dices que has trabajado con Almodóvar, pues no eres nada. Yo soy chica y señora Berlanga, y he hecho una película suya, París-Tombuctú, que es un testamento tremendo. He hecho cosas estupendas, pero si no estás donde conviene… En paralelo a su carrera en el cine, nunca descuidó el teatro, con éxitos como los de Yo me bajo en la próxima, ¿y usted?; Carmen, Carmen, o La truhana. Todo lo que teníamos lo invertíamos en el teatro. Hemos hecho grandes espectáculos teatrales juntos Paco (Marsó) y yo.

A la última. ¿Sabes que me veo todas las entregas de los Oscar en YouTube? Lo maravillosos que están todos los que recogen y entregan… ¿Y qué me dices de Bardem? Es uno de los tres mejores actores del mundo: Brando, Pacino y él. En España tenemos a Pepe Sacristán, a Lluís Homar, a Josep María Pou… y el mejor de todos, López Vázquez, imagínate si hubiera hablado inglés. Yo no he hecho películas de Hollywood por dos razones: una, porque no hablo inglés, a pesar de que Fernando Rey me decía que para hacer The French Connection (William Friedkin, 1971) había aprendido a hablarlo escuchando a Frank Sinatra y Barbra Streisand. La otra es que siempre he tenido aquí un novio, un amante y un marido que no venía nunca…¿Qué ves ahí? Muchas mujeres, ¿no? Se refiere a un gigantesco cuadro de Gordillo que ocupa casi una pared entera a nuestra espalda. Tiene tela marinera ese cuadro, me lo regaló Paco, le costó un dineral, pero luego no me lo ha querido comprar nadie. Es un homenaje a la infidelidad. Le gustaban mucho las señoras y ya está.

Yo lo que quiero es llenar, llenar y que me aplaudan, como me han aplaudido cada vez que me han entregado un Fotogramas de Plata. ¿Cuántas personas fueron al entierro de Alfredo Landa? ¿Cuatro? Quiero que mi entierro se llene como se ha llenado el teatro últimamente en Barcelona con La habitación de María (la sexta función que le dirige José Carlos Plaza, un monólogo escrito por su hijo Manuel, sobre una escritora rica, divertida y con agorafobia, que lleva tres décadas sin salir de su casa, encerrada en un piso durante un incendio y que hasta la fecha es su último papel). Y que los premios más importantes me los metan en la caja. Esta profesión me parece la más maravillosa del mundo. ¿Para qué trabajamos nosotros? Para que nos quieran. Pues yo lo que quiero es caerle bien a la gente. Y trabajar con Amenábar. u

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CINEFILIA # EL CONSULTORIO DE MR. BELVEDERE

Nuestros lectores hablan IMITACIÓN A LA (ALMODOVARIANA) VIDA cine de Almodóvar. Es un autor y un autor siempre está haciendo la misma película. Madres paralelas es la misma película de siempre de Almodóvar. Es también una nueva mirada a la mujer y a la maternidad. Es, en mi humilde opinión, otra obra maestra.

Diego de la Huerta (vía e-mail).

√ He visto Madres paralelas como una suerte de prorrogación estilística de la anterior propuesta de Pedro Almodóvar, el cortometraje La voz humana. La barroca estilización forPenélope Cruz y Milena Smit.

mal de la miniatura protagonizada por Tilda Swinton se sustituye aquí por un neorrealismo surgido del corazón y donde la huella política es la más potente de su obra.

Elisabet Fernández (vía Facebook).

√ Madres paralelas es un Pedro Almodóvar mayor. Aunque acaso el tema de la memoria histórica no acabe de encajar con el relato íntimo de las protagonistas femeninas, en especial Penélope Cruz, inmensa, como de costumbre. Quizás es porque lo exterior pocas veces suele estar a la altura de lo interior en el opus almodovariano.

Alba Rueda (vía e-mail).

CONTESTA MR. BELVEDERE Almodóvar, como Douglas Sirk (¿no vendría a ser en el fondo Madres paralelas como una politizada precuela de Imitación a la vida?), hace crecer su obra mirándose creativamente en ella, haciéndola grande conforme madura su autor.

Aquí, con ítems (no creo que suene boomer el término) próximos a Todo sobre mi madre y otras, ha sublimado su cine con una bergmaniana coartada: En el umbral de la vida.

EL JEFE DE TODO ESTO √ Javier Bardem, cada vez superándose como actor. Su creación en El buen patrón es sencillamente antológica, componiendo un personaje al que detestas, a veces comprendes, reconoces de muchos otros hombres de negocios y políticos, odias e incluso llegas a compadecer aunque sabes que no se lo merece.

Noelia Gálvez (vía e-mail).

√ Echaba de menos en el cine de Fernando León de Aranoa el sentido del humor. La gravedad con la cual enfocó su filmografía le restaba frescura y verdadera utilidad. Eso no sucede en El buen patrón, cuyo tono de comedia ácida es su mejor arma.

Risi o Mario Monicelli. Todo construido sobre la extraordinaria interpretación de Javier Bardem.

CONTESTA MR. BELVEDERE Comparto la observación de la murciana/o LSMV (y el entusiasmo respecto a El buen patrón, lo mejor de su director desde Familia): era admirar a Bardem en este rol y ver a Ugo Tognazzi o Vittorio Gassman en cada gesto. Pero ojo también al resto del reparto, comenzando por un ubicuo en las carteleras Manolo Solo. Un ascenso para él.

√ El buen patrón recupera al mejor

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# La sensación de despedida en la obra de Clint Eastwood se hace más fuerte y le llega, conmueve más a uno, a partir de Gran Torino y Mula porque son epílogos a su Harry el Sucio o a sus decenas de vaqueros solitarios. Cry Macho es totalmente ese western de adiós, una bocanada de clasicismo y de verdad.

Mª del Carmen Bollo (vía e-mail).

# Paul Verhoeven siegue siendo perro viejo de colmillos afilados y sabedor de a qué hueso debe agarrarse para sacar el tuétano de lo mejor de sí mismo. En Benedetta no deja títere con cabeza y sus dentelladas, siempre con un afilado sentido del humor, van hacia la Iglesia católica, el machismo, la utilización del sexo como un arma de poder (o de santidad) y la miseria del ser humano. Sexo, gore, consoladores milagrosos, pandemias y una Virginie Efira toda carnalidad y celestial maldad.

Guillem G. Català (vía e-mail).

# No sé si los adolescentes de hoy en día podrán identificarse, más allá de modas, con los que Daniel Monzón y Jorge Guerricaechevarría convierten en seres de carne y hueso en Las leyes de la frontera a partir de la novela de Javier Cercas. Pienso que sí, que las más de cuatro décadas que separan a unos de otros no han acabado con lo que de verdad significa tener 15 años.

Xosé Veiga (vía Facebook).

Lisa Simpson Millennial Version (Murcia).

Javier G. Calvo (vía Facebook).

León de Aranoa y aquel cine social de envenenado humor con el que los más veteranos comulgamos viendo comedias italianas de Pietro Germi, Dino

CINCO FLASHES EN CINCO FRASES

Javier Bardem y Almudena Amor.

# Lo mejor de Mediterráneo, tercera incursión cinematográfica del director Marcel Barrena en las historias basadas en hechos reales, sean de superación o denuncia, es la forma en la que sabe integrar el (necesario; sí, hemos desprestigiado la palabra, y la intencionalidad) mensaje con la peripecia, a ratos casi de una película de aventuras marítimas al uso, de sus protagonistas.

Hugo Castells (vía Facebook).

# En estos tiempos de crispación, enfrentamiento y odio que vivimos se hace mucho más necesaria una película como la espléndida Maixabel de Icíar Bollaín. La necesidad de perdonar, de comprender al otro, de vivir en paz y de no olvidar pero tampoco recordar con resentimiento.

Sentimientos a flor de piel que unos increíbles Blanca Portillo y Luis Tosar transmiten con simples miradas y silencios.

Paul Gandía (vía Facebook).

Fotos: © El Deseo DA SLU - Foto: Iglesias Más; Carole Bethuel; Nicola Dove, y Getty Images.

√ El cine de Almodóvar se mira en el

e-mails a Mr. Belvedere: fotogramas@hearst.es

LA CHAVETA MECÁNICA √ Sigo sin comprender lo que tomaron los miembros del jurado del pasado Festival de Cannes para darle la Palma de Oro a este gratuito corta y pega, con afán de tonta provocación, de motivos cronenbergianos y del más críptico Leos Carax. Titane es, para mí, una tomadura de pelo.

CONTESTA MR. BELVEDERE No deja de ser una gran broma con excusa arty (Shinya Tsukamoto, David Cronenberg, Leos Carax y un largo etcétera) la Titane de Julia Ducournau. Si se entra dejándose llevar por su condición de rareza (¿soy el único en ver cosas de Una gota de sangre para morir amando de Eloy de la Iglesia?) extrema, la disfrutarán.

El InstagramDiario mrbelvedere.fotogramas

Joan Manel Riera (vía Facebook).

√ Titane vuela de una provocadora y visceral manera salvaje por un cine, el actual, domesticado. Va del giallo más sangriento al futurismo más lúbrico (¿un guiño a Holy Motors?), pasando por un melodrama de cambio de identidades tan conmovedor como sensual.

15 de noviembre de 1946: nace FOTOGRAMAS. En la misma fecha, pero en 1864, ardía Atlanta en la guerra civil americana, y luego en Lo que el viento se llevó (V. Fleming, 1939).

Celso Pinyol (vía e-mail).

√ Pedro Almodóvar y David Cronenberg se dan la mano en Titane, o la nueva carne es amor, sangre, esteroides y bailes hipnóticos. Con toda seguridad, la película del año.

Raquel Pérez (vía Facebook).

Agathe Rousselle.

15 de noviembre de 1946: nace FOTOGRAMAS. Quien nació ese mes y ese año, pero el día 6, fue la espléndida actriz Sally Field.

LLANTO POR UN ESPÍA √ La larga y obligada espera ha valido la pena: Sin Tiempo Para Morir es el broche de oro ideal tanto para la etapa como James Bond de Daniel Craig como para el propio personaje, cada vez más humanizado y perdido en un mundo nuevo que no entiende. Casi tres horas de un espectacular responso para Bond. Bond ha muerto. ¡Viva 007!

Antonio Valle (vía e-mail).

√ Los últimos films de Bond daban pistas sobre el destino del personaje, destino que se exhibe con toda espectacular crudeza en Sin Tiempo Para

Morir. Tal vez Cary Joji Fukunaga no esté a veces a la altura de una película crepuscular y se deje arrastrar a las zonas de confort de las escenas de acción, pero el resto es magnífico.

Tristán Molina (vía Facebook).

√ No han sido la geopolítica o los gustos videojugables de los espectadores quienes han acabado con James Bond. Han sido estos tiempos de agendas de la cancelación los que han acabado desdibujando a 007 hasta convertirlo, en la interminable Sin Tiempo Para Morir, en una muy triste caricatura de sí mismo.

Joel Carballo (vía e-mail).

Daniel Craig, adiós a Bond, James Bond.

CONTESTA MR. BELVEDERE Dejando de lado el gratuito exceso de metraje, Sin Tiempo Para Morir me ha hablado más íntimamente que otros recientes Bond. Será por su voluntad de cerrar un círculo con aquel lejano (¡ay, C. B. Films!) Agente 007 contra el Dr. No o por la insólita indefensión de un personaje a quien Daniel Craig ha entendido al fin.

15 de noviembre de 1946: nace FOTOGRAMAS. Tres días antes se estrenaba en EE. UU. la disneyana y hoy carne de la incultura de la cancelación Canción del sur (H. Foster, W. Jackson, 1946).

15 de noviembre de 1946: nace FOTOGRAMAS. Y con esta nuestra/vuestra revista nacieron para el cine en ese año unos debutantes Kirk Douglas y Burt Lancaster. 40 años después trabajaron juntos en Otra ciudad, otra ley (Je� Kanew, 1986).

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News

NACIONALES

Por Juan Pando.

Fotos: Nicolás de Assas.

‘NO HABERLOS TENIDO’

“A TITO VALVERDE LE HEMOS HECHO DE TODO, DE QUEMARLE UN PIE A ARROJARLO DE MADRUGADA A UNA PISCINA, Y CASI SE NOS CONGELA”.

LOS NIÑOS TOMAN EL PODER Como en el cine español no hay grandes presupuestos, las relaciones familiares son casi lo más barato que podemos retratar, razona García León. A esto se añade que con la pandemia y la deriva de la distribución estamos tratando de recuperar al espectador y el público que está entrando antes a las salas son los grupos familiares. La gente mayor mantiene cierta cautela y los más jóvenes han volcado sus consumos en tablets, plataformas y similares. En No haberlos tenido, los cuatro protagonistas infantiles son Daniela Rubio (El internado: Las Cumbres), guapa, buena actriz y curranta, en poco tiempo va a ser una estrella; Marta de Toro, toda una profesional a sus ocho años; Nicolás Costi y Ricardo Mas, muy bien, también.

NEWS RODAJES

José García.

atraerá a Fernando; François, su novio (Nicolás Cazalé, Un verano en la Provenza), y el teniente Garrido, un guardia civil peculiar (Paco Tous). Los hermanos se dejarán llevar por el entusiasmo vital de Jules, que les empujará a vivir aventuras surrealistas.

Gastronomía y pintura. La cinta toca dos de los temas preferidos de su director, David Pujol, responsable también del

COSAS DE AMIGOS

Foto: Pablo Osuna.

Charlotte Vega, con Marta Nieto.

PERFECTOS DESCONOCIDOS Marina (Charlotte Vega) es una muchacha que en el drama psicológico Edén recurre a una empresa clandestina que le ayudará a huir de los fantasmas que la acosan tras un suceso trágico. Esta decisión la llevará a un paraje idílico en plena naturaleza, en el que coincidirá con tres personajes singulares que comparten su mismo objetivo, acabar con su dolor. Estos son una mujer imprevisible (Marta Nieto), un hombre introvertido y atormentado (Israel Elejalde) y otro ya mayor que toma sus decisiones pensando en quienes ama (Ramón Barea). Ópera prima de Estefanía Cortés, con guion propio. Ruedan en el Balneario de Panticosa y el Pirineo aragonés, con producción de Montreux Entertainment, La Caña Brothers, La Colmena y El Edén AIE. 40

NOVI E M BRE 2 02 1 · FOTOGRAMAS.ES

guion, y especialista en la figura del genial pintor de Figueras, a quien dedicó, entre otros, el documental Salvador Dalí: En busca de la inmortalidad.

El otro es la buena mesa, como lo demuestra en elBulli, historia de un sueño. Filman en distintas localidades de la Costa Brava y Barcelona. Producen Fishcorb Films, Arlong Productions y Esperando a Dalí AIE.

Son cinco colegas encarnados por Ingrid García-Jonsson, Elena Martín, Joe Manjón, Lorena López y Carlos Troya, y se reúnen después de años sin verse en la dramedia Nosotros no nos mataremos con pistolas. Lo hacen en torno a la elaboración de una paella, en el pueblo, el lugar del que unos emigraron a la ciudad, otros al extranjero y solo uno se quedó. Están en la treintena, sienten que se les escapa la juventud y que el futuro no era como se lo imaginaban. Su reencuentro, que coincide con la fiesta mayor, dará paso a revelaciones y confidencias. Dirige María Ripoll (No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas), a partir del texto teatral de Víctor Sánchez, que recibió el premio Max a Mejor Autor Revelación en 2016, con guion del autor y Antonio Escámez. Han rodado en Quartell y Almenara, en la costa valenciana. Producen Turanga Films y Un capricho de producciones.

La niña Teresa Giménez e Ingrid García-Jonsson.

Foto: Max Merz.

¿Se puede imaginar lo que ocurriría si dos de los chefs más exquisitos del mejor restaurante francés de Barcelona acabasen trabajando en un chiringuito de playa de la turística Costa Brava? Eso es justo lo que propone la comedia dramática Esperando a Dalí, en la que los maestros de los fogones son dos hermanos, Fernando (Ivan Massagué) y Alberto (Pol López). Corren los años 70, y por sus líos políticos han de poner tierra por medio, hasta llegar a Cadaqués. Allí conocen al caótico y carismático Jules (José García), propietario del Surreal, local al pie del mar, en el que les da trabajo como friegaplatos, y les hará compartir su pasión por Salvador Dalí, residente en la zona.

Fauna variopinta. Secundan a estos tres personajes, Lola, la hija de Jules (Clara Ponsot, Los infieles), que tanto

Foto: Paula Tudela.

La receta de la felicidad

FESTIVALES

Zinebi: Von Trotta, Uribe y Bellocchio

‘El Planeta’, ópera prima de Amalia Ulman.

Gijón: el cine en un mundo por rehacer Las obras del rumano Radu Jude (Bucarest, 1977), de quien se verá Un polvo desafortunado o porno loco, la cinta con la que ha ganado el Oso de Oro en el Festival de Berlín, y la francesa Sandrine Veysset (Aviñón, 1967), singular voz femenina en el cine europeo, centrarán este año los Focos del Festival de Cine de Gijón, FICX 59 (19 al 27 de noviembre), que reivindica el séptimo arte como experiencia colectiva y su función en un mundo por reconstruir.

Debutantes. De sus tres secciones oficiales competitivas, Retueyos es en la que tienen cabida los trabajos de realizadores con un máximo de tres films. Es el caso de Amalia Ulman, hispanoargentina afincada en Gijón que refleja en El Planeta, su ópera prima, la coexistencia entre la precariedad y la apariencia del lujo. Destacan, también, la noruega Yngvild Sve Flikke, que baraja en Ninjababy

los inconvenientes de una maternidad no deseada, y el francés Elie Grappe que sigue en Olga los pasos de una muchacha ucraniana que abandona el activismo por el deporte.

Veteranos. En la sección Albar compiten los directores consagrados, como el coreano Hong Sang-soo, que participa con In Front of Your Face, sobre una mujer que deambula por las calles de Seúl, y la alemana Maria Speth con Mr. Bachmann and His Class, film galardonado en la Berlinale sobre un profesor comprometido con sus alumnos.

La otra mirada. Se reserva la sección Tierres en trance para las cinematografías de la península ibérica y América del Sur, con títulos como Edna, en la que el brasileño Eryk Rocha pone en primer plano la memoria de la Amazonía con los escritos poéticos de Rodrigues de Souza o Apenas el sol, en la que Arami Ullón viaja al Chaco paraguayo.

La actriz, guionista y directora Margarethe von Trotta (Berlín, 1942), la gran representante femenina del Nuevo Cine Alemán, y el cineasta vasco Imanol Uribe (El Salvador, 1950) recibirán el homenaje del 63.º Festival de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao, Zinebi (12 al 19 de noviembre).

Concurso de cortos. Son 55 los títulos a competición, entre los que resalta Vatios, sobre una ciclista que aprovecha el confinamiento para entrenar, de David Pérez Sañudo, director de Ane, uno de los títulos sorpresa de los últimos premios Goya. Asimismo, Muerte murciélago, cinta de animación de Carlos Saiz que retrata la vida en las poblaciones pequeñas; Podesta Island, de Stéphanie Roland, sobre una isla

fantasma, o Elle, de Luise Donschen, sobre una visita al zoológico de Tokio.

Largos ópera prima. La Sección Oficial la completa el concurso de largometrajes para debutantes, con nueve films. Entre ellos La chica nueva, en el que una joven busca a su hermano al sur de Argentina, de Micaela Gonzalo; Faya Dayi, documental rodado en Etiopía, de Jessica Beshir, y L’été, l’éternité, de Émilie Aussel sobre chavales de veraneo.

Espacio documental. La sección Beautiful Docs, que ofrece una panorámica de los mejores documentales del año, incluye Concierto para la batalla de El Tala, de Mariano Llinás, y Marx può aspettare, de Marco Bellocchio. El espacio Focus, dedicado a las directoras, corresponde a México en esta edición.

‘Vatios’, de David Pérez Sañudo.

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NEWS THE END

MARIO CAMUS Director y guionista español. 18 septiembre. 86 años.

El éxito, en 1984, de Los santos inocentes, impecable adaptación de la novela homónima de Miguel Delibes, tal vez marcara la carrera tanto posterior como anterior de un director muy personal, compañero de Carlos Saura (guionista de su Llanto por un bandido) y con una carrera que siempre supo combinar proyectos de autor con encargos, tanto en cine como en TV, algunos de estos últimos (la miniserie Fortunata y Jacinta) espléndidos.

Muy vinculado a la literatura, Mario Camus llevó a la pantalla obras como La colmena, de Camilo José Cela;

La casa de Bernarda Alba, de Lorca, o La ciudad de los prodigios, novela de Eduardo Mendoza, sintiéndose muy cómodo cuando adaptaba a Ignacio Aldecoa (Young Sánchez, Con el viento solano, Los pájaros de Baden-Baden…) o a Daniel Sueiro (Los farsantes). Hay un Mario Camus al servicio de melodramas musicales con Raphael (Digan lo que digan, Cuando tú no estás y Al ponerse el sol) y con Sara Montiel (Esa mujer). Un Mario Camus casi de western (La cólera del viento) y maravillosamente sensible (Los días del pasado, El prado de las estrellas, La vieja música…).

JOSEP MARIA FORN

LUIS DE PABLO

Director, productor y guionista español. 3 octubre. 93 años.

Autor del que seguramente sea el mejor retrato sobre la España (y la Cataluña) de la emigración de los años del desarrollismo, La piel quemada (1967), Josep Maria Forn nunca perdió un espíritu combativo y de profunda defensa de la libertad, aunque ello le acarreara enfrentamientos continuados con la censura, caso del film La respuesta (en su original, prohibido, en catalán M’enterro en els fonaments), del año 1968. Formado en la escudería del director, productor y guionista Ignacio F. Iquino, incluso en aquellos primeros trabajos (cine negro, dramas, películas de bandoleros…)

Forn dejaba ya constancia de sus preocupaciones sociales: La ruta de los narcóticos, Los culpables, Muerte al amanecer, Yo maté, ¿Pena de muerte? o José María. Tras la muerte de Franco, su cine se abrió al revisionismo catalanista, fuera produciendo La ciutat cremada o dirigiendo Companys, procés a Catalunya y El coronel Macià.

Compositor y músico español.

10 octubre. 91 años.

Gran parte de las bandas sonoras del Nuevo Cine Español son suyas: El espíritu de la colmena, La caza, De cuerpo presente, Ana y los lobos, La madriguera…

LUISA MATTIOLI Actriz italiana. 6 octubre. 85 años.

Se retiró tras casarse con Roger Moore, a quien conoció en el péplum El rapto de las sabinas (1961). Trabajó junto a Sara Montiel en nuestra La bella Lola (1962).

CYNTHIA HARRIS Actriz estadounidense.

3 octubre. 87 años.

Estrella teatral y popular por la sitcom Loco por ti, en cine estuvo en Tres hombres y un bebé, Su distinguida señoría, Atrapa ese maniquí…

ANTONIO GASSET Periodista español.

29 septiembre. 75 años.

Mítico director y presentador del Días de Cine de TVE, en cine pudimos verlo al lado de Eusebio Poncela y una moviola en Arrebato (1980).

TOMMY KIRK Actor estadounidense.

28 septiembre. 79 años.

Estrella infantil y juvenil en Disney (Fiel amigo, Los robinsones de los mares del sur…) y ya luego en series B (El pueblo de los gigantes).

JANE POWELL Actriz, cantante y bailarina estadounidense. 16 septiembre. 92 años.

Brilló como nunca en dos obras maestras del musical de los años 50, ambas del gran Stanley Donen: Bodas reales, y, sobre todo, la deliciosa Siete novias para siete hermanos, donde era la adorable Milly Pontipee, la protagonista junto a Howard Keel. Otros títulos de su filmografía son Festival en México, Tres chicas atrevidas, Eligiendo novio, Adorable coqueta…

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WILLIE GARSON

ROGER MICHELL

Actor estadounidense.

21 septiembre. 57 años.

Por siempre el Stanford Blatch, confidente gay del personaje de Sarah Jessica Parker en la serie y películas de Sexo en Nueva York, Garson fue un todoterreno de la comedia en TV (Ladrón de guante blanco) y en cine: Atrapado en el tiempo, Mars Attacks, Ponte en mi lugar, Escándalo en el plató, Las aventuras de Ford Fairlane, Algo pasa con Mary, Vaya resaca, Reposeída…

Director británico.

22 septiembre. 65 años.

Eclipsado por el éxito de Notting Hill (1999), comedia romántica escrita por Richard Curtis e interpretada por Julia Roberts y Hugh Grant, Michell llegó al cine tras una fructífera trayectoria en dramáticos de la BBC (El Buda de los suburbios). Nos deja films como Venus, Al límite de la verdad, El intruso, The Mother, Le Week-End, Mi prima Rachel o La decisión.

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Director, productor, guionista y actor estadounidense.

22 septiembre. 89 años.

Padre espiritual y revolucionario de la blaxploitation setentera: Watermelon Man, Violenta persecución, Don’t Play Us Cheap…

ALFONSO SASTRE Dramaturgo y guionista español.

17 septiembre. 95 años.

Escribió guiones para, entre otros, J. Mª. Forqué (Amanecer en puerta oscura, Un hecho violento) y J. A. Bardem (A las cinco de la tarde, Nunca pasa nada).

Fotos: Archivo Fotogramas y Getty Images.

MELVIN VAN PEEBLES

Rambo, una crónica actual y pertinente sobre la libertad de expresión en el entorno de las redes sociales. El director sigue explorando las tensiones de nuestro tiempo enfrentando al hombre frente al sistema, en este caso de carácter virtual, pero no por ello menos aplastante y castrador. Una obra llena de ambigüedad que plantea múltiples preguntas sobre la identidad, la real y la que se expone en la red.

Experiencia al límite. La película más radical del festival se alzó con el Premio del Jurado. La firma una de las autoras más interesantes del fantástico europeo, Lucile Hadzihalilovic y se llama Earwig. Resulta inútil hablar de ella en términos narrativos porque su verdadero valor radica en las imágenes que la sustentan, que nos introducen en un espacio hipnótico y atmosférico en el que la sugestión nos traslada a espacios cognitivos y mentales perturbadores. Un experimento al límite de una violenta sugerencia.

Activismo en pantalla. Las cineastas en competición se impusieron de manera rotunda gracias a una serie de títulos en los que se denunciaba de forma abierta

el patriarcado (a través de la metáfora o del activismo puro), en los que se reflexionaba en torno a los miedos de la maternidad o se cuestionaban los mitos.

Tea Lindeburg se alzó con el premio a la Mejor Dirección por As in Heaven, una impactante fábula rural sobre el sometimiento de la mujer en un mundo de hombres y su condena a la hora de perpetuar el rol de madre y sirvienta.

Mientras, Claudia Llosa adaptaba la inadaptable novela de Samanta Schweblin Distancia de rescate consiguiendo capturar todo su misterio y su simbolismo.

Premios que nunca te di. ¿Y el cine español? Se fue de vacío. Sin embargo, Maixabel, de Icíar Bollaín; El buen patrón, de Fernando León de Aranoa, y La abuela, de Paco Plaza, se convirtieron en el centro de la conversación y, sin lugar a duda, serán tres de las películas en nuestra industria más importantes del año. Nos quedamos con lo bueno que, para lo malo, ya tenemos suficiente. Y, aunque en este año pospandemia el festival ha continuado a medio gas, su recuperación con respecto a la anterior edición ha constituido un soplo de esperanza. u

EL PALMARÉS

NEWS 2

54O SITGES-FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINEMA FANTÀSTIC DE CATALUNYA 1

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Con la bestia (del buen cine fantástico) dentro Madre paralela. Un cordero, Lamb, de Valdimar Jóhannsson, se llevó la piel del lobo en esta edición como Mejor Largometraje y Mejor Interpretación (compartida) femenina, una Noomi Rapace reencarnada en esta fábula dreyeriana sobre la crueldad de la naturaleza en una suerte de Juana de Arco maternal atrapada en un paisaje y algunos de los silencios más incómodos del festival. Festival en el que vimos más zanahorias cortadas con traicioneros cuchillos caseros que hombres lobo: los decimonónicos, clásicos y de estética comiquera (Bernie Wrightson y Richard Corben) de Eight for Silver, de Sean Ellis, y los divertidos de ese 30 días de oscuridad licantrópica que es Un hombre lobo entre nosotros, del experto en risas (y ahora sustos) Josh Ruben.

Un manto de olvido. Con el que el jurado cubrió a propuestas merece46

N OVI E MBR E 2 02 1 · FOTOGRAMAS.ES

doras de haber estado en el palmarés, comenzando por una de las joyas de la programación oficial este año, Freaks Out, un derroche de generosidad fantastique y cinéfila firmada por el italiano Gabriele Mainetti. Suerte de felliniana variación, adorablemente anacrónica, de Malditos bastardos, su comando de fenómenos de feria con poderes en lucha con los nazis fue un regalo para el fan más desprejuiciado. Malos tiempos también para un cine de género que no pide perdón cada dos minutos (ese pésimo telefilm de sobremesa con excusa de reencarnación, Here Before, de Stacey Gregg) como la fallida pero ebria de ideas Demonic, de Neill Blomkamp; la excelente y salvaje (el signo de los tiempos) In the Earth, de Ben Wheatley; ese Holocausto caníbal de posesiones thai que brindó Banjong Pisanthanakun con The Medium; la

inteligente y lúbrica versión en espíritu (oscuro) de La caída de la casa Usher que Fabrice Du Welz ejecuta en Inexorable; el terror espectral acuático de Bustillo & Maury (The Deep House); el folk horror (eje del imprescindible y exhaustivo documental Woodlands Dark and Days Bewitched: A History of Folk Horror) de The Feast, de Lee Haven Jones; un bienvenido regreso al cine satánico de los 70 (Son, de Ivan Kavanagh), o el humor antropófago francés de la muy incorrecta (¡bravo!) Barbaque, de y con el cómico Fabrice Eboué.

De la piel del diablo (del sopor).

Sorprendió (o no) la presencia entre los títulos premiados de algunos de los más aburridos e irritantes films vistos este Sitges, comenzando por esa fantasía masculina lésbica con excusa de ciencia ficción (Barbarella muy mal digerida) titulada After Blue, del fran-

Fotos: Festival de Sitges y Getty Images.

La fiera interior resurgió en un festival que volvió a recuperar casi toda la envergadura y el nivel de la selección de títulos de las ediciones prepandemia y que exploró todo aquello que se esconde bajo la piel de un género siempre tan mutante como imprescindible. Por Fausto Fernández (Sitges).

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1. La productora Hrönn Kristinsdóttir, el director Valdimar Jóhannsson y la actriz Noomi Rapace en la presentación de ‘Lamb’, la gran triunfadora del festival. 2. El equipo de ‘Tres’, Méliès d’Argent al Mejor Film. 3. Jota Bayona entregó a Belén Rueda el Gran Premio Honorífico del certamen.

4. Emilio Gutiérrez Caba con el Nosferatu en reconocimiento a su carrera. 5. El compositor Roque Baños recibe de manos de Álex de la Iglesia el María Honorífica.

6. Charlotte Colbert y Alice Krige, que presentó ‘She Will’ y fue premiada con el galardón Màquina del Temps. 7. Mamoru Hosoda concursó con ‘Belle’ y recogió el segundo Gran Premio Honorífico.

El tercero fue para Carlos Saura. 8. Ana Lily Amirpour inauguró el certamen con ‘Mona Lisa and the Blood Moon’.

cés Bertrand Mandico; la ‘hipsterada’ de vergüencilla ajena sobre la fantasía premenstrual Lewis Carroll que perpetra The Blazing World, de Carlson Young, o la blasfemia bostezable a costa del demonio y de Werner Herzog de Peter Brunner que es Luzifer. Hubo más horrores (y no de los que nos enloquecen en el festival) que citaré a modo de aviso: el timo de la estampita encierro que nos dio We Need to Do Something, de Sean King O’Grady, y la insufrible She Will, de una Charlotte Colbert más preocupada por el panfleto que por el cine.

Mudando la piel. Sin embargo, las alegrías fueron las más en esta 54ª edición. Como asistir a la materialización del sueño (y trabajo) de más de 30 años de Phil Tippett en Mad God, o un descenso a los infiernos en stop motion para enterrar (o resucitar) al mismo cine. Cuentos de hadas (Alicia a través del espejo) mudaron su piel en una maravilla de odisea giallo onírico-nostálgica en Última noche en el Soho, de Edgar Wright; la misma mecánica del cine hiló, desincronizada, una historia de amor que muta en viajes temporales (Tres, de Juanjo Giménez); el universo infantil escon-

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EL PALMARÉS

de un territorio de crueldad, amistad y relectura apasionante de los códigos de la películas de superhéroes en la excelente The Innocents, de Eskil Vogt; una historia de miedos es un western (sobre el miedo) en la modélica El páramo, de David Casademunt; la vejez es el peor de los demonios para Paco Plaza y Carlos Vermut en La abuela; bajo la máscara de Michael Myers hierve el fascismo cotidiano de la sociedad estadounidense (Halloween Kills, de David Gordon Green); un slasher carnavalesco es en realidad El fantasma de la ópera (Veneciafrenia, de Álex de la Iglesia), o una matanza en off (¡ese homenaje a El demonio de las armas de Joseph H. Lewis!) provoca más terror que lo gráfico en Nitram, de Justin Kurzel. ¿Cómo no amar este Sitges donde Nicolas Cage se supera en happening esquizofrénico merced a Prisoners of the Ghostland, de Sion Sono; la Navidad es comedia Ealing apocalíptica en Silent Night, de Camille Griffin; vuelven las Historias para no dormir (ver entrevista en este mismo número), y nos sorprenden thrillers como The Execution, de Lado Kvataniya, o Limbo, de Soi Cheang? u

PREMIO AL MEJOR LARGOMETRAJE: Lamb (Islandia), de Valdimar Jóhannsson.

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO: After Blue (Francia), de Bertrand Mandico.

PREMIO A LA MEJOR DIRECCIÓN: Justin Kurzel por Nitram (Australia).

PREMIO A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA: Ex aequo para Noomi Rapace por Lamb y Susanne Jensen por Luzifer (Austria).

PREMIO A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA: Ex aequo para Caleb Landry Jones por Nitram y Franz Rogowski por Luzifer.

PREMIO AL MEJOR GUION: Camille Gri�n por Silent Night (Reino Unido).

PREMIO A LA MEJOR FOTOGRAFÍA: Cheng Siu-Keung por Limbo (Hong Kong).

PREMIO A LA MEJOR MÚSICA: Daniele Luppi por Mona Lisa and the Blood Moon (EE. UU.).

PREMIO A LOS MEJORES EFECTOS ESPECIALES: Mad God (EE. UU.), de Phil Tippett.

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO: The Innocents (Noruega), de Eskil Vogt.

MENCIÓN ESPECIAL A LA ÓPERA PRIMA: Ex aequo para The Blazing World (EE. UU.), de Carlson Young, y The Execution (Rusia), de Lado Kvataniya.

PREMIO DE LA CRÍTICA JOSÉ LUIS GUARNER AL MEJOR LARGOMETRAJE SOFC: Ex aequo para After Blue, de Bertrand Mandico, y Mad God, de Phil Tippett.

MEJOR LARGOMETRAJE NOVES VISIONS: El apego (España), de Valentín Javier Diment.

MEJOR PELÍCULA BLOOD WINDOW: A nuvem rosa (Brasil), de Iuli Gerbase.

MÉLIÈS DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA: Censor (Reino Unido), de Prano Bailey-Bond.

MÉLIÈS D’ARGENT A LA MEJOR PELÍCULA: Tres (España), de Juanjo Giménez.

PREMIO DEL JURADO JOVEN A LA MEJOR PELÍCULA: Mona Lisa and the Blood Moon (EE. UU.), de Ana Lily Amirpour.

PREMIO DEL JURADO JOVEN A LA MEJOR PELÍCULA ANIMA’T: Cryptozoo (EE. UU.), de Dash Shaw.

PREMIO BRIGADOON PAUL NASCHY AL MEJOR CORTOMETRAJE: Unheimlich (México), de Fabio Colonna.

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ESTRENO # SPENCER # ENTREVISTA

Kris UN Niña prodigio del cine, icono adolescente, (anti)estrella de Hollywood, reina del indie y, ahora, gracias a ‘Spencer’, favorita para el Oscar. Hablamos con la actriz, que ha encontrado en la princesa Diana un espíritu rebelde que, como ella, se niega a ajustarse a ningún molde.

Por Mireia Mullor (Londres).

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uien pensase que Kristen Stewart (Los Ángeles, 1990) iba a llevar el sambenito de chica Crepúsculo durante el resto de su carrera, desde luego estaba muy equivocado. Una década después del apogeo de la saga vampírica, la actriz se ha convertido en uno de los talentos más enigmáticos de la industria estadounidense, capaz de dar un volantazo a su carrera para convertirse en una inesperada embajadora del cine indie.

Ha tomado decisiones arriesgadas, ha trabajado con directores aclamados por la crítica y, ante todo, se ha negado con tozudez a ser la estrella que todos pensaban que iba a ser. No tengo que ser ningún tipo de ideal para nadie: ese no es mi trabajo, cuenta a FOTOGRAMAS durante un encuentro en Londres, al que llegó con una gorra negra en la que se leía Daddy y una mascarilla verde oliva a juego con el resto de su muy relajado conjunto. Esa naturalidad al enfrentarse a la prensa se lleva hasta sus últimas consecuencias cuando abraza con comodidad aquellos tics que la caracterizan –tocarse el pelo constantemente, gesticular ágilmente con sus manos, hablar erráticamente, soltar tacos en cada frase– y que durante tanto tiempo han ofrecido una imagen algo distorsionada de su personalidad. Ahora sabe cómo mostrar que su actitud no es una declaración de guerra contra el mundo, sino simplemente su manera de ser fiel a sí misma. Su trabajo no es encajar en los esquemas que la precedieron, sino crear su propio espacio. Y esa es la misma filosofía que ha seguido para dar vida a la princesa Diana de Gales en Spencer, la película dirigida

Foto: Getty Images.

ASUNTO REAL

ten Stewart

“

Cu en Diana, pienso en alguien que está huyendo. Yo no huyo de nada, me encanta lo que hago.

Me encanta hacer películas, puedo tomar decisiones, co es.

“

ESTRENO # SPENCER # ENTREVISTA

dos niños, William y Harry, porque ambos están funcionando en el mundo de una forma muy positiva, afirma.

por Pablo Larraín que presentó en la última Mostra de Venecia y que, tras pasar también por San Sebastián, la podría llevar directamente al escenario de los Oscar el próximo año.

PRINCESA POR SORPRESA UNA DIANA DIFERENTE

Las comparaciones son odiosas, pero entre Diana Spencer Spencer no es un biopic y Kristen Stewart no quería ser la pery Kristen Stewart son, además, inevitables: una mujer joven fecta Diana. Considerando que la película no está aportando catapultada a la fama, asediada por los paparazis y poco a poco nueva información o intenta sentar cátedra sobre ella, nos desafiando a la autoridad y desmarcándose del camino que le podíamos permitir hacer algo más personal, dejar que nueshabían trazado para encontrarse a sí misma, aunque sea a través tros deseos nos guiasen en el camino tan lejos como pudiésede los escándalos en la prensa rosa. ¿O es esa solo una imagen mos sobre esta persona que nos atraía tanto, y después olviconstruida por los demás? La actriz guarda las distancias. Me darnos de todo y simplemente estar presentes en el momento, han sacado muchas fotos, pero ni de cerca tanto como la cuenta. La actriz confiesa que se obsesionó completamente mujer más fotografiada de la historia de la humanidad, matiza, dejando claro que esas similitudes siempre están a un nivel con la figura de Diana Spencer, conocida tras su matrimonio con el príncipe Carlos de Inglaterra simplemente mucho menor. Cuando pienso en ella, pienso en como Lady Di. No es la única: el personaje vuelve alguien que está huyendo. Yo no huyo de nada, a estar en boca de todos –¿ha dejado de estarlo me encanta lo que hago, me encanta hacer películas, puedo tomar decisiones, puedo cometer alguna vez?– tras su aparición en la cuarta temEs difícil porada de The Crown. De hecho, tanto Stewart encontrar un hilo errores; ella no estaba autorizada a hacer ninguna de esas cosas, explica. como Emma Corrin, quien ha dado vida a la conductor en las princesa en la serie de Netflix, e incluso también Se identifique o no con ellas, Stewart parece películas que he atraída a mujeres que subvierten las expectatiNaomi Watts para su interpretación en Diana vas de la sociedad que las rodea tanto como ella (O. Hirschbiegel, 2013) se sirvieron del mismo hecho porque coach, William Conacher, que les enseñó a hablar me guío por mis misma lo ha hecho con el público en la última y moverse como la princesa de Gales. década. Ahí está Jean Seberg, la actriz francesa sensaciones y no Para el proceso personal de Stewart, el primer convertida en activista por los derechos civiles me cierro a nada. paso consistía en conocer a fondo el personaje: en Estados Unidos a la que dio vida en Seberg: He intentado hacer mi mejor princesa Diana.

Más allá del cine (B. Andrews, 2019), y también He intentado imitarla, clavar el acento inglés, Joan Jett, a quien interpretó en The Runaways esa voz tan particular, sus movimientos, sus (F. Sigismondi, 2010), una rebelde imprescindible afectaciones… Lo vi todo, lo leí todo, tuve un coach fantástien la música rock de los 70. Sin olvidar su vuelta de tuerca feminista a Blancanieves en Blancanieves y la leyenda del cazador co, un guion increíblemente preciso y un director que estaba totalmente seguro de que yo era la actriz perfecta para el (R. Sanders, 2012) y su representación como heroína de acción papel, incluso cuando ni yo misma lo tenía tan claro. A partir queer en el remake de Los Ángeles de Charlie (E. Banks, 2019). de aquí, el objetivo era dejarla volar libre. Sabía que no había De alguna manera, todas han ayudado a la actriz a llegar a esta forma de interpretarla a la perfección y eso lo hizo más fácil, catarsis llamada Spencer. Me sentí más libre, viva y capaz que o menos intimidatorio: esta Diana solo podía ser mi versión, nunca, cuenta. Diana tenía el poder de amar a la gente, y yo defiende. ¿Le preocupa lo que vaya a pensar la familia real brisentí este efecto, incluso si me lo estaba inventando y simplemente estaba viviendo la fantasía…, pero qué gran fantasía. tánica al ver la película? Claro que pienso sobre ello, reconoce, aunque está convencida de que nunca tendrá la oportuniSiento que, y puede sonar muy tonto, he aprendido a tener más dad de conocerlos en persona. Por eso es raro a veces hablar confianza en mí misma a través de este papel. Fue maravilloso pretender ser ella durante un tiempo. de ellos, pero diré esto: el gran legado de Diana han sido sus

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KRISTEN, PERSONAL: FAMILIA, ROMANCES, REVELACIONES ÍNTIMAS… ASÍ HA SIDO LA VIDA DE LA ACTRIZ, CON LO MEJOR Y LO PEOR DE LA FAMA. 2

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1. Nacida el 9 de abril de 1990 en Los Ángeles, ya tenía un pie en la industria del entretenimiento gracias a su padre, director de escena, y su madre, supervisora de guiones.

2. Durante los años de ‘La saga Crepúsculo’, mantuvo una relación con su compañero de reparto Robert Pattinson, que acabó en 2012 cuando aparecieron unas fotos comprometidas de Stewart con el director Rupert Sanders, con el que estaba trabajando en ‘Blancanieves y la leyenda del cazador’. 3. Aunque no ha desarrollado una carrera como cantante, la actriz ha demostrado que sabe cantar (y muy bien) en películas como ‘The Runaways’ (F. Sigismondi, 2010). 4. Momento icónico en su monólogo de ‘Saturday Night Live’ en 2017, en el que anunció que es bisexual diciendo: “I’m like, so gay, dude”. 5. Con la guionista Dylan Meyer, con quien lleva más de dos años saliendo.

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Fotos: Getty Images y Pablo Larraín.

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CUESTIÓN DE INSTINTO

instinto. Tengo muy buen ojo para lo que quiero, asegura.

Solo tiene una condición: Quiero hacer películas que se sientan verdaderas y honestas.

Mucho ha llovido desde aquellos años en los que Stewart se debatía entre un vampiro y un hombre lobo en la saga Crepúsculo. Fue el papel de Bella Swan en las adaptaciones de las novelas de Stephenie Meyer lo que la lanzó a la fama, EN PAZ CON EL PASADO A sus 31 años, Kristen Stewart sabe lo que quiere. Ha supepero su carrera se ha ido alejando de las tierras del cine rado esa aparente incomodidad con su propia condición de mainstream y ha caminado hacia un cine independiente más arriesgado, que representan cineastas como Olivier Assayas y celebridad y ha resignificado la idea de la antiestrella: no es Kelly Reichardt. No tengo un manual de normas para escoque no le importe ser parte del circo mediático, sino que quiere hacerlo bajo sus propios términos. ¿Y la posibilidad de su ger mis papeles: es más bien lo que siento en cada momento, aclara. Durante un tiempo pensé: ¡Haré lo que sea! Y, sinprimera nominación al Oscar? La actriz esquiva la pregunta. ceramente, era un buen lugar Quizás por falta de tiempo, porque para estar en ese momento. Por le da vértigo pensarlo o porque en eso es difícil encontrar un hilo realidad, después de todo, no le conductor en las películas que preocupa. Su mente está en Diana, he hecho hasta ahora, porque me en Spencer, aunque los planes de futuro ya llaman a su puerta. guío por mis sensaciones y no me cierro a nada, pero sí empecé Acaba de rodar Crimes of the a tener más cuidado, continúa Future, la nueva película de la actriz, que vivió un punto de David Cronenberg, junto a Viggo inflexión en su carrera con Viaje Mortensen y Steven Yeun. Quizás a Sils Maria (O. Assayas, 2014), no sepa muy bien cómo definirla por la que se convirtió en la pri–Es una historia de amor entre mera actriz estadounidense en un satélite y una boya… Es un ganar un premio César a la Mejor guion revolucionario–, pero Actriz de Reparto. En los años promete ser uno de los proyectos ‘SPENCER’ que siguieron recibió numeromás bizarros de su carrera. Y eso Tras acercarse, de la mano de Natalie Portman, a Jacqueline Kennedy sos halagos por sus trabajos en tras el asesinato de JFK en Jackie (2016), Pablo Larraín fija su mirada en que ella viene de enamorarse de Diana Spencer. Con guion de Steven Knight (Promesas del este), el film vampiros que brillan cuando les da Certain Women: Vidas de mujer nos lleva al fin de semana de Navidad en el que Diana, de vacaciones (K. Reichardt, 2016), Café Society el sol y comunicarse con espíritus junto a la familia real, decide divorciarse del príncipe Carlos.

(W. Allen, 2016) y Personal a través del móvil. Además, en su Completan el reparto Timothy Spall, Sean Harris y Sally Hawkins.

Shopper (O. Assayas, 2016). futuro también habrá un cambio Aunque ahora su carrera habla de rol: tras su debut en la direcESTRENO: 19 NOVIEMBRE por sí sola, hubo un tiempo en ción con un par de cortometrajes, el que parecía que todo lo que Stewart podía ser era ese tipo firmará su primer largo con The Chronology of Water, basada de estrella adolescente que vuela demasiado cerca del sol y en las memorias de Lidia Yuknavitch. Con una carrera de acaba quemándose. En 2012, en la cima de su fama, la revista más de 20 años a sus espaldas y numerosas ambiciones por Forbes reveló que era la actriz mejor pagada de Hollywood, delante, Kristen Stewart confiesa que solo tiene una cosa de mientras su vida privada era invadida por la prensa rosa y la que arrepentirse: No haber sido completamente fiel a mí expuesta en las siempre crueles redes sociales. Tenía tan solo misma durante un tiempo, haberme traicionado en cierta 22 años. Aun así, decidió no quemarse, sino aprender a vivir manera. Pero todos crecemos y cambiamos, como el mundo, con el calor. Ahora se guía por algo importante: ella lo llama y aquí estamos, joder. u

STEWART, PROFESIONAL: CINCO MOMENTOS QUE HAN DEFINIDO LA CARRERA DE LA ACTRIZ, DESDE SUS PRIMEROS TRABAJOS HASTA SU CONSOLIDACIÓN. 1

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1. El primer papel de Kristen Stewart en el cine fue como extra en la película ‘Los Picapiedra en Viva Rock Vegas’ (Brian Levant, 2000), tras algún pequeño papel en televisión.

2. Con tan solo 9 años, tuvo su primer rol relevante en el cine a las órdenes de David Fincher, compartiendo protagonismo con Jodie Foster en ‘La habitación del pánico’ (2002). 3. Su salto a la fama mundial llegó con ‘Crepúsculo’ (Catherine Hardwicke, 2008), la adaptación de la novela de Stephenie Meyer que acabó convirtiéndose en un fenómeno de masas ‘teen’. 4. En 2015 se convirtió en la primera actriz estadounidense en ganar un César gracias a su papel secundario en ‘Viaje a Sils Maria’ (Olivier Assayas, 2014). 5. Dio vida a un Ángel de Charlie ‘queer’ en el reboot dirigido por Elizabeth Banks en 2019, marcando su retorno al cine comercial tras años en producciones indie.

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ESTRENO # WAY DOWN # REPORTAJE

Jaume Balagueró planifica el rodaje perfecto del robo ídem junto a su banda: Luis Tosar, Freddie Highmore, Sam Riley y Liam Cunningham.

OBJETIVO: EL BANCO DE ESPAÑA DE QUÉ VA: Un variopinto grupo tiene 105 minutos para entrar en el Banco de España, robar su cámara acorazada y huir. La final del Mundial de 2010 servirá de distracción.

La senda de Siegel. Jaume Balagueró es nuestro Don Siegel y Way Down es la prueba. Quien lo afirma es Álex de la Iglesia, quien acaba de fichar al piropeado director para su The Fear Collection con el largometraje Venus. Mas no adelantemos acontecimientos y vayamos a Way Down y que sea el propio Balagueró quien nos diga si se siente Siegel o no: Siegel son palabras mayores, pero sí que es verdad que con este proyecto he podido hacer algo diferente a lo 54

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que venía haciendo, y sobre todo he podido divertirme. Esa sensación de diversión me ha acompañado, nos ha acompañado a todos los del equipo, mientras recreábamos esa aventura de entrar en la inexpugnable cámara acorazada del Banco de España. Don Siegel hacía que te creyeras que Clint Eastwood podía fugarse de Alcatraz y nosotros que es posible robar algo en el lugar más protegido de nuestro país.

Esa verosimilitud, en la frontera, claro, de lo inverosímil como debe ser cuando te atañes a las reglas de las películas de robos, me parece una de las claves del film: mostrar al detalle cada

paso y cada elemento de esa acción o misión imposible.

Un juego maravilloso. Jaume Balagueró vuelve a sentir la emoción, y sobre todo la ilusión, que supuso el rodaje de Way Down: Lo primero que diré es que si no fuera por el guion nada habría resultado como finalmente resultó. Era una pequeña joya perfecta en su minucioso planteamiento y ejecución del robo, donde los más cinéfilos descubrirán guiños a los clásicos de este género, empezando por la moda europea de los años 60 y 70. Pero más contento aún estoy de la descripción de los personajes. Con esos cimientos el resto venía

Fotos: Jorge Fuembuena y Diego López Calvín.

‘Way Down’. Jaume Balagueró hace una pausa en sus historias de terror para cumplir uno de sus sueños infantiles y como cinéfilo: rodar una película de robos perfectos por todo lo alto. Quedamos en secreto con el director y con uno de sus intérpretes/ladrones, Luis Tosar, para conocer más datos de este plan. Por F. F.

Lorraine (Astrid Bergès-Frisbey) entre Thom (Highmore) y James (Riley).

Gustavo (Jose Coronado) intentará evitar el robo.

sobre ruedas… aunque esas ruedas supusieron mantener en pie un circo de numerosas pistas: los decorados, los efectos especiales, esa escena de masas en Cibeles en la que me echó una mano mi amigo Paco Plaza, recrear o inventar la cámara acorazada del Banco de España, rodar su fachada y para los interiores cruzar la plaza e ir a los despachos del Instituto Cervantes… Un juego tan maravilloso como el de robar algo imposible de robar, el sueño de cualquiera.

Toda la banda está aquí. Puedes tener el método infalible para burlar las alarmas, despistar a los vigilantes, entrar en una fortaleza inviolable, hacerte con el botín y escapar, pero el elemento humano sí que es imprescindible.

En el caso de Way Down hablamos de los personajes y de los actores que les dan vida. Tuve a Freddie Highmore muy claro desde el principio, es categórico Balagueró. Tiene esa juventud, esa aura de inocencia, de honestidad y simpatía que resultaba ideal para el ingeniero que deja un gran trabajo para arriesgarse en un robo.

En cuanto dijo que sí al film todo vino rodado: Liam Cunningham (el Davos Seaworth de Juego de Tronos) es amigo suyo, Sam Riley (Rebeca) se mostró entusiasmado con el proyecto,

EL GUION ES UNA PEQUEÑA “ JOYA PERFECTA EN SU MINUCIOSO PLANTEAMIENTO Y EJECUCIÓN DEL ROBO. LOS CINÉFILOS VERÁN GUIÑOS A LOS CLÁSICOS DEL GÉNERO . Jaume Balagueró, director.

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con Astrid Bergès-Frisbey (Rey Arturo: La leyenda de Excalibur) llevaba tiempo queriendo trabajar… y, bueno, luego está el equipo español, con Jose Coronado, Emilio Gutiérrez Caba y este chico que ya estuvo conmigo en Mientras duermes (2011): Luis Tosar.

Simon, estamos contigo. Ahora que lo dices sí que es cierto que Simon, el personaje que interpreto en Way Down es un poco como el Templeton Peck de El Equipo A: hace falta algo, un coche, unas bombonas de hidrógeno líquido o un equipo estéreo y allá va él y lo consigue. Con esa ironía tan española y su puntín de coña. Tosar abunda en lo ya comentado por Balagueró: Me lo he pasado muy bien rodando la película.

El ambiente era muy bueno y Jaume es de esos directores que te lo pone siempre muy fácil incluso en una producción de esta envergadura. El espectador se encontrará todos los clichés del género de robos ¡que es lo que espera! y esas

Simon (Tosar) y James (Riley), en plena faena.

escenas con largos diálogos técnicos que deben resultar creíbles, no sea que algún cerebrito lo compruebe.

Casualidades. El retraso en el estreno español de Way Down, culpa de estos casi dos años bajo el azote de la pandemia, hace que coincida con la miniserie dirigida por Alejandro Amenábar, La Fortuna, cuya premisa argumental (el tesoro de un naufragio en litigio) es bastante parecida. Me enteré de ello por boca del propio Amenábar, descubre Jaume Balagueró. Se acercó al rodaje de la secuencia de masas en Cibeles y le conté el argumento de la película, a lo que él reaccionó explicándome el de su serie. Casualidad. Más jorobado fue cuando vimos que la trama de la tercera temporada de La casa de papel giraba alrededor del robo al Banco de España. Malditas casualidades. u ESTRENO: 12 NOVIEMBRE

Way Down (España, 2020, 118 min.). THRILLER.

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ESTRENO # ÚLTIMA NOCHE EN EL SOHO # ENTREVISTA

DOBLE CUERPO Dos mujeres. Dos sueños. Dos épocas distintas… Y un destino turbio que las une. Edgar Wright nos sumerge en las pesadillas de las calles de un Londres desconocido en ‘Última noche en el Soho’, una vuelta de tuerca cargada de homenajes al cine de terror que lideran Anya Taylor-Joy y Thomasin McKenzie. Hablamos con él en exclusiva.

ace poco más de cuatro años, justo antes del estreno de Baby Driver (2017), Edgar Wright (Dorset, Inglaterra, 1974) explicaba a FOTOGRAMAS que conseguir rodar la que era su quinta película como director le había llevado nada más y nada menos que 23 años. Para su sexto largo no ha tenido que esperar tanto, pero aun así, cuenta el cineasta en una entrevista virtual antes de empezar el tour que ha llevado el film por los festivales de Venecia, Toronto y Sitges, ha pasado bastante… No. Ha pasado mucho tiempo desde que cruzó por mi mente la primera idea de lo que llegaría a ser Última noche en el Soho hasta que, por fin, pudimos arrancar el proyecto. Siempre estaba ahí, danzando por el fondo de mi cabeza, pero las cosas van como van. Oh, vaya.

Quizás primero tengamos que hacer Bienvenidos al fin del mundo (2013). Oh, vaya. Después de esta película que no he podido hacer quizás ruede al fin Baby Driver, bromea sobre su frustrado paso por Marvel, donde casi –antes de que abandonara el proyecto por diferencias creativas– dirigió Ant-Man (P. Reed, 2015). Pero en verano de 2017 tenía claro que había llegado el momento. Aunque bueno, ese momento ha tardado un poco en llegar al final, apunta sobre los recientes hechos que, desde hace 18 meses, han hecho temblar el calendario cinematográfico. La verdad, espero que estas esperas eternas no se conviertan en una tónica en mi carrera, ríe.

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ATRAPADA EN EL PASADO La tónica en la carrera de Wright son los montajes virtuosos cargados de referencias a Chuck Jones, Tex Avery o el 56

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Hollywood de los 70. Un ritmo frenético que surge del choque entre imagen y música y, sobre todo, un uso muy personal del género –ya sea comedia, buddy movie o las cintas de atracos, a las que se entrega pero también da la vuelta–, las más de las veces entendido como un caballo de Troya que funciona más como punto de partida que como límite narrativo. Y, también, un puñado de protagonistas masculinos, de Shaun a Baby pasando por Scott Pilgrim o el agente Nicholas Angel: hombres a medio hacer que buscan su lugar en un mundo que (solo ellos) creen que gira a su alrededor. Sobre el papel, poco o nada que ver con la trama de Última noche en el Soho.

En ella, Eloise (Thomasin McKenzie), una joven de 18 años que llega a Londres desde la Inglaterra rural para estudiar diseño de moda y a la que le cuesta adaptarse a la vida de la gran ciudad, de repente se ve arrastrada a los años 60, en los que establece una inexplicable conexión con Sandie (Anya Taylor-Joy), una luminosa cantante que busca abrirse camino en el Swinging London. Hay ecos de giallo italiano, de las cintas de terror de la Hammer, de los dramas de la época y dos protagonistas femeninas pero, sobre todo, relata Wright, lo que noto es la influencia decisiva de una época y un momento muy concreto. Más que las películas, más que la música… Siempre he fantaseado con la noción del viaje en el tiempo, de ir al pasado. Y siempre acabo con ese fastidioso temor de que, seguramente, no sería una buena idea.

Incluso tratándose de los años 60 del Swinging London, que probablemente sea la mejor época para idealizar por su cine, por las bandas que surgieron, por los aires de

Foto: Frank Ockenfels/Universal Pictures.

Por Roger Salvans.

DE QUÉ VA: Eloise (Thomasin McKenzie) llega a Londres para ser diseñadora de moda. Una vez ahí, descubre que es capaz de viajar a los años 60 y conectar con su ídolo, Sandie (Anya Taylor-Joy), una deslumbrante cantante. Pero el Swinging London esconde un lado oscuro.

ESTRENO # ÚLTIMA NOCHE EN EL SOHO # ENTREVISTA

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Edgar Wright entre Ron y Russell Mael.

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1. Sandie (Anya Taylor-Joy) y Eloise (Thomasin McKenzie) comparten un momento de pasión… más allá del tiempo. 2. La veterana Diana Rigg, en su último papel en el cine, la casera de Eloise.

3. Matt Smith es Jack, un galán sesentero con más peligro del que aparenta.

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ESTRENO # EL PODER DEL PERRO # ENTREVISTA

EN TERRENO VEDADO El western según Jane Campion es uno habitado por ‘cowboys’ sensibles, masculinidades tóxicas y deseos ocultos.

Así es ‘El poder del perro’, el retorno de la neozelandesa al largometraje tras más de una década. Aprovechamos para hablar con ella sobre su conexión con la novela, su legado como icono del cine y las tentaciones de Hollywood.

Por Por M. Mullor (Londres).

DE QUÉ VA: Los hermanos Phil y George Burbank viven en relativa armonía en un rancho en Montana a principios del siglo XX, pero su convivencia se verá alterada por la llegada de dos nuevos inquilinos.

El dominante Phil se encargará de hacerles la vida imposible.

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an tenido que pasar 12 años para que Jane Campion (Wellington, Nueva Zelanda, 1964) vuelva a rodar un largometraje. Y ha resultado ser, además, uno de los más ambiciosos de su carrera. El poder del perro marca el retorno de la neozelandesa al cine desde Bright Star (2009) y después de su paso por la televisión con la serie Top of the Lake, en la que trabajó durante dos temporadas. Sentí que podía hacer un trabajo más radical en televisión que en el cine, quería tener más posibilidades para experimentar, pero nunca rebajé mis estándares: usé las mismas técnicas, cámaras y equipo que en una película, cuenta a FOTOGRAMAS poco antes de presentar en el Festival de Londres su último trabajo, una adaptación de la novela homónima que Thomas Savage publicó en 1967. En la década que Campion ha estado alejada de la cartelera han pasado muchas cosas: el movimiento #MeToo ha sacudido Hollywood, las directoras han tomado la delantera en los festivales y el canon cinematográfico está siendo revisitado. Como referente femenino tras las cámaras, Campion no es ajena a esta revolución que, dice, es emocionante y reparadora. Ya no es la única directora con Palma de Oro del Festival de Cannes –la consiguió por El piano (1993) y este año la ha acompañado Julia Ducournau con Titane (2021)–, pero sigue siendo todo un icono, además de una artista con una mirada única.

EN EL LEJANO OESTE ¿Qué le atrajo de El poder del perro, de Thomas Savage?

Nunca sé cómo ni cuándo me va a llegar una inspiración de esas que te atrapa y no te suelta.

Porque realmente esa es la motivación que necesitas para llevar a cabo la inmensa tarea de profundizar en una historia y trasladarla a la gran pantalla. Leí el libro de Savage solamente por interés y pensaba que se quedaría en eso, pero no pude dejar de pensar en los temas de la historia y lo interesantes que eran. En lo bueno que era el libro, vaya. Así que, aunque en aquel momento me decía a mí misma que me quería retirar, empecé a investigar sobre quién tenía los derechos.

Pensé que podría ser simplemente la productora esta vez, pero la realidad es que solo iba a conseguir financiación si era yo quien escribía y dirigía.

ESTRENO # EL PODER DEL PERRO # ENTREVISTA

UN REFERENTE FEMENINO Este es el primer hombre protagonista de su filmografía. ¿Por qué cree que ahora era el momento indicado?

No puedes decidir de quién te vas a enamorar, y tengo que enamorarme de una forma muy profunda de mis proyectos, porque voy a estar trabajando en ellos durante mucho tiempo. Pero

no lo controlo, es algo en mi inconsciente que responde a una historia concreta. También creo que tiene que ver con la explosión de mujeres directoras a raíz del movimiento #MeToo, que ha sido tan emocionante para todo el mundo. De alguna manera, por fin siento que puedo encabezar un proyecto como El poder del perro. Las mujeres hemos dicho que esta revolución no se va a ningún lado, y ese feudo en la ficción por parte de los hombres blancos es una cosa del pasado. La diversidad es interesante y beneficiosa. ¿Siente que ha guiado a muchas mujeres delante y detrás de las cámaras?

Para mí fue importantísimo que Gillian Armstrong hiciese películas antes de que yo entrase en la escena. Me hizo ver que era posible que una mujer fuese directora. Durante gran parte de mi carrera no ha habido más de un siete por ciento de mujeres cineastas presentando películas cada año. Ahora es un poco mejor, pero aún hay una gran desigualdad.

Cuando era joven, la explicación siempre era que las mujeres no eran buenas como directoras, y nunca me lo creí. La verdad es 2 que algunos hombres no necesitaban argumentos muy convincentes: decían que les gustaría que hubiese más directoras y darles premios en festivales, pero es que simplemente no son lo suficientemente buenas, decían. Eso, afortunadamente, ya no cuela. Y luego encima están los premios reservados para las mejores películas dirigidas por mujeres. Venga,

EL PODER DE THOMAS SAVAGE Publicada en 1967, El poder del perro rompió los esquemas del western con su complejo estudio sobre las masculinidades. El título, de referencia bíblica (Deliver me from the sword, my precious life from the power of the dog), habla de un poder patriarcal que afecta a sus personajes igual que afectó a su autor, Thomas Savage, que se inspiró en sus vivencias. No era el clásico hombre alfa, y encontró las actitudes de la masculinidad hegemónica muy irritantes, explica Jane Campion sobre el escritor, y afirma: Redujeron su capacidad para vivir una vida plena.

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podemos competir en el mismo escenario que el resto, no os preocupéis.

En sus películas siempre aparecen temas de represión sexual y deseos ocultos. ¿Por qué cree que se ha convertido en una parte tan integral de su cine?

El deseo es un interés fundamental para mí cuando habla de lo que motiva a los seres humanos y cuando explora las fuerzas misteriosas que nos llevan a seguir adelante. Lo fascinante está en lo que tememos, hacia qué nos sentimos atraídos y por qué nos da vergüenza admitirlo. ¿Esa búsqueda ha definido su estilo visual?

No exactamente, pero sí que he estado obsesionada con este tema desde que era joven. Mucha gente me dice que en mis películas he podido mostrar el deseo en imágenes. Para mí tiene que ver con pensar sobre la realidad y con cómo experimento el mundo. Es una

Fotos: Kirsty Griffin/Netflix.

¿Cuánto tiene la película de los westerns clásicos?

Diría que mi relación con el western es la misma que la de Thomas Savage.

El autor tiene un punto de vista muy sarcástico sobre los westerns, una visión más compleja. La imagen más romántica del western es aquella donde los hombres son hombres y resuelven sus problemas a tiros, con cielos azules y la inmensidad de los paisajes para que vivan sus aventuras. Savage quiere cuestionar esta idea y su historia es en cierta manera la de David contra Goliat, el macho duro contra una nueva masculinidad.

Aunque esté ambientada en el pasado, ¿habla también de la masculinidad de hoy?

Totalmente. El concepto de la masculinidad no ha cambiado tanto, y en esencia va del abuso de poder. Savage ofrece un retrato muy complejo de esto con sus dos protagonistas, Phil (Benedict Cumberbatch) y Peter (Kodi Smit-McPhee), que representan dos puntos de partida muy diferentes: Phil es el macho alfa y misógino, mientras Peter es un chico más afeminado que está sufriendo bullying y ha tenido que encontrar otro tipo de fuerza interior.

No es capaz de esconderse en una pose masculina como hace Phil. Hay una dinámica entre ambos que me encanta.

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“EL CONCEPTO DE LA MASCULINIDAD NO HA CAMBIADO TANTO. EN ESENCIA VA DEL ABUSO DE PODER”. cuestión de estar atenta y observar cómo funciona el deseo. Mira, me encanta el deseo porque toca un punto débil. La gente es muy misteriosa sobre ello porque es muy íntimo, también embarazoso, pero contiene todo lo que es bueno sobre el ser humano: sentir y conectar con otras personas.

La oportunidad de sentirte vivo.

dinero. Parece una buena idea, ¿no?

La verdad, no creo que lo pudiese hacer, no me motiva ese camino.

Ya tuve una experiencia haciendo una película desde un lugar que no era honesto y no lo disfruté [Holy Smoke, producida por Miramax en 1999].

Fue una versión muy suave de lo que podría haber sido. Recuerdo que cuando estrené El piano me ofrecieron muchísimo dinero para rodar tres películas, y un agente de Hollywood me dijo: No lo hagas, te destruirá completamente. Me dijo que lo había visto demasiadas veces antes. Así que hice solo una y dije basta.

Quizás fue más positivo convertirse en la segunda mujer en la historia de los Oscar en ser nominada a Mejor Dirección. ¿Pasa por su cabeza que pueda volver a ocurrir? ¡Todo pasa por esta cabeza de aquí arriba! Pero no de forma obsesiva.

Estoy aquí para apoyar esta película, para que tenga un lugar en el mundo. Sabemos que los premios de la Academia son una manera de canalizar ese interés, pero no es necesariamente real. Es solo un juego. Así que sí, jugaré, pero no es algo en lo que crea completamente. u ESTRENO: 19 NOVIEMBRE

ÉRASE UNA VEZ EN HOLLYWOOD ¿Alguna vez le ha tentado Hollywood?

Me han tentado para ganar mucho

The Power of the Dog (R. U., Aus., Can., N. Z., 2021, 126 min.). DRAMA.

1. Los hermanos Phil y George Burbank, los rancheros interpretados por Benedict Cumberbatch y Jesse Plemons. 2. Kirsten Dunst es Rose, la nueva esposa de George y la responsable de que se rompa el equilibrio. 3. Jane Campion supervisa una toma en el set del film, que se rodó en Nueva Zelanda. 4. Kodi Smit-McPhee encarna a Peter, el hijo de Rose.

EL OTRO CUMBERBATCH Acostumbrados a verlo como el tipo elegante cuya mejor arma es su mordacidad –sea en Sherlock o junto a los superhéroes de Marvel–, Benedict Cumberbatch está irreconocible en El poder del perro. Da vida a Phil, un cowboy de apariencia sucia y actitud cruel que es incapaz de reconciliarse con sus propios deseos. ¿Suenan campanas de Oscar? Benedict es un actor increíblemente carismático, asegura Campion, que destaca su valentía. También es un perfeccionista, lo que aprecio porque quiere hacerlo lo mejor posible, aunque también puede convertirse en un problema: el perfeccionismo es nuestro peor enemigo.

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ESTRENO # LIVE IS LIFE # ENTREVISTA

El film no evita un retrato social duro de la época.

“NO QUERÍA QUE LOS CHAVALES SOLTASEN LAS FRASES COMO LOROS, SINO QUE FUERAN CAPACES DE DAR VERDADERA VIDA A SUS PERSONAJES”.

El director, junto a dos de sus jóvenes protagonistas.

Los Goonies (R. Donner, 1985) o Cuenta conmigo (R. Reiner, 1986). Todas esas referencias se encuentran ahí. Lo que ocurre es que esos títulos estaban rodados en los 80, y ahora el proceso a la hora de recrear esa época pasa inevitablemente por la memoria.

VIVIR SU VIDA De la Torre reconoce que le costó que los actores protagonistas dejaran de mirar el móvil durante el rodaje. Los códigos generacionales han cambiado mucho.

Algunos estaban enganchados y les tuvo que explicar cómo era esa época en la que cogías una bicicleta con los colegas para pasarlo bien. Les contó anécdotas, historias, para que entendieran que, hace no mucho, la infancia se vivía de otra

manera, no solo adscrita al entorno virtual. En Live is Life la presencia de los adultos es anecdótica. Los niños son los verdaderos artífices de la función. Acostumbrado a trabajar con actores de la experiencia de Luis Tosar o Javier Gutiérrez en sus películas, en esta ocasión, el cineasta gallego tuvo que lidiar con cinco chavales que no tenían ninguna experiencia profesional. Yo buscaba esa frescura, inocencia. Quería que no soltaran las frases como loros, sino que fueran capaces de improvisar, de dar verdadera vida a sus personajes.

Por eso yo empezaba a rodar, y ellos tenían total libertad para expresarse.

UNA MANERA DE VER EL MUNDO MADE IN ESPINOSA Desde su debut en el cine con Planta 4ª (A. Mercero, 2003), la mayoría de las obras de Albert Espinosa tratan de la enfermedad, como un reflejo del proceso que el propio escritor sufrió desde su infancia cuando fue diagnosticado de un cáncer óseo a los 13 años. Esa vivencia personal, así como una particular forma de retratar el tránsito de la niñez a la adolescencia, está presente también en las series Pulseras rojas o Los espabilados, así como en Live is Life a través de uno de sus personajes centrales.

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Albert Espinosa, el guionista del film.

Además de la enfermedad y la forma en la que los chicos se relacionan con ella, también encontramos algunos momentos muy duros, como la descripción de los poblados de la droga que comenzaron a surgir en la época, algo que en Galicia tuvo consecuencias devastadoras. Los hermanos mayores de mis mejores amigos murieron casi todos de sobredosis. Fue una epidemia terrible y creo que tenía que estar reflejada de alguna forma en la película, porque es necesario contar que eso existió y cómo convivíamos con ello. ¿Y el título? ¿Es o no es una referencia a la famosa canción del mismo nombre? Efectivamente, el tema del grupo Opus es uno de los leitmotivs de la película, resonando algunas de sus frases en el subconsciente colectivo y entroncando con el espíritu de la película. When we all give the power, we all give the best. Nanananana. u ESTRENO: 19 NOVIEMBRE

Live is Life (España, 2021, 109 min.).

COMEDIA DRAMÁTICA.

Más Estrenos

ESTRENOS # ENTREVISTA

Cuatro de las protagonistas, elaborando el pan de limón.

Helena de Llanos, nieta de Fernán Gómez.

‘Viaje a alguna parte’

Mujeres empoderadas ‘Pan de limón con semillas de amapola’. Tras el western ‘Intemperie’, Benito Zambrano cambia de tercio con este melodrama basado en el ‘best seller’ de Cristina Campos, un canto a la sororidad y la fortaleza femenina. Por Ana Santos.

DE QUÉ VA: En Mallorca, Anna (Eva Martín) y Marina (Elia Galera), dos hermanas que fueron separadas en su adolescencia, se reencuentran para vender una panadería que han heredado de una misteriosa mujer.

mida (2011): De pequeño, me gustaba más escuchar a las mujeres de mi familia que irme a jugar con otros chavales, recuerda. Ahora mi tribu es un círculo Vidas opuestas. Desde la primera lecmucho más amplio, pero siguen tura de Pan de limón con semillas de formándolo mujeres que se ayuamapola sentí una fuerte conexión dan y se acompañan mientras los con la historia y con sus personahombres vamos de llaneros solijes. Me interesa lo que les ocurre a tarios. Además, la maternidad, esa mujer comprometida la familia, la pareja, la y moderna que arrastra ausencia… son temas EL DATO una infancia rota, y a su universales que me inteDel papel a la pantalla. hermana, que supuestaresan mucho.

Poco después de publicarse en 2016, Pan mente lo tiene todo pero Reparto internacional. La de limón con semillas de no tiene nada. Pero ambas película –Yo la veo como amapola, de la directora comparten el mismo un cuento que va con de casting Cristina deseo: ser felices y tomar los tiempos que vivimos, Campos, fue escogido por Books at Berlinale, sus propias decisiones, apunta Zambrano– se la sección del festival afirma Benito Zambrano sustenta en las interpreque pone el foco en los (Lebrija, 1965) que, adetaciones de Elia Galera libros susceptibles de convertirse en películas. más de dirigir el film, ha (El Cid) y Eva Martín reescrito el guion junto a la (Merlí. Sapere aude), autora de la novela. pero también en secundarios como La fuerza del cariño. A las mujeres de Pere Arquillué, la argentina Marilú mi tribu. Con esta dedicatoria que Marini o el luxemburgués Tommy puede leerse al final de la película, Schlesser.

Zambrano demuestra su querencia ESTRENO: 12 NOVIEMBRE por narrar historias femeninas, algo que comenzó con su debut, Solas Pan de limón con semillas de amapola (1999) y continuó con La voz dor(Esp., Lux., 2021, 121 min.). DRAMA. 72

N OVI E MB RE 2 02 1 · FOTOGRAMAS.ES

Helena de Llanos dirige este documental que se sumerge en la carrera profesional y la forma de afrontar la vida de dos figuras imprescindibles de la cultura española: su abuelo, Fernando Fernán Gómez, y su mujer, Emma Cohen. Un viaje protagonizado por la propia Helena y Tristán Ulloa (que da vida a Juan Soldado, personaje interpretado por Fernán Gómez en la película del mismo título), que cuenta con abundante material de archivo y la colaboración de actores como José Sacristán o Verónica Forqué.

ESTRENO: 12 NOVIEMBRE

Buñuel, en el rodaje de ‘Nazarín’.

‘Buñuel, un cineasta surrealista’ Buñuel mantuvo con el surrealismo una relación inevitable y cotidiana porque su cine es fiel a sus recuerdos y sueños recurrentes. Su mirada comparte el universo creativo de los surrealistas incluso antes de que Breton formulara el Manifiesto del surrealismo, sostiene su director, Javier Espada, vecino de Calanda, experto en la obra de Buñuel y coautor de otro documental sobre su figura: El último guion: Buñuel en la memoria (2008).

ESTRENO: 5 NOVIEMBRE

ESTRENOS # ENTREVISTA

Foto: Blai Tomàs.

Roger Casamajor encarna al teniente médico Savigny.

NÁUFRAGOS DE SÍ MISMOS ‘El vientre del mar’. Roger Casamajor explica cómo ha sido su quinta colaboración con Agustí Villaronga en este drama, candidato a los Premios del Cine Europeo, por el que ganó el galardón a Mejor Actor en el Festival de Málaga. Por Juan Pando.

DE QUÉ VA: El espectador asiste al duelo de versiones contrapuestas que enfrenta al teniente médico Savigny y al timonel Thomas, supervivientes de un naufragio atroz.

Actor fetiche. Roger Casamajor (San Julián de Loria, Andorra, 1976) estudiaba aún en el Instituto del Teatro de Barcelona cuando Agustí Villaronga lo eligió como protagonista de El mar (2000). Entonces no sabía ni quién era, hoy me enorgullezco de ser su amigo, cuenta. Luego vinieron nombres del peso de Daniel Calparsoro (Guerreros), Guillermo del Toro (El laberinto del fauno) y Asghar

Farhadi (Todos lo saben). Se ha mantenido, sin embargo, como el intérprete fetiche de su descubridor, que ha contado de nuevo con él para encabezar el reparto del drama El vientre del mar, por el que ha ganado el galardón a Mejor Actor en el Festival de Málaga, y que es el único título español candidato a los Premios del Cine Europeo.

El mar y Mallorca. Esta es nuestra quinta película juntos, incluidas Después de la lluvia (TV), Pan negro e Incierta gloria. Ya nos entendemos sin necesidad de hablar. Volver a Mallorca 20 años después de hacer allí El mar

El naufragio de la fragata Alliance, de la armada francesa, frente a las costas de Senegal, en 1816, provocó que 150 personas fueran abandonadas a su suerte durante 13 días en una balsa improvisada, en la que hubo hambre, sed, canibalismo y locura. Solo sobrevivieron 15. El suceso inspiró al pintor romántico Théodore Géricault su obra más famosa, La balsa de la medusa (1819), y al escritor italiano Alessandro Baricco su libro Océano mar (1993), en el cual se ha inspirado Agustí Villaronga.

Foto: Getty Images.

EL ARTE COMO MEJOR TESTIGO

ha sido como cerrar un círculo. Con todo, este no fue un rodaje fácil. La mayoría del tiempo va descalzo, viste harapos y está en el agua. La parte física se recupera descansando, lo emocional cuesta más. Al girar en torno a dos personajes, el teniente Savigny, que es el mío, y el timonel Thomas (el debutante Óscar Kapoya), estás siempre allí, concentrado, en tu burbuja.

Mensaje actual. Savigny es uno de esos tipos turbios que él borda. Los personajes del cine de Agustí son seres complejos, a partir de los que explorar la naturaleza humana. Savigny intenta que haya el menor número de bajas posibles y eso, aunque parezca cruel, implica que los débiles deben perecer. La cuestión clave es si un naufragio del siglo XIX tiene lectura actual.

El paralelismo, por desgracia, es aplastante, y no solo por las pateras, que salen también en la película, sino porque hoy se mantienen las mismas jerarquías que había entonces. u ESTRENO: 12 NOVIEMBRE

El ventre del mar (España, 2021, 76 min.).

DRAMA.

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ESTRENO # CUIDADO CON LO QUE DESEAS # ENTREVISTA

José Sacristán

COSA DE MAGIA El último Premio Nacional de Cinematografía nos habla de su reencuentro con Fernando Colomo en ‘Cuidado con lo que deseas’, una comedia familiar con Dani Rovira, Cecilia Suárez, niños, perros, muñecos de nieve y magia navideña. Por À. Montoya.

enigno es mago de vocación y de profesión, navegante me hizo repetir 20 o 30 veces… No sé cuál montó, ¡todas de la vida y poco amigo del orden. Tiene una bola de eran iguales! O los madrugones: me he pasado la puta nieve de las que cumplen deseos, un secreto familiar, vida madrugando, desde que empecé de mecánico a los y unos nietos traviesos a los que debería acompañar 13 años. Va a ser muy difícil que haga más cine, lo que en Navidad. Pero Benigno, hombre sabio, decide apartarse tenía que hacer ya está hecho. y que el destino haga lo que le corresponde. Ese abuelo entrañable, que lo mismo te hace levitar que te roba un UNA CALLE EN CHINCHÓN quad, comparte con José Sacristán el gusto de navegar por Esto ya no hay quien lo pare, suelta entre carcajadas cuando la vida y lo relevante de la vocación. Actor eterno, cómico bromeamos y le decimos que la portada de FOTOGRAMAS imprescindible del cine de barrio, muso de la Tercera Vía, que protagonizó hace tres años, una espina que tenía claídolo en Argentina, monstruo de la escena, José Sacristán vada, fue todo un amuleto para reconocimientos muy espe(Chinchón, Madrid, 1937) sigue citando a su maestro y ciales que han llegado después, como el Premio Nacional de amigo Fernando Fernán Gómez cuando le preguntan cómo Cinematografía que recogía hace escasas semanas durante el está: ¡Vamos durando!, dice con su voz atronadora, antes Festival de San Sebastián o la llamada que recibió recientede contar las varias razones que lo llevaron a apuntarse a la mente: Me telefoneó el alcalde de Chinchón, van a darle mi comedia familiar que ahora estrena: Me apetecía volver a nombre a una calle de mi pueblo, nos confiesa emocionado. trabajar con Fernando Colomo, que es una de las mejores En cuanto al Premio Nacional, lo que más me alegra es que personas que habitan este planeta. Tengo a mis mejores todo el mundo me decía: ¿pero no lo tenías ya? Me halaga, amistades en este negocio, y ha sido una gozada reenconlo agradezco y me hace muy feliz. Sacristán es consciente del trarme con Fernando, para rodar esta historieta tierna y respeto y el cariño que despierta. En la calle o a la salida del divertida. Y también porque el rodaje iba a ser amable, teatro. Siempre hay alguno que te dice alguna cosa fuera de nada complicado. Y es que Sacristán, que nos recibe horas lugar, pero son los menos, apunta. Y es que el largo trayecto antes de subir al escenario del Teatro Romea de Barcelona, recorrido le permite opinar, sin pelos en la lengua y en tanto donde representa Señora de rojo sobre fondo gris (el monóque ciudadano, de asuntos que nada tienen que ver con la logo de Miguel Delibes que lleva girando con éxito desde interpretación, y eso lo ha puesto a menudo en el centro del 2018, con el paréntesis de la COVID-19), tiepolarizado huracán mediático. Sé que tengo voz ne muy claras sus prioridades. La mecánica y que se me escucha, reflexiona. Procuro ser DE QUÉ VA: del cine y la televisión me dan cien patadas: responsable con lo que digo, sobre todo porque Las Navidades en la los madrugones, el frío o el calor… Cuando hay tanto ruido, tanto eco, tanto charlatán y montaña de Miguel llega un guion a casa y veo exterior, noche… vendedor de alfombras. No solo en la política, (Dani Rovira), Tamara fuera, no sigo leyendo. Yo, a la hora de cenar, también en los medios, con esos tertulianos (Cecilia Suárez) y sus o estoy en mi casa o en un restaurante. que a veces entran en derivas vergonzosas. hijos parece torcerse Tampoco puedo con la repetición de tomas: ¡A mí me han llamado facha, me han llamacuando el abuelo siempre recuerdo una escena de Operación do de todo!, dice, antes de disparar a diestro y (José Sacristán), mago Ogro (1979) en la que debía mirar el encensiniestro contra políticos de izquierdas, de derede profesión, les planta a última hora. dido de una bombilla y que Gillo Pontecorvo chas y de extrema derecha, contra indepen-

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Foto: Martín Sampedro.

40 AÑOS DE AQUELLA CRISIS

José Sacristán es Benigno, un abuelo mágico.

Dani Rovira y Cecilia Suárez son Miguel y Tamara.

“ME HE PASADO LA PUTA VIDA MADRUGANDO, DESDE QUE EMPECÉ DE MECÁNICO A LOS 13 AÑOS. VA A SER MUY DIFÍCIL QUE HAGA MÁS CINE, LO QUE TENÍA QUE HACER YA ESTÁ HECHO”. dentistas y constitucionalistas. Lo que sí me gustaría es que la izquierda dejara de meter la pata, sostiene.

EL NIÑO QUE FUE Volviendo a la película, como el ilusionista Benigno, José Sacristán es un convencido abogado de la magia, aunque sin chistera ni conejos. ¿Cómo no voy a creer en la magia si todos los días hago creer a la gente que soy el que no soy?

No habían vuelto a coincidir desde que, en 1981, Fernando Colomo lo dirigió en la exitosa Estoy en crisis. Tres años antes, el cineasta lo había intentado en ¿Qué hace una chica como tú en un sitio como este?, pero no pudo ser. Sacristán recuerda que en la película yo hacía, probablemente, el mayor imbécil que he interpretado en toda mi carrera. Un tonto del culo. La hice con la Sampi (se refiere a Mercedes Sampietro), Cristina Marsillach, Quique San Francisco… Lo pasamos muy bien. ¡Qué personaje más tonto, la madre que lo parió!

Creo en la magia y en el juego…, lo dije en mi discurso de agradecimiento del Premio Nacional. Hablaba del juego, y de cuando de niño me ponía unas plumas en la cabeza y me plantaba ante mi abuela. Yo no pierdo de vista al crío que fui, eso por encima de todo. Ahora bien, él sabe perfectamente que hay que currar para que funcione.

Si no, no hay magia que valga. El otro día, mis sobrinas vinieron a ver la función, y a la salida estaban llorando.

Pero si es todo mentira, les decía yo. ¿Por qué lloraban?

Por la magia, remata entre risas.

ESTRENO: 19 NOVIEMBRE

Cuidado con lo que deseas (España, 2021, 87 min.). COMEDIA.

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ESTRENOS # ENTREVISTA

Ricardo Gómez y Pere Ponce.

ESPAÑA, REFUGIO DE LOS NAZIS ‘El sustituto’. Óscar Aibar dirige un trepidante thriller que pone el foco en las colonias de oficiales alemanes que encontraron acomodo en la España de Franco y de la Transición. El director nos lo cuenta. Por À. M. DE QUÉ VA: Un joven policía llega a Denia con su familia para sustituir a un inspector muerto en extrañas circunstancias. Allí descubre su conexión con un grupo de turistas alemanes con pasado nazi.

Una foto en un bar. Cuenta Óscar Aibar (Atolladero, El gran Vázquez) que todo empezó cuando, con su amigo (y actor fetiche) Pere Ponce, entró en un bar de Calpe a tomar algo. Había muchas fotos colgadas en las paredes, con pseudofamosos como Arévalo que habían estado allí, explica el cineasta.

Y, entre ellas, había una a color en la que aparecían seis tíos vestidos de la Wehrmacht. Me contaron que eran los nazis de Denia que entonces venían

a celebrar sus cosas… Desde ahí, Aibar empezó a tirar del hilo: España fue un país más que amigo para los nazis, y desde aquí podían huir hacia Sudamérica, aunque muchos se quedaban. En el pueblo los llamaban ‘nuestros nazis’, eran parte del paisaje.

Polis y nazis. Aibar reproduce en El sustituto esa foto y la anécdota que le contó el alcalde de Denia, cuando de adolescente tocó con la banda municipal en una fiesta de cumpleaños de Hitler. Lo vehicula con elementos de thriller clásico, con trepidantes persecuciones y tiroteos, y propone un espejo con nuestros tiempos: Vivimos un auge de la extrema

MALDITOS BASTARDOS Como hace Ricardo Gómez en ‘El sustituto’ o Blanca Suárez en la serie ‘Jaguar’, otras películas han planteado la persecución de nazis que escaparon de la justicia tras el fin de la guerra.

1. En ‘El extraño’ (O. Welles, 1946), Edward G. Robinson sigue la pista del oficial nazi Orson Welles.

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2. Laurence Olivier era un nazi aficionado a arrancar muelas en ‘Marathon Man’ (J. Schlesinger, 1976).

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3. Un comando del Mossad busca vengar la masacre de los JJ. OO. de 1972 en ‘Munich’ (S. Spielberg, 2005).

4. En ‘Kaplan’ (Álvaro Brechner, 2014), un anciano judío intenta desenmascarar a un alemán dueño de un restaurante.

derecha en Europa, y la película no podía dejar de construir un puente entre el ayer y el hoy, apunta Aibar. Más allá de esos nazis que aquí eran casi como estrellas de rock, también quería hablar de ese casposo fascismo de bar, de ese racismo cutre que ha resucitado.

Alemania hizo un ejercicio de reflexión y culpa, España no. La película se sitúa en 1982 porque fue cuando el PSOE ganó las elecciones, y había esperanza real de un cambio que llegó a medias…; los sueños rotos de la izquierda.

Reencuentros felices. En El sustituto, Aibar repite con su amigo Pere Ponce, y da el protagonismo a Vicky Luengo (a la que dirigió cuando ella tenía 16 años, en la TV movie Rumors) y a un Ricardo Gómez al que conoció dirigiendo la serie Cuéntame cómo pasó: Era un adolescente que empezaba a tomarse en serio lo de ser actor. Trabajamos juntos algunas cosas, usar los silencios, dosificar las miradas, ese tipo de cosas.

Era, y sigue siendo, un chaval muy listo, muy buen actor, y está haciendo una carrera estupenda, remata Aibar. u ESTRENO: 29 OCTUBRE

El sustituto (Esp., Bél., 2021, 117 min.). THRILLER.

ESTRENOS # ENTREVISTA

Libertad (Nicolle García) y Nora (Maria Morera).

CUENTO DE VERANO ‘Libertad’. Tras su paso por la Semana de la Crítica del Festival de Cannes, llega la ópera prima de Clara Roquet, una coming-of-age sobre las diferencias sociales desde el punto de vista de una adolescente que aprende a discernir entre el clasismo y la discriminación durante un verano. Por Beatriz Martínez.

DE QUÉ VA: Nora tiene 14 años y siente que no encuentra su lugar en el mundo. Durante las vacaciones conocerá a Libertad, la hija de la asistenta de su familia, y se harán amigas.

Dar el salto. En 2015, Clara Roquet (Malla, Barcelona, 1988) dirigió El adiós, un corto en el que contaba los sueños y renuncias de una empleada de hogar tras el fallecimiento de la anciana a la que cuidaba. Ese es el punto de partida de Libertad, pero han tenido que pasar seis años hasta que el proyecto se convirtiera en realidad. Por el camino, Roquet ha escrito los guiones de films como 10.000 km (2014) o Los días que vendrán (2019), ambas de Carlos Marqués-Marcet; Petra (2018), de Jaime Rosales, o La ofrenda (2020), de Ventura Durall. Me sentía cómoda escribiendo para otros, dice. Pero quería contar esta historia y pensé que se trataba

de un tema muy personal, que resultaba intransferible. Por eso decidí embarcarme en la dirección. A lo largo de este tiempo, Roquet ha conocido muchos testimonios de mujeres que tuvieron que dejar atrás a sus familias para cuidar de las de otros: Me pareció una metáfora sobre la ausencia de privilegio.

Lazos sin barreras. La película está contada desde los ojos de Nora (Maria Morera), pero el resto de los personajes adquiere una importancia fundamental a la hora de moldear su mirada. Todos ellos son mujeres y representan una posición totalmente contrapuesta: Teresa (Nora Navas) encarna la burguesía acomodada y su falso paternalismo, mientras Rosana, la cuidadora inmigrante, es reflejo de esa clase trabajadora sometida por el sistema.

La aparición de Libertad (Nicolle García)

SORORIDAD TRAS LA CÁMARA Roquet siempre había identificado la dirección de cine con mandar, dar órdenes, pero descubrió que no, que significa rodearte de gente que te entiende. No existen fórmulas preestablecidas, yo he creado la mía propia, desde la comunidad y el trabajo colaborativo. Por eso ha contado con el apoyo de sus amigas, Belén Funes, Carla Simón y Meritxell Colell.

Clara Roquet con Maria Morera en el set.

en ese entorno opresivo constituirá un revulsivo para Nora y será el detonante de toda una serie de conflictos morales a su alrededor. El paso de la infancia a la adolescencia es un momento clave para construir tu identidad y decidir si la separas o no de la de tus padres.

La pregunta que intento contestar en la película es si es posible que los lazos de amistad consigan romper las barreras de las clases sociales.

Faro generacional. El concepto de ‘libertad’ se pone de manifiesto a lo largo de toda la película a través de esos vínculos que nos atan a nuestro entorno y nuestra herencia. Esa libertad tiene que ver también con la dignidad, con la responsabilidad social, con la ruptura de los prejuicios, con la necesidad de empatizar con el otro. Roquet utiliza todos esos elementos para configurar una obra tan luminosa como incómoda, tan compleja como transparente. Libertad bebe del cine de Lucrecia Martel, de Alice Rohrwacher, dos directoras que han abordado elementos similares desde sus particulares universos. Para las cineastas de mi generación, La ciénaga ha sido una influencia fundamental, una especie de faro. u ESTRENO: 19 NOVIEMBRE

Libertad (Esp., Bél., 2021, 104 min.). DRAMA.

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ESTRENOS # ENTREVISTA

Foto: Kimberly French.

Lucas (Jeremy T. Thomas) descubre los terrores del bosque a Julia (Keri Russell).

AMENAZA EN EL BOSQUE ‘Antlers: criatura oscura’. Scott Cooper (‘Corazón rebelde’) abraza el terror adaptando un tenebroso relato de Nick Antosca con monstruo rural y el sello de aprobación de Guillermo del Toro. Por Ricardo Rosado.

DE QUÉ VA: En una pequeña población de Oregón, una profesora investiga junto al sheri� local lo que se esconde detrás del comportamiento de un callado y esquivo alumno.

de William Friedkin a Amenaza en la sombra de Nicolas Roeg. ¿Por qué Keri Russell no tiene más protagonistas? ¿Cómo termina el director de Corazón Es inexplicable, es una actriz extraordirebelde en una película de terror? naria que está dispuesta a todo. Es generosa, tiene un gran sentido del humor, Guillermo del Toro fue el que me dijo que mis tres últimas películas, La ley se lo toma todo en serio pero no demadel más fuerte, Black Mass y Hostiles, siado. Es muy fácil identificarse con ella.

Algo similar le pasa a Jesse Plemons… eran de terror y nadie lo sabía. El género me ha permitido seguir explorando las Exacto, es la tercera vez que trabajo reminiscencias más oscuras con él y creo que es uno de de la experiencia humana. los mejores actores de su EL DATO ¿Buscan los fans del terror generación. Nunca resulta El film adapta The Quiet Boy, un relato de Nick examinarse a sí mismos? falso, aporta un profundo Antosca, escritor de la sentido de humanidad en Las películas de terror son serie Hannibal y creador para gente que está interecada escena, nunca parece de la antología de terror sada en la oscuridad que que esté actuando.

Channel Zero. Antosca, que firma el guion llevan dentro, pero que no ¿Cómo encontró a un joven junto a Cooper y Henry quiere enfrentarse a ella tan natural como Jeremy Chaisson, pasó por Sitges directamente. Proporciona T. Thomas? para presentar el reboot un entorno cómodo para Probamos a unos 1.000 televisivo de Chucky, el muñeco diabólico. que escapen. El riesgo artísniños, buscaba a uno que tico es uno de los grandes no se pareciera a todos placeres de hacer arte, los demás. Jeremy tiene quise continuar con el prouna cara muy expresiva y ceso de maduración como muchas cualidades bonitas. director probando en este Pensé que sería el idóneo otro género que siempre he porque, aunque no tiene disfrutado, de El exorcista una gran cantidad de diá78

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logo, pasa por mucho dolor y es algo que puede verse a través de sus ojos.

Es un joven actor maravilloso y es un gran chico.

Trabajó junto a Javier Navarrete con la música. ¿Cómo fue la experiencia?

Javier es un compositor extraordinario.

Trabajé estrechamente junto a él durante meses. Es un gran pensador, tiene un espíritu maravilloso y un artista del más alto nivel. Me sorprendió su amplia gama de sonidos y talentos musicales.

He escuchado gran parte de su trabajo, pero me encantó lo que hizo con Guillermo en El laberinto del fauno. ¿Repetirá como director de cine de terror?

Hay muchas historias que contar dentro del género y algunas de las mejores películas actuales son de terror, me ha encantado trabajar en ello. No sé si volveré a rodar una película directamente de terror, pero sí que trate temas humanos de este modo, me encanta que se comparta mejor como una experiencia comunitaria, la gente tiene que ir al cine para conseguir esa experiencia completa. u ESTRENO: 19 NOVIEMBRE

Antlers (EE. UU., México, 2021, 99 min.). TERROR.

ESTRENOS # ENTREVISTA

Aoba Kawai y Fusako Urabe, protagonistas de uno de los episodios del film.

VIDAS CRUZADAS ‘La ruleta de la fortuna y la fantasía’. Ryûsuke Hamaguchi dirige este drama, premiado en la última Berlinale, que plantea la vida como una partida en la que hay coincidencias (y consecuencias) dramáticas o esperanzadoras. Por B. M. (San Sebastián).

DE QUÉ VA: Una joven se da cuenta de que el chico del que está enamorada una amiga es su propio ex. Una estudiante intenta seducir a su antiguo profesor en su despacho. Y dos mujeres que se encuentran no saben si se conocen o no.

Car, por la que consiguió el premio al Mejor Guion, de una caligrafía exquisita, y en la Berlinale se alzó con el Gran Premio del Jurado por la que considera su película más personal, La ruleta de Clásico instantáneo. En un tiempo récord, la fortuna y la fantasía, una antología Ryûsuke Hamaguchi (Kanagawa, Japón, compuesta por tres relatos independien1978) se ha convertido en el nuevo tes que giran en torno a las relaciones gran maestro del cine japonés conhumanas y sentimentales en un mundo temporáneo. Su estilo bebe tanto de que gira y gira y nos conduce a situaciola tradición de su país (con nes inesperadas y paradójicas.

Ozu, Mizoguchi y Naruse a la Hable con ella. En esta película EL DATO cabeza) como de las nuevas he podido arriesgar más que Los films de Hamaguchi tienen en generaciones (como la que nunca, cuenta el cineasta. su centro a las mujeres. representa Kôji Fukada) que Al estar dividida en tres parEn Happy Hour (2015) buscan romper con los estetes, podía cambiar los temas intentó plasmar el universo femenino a reotipos a través de nuevas y el estilo sin perder la cohepartir de la mirada de formas de narración. En ese rencia interna. Cada historia sus protagonistas, algo sentido, el director se encuen- que ha repetido en sus habla de una serie de temas: siguientes películas. tra en constante proceso de la confianza, la traición, el Japón es una sociedad experimentación. Tras su engaño, el recuerdo. También profundamente díptico Asako I & II (2018), de las inseguridades, las heteropatriarcal, y yo he intentado liberarlas angustias y la identidad. En Hamaguchi presentó en el de toda esa represión pasado Festival de Cannes la definitiva, de aquello que nos y darles voz en mis adaptación de un relato de define y, en ocasiones, anula, historias, cuenta.

Haruki Murakami, Drive My a veces por la fatalidad, otras

por la incomunicación. Cada capítulo está planteado a modo de encuentro dialéctico. Para Hamaguchi la palabra y el lenguaje son herramientas tan fundamentales como la imagen. Como cineasta pensaba que dar demasiada importancia a la conversación constituía un punto débil. Pero me di cuenta de que podía utilizarla para conocer mejor a los personajes e indagar mejor en su trastienda. En todas las historias late el elemento impredecible, no se sabe si van a virar hacia la luminosidad o hacia la tragedia, hay coincidencias, hay melancolía, poesía y, sobre todo, una delicadeza expresiva casi milagrosa, rompiendo siempre con las expectativas del espectador. Por eso, las coincidencias adquieren una importancia fundamental. Yo creo en ellas, si te quieres escapar de tu vida cotidiana, tienes que abrazar el azar para salir del loop oprimente de tu día a día. u ESTRENO: 5 NOVIEMBRE

Gûzen to sôzô (Japón, 2021, 121 min.). DRAMA.

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ESTRENOS # ENTREVISTA

Niels Arestrup y Patrick Bruel.

EL LOBO DE LA COSTA AZUL ‘Villa Caprice’. Hablamos con Patrick Bruel, que cambia de registro para encarnar a un amoral sin escrúpulos en este thriller de Bernard Stora. Por L. P. DE QUÉ VA: El abogado Luc Germon (Niels Arestrup) se compromete a representar a un hombre de negocios de dudosa reputación que acaba de hacerse con una suntuosa villa.

Juegos perversos. El personaje al que interpreta el actor y cantante Patrick Bruel (Tremecén, Argelia, 1959) en este thriller es absolutamente ficticio, pero podría ser cualquiera. Un empresario corrupto emborrachado de la fuerza que da relacionarse con ricos y poderosos.

En este guion escrito por Pascale RobertDiard y Bernard Stora, quien también dirige, libra un duelo a muerte con Niels Arestrup (Un profeta), en una trama de tintes ‘highsmithianos’, repleta de personajes amorales y perversidad soterrada. ¿Qué le motiva a meterse en la piel de un personaje tan miserable como el que interpreta?

Generalmente los papeles con los que siempre se me asocia son héroes, seres

‘Las fantasías’ DE QUÉ VA: Seis parejas sin prejuicios deciden dar rienda suelta a sus ilusiones sexuales más íntimas, desde los juegos de rol y la abstinencia hasta el exhibicionismo.

Una de las parejas de ‘Las fantasías’.

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NOVI EM BR E 2 02 1 · FOTOGRAMAS.ES

Sin tapujos. Los hermanos franceses Stéphane y David Foenkinos, guionistas y directores de La delicadeza (2011) y Algo celosa (2017), se han inspirado en la película australiana La pequeña muerte (2014) para dar respuesta, desde el humor, a la pregunta: ¿hasta dónde eres capaz de llegar para probar los límites del deseo?

Tras investigar cerca de 250 fantasías, se decantaron por las seis que

luminosos. Esta vez no y eso me interesaba. Es un hombre que tiene siempre un doble juego, con mucho éxito en su vida profesional, pero cuya vida personal es un desastre. Ahora tiene un conflicto con un abogado que cobra forma de un duelo y eso me encanta, especialmente con un actor como Niels Arestrup.

Es una batalla psicológica, de poder y manipulación. La gran pregunta de esta película es quién manipula a quién. ¿Se ha servido de alguna persona real como inspiración?

En los últimos diez años ha habido muchos casos de corrupción política como este en Francia, pero no quería jugar con alguien existente porque lo que había en el guion era suficiente para construir un personaje por sí mismo. La cuestión en este tipo de rol es dar con aquello que puede salvarlo, cómo se le puede justificar, cómo llegó a suceder aquello. Eso es un trabajo de actor previo al rodaje porque en la película el intérprete no tiene que salvar a su personaje. Al contrario, tiene que llevarlo más lejos en esa dirección.

Había momentos en los que yo le sugería al director que hiciera ciertas cosas y él me decía que eso era abominable.

Me comentaba que era la primera vez que trabajaba con un actor que no quería salvar a su personaje, aunque fuera solo por su imagen.

ESTRENO: 5 NOVIEMBRE

Villa Caprice (Fra., Bél., 2020, 103 min.). THRILLER.

daban más juego para la comedia. Hay algunas que se practican en solitario o se comparten con la pareja, pero las más complejas son las que descubrimos y no sabemos cómo satisfacer, explica David, también escritor de éxito.

Enredos de estrellas. Queríamos representar a todas las generaciones, orígenes sociales y sexualidades para tener un espectro muy grande de actores, apunta Stéphane. Y lo han hecho contando con nombres muy conocidos del cine galo, como Carole Bouquet, Monica Bellucci o William Lebghil.

ESTRENO: 5 NOVIEMBRE

Les Fantasmes (Francia, 2021, 102 min.). COMEDIA.

ESTRENOS # PROTAGONISTA

ROMAIN DURIS

CERCA DEL CIELO ‘Ei�el’. La construcción de la icónica torre parisina tiene al fin una superproducción a su medida. Nos la presenta Romain Duris, quien protagoniza el biopic del ingeniero que la puso en pie, en contra de lo que todos creían. Por Laura Pérez.

Romain Duris es Gustave Ei�el en este biopic que dirige Martin Bourboulon. Actor y cineasta repiten en una próxima adaptación de ‘Los tres mosqueteros’.

n 1886, el edificio más alto del mundo era el obelisco de Washington, que se quedó en 169 metros de altura porque resultó imposible llegar a los 180 previstos. Ese mismo año, el ingeniero Gustave Eiffel propuso al Gobierno francés construir una torre que se elevara 300 metros para celebrar la Exposición Universal de 1889 en París. Era ya una eminencia de la ingeniería civil pero, aun así, la obra se antojaba una quimera y Eiffel se convirtió en una especie de Galileo enfrentándose al mundo para demostrar que su proyecto era posible.

Romain Duris (París, Francia, 1974) le da vida en este drama de época que mezcla los tintes épicos de su carrera con un tempestuoso (y ficticio) romance.

La verdad es que no sabía mucho sobre este hombre: que había construido la torre Eiffel, varios puentes alrededor de todo el mundo, la estructura interna de la Estatua de la Libertad, y otros edificios, pero muy poco de su vida personal y de sus luchas internas, nos desvela el

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actor vía Zoom desde París. Hablamos con él sobre esta película dirigida por Martin Bourboulon (Papá o mamá), quien ya rueda la ambiciosa nueva adaptación de Los tres mosqueteros.

Este proyecto ha estado gestándose durante años y ha pasado por varias manos e intérpretes, entre ellos, Gérard Depardieu. ¿Pesa interpretar a alguien tan célebre?

La presión viene por tratarse de alguien que fue más que un simple ingeniero. Creó un monumento icónico que ha aparecido en películas, pinturas, anuncios, y que todo el mundo conoce.

Es el monumento lo que pesa.

El film abarca 20 años en la vida de Gustave Ei�el. ¿Cómo ha trabajado la evolución del personaje en este tiempo?

Eiffel siempre fue un emprendedor y un líder. Cuando es joven resulta más vivaz, más ágil, de alguna manera parece más ingenuo y feliz. Cuando se hace mayor es más maduro, asume responsabilidad y, de algún modo, se ralentiza. No quería que fuera un hombre rápido o inquieto

sino alguien más pausado y con mucho carisma, que sabe cómo gestionar cada circunstancia de un edificio.

Lleva 50 películas a sus espaldas. ¿Se corre el riesgo de perder el entusiasmo?

Como actor siempre te preocupa cómo vas a hacer para conservar tu frescura y tu fragilidad. En este caso hice un buen equipo con Emma [Mackey, vista en la serie Sex Education], quien ha trabajado mucho menos como actriz. Aunque tengas tus métodos, debes mantener tu ingenuidad y espontaneidad. He hecho 50 films, pero no puedo depositar todo el peso de mi trabajo en esa experiencia. ¿Qué ha sido lo más difícil del film?

No me preocupaba la parte romántica porque, por la buena sintonía con Emma, sabía que iba a quedar bien en pantalla. Me resultaban complicados los aspectos técnicos, los momentos en los que él es un ingeniero en estado puro. u ESTRENO: 12 NOVIEMBRE

Ei�el (Fra., Bél., Ale., 2021, 108 min.). BIOPIC.

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ESTRENOS

‘Un espíritu burlón’ DE QUÉ VA: Charles es un escritor de novela negra incapaz de superar su crisis creativa.

Para ayudarlo, Ruth, su mujer, organiza un encuentro con una médium. Esta contacta con la primera esposa de él, ya fallecida.

Clásico renovado. En 1945, David Lean llevaba al cine esta comedia de intriga de Noël Coward que se había convertido en éxito teatral en Reino Unido, y contó con el dramaturgo como guionista. En 2020, 75 años después y en pandemia, Edward Hall la escogía para rodar su ópera prima: Siento que es el momento adecuado para volver a contar esta historia a un público nuevo. Estamos en una época muy oscura, dice. Para este primer largo después de una extensa lista de series (Downton Abbey, Los Durrell), acudió a Judi Dench. Me encantó interpretar a Madame Arcati, es un personaje maravilloso, cuenta la actriz de un rol que, hace unos años, Angela Lansbury interpretó en el West End. Curiosamente, la intérprete había actuado con el padre del cineasta, el director teatral Peter Hall, en obras como Marco Antonio y

La cantante Rosalía.

‘Nueve Sevillas’ Gonzalo García Pelayo y Pedro G. Romero dirigen este documental que muestra la capital hispalense a través de nueve artistas relacionados con el flamenco y la actuación. Entre ellos, el cantante húngaro Rudolph, la torera Vanesa Montoya, el poeta David Pielfort, la abogada gitana y feminista Pastora Filigrana y el palmero y bailaor Bobote. La archiconocida Rosalía realiza una de las numerosas actuaciones musicales de este trabajo, el segundo que rueda García Pelayo sobre su tierra.

ESTRENO: 19 NOVIEMBRE

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Isla Fisher, Judi Dench y Dan Stevens.

Cleopatra, con Anthony Hopkins. Estoy feliz de trabajar con Edward. Sigo diciéndole que se parece a su padre, y que tiene su talento.

Buena compañía. Con Dench están Dan Stevens, en la piel del escritor; Isla Fisher, su mujer, y Leslie Mann, la esposa muerta. Fue muy divertido interpretar ese triángulo amoroso loco y sobrenatural, recuerda el actor. Fisher disfrutó estudiando la década de los 30 en la que está ambientada la historia.

Me gustó ver cómo las mujeres dirigían

Deku y compañía.

emocionalmente sus vidas. Estudié sus gestos y su forma de hablar. Y aprendió a hablar con acento inglés antiguo y a camuflar su australiano nativo. Leslie, por su parte, se sintió como una niña: Admiro a Judi desde siempre, rodar con ella era un sueño que ya he cumplido. No podía creer que la tuviera de compañera de camerino.

ESTRENO: 5 NOVIEMBRE

Blithe Spirit (Reino Unido, EE. UU., Australia, 2020, 95 min.). COMEDIA.

Peter Wohlleben.

‘My Hero Academia: Misión Mundial de Héroes’

‘La vida secreta de los árboles’

Deku y sus compañeros de la escuela de héroes deben salvar al mundo de la terrible amenaza de Humanize, una organización criminal que ha sembrado el planeta de bombas. Este es el argumento de la tercera entrega de la saga animada dirigida por el japonés Kenji Nagasaki, basada en la serie manga My Hero Academia, de Kôhei Horikoshi. El diseño de los personajes corre a cargo de Yoshihiko Umakoshi, dibujante de los míticos Caballeros del Zodiaco.

Hermoso trabajo sobre los bosques que firma el documentalista Jörg Adolph (Escuela de padres y Carlos Saura Photographer). Se basa en el best seller homónimo que el forestal alemán Peter Wohlleben escribió en 2015, a quien el film acompaña en su día a día para que responda a cuestiones como si los árboles pueden hablar o si tienen memoria, que plantea en el libro. No me preocupa la naturaleza, se regenerará sola. Sería bueno que siguiéramos aquí para verlo, dice.

ESTRENO: 12 NOVIEMBRE

ESTRENO: 12 NOVIEMBRE

ESTRENOS # EN CUATRO PUNTOS

DANIEL BRÜHL, CIUDADANO DEL MUNDO Habla cuatro idiomas a la perfección y ha sido cantante, escritor, actor hiperactivo y villano del MCU. Ahora es también director: se estrena detrás de las cámaras con una visceral sátira metacinematográfica rodada en Berlín, ‘La puerta de al lado’. Por Pablo Vázquez.

Daniel & Daniel. La idea surgió hace unos 10 años en un bar de Barcelona. Desde entonces le fui dando vueltas, hasta que se la propuse a Daniel Kehlmann, que es un escritor magnífico. A las tres semanas ya tenía el primer borrador. Daniel Brühl (Barcelona, 1978) reconoce las influencias de los hermanos Coen y de Roman Polanski en su debut, que presentó en la última Berlinale y en el que interpreta a un actor de nombre Daniel. La trama se desarrolla en un bar y cuenta solo con dos personajes. Para ello, la elección de Peter Kurth, un actorazo, con el que había coincidido en Un amigo mío (2006) y Yo y Kaminski (2015), fue clave: Él es el auténtico protagonista de la historia.

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Planeta Marvel. La popularidad de Brühl creció desorbitadamente con su entrada en el MCU en Capitán América: Civil War (2016) dando vida al supervillano Helmut Zemo, que ha retomado en la serie Falcon y el Soldado de Invierno. Aun así, desde entonces continúa alternando sin problema el cine independiente con los blockbusters. Es todo un universo pop en el que tienes la oportunidad de trabajar con magníficos profesionales y llegar a cantidad de gente. Y un actor siempre disfruta con que su trabajo llegue al público. Fuera de la franquicia, Brühl también tiene por estrenar en España la tercera entrega de la saga Kingsman (en realidad una precuela) a las órdenes de Matthew Vaughn.

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Daniel Brühl se estrena como director.

Privacidad y corrección política. Llevo 22 años viviendo en Berlín y no acabo de sentirme de aquí. Me pasa igual cuando estoy en España. Quería reflejar todo eso en la película y cómo se da el contraste entre los barrios de Berlín, el este y el oeste, dice. La puerta de al lado también explora con un humor muy ácido la fragilidad de la vida de los actores: Las redes sociales me dan pánico. Ahora cuido mucho más todo lo que digo en las entrevistas e incluso mi forma de vivir. Me inquieta cómo la cultura de la cancelación provoca que carreras profesionales importantes puedan destruirse de la noche a la mañana. Es como volver a los años cincuenta: la corrección política está provocando una crisis cultural y acabando con la chispa del arte.

Foto: Reiner Bajo.

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Cinéfilo apasionado. Su padre, Hanno Brühl, fue director de televisión y documentalista. Conseguí mi primer vídeo VHS a los 15 años. Me presenté en el videoclub con una lista de todos los clásicos de los que me había hablado mi padre: Visconti, Truffaut, Berlanga. Saura… No sé cuántas veces pude verme Cría cuervos… Ahora admira a León de Aranoa, a Icíar Bollaín y a Bayona, disfruta del fantástico y le enganchan series como La casa de papel o Sky rojo, con su amigo Miguel Ángel Silvestre. Espero rodar pronto una película en Chile con un actor español fabuloso, avanza.

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ESTRENO: 19 NOVIEMBRE

Nebenan (Alemania, 2021, 92 min.). COMEDIA DRAMÁTICA.

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ESTRENOS # BASADA EN UNA SERIE DE T V

En las comidas familiares de los Soprano se cocía todo.

VOLVER AL LUGAR DEL CRIMEN ‘Santos criminales’. David Chase, creador de la mítica serie ‘Los Soprano’, y Alan Taylor, el director que firmó varios episodios, regresan a la Nueva Jersey de los años 60 para imaginar cómo se fraguó la leyenda del inolvidable Tony Soprano.

DE QUÉ VA: El joven Antonio Soprano va camino de convertirse en un buen hombre, pero los conflictos raciales que estallan en Newark cambiarán su destino.

Sentimientos encontrados. Desde 2007, cuando se emitió el último episodio de Los Soprano tras seis temporadas, su creador, David Chase (Mount Vernon, Nueva York, 1945) ha convivido con quienes le animaban a que resucitara la serie y los que le aconsejaban no hacerlo para no empañar su legado. Hasta que hace cuatro años sufrió un infarto.

No estaba bien físicamente y pensaba: ¿a qué puedo aferrarme? Necesitaba una sacudida y me di cuenta de que debía volver a ese lugar en el que había disfrutado tanto, cuenta.

Heredero de un mito. Chase se refiere a los convulsos años 60 y 70 en Newark, cuando Antonio Soprano era un impresionable adolescente protegido por su madre (Vera Farmiga) y con un porvenir académico brillante. Sin embargo, la influencia que ejerce sobre él su tío Dickie Moltisanti (Alessandro Nivola) le llevará a convertirse en el todopoderoso 84

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jefe de la mafia que conoceremos más adelante: Tony Soprano.

Y para interpretar al joven Soprano y añadir un atractivo extra a esta precuela, ¿quién mejor que Michael Gandolfini (Cherry, 2021), hijo del inolvidable James/Tony, fallecido en Roma de un infarto a los 51 años?

Homenajear al padre. Michael nació en 1999, el año que empezó a grabarse Los Soprano, y, cuando se presentó al casting, ni siquiera había visto un minuto de la serie. Cuando lo visitaba en el rodaje y le preguntaba de qué iba, él respondía: Va de un tío que está en la mafia y que también acude a terapia. Sin duda, lo más difícil de todo fue verla por primera vez, cuenta.

Detrás de la cámara está Alan Taylor, que dirigió nueve episodios de Los Soprano, pero también de otras series que ya son historia de la televisión, como Mad Men o Juego de Tronos. u ESTRENO: 5 NOVIEMBRE

The Many Saints of Newark (EE. UU., 2021, 120 min.). THRILLER.

LA SERIE CON MAYÚSCULAS Nada volvió a ser lo mismo en el mundo de la televisión tras los 86 episodios y las seis temporadas de Los Soprano, bendecida con 21 premios Emmy y cinco Globos de Oro, entre otros muchos. La ficción creada por David Chase –con él nació la figura del showrunner– que giraba en torno a una familia mafiosa que controlaba el crimen organizado de Nueva Jersey, está unánimemente considerada, casi 15 años después de finalizar su emisión, como una de las series dramáticas más influyentes de todos los tiempos. Inolvidable el personaje de Tony Soprano (James Gandolfini), el capo que tiene que lidiar con los problemas personales y profesionales que afectan a su salud mental, pero también su mujer Carmela (Edie Falco), su sobrino Christopher (Michael Imperioli), la doctora Melfi (Lorraine Bracco) o los títulos de crédito al ritmo de Woke Up This Morning (Alabama 3).

James Gandolfini y David Chase.

ESTRENOS # PROTAGONISTA

ADRIEN BRODY

SENTIDO Y SENSIBILIDAD En ‘La Crónica Francesa’ el intérprete vuelve a ponerse (por cuarta vez) a las órdenes de Wes Anderson para componer una oda al periodismo, al arte y a la experiencia de vivir como un extranjero. Por Manu Yáñez.

EN EL UNIVERSO DE WES La Crónica Francesa supone la cuarta colaboración de Adrien Brody con el director norteamericano Wes Anderson después de Viaje a Darjeeling (2007), el film de animación Fantástico Sr. Fox (2009) y El Gran Hotel Budapest (2014). ¿Cómo es la experiencia de habitar el universo estilizado y detallista de Anderson?

Cuando participas en una película como La Crónica Francesa, sabes que vas a estar al servicio de un cineasta que posee una mirada absolutamente personal, apunta Brody. En términos de ‘libertad actoral’, la experiencia podría parecer limitada, ya que no hay mucho espacio para la improvisación, pero mi trabajo con Wes se alimenta de mi admiración por la especificidad, singularidad y belleza de su mundo.

Después de haber hecho varias películas juntos, puedo decir que lo quiero y confío plenamente en él. Como actor, no exijo hacer las cosas a mi manera; me interesa más saber adaptarme a lo que me propone el director, y luego construir algo profundo, conjuntamente. Después de ponerse a las órdenes de Spike Lee, Roman Polanski, Woody Allen o Terrence Malick, Brody sabe de lo que habla cuando se refiere a un trabajo colaborativo de alto vuelo.

Foto: Getty Images.

EL PERIODISMO COMO ARTE La Crónica Francesa ha sido descrita como una carta de amor al periodismo, aunque no se trata de uno cualquiera, sino que Anderson homenajea a un estilo muy particular de escritura periodística, que colinda con la literatura y que halla un espacio privilegiado

en las páginas de la revista The New Yorker. Este universo cargado de carisma y bohemia no resulta extraño para Brody, que creció rodeado de gente creativa vinculada al periodismo. Mi madre (Sylvia Plachy) es fotógrafa y trabajó para The Village Voice y The New Yorker, nos cuenta. Ha fotografiado de todo, desde clubes nocturnos a la guerra del Golfo, pero en su trabajo siempre puedes percibir una intención artística. En todo caso, en La Crónica Francesa, Brody encarna a una figura asociada a la dimensión más industrial del arte, Julian Cadazio, que como todas las criaturas de Anderson, soñadores por naturaleza, es incapaz de no pensar a lo grande: Cadazio está ins-

pirado en la figura de Joseph Duveen, explica Brody, quien consiguió dar forma al negocio del arte tal y como lo conocemos hoy en día, facilitando que las grandes fortunas invirtieran en la adquisición de grandes obras de arte.

CIUDADANO DEL MUNDO Los protagonistas de La Crónica Francesa son periodistas estadounidenses que sienten una fascinación particular por la cultura francesa. Por su parte, Brody ha tenido la oportunidad de trabajar en diferentes lugares del mundo. ¿Cómo han enriquecido esas experiencias su trabajo? ¡Viajar por trabajo ha beneficiado a todos los ámbitos de mi vida! Por un lado, filmar en un país que no es el tuyo te distancia de tu realidad cotidiana y te permite entrar con más facilidad en tu personaje. Y, a nivel personal, es una maravilla poder decir, por ejemplo, que viví durante nueve meses en Nueva Zelanda gracias a King Kong (Peter Jackson, 2005).

Me enorgullece sentirme un ciudadano del mundo. Su larga experiencia profesional también ha convertido al intérprete en un sagaz observador del mundo del cine: Las películas de Wes (Anderson) forman parte de un tipo de cine, marcadamente autoral, que cada vez vemos más a cuentagotas.

Aunque, por otra parte, se está haciendo muy buen trabajo en el ámbito de las series, y eso es una fuente de oportunidades para los actores, aclara Brody, a quien se ha podido ver en series como Peaky Blinders y ahora en la tercera temporada de Succession. u

COMO ACTOR NO EXIJO HACER LAS COSAS A MI “MANERA; ME INTERESA MÁS SABER ADAPTARME A LO QUE PROPONE EL DIRECTOR Y CONSTRUIR”.

ESTRENO: 22 OCTUBRE

The French Dispatch (Ale., EE. UU., 2021, 108 min.). COMEDIA DRAMÁTICA.

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LA PRIMERA REVISTA DE CINE

‘TODO LO OTRO’ TREINTAÑEROS EN APUROS EN LA NUEVA SERIE DE HBO MAX

Realización: Sandra Muñoz. Maquillaje y peluquería: Cristina Fernández Fernández y Miriam Torres Serrano para merymakeup.com. Abril Zamora lleva mono de Tot-Hom y pendientes de Isabel Guarch.

SERIES # ESTRENO # TODO LO OTRO

Abril

¿Por qué renunciar a algo cuando disfrutas del pack completo? A ella le gustan los retos. Por eso ahora escribe, dirige y protagoniza ‘Todo lo otro’ (HBO MAX), una serie entre la comedia y el drama en la que se ha rodeado de buenos amigos para narrar las alegrías y sinsabores de un grupo de jóvenes que no tienen claro qué hacer con su vida.

Por Ana Santos.

Zamora EL ALMA DE LA FIESTA

Abril Zamora no es de las que esperan a que suene el teléfono. Por eso, a su faceta de actriz, añadió las de guionista y directora. ‘Todo lo otro’ es ella.

Fotos: Pablo Sarabia.

SERIES # ESTRENO # TODO LO OTRO on lo buena que eres y las piernas que tienes llegarás donde quieras, le dijo Sophia Loren a Abril Zamora (Cerdanyola del Vallès, 1981) al poco de conocerse en el rodaje de La vida por delante (Edoardo Ponti, 2020), en el que ambas compartieron una emotiva escena de baile y largas conversaciones. Quizá la actriz italiana desconocía que, para entonces, Zamora ya acumulaba numerosos logros en su currículo. Tras haber escrito y dirigido varias obras de teatro antes de cumplir los 30, dio el salto a la televisión con la serie Temporada baja; después llegarían Señoras del (h)AMPA, que creó junto a Carlos del Hoyo, y los guiones que firmó para Élite. Además, como actriz fue, entre otras, Luna en Vis a vis durante dos temporadas y Tere, la mejor amiga de Inma Cuesta en la miniserie El desorden que dejas. Pero su confirmación como un nombre en alza de la ficción nacional le ha llegado con Todo lo otro, la serie de HBO Max que, como un malabarista en un circo de tres pistas, escribe, dirige y protagoniza. Mi vocación era actuar, pero empecé a escribir porque no encontraba obras que me interesaran y, después, a dirigir porque no siempre me gustaba cómo interpretaban mis textos. Así que ahora actúo desde la escritora o escribo desde la directora; todas las facetas están muy vinculadas y todas soy yo, explica.

Pero el paso del teatro independiente a la televisión comercial no fue fácil. Aunque disfruté mucho, me costó adaptarme porque yo soñaba con tener la libertad creativa que al fin he conseguido en Todo lo otro, reconoce. Tenía claro que quería hacer una serie sobre las cosas que vivo yo y la gente que me rodea, sin aspavientos, con un tono naturalista y apoyada en los diálogos. Mis referentes son Transparent, Girls y, sobre todo, A dos metros bajo tierra, que nos abrió un universo donde lo importante son las pequeñas cosas que les pasan a los personajes. Pero lo mejor de todo es que respetaron el casting que yo propuse porque he desarrollado los personajes con estos intérpretes en mi cabeza.

Amigos para siempre. Abril se refiere, entre otros, a María Maroto, David Matarín y Juan Blanco, actores pero, además, muy 2 buenos amigos. Se conocieron en los 2000 en Valencia en torno a la Escuela del Actor y, desde entonces, han estado unidos en lo profesional y en lo personal. De hecho, en 2017, María y David fueron los primeros en saber que el jefe, Abel Zamora, había decidido iniciar la transición para convertirse en Abril.

Flipé, me alegré y le dije: No perdamos el tiempo, qué hay que hacer, cuenta Matarín, que debuta en la televisión con Todo lo otro interpretando a Yeray, un azafato malencarado y sin filtro. Claro que Abril ha cambiado. Antes tenía que esforzarse por ocultar su feminidad y ahora está mucho más segura de sí misma. La admiro porque es muy valiente en todos los terrenos, afirma Maroto, la contradictoria Eva en la serie, que ha bregado en los escenarios y

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1 1. Iñaki (Miguel Bernardeau), aficionado al sexo esporádico con mujeres mayores.

2. Comité de crisis en el dormitorio de Dafne (Abril Zamora).

3. Dafne y César (Juan Blanco), unos compañeros de piso muy bien avenidos.

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María lleva top de Zara, pantalón de Uterqüe y sandalias de Mascaró. David, traje de Mirto, camiseta de Uniqlo y zapatillas de Camper. Juan, camisa de Mango y pantalón de Massimo Dutti .

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“Abril no dirige, manipula, pero en el buen sentido.

Aunque tú creas que estás actuando como querías, siempre es como ella lo tiene en su cabeza”.

David Matarín, actor.

en ficciones como Señoras del h(AMPA) y L’Alqueria blanca.

Dafne, la protagonista de Todo lo otro, es el álter ego de Abril y, como ella, trans, una característica que no se oculta, pero que tampoco ocupa el centro de la trama. Para mí lo inclusivo es mostrar un personaje LGTBIQ+ que está harto de su trabajo o se ha enamorado del vecino, no que sale del armario. Pero por todo lo que yo he vivido tampoco puedo mirar hacia otro lado. Una serie puede ser muy educativa y ayudar a normalizar a un colectivo que suele vincularse a circunstancias más sórdidas, explica. La creadora sabe que esto la pone en el punto de mira de las críticas, pero evita caer en el victimismo. Al principio lo pasaba fatal porque no me importa que hablen mal de mi trabajo, pero soy una persona muy insegura con mi imagen y me duele que digan que soy fea o que voy a arder en el infierno.

La parte buena es que me escriben muchos padres de niños trans encantados de ver a una persona como yo, que disfruta y vive de un trabajo vocacional, concede.

De la risa al llanto. Dafne es una dependienta desencantada a la que acaba de abandonar su novio y se consuela con sus amigos y las aplicaciones de citas. ¿Qué tiene en común con Abril? No era mi intención, pero la verdad es que bastante. Ella vive sus experiencias y relaciones como yo y su nivel de frustración es similar al mío; ambas peleamos por encontrar nues2 tro lugar. Y, aunque me siento madura, también soy bastante adolescente en mi manera de vivir. Creo que es una reacción contra la presión de que a cierta edad hay que sentar la cabeza; solo tenemos una vida y hay que pasárselo bien. En lo que nos diferenciamos es que ella se paraliza ante la adversidad y yo soy más resolutiva, argumenta. De lo que no hay duda es que este personaje le ha permitido reconciliarse con su faceta de actriz. Cuando era Abel actuaba sobre algo ya actuado y anhelaba interpretar papeles femeninos.

Vis a vis me ayudó a desenterrar cosas que llevaba tiempo sepultando, pero estaba al principio de la transición y me veía horrorosa. Gracias a Todo lo otro he llegado a lugares nuevos para mí, confiesa.

María, David y Juan también se reconocen en sus personajes y entran al juego con la confianza que da pisar terreno conocido. Además de ser amigos, que genera tranquilidad, hemos trabajado mucho juntos y sabemos lo que tenemos que hacer. El sello de Abril como creadora es que pasa rápidamente de la comedia al drama y aborda las cosas tristes desde un lugar luminoso, algo que siempre me ha emocionado, dice Juan Blanco (La valla, 2020), César en la ficción, un camarero que comparte piso con Dafne y carece de expectativas. Abril no dirige, manipula, pero en el buen sentido.

Aunque tú creas que estás actuando como querías, siempre es como ella lo tiene en su cabeza, declara Matarín. Ella ha pasado por momentos malos, pero nunca ha tirado la toalla.

Necesita contar cosas; no puede no hacerlo porque es su forma de estar en el mundo, añade Maroto. u

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1 1. Dafne y su amiga Amaya (Nuria Herrero) (mal)viven trabajando como dependientas en una tienda de ropa.

2. Raquel (Bea de la Cruz) es la camarera de un bar donde suelen reunirse todos los amigos.

‘TODO LO OTRO’ Tinder, trabajos basura, pisos compartidos y dudas. Si no es un retrato de la generación ‘millennial’, se le parece mucho.

DE QUÉ VA: Un grupo de treintañeros frustrados e inseguros trata de encontrar su lugar en Madrid.

equivocada, de frustración, de sentirte un asco por las mañanas… Y eso lo vivimos todos, afirma.

María Maroto, Eva en la Está el trabajo, la familia, el ficción, cree que más allá amor… y luego, todo lo otro. de la edad, lo que une a Un pequeño conflicto con los personajes de Todo un amigo o una mala cita, lo otro es que sufren las esas cosas que en teoría no consecuencias de no tener son las importantes pero estabilidad. Ya no podemos que, a veces, te torturan más dar nada por sentado y que una ruptura sentimental debemos reinventarnos o no poder pagar el alquiler, constantemente tanto explica Abril Zamora sobre la en el trabajo como en las serie que ha creado. relaciones. Y eso hace que, Los que tienen que lidiar a veces, nos comportemos con esos conflictos son como adolescentes, cuenta. un grupo de amigos que Todos ellos se entremezclan en transitan la treintena, pero diferentes tramas a lo largo de Zamora huye de la etiqueta ocho episodios de 30 minutos de retrato generacional. Creo mientras sus decisiones son que te puedes identificar con juzgadas implacablemente sus historias tengas 15 años por una voz en o�. u o 50. La serie habla de amor, ESTRENO: 26 OCTUBRE de sexo con la persona EN HBO MAX

Abril lleva vestido de Issey Miyake. María: top de Sandro, pantalón de Zara y sandalias de Mascaró. David: jersey y pantalón de Emporio Armani. Juan: jersey de American Vintage, pantalón de Cos y zapatos de Dr. Martens.

SERIES # ESTRENO # TODO LO OTRO

“Para mí lo inclusivo es mostrar un personaje LGTBIQ+ que está harto de su trabajo o se ha enamorado del vecino, no que sale del armario. Pero por todo lo que he vivido tampoco puedo mirar hacia otro lado”.

Abril Zamora, actriz y directora.

n MULTIPANTALLAS # SERIES # A LA CARTA

¿QUÉ ME PASA, DOCTOR? ‘Dexter: New Blood’ y ‘The Shrink Next Door’ son la prueba de que la medicina no en todas las ocasiones es una profesión respetable. Pero siempre nos quedará el genial ‘Doctor Portuondo’, encarnado por Jorge Perugorría. Y, para los hipocondríacos, una de superhéroes como ‘Ojo de Halcón’ o la música sanadora de ‘The Beatles: Get Back’. Por Ana Santos y Coral Chamorro.

Nacho Sánchez y Jorge Perugorría en plena terapia.

‘DOCTOR PORTUONDO’ Autoficción. El escritor y cineasta Carlo Padial (Barcelona, 1977) se sometió a terapia cuatro días a la semana durante cinco años. Era muy neurótico, no me atrevía a hacer algo tan simple como comprar una entrada de cine o iba a una tienda y me llevaba algo muy caro solo para agradar al vendedor.

Tenía problemas muy estúpidos que me jodían la vida, recuerda el director de Algo muy gordo (2017). De esa experiencia que acabó bien –Me enseñó

a no tener tanto miedo, afirma– nació en 2017 el libro Doctor Portuondo.

Mis días de psicoanálisis con un sabio desquiciado (Blackie Books), que Padial ha convertido, con algunas licencias, en Doctor Portuondo, la primera serie original de Filmin.

Humor de autor. Mi objetivo es doble: dar a conocer al Doctor Portuondo, un exiliado cubano con una personalidad increíble, y encapsular la visión que yo pueda tener de la vida, humorística pero también fatalista, explica. Y lo

hace a través de seis (inclasificables) episodios de 30 minutos que beben de cineastas tan dispares como Todd Solondz, Cassavetes o Albert Brooks.

Jorge Perugorría da vida al excéntrico psicoanalista –Era él sí o sí, no había plan B, dice– y Nacho Sánchez es el álter ego de Padial. Era raro y divertido mirarme en su espejo y dirigirlo. Yo soy él pero podría ser cualquiera, y más en estos tiempos pospandémicos en los que todos estamos fatal, afirma.

ESTRENO: 29 OCTUBRE EN FILMIN

‘OJO DE HALCÓN’

Hailee Steinfeld y Jeremy Renner.

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Cuestión de puntería. Clint Barton (Jeremy Renner) planea pasar las Navidades con su familia en Nueva York, pero la amenaza de alguien del pasado de este ex-Vengador infalible con las flechas le obligará a volver a ponerse la máscara de Ojo de Halcón. Sin embargo, en esta aventura no estará solo porque lo acompaña Kate Bishop (Hailee Steinfeld, a la que también tenemos en la tercera temporada de Dickinson en Apple TV+), una joven arquera que sueña con convertirse en una superheroína. Creada por Jonathan Igla (uno de los artífices de Mad Men) a partir de los cómics de Marvel, esta serie cuenta en el reparto con estrellas como Florence Pugh o Vera Farmiga.

ESTRENO: 24 NOVIEMBRE EN DISNEY+

SERIES TOP

‘DEXTER: NEW BLOOD’ Vuelve el asesino. Ocho años después

Michael C. Hall vuelve a ser Dexter.

de emitirse su octava y última temporada, Dexter vuelve y lo hace con Michael C. Hall de nuevo en la piel del asesino en serie favorito de América. La historia arranca en un helado pueblo al norte del estado de Nueva York, donde Dexter Morgan ha rehecho su vida bajo una identidad falsa (Jim Lindsay, en un guiño al autor de la saga literaria original) y, eso parece, tiene bajo control a su pasajero oscuro. Esta entrega recupera a Clyde Phillips, guionista de las cuatro primeras; Jennifer Carpenter vuelve a encarnar a Debra; habrá cameo de John Lithgow, y Clancy Brown tiene todos los números para encarnar al villano de turno.

ESTRENO: 8 NOVIEMBRE EN MOVISTAR+

‘DOPESICK’

Paul Rudd y Will Ferrell.

A vueltas con las farmacéuticas. Michael Keaton produce y protagoniza esta historia, basada en el libro homónimo que la periodista Beth Macy escribió en 2018 sobre la epidemia de los medicamentos y ciertas drogas en Estados Unidos, que cuesta miles de vidas cada año. La serie refleja en ocho capítulos la lucha contra la adicción a los opioides que se libra en el país entre grandes compañías, la DEA y una castigada comunidad minera.

ESTRENO: 12 NOVIEMBRE EN DISNEY+

‘THE SHRINK NEXT DOOR’ Cuidado con el médico. Un psiquiatra

Michael Keaton.

lleva años manipulando y estafando a su paciente. Esta es la trama de la ficción que encabezan Paul Rudd (Ant-Man), como el despiadado doctor, y Will Ferrell (Holmes & Watson), como su víctima. Basada en un exitoso pódcast (igual que Dr. Death ya en emisión en Starzplay), en ella intervienen también Casey Wilson, como la confiada esposa del primero, y Kathryn Hahn, la hermana del segundo, que se enfrentará al médico al descubrir lo que hace.

ESTRENO: 12 NOVIEMBRE EN APPLE TV+

CADA MES, ELEGIMOS NUESTRAS SERIES EN EMISIÓN FAVORITAS. TOP 5 JUAN SILVESTRE

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‘SUCCESSION’ (T. 3).

HBO Max ‘SECRETOS DE UN MATRIMONIO’ (T. 1). HBO Max ‘COYOTE’ (T. 1).

AXN ‘THE MORNING SHOW’ (T. 2).

Apple TV+ ‘EL JUEGO DEL CALAMAR’ (T. 1).

Netflix

TOP 5 ISABEL VÁZQUEZ

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‘DR. DEATH’ (T. 1).

Starzplay ‘THE MORNING SHOW’ (T. 2).

Apple TV+ ‘TED LASSO’ (T. 2).

Apple TV+ ‘Y: EL ÚLTIMO HOMBRE’ (T. 1).

Disney+ ‘LOS SALVAJES’ (T. 1).

Movistar+

TOP 5 ROGER SALVANS

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‘SUCCESSION’ (T. 3).

HBO Max ‘SOLO ASESINATOS EN EL EDIFICIO’ (T. 1). Disney+ ‘BACK TO LIFE’ (T.2).

Filmin ‘FANTASMAS’ (T. 3).

Movistar+ ‘MISA DE MEDIANOCHE’ (T. 1).

Netflix

PONTE EN SERIE

SOMETEMOS A LOS PROTAGONISTAS A NUESTRO TEST SERIÉFILO. AIXA VILLAGRÁN (‘VIDA PERFECTA’).

Tras el éxito de la primera temporada creada por Leticia Dolera, estrena la segunda en Movistar+.

La serie que me marcó: Podría destruirte, Transparent, Black Mirror, Normal People y The Bisexual.

Mi último enganche: Secretos de un matrimonio, White Lotus, A Teacher, La asistenta, El

juego del calamar, Nine Perfect Strangers, La Fortuna… Soy consumidora voraz de series.

La serie de culto que abandoné:

Los Soprano y The Wire. Y no, no llevo bien ser ‘la rara’ a la que nunca le engancharon. ¿Cómo y cuándo me gusta verlas? Sola, sofá, manta,

con mi perra y del tirón.

Mi placer culpable: Los empachos que me doy a veces de Boca Bits y chucherías

mientras veo las series, que es como un cumpleaños infantil.

Mi personaje favorito: Kathryn Hahn en I love Dick o el de Frances McDormand en Olive Kitteridge.

La mayor maratón de mi vida: La verdad es que todas las semanas hago una, pero la que más recuerdo es Making a Murderer, que me tuvo toda la noche sin dormir y sufriendo muchísimo.

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n MULTIPANTALLAS # SERIES # A LA CARTA

Rosamund Pike, una heroína que salvará a la humanidad.

Por Isabel Vázquez.

In my opinion COMPLEJO DE DIOS

‘LA RUEDA DEL TIEMPO’ De la literatura a la pantalla. Más de 90 millones de libros se han vendido de la saga

fantástica de Robert Jordan. Ambientada en un mundo en el que existe la magia a la que solo las mujeres tienen acceso, la historia comienza con Moiraine, miembro de la organización Aes Sedai, entrando en la ciudad de Dos Ríos. Allí emprende un peligroso viaje con cinco jóvenes, uno es el Dragón Renacido que salvará o destruirá a la humanidad, según una profecía. Rosamund Pike es la heroína, y Álvaro Morte, Logain, uno de los pocos hechiceros del lugar, al que las mujeres consideran una amenaza.

ESTRENO: 19 NOVIEMBRE EN AMAZON PRIME VIDEO

‘COWBOY BEBOP’ Salvadores galácticos. Los

John Cho, Mustafa Shakir y Daniella Pineda.

cazarrecompesas de la serie japonesa de animación (en Netflix desde el 21 de octubre), creada por Shinichirô Watanabe en 1998, llegan convertidos en personajes de carne y hueso, dispuestos a atrapar a los criminales más temibles de la galaxia. André Nemec (Las Tortugas Ninja) es el responsable de esta adaptación cuya banda sonora firma la compositora Yôko Kanno.

ESTRENO: 19 NOVIEMBRE EN NETFLIX

‘THE BEATLES: GET BACK’

Joshua Jackson, el Dr. Muerte.

Una de música. Con más de 60 horas

de imágenes nunca vistas filmadas por Michael Lindsay-Hogg en enero de 1969 y unas 150 horas inéditas de audio, Peter Jackson ha dirigido esta docuserie sobre la banda de Liverpool. Muestra las sesiones íntimas de la grabación mientras preparaban su última aparición en directo, el inolvidable concierto en la azotea de Savile Row en Londres.

ESTRENO: 25 NOVIEMBRE EN DISNEY+

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N OVI E M BRE 2 02 1 · FOTOGRAMAS.ES

Cuando alguien entra en una capilla, se pone de rodillas y reza a Dios para que su mujer no pierda el bebé, para que su hija no se desangre, para que su madre no sufra una conmoción neuronal severa en el posoperatorio, ¿a quién crees que rezan? Hace casi 30 años que Alec Baldwin, barítono disfónico y chuleta, entonó en Malicia un clásico de los discursos sorkinianos que desvelaba la confianza omnímoda que algunos cirujanos tienen en sus propias capacidades.

Dr. Death (Starzplay) cuenta la historia basada en hechos reales de Christopher Duntsch (magnífico Joshua Jackson), un neurocirujano que, durante años y sin que nadie lo impida, opera puesto de coca hasta las cejas e ignorando las recomendaciones del personal sanitario que trabajaba con él. Es un ‘manguán’ insolente y vulgar que lo mismo secciona un esófago en una operación de cervicales que se deja olvidada una gasa que deriva en una septicemia o confunde un tumor con un músculo. Dos doctores, Henderson (Baldwin, precisamente) y Kirby (Christian Slater), asisten atónitos a su carrera impune y se obcecan en darle el alto. ¿Es un psicópata? ¿Un inútil? ¿Un insensato? Duntsch desborda el complejo de Dios: Tanto si lo hace a propósito o no, sabe que no es un cirujano competente y eso es intención criminal.

La banda, en la azotea de Savile Row.

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n MULTIPANTALLAS # INÉDITOS VOD # ESTRENOS

UN OTOÑO VIBRANTE Este mes viene cargado de emociones: apocalípticas y entrañables en ‘Finch’, con Tom Hanks náufrago en un mundo finiquitado; artúricas en ‘El Caballero Verde’, con Dev Patel, y desgarradas en ‘Herida’, el debut como directora de Halle Berry. Por C. C. y A. S.

Hanks, con sus dos amigos, en busca de una vida mejor.

» ‘FINCH’ Los mejores amigos. Han pasado diez años desde que un cataclismo solar convirtió la mayor parte de la Tierra en un desierto inhabitable. Finch, un ingeniero de robótica y uno de los pocos supervivientes de aquella tragedia, se ve forzado a salir del búnker en el que se puso a salvo junto a su perro, Goodyear, y con el androide que ha ideado para que lo cuide cuando él falte. Esta es la aventura apocalíptica que protagoniza Tom Hanks y produce Robert Zemeckis,

actor y director que el año que viene repetirán por cuarta vez (tras Forrest Gump, Náufrago y Polar Express) en una nueva versión de Pinocho en la que el actor será Geppetto. En Finch, sin embargo, la dirección corre a cargo de Miguel Sapochnik, todo un ilustre de la pequeña pantalla –tiene dos Emmy por Juego de Tronos y series como Fringe o True Detective en el currículo–, pero que hasta ahora solo había firmado un largo, Repo Men (2010). En realidad es una sencilla historia sobre hacerse

»

Halle Berry, una boxeadora en declive dispuesta a rehacer su vida.

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mayor, cuenta el realizador. Rodado en 2019, justo antes de la pandemia, Sapochnik cree que el film es más relevante hoy que nunca. El futuro que se muestra es cada vez menos ciencia ficción y más plausible. Caleb Landry Jones (Tres anuncios en las afueras), que presta su voz a Jeff, el robot, y Seamus, el perro, completan el escaso cast del film, mientras que el argentino Gustavo Santaolalla (Babel, Brokeback Mountain) firma la banda sonora.

ESTRENO: 5 NOVIEMBRE EN APPLE TV+

‘HERIDA’

Puños fuera. Cuesta reconocer a la chica Bond de Muere otro día (L. Tamahori, 2002), pero sí, es ella. Halle Berry protagoniza y dirige, por primera vez, este drama en el que encarna a una luchadora de MMA (Artes Marciales Mixtas) en horas bajas que participa en una pelea clandestina para recuperar su posición en dicha disciplina y, de paso, a su hijo, a quien abandonó recién nacido. La actriz, que asumió las riendas del proyecto delante y detrás de las cámaras después de que Nick Cassavetes y Blake Lively lo abandonaran, se rompió dos costillas en una de las luchas: Me encanta mi rol porque sé mucho de pelear en lo personal y en mi carrera. Sé lo que es luchar y que te ignoren, asegura.

ESTRENO: 24 NOVIEMBRE EN NETFLIX

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‘EL CABALLERO VERDE’

Derroche de fantasía. El Festival de Sitges clausuró su 54ª edición con esta aventura épica sobre la leyenda de Sir Gawain, el sobrino del rey Arturo, encarnados aquí por Dev Patel y el siempre inquietante Sean Harris (al que también tenemos en el cast de Spencer). Obstinado y valiente, Gawain emprende un peligroso viaje en busca del Caballero Verde, un gigante de piel esmeralda que pone a prueba a los hombres y al que pretende retar. En su camino sorteará infinidad de obstáculos que forjarán su carácter y demostrarán su valía ante su exigente tío.

David Lowery, director y guionista, hace suya esta leyenda artúrica sin perder su original estilo y punto de vista, algo que le permite saltar de la fábula familiar de Peter y el dragón (2016) al fantástico más personal de A Ghost Story (2017) o su nuevo proyecto, Peter Pan & Wendy, nueva mirada al clásico literario de J. M. Barrie. Alicia Vikander, Barry Keoghan (Eternals), Joel Edgerton (Gringo) y Ralph Ineson (The Boy: La maldición de Brahms) acompañan a Patel en este viaje de inesperadas consecuencias.

ESTRENO: 28 OCTUBRE EN AMAZON PRIME VIDEO

Dev Patel, en la piel de Gawain, el valiente sobrino del rey Arturo.

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‘POR FIN SOLO EN CASA’

Ya estamos en Navidad. Dan Mazer, guionista de las dos entregas del extravagante Borat, dirige la nueva versión de Solo en casa, creada por John Hughes en 1990. En esta ocasión, es Archie Yates (Jojo Rabbit) el niño ingenioso y travieso al que la familia ha olvidado en casa al irse a Japón en las vacaciones de Navidad, en lugar del ya crecidito Macaulay Culkin, que realiza un cameo. Ellie Kemper (Unbreakable Kimmy Schmidt) y Rob Delaney (Catastrophe) son la pareja de inconscientes cacos.

ESTRENO: 12 NOVIEMBRE EN DISNEY+

Michael Greyeyes es Makwa, un hombre que oculta un secreto..

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Archie Yates, preparado para defender su casa.

‘WILD INDIAN’

Perseguido por su pasado. Lyle Mitchell Corbine Jr. debuta como director con este intenso thriller –que también escribe– que concursó en el último Sundance. Wild Indian pone sobre la mesa temas tan potentes como el abuso juvenil, la opresión de los nativos americanos o la génesis de la psicopatía contando la historia de Makwa (un hipnótico Michael Greyeyes), hombre frío y calculador que de chaval asesinó a sangre fría a un compañero.

Jesse Eisenberg, productor de la cinta, y Kate Bosworth completan el cast.

ESTRENO: 12 NOVIEMBRE EN FILMIN

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n MULTIPANTALLAS # INÉDITOS VOD # ESTRENOS

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‘POPULAR’

El peligro de ser viral. Ocho años después de debutar como guionista y directora con Palo Alto, Gia Coppola (nieta y sobrina de…) vuelve a sumegirse en el universo juvenil con Popular, una sátira sobre los influencers y las redes sociales que pasó por Venecia y la Seminci en 2020. Link (Andrew Garfield, que hace doblete este mes con tick, tick… Boom!) y Frankie (Maya Hawke) son dos jóvenes de Los Ángeles que, por casualidad, se convierten en un fenómeno viral. Eso les lleva a contratar a Jack (Nat Wol�), un escritor que, gracias a sus críticas mordaces, hace de Link un gurú para su generación… hasta que todo se tuerce.

ESTRENO: 7 NOVIEMBRE EN MOVISTAR+ (ALQUILER)

Link (Andrew Garfield), un profeta en las redes sociales.

Montoya, el policía que no quería ser corrupto.

‘UNA PELÍCULA DE POLICÍAS’ »

Cómo ser ‘madero’ en México. Este documental mexicano, ganador del premio a Mejor Montaje en la última Berlinale, juega con los límites entre ficción y realidad para retratar a la policía del país norteamericano, siempre sospechosa de operar al margen de la ley. El guionista y director Alonso Ruizpalacios, que ya había dado muestras de su particular sentido del humor en Museo (2018), sigue aquí a un matrimonio de policías, Teresa y Montoya, desde que entran en el cuerpo cargados de ilusiones hasta que sucumben ante la corrupción generalizada. Pero no estamos ante una película de denuncia convencional sino ante una cinta experimental que se centra en el lado más humano de los personajes.

ESTRENO: 5 NOVIEMBRE EN NETFLIX

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‘EJÉRCITO DE LOS LADRONES’

La vida es un atraco. Después de enfrentarse a hordas de zombis para perpetrar el mayor atraco de la historia en Ejército de los muertos (Zack Snyder, 2021), el actor y director alemán Matthias Schweighöfer se pone detrás de la cámara de su precuela, Ejército de los ladrones. En ella vuelve a encarnar a Ludwig para contar cómo fue reclutado por una banda de ladrones para atracar un banco… en los primeros compases del Amanecer zombi.

ESTRENO: 29 OCTUBRE EN NETFLIX

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NOV IE MBR E 2 02 1 · FOTOGRAMAS.ES

Matthias Schweighöfer y Nathalie Emmanuel, en acción.

Madeleine Sims-Fewer, protagonista y codirectora.

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‘VIOLATION’

Tras la venganza. Esta rape & revenge canadiense que ha pasado por la Sección Oficial del reciente Festival de Sitges tras ser bien recibida en Toronto y Sundance cuenta la historia de Miriam (Madeleine Sims-Fewer, también codirectora de la cinta) que, en plena crisis de pareja, viaja con su marido hasta su pueblo natal para buscar refugio en su hermana y su cuñado. Malas decisiones y errores de juicio –¿qué credibilidad se da a las mujeres?– darán lugar a una venganza salvaje retratada con dureza, aunque con una atmósfera onírica y con el trauma como punto central, por SimsFewer y Dusty Mancinelli, ambos debutantes.

ESTRENO: 5 NOVIEMBRE EN FILMIN

Regina King, Idris Elba y LaKeith Stanfield.

‘EL ÚLTIMO DE LOS SMITHS’ »

Arriba la música. Ellar Coltrane, Helena Howard y Elena Kampouris encabezan el reparto de esta historia, escrita y dirigida por el estadounidense Stephen Kijak, que cuenta cómo un grupo de amigos se entera de la separación de la banda británica de rock alternativo The Smiths, ocurrida en 1987. Kijak es conocido por sus documentales sobre artistas tan diferentes como los Rolling Stones o los Backstreet Boys.

ESTRENO: 30 NOVIEMBRE EN MOVISTAR+ Ellar Coltrane, fan de The Smiths.

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‘MÁS DURA SERÁ LA CAÍDA’

Con la muerte en los talones. Un año después de protagonizar Cowboy de asfalto (R. Staub, 2020), Idris Elba vuelve a colocarse el sombrero de forajido. Esta vez viaja al salvaje Oeste para encarnar a Rufus Buck, un peligroso pistolero encarcelado que, tras ser liberado por su banda –integrada por, entre otros, Regina King y LaKeith Stanfield– verá como una de sus antiguas víctimas (Jonathan Majors) le persigue en busca de venganza. Un regreso al western black power de Jeymes Samuel, que en 2013 ya se probó con They Die by Dawn, que firma el guion con Boaz Yakin (Titanes, hicieron historia).

ESTRENO: 3 NOVIEMBRE EN NETFLIX

Guy Pearce (Carmichael), un detective entre robots.

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‘ZONA 414’

Futuro distópico. El irlandés Andrew Baird debuta en el largo con esta historia con reminiscencias de Blade Runner protagonizada por Guy Pearce. Tras dar vida a un profesor en la aclamada serie Mare of Easttown, el australiano se pone en la piel de David Carmichael, un detective fracasado reconvertido en investigador privado que es contratado por el creador de una colonia de robots humanoides para que encuentre a su hija desaparecida. Con la ayuda de Jane (Matilda Anna Ingrid Lutz), producto de la inteligencia artificial, descubrirán el verdadero propósito de la zona 414.

ESTRENO: 19 NOVIEMBRE EN MOVISTAR+ (ALQUILER)

Y ADEMÁS… 2 NOVIEMBRE ‘Más allá de los dos minutos infinitos’.

Dir.: Junta Yamaguchi.

FANTÁSTICO. MOVISTAR+.

3 NOVIEMBRE ‘Nacido campeón’. Dir.: Alex Ranarivelo.

ACCIÓN. MOVISTAR+.

5 NOVIEMBRE ‘Notas de soledad’. Dir.: Nicolás Muñoz Avia.

DOCUMENTAL. FILMIN. ‘¡Qué duro es el amor!’ Dir.: Hernán Jiménez.

COMEDIA ROMÁNTICA. NETFLIX. 9 NOVIEMBRE ‘The Spine of Night’. Dir.: Philip Gelatt, Morgan Galen King. ANIMACIÓN. MOVISTAR+.

12 NOVIEMBRE ‘Laurent Garnier: O� the Record’. Dir.: Gabin Rivoire. DOCUMENTAL. FILMIN. 16 NOVIEMBRE ‘Muerto con Gloria’. Dir.: Marcela Matta, Mauro Sarser. FANTÁSTICA. MOVISTAR+.

19 NOVIEMBRE ‘Percy’. Dir.: Clark Johnson. DRAMA. FILMIN. 23 NOVIEMBRE ‘Better Days’. Dir.: Derek Tsang.

DRAMA. MOVISTAR+.

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n MULTIPANTALLAS # DVD + BD

DVD

Rick Flag (Joel Kinnaman), Ratcatcher 2 (Daniela Melchior), Bloodsport (Idris Elba) y Peacemaker (John Cena): el Escuadrón esperando a Harley Quinn (Margot Robbie).

TEMERARIOS HASTA EL FINAL ‘El Escuadrón Suicida’. Desembarca en home video, con multitud de extras y un batallón de ediciones distintas, una de las apuestas cómic del año. Por A. Rodríguez.

Con nueva sangre. Warner sacudió el universo cómic cuando, en verano de 2018 y aprovechando que su némesis Marvel había despedido a James Gunn por una polémica en redes sociales, fichó al director de Guardianes de la Galaxia para comandar el segundo salto al cine de la saga creada, en 1957, por Robert Kanigher y Ross Andru, y modernizada en 1987 por John Ostrander.

Gunn, un autor con una audacia creativa singular, tomaba el relevo a David Ayer, responsable de una primera adaptación que, pese a su éxito comercial, no acabó de contentar a nadie. Uno de los extras de esta edición, que lanza Warner y disponible en DVD, Blu-ray, 4K UHD + Blu-ray y caja metálica, es el documental The Way of the Gunn, centrado precisamente en el proceso creativo del director durante el rodaje.

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NOVI E MBR E 2 02 1 · FOTOGRAMAS.ES

Sin camino de retorno. En esta nueva aventura, los delincuentes más desquiciados del universo DC son reunidos en la supersecreta Task Force X bajo el mando de Rick Flag (Joel Kinnaman) con el objetivo de viajar a la isla de Corto Maltés y llevar a cabo una misión de la que no se espera que vuelvan. Encabeza el reparto Margot Robbie, por tercera vez bajo el maquillaje de Harley Quinn y ya liberada

Idris Elba y James Gunn.

por completo del Joker de Jared Leto.

Junto a ella, Idris Elba, John Cena, Juan Diego Botto, Sylvester Stallone (poniendo voz a King Shark) o Viola Davis, entre otros, y cameos vistos y no vistos, como el del propio Ostrander. El espectáculo pirotécnico ideado por Gunn, también guionista, es, como él cuenta, una comedia bélica gamberra. Cinta repleta de bromas macarras y momentos gore que dan una vuelta de tuerca al género. Éramos pocos… Las ediciones en Blu-ray tienen una amena e interesante pista de audio con los comentarios del director, junto a otros extras habituales como tomas falsas y las clásicas escenas eliminadas y extendidas. Destacan el comic book The Suicide Squad Bringing King Shark to Life o los tres tráileres de estilo retro en la sección Starro: It’s a Freakin’ Kaiju! El making of de cuatro de las escenas más memorables de la cinta (The Beach, Guerrilla Camp, Harley’s Escape y Fall of Jotunheim) nos adentra en el arduo rodaje.

LANZAMIENTO: 2 NOVIEMBRE

Vicky Krieps y Thomasin McKenzie.

Reloj, no cuentes las horas M. Night Shyamalan sorprende con ‘Tiempo’, una historia de suspense perturbadora basada en una novela gráfica.

Miedo bajo el sol. Durante unas placenteras vacaciones

en una apartada playa, un grupo de turistas –entre ellos, Gael García Bernal, Vicky Krieps (El hilo invisible) o Rufus Sewell– descubre con terror que el tiempo pasa de forma inusualmente rápida: por cada media hora que transcurre envejecen un año. Este es el punto de partida del último trabajo de M. Night Shyamalan, un thriller marca de la casa que él mismo escribe inspirado en la novela gráfica Castillo de arena, de Pierre Oscar Lévy y Frederik Peeters (Ed. Astiberri), y que edita Universal en DVD, Blu-ray y 4K UHD. Todo incluido. Los extras incorporan escenas eliminadas; el documental Un momento en familia, donde los actores recuerdan una noche en concreto del rodaje, y los cortos La playa como escenario y Pesadillas en el paraíso, que narran cómo fue el rodaje, que tuvo lugar en plena pandemia en la Playa El Valle, en la República Dominicana.

En el extra tal vez más personal para el director, Negocios de la familia Shyamalan, sus hijas, Ishana y Saleka, cuentan cómo fue su contribución al film.

LANZAMIENTO: 24 NOVIEMBRE

‘Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos’ DIR.: DESTIN DANIEL CRETTON. INT.: SIMU LIU, AWKWAFINA, TONY LEUNG. (DISNEY). ACCIÓN.

Taquillazo inclusivo. Llega la edición

doméstica de la 25.ª cinta del UCM, la primera liderada por un héroe asiático. Disponible en DVD (la única

Simu Liu nunca rehuye el combate.

sin extras), BD, 4K UHD y caja metálica (4K UHD + BD), podremos disfrutar de tomas falsas, escenas eliminadas, dos documentales sobre el rodaje (Construyendo un legado y Lazos familiares) y una pista de audio con los comentarios del director Destin Daniel Cretton y del guionista Dave Callaham.

LANZAMIENTO: 24 NOVIEMBRE

n MULTIPANTALLAS # DVD + BD

‘Los santos inocentes’

‘Queridos camaradas’

‘Mandíbulas’

DIR.: MARIO CAMUS. INT.: ALFREDO LANDA, FRANCISCO RABAL, TERELE PÁVEZ, JUAN DIEGO, ÁGATA LYS, BELÉN BALLESTEROS. (DIVISA). DRAMA.

DIR.: ANDREI KONCHALOVSKY. INT.: YULIYA VYSOTSKAYA, VLADISLAV KOMAROV, ANDREY GUSEV. (DIVISA). DRAMA.

DIR.: QUENTIN DUPIEUX. INT.: GRÉGOIRE LUDIG, DAVID MARSAIS, ADÈLE EXARCHOPOULOS. (KARMA). COMEDIA.

Ricos y pobres. Parte ya indeleble

Ideología destrozada. Disponible

de la historia de nuestro cine, éxito de taquilla y crítica, llega ahora una edición especial a la altura de la película del recientemente fallecido Mario Camus. Un libro de 64 páginas con fotografías y textos sobre el director, la producción del film, la restauración del mismo y el rodaje lidera el menú. Entre los extras de este Blu-ray encontramos charlas con el director y los actores, una interesante entrevista al historiador del cine José Luis Sánchez Noriega, el documental Los santos inocentes en TVE y una galería de fotos. Una edición imprescindible para todo cinéfilo.

únicamente en Blu-ray, este drama histórico narra la masacre de Novocherkask, ocurrida en 1962, desde el punto de vista de Lyudmila, devota militante comunista que ve cómo su visión del mundo se tambalea cuando su hija desaparece durante unas protestas contra las autoridades soviéticas en las que fallecen cerca de 80 manifestantes.

Dirigida por el ruso Konchalovsky (El cartero de las noches blancas, Paraíso, El tren del infierno), la película, rodada en blanco y negro con cinematografía de Andrey Naydenov, recibió el Premio Especial del Jurado en el Festival de Venecia de 2020.

Incluye el tráiler.

Surrealismo a la francesa. En la última del prolífico Quentin Dupieux (autor de Rubber o La chaqueta de piel de ciervo, pero también conocido por su álter ego musical, Mr. Oizo) dos amigos que no destacan por su inteligencia descubren al robar un coche que en el maletero hay una mosca gigante. Cuando no se les ocurre otra cosa que adiestrarla para robar bancos las situaciones absurdas se suceden una tras otra. Dupieux escribió específicamente el guion pensando en los dos protagonistas, Ludig y Marsais, quienes recibieron el Premio a la Mejor Interpretación Masculina en el Festival de Sitges. Incorpora fichas

LANZAMIENTO: 17 NOVIEMBRE

LANZAMIENTO: 5 NOVIEMBRE

LANZAMIENTO: 16 NOVIEMBRE

‘La última gran estafa’

‘Miss Marx’

‘La mujer del espía’

Remake de cine. George Gallo, guio-

De tal palo… Solo en DVD llega este

nista de Huida a medianoche (1988) o Dos policías rebeldes (1995), entre otras, dirige a Robert De Niro, Tommy Lee Jones y Morgan Freeman en esta comedia sobre el mundo del cine, basada en la cinta original estrenada en 1982. En DVD y BD, ambas ediciones comprenden el tráiler. (Vértice).

drama biográfico de marcado corte feminista, que narra la vida de Eleonor Marx, hija de Karl Marx. Dirigido por Susanna Nicchiarelli, destaca por su diseño de producción y de vestuario.

Contiene una extensa galería de fotos y un vídeo de Downtown Boys interpretando L’Internationale. (BTEAM).

No confíes en nadie. Kiyoshi Kurosawa (Tokyo Sonata, 2008) ganó el León de Plata al Mejor Director por este thriller de espías ambientado a principios de la Segunda Guerra Mundial. Tanto en DVD como BD tienen una entrevista con el director, a lo que el BD añade un making of. (A Contracorriente).

LANZAMIENTO: 16 NOVIEMBRE

LANZAMIENTO: 16 NOVIEMBRE

LANZAMIENTO: 16 NOVIEMBRE

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N OVI E M BRE 2 02 1 · FOTOGRAMAS.ES

técnica y artística además del tráiler.

n MULTIPANTALLAS # DVD + BD NEWS Charles Bronson.

Por Jesús Palacios. m

La cripta embrujada EXTRAÑOS EN UN TREN

LOS TIPOS DUROS NUNCA MUEREN Con esta edición especial Divisa conmemora el centenario del nacimiento de Charles Bronson, actor de carácter y presencia inolvidable en sus múltiples interpretaciones. Tras años de penurias (con poco más de 10 años perdió a su padre, y los problemas económicos de la familia le obligaron a trabajar en una mina, lo que le provocó una fuerte claustrofobia que perduró toda su vida) y unos inicios como intérprete poco prometedores, su exitoso paso por el cine europeo lo llevó a la fama y llegó a ser el actor mejor pagado de los años 70 en Hollywood con unos honorarios de un millón de dólares por trabajo.

El pack incluye las películas El justiciero de la ciudad, Yo soy la justicia, Los secretos de la Cosa Nostra, Los compañeros del diablo y El guardaespaldas de la Primera Dama. A la venta el 5 de noviembre.

BRACEAR HACIA EL HORIZONTE Con El nadador (1968), dirigida por Frank Perry y un no acreditado Sydney Pollack, sobre el relato corto de John Cheever, Burt Lancaster consiguió, según confesión propia, una de las mejores interpretaciones de su carrera. En la piel de un (en teoría) triunfador de la América de los años 60, un día decide atravesar en línea recta la zona residencial de lujo en la que vive, zambulléndose en sus piscinas. Pronto le salpicarán mujeres de su pasado… Disponible el 5 de noviembre en Blu-ray (Sony), en edición sin extras.

Foto: Getty Images.

Janet Landgard y Burt Lancaster.

VEINTE AÑOS NO SON NADA Coincidiendo con el 20º aniversario del estreno en Japón de El viaje de Chihiro, Vértigo Films lanza el 29 de octubre una edición limitada, que incorpora una exclusiva tote bag. La emblemática cinta de Studio Ghibli fue el primer largometraje no estadounidense en ganar el Oscar a la Mejor Película de Animación, y es hasta ahora la única realizada mediante animación tradicional que ha logrado dicho premio.

Hay películas que tienen recorridos muy insólitos. Una de las más singulares de nuestra digamos cinematografía es, sin duda, Pánico en el Transiberiano (1972) de Eugenio Martín, joya fantástica de la coproducción europea que ahora recupera en Blu-ray Ediciones 79 (o El Setantanou, como prefieran), con excelentes extras, incluyendo colaboraciones de expertos como David García Sariñena o Diego López. Edición comparable a las de sellos míticos como Arrow o Grindhouse. Añadamos que la singularidad del recorrido de Pánico en el Transiberiano es, sobre todo, tratarse de una coproducción entre España e Inglaterra… mucho más británica que algunas producciones de la mismísima Hammer.

Un perfecto thriller de ciencia ficción y horror, con ambientación de época, a cuyo dúo protagonista en estado de gracia (o desgracia, en el caso de Cushing), compuesto por unos pluscuamperfectos Christopher Lee y Peter Cushing, se suman presencias como las de Telly Savalas, Helga Liné, Silvia Tortosa o Víctor Israel, en un viaje a través de la estepa (madrileña) que empieza en el espacio exterior, pasa por la prehistoria y desemboca en el delirio, gracias al loco guion de los veteranos Arnaud d’Usseau y Julian Zimet, (in)visiblemente inspirado en el relato Who Goes There? de John W. Campbell –origen también de La cosa–, repleto de cosacos, zombis y señoritas de buen ver. Film de extraño recorrido, más aún si pensamos que mientras marcaba mi infancia en un cine de barrio de Madrid, también lo hacía con la del escritor John Connolly en Dublín, quien la veía de noche en TV y solo en casa y, años después, le dedicaría un libro entero. Extraños son, sí señor, los caminos del fantaterror español.

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Por Adonías.

VIDEOJUEGOS

O EL JUEMG ES DEL

LOST JUDGMENT De Ryu Ga Gotoku Studio para PlayStation 5 y PlayStation 4, Xbox Series X|S y Xbox One. 59,95 €

Es Lost Judgment un espectáculo ‘cinematotrágico’, sincero y contundente desde su protagonista principal: Takayuki Yagami, tremendo combo entre abogado y detective privado, buscando (siempre) esclarecer la verdad en su nuevo caso asignado. La triste realidad manda, áspera e inmisericorde: asesinatos, aparentes suicidios y abusos sexuales se suceden entre giros de guion sin trampa ni cartón, ni deseos de ocultarlo. Será por eso que precisa tanto alivio cómico personificado en clásicos de Master System (Alex Kidd in Miracle World, Fantasy Zone…) y recreativas míticas SEGA (Virtua Fighter 5 Final Showdown o Sonic the Fighters, nada menos), parkour loco, adorabilidad perruna, carreras moteras, furia bailonga DDR, retozones minijuegos como actividades para club de instituto en las Historias Escolares; se ha escrito un chiste, mesurada asertividad lúdica absolutamente exenta de ciclotimia jugable o dramón impostado; para qué ponerse solo trágico, pudiendo resultar además cómicamente épico.

DEATH STRANDING DIRECTOR’S CUT De Kojima Productions para PlayStation 5. 49,95 €

WARIOWARE: GET IT TOGETHER! De Nintendo e Intelligent Systems para Nintendo Switch. 49,99 €

El placer de jugar por jugar queda con frecuencia diluido por el cabezota intento de relatar o que nos relaten historias tan grandilocuentes como inanes.

Afortunadamente, la saga WarioWare y su alocada sucesión de minijuegos chiflados en breves segundos plasmados es un carcajeante canto a la adrenalínica reacción sin mayor complicación; en Get It Together!, a la dificultad de elegir y desempeñar en tiempo la mecánica correcta, se añade cooperativo local y nuevos personajes tarados no siempre seleccionables, lo cual convierte cada jornada con este titulazo gozada en una fiesta chalada de difusa frontera entre colaboración y competición.

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NOVI E MBR E 2 02 1 · FOTOGRAMAS.ES

Fue Death Stranding, desde su versión original lanzada en 2019, una exitosa plétora de conexiones: entre profusa narración y continuada interacción. También, realidad y virtualidad actoral de Norman Reedus o Mads Mikkelsen en consonancia.

Y este Director’s Cut conectando tecnología sobrepasada y actualizada, añadiendo mejora háptica y respuesta adaptativa vía DualSense, en una adición de complementos que reformulan una propuesta lúdica única.

FIFA 22 De EA Vancouver y EA Romania para PlayStation 5 y PlayStation 4, Xbox Series X|S, Xbox One, Nintendo Switch y PC. 79,99 €

El fútbol electrónico es más fútbol que nunca en FIFA 22: para hacer efectiva una certera simulación, tiene pleno sentido la utilización del potentísimo hardware que trae consigo esta nueva generación. Advanced 11v11 Match Capture, aprendizaje automático… y el juego orgánico, fluido, creíble y sin embargo accesible, por fin posible gracias a la tecnología HyperMotion, que ejecuta verosímiles físicas e hiladas químicas entre 22 jugadores.

LIFE IS STRANGE: TRUE COLORS De Deck Nine para Xbox Series X|S, Xbox One, PlayStation 5 y 4, PC y Nintendo Switch (fecha publicación esta versión: 2021). 59,95 €

Traduciendo al lenguaje lúdico el carácter episódico y leitmotiv de amorío entre superpoderío presente en las series CW, Life Is Strange: True Colors adopta la sobrenaturalidad de lo cotidiano y adapta esa amenazante vital obsolescencia intrínseca a la adolescencia en la historia de Alex Chen, capaz de percibir ergo en ocasiones sufrir, somatizar y manipular sentimientos ajenos, aprendiendo así que un gran sentir conlleva una gran responsabilidad.

Por Conrado Xalabarder.

ESCUCHAR

DUNE WaterTower Music. 74’ HHHH

No uno ni dos, sino tres álbumes se lanzan al mercado con música de Hans Zimmer: el primero fue The Dune Sketchbook, una recreación artística de la música del film con los bocetos originales.

Luego el álbum que ahora comentamos y el tercero será con música creada para el libro. Una tríada musical en la que lo más importante es lo que hay en el film. Zimmer forma parte indisociable de la estética, la dramaturgia y el contexto con una banda sonora que no es de estructura temática clara sino deliberadamente diluida y que suena a un pasado ya lejano y casi olvidado. Funciona como apoyo y complemento

SIN TIEMPO PARA MORIR Decca Records. 72’ HHHH

de los efectos sonoros y las imágenes pero especialmente de los escenarios, personajes y en lo dramático.

Su amalgama de referencias, motivos, temas, emociones, tonos y colores emprende un viaje que arranca en la oscuridad y va en busca de la luz, hacia la esperanza por la salvación. Y este es el principal cometido que tienen las músicas de Zimmer: facilitar una experiencia a la audiencia a la vez que crear película.

Lo mejor de esta aportación de Hans Zimmer a la saga es que, teniendo la posibilidad de imponer su estilo, acepta que sea la película la que lo imponga. El protagonismo se cede a John Barry, pero Zimmer es más que solvente en los espacios para las acciones y las emociones.

Hay un delicado tema que une a los dos protagonistas en los momentos de separación; y el tema principal, la canción No Time to Die (que no es suya) y versiones instrumentales, es narrativo a un nivel sutil y discreto.

CRY MACHO WaterTower Music. 37’.

HHH

Pese a no tratarse de una banda sonora creada por el propio Clint Eastwood, al menos su tema principal, su estilo y modo de entender la música se plasma en cada nota de Mark Mancina, especialmente en un tema principal nostálgico, con guitarra, que evoca a tantos otros del director.

En lo demás, son músicas de inspiración folk, sentimentales y cálidas y otras algo más dramáticas.

Es sencilla e intimista, le falta algo de fortaleza, pero cumple con solvencia su cometido en el film.

VENOM: HABRÁ MATANZA Sony Classical. 68’.

HHH

Marco Beltrami hace ‘borrón y cuenta nueva’ respecto a la música de Ludwig Göransson del film anterior, Venom (2018), y firma una creación con música sinfónica y electrónica que gira en derredor de un notable tema principal, moderadamente apocalíptico, del que saca buen provecho junto a temas para el énfasis de las acciones y la recreación de los entornos de terror. Es un divertimento, no pretende ser otra cosa, que funciona en todos sus propósitos y que resulta lo más notable de la película.

Por C. X.

LEER

HOLLYWOOD Y LA GUERRA CONTRA EL TERROR Cátedra 384 págs. 22 € HHHHH

Antonio José Navarro es autor de un exhaustivo y muy bien estructurado libro dedicado a analizar películas, documentales y productos televisivos que abordan la lucha contra el terrorismo internacional. No es un catálogo de títulos y sus fichas con comentarios sino que se abordan temas comunes que demandan una reflexión y debate en tanto obligan a un posicionamiento ya sea frente al conflicto relatado como frente al modo de abordarlo. Por citar un par de ejemplos, se aborda el uso de la violación como método de tortura o las

consecuencias traumáticas para los combatientes en su regreso a casa. Todo con un buen tratamiento analítico fuera del audiovisual y luego relacionado e imbricado en los films donde mejor se ha reflejado el tema abordado: Hollywood como adiestramiento guerrero, Sadam Husein, Petróleo por sangre o El Dáesh son algunos de los capítulos de este tratado lleno de erudición y con una cantidad muy impresionante de títulos citados o comentados.

Un libro fundamental.

PAOLO SORRENTINO Solaris 232 págs. 21 € HHHH

Una decena de firmas de académicos disertan en este ensayo monográfico sobre el cine y la trascendencia del director italiano responsable de films tan emblemáticos como Las consecuencias del amor (2004), la oscarizada La gran belleza (2013) o la serie televisiva The Young Pope (2016). Se abordan temas y perspectivas variadas, como su identidad, el contraste entre realidad y lo ilusorio, la masculinidad o el uso de la música en su cine. Es una manera interesante de entender mejor a este cineasta.

ABRE LOS OJOS Fuera de Ruta 229 págs. 20 € HHHH

El subtítulo Pelis y series para entender el mundo da alguna pista de lo que su autora, Pepa Blanes, pretende (y no pretende) con este libro que es breve, conciso y directo: no es un catálogo de películas o series sino un repaso a algunos temas relevantes que han sido tratados en el audiovisual, como el racismo, la xenofobia, la transfobia, la política o la lucha obrera. Todo ello y más expuesto de modo franco y razonado, buscando reflexión y posicionamiento.

Gustará o no, pero es honesto.

STORYBOARDING ALMODÓVAR Dolmen Editorial 216 págs. 24 € HHHHH

Pablo Buratti es un storyboard artist argentino afincado en España que ha trabajado con De la Iglesia, Bayona o Almodóvar, a quien devociona este libro donde muestra todos sus trabajos en cinco películas y un corto del director, con explicaciones de los procesos creativos y comparativas con el resultado final. Estupendamente bien presentado, es un bello modo de conocer mejor un oficio aún poco reconocido, pero tan importante para plasmar en papel la visión del director antes de rodar.

FOTOGRAMAS.ES · N OV IEM BR E 202 1

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