FUNCIONES ESPECIALES LA SEMANA DE FRANCIA / CINE DEBATE CINEMATECA CELARG Martes 12 de mayo, 5:00 pm Con la proyección de PLANETA OCÉANO (Yann Arthus-Bertrand y Michael Pitiot, 2012) Invitados: el realizador Michael Pitiot y el oceanólogo Juan Andrés Alfonso del Instituto Venezolano de Investigaciones Científicas (Venezuela)
Domingo 17 de mayo, 4:00 pm Con la proyección de PLANETA EXTREMO AMAZONIA PERUANA (Jean-Thomas Renaud, 2014) y un extracto de TERRA (Yann Arthus-Bertrand y Michael Pitiot, 2014) Invitados: el realizador Michael Pitiot y los científicos Olivier Dangles y Jean J. Vacher del Instituto de Investigación para el Desarrollo (Francia)
SUMARIO Mayo 2015
EDITORIAL
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ESTRENAR EL CINE NACIONAL TRES OBRAS DE INTERÉS
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En el presente mes, la sección de estrenos presentan: los documentales Cuatro cuerdas, una patria (2015) de Eric Splinter y La torre de los sueños (2014) de Orlando D’Elia, y el cortometraje de ficción De Tienda Honda a Flores Blancas (2015) de José Antonio Varela
PARA VOLVER A VER 49 ANIVERSARIO DE LA FUNDACIÓN CINEMATECA NACIONAL: ESTRENAR EL CINE NACIONAL
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(Selección Aniversaria, 1ra Parte)
Catorce producciones: nueve documentales, tres películas de ficción, una animación y un cortometraje experimental, seleccionadas entre una lista de 213 obras presentadas en la acostumbrada sección Estrenar el Cine Nacional, entre el 2006 y 2015
CINE-CONVERSA CINE SOBRE EL CINE
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RETROSPECTIVA CENTENARIO DE ORSON WELLES
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FUNCIÓN ESPECIAL 90 ANIVERSARIO DEL NATALICIO DE MALCOM X
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A propósito del 49 aniversario de la Fundación Cinemateca Nacional, se ofrece un análisis de lo que ha sido uno de los espacios de exhibición con mayor tradición en nuestras salas, una sección que ha tenido el propósito de fomentar y promover el cine hecho en Venezuela
Para conmemorar los 100 años del ícono del cine mundial, presentamos una selección de siete películas protagonizadas y/o dirigidas por este genio. Un hombre que con su voz, su versatilidad, su entrega y su capacidad para explorar al máximo cualquier obra, revolucionó las artes en el pasado siglo XX, marcando la pauta para hacer películas como ningún otro
Para conmemorar los 90 años del natalicio de Malcolm X, se proyecta el biopic Malcolm X (1992) del reconocido director Spike Lee, quien nos ofrece una mirada a uno de los hombres que definió la lucha social moderna en nuestro continente como ninguno
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Tres películas de ficción conforman esta muestra, que incluye la película venezolana El cine soy yo (1977) de Luis Armando Roche, cuyo tema central es la elaboración, rodaje o proyección de una película, o bien que tratan el mundo del cine y su ambiente desde adentro
HOMENAJE A FERNANDA MONTENEGRO
ZONA CINEMATECA ESTRENAR EL CINE NACIONAL
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Gracias a la colaboración del Instituto Brasil-Venezuela, se exhiben seis películas que permiten apreciar el talento de una de las actrices más destacadas del cine brasileño y latinoamericano, la llamada «La Primera Dama del Teatro de Brasil»
OTRO MUNDO ES POSIBLE p.21 DÍA DE LA AFROVENEZOLANIDAD: LA ESCLAVITUD EN EL CINE Para conmemorar nuestra diversidad étnica, presentamos cinco películas que nos acercan a la dimensión de la esclavitud, una de las instituciones más barbáricas, controversiales y, sin embargo, más significativas de la historia de la Humanidad
CINES NACIONALES p.37 CINE NEGRO Y POLICIAL ARGENTINO Gracias a la colaboración de la Embajada de Argentina y el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), se ofrecen ocho largometrajes que realizan una particular apropiación de las líneas estéticas del llamado Film noir o cine negro y el género policial
CINES NACIONALES 29 FESTIVAL DE CINE FRANCÉS
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SÁBADO Y DOMINGO INFANTIL MAYO, UN MES ESPECIAL
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Cinemateca Nacional dice presente en esta nueva edición de uno de los festivales más longevos que se llevan a cabo en el país, exhibiendo, gracias a la colaboración de la Embajada de Francia y la Alianza Francesa, ocho producciones del cine galo
En el mes aniversario de la FCN festejamos en el marco del Festival de Cine Francés, con Ernest y Célestine (2012) de Stéphane Aubier, Vicent Patar y Benjamin Renner; en el marco de la muestra de Cine Negro y Policial Argentino, con Metegol (2013), del reconocido director Juan José Campanella; y con dos producciones del inigualable Jim Henson: El cristal encantado (1982) y Laberinto (1986)
Editorial Mayo es el mes aniversario de la Fundación Cinemateca Nacional. En esta oportunidad arribamos a 49 años y vamos rumbo al medio siglo de existencia. Desde aquel 4 de mayo de 1966, cuando la admirada Margot Benacerraf fundó lo que hoy conocemos como Fundación Cinemateca Nacional, se ha mantenido la fidelidad con difundir el cine venezolano, americolatino, caribeño y universal. Permitiendo la inclusión de filmografías, temáticas, directores y directoras, formatos y modalidades negados por los circuitos cinematográficos que interpretan al cine como mercancía, industria y comercio y no como arte y derecho cultural de la humanidad.
Portada Imagen de Carlos Villarroel
También han ocurrido los cambios necesarios, impulsados por la superación de la llamada democracia representativa, con la vigente democracia participativa y protagónica, donde la inclusión es la de todas las audiencias nacionales y en la que éstas mismas superan la condición de pasivas, para ser activas y permitir que nuestro cine se eleve a la estatura del pueblo.
PROGRAMACIÓN Mayo 2015 Nº 284
Así seguimos programando todo el cine pero no cualquier cine, y nos asumimos como una Cinemateca verdaderamente nacional y popular.
Comité Editorial Armando Armenta Humberto Castillo Rafael Gil
Para celebrar estos 49 años y sin olvidar que vamos rumbo al quincuagésimo aniversario, dedicamos nuestra programación fundamental aniversaria a la sección Estrenar el Cine Nacional. Y con el título de 49 aniversario de la Fundación Cinemateca Nacional, estamos exhibiendo 14 títulos de una lista de 213, que hemos exhibido en la referida sección desde el 2006 hasta el 2015. La animación, el cine experimental, la ficción y el documental, en diversas duraciones, se dan cita en nuestras salas para demostrar nuestra vocación de apoyo a la diversidad cultural cinematográfica y a la inclusión en los términos que ya hemos expresado. El criterio de selección, además de la diversidad apunta a obras representativas de autoras y autores que han estrenado tres o más películas en Estrenar el Cine Nacional a lo largo de estos últimos diez años.
Coordinador de Programación Rafael Gil Productora de la revista Programación Emperatriz Cols Programadora Cinematográfica Laura Sánchez Editora Lorena Caraballo Colaboraron Xavier Sarabia Diseño y Diagramación Jessica Aharonov Impresión Fundación Imprenta de la Cultura Sede Administrativa Centro Simón Bolívar, Torre Norte, pisos 18 y 19, El Silencio, Caracas Telf: (0212) 482.23.71 Centro de Documentación Centro Simón Bolívar, Torre Norte, piso 19, El Silencio, Caracas Telf:(0212) 482.22.42 Archivo Fílmico y Audiovisual Final Av. Panteón, Foro Libertador Edif. Biblioteca Nacional AP-4 Telf: (0212) 505.93.14
La lista no cesa, y en este cuadragésimo noveno aniversario, se estrenan tres obras del cine nacional: Cuatro cuerdas, una patria de Eric Splinter, De Tienda Honda a Flores Blancas de José Antonio Varela y La torre de los sueños de Orlando D’Elía. También estaremos lanzando un título de la Colección de Videos FCN compuesto por dos largos y dos cortos, con las películas Macadam, Memorias del gesto, Noticorta y Pista de entrenamiento de Andrés Agustí. Además de César Rengifo de Pedro Riera, Juan Plaza y Jesús Mujica, con el cual celebramos el centenario del gran César Rengifo. Completan la programación el ciclo Homenaje a Fernanda Montenegro, el XXIX Festival de Cine Francés y las muestras Cine negro y policial argentino y Día de la afrovenezolanidad: la esclavitud en el cine. También incluimos siete películas de uno de los directores más importantes del cine universal, con el nombre de Centenario de Orson Welles. La sección Cine-Conversa, está dedicada al Cine sobre el cine, con tres películas que reflejan que es el cine desde las perspectivas como lo asume la Cinemateca Nacional de Venezuela. Lo mismo sucede con el Conversatorio sobre Cuadernos Cineastas Venezolanos con Joáquin Cortés y la continuación de las reflexiones sobre nuestro cine desde el punto de vista de las y los intérpretes. El cúmulo de actividades que conforman la celebración del 49 aniversario de la FCN representa lo que somos y queremos ser; en mayo de 2016 estaremos reconociendo las y los ganadores de los 4 concursos que lanzamos en este mayo 2015: Crónica sobre el cine en Venezuela, Crítica del cine nacional, Proyecto pedagógico de aprendizaje Juguete Mágico y Juegos, juguetes, diseños y artesanía sobre cine. Las y los trabajadores quienes laboramos en la Fundación Cinemateca Nacional, nos reconocemos en el pueblo de donde venimos, cada aniversario sirve para reafirmarlo.
Para información u opiniones escriba a
revistaprogramacionfcn@gmail.com
Xavier Sarabia Mariche Presidente Fundación Cinemateca Nacional
Estrenar el Cine Nacional TRES OBRAS DE INTERÉS En el presente mes, la sección de Estrenar el Cine Nacional se complace en presentar tres obras de interés: los documentales Cuatro cuerdas, una patria (2015) de Eric Splinter y La torre de los sueños (2014) de Orlando D’Elia, y el cortometraje de ficción De Tienda Honda a Flores Blancas (2015) de José Antonio Valera.
Cuatro cuerdas, una patria: tras la historia de un ícono cultural De los muchos símbolos que distinguen a la cultura venezolana dentro y fuera de sus confines geográficos, probablemente ninguno es tan característico como el cuatro, un instrumento musical similar a una pequeña guitarra que, como su nombre indica, consta de cuatro cuerdas. Aunque prácticamente cualquier venezolano sabe lo que es un cuatro, muy pocos conocen sobre su historia, su fabricación o en qué regiones del país se toca. Ante estas incógnitas, y muchas otras más, aparece el documental Cuatro cuerdas, una patria (2015), largometraje de Eric Splinter en el que el espectador es llevado de la mano por el experto y músico Luis Pino, en una travesía a pasajes históricos, zonas geográficas, culturas locales y saberes tradicionales que nos explican «de qué está hecho» este instrumento, con testimonios de maestros artesanos y virtuosos que han desarrollado su vocación en torno al cuatro. Eric Splinter, el realizador de este documental, es comunicador social con larga trayectoria internacional de trabajo en el área de las comunicaciones; también ha sido escritor, y director de documentales y cortometrajes para diversas instituciones canadienses y latinoamericanas; contando con más de 15 años de experiencia en radio y televisión de países como Cuba, Canadá, Francia y Venezuela. También es fundador de la
CUATRO CUERDAS, UNA PATRIA Venezuela, 2015 Documental en búsqueda de la identidad venezolana a través de la historia y ejecución del instrumento conocido como cuatro. La travesía pasa por diversas zonas del país como Barquisimeto, estado Lara, Cumaná, estado Sucre, Barinas, estado Barinas, Elorza, estado Apure, Ciudad Bolívar, estado Bolívar y Caracas, Distrito Capital; revelando una fascinante cultura material simbólica, que a su vez es una manera solapada en la que cabe preguntarse «de qué estoy hecho yo». Dirección: Eric Splinter, Productora AlterMedia. Guion e investigación: Luis Pino, Eric Splinter, Yann Manuguerra. Producción: Grisbbmirey Sivira, Yann Manuguerra, Freddy Blanco, Ministerio del Poder Popular para la Cultura. Sonido: Yann Manuguerra. Cámara: Raiber Monagas. Participantes: Luis Pino, Cheo Hurtado, Rafael Casanova, Rafael Salazar, Chuchito Sanoja, Ivan Pérez Rossi, Javier Marín. Duración: 93 minutos. Formato: DVD. Mayo 2015
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Cooperativa Alter Media R.L., que desde el punto de vista estético, busca incorporar elementos cinematográficos a la producción documental, logrando componer un discurso cinematográfico al servicio del compromiso popular y del cambio social.
La vida secreta de los habitantes de La torre de los sueños El rascacielos inconcluso conocido como «Torre de David», ubicado en pleno corazón de Caracas, es uno de los muchos elementos arquitectónicos que para bien o para mal no puede pasar desapercibido ante los caraqueños. Dejado a medio construir y finalmente abandonado por sus autores originales a causa de la crisis bancaria de mediados de los años 90 del siglo pasado, este imponente edificio pasó de ser un monumento del cataclismo económico que azotó el país, al singular hábitat de un sinnúmero de personas quienes en 2001 comenzaron poco a poco a habitar varios de los pisos de la edificación y a acondicionarla hasta convertirla en una urbe dentro de otra urbe. El día a día de estos hombres y mujeres que crearon sus hogares dentro de esta construcción es plasmado para el público nacional en el cortometraje documental La torre de los sueños (2014) del cineasta y fotógrafo Orlando D’Elia. Durante 20 minutos, los espectadores son testigos de la interacción entre los «torrences» como se auto denominan los habitantes de este espacio, los parámetros sociales, culturales y productivos en los que se fundamenta su comunidad, y los eventos significativos en sus existencias individuales; hasta el momento en que debieron abandonar la torre el pasado año para ser alojados en nuevas y dignas viviendas, dentro de las políticas que adelanta la Comisión Presidencial para la Transformación de la Gran Caracas. Orlando D’Elia es un realizador audiovisual nacido en 1955, cuyo trabajo por muchos años se enfocó en la fotografía, iniciando su labor en 1978. Después de cursar la carrera de Biología en la Universidad Central de Venezuela entre 1979 y 1986, se desempeñó como fotógrafo en el Laboratorio de Microscopia Electrónica y el Departamento de Fotografía de la Escuela de Biología de esta misma institución. A partir de entonces, D’Elia trabajó como Jefe del Departamento de Fotografía de espacios culturales como lo son la Universidad Nacional Abierta (UNA) (1984-1989) y la Fundación Museo de Bellas Artes (19891996). Asimismo, laboró como fotógrafo contratista en las empresas nacionales PDVSA (1998-2013) y CANTV (2007-2013).
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Estrenar el Cine Nacional
LA TORRE DE LOS SUEÑOS Venezuela, 2014 Documental sobre la dinámica social de la comunidad que habita la Torre de David. En su condición de ocupantes de este espacio por carecer de vivienda, los «torrences», como se hacen llamar, han mantenido una interacción socio productiva y cultural a lo largo de siete años, desarrollando una comunidad que alcanzó un crecimiento de 1670 familias aproximadamente, y que a comienzos del mes de mayo de 2014, la política de vivienda del estado alcanzó para conducirlos a una vivienda digna. Dirección, guion, producción, sonido, fotografía y cámara: Orlando D’Elia. Post-producción, música y montaje: Mcomunicaciones. Testimonio: Fernando Romero, Eudes Area, Humberto Hidalgo, Marifran Sevilla, Yolimar Noriega, Gladis Flores, Zulema Hernández. Duración: 20 minutos. Formato: Blue-Ray y DVD.
Los caminos de la soledad van De Tienda Honda a Flores Blancas
DE TIENDA HONDA A FLORES BLANCAS Venezuela, 2015
Se dice que en la vida no hay tal cosa como un trecho recto, sino una serie de desviaciones y vericuetos que nos conducen a los lugares y situaciones en las que nos encontramos en el presente. Dichas encrucijadas nacen de nuestras decisiones con respecto a qué haremos con nuestros trabajos, nuestra salud, con quién seguiremos juntos o de quién nos separaremos.
Samuel decide que no puede seguir viendo a Andrea, la mujer que en la cafetería le sirve el café de la mañana. El deseo y la amistad a veces no son compatibles. Así que Samuel se lo dice, y se despide de una forma que él cree permanente. Ahora Samuel se toma el café en solitario, sentado en una plaza observando la gente pasar. Todas las mañanas coincide con un hombre de mediana edad que pasa sonriente con un ramo de flores blancas en la mano. Una noche viendo fotos de él con Andrea, se da cuenta que el hombre de las flores aparece al fondo. Es por eso que al día siguiente decide seguirlo.
Esta última decisión es la que desencadena la trama De Tienda Honda a Flores Blancas (2015) de José Antonio Varela, donde un hombre opta por despedirse de una mujer, que ésta salga de su vida antes de descubrir las incompatibilidades que pudieran romper con la rutina que comparten. Una vez solo, el individuo en cuestión descubre que su antigua relación comparte un secreto con la de un desconocido, quien también tiene un singular rito para probarle su amor a alguien. José Antonio Varela es un cineasta venezolano nacido en 1973 que se desempeña como escritor, director, productor y docente universitario en el ámbito audiovisual. Su primera cinta La clase (2007) formó parte de la selección oficial en la categoría Ópera Prima del Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana; en el Festival Cinesul de Río de Janeiro, donde obtuvo mención honorífica del jurado; el Festival Internacional de Viña del Mar; y también el Festival Internacional de Málaga (España), donde obtuvo una mención especial del jurado. Como presidente de la Fundación Villa del Cine, Varela participó como productor ejecutivo en más de 80 películas, valiendo resaltar Brecha en el silencio (2012) de Luis y Andrés Rodríguez, ganadora del Premio Fipresci en el Festival Internacional de Cine de El Cairo, y en Azul y no tan rosa (2012) de Miguel Ferrari, ganadora a Mejor Película Iberoamericana en los Premios Goya. Asimismo, realizó los guiones de los largometrajes Muerte en alto contraste (2010) de César Bolívar, Bolívar, el hombre de las dificultades de Luis Alberto Lamata (2013) y Maisanta, el último hombre a caballo (por estrenar) de César Bolívar.
Direccióny guion: José Antonio Varela. Producción: Manuel Pérez. Sonido: Eleazar Moreno. Fotografía: Alexis Pérez Luna, Antonio García. Música: Luis Laguna, El Ensamble Gurrufío. Montaje: Nelson Núñez, José Antonio Varela. Intérpretes: Beatriz Vásquez, Pedro Laya, Darío Soto, Eida Margione, Mariana De Francisco, Vicente Peña. Duración: 15 minutos. Formato: DVD. Estrenar el Cine Nacional
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Para Volver a Ver 49 ANIVERSARIO DE LA FUNDACIÓN CINEMATECA NACIONAL Estrenar el Cine Nacional un espacio con historia y tradición La Cinemateca Nacional arriba a sus 49 aniversario, una empresa y tiempo de permanencia nada desestimable para una institución pública que se precie de tal; de carácter cultural, con interés en la preservación, promoción y difusión del cine, y que ha logrado trascender ¡y estar a un paso del medio siglo! a pesar del tiempo, sorteando los cambios sociales, económicos y políticos de tantos años, y continuando con su objetivo y propósito, gracias a las diferentes gestiones administrativas que la han presidido. Desde sus comienzos, la Cinemateca ha tenido una vocación única, entre otras, de presentar al público mes a mes una vasta propuesta programática, a fin de ofrecer al espectador una infinita variedad de obras producidas no sólo en Venezuela sino en otras latitudes. Esas películas llamadas de Cine de autor, de relevante interés artístico y cultural, erigidas bajo un concepto definitivamente diferente al cine que se ha proyectado y se sigue exhibiendo en las salas comerciales; se muestran al público de todas las edades como otra opción para el disfrute del arte cinematográfico. Muchos de esos títulos se han agrupado en una cantidad importante de muestras cinematográficas dedicadas a diferentes temáticas, géneros, efemérides, directores, personalidades del cine en general o según la nacionalidad de las películas. Así se han tenido presencia en cada una de las salas de esta Fundación muestras o secciones de nuestra programación que por su consideración y calidad, además de la aceptación y respaldo que le ha otorgado el público, han logrado permanecer en el tiempo como prueba inequívoca de su necesidad como espacio discursivo imprescindible y como ventana para conocer obras audiovisuales de diferentes procedencias. Una de esas secciones de 6
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AL OTRO LADO DEL MAR Venezuela-Cuba, 2006 Ana y Jenny, niñas vendedoras de dulces en el mercado de Las Pulgas de Maracaibo, sobrellevan el día a día junto a los buhoneros (vendedores callejeros). Jenny, quien ya se ha visto en la necesidad de negociar sexo por dinero, prepara a Ana para enfrentarse a su primera experiencia. Dirección y guion: Patricia Ortega. Producción: Gustavo Sánchez. Fotografía: Marina Weis. Sonido: Isabel Torres. Montaje: Metli Suárez. Música: Evelyn Ramón García. Intérpretes: Blanca Castellanos, Carla Colina, Neicibeth Henríquez, José Leal, Judith Padrón, María Salas, Mauricio Terán, José Toledano. Duración: 12 minutos. Formato: DVD.
la programación que se han mantenido, y que define por largo lo que somos en Cinemateca, es el espacio titulado Estrenar el Cine Nacional, a quien queremos dedicar este nuevo aniversario. ¿Por qué llamarlo Estrenar el Cine Nacional? Como la misma frase lo indica, es la posibilidad, por primera vez, de exhibir al público asistente a las salas de la Cinemateca una obra audiovisual o cinematográfica producida en Venezuela o al menos co-financiada por una empresa privada o pública del Estado venezolano; sin importar su temática, categoría, formato o duración. Y quizás estos tres últimos elementos son los más significativos a la hora de exhibir estas películas, entendiendo que muchos de estos filmes tienen poca suerte, o ninguna, de ser programados y exhibidos en las llamadas salas del circuito comercial, y en eso, la Cinemateca también es especial. La sección Estrenar el Cine Nacional quizás tiene sus inicios a finales de la década de los 70, donde un espacio programático era llamado Estreno Nacional para definir a una producción venezolana que se exhibía por primera vez al público. Pero es luego, a principios de los 90, cuando muchas de las películas nacionales que se exhibían bajo este concepto, y que se programaron en la Cinemateca, eran incluidas en espacios que se anunciaban con la denominación de Estreno Cine Nacional o Estrenar al Cine Nacional, o si la película había sido registrada en formato video se incluía en la sección Estrenar al Video Nacional o Estrenar el Video Nacional. Posteriormente, en el 2006, esos distintos nombre otorgados a estos espacios que de alguna manera promovían, apoyaban y alentaban a exhibir cine venezolano, se fusionan para presentarse sólo como Estrenar el Cine Nacional, sección que tradicionalmente se ha programado los jueves, aunque también los días miércoles y viernes, y en menor medida uno que otro sábado, en horarios de la noche.
LA PORFÌA DE SANTA INÉS Venezuela, 2006 Una serie de opiniones, unas sobre la obra, otras sobre la vida del escritor Alberto Arvelo Torrealba, autor del reconocido poema popular Florentino y el Diablo. En estas intervenciones aparece un país como desdibujado el fondo de los rostros, de los modos de decir y de las historias de los entrevistados. Una galería de maduros y más que maduros personajes que dialogaron entrañablemente con el poeta y nos relatan cosas bien conocidas algunas, y otras no tanto, de Alberto, de Albertico y del Dr. Arvelo. Dirección, guion y fotografía: Andrés Agustí. Producción: Lidia Córdova, UNELLEZ. Sonido: Andrés Agustí, Francisco Ramos. Montaje: Andrés Agustí, Manuel Rugeles. Edición Musical: Andrés Agustí, María Rios. Duración: 82 minutos. Formato: DVD.
Allí tuvieron cabida, por primera vez, en el 2003, las singulares animaciones de José Castillo, Fantasía china, Ojos azules, ¡Ay Zaragoza!; pero también los primeros cortometrajes de ficción de realizadores de una nueva generación que lograron notable éxito antes de realizar su Opera Prima como Diego Velasco con Cédula ciudadano (2000), Claudia Pinto con Una voz tímida en un concierto hueco (2000), Hernán Jabes con 900pánico (2003), Efterpi Charalambidis con El chancesito (2004) o Alejandro Hidalgo con El cumpleaños de un pordiosero (2009); también directores de más experiencia como Carlos Oteyza con Caracas: crónica del siglo XX (1999), Oscar Lucien con El espacio interior de Carlos Raúl Para Volver a Ver
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Villanueva (2000), Alfredo J. Anzola con El mundo de los Onqui Tonqui (2001) o los hermanos Luis Alejandro y Andrés Eduardo Rodríguez con Barbosa, una vida entre redes (2003); o como apoyo a trabajos de otro género audiovisual más reciente como el de Videodanza, a través de los cortometrajes Impresiones (2003) de Goar Sánchez o Baño público (2004) de Eduardo García. Igualmente el espacio ha dado cabida a producciones audiovisuales realizadas por destacados alumnos de algunas de las universidades del país, escuelas o talleres de cine, como los trabajos presentados por los estudiantes del Taller Práctico de Cine organizado por César Antillano y Antonio Savinelli en junio de 2002; o los cortometrajes expuestos por los alumnos de la Escuela de Comunicación Social, Mención Audiovisual, de la Universidad Católica Andrés Bello, en julio de 2009; o los ejercicios exhibidos por el Centro del Movimiento Creador-Cine en septiembre de 2011. Este mayo, en el marco del 49 aniversario de la FCN, se ha querido ofrecer parte de esa historia, incluyendo una selección de 14 películas de una lista de 213 estrenos realizados en el mencionado espacio. Se han elegido para este mes obras de cineastas que hayan estrenado en la referida sección en tres o más oportunidades, en un corpus que va desde el 2006 hasta el 2015. Allí veremos nuevamente el documental sobre la iniciación prostibularia Al otro lado del mar de Patricia Ortega (2005), la primera película exhibida cuando la sección se definió como Estrenar el Cine Nacional, es decir en febrero del 2006, que coincide con el momento en el cual el número de Salas Regionales de la Cinemateca comienza a multiplicarse en el país, y este tipo de producciones por ende llega a estos espacios por igual; La porfía de Santa Inés de Andrés Agustí (2006), una semblanza donde se recogen testimonios de una serie de personajes vinculados al recordado poeta barinés Alberto Arvelo Torrealba; El poder de la palabra, J.M. Briceño Guerrero (2007) de Argimiro Serna, quien ofrece un interesante material testimonial, como tributo a su profesor y poeta, fallecido el pasado año en Mérida; Benito de Marc Villá (2012), uno de los últimos trabajos del experimentado documentalista quien expone una loable investigación sobre una de las figuras religiosas que ha representado a las comunidades afrodescendientes, San Benito de Palermo; El rey del Galerón (2008) de John Petrizzelli, cinta que rescata la 8
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EL PODER DE LA PALABRA Venezuela, 2007 Documental que presenta al profesor Briceño Guerrero, disertando sobre el poder la palabra, la palabra escrita y dicha que el cultivó y nos legó, la palabra suya, nuestra y de todos, que nos revela y nos vincula, el poder de la palabra... Dirección, guion y montaje: Argimiro Serna. Producción: Instituto Autónomo Biblioteca Nacional de Venezuela, José Javier Sánchez. Fotografía y sonido: Adrián Osorio. Música: Manuel Salas. Locución: Renzo Jiménez. Duración: 13 minutos. Formato: DVD.
extraordinaria trayectoria del músico, compositor y cantante Benito Quirós; Encuentro con el pueblo wayuu (2009) de Joaquín Cortés, un documental que registra la vida rutinaria, la supervivencia simple y pura de este grupo étnico. El propio Cortés expone: Siempre me impresionaron los wayuu, están en un mundo aparte, y eso en esta época es impresionante… me impresionó su mirada. La mirada de las mujeres, de los niños, de los hombres, de los viejos, es una mirada que no encuentras en ninguna parte; yo, que he viajado mucho, puedo decir que es una mirada diferente, no la puedo definir. También hemos programado El público (2009) de Sergio Marcano, un valioso y ejemplar trabajo de investigación sobre la importancia del espectador en el proceso cinematográfico nacional; Sobrecargado (2009) de Sofía Salazar, el cual constituye uno de los primeros productos del Laboratorio de Animación de Vive Tv, se trata de un corto animado que nos acerca a la problemática y personajes de nuestra idiosincrasia; Historia de confesionarios: primera confesión (2010) de José Alberto Venutolo, un destacado mediometraje, con elevada factura, producido en la Academia de Cine de Nueva York, como parte de la tesis del primer y segundo año de estudio de este joven realizador venezolano; Lima splash: una historia de publicidad (2011) de Antonio Savinelli, un divertido cortometraje de ficción realizado en España sobre el mundo de la publicidad en tiempos de crisis; La cita (2011) de Helly David Díaz, otra comedia que nos llega esta vez desde la ciudad de Maracay, sobre los problemas de encuentro de una joven pareja; Celebración Caníbal (voy a hablar de la esperanza) (2011) de Zigmunt Cedinsky, mejor conocido como Cedismundo Quintero, un arriesgado trabajo de corte experimental que habla sobre la esperanza, la vida y la muerte; Trashumancia (2012) de Carlos Gómez, que recoge los últimos vestigios, en algunas locaciones del estado Guárico, de la práctica agroecológica y económica en la que los llaneros y sus rebaños recorren grandes distancias en busca de mejores pastos y agua; y por último, El camino de la incertidumbre (2014) de César Cortez, un notable documental
EL REY DEL GALERÓN Venezuela, 2008 Este documental explora la vida y obra musical de Benito Quirós, mejor conocido como el Rey del galerón. Este extraordinario músico, compositor y cantante venezolano se hizo popular en los años cincuenta y sesenta cuando popularizó el género oriental del galerón. La carrera artística de Benito se interrumpe en 1967 cuando muere en un accidente automovilístico. Él fue el primer intérprete nacional que se ganó la vida recorriendo Venezuela en su automóvil para realizar presentaciones radiales por toda la geografía del país. Dirección y guion: John Petrizzelli. Producción: Carlos Marchán. Fotografía: Rubén Belfort. Montaje: Sergio Marcano. Música: Roberto Tarzieris / Canciones Benito Quirós, Julio Díaz. Participantes: Jesús Colmenares, José M. Castillo, Carmen Romero de Ramírez, Adela Ramírez, Pedro Araujo, Tito Suárez, Luisa de Quirós, Flor de Córcega. Duración: 58 minutos. Formato: DVD.
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de este experimentado realizador, quien a través de una serie de entrevistas nos adentra en el mundo y el camino desarrollado a lo largo de su trayectoria profesional del documentalista y pintor Ángel Hurtado, de la bailarina y fundadora de la Compañía Nacional de Ballet Belén Lobo, del cronista de cine y escritor Rodolfo Izaguirre, y de la escultora Noemí Márquez. Sirva esta programación especial para celebrar un año más de la Cinemateca, que en esta oportunidad de alguna manera honra a quienes año tras años nos han acompañado ofreciendo sus proyectos cinematográficos y confiando en nuestros espacios para la difusión, exhibición y promoción del cine hecho en Venezuela. Esa es sencillamente nuestra tarea. Es un todo por el público que igualmente se acerca a visitar no sólo las salas de Caracas, sino que asiste al inmenso número de Salas Regionales, Salas Comunitarias y demás espacios asociados a la Cinemateca en las diversas regiones del país. A él dedicamos esta programación. A ese público apasionado, crítico, ávido y por naturaleza afortunadamente inconforme, el agradecimiento de cada uno de nosotros que hacemos y trabajamos día a día para que la Fundación Cinemateca Nacional siga contando y haciendo historia. Rafael Gil Coordinador de Programación FCN
ENCUENTRO CON EL PUEBLO WAYUU Venezuela, 2009 Aquí no hay diálogos y lo que se oye está dominado por el sonido directo, mientras que el montaje esquiva la linealidad pero sostiene un ritmo eficaz en este documental que, elude todo desarrollo narrativo, caso contrario de El domador (1979), para brindarnos imágenes de este rico pueblo ancestral venezolano. Dirección, guion, fotografía, montaje y sonido: Joaquín Cortés. Producción: Rafael Straga, Joaquín Cortés. Duración: 28 minutos. Formato: DVD.
EL PÚBLICO Venezuela, 2009 Documental que propone, a través del reportaje, una disertación sobre el papel que juega el espectador en el proceso de producción y exhibición de la cinematografía venezolana. Dirección, guion y montaje: Sergio Marcano. Producción: Patricia Ramírez, Philippe Toledano. Fotografía: Aldrina Valenzuela, César Rico, Paolo Collarino, Lorena Vásquez. Sonido: Fahil Flores. Músíca: Ludovic Ponte. Duración: 54 minutos. Formato: DVD. 10 Mayo 2015
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SOBRECARGADO Venezuela, 2009
HISTORIAS DE CONFECCIONARIO: PRIMERA CONFECCIÓN Venezuela-Estados Unidos, 2010
Cortometraje de animación, cuya historia está dedicada a recordarnos el uso racional de la energía eléctrica.
Michael ha sido recientemente ordenado sacerdote y hoy es el día en que tomará su primera confesión; pero esta no es una confesión ordinaria.
Dirección y guion: Sofía Salazar.
Venutolo, Albert Esiri, John Kontoyannis, Charlie Gavshon, John Kenndy.
Producción: Laboratorio de Animación Vive TV. Duración: 4 minutos. Formato: DVD.
Dirección, guion y montaje: José Alberto Venutolo. Producción: Jose Fotografía: Luftu Emre Cicek. Sonido y música: Brett Nolan. Intérpretes: Michael Lockyer, David Hausman, Kevin O’Heron. Duración: 36 minutos. Formato: DVD.
LIMA SPLASH: UNA HISTORIA DE PUBLICIDAD Venezuela-España, 2009 Este cortometraje narra, en clave de humor negro, las artimañas de unos personajes que no dudan en vender su alma al diablo con tal de salvar su pellejo. Harán cualquier cosa para no perder a su principal cliente. Dirección: Antonio Savinelli. Guion: Luis Piquer, Antonio Savinelli, David Cloquell. Producción: Publips, Luis Piquer. Fotografía: Juan Antonio
LA CITA Venezuela, 2011 Dos jóvenes, Diego y Anny, que se conocen por Internet más no se han visto personalmente, cuadran una cita para verse y conocerse mejor, aunque ambos no saben cómo son físicamente, tienen una gran expectativa en cuanto al encuentro, pero a Diego le pasan muchas cosas que hacen casi imposible llegar a tiempo, por lo que sólo un milagro hará posible el encuentro.
Jiménez. Música: Diego García. Intérpretes: Toni Cantó, Carles
Dirección y montaje: Helly David Vivas. Guion: Obed Flores, William
Montoliu, Teresa Soria, Gabriel
Delgado. Producción: Obed Flores. Cámara: William Delgado, Amilkar
Pascual, Rosa Clara García, Pilar
Castillo. Sonido: Adrian León. Música: William Delgado, Amilkar Castillo.
Silla, Elena Esparcia, Marino Muñoz.
Intérpretes: Josellyn Gómez, Helly David Vivas, Enrique Rodriguez, Narelvis
Duración: 15 minutos.
Torrealba, Fernando Ramos, Manuel López, Julio Pérez, Ruth Bermúdez.
Formato: DVD.
Duración: 22 minutos. Formato: DVD. Para Volver a Ver
Mayo 2015
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Fotos de José Carlos Gómez
TRASHUMANCIA Venezuela, 2011 Hombre y animal. Animal y hombre. ¿Quién depende de quién? ¿Cuál llega primero a su destino? Llaneros y ganado, enfrentando los mismos riesgos de todos los años, emprenden una travesía, una mudanza, un traslado que se resume en una práctica antigua, necesaria y vital para los dos: la trashumancia. Dirección, guión, fotografía, cámara y montaje: Carlos Gómez de la Espriella. Producción: Marlen Leal, Carlos Gómez de la Espriella. Producción: Palambra Producciones
CELEBRACIÓN CANIBAL (VOY A HABLAR DE LA ESPERANZA) Venezuela, 2011 Crónica de un encuentro entre un vampiro y una sonámbula… en un teatro vacío donde un predicador habla de la esperanza… y un ciego cuenta cómo fue que perdió la vista. Basado en poemas y textos de Juan Calzadilla, Álvaro Menen Desleal, César Vallejo y Alejandra Pizarnik.
C.A., Centro Nacional Autónomo de Cinematografía. Sonido: Pedro
Dirección, guion, producción y montaje: Zigmunt Cedinsky. Fotografía:
Gómez. Música: Freddy Pantoja,
Bernardo Ho Arias. Sonido: Miguel Arias, Estereobatá. Música: Pablo
Julio Pantoja. Duración: 37 minutos.
García, Miguel Miranda. Intérpretes: Rafael Jiménez, Katiuska Paz.
Formato: DVD.
Duración: 18 minutos. Formato: DVD.
12 Mayo 2015
Para Volver a Ver
BENITO Venezuela, 2012 Documental que expone el culto venezolano a la figura de San Benito de Palermo, a través de diversos ritos y celebraciones como lo son la fiesta de los Giros de la Mesa de Esnujaque, la figura de Ricardo Perdomo en la ciudad de Trujillo, devoto y creador del baile de La Media Botella, y las fiestas y manifestaciones musicales de los pueblos de Gibraltar y Bobures. Dirección: Marc Villá. Guion: Marc Villá, Armando «Lahbara» González. Producción: Ariadna Alzuru Mogollón, Eduardo Viloria Daboín. Producción Ejecutiva: Dr Maguey & Venganza eléctrica producciones, La Célula cooperativa. Cámara: Adrián
EL CAMINO POR LA INCERTIDUMBRE Venezuela, 2014 Cuatro artistas venezolanos de avanzada edad con una reconocida trayectoria en sus respectivas áreas culturales, son entrevistados y expresan como el «no saber» les ha servido como una herramienta a lo largo de sus carreras para plantearse nuevas incógnitas y, por ende, nuevas respuestas al momento de explorar e innovar en las muchas facetas del arte.
Osorio, Marc Villá. Sonido: Ariadna Alzuru Mogollón, Luciano Calello.
Dirección, guion y entrevistas: César Cortez. Producción ejecutiva:
Montaje: Armando «Lahbara»
Elizabeth Merman, alumnos y profesores de la Escuela de Cine Documental
González. Investigación: Marc Villá,
de Caracas. Realización: Eliadis Sayalero, Diego González Zorrilla, alumnos
Adrián Osorio, Eduardo Viloria
de la Escuela de Cine Documental de Caracas. Sonido: Antonio Prada.
Daboín. Duración: 39 minutos.
Música: Resec Zetroc. Entrevistados: Ángel Hurtado, Belén Lobo, Noemí
Formato: DVD.
Márquez, Rodolfo Izaguirre. Duración: 60 minutos. Formato: DVD. Para Volver a Ver
Mayo 2015
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Cine Conversa: CINE SOBRE EL CINE Cine conversa celebra el cine Todos los martes las y los cinéfilos asisten a la Sala Cinemateca MBA con el fin de discutir sobre un tema y ver las cuatro películas del mes. Los temas van desde los sociales, políticos y culturales, hasta los artísticos. Este mayo de 2015 la Fundación Cinemateca Nacional cumple 49 años y para ello exhibe y produce muestras y actividades que la celebran y que visibilizan su misión, su razón de ser. Rumbo a sus 50 años la Fundación Cinemateca Nacional en su habitual Cine-Conversa ha seleccionado tres películas sobre el cine y que de cierta manera exponen en su conjunto la visión que se tiene del cine, ellas son Cinema Paradiso (1988) de Giuseppe Tornatore, El cine soy yo (1977) de Luis Armando Roche y También la lluvia (2010) de Icíar Bollaín. Cada una tiene que ver con el cine; de décadas diferente: la primera, con una visión crítica del cine producido por la industria hollywoodense; la siguiente, venezolana, casi una película de culto que homenajea al cine en Venezuela; y la última, realizada por una mujer, con el cine como excusa, como vehículo para develar la visión que se tiene de Nuestra América desde las miradas occidentales. Confluyen en esta edición de Cine-Conversa el cine clásico, el cine nacional, el cine de culto, el cine político. Es todo el cine, pero no cualquier cine. El cine soy yo constituye una de las películas más emblemáticas del cine nacional, con el viaje de la ballena roja guiada por el mecánico trasmutado en el proyeccionista Jacinto (tal vez la mejor, si no una de las mejores actuaciones de Asdrúbal Meléndez) acompañado del niño Manuel y la «francesa» Juliet, vamos a lo interno del país, proyectando cine y conociendo el país, sabiendo de las penurias (hoy superadas) de 14 Mayo 2015
ambos, siempre acompañados de la bonhomía que representa nuestro gentilicio. Cinema Paradiso es de cierta manera un homenaje a lo que somos quienes trabajamos en la gestión cultural cinematográfica, todas y todos somos proyeccionistas, gracias a nosotras y nosotros se ven las películas. El paso del tiempo en un pequeño pueblito en donde parte de la vida transcurre en el cine, se refleja con el relevo de Alfredo el viejo proyeccionista y Toto el niño encantado por las películas y, por supuesto, con el avance indolente del desarrollo capitalista. El amor al cine vestido con el rodaje de la nostalgia, eso es esta película emblemática del cine sobre el cine. También la lluvia expone e interroga sobre cuál es la visión que desde Europa se tiene de la América Latina. Y lo hace con la realización de una película como pretexto y como tema de la narración. Las contradicciones internas que surgen en el modo «industrial» de hacer una película, se entremezclan con las contradicciones del tiempo cuando la invasión represora europea, motivo del rodaje, y el tiempo actual de represión, las mismas víctimas, la misma visión del represor, con apenas 500 años de diferencia. El Cine-Conversa de este mayo del 49 aniversario de la FCN, invita a Celebrar, reflexionar y conversar sobre el cine, el espectador y sobre el exhibidor, nuestra Cinemateca. Xavier Sarabia Mariche Presidente Fundación Cinemateca Nacional
EL CINE SOY YO Venezuela, 1977 Jacinto es un mecánico que emigra desde la capital para cumplir su sueño de proyectar películas a las zonas más apartadas del interior del país, viajando en una camioneta adornada como una ballena roja. En su travesía, se le unen Manuel, un niño, y Juliet, una joven de origen francés, con quien vivirá toda clase de experiencias gratificantes, con su cine itinerante en los lugares más paradisíacos de Venezuela. Dirección: Luis Armando Roche. Guion: Luis Armando Roche, Fabrice Hélion. Producción: Chabono Film, Dimage FR3. Sonido: Antoine Bonfanti. Fotografía: Jimmy Glasberg. Música: Maurice Reyna. Montaje: Giuliano Ferrioli. Intérpretes: Asdrúbal Meléndez, Juliet Berto, Alvaro Roche, Domingo Del Castillo, Freddy Galavis, Manuel Poblete. Duración: 94 minutos. Formato: DVD. Cine Conversa
Mayo 2015
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CINEMA PARADISO Italia, 1988 Salvatore es un niño de un pueblecito italiano, en el que el único pasatiempo es ir al cine. Subyugado por las imágenes en movimiento, Salvatore cree ciegamente que el cine es magia; pero, un día, Alfredo, el operador, accede a enseñarle al pequeño los misterios y secretos que se ocultan detrás de una película. Salvatore va creciendo y llega el momento en el que debe abandonar el pueblo y buscarse la vida. Treinta años después, recibe un mensaje, en el que le comunican que debe volver a casa. Dirección y guion: Giuseppe Tornatore. Producción: Franco Cristaldi, Giovanna Romagnoli. Fotografía: Blasco Giurato. Música: Ennio Morricone, Andrea Morricone. Montaje: Mario Morra. Intérpretes: Philippe Noiret, Jacques Perrin, Salvatore Cascio, Agnese Nano, Brigitte Fosey, Marco Leonardi, Antonella Attiu, Enzo Cannavale. Duración: 123 minutos. Formato: DVD.
TAMBIÉN LA LLUVIA España, 2010 Costa, un descreído productor de cine, y Sebastián, joven e idealista realizador, trabajan juntos en un proyecto ambicioso que van a rodar en Bolivia. La cinta que van a filmar tratará sobre la llegada de los españoles a América poniendo el acento en la brutalidad de su empresa y en el coraje de varios miembros de la Iglesia que se enfrentaron con palabras a las espadas y las cadenas. Pero Costa y Sebastián no pueden imaginar que en Bolivia, donde han decidido instalar su Santo Domingo cinematográfico, les espera un desafío que les hará tambalearse hasta lo más profundo. Dirección: Icíar Bollaín. Guion: Paul Laverty. Producción: Juan Gordon, Pilar Benito, Eric Altmayer, Mónica Lozano Serrano, Emma Lustres. Fotografía: Alex Catalán. Música: Alberto Iglesias. Montaje: Ángel Hernández Zoido. Intérpretes: Luis Tosar, Gael García Bernal, Karra Elejalde, Juan Carlos Aduviri, Raúl Arévalo, Cassandra Ciangherotti, Carlos Santos, Dani Currás. Duración: 104 minutos. Formato: DVD. 16 Mayo 2015
Cine Conversa
Homenaje a FERNANDA MONTENEGRO Con la colaboración del Instituto Brasil – Venezuela
“Mulher é muito mais que companhia É mais que ser sujeito ou objeto É mais que ser amor e alegria Estrela Montenegro do universo” Mulher da vida (Milton do Nascimento), canción inspirada en Fernanda Montenegro
Uno de los nombres más sonados de las producciones artísticas en el vecino Brasil es el de Fernanda Montenegro; y no es para menos, ya que esta artista conquistó como ninguna los espacios de la radio, el teatro, el cine y la televisión, al punto de ganarse los título de «Primera Dama del Teatro de Brasil» y «Primera Dama de la Televisión de Brasil», entre muchos otros honores a lo largo de su fructífera carrera. Nacida como Arlette Pinheiro Esteves Silva un 16 de octubre de 1929 en Rio de Janeiro, hija de un obrero y un ama de casa; esta artista debutó en el campo de la actuación a sus 16 años, cuando se inscribió en un concurso como locutora radial para el Ministerio de la Educación y Cultura. Trabajó en esta área por diez años, adaptando y traduciendo diversas obras al portugués, hasta que incursionó en las tablas con un grupo de teatro aficionado en 1950 para la puesta en escena de Alegres Canciones de las Montañas (Alegres Canções nas Montanhas) en la que conoció al también intérprete Fernando Torres (1927-2008), con quien se casó cuatro años más tarde. Al mismo tiempo, Arlette se creó el pseudónimo Fernanda Montenegro: el primer nombre por cómo sonaba y el apellido por un médico de su familia. En 1951 dio sus primeros pasos en la pantalla chica al trabajar en TV Tupi, la segunda estación de televisión creada en Latinoamérica, adaptando obras teatrales en este nuevo formato, lo que la consagró como una pionera dentro del ámbito artístico de Brasil. En 1959 dejó el Teatro Brasileiro de Comedia tras cinco años de actuar en éste. Por ese tiempo, fundó con su marido y otros intérpretes la compañía Teatro dos Sete en Rio. Algunas de las obras que Fernanda
ESTACIÓN CENTRAL Central do Brasil, Brasil, 1998 En los asfixiantes pasillos de la Estación Central, en Río de Janeiro, una antigua maestra se gana la vida escribiendo las cartas que le dictan los analfabetos. Endurecida por la soledad y por la adversidad, Dora ha ido cayendo en una estoica indiferencia. Sin embargo, cuando una de sus clientes muere atropellada a la salida de la estación, decide hacerse cargo de su hijo y llevarlo a casa de su padre en una remota zona del nordeste de Brasil. Dirección: Walter Salles. Guion: João Emanuel Carneiro, Marcos Bernstein, Walter Salles (obra original). Producción: Arthur Cohn, Martine de Clermont-Tonnerre. Fotografía: Walter Carvalho. Música: Antonio Pinto, Jaques Morelenbaum. Montaje: Felipe Lacerda. Intérpretes: Fernanda Montenegro, Vinicius de Oliveira, Marilia Pêra, Soia Lira, Othon Bastos, Otávio Augusto, Stela Freitas, Caio Junqueira, Matheus Nachtergaele. Duración: 115 minutos. Formato: DVD. Mayo 2015
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realizó durante este período fueron La pulga en la oreja (La Puce à l’oreille, 1907) de Georges Feydeau, La investigación (Die Ermittlung, 1965) de Peter Weiss, Plaza Suite (1968) de Neil Simon, La gaviota (Chayka, 1896) de Anton Chéjov, y piezas de teatro brasileñas. A principios de la década de los 60, Montenegro se mudó a Sao Paulo con su familia. En 1963 participó en Poco amor no es amor (Pouco Amor Não É Amor), la primera de muchas telenovelas que conformaron su carrera en televisión. Es importante mencionar que por su larga trayectoria en las muchas novelas producidas en Brasil, Fernanda ha sido premiada por sus notables logros a lo largo de su carrera en la pantalla chica, valiendo destacar cuatro galardones por Mejor Actriz Televisiva de la Asociación Paulista de Críticos de Arte (Associação Paulista de Críticos de Artes, APCA) en 1979, 1982, 1983 y 2001; así como un reconocimiento a Mejor Actriz en los Premios Contigo también en 2001; y un premio Emmy Internacional por Mejor Actriz en 2013. Aunque el primer trabajo de Fernanda para la gran pantalla fue una labor de doblaje para la cinta Manos sangrientas (Mãos Sangrentas, 1955) de Carlos Hugo Christensen, la película que le dio un nombre y un lugar en el cine fue La Fallecida (A Falecida, 1955) de Leon Hirszman, basada en la obra homónima de Nélson Rodrigues. Tratándose de su primer papel principal, La Fallecida le valió a Montenegro muchos elogios de la crítica, así como el Trofeo Candango por Mejor Actriz en el Festival de Brasilia del Cine Brasileño. Aunque su trabajo cinematográfico fue poco llamativo durante las siguientes dos décadas en contraste con sus apariciones en telenovelas, vale la pena mencionar Todo está bien (Tudo Bem, 1978) de Arnaldo Jabor; Ellos no usan Black Tie (Eles Não Usam Black-Tie, 1981) de Hirszman y basada en la obra homónima de Gianfrancesco Guarnieri, que obtuvo el Primer Premio Gran Coral en el Festival de Cine de La Habana, así como el Premio del Jurado y el FIPRESCI en el Festival de Cine de Venecia; La hora de la estrella (A Hora da Estrela, 1985) de EL ACTO DE LA MISERICORDIA O auto da Compadecida, Brasil, 2000 En el pueblo de Taperoá, en el interior del estado de Paraíba, João Grilo y Chicó, dos tipos muy pobres del nordeste de Brasil, van por las calles anunciando «La Pasión de Cristo», la mejor película del mundo. La sesión obtiene éxito, ellos ganan un poco de dinero, pero sigue la lucha por la supervivencia. João Grilo y Chicó preparan innúmeros planes para conseguirse algún dinero. Surgen nuevos desafíos, provocando aún más confusiones armadas por la astucia de João Grilo, siempre junto a Chicó. Dirección: Guel Arraes. Guion: Adriana Falcão, Guel Arraes, João Falcão, Ariano Suassuna (obra original). Producción: André Cômodo. Fotografía: Felix Monti. Música: Grupo Sá Grama, Sérgio Campelo. Montaje: Ubiraci de Motta, Paulo Henrique Farias. Intérpretes: Matheus Nachtergaele, Selton Mello, Rogério Cardoso, Fernanda Montenegro, Denise Fraga, Diogo Vilela, Luís Melo, Virginia Cavendish. Duración: 104 minutos. Formato: DVD. 18 Mayo 2015
Homenaje
Suzana Amaral, galardonada con un total de 10 premios en tres festivales dentro y fuera de Brasil; un segmento en la cinta Canción de amor en Rio (Veja Esta Canção, 1994) de Carlos «Cacá» Diegues; y un papel menor en Cuatro días de septiembre (O que isso, companheiro?, 1997) de Bruno Barreto, basada en los hechos acaecidos en 1969 con el secuestro del embajador Charles Burke Elbrick. Sin embargo, la cinta que convirtió a Fernanda Montenegro en una gran figura no solo del espacio cultural brasileño sino de Latinoamérica fue Estación central (Central do Brasil, 1998) de Walter Salles, en la que interpretó a una antigua profesora desencantada con la vida que conoce y entabla amistad con un huérfano, ayudándolo a encontrar a su familia. Estación central ganó una significativa cantidad de reconocimientos nacionales e internacionales, incluyendo un Oso de Plata por Mejor Actriz en el Festival de Cine de Berlín, un premio por Mejor Película en los Golden Satellite Awards, un BAFTA por Mejor Película de habla no inglesa, un premio por Mejor Película Extranjera en los Globos de Oro, tres galardones de la APCA incluyendo Mejor Actriz y Mejor Director, y hasta una nominación para Fernanda a Mejor Actriz en los premios Oscar, siendo la primera intérprete latinoamericana en ser nominada para este galardón. Después del éxito arrasador de Estación central, Montenegro participó en el largometraje Gemelas (Gêmeas, 1999) de Andrucha Waddington, al lado de su hija la actriz Fernanda Torres, obteniendo nuevamente un Trofeo Candango por Mejor Actriz en el Festival de Brasilia del Cine Brasileño, y una nominación al Gran Premio del Cine Brasileño (Grande Prêmio do Cinema Brasileiro). Ese mismo año, recibió la Gran Cruz del Orden Nacional de Mérito «como reconocimiento al trabajo sobresaliente en las artes brasileñas» por el entonces mandatario Fernando Henrique Cardoso. Para el 2000, la miniserie El acto de la misericordia (O auto da Compadecida) de Guel Arraes en la que Montenegro apareció como la Virgen María, fue adaptada a un largometraje del mismo nombre; la
REDENTOR Brasil, 2004 En Río de Janeiro, un reportero cree que ha recibido una misión de Dios: lograr que su amigo de la infancia, convertido en un corrupto contratista, se arrepienta de sus pecados y entregue toda su fortuna a los pobres. Dirección: Cláudio Torres. Guion: João Emanuel Carneiro, Elena Soarez, Cláudio Torres, Fernanda Torres. Producción: Leonardo Monteiro de Barros, Cláudio Torres. Fotografía: Ralph Strelow. Música: Luca Raele, Maurício Tagliari. Montaje: Vicente Kubrusly. Intérpretes: Pedro Cardoso, Miguel Falabella, Camila Pitanga, Jean Pierre Noher, Fernanda Montenegro. Duración: 110 minutos. Formato: DVD.
AL OTRO LADO DE LA CALLE O outro lado da rua, Brasil, 2004 Regina, una mujer solitaria de 65 años que colabora con la Policía de Copacabana como vigilante del barrio, cree haber sido testigo de un asesinato en el edificio que se levanta al otro lado de la calle. Regina termina involucrándose con el sospechoso en una cadena de sucesos potencialmente peligrosos que la obligarán a recapacitar sobre su propia vida de una forma que nunca hubiera podido imaginar. Dirección: Marcos Bernstein. Guion: Melanie Dimantas, Marcos Bernstein (obra original). Producción: Marcos Bernstein, Mariza Figueiredo, Katia Machado. Fotografía: Toca Seabra. Música: Guilherme Bernstein Seixas. Montaje: Marcelo Moraes. Intérpretes: Fernanda Montenegro, Raul Cortez, Laura Cardoso, Miguel Lunardi, Luiz Carlos Persy, Caio Ramos, Eliana César. Duración: 97 minutos. Formato: DVD. Homenaje
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cinta obtuvo cuatro laureles al Gran Premio del Cine Brasileño, además de una acogida positiva en el público nacional. 2004 resultó un año colmado de triunfos para Fernanda, quien obtuvo nuevamente notoriedad internacional con Al otro lado de la calle (O Outro Lado da Rua, 2004) de Marcos Bernstein, con la que ganó un Premio Horizonte en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, uno a Mejor Actriz en el Festival de Cine de Tribeca, y uno en el mismo rubro para el Gran Premio del Cine Brasileño; Redentor (2004) de su hijo Cláudio Torres que obtuvo nueve nominaciones para el Gran Premio del Cine Brasileño; y Olga (2004) sobre la vida de la revolucionaria Olga Benário, que fue una de las opciones de Brasil para presentar en los premios Oscar como Mejor Película Extranjera. En 2005, Montenegro trabajó nuevamente con Andrucha Waddington y con su hija en el filme Casa de arena (Casa de areia, 2005) que consiguió catorce nominaciones (doce para el Gran Premio del Cine Brasileño y dos para los Satellite Awards) y un premio Alfred P. Sloan en el Festival de Cine de Sundance. En 2007, el mismo año en el que participó en El amor en los tiempos del cólera (Love in the Time of Cholera, Mike Newell, 2007) basada en la novela homónima del escritor colombiano Gabriel García Márquez, Fernanda recibió un Premio Honorario en el Festival Internacional de Cine de Rio de Janeiro. Sus trabajos más recientes fueron el cortometraje A Dama do Estácio (2012) de Edward Ades, la adaptación filmográfica de la novela El tiempo y el viento (O Tempo e o Vento, 2013) de Erico Verissimo por Jayme Monjardin, y Buena suerte (Boa Sorte, 2014) de Carolina Jabor. Nos complacemos en presentar una muestra que homenajea la vasta carrera de esta gran dama del séptimo arte, gracias a la distinguida colaboración del Instituto Brasil-Venezuela. “La cultura es, por sobre todas las cosas, una necesidad social. No una frivolidad” Fernanda Montenegro
OLGA Brasil, 2004 Biografía sobre la vida de Olga Bénario, revolucionaria judía, alemana y comunista, quien llegó a Brasil en 1935, acompañando al histórico líder del comunismo de Brasil, Luís Carlos Prestes, para cuidar de su seguridad. Pero ella se transformaría en algo más que una simple guardaespaldas para Prestes. Dirección: Jayme Monjardim. Guion: Rita Buzzar, Fernando Morais (obra original). Producción: Caru Alves de Souza, Tata Amaral. Fotografía: Ricardo Della Rosa. Música: Marcus Viana. Montaje: Pedro Amorim, Beat Morell. Intérpretes: Camila Morgado, Caco Ciocler, Fernanda Montenegro, Mariana Lima, Renata Jession, Osmar Prado, Luis Mello. Duración: 141 minutos. Formato: DVD.
CASA DE ARENA Casa de areia, Brasil, 2005 En 1910, una joven llega a las dunas del estado brasileño de Maranhão por un deseo alucinado de su esposo. Está embarazada, y en el viaje va acompañada de su madre. La vida es dura pero terminan arraigándose en su nueva vida. Tres generaciones de mujeres y sus diversas vivencias. Dirección: Andrucha Waddington. Guion: Elena Soarez. Producción: Pedro Buarque de Hollanda. Fotografía: Ricardo Della Rosa. Música: João Barone, Carlo Bartolini. Montaje: Sérgio Mekler. Intérpretes: Fernanda Montenegro, Fernanda Torres, Ruy Guerra, Seu Jorge, Luiz Melodia, Enrique Díaz, Stenio García, Emiliano Queiroz. Duración: 103 minutos. Formato: DVD. 20 Mayo 2015
Homenaje
Otro Mundo es Posible DÍA DE LA AFROVENEZOLANIDAD: LA ESCLAVITUD EN EL CINE El diccionario de la Real Academia Española define el término «esclavitud» como: la sujeción excesiva a la que se ve sometida una persona a otra, a un trabajo o a una obligación. Tratándose de una de las prácticas más antiguas y más rentables de la Humanidad durante siglos, no es de extrañar que en la historia de cada civilización se encuentren evidencias de esclavitud, comúnmente de etnias consideradas «inferiores» a la dominante en un determinado lugar. Posiblemente, la forma de esclavitud más conocida por el ciudadano moderno sea aquella en la que millones de hombres, mujeres y niños de color fueron extraídos a la fuerza de regiones africanas, a las colonias europeas en el continente americano, o bien en regiones específicas del Viejo Mundo, en las que el clima les permitiese realizar labores agrícolas, artesanales, domésticas y de construcción. La esclavitud ha sido y sigue siendo uno de los tópicos más polémicos y a la vez más significativos de tratar en la ficción, más aún en áreas como la literatura o el cine por los elementos que conlleva, además de la falta de ética que ésta constituye en sí misma: las tensiones étnicas-raciales que resuenan aún en el presente siglo, el cuestionamiento ante los sistemas socioeconómicos aplicados en las naciones de Occidente, las implantaciones de leyes y medios laborales que benefician o excluyen a los individuos de grupos específicos (como fue el caso de las Leyes Jim Crow en Estados Unidos, desde el final de la Guerra Civil hasta los años 60) y las versiones de determinados eventos y personas asociados a un período de esclavitud que pudieran resultar insuficientes, irreales o hasta peyorativas, entre muchos otros más. Al respecto, dice el profesor Alberto Prieto, catedrático de Historia Antigua de la Universidad Autónoma de Barcelona (España) en su ensayo El esclavismo en el cine que: Mayo 2015
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Desde el siglo XVIII existía una amplia literatura de relatos de esclavos, que incluso fue englobada en un género propio con el título de relatos de esclavos, […] que seguía una pauta común: comenzaba con los orígenes del autor, su largo y heroico viaje de la esclavitud a la libertad, y concluía con su posterior dedicación intensa a los principios abolicionistas.
Esta misma intención abolicionista impregnó algunas de las novelas del siglo pasado como La cabaña del tío Tom (Harriet Beecher Stowe, 1852) en la que, de una forma cercana a la defensa paternalista del buen salvaje, se pedía el fin de la esclavitud. Justamente esta actitud paternalista resultó en la creación de muchas representaciones negativas, aunque no necesariamente mal intencionadas, arquetípicas de los negros que en resumidas cuentas, los mostraban como seres irresponsables e inestables que solo podían alcanzar el orden mediante un blanco que los sometiera; por lo que estas formas de presentar a las personas de color son consideradas racistas para gran parte de las comunidades afrodescendientes en todo el globo, sobre todo en los Estados Unidos, de donde vienen la mayor parte de las películas que representan el período de esclavitud y sus muchos eventos. Ejemplos notables de estos estereotipos perniciosos se pueden ver en la controversial película El nacimiento de una nación (Birth of a Nation, 1915) de David Wark Griffith, en la que se pudieron observar arquetipos racistas (representado tanto por actores blancos pintados como por actores negros) y la representación positiva de la esclavitud según los preceptos sostenidos por los Sudistas, quienes la defendían como un medio para alcanzar una forma de «democracia» similar a la usada por los atenienses en la antigua Grecia, es decir, que era necesaria la presencia de un grupo que realizara las labores más duras para que así otro grupo tuviera tiempo y libertad suficientes como para desempeñarse en campos más inclinados al pensamiento. Esta justificación de la esclavitud también se presenta en la cinta cubana La última cena (1976) de Tomas Gutiérrez Alea, pero con un giro: en un intento por justificar la necesidad de la esclavitud, un conde acaba por cometer atrocidades hacia sus esclavos; mostrando así que al defender una institución fundamentada en el sometimiento de otro, solo puede llegarse a la barbarie.
22 Mayo 2015
Otro Mundo es Posible
LA ÚLTIMA CENA Cuba, 1976 En el siglo XVIII la aristocracia cubana se concebía a sí misma como patricia, aureolada por ejercer «un esclavismo benévolo», aparentemente menos cruel que el de otros países cercanos. Un conde se tomó demasiado en serio ese predicado y sustituyó a Cristo para «humillarse ante sus siervos» en una Semana Santa que le acarreó algunos quebraderos de cabeza y puso de estandarte los de los supuestos apóstoles, escogidos entre la dotación de su plantación cañera. Dirección: Tomás Gutiérrez Alea. Guion: Tomás González, María Eugenia Haya, Tomás Gutiérrez Alea, Manuel Moreno Fraginals (obra original). Producción: Santiago Llapur, Camilo Vives. Sonido: Germinal Hernández. Fotografía: Mario García Joya. Música: Leo Brouwer. Montaje: Nelson Rodríguez. Intérpretes: Nelson Villagra, Mario Balmaseda, José Antonio Rodríguez, Silvano Rey, Luis A. García, Samuel Claxton. Duración: 120 minutos. Formato: DVD.
Por décadas, las representaciones de la esclavitud y los afrodescendientes en general en la pantalla grande se mantuvieron relegadas a estos estereotipos aparentemente «inofensivos», al tiempo que se buscó denunciar la crueldad a la que fueron sometidos los esclavos y las dificultades de los afrodescendientes (y otras etnias) con la segregación racial; mientras se eludía el porqué de la esclavitud y la segregación mismas como sistemas. Queimada (1969) de Gillo Pontecorvo planteó esta incógnita de forma genial, al exponer la misión de un agente de la Corona Británica quien busca detonar una revuelta entre los esclavos de una isla colonizada por los portugueses, con el fin de que Inglaterra tome el control de las siembras azucareras. Queimada puso en tela de juicio ese tópico que casi todas las cintas de ficción evadieron por décadas: no es justo el trato opresor que se dio a los esclavos, pero era necesario que se mantuvieran como tal para mantener a estados con sistemas económicos previos a la llegada de la industrialización. Cuando las fábricas y los empleos con máquinas ganaron terreno en los países, apareció lo que se denomina «esclavitud contemporánea», donde esos individuos destinados a trabajar en los campos o en las construcciones pasaron a ser empleados domésticos, pero el ambiente de discriminación y abusos se conservó igual a pesar de todo, reverberando en nuevas generaciones de hombres y mujeres cuyos ancestros pelearon por tener libertad e igualdad de derechos, sólo para seguir sufriendo las mismas vejaciones sin justificación alguna. Una demostración reciente de este caso de «esclavitud contemporánea» está en Criadas y señoras (The Help, 2011) de Tate Taylor, apropiadamente recreada en la década de los 60, con la lucha por los derechos civiles en pleno auge. Criadas y señoras muestra a un grupo de empleadas domésticas afrodescendientes quienes tienen la oportunidad de hacer oír sus voces, y revelar la realidad de un pueblo sureño en el que se mantiene la tradición del apartamiento étnico y racial.
AMISTAD Estados Unidos, 1997 Una noche del verano de 1839, cincuenta y tres esclavos negros que viajaban a bordo del navío «La Amistad» se amotinaron y tomaron el control del barco frente a las costas de Cuba. Fracasado su intento de regresar a África, fueron detenidos por tropas americanas y se encontraron en un país extraño y a merced de un sistema judicial que les era ajeno. Dirección: Steven Spielberg. Guion: David Franzoni. Producción: Debbie Allen, Steven Spielberg, Colin Wilson. Fotografía: Janusz Kamiński. Música: John Williams. Montaje: Michael Kahn. Intérpretes: Matthew McConaughey, Djimon Hounsou, Morgan Freeman, Anthony Hopkins, Pete Postlethwaite, Chiwetel Ejiofor, Stellan Skarsgård, Nigel Hawthorne. Duración: 157 minutos. Formato: DVD.
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La lucha por los derechos civiles, las guerras de independencia en antiguas colonias europeas de África y América, así como los subsiguientes cambios legales y sociales que ocurrieron en el mundo a partir de los años sesenta, permitieron entonces que no solamente se pudiera tocar el tema de la esclavitud en una forma más profunda, sino que muchas veces esta examinación viniera de escritores y cineastas afrodescendientes, como fue el caso de la miniserie Raíces (Roots, 1977) de Alex Haley, basada en su novela homónima (Roots: the Saga of An American Family, 1976). Raíces supuso la revisión histórica de una familia completa de afroamericanos, en una exploración que parte desde el esclavo Kunta Kinte (1750-1822) hasta el mismo Haley. El impacto y éxito de la serie inspiró a muchos estadounidenses afrodescendientes a conocer más de cerca su historia personal y abrazar sus raíces africanas. Conmemorando el Día de la Afrovenezolanidad, fecha en la que se rinde homenaje a las luchas realizadas por aquellos ciudadanos afrodescendientes que forman parte de nuestra población multirracial, multicultural y pluricultural; se presentará a la audiencia de cinco películas que tratan el tema de la esclavitud, permitiéndonos así reflexionar sobre una de las instituciones más barbáricas, más controversiales y, sin embargo, más significativas de la historia de la Humanidad hasta la actualidad, pues aún sus motivos y prácticas están presentes, en mayor o menor medida, en nuestras sociedades.
CRIADAS Y SEÑORAS The Help, Estados Unidos, 2011 En el Mississippi de los años 60, Skeeter es una joven blanca que regresa de la universidad decidida a convertirse en escritora. Su llegada altera la vida de la ciudad e incluso la de sus amigos porque se ha propuesto entrevistar a las mujeres que como criadas se han pasado la vida al servicio de las grandes familias blancas sufriendo todas las formas de discriminación racial posible.
AZÚ, ALMA DE PRINCESA Venezuela, 2013 1780. Un grupo de esclavos huyen de una hacienda de caña de azúcar, en busca de un cumbe. Ellos son perseguidos por Don Manuel Aguirre, un hacendado que se obsesiona ciegamente por Azú, la única mujer que integra el grupo de fugados, una hermosa esclava con un destino ancestral. Dirección: Luis Alberto Lamata. Guión: Darío Soto, Luis Alberto Lamata. Producción ejecutiva: Fundación Villa del Cine. Producción general: Orlando Rosales. Sonido: Mario Nazoa. Fotografía: José González. Montaje: Jonathan Pellicer.
Dirección: Tate Taylor. Guion: Tate Taylor, Kathryn Stockett (obra original).
Intérpretes: Flora Silvestre,
Producción: Chris Columbus, Michael Barnathan, Brunson Green.
Juvel Vielma, Maryelis Rivas,
Fotografía: Stephen Goldblatt. Música: Thomas Newman. Montaje:
Pedro Durán, Fredy Aquino, Antonio
Hughes Winborne. Intérpretes: Emma Stone, Viola Davis, Bryce Dallas
Machuca, Fermín Reyna, Nelson
Howard, Sissy Spacek, Octavia Spencer, Jessica Chastain, Ahna O’Reilly,
Gómez. Duración: 90 minutos.
Allison Janney. Duración: 146 minutos. Formato: DVD.
Formato: 35 mm y DVD.
24 Mayo 2015
Otro Mundo es Posible
TULA: LA REVUELTA Tula: The Revolt, Países bajos, 2013 Tula fue un esclavo de la entonces colonia holandesa del Curazao de 1795, un hombre que se atrevió a levantarse contra sus opresores y conducir a su pueblo en una marcha pacífica por la libertad, la igualdad y la fraternidad. Dirección: Jeroen Leinders. Guion: Curtis Holt Hawkins, Jeroen Leinders. Producción: Gabri Christa, David Higginson, Jeroen Leinders, Ronald Nije. Fotografía: Dolph Van Stapele. Música: Guy Farley. Montaje: Herman P. Koerts. Intérpretes: Oni Abili, Jeroen Krabbé, Danny Glover, Jeroen Willems, Derek de Lint, Natalie Simpson, Paul Bazely. Duración: 98 minutos. Formato: DVD. Otro Mundo es Posible
Mayo 2015
25
Zona Cinemateca
ESTRENAR EL CINE NACIONAL La programación-exhibición en la Fundación Cinemateca Nacional incluye la sección denominada Estrenar el Cine Nacional, en ella se ubican las películas venezolanas que por su temática, duración y/o modalidad no tienen cabida en los circuitos comerciales del país o aquellas que por iniciativa de sus autoras o autores logran su inclusión en la programación de nuestras redes nacionales de salas. Son películas que encuentran presencia en la revista Programación de la FCN, publicación mensual que ya alcanza los 285 números y que supera los 23 años de existencia; y en las publicaciones denominadas Filmografía Venezolana también de la FCN, de las cuales ya contamos con las referentes a los períodos 1897-1938, 1973-1999 (largometrajes) y 1939-1953. Estrenar el Cine Nacional trasciende la programaciónexhibición, es nuestro deber investigar y documentar. La recolección y el procesamiento de la información es minuciosa. Ofrecer la información sistematizada, es una forma de preservación de la memoria cinematográfica del país, orientadora no sólo sobre lo que se produce, lo es también sobre las tendencias de esa producción. En este espacio concurren la ficción y el documental, el cine animado y el experimental, las y los realizadores experimentados, así como las y los noveles, las primeras experiencias y obras que dan testimonio de la depuración de los estilos autorales. Las duraciones de las películas abarcan el más amplio de los espectros, desde 2 hasta 105 minutos, es un cine que no se somete a los estándares comerciales. En Estrenar el Cine Nacional convergen el concepto del cine como derecho cultural de la humanidad, los preceptos constitucionales y la normativa legal. «La creación cultural es libre. Esta libertad comprende el derecho a la inversión, producción y divulgación de la obra creativa, científica, tecnológica y humanística...»; «El Estado garantizará la emisión, recepción y circulación de la información cultural», son extractos de los artículos 98 y 101, respectivamente, de la Constitución 26 Mayo 2015
de la República Bolivariana de Venezuela. Del artículo 28 (Cinematografía Nacional) de la Ley Orgánica de la Cultura, podemos extraer: «El ministerio del poder popular con competencia en materia de cultura, desarrollará y fomentará la actividad cinematográfica nacional y las obras cinematográficas...», mientras que la Ley de la Cinematografía Nacional sostiene en su artículo 2: «La cinematografía nacional comprende todas aquellas actividades vinculadas con la producción, realización, distribución, exhibición y difusión de obras cinematográficas en el territorio nacional…»; al mismo tiempo, es oportuno citar el enunciado del artículo 3 y sus numerales 2 y 3, a saber; «Los organismos del sector público nacional y del sector privado deberán instrumentar políticas y acciones que coadyuven a la consecución de los siguientes objetivos: 2 La libre circulación de las obras cinematográficas, y 3 La producción, distribución, exhibición y difusión de obras cinematográficas nacionales». En tanto que el artículo
Estrenos por categoría en la red de Salas Regionales de la FCN (2006-2015) Animación: 14
Experimental: 3
Ficción: 79
Documental: 116
18 reza: «Se declaran de interés público y social los servicios y actividades de difusión cultural cinematográfica». En el segundo objetivo histórico del Plan de la Patria, se reconoce como necesidad básica para la vida de nuestro pueblo el acceso a la cultura. Con Estrenar el Cine Nacional la Fundación Cinemateca Nacional tributa a la concreción de lo antes expuesto, se trasciende la letra con la acción específica. Derivado de búsquedas de información preliminar, encontramos en nuestra base de datos que la primera película registrada como Estreno Nacional es Viva el color de Luis Alfredo Sánchez, un 15 de febrero de 1979, hace 36 años, y de lo cual se tiene evidencia por la hoja multigrafiada que distribuía la Cinemateca Nacional para la fecha. Una vez convertidos en fundación, los registros consultados hasta ahora arrojan que el 4 de octubre de 1991 se hizo el primer estreno de un largometraje nacional de ficción en la Fundación Cinemateca Nacional, siendo este Disparen a matar, de Carlos Azpúrua, en tanto que el 27 de enero de 1992 se registra el Pre-estreno de Tierna es la noche de Leonardo Henríquez. Podemos evidenciar cuan larga es la data de Estrenar el Cine Nacional, así como también que tanto antes como ahora hemos estrenado cine nacional fuera de este espacio. Sin embargo, hoy queremos concentrarnos en esa sección de nuestra programación que además logra una amplia asistencia de las y los amantes del cine nacional.
Un primer e insuficiente análisis de lo actuado con Estrenar el Cine Nacional en el período que abarca desde febrero de 2006 con el documental de 12 minutos Al otro lado del mar de Patricia Ortega hasta el cortometraje de ficción En la oscuridad de Carlos Rojas en abril 2015, puede dar luces sobre lo aquí tratado. En ese lapso van 212 obras cinematográficas nacionales, de las cuales 115 son documentales, lo cual representa el 54% del total; 79 son catalogadas como de ficción, es decir, 37%, cabe destacar que el resto se distribuye así: 11 son de animación (5%) y 3 representan el cine experimental (1%). En cuanto a las duraciones, el cual es un dato que puede resultar interesante, podemos señalar que con hasta 12 minutos, en el lapso señalado, tenemos 44 películas equivalentes al 20%; de 12 a 30 minutos son 76 (36%); de 31 a 70 minutos se registran 48 (23%) y de 70 minutos en adelante son 32 (15%)· Todas estas películas cumplen con los requisitos que establece la Ley de la Cinematografía Nacional vigente, en su artículo 42 para ser obras cinematográficas nacionales. Además, con la anterior clasificación por duración podemos establecer que Estrenar el Cine Nacional en el lapso febrero 2006-abril 2015, ha contado con 120 cortometrajes, de los cuales 44 pueden ser objeto de lo previsto en el artículo 27 de la Ley de Cinematografía que dice «Los exhibidores deberán proyectar en todas sus salas cortometrajes de estreno...», 48 largometrajes y 32 largometrajes.
Número de películas estrenadas por año en el espacio Estrenar el Cine Nacional (2006-2015) Estrenos
Año
2006
2007
2008
2009
2010
2011
2012
2013
2014
Cantidad
2006
9
2007
33
2008
24
2009
41
2010
26
2011
30
2012
19
2013
13
2014
11
2015
6
2015 Zona Cinemateca
Mayo 2015
27
Cantidad de estrenos por metraje (2006 - 2015)
200 180 160 140 120 100 80
Metraje
60 40
Metraje Cantidad
20
Medio
52
Corto
124
Largo
0 Largo
Medio
En relación a las temáticas desarrolladas, estas abarcan un amplio espectro, el cine político, el de inspiración netamente artística, la comedia, el drama, el cine social, el de difusión cultural, el de investigación antropológica, la ciencia ficción, el cine local, popular e independiente y un largo etcétera, muy representativo de la diversidad y el auge del cine venezolano en tiempos de revolución. Si variadas son las temáticas, las modalidades y las duraciones, también podemos reseñar que la presencia de las y los realizadores es amplia e incluyente, 54 películas han sido realizadas por mujeres, 8 por parejas mujerhombre o colectivos y el resto (150) por hombres. Finalmente cabe destacar algunos nombres. El espacio disponible no es suficiente para reseñarlos a todos. Sin embargo, bien vale citar a algunos por su significado en el cine y/o porque comenzaron su trayectoria en Estrenar el Cine Nacional como Patricia Ortega, Jean Charles L´Ami, Manuela Blanco, Stella Jacobs, Marc Villá, Sergio Marcano, Clarissa Duque, Carlos Gómez de la Espriella, Ignacio Márquez, Miguel Guedez, Gabriela Fuentes, Javier Castro, Carlos Márquez, Alejandro Hidalgo, Alejandra Henao y Julian Balam; y quienes con su experiencia le han consagrado un lugar destacado en 28 Mayo 2015
Zona Cinemateca
36
Corto
la exhibición y difusión del cine venezolano al espacio Estrenar el Cine Nacional: John Petrizzelli, Andrés Agustí, Lucia Lamanna, Carlos Azpúrua, Joaquín Cortés, César Cortez, Liliane Blaser, Carlos Brito. Para celebrar su 49 aniversario, la Fundación Cinemateca Nacional ha decidido programar y exhibir como muestra principal de mayo 2015 una selección de obras presentadas en nuestra sección Estrenar el Cine Nacional, cuyo criterio básico para la escogencia son películas que se han estrenado en ese espacio y cuyas directoras y directores tienen la mayor frecuencia en esta clase de estrenos. Estrenar el Cine Nacional forma parte del quehacer natural de la Fundación Cinemateca Nacional y constituye una tribuna plausible para la polémica constructiva en torno a temas relacionados con lo que significa el estreno no comercial de obras cinematográficas nacionales. Xavier Sarabia Mariche Presidente Fundación Cinemateca Nacional
Retrospectiva CENTENARIO DE ORSON WELLES Una gran leyenda del cine En la industria del cine se tiende a poner en pedestales a cualquiera; prueba de ello son las constantes listas de «los 100 mejores» creadas de tanto en tanto para rendir un digno homenaje a obras y figuras que cambiaron la historia del séptimo arte, como para retroalimentar las continuas banalidades en el ámbito de la farándula. Sin embargo, y a pesar del paso del tiempo, hay una figura que permanece constante en las compilaciones de mejores películas, en las referencias de grandes directores, en los anales históricos del teatro, de la radio, de los medios y del cine mismo. Un hombre que con su voz, su versatilidad, su entrega y su capacidad para explorar al máximo cualquier obra, revolucionó las artes en el pasado siglo XX. Un director, un actor, un escritor, que marcó la pauta para hacer películas como ningún otro. Ese hombre, ese artista, ese genio fue Orson Welles. George Orson Welles vino al mundo un 6 mayo de 1915, en Kenosha, Wisconsin. Hijo de un empresario e inventor y de una pianista y antigua sufragista, contó con el ambiente ideal para desarrollar su genio, pues sus padres le educaron desde muy temprana edad en las áreas de la música, la literatura, la pintura, el dibujo, entre otras más. La separación de sus padres de 1921 hizo que su progenitora se enfocara en despuntar aún más la capacidad del pequeño Orson, y gracias a la intervención del médico familiar Maurice Bernstein, éste conoció el amor a las tablas, un acto que le salvó de perder su poder creativo tras la muerte de su madre en 1924 y lo llevó a mostrar su precocidad, llegando a dirigir y actuar (una dualidad más que común en su carrera) por primera vez a los diez años de edad. Su hambre creativa y admiración por el dramaturgo inglés William Shakespeare lo llevó a incursionar en las tablas a sus 16 años en el Gate
CIUDADANO KANE Citizen Kane, Estados Unidos, 1941 Un magnate estadounidense, Charles Foster Kane, dueño de una importante cadena de periódicos, de una red de emisoras, de dos sindicatos y de una inimaginable colección de obras de arte, muere en Xanadú, su fabuloso castillo de estilo oriental. La última palabra que pronuncia antes de expirar es «Rosebud», cuyo significado es un enigma, que despierta una enorme curiosidad tanto en la prensa como entre la población. Así las cosas, un grupo de periodistas emprende una investigación para desentrañar el misterio, que nos permitirá conocer la particular vida de Kane. Dirección y producción: Orson Welles. Guion: Herman J. Mankiewicz, Orson Welles. Fotografía: Gregg Toland. Música: Bernard Herrmann. Montaje: Robert Wise. Intérpretes: Orson Welles, Joseph Cotton, Dorothy Comingore, Everett Sloane, Ray Collins, George Coulouris, Agnes Moorehead. Duración: 119 minutos. Formato: DVD. Mayo 2015
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Theatre de Irlanda, después a Nueva York para ingresar en la compañía de Katharine Cornell y de ahí a Broadway, volviéndose el empresario más joven para entonces con 22 años de edad. Obras clásicas brillaron bajo el mando de Welles, quien adaptó Macbeth al Haití del siglo XIX con un elenco afrodescendiente, representó Fausto en un escenario en penumbras, transformó una obra de Eugene Labiche en la farsa Horses eat Hats; todo en las tablas del Federal Theatre Project, un proyecto cultural para fundar no sólo el teatro, sino darle una voz a los intérpretes durante los duros años de la Gran Depresión. El poderío de la radio, el medio por excelencia para las masas antes de la dominancia del cine y la llegada de la televisión, fue descubierto gracias a Welles cuando fundó el Mercury Theatre con John Houseman en 1937. Aunque su primera producción fue una adaptación de Julio César, el Mercury Theatre tuvo su expresión máxima cuando Orson adaptó a la radio en 1938 La Guerra de los Mundos de H.G. Wells, un 30 de octubre cargado de infamia por el pánico que sembró en todo Estados Unidos, cuyos radio escuchas, que no oyeron la introducción de la obra, fueron presa del encantamiento de la poderosa voz de Welles y creyeron que una invasión marciana estaba ocurriendo en la región de Nueva Jersey. Las quejas subsecuentes y el pavor que persistió entre la gente por la adaptación radial de La guerra de los mundos pusieron a Orson Welles en el ojo del huracán y en el de los estudios cinematográficos. Reconociendo a un genio, la RKO Pictures le ofreció en 1939 un contrato para escribir, producir y dirigir dos largometrajes con plena libertad creativa. De las propuestas que Welles ofreció a RKO para un largometraje, aquella aprobada por el estudio fue Ciudadano Kane (Citizen Kane, 1941), un filme que hizo historia. Retomando la vida del empresario ficticio Charles Foster Kane, basado en el magnate de la prensa William Randolph Hearst, Welles innovó el séptimo arte a todo nivel con esta película, usando planos cinematográficos poco ortodoxos, valiéndose 30 Mayo 2015
Retrospectiva
EL CUARTO MANDAMIENTO The magnificent Ambersons, Estados Unidos, 1942 A finales del siglo XIX, la mansión Amberson es la más fastuosa de Indianápolis. Cuando su dueña, la bellísima Isabel, es humillada públicamente, aunque de forma involuntaria por su pretendiente Eugene Morgan, lo abandona y se casa con el torpe Wilbur Minafer. Su único hijo, el consentido George, crece lleno de arrogancia y prepotencia. Años más tarde, Eugene regresa a la ciudad con su hija Lucy, y George se enamora de ella. Dirección y producción: Orson Welles. Guion: Orson Welles, Booth Tarkington (obra original). Fotografía: Stanley Cortez. Montaje: Robert Wise. Intérpretes: Joseph Cotton, Dolores Costello, Anne Baxter, Tim Holt, Agnes Moorehead, Ray Collins, Erskine Sanford, Richard Bennett. Duración: 88 minutos. Formato: DVD.
de flashbacks al máximo para narrar la vida del protagonista, juegos de luces y sombras que ensalzaban los instantes más dramáticos, y usando una sobrecogedora banda sonora para ambientar escena tras escena mediante la entonces novedosa combinación de montaje y sonido. No en vano, y a pesar de la prensa negativa del mismo Hearst, Ciudadano Kane es considerada por muchos críticos, realizadores y espectadores como «la mejor película jamás realizada». Obtuvo nueve nominaciones a los premios Oscar pero ganó solamente Mejor Guion, y aunque el público perdió interés después de su estreno, este fue merecidamente recuperado en los años 50 hasta el presente. Decepcionado por la pobre recepción en taquilla, Welles se ocupó de dirigir su siguiente cinta El cuarto mandamiento, también conocida como Los magníficos Amberson (The Magnificent Ambersons, 1942) basada en la obra homónima de Booth Tarkington. Más de 40 minutos fueron editados de la versión original de Welles sin su consentimiento mientras estaba filmando un largo de docuficción en Suramérica. El director sintió que su obra había sido destruida, y su desencanto derivó en su eventual retiro del estudio. Antes de realizar su siguiente trabajo como director, Welles demostró sus dotes actorales en los filmes de otros directores. Notables fueron Estambul (Istambul, 1942) de Norman Foster, Alma rebelde (Jane Eyre, 1944) con Joan Fontaine y Duelo al sol (Duel in the Sun, 1946) de King Vidor, como el narrador. Las siguientes películas en que Orson realizó frente y detrás de las cámaras fueron El extraño (The Stranger, 1946), película de suspenso bélico que fue la primera en usar imágenes reales del Holocausto; la obra de cine negro La dama de Shanghai (The Lady from Shanghai, 1947) con su entonces esposa Rita Hayworth durante el proceso de divorcio de ambos; su loada adaptación de Macbeth (1948); y Otelo
LA DAMA DE SHANGHAI The Lady from Shanghai, Estados Unidos, 1947 Un trotamundos de origen irlandés llamado Michael O’Hara, que ha luchado en la Guerra Civil Española y que vive ahora de forma más apacible, es contratado para conducir un lujoso yate en un viaje de placer por el mar Caribe organizado por un prestigioso abogado criminalista y su bella mujer. Dirección y producción: Orson Welles. Guion: Orson Welles, William Castle, Charles Lederer, Fletcher Markle, Sherwood King (obra original). Fotografía: Charles Lawton Jr. Música: Heinz Roemheld. Montaje: Viola Lawrence. Intérpretes: Orson Welles, Rita Hayworth, Everett Sloane, Glenn Anders, Ted de Corsia, Erskine Sanford, Gus Schilling, Carl Frank. Duración: 92 minutos. Formato: DVD. Retrospectiva
Mayo 2015
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(Othello, 1952) que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes. Una notable actuación de Welles en una cinta que no resultó de su autoría fue en El tercer hombre (The Third Man, 1949) de Carol Reed. Metiéndose en la piel del fallecido Harry Lime, Welles llevó a cabo uno de los monólogos más increíbles en el cine, viendo al mundo desde lo alto de una rueda de la fortuna. Luego, Welles dirigió Mr Arkadin (1955) con una trama muy similar a la de Ciudadano Kane; Sed de mal (Touch of Evil, 1958) considerada como el último gran filme del Cine Negro y que sufrió una reedición a sus espaldas por Universal Studios, pero que fue parcialmente restaurada años después de su muerte gracias a su coestrella Charlton Heston quien conservó un guion original de la película que permitió su reedición según la visión de Orson; El proceso (The Trial, 1962), basada en la obra de Franz Kafka y ganadora del Premio de los Críticos a Mejor Película en 1964; Campanadas a medianoche (Chimes at Midnight, 1966), en la que mezcló elementos de Las alegres comadres de Windsor con Enrique V; Una historia inmortal (Une histoire inmortelle, 1968) con Jeanne Moreau, y el documental F de Falso (Vérites et Mensonges, 1974), la última película que pudo terminar antes de su deceso en 1985. Su versión de El Quijote (Quixote) fue completada por su amigo Jess Franco y estrenada en 1992. Creador infatigable, Orson Welles dejó para la posteridad 12 largometrajes, 14 cortometrajes cuatro series de televisión, varios filmes inconclusos, y más de 100 filmes y programas de televisión a los que prestó su actuación tanto física como su voz; es decir, un verdadero legado artístico. Es de interés mencionar que algunas de las creaciones de Welles se consideran perdidas por no existir copias de las mismas; pero todo su legado artístico es un tesoro esperando a ser descubierto por las nuevas generaciones. Para conmemorar el centenario de este ícono del cine mundial, presentamos una selección de películas protagonizadas y/o dirigidas por el escritor, el actor, el cineasta, el artista, el genio, el hombre: Orson Welles.
MACBETH Estados Unidos, 1948 Siglo XI. Tres brujas le auguran al caballero Macbeth que un día se sentará en el trono de Escocia. Alentado por su ambiciosa esposa y obsesionado con la profecía, Macbeth termina asesinando al Rey Duncan, apoderándose así de la regencia del país escocés. Poco a poco su reinado se verá salpicado por numerosos crímenes y sospechas. Dirección y producción: Orson Welles. Guion: Orson Welles, William Shakespeare (obra original). Producción: Orson Welles, Charles K. Feldman, Richard Wilson. Fotografía: John L. Russell. Música: Jacques Ibert. Montaje: Louis Lindsay. Intérpretes: Orson Welles, Jeanette Nolan, Dan O’Herlihy, Roddy McDowall, Edgar Barrier. Duración: 92 minutos. Formato: DVD.
32 Mayo 2015
Retrospectiva
SED DE MAL Touch of Evil, Estados Unidos, 1958 Un agente de la policía de narcóticos llega a la frontera mexicana con su esposa justo en el momento en que explota una bomba. Inmediatamente se hace cargo de la investigación contando con la colaboración de Quinlan, el jefe de la policía local, muy conocido en la zona por sus métodos expeditivos y poco ortodoxos. Una lucha feroz se desata entre los dos hombres, pues cada uno de ellos tiene pruebas contra el otro. Dirección: Orson Welles. Guion: Orson Welles, Paul Monash, Franklin Coen, Whit Masterson (obra original). Producción: Albert Zugsmith, Rick Schmidlin. Fotografía: Russell Metty, ASC. Música: Henry Mancini. Montaje: Aaron Stell. Intérpretes: Charlton Heston, Janet Leigh, Orson Welles, Marlene Dietrich, Joseph Calleia, Akim Tamiroff, Dennis Weaver. Duración: 95 minutos. Formato: DVD. Retrospectiva
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CAMPANADAS A MEDIANOCHE Chimes at Midnight, España-Estados Unidos, 1966 Luego de la muerte de Ricardo II en la Inglaterra del Siglo XV, se elige como sucesor del trono a Lord Bolinbroke, quien reinará con el nombre de Enrique IV. Testigo de este ascenso al poder es el particular John Falstaff, mentor del joven y despreocupado príncipe Hal, legítimo heredero al trono. Dirección: Orson Welles. Guion: Orson Welles, William Shakespeare y Raphael Holinshed (obras originales). Producción: Ángel Escolano, Emiliano Piedra, Harry Saltzman,
DON QUIJOTE Don Quixote, España- Estados Unidos- Italia, 1952-1992 La particular visión que Orson Welles tenía de España es recreada a través de los ojos de Don Quijote y Sancho, quienes viajan por la España de los sanfermines, las fiestas de moros y cristianos, la Semana Santa, entre otras celebraciones. Esta película fue filmada por Welles a lo largo de catorce años y murió sin haber podido terminar su montaje. El director Jess Franco, amigo de Welles desde el rodaje de Campanadas a medianoche buscó los materiales que estaban diseminados por medio mundo y en poder de diversas personas, entre ellas la segunda esposa de Welles, Suzann Clothier. Jess Franco ha hecho una gran labor de montaje siguiendo las propias indicaciones que dejó escritas el propio Welles.
Alessandro Tasca di Cuto. Fotografía: Edmond Richard.
Dirección: Orson Welles, Jesús Franco (Jess Franco). Guión: Orson
Música: Angelo Francesco Lavagnino.
Welles, Jesús Franco (Jess Franco), Miguel de Cervantes (obra original).
Montaje: Fritz Muller. Intérpretes:
Producción: Óscar Dancigers, Patxi Irigoyen. Fotografía: José G. Galisteo,
Orson Welles, Keith Baxter, John
Juan Manuel de la Chica, Edmond Richard, Jack Draper, Ricardo Navarrete,
Gielgud, Jeanne Moreau, Margaret
Manuel Mateos, Giorgio Tonti. Música: Daniel White. Montaje: Maurizio
Rutherford, Marina Vlady, Fernando
Lucidi, Renzo Lucidi, Peter Pareshelles, Irah Wohl, Alberto Valenzuela.
Rey. Duración: 119 minutos.
Intérpretes: Francisco Reiguera, Akim Tamiroff, Patricia McCormack,
Formato: DVD.
Orson Welles. Duración: 111 minutos. Formato: DVD.
34 Mayo 2015
Retrospectiva
Función Especial: 90 ANIVERSARIO DEL NATALICIO DE MALCOLM X Hace 90 años vino al mundo uno de los hombres más controvertidos en una de las épocas más tumultuosas del pasado siglo XX. Hace 90 años vino al mundo un hombre cuyo espíritu le valió tener no uno, ni dos, sino tres nombres por los que se condujo en el camino de la vida; pero la Historia siempre lo recordará como Malcolm X. Noventa años han pasado desde aquel 19 de mayo en el que conoció la luz el hijo del laico bautista que predicó el panafricanismo y el «poder negro», en un estado y en un país donde aquellos que no pertenecieran al conjunto caucásico anglosajón protestante, estaban relegados a ser ciudadanos de segunda. Noventa años han pasado de los 39 que vivió aquel hombre moldeado por la violencia y la segregación racial en su infancia y juventud. Noventa años de los 39 en los que un espíritu resignado a vivir en el margen de la sociedad descubrió la religión y la unidad étnica como medio para fortalecer a una comunidad oprimida y silenciada por siglos. Nueve décadas han pasado de casi cuatro en las que aquel individuo bautizado Malcolm Little dejó de ser pequeño y se dio el nuevo nombre de Malcolm X, en una sustitución simbólica por aquel apellido desconocido de sus antepasados africanos. Nueve décadas han pasado de casi cuatro en las que la voz más poderosa de la organización conocida como Nación del Islam, se convirtió en uno de los líderes más sonados y más controvertidos pero también más arraigados en la lucha por los Derechos Civiles de los afroamericanos. Mayo 2015
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Nueve décadas han pasado de casi cuatro en las que un hombre hizo que una comunidad entera se preguntara quiénes eran en realidad, cuál era su verdadera identidad antes de convertirse en los chivos expiatorios de una sociedad que pregonaba la libertad, la justicia y la democracia como sus fundamentos. Hace 90 años nació el fundador de la Organización de la Unidad Afroamericana (OAAU, por sus siglas en inglés), el activista por la solidaridad racial en todos los países con población de origen africano, el provocador, el conciliador, el hombre con muchas contradicciones pero con un solo deseo: el que todos los hombres y mujeres de color no solo gozaran de derechos, sino que pudieran reivindicarse tras siglos de explotación e ignominia. Para conmemorar los 90 años del natalicio de Malcolm X, ofrecemos a los concurrentes una función especial con el biopic Malcolm X (1992) del reconocido director Spike Lee, quien nos ofrece una mirada a uno de los hombres que definió la lucha social moderna en nuestro continente como ninguno.
MALCOLM X Estados Unidos, 1992 Malcolm Little (1925–1965) nació en Omaha, Nebraska. Su padre, ministro baptista, murió siendo él niño, y su madre acabó en un psiquiátrico cuando el Ku Klux Klan incendió su casa. Después de ser rechazado por el ejército, cayó en la delincuencia y fue a parar a la cárcel. Allí se convirtió al Islam y cambió radicalmente su vida, convirtiéndose pronto en un carismático líder del movimiento de liberación de la comunidad negra norteamericana. Dirección: Spike Lee. Guion: Spike Lee, Arnold Perl, Malcolm X y Alex Haley (obra original). Producción: Spike Lee, Marvin Worth. Fotografía: Ernest Dickerson. Música: Terence Blanchard. Montaje: Ernest Dickerson. Intérpretes: Denzel Washington, Angela Bassett, Albert Hall, Al Freeman Jr., Spike Lee, Lonette McKee, Delroy Lindo, Theresa Randle. Duración: 321 minutos. Formato: DVD.
36 Mayo 2015
Función Especial
Cines Nacionales CINE NEGRO Y POLICIAL ARGENTINO Con la colaboración de la Embajada de Argentina y el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales
El Film noir o cine negro y el género policial tienen una gran tradición en Latinoamérica, particularmente en Argentina, donde buena parte de sus realizaciones han seguido las líneas estéticas establecidas originalmente por el cine norteamericano en lo que respecta a dichos géneros cinematográficos; pero creando a su vez, por el contenido de sus relatos, una particular apropiación de estos cánones que obedecen al imaginario argentino y latinoamericano. Para algunos autores, el éxito del género policial y negro en la literatura y el cine dentro de la cultura latinoamericana surge, por una parte, del hecho que sus relatos suelen referirse a historias marginales o de marginados, a seres cuyas vidas transcurren en la periferia o fuera de las fronteras del orden social establecido, y en pugna con las instituciones que procuran mantener esas estructuras sociales, económicas y políticas, bien sean agentes de la ley, abogados, jueces, empresarios, dentro de lo legal, así como las formas del crimen organizado que puedan existir en un particular contexto. Por otro lado, ambos géneros tienen como hilo conductor un hecho criminal que violenta ese orden o la vida de sus protagonistas, y cuyo tratamiento lleva aparejado el conocer las razones o motivos del mismo, los cuales en ocasiones refieren o reflejan las condiciones injustas de la realidad que viven buena parte de los lectores o espectadores en su cotidianidad. Así, el crimen o delito está vinculado a una sociedad o grupo social específico donde las relaciones y los complejos intereses humanos (emparentados en muchas ocasiones con el poder político y económico), hacen que nos interesemos por este tipo de relato que muchas veces resultan catárticos al vernos reflejados en el protagonista de la historia que busca descubrir la verdad (apegado o no a la ley), o al identificarnos con la victima que pide ser reivindicada a través de
NUEVE REINAS Argentina, 2000 Dos minúsculos estafadores que habitualmente trabajaban por unos pocos pesos, se conocerán fortuitamente una madrugada, e imprevistamente se verán envueltos en un negocio de centenares de miles. Un negocio urgente, inmediato, tanto que no les permitirá dudar: tienen que seguir adelante, hacer lo necesario, tomar por el cuello a la única oportunidad que la vida les va a presentar. Dirección y guion: Fabián Bielinsky. Producción: Patagonik Film Group. Fotografía: Marcelo Camorino. Sonido: Osvaldo Vacca. Montaje: Sergio Zottola. Música: César Lerner. Intérpretes: Gastón Pauls, Ricardo Darín, Leticia Brédice, Tomás Fonzi, Graciela Tenenbaum, Oscar Núñez, Alejandro Awada, Elsa Berenguer. Duración: 115 minutos. Formato: DVD. Mayo 2015
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la exposición o castigo a su victimario, aunque no siempre sea ese el resultado de la historia. En sus inicios, el género policial y negro en Argentina recurrió a la adaptación en la gran pantalla de obras literarias para crear cintas como Fuera de la Ley (Manuel Romero, 1937) que estuvieron basadas en cuentos y novelas de autores como Ernesto Sábato, Jorge Luis Borges, Julio Cortázar, Manuel Puig, Osvaldo Soriano, o Beatriz Guido, entre otros muchos autores, quienes a su vez fueron trasladados al cine por guionistas que también eran escritores como Augusto Roa Bastos, Aída Bornik o Ulyses Petit de Murat. Durante la década de los años cuarenta y parte de los cincuenta del siglo pasado, el cine argentino produjo diversos filmes dentro estos parámetros, que posteriormente, por los vaivenes de la historia política y militar de ese país durante los años sesenta y setenta, se hicieron esporádicos ante la imposición del desarrollo de temas y tratamientos cinematográficos inocuos a los ojos de los censores de turno. Sin embargo, la vuelta a la democracia a comienzos de los años 80 permitió que filmes como Tiempo de revancha (1981) y Últimos días de la victima (1982) ambas de Alfonso Aristarain, hiciesen uso de los elementos de dichos géneros cinematográficos para contar de manera atractiva y eficiente historias que reflejaban de algún modo la dureza, dificultades y desigualdades de la realidad argentina luego de sufrir años de dictadura. Pasada la década de los noventa, como período de ajuste en la institucionalidad y regularización de la condiciones de producción de la industria cinematográfica de este país, asistimos desde el inicio de este siglo, a una más que evidente apropiación y existencia del cine negro y policial como una expresión particular dentro de la cinematografía argentina, ya sea con películas que se ubican completamente dentro de esas categorías o en obras que recurren a ellas en combinación con otros géneros como el drama o la comedia. Nueve reinas (Fabian Bielinsky, 2000), Plata quemada (Marcelo Piñeyro, 2001), El bonarense (Pablo Trapero, 2002), Un oso rojo (Israel Adrián Caetano, 2002), El aura (Fabián Bielinsky, 2005), Tiempo de valientes (Damián Szifron, 2005), Tres de corazones (Sergio
PLATA QUEMADA Argentina-España-UruguayFrancia, 2001 Los Mellizos es un dúo de delincuentes compuesto por Franco El Nene Brignone y Marcos El Gaucho Dorda. Además de mantener una relación de complicidad criminal, mantienen una estrecha relación sentimental y amorosa. Sus últimas acciones no han sido muy positivas por lo que la próxima vez deben tener las cosas bien claras y hacerlo perfectamente. Así, Fontana les propone robar 7 millones de pesos, pero todo no saldrá bien. Dirección: Marcelo Piñeyro. Guion: Marcelo Piñeyro, Marcelo Figueras, Ricardo Piglia (obra original). Producción: Oscar Kramer. Fotografía: Alfredo F. Mayo. Montaje: Juan Carlos Macías. Música: Osvaldo Montes. Intérpretes: Eduardo Noriega, Leonardo Sbaraglia, Pablo Echarri, Leticia Brédice, Ricardo Bartis. Duración: 90 minutos. Formato: DVD.
EL AURA Argentina-Francia-España, 2005 La insólita aventura de Esteban, taxidermista, hombre taciturno, reservado y epiléptico, que se entretiene fantaseando sobre crímenes perfectos y atracos milimétricamente planificados, que nunca se anima a concretar. Sin embargo, un improvisado viaje de cacería lo llevará de manera fortuita, y sin proponérselo, a realizar sus fantasías. Dirección y guion: Fabián Bielinsky. Producción: Patagonik Film Group, Tomasol Films, Davis Filml Productions. Fotografía: Checco Varese. Montaje: Alejandro Carrillo Penovi, Fernando Pardo. Música: Lucio Godoy. Intérpretes: Ricardo Darín, Dolores Fonzi, Pablo Cedrón, Nahuel Pérez Biscayart, Jordge D’ Elia, Walter Reyno, Alejandro Awada. Duración: 134 minutos. Formato: DVD. 38 Mayo 2015
Cines Nacionales
TIEMPO DE VALIENTES Argentina, 2005
Renan, 2007), La señal (Dario Darin, 2007), El secreto de sus ojos (Juan José Campanella, 2009), Carancho (Pablo Trapero, 2010), Tesis sobre un homicidio (Alberto Ammann, 2013), Relatos salvajes (Damián Szifron, 2013) y Betibú (Miguel Cohen, 2014), entre otros largometrajes, dan cuenta de los aportes temáticos, narrativos o estéticos del cine argentino a estos géneros cinematográficos. En todas estas obras sus directores suelen tener un espíritu crítico hacia la ambigüedad moral, social y política de los entornos donde ocurren sus relatos, con protagonistas que frecuentemente presentan crisis de identidad ante las imperfecciones y falencias de las estructuras sociales y políticas existentes que los colocan en situaciones de valerse por sí mismos, o situarse al límite de la ley para sobrevivir o resolver el crimen o delito que en un principio da origen a la historia que cuentan estos filmes. El éxito internacional de las ya citadas El secreto de sus ojos o Relatos salvajes, dan prueba del alcance y logros del cine argentino para apropiarse y reinventar estos géneros cinematográficos a su usanza y convertirlos en obras que trascienden sus límites territoriales y transformarse en un referente dentro del cine mundial, como alguna vez lo hicieron con el melodrama durante los años treinta y cuarenta del siglo pasado. De esto modo, les ofrecemos una selección de ocho largometrajes que nos permiten apreciar el cine negro y el policial argentino, gracias a la colaboración de la Embajada de Argentina y el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA). Emperatriz Cols Investigadora y programadora cinematográfica
Mariano Silverstein es un psicólogo que debe cumplir con tareas comunitarias luego de perder un juicio por un accidente de tránsito. El trabajo que el juez le asigna es el de brindar apoyo terapéutico a Alfredo Díaz, un policía deprimido por que su esposa lo engañó. Mariano tendrá que improvisar sus sesiones de psicoanálisis mientras acompaña a Alfredo en sus investigaciones. Casi sin darse cuenta, se irá sumergiendo en el universo policial hasta el punto de convertirse en una especie de ayudante extraoficial de Alfredo. Dirección: Damián Szifrón. Guion: Damián Szifrón, Agustín Rolandelli, Nicolás Smudt. Producción: Oscar Kramer y Hugo Sigman. Fotografía: Lucio Bonelli. Sonido: José Luis Díaz, Fernando Soldevila. Montaje: Alberto Ponce. Música: Guillermo Guareschi. Intérpretes: Luis Luque, Diego Peretti. Duración: 110 minutos. Formato: DVD.
LA SEÑAL Argentina, 2007 Es el año 1952 y, mientras Eva Perón agoniza, Corvalán, un mediocre detective privado, se ve envuelto en una historia de traición y ambiciones. Contratado por una hermosa mujer para lo que parece ser un rutinario trabajo de seguimiento, descubrirá, poco a poco, un entramado violento donde quien parecía ser la víctima puede revelarse, finalmente, como el verdugo. Dirección: Ricardo Darín. Guion: Eduardo Mignogna (obra original), Ricardo Darín, Martín Hodara, Diego Peretti. Fotografía: marcelo Camorino. Sonido: Abelardo Kuschnir. Montaje: Alejandro Carrillo Penovi. Música: Andrés Goldstein, Daniel Tarrab. Intérpretes: Ricardo Darín, Diego Peretti, Juelieta Díaz. Duración: 95 minutos. Formato: DVD. Cines Nacionales
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EL SECRETO DE SUS OJOS Argentina-España, 2009 Argentina. Benjamín Espósito es oficial de un Juzgado de Instrucción de Buenos Aires recién retirado. Obsesionado por un brutal asesinato ocurrido veinticinco años antes, en 1974, decide escribir una novela sobre el caso, del cual fue testigo y protagonista. Reviviendo el pasado, viene también a su memoria el recuerdo de una mujer, a quien ha amado en silencio durante todos esos años. Dirección y montaje: Juan José Campanella. Guion: Juan José Campanella, Eduardo Sachen. Producción: 100 Bares, Tornasol Films, Haddock Films, Telefe. Fotografía: Félix Monti. Sonido: José Caldararo, José Luis Díaz, Leandro de Loredo, Rubén Piputto. Música: Federico Musid, Emilio Kauderer. Intérpretes: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella, Pablo Rago, Javier Rodino, José Luis Gioia, Mario Alarcón, Mariano Argento. Duración: 126 minutos. Formato: DVD.
CARANCHO Argentina-Chile-Francia-Corea del Sur, 2010 Después de haber perdido su licencia, el abogado Sosa ingresa en una sociedad ilegal que se encarga de provocar accidentes automovilísticos para estafar a las aseguradoras. El destino hace que un día Sosa conozca a Luján, una médica de un hospital de Buenos Aires; mientras ella intenta salvar la vida de un hombre, él intenta que sea su cliente. Dirección: Pablo Trapero. Guion: Alejandro Fadel, Martín Mauregui, Santiago Mitre, Pablo Trapero. Producción: Fine Cut, Matanza Cine, Patagonik Film Group. Fotografía: Julían Apezteguia. Sonido: Federico Esquerro, Santiago Fumagalli. Montaje: Ezequiel Borovinsky, Pablo Trapero. Música: Lim Giong. Intérpretes: Ricardo Darín, Martina Gusmán, Dario Valenzuela, Carlos Weber, José Luis Arias. Duración: 107 minutos. Formato: DVD.
RELATOS SALVAJES Argentina-España, 2014 Película compuesta por seis historias autoconclusivas unidas por su temática de comedia negra y drama, donde los personajes bordean la difusa línea entre la civilización y la barbarie al ser expuestos a situaciones cotidianas límites donde pierden los estribos, con el innegable placer de perder el control y dar rienda suelta a sus más oscuros impulsos. Dirección y guion: Damián Szifron. Producción: Kramer & Sigman Films, El Deseo, Telefe, Corner, Belocopitt, INCAA, ICAA. Fotografía: Javier Julia. Sonido: José Luis Díaz. Montaje: Damián Szifron, Pablo Barbieri. Música: Gustavo Santaolalla. Intérpretes: Ricardo Darín, Oscar Martínez, Leonardo Sbaraglia, Érica Rivas, Rita Cortese, Julieta Zylberberg, Dario Grandinetti. Duración: 90 minutos. Formato: DVD. 40 Mayo 2015
Cines Nacionales
Cines Nacionales 29 FESTIVAL DE CINE FRANCÉS
Con la colaboración de la Embajada de Francia y la Alianza Francesa Para el presente mes de mayo, y como todos los años, el mejor séptimo arte galo está a la vuelta de la esquina, en él uno de los eventos cinematográficos e internacionales más reconocidos que se realizará en nuestro país: el Festival de Cine Francés, el cual celebra su 29° edición para este 2015. En esta ocasión, el espectador se encontrará con una selección de ocho largometrajes contemporáneos, un documental y siete de ficción, cuyos temas abarcan desde los ciclos naturales de los ecosistemas y las relaciones humanas mismas, pasando por esas realidades que descubrimos solamente cuando nos adentramos en ellas, hasta los grandes y pequeños sucesos que moldean las vidas y obras de personalidades. La muestra incluye la obra Había una vez un bosque (Il était une forêt, 2012) de Luc Jacquet, autor del también famoso documental La marcha de los pingüinos (2005), que recibió una nominación a los Premios César por Mejor Documental por esta nueva película; Lulú mujer desnuda (Lulu femme nue, 2014) de Solveig Anspach, que obtuvo dos nominaciones en los César incluyendo una para Claude Gensac por Mejor Actriz; Belle y Sébastien (Belle et Sébastien, 2013) cuya recaudación en taquillas tuvo un total de 2.864.965 entradas solamente en Francia para esta historia de corte familiar; Mis días felices (Les beaux jours, 2013) de Marion Vernoux, también con dos nominaciones por Mejor Actriz y Mejor Actor Secundario a los César, además de una tercera por Mejor Película para el Premio del Público en el Festival de Cine de Toronto; Gran Central (Grand Central, 2013) de Rebecca Zlotowski, que fue proyectada en la sección Un Certain Regard del Festival de Cine de Cannes; Crónicas Diplomáticas (Quai D’Orsay, 2013) de Bertrand Tavernier, ganadora de tres reconocimientos dentro y fuera de
HABÍA UNA VEZ UN BOSQUE Il était une forêt, Francia, 2012 Documental sobre el ciclo de vida de los bosques tropicales y las continuas amenazas a su existencia y a las formas de vida que lleva en su interior. El espectador puede ver cómo el bosque nace, desde el primer impulso en que se desarrollan los árboles gigantes hasta el crecimiento de los vínculos ocultos entre plantas y animales, algo más de siete siglos transcurrirán ante los ojos de los seres humanos. Dirección: Luc Jacquet. Guion: Luc Jacquet, Francis Hallé. Producción: Yves Darondeau, Christophe Lioud, Laurence Picollec, Emmanuel Priou, Demarthe Vincent. Fotografía: Antoine Marteau. Música: Éric Neveux. Montaje: Stéphane Mazalaigue. Duración: 78 minutos. Formato: Blu-ray. Mayo 2015
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Francia, incluyendo un César por Mejor Actor Secundario para Niels Arestrup, un galardón por Mejor Actor Revelación en los Premios Lumière, y uno al Mejor Guion en el Festival de Cine de San Sebastián; Suzanne (2013) de Katell Quillévéré, nominada a un César por Mejor Actriz para Adèle Haenel; e Hippocrate (2014) de Thomas Lilti, que le valió un César por Mejor Actor Secundario a Reda Kateb, y que formó parte de la selección oficial de Largometrajes a Concurso en el Festival de Cine de Gijón. En adición a este conjunto de cintas a presentarse en las salas de la Fundación Cinemateca Nacional, se exhibirán en cines comerciales las películas Chicos y Guillaume, ¡a comer! (Les garçons et Guillaume, à table!, 2013) de Guillaume Gallienne, ¿Y si vivimos todos juntos? (Et si on vivait tous ensemble?, 2011) de Stéphane Robelin, La familia Bélier (La famille Bélier, 2014) de Eric Lartigau, Yves Saint Laurent (2014) de Jalil Lespert, y Las nubes de María (Sils Maria, 2014) de Olivier Assayas. De todo lo dicho, solo queda invitar a los concurrentes a este evento de calidad que solo el cine francés puede ofrecer, con la colaboración de la Embajada de Francia y la Alianza Francesa.
BELLE Y SÉBASTIEN Belle et Sébastien, Francia, 2013
MIS DÍAS FELICES Les beaux jours, Francia, 2013 Recién cumplidos los 60 y atrapada en un matrimonio aburrido, la jubilación se le hace muy complicada a Caroline. Ahora solo tiene tiempo libre, sin saber qué hacer con él. Cuando se acerca a un centro ocupacional, conoce a uno de los instructores y algo en su vida semidormida despierta. De nuevo la pasión le hace reencontrarse consigo misma, pero al mismo tiempo podría destruir todo lo que ha conseguido hasta ahora, incluido a su fiel esposo. Esta será para ella una nueva juventud, sus «días felices», pero ¿a qué precio se consigue esa felicidad?
En un pequeño pueblo cubierto de nieve en Los Alpes, Sébastien, un niño solitario, se hace amigo de un perro salvaje, Belle, pero la pacífica vida de la aldea se ve interrumpida por la llegada de los alemanes. Sébastien parte en busca de su madre con Belle. Dirección: Nicolas Vanier. Guion: Juliette Sales, Fabien Suarez, Nicolas Vanier, Cécile Aubry (obra original). Producción: Frédéric Brillion, Gilles Legrand, Clément Miserez, Matthieu Warter. Fotografía: Eric Guichard. Música: Armand Amar. Montaje: Stéphanie Pedelacq, Raphaele Urtin.
Dirección: Marion Vernoux. Guion: Marion Vernoux, Marc Syrigas,
Intérpretes: Félix Bossuet, Tchéky
Fanny Chesnel (obra original). Producción: François Kraus, Denis
Karyo, Margaux Châtelier, Dimitri
Pineau-Valencienne, Juliette Renau. Fotografía: Nicolas Gaurin. Música:
Storoge, Andreas Pietschmann,
Quentin Sirjacq. Montaje: Benoît Quinon. Intérpretes: Fanny Ardant, Laurent
Urbain Cancelier, Mehdi El Glaoui,
Lafitte, Patrick Chesnais, Féodor Atkine, Emilie Caen, Alain Cauchi, Marc
Jan Oliver Schroeder. Duración:
Chapiteau, Fanny Cottençon. Duración: 94 minutos. Formato: Blu-ray.
104 minutos. Formato: Blu-ray.
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Cines Nacionales
CRÓNICAS DIPLOMÁTICAS Quai D’Orsay, Francia, 2013
GRAN CENTRAL Grand Central, Francia-Austria, 2013 Gary es joven, ágil y aprende con facilidad. Es de esas personas a las que nunca se les ha prometido algo. Después de una sucesión de pequeños trabajos, es contratado en una central nuclear. Ahí, cerca de los reactores, donde las dosis radioactivas son más fuertes, encuentra por fin lo que buscaba: dinero, un equipo, una familia. Pero en el equipo, también está Karole, la mujer de Toni de quien se enamora. El amor prohibido y las radiaciones contaminan lentamente a Gary. Cada día es una amenaza. Dirección: Rebecca Zlotowski. Guion: Rebecca Zlotowski, Gaëlle Macé. Producción: Frédéric Jouve. Fotografía: Georges Lechaptois. Música: Robin Coudert. Montaje: Julien Lacheray. Intérpretes:
«Legitimidad, unidad y eficacia» es el lema del Ministro de Asuntos Exteriores francés, Alexandre Taillard de Worms. De gran atractivo personal (sobre todo, para el público femenino), tiene mucha facilidad para meterse en todos los fregados diplomáticos y contrata al joven e inexperto Arthur Vlaminck para que se encargue de redactar sus discursos. Pronto, éste descubrirá la verdadera cara de la política, un mundo de ambiciones, intrigas y traiciones donde la ética deja bastante que desear. Dirección: Bertrand Tavernier. Guion: Christophe Blain, Abel Lanzac. Producción: Frédéric Bourboulon, Florian Genetet-Morel, Isabelle Kostic Crosley, Romain Le Grand, Jérôme Seydoux. Fotografía: Jérôme Alméras. Música: Bertrand Burgalat. Montaje: Guy Lecorne. Intérpretes: Thierry Lhermitte, Raphaël Personnaz, Niels Arestrup, Bruno Raffaelli, Julie Gayet, Anaïs Demoustier, Thomas Chabrol, Thierry Frémont. Duración: 113 minutos. Formato: Blu-ray.
SUZANNE Francia, 2013 Suzanne y Maria viven una infancia feliz a pesar de la ausencia de su madre, muerta cuando ellas eran muy pequeñas. Nicolas, su padre las cría con ternura y determinación, hasta el día en que Suzanne queda embarazada. Con la llegada del pequeño Charly la familia crece. Los años pasan y Suzanne encuentra a Julien cayendo perdidamente enamorados. Ella se irá con él, dejando todo atrás.
Tahar Rahim, Léa Seydoux, Olivier Gourmet, Denis Ménochet, Johan
Dirección: Katell Quillévéré. Guion: Mariette Désert, Katell Quillévéré.
Libéreau, Nozha Khouadra, Nahuel
Producción: Gaëtan David, Bruno Levy, André Logie. Fotografía: Tom Harari.
Pérez Biscayart, Camille Lellouche.
Música: Verity Susman. Montaje: Thomas Marchand. Intérpretes: Sara
Duración: 95 minutos.
Forestier, Adèle Haenel, François Damiens, Corinne Masiero, Anne Le Ny,
Formato: Blu-ray.
Paul Hamy, Lola Dueñas. Duración: 94 minutos. Formato: Blu-ray. Cines Nacionales
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LULÚ MUJER DESNUDA Lulu femme nue, Francia, 2014 Tras una entrevista de trabajo que sale mal, Lulú ha decidido no volver a casa durante un tiempo, dejando a su esposo y a sus tres hijos. Sin nada premeditado, ella quiere darse unos días de libertad, de estar sola, sin otro proyecto que disfrutar sin remordimientos. Dirección: Solveig Anspach. Guion: Solveig Anspach, Jean Luc Gaget. Producción: Jean Labadie, Caroline Roussel. Fotografía: Isabelle Razavet. Intérpretes: Karin Viard, Bouli Lanners, Claude Gensac, Pascal Demolon, Philippe Rebbot, Marie Payen, Solène Rigot, Nina Meurisse. Duración: 87 minutos. Formato: Blu-ray.
HIPPOCRATE Francia, 2014 Benjamin está destinado a ser un gran doctor, pero su primera experiencia como médico residente en el hospital donde trabaja su padre no sale como él esperaba. La práctica se revela mucho más compleja que la teoría y la responsabilidad es aplastante. Además, su compañero de trabajo Abdel, un médico extranjero, tiene mucha más experiencia que él. Benjamin tendrá que enfrentarse cara a cara con sus límites y sus miedos, así como los de sus pacientes y sus familiares, los médicos y sus compañeros residentes. Dirección: Thomas Lilti. Guion: Pierre Chosson, Baya Kasmi, Julien Lilti, Thomas Lilti. Producción: Emmanuel Barraux, Agnès Vallée. Fotografía: Nicolas Gaurin. Música: Alexandre Lier, Sylvain Ohrel, Nicolas Weil. Montaje: Nicolas Gaurin. Intérpretes: Vincent Lacoste, Reda Kateb, Félix Moati, Jacques Gamblin, Marianne Denicourt, Carole Franck, Philippe Rebbot. Duración: 101 minutos. Formato: Blu-ray. 44 Mayo 2015
Cines Nacionales
Sábado y Domingo Infantil MAYO, UN MES ESPECIAL Mayo es un mes especial, es el mes aniversario de nuestra Fundación Cinemateca Nacional, y para celebrarlo a lo grande ofrecemos tres muestras de lujo, con lo mejor de la animación contemporánea para los más pequeños, y los no tan pequeños, espectadores. ¡A festejar!
Animación Francesa En el marco del 29 Festival de Cine Francés, el cual ofrece lo mejor y más novedoso del séptimo arte de este país para el mundo, proyectaremos la aclamada película de animación Ernest y Célestine (2012) de Stéphane Aubier, Vicent Patar y Benjamin Renner, basada en los libros de Gabrielle Vincent: una historia de amistad entre dos animales muy dispares, un oso y una ratoncita, un relato para toda la familia.
ERNEST Y CÉLESTINE Ernest et Célestine, Francia-Bélgica-Luxemburgo, 2012 Ernest, un enorme oso músico ambulante un poco cascarrabias pero de gran corazón, acoge en su casa a la pequeña Celestine, una ratita huérfana que ha escapado del mundo subterráneo de los roedores. Pese a sus diferencias, aprenden a respetarse y conocerse. Entre ellos surgirá una gran amistad que desafiará el orden establecido. Dirección: Stéphane Aubier, Vicent Patar, Benjamin Renner. Guion: Daniel Pennac, Gabrielle Vincent (obra original). Producción: Didier Brunner, Henri Magalon, Vincent Tavier. Fotografía: Stéphane Aubier, Vincent Patar. Música: Vincent Courtois. Montaje: Fabienne Alvarez-Giro. Duración: 80 minutos. Formato: DVD. Con subtítulos en español. Mayo 2015
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METEGOL Argentina-España, 2013 Amadeo es un chico tímido y virtuoso que deberá enfrentarse a un habilidoso rival sobre el campo de fútbol, conocido con el apodo de «El Crack». Para ello, contará con la inestimable ayuda de unos jugadores de futbolín liderados por el Wing, un carismático extremo derecho. Las aventuras de Amadeo y los jugadores tendrán como telón de fondo no solo el fútbol, sino también el amor, la amistad y la pasión. Dirección: Juan José Campanella. Guion: Juan José Campanella, Eduardo Sacheri, Gastón Gorali,
Animación Argentina En el marco de la muestra de Cine Negro y Policial Argentino, que conmemora el aniversario de la independencia de dicho país, nos complacemos en presentar Metegol (2013), la primera cinta animada del reconocido director Juan José Campanella, conocido por las películas El hijo de la novia (2001) y El secreto de sus ojos (2009) que obtuvo el Premio Oscar a Mejor Película Extranjera. En Metegol, Campenella nos acerca no sólo al fútbol como pasión deportiva, sino a los valores de la amistad, el trabajo en equipo y el compañerismo. 46 Mayo 2015
Sábado y Domingo Infantil
Axel Kuschevatzky, Roberto Fontanarrosa (obra original). Producción: Sergio Pablos. Fotografía: Félix Monti. Música: Emilio Kauderer. Montaje: Juan José Campanella, Abel Goldfarb. Voces: Pablo Rago, Miguel Ángel Rodríguez, Fabián Gianola, Horacio Fontova, David Masajnik, Sebastián Mogordoy, Diego Ramos, Coco Sily. Duración: 107 minutos. Formato: DVD.
Jim Henson, 25 años de su adiós De las muchas personas que contribuyeron al entretenimiento para todo público entre el pasado siglo XX y el actual, probablemente ninguno sea recordado de forma tan entrañable como Jim Henson, famoso por ser el creador de los Muppets (1955) y de series como Plaza Sésamo (Sesame Street, 1969) que continúa produciendo episodios hasta la actualidad, El show de los Muppets (1976-1981) con sus famosos personajes, y Fraggle Rock (1983-1987), entre otras series; además de ser director y productor de cintas de culto como El cristal encantado (The Dark Crystal, 1982) y Laberinto (Labyrinth, 1986) con Jennifer Connelly y David Bowie. Aunque Henson falleció el 16 de mayo de 1990, su legado se mantiene vivo en los corazones de niños y adultos quienes disfrutan de sus desopilantes personajes como si fuese el primer día. Para honrar a este genio del cine y la televisión, presentaremos sus cintas El cristal encantado y Laberinto, para que nuevas generaciones conozcan más sobre la magia de este artífice de los títeres y la diversión, el inigualable Jim Henson.
EL CRISTAL ENCANTADO The Dark Crystal, Estados Unidos, 1982 Cuando hace mil años el Cristal Encantado fue dañado por un Urskek, el caos y la confusión se extendieron por todo el planeta. Si nadie repara el cristal, el demonio Skekses dominará la Tierra hasta el fin de los tiempos. Será Jen, el último superviviente de los Gelfings, quien intente devolverle al cristal su poderoso resplandor. Dirección: Jim Henson, Frank Oz. Guion: David Odell, Jim Henson (obra original). Producción: Jim Henson, Gary Kurtz. Fotografía: Oswald Morris. Música: Trevor Jones. Montaje: Ralph Kemplen. Voces: Stephen Garlick, Lisa Maxwell, Billie Whitelaw, Percy Edwards. Duración: 93 minutos. Formato: DVD.
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LABERINTO Labyrinth, Estados Unidos, 1986 Sarah debe recorrer un laberinto para rescatar a su hermano pequeño, que ha sido secuestrado por unos duendes y está en manos del poderoso rey Jareth. La niña descubre inmediatamente que ha llegado a un lugar donde las cosas no son lo que parecen. Dirección: Jim Henson. Guion: Terry Jones, Dennis Lee y Jim Henson (obra original). Producción: Eric Rattray. Fotografía: Alex Thomson. Música: Trevor Jones, David Bowie. Montaje: John Grover. Intérpretes/voces: Jennifer Connelly, David Bowie, David Goelz, Toby Froud, Natalie Finland, Shelley Thompson, Christopher Malcolm, Frank Oz. Duración: 101 minutos. Formato: DVD.
FUNDACIÓN CINEMATECA NACIONAL PRESIDENTE Xavier Sarabia (0212) 481.05.50 fcn.presidencia@gmail.com / COORDINADORA GENERAL DE GESTIÓN INTERNA, COORDINADORA DE ADMINISTRACIÓN Y FINANZAS María Marín (0212) 482.05.54 fcngestioninterna@gmail.com / COORDINADOR GENERAL DE GESTIÓN ESTRATÉGICA Armando Armenta (0212) 808.03.14 fcn.estrategias@gmail.com / COORDINADOR DE PROGRAMACIÓN Rafael Gil (0212) 482.73.21 y (0212) 482.23.71 fcn.programacion@gmail.com / COORDINACIÓN DE PATRIMONIO FÍLMICO Y AUDIOVISUAL Vladimir Díaz (0212) 505.93.14 vladimirjo@gmail.com / COORDINADORA DE FORMACIÓN Y PARTICIPACIÓN Olga Ruimwyk (0212) 482.49.06 y 482.06.47 formacionyparticipacion@gmail.com / COORDINADOR DE INVESTIGACIÓN Y DOCUMENTACIÓN Humberto Castillo (0212) 482.22.42 humbertocastillo2009@hotmail.com / COORDINACIÓN DE COMUNICACIONES (0212) 481.85.90 / COORDINACIÒN DE COMERCIALIZACIÓN (0212) 638.81.14 / COORDINADOR DE SALAS Richard Mantilla (0212) 482.06.47 coordinaciondesalas@gmail.com / COORDINADOR DE PRODUCCIÓN Orlando Márquez (0212) 638.81.19 coordinacion.produccionfcn@gmail.com / COORDINADOR DE PLANIFICACIÓN Y PRESUPUESTO Rider Sánchez (0212) 481.34.56 fcn.planificacionypresu@gmail.com / COORDINADOR DE TECNOLOGÍA DE LA INFORMACIÓN Pedro Guerrero fcn.cti@gmail.com / COORDINADORA DE RECURSOS HUMANOS Carolina Sánchez (0212) 481.04.18 fcntalentohumano@gmail.com / CONSULTORA JURÍDICA Gillian Maza (0212) 481.80.82 consultoriafcn@gmail.com / OFICINA DE ATENCIÓN AL CIUDADANO Y A LA CIUDADANA Milagros Figueroa (0212) 493.85.40 fcn.atencionciudadano@gmail.com / AUDITOR INTERNO Antonio García (0212) 482.74.59 48 Mayo 2015
Fundación Cinemateca Nacional Disfrute de su programación en las siguientes Salas Regionales: MBA Los Caobos, Plaza de Los Museos, Museo de Bellas Artes, Caracas, Distrito Capital CELARG Fundación Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos, Av. Luis Roche con 3ra. transversal, Altamira, Caracas, edo. Miranda BARCELONA Av. Paparoni con calle Las Flores, Barcelona, edo. Anzoátegui. BARQUISIMETO Av. Vargas entre Av. Uruguay y Carrera 15, municipio Iribarren, parroquia Catedral. edo. Lara. CALABOZO 1era. Av. Centro Administrativo, esquina vía a la Urbanización Simón Rodríguez, Calabozo, edo. Guárico. CUMANÁ Av. Perimetral, sector El Momumento, parroquia Santa Inés, Cumaná, edo. Sucre. GUANARE Centro Cultural Carlos Emilio Muñoz, carrera 5ta. con calle 16, Guanare, edo. Portuguesa. MACUTO Sector La Guzmania, Av. La Playa, al lado de la antigua estación de Bomberos, parroquia Macuto, edo. Vargas. MARACAIBO Urb. El Pinar, calle 115, Av. 23, parroquia Manuel Dagnino, municipio Maracaibo, Maracaibo, edo. Zulia. PAMPATAR Prolongación calle 3 de Mayo, vía población de la Caranta, municipio Maneiro, Pampatar, edo. Nueva Esparta. PUERTO AYACUCHO Av. Río Negro con calle Atabapo, parroquia Fernando Girón Tovar, municipío Atures, Puerto Ayacucho, edo. Amazonas. SAN CARLOS Plaza Manuel Marique, Av. Bolívar, cruce con Av. Caracas, San Carlos, edo. Cojedes. SAN CRISTÓBAL Av. Carabobo con Av. Séptima, frente a la Biblioteca Pública Leonardo Ruiz Pineda, San Cristóbal, edo. Táchira. SAN FELIPE Av. Intercomunal San Felipe El Fuerte, a 20 metros del Circuito Judicial Penal, San Felipe, edo. Yaracuy. SAN FERNANDO Zona adyacente al terminal de pasajeros Humberto Hernández, con entrada por la Av. España, San Fernando, edo. Apure. VALERA Sector La Plata, Av. Independencia, frente al Hotel Albergue Turístico, Valera, edo. Trujillo.
@cinematecavzla fundacioncinematecanacional www.cinemateca.gob.ve
49 ANIVERSARIO DE LA FUNDACIÓN CINEMATECA NACIONAL
CINEMATECA MBA Miércoles 13 de mayo, 3:30 pm CINE-FORO EL TRABAJO DEL ACTOR, DEL GUIÓN A LA PANTALLA: UNA VISIÓN DESDE EL INTÉRPRETE Con la proyección de LEY DE FUGA (Ignacio Márquez, 2014) Invitados: director y actores de la película
CINEMATECA MBA Miércoles 20 de mayo, 3:30 pm FUNCIÓN ESPECIAL PRESENTACIÓN DE TÍTULO DE LA COLECCIÓN DE VIDEOS FCN: Dos largos cortos dos de Andrés Agustí
CENTRO DE INVESTIGACIÓN Y DOCUMENTACIÓN DE LA CINEMATECA NACIONAL* Viernes 22 de mayo, 10:00 am CONVERSATORIO CUADERNOS CINEASTAS VENEZOLANOS Invitados: Joaquín Cortés y Yoli Chacón * Centro Simón Bolívar, Torre Norte, piso 19, El Silencio. Caracas. Teléfono 482.22.42.
CINEMATECA MBA Miércoles 27 de mayo, 3:30 pm FUNCIÓN ESPECIAL PRESENTACIÓN DE TÍTULO DE LA COLECCIÓN DE VIDEOS FCN César Rengifo de Jesús Mujica, Pedro Riera y Juan Plaza