CONFERENCIA CONEA INES

XXVI Encuentro Latinoamericano de Estudiantes de Arquitectura

CONFERENCIA DE LA MASTER EN MUSEOLOGIA E HISTORIA DEL ARTE, ARQUITECTA

INES CAMPOS GARCIA ­ CALDERON 1

Arquitectura de Hoy ¿Patrimonio del Mañana?

Buenas noches con todos. Quiero empezar saludando y agradeciendo a las autoridades de la Universidad Privada del Norte, representada por el Decano de la Facultad de Arquitectura, Arquitecto Marcos Angulo Cisneros, a la Coordinadora Latinoamérica de Estudiantes de Arquitectura, al Comité Organizador, a la Arquitecta Mercedes Armas Gallardo, Coordinadora General del XXVI ELEA, a la Arquitecta Laurita Lezama Calvo, Coordinadora Académica del XXVI ELEA, por la invitación al evento. Al Colegio de Arquitectos del Perú ­ Regional Lima, particularmente al Señor Decano Arquitecto Oscar Fernández Cárdenas, por el auspicio para participar en este encuentro.

Es muy grato para mí regresar a un escenario de un ELEA y aún más grato que sea en mi país, después de 11 años de haber entregado mi cargo como presidenta de la CLEA y tener la oportunidad de poder compartir nuevamente nuestras culturas, conocimientos y vivencias.

Hoy les presentaré a modo de un recorrido académico y vivencial el tema:

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Arquitectura de Hoy ¿Patrimonio del Mañana? ¿A qué llamamos arquitectura de hoy? Cuál es el lapso histórico que enmarca la arquitectura actual, es decir desde cuándo consideramos aquellas obras que puedan ser calificadas como de hoy ¿desde finales del siglo XIX? ¿Desde la primera década o desde los primeros años del siglo XX? El movimiento Art Nouveau, que se inicia en Bruselas, ¿es arquitectura de hoy? Definitivamente es diseño de vanguardia, como lo es aquella prolífica expresión de Jugendstil, iniciado en la colina Mathildenhöhe, en Darmstadt, y como también lo es aquellos movimientos que derivaron contemporáneamente, es decir el Modernismo Holandés, y la Secesión, entre otros, sin olvidar las creaciones salidas del grupo de arquitectos de De Stijl, Bauhaus y el Estilo Internacional, en la primera mitad del XX. ¿Debemos considerar a estos movimientos de vanguardia como de arquitectura de hoy? Considerados exclusivamente con rigor cronológico, estos movimientos probablemente caerían bajo el calificativo de anacrónicos; sin embargo, ni el más recalcitrante purista académico se atrevería a dar tal calificativo a una obra que hasta hoy en día sigue inspirando pautas de diseño en los arquitectos actuales, pues la vanguardia se define precisamente por su cualidad de ser extra­temporal o fuera de su tiempo, pues propone una nueva cosmovisión, adelantándose de este modo a su tiempo.

Adicionalmente, basta una mirada a estas obras para reconocerlas como muy actuales.

Mi respuesta a las interrogantes arriba planteadas es que las obras arquitectónicas de los movimientos citados, así como las de otros creadores que no pertenecieron a éstos, definitivamente constituyen lo que se puede calificar como arquitectura de hoy; no solamente como precursoras sino como miembros plenos del diseño contemporáneo.

Entre los precursores de la nueva arquitectura nos topamos con H.P. Berlage, considerado como “Padre del Modernismo Holandés”, cuyo diseño y construcción de la Bolsa de Valores de Amsterdam fue realizado entre 1884 y 1903 y marca el hito fundamental del inicio de una renovación profunda de la arquitectura holandesa.

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Si bien es cierto que Berlage con esta obra todavía utiliza elementos del románico y el gótico flamenco también utiliza como punto de partida un análisis constructivo novedoso, poniendo en franca evidencia los elementos utilitarios, para obtener efectos decorativos nunca vistos antes de la construcción de esta obra. Berlage utiliza los materiales expuestos como son el ladrillo, la piedra y el hierro que conciben una estructura sólida y que expresa seguridad. La idea de Berlage se basaba en que las estructuras de las edificaciones debían mostrarse desnudas, sin añadiduras.

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En Bélgica fue Víctor Horta quien impulsó el movimiento Art Nouveau, del que fue también su mayor exponente. Su primer edificio Art Nouveau fue el Hotel Tassel, diseñado en 1893. Horta logra organizar las funciones del hotel dentro de lo que era una tradicional casa de ciudad con terraza, de frente muy angosto y de tres pisos, y de utilizar en la fachada un leguaje arquitectónico que permite entender qué tipo de función cumple la edificación.

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Horta utiliza el hierro como si fuese un filamento orgánico, tanto en elementos ornamentales como utilitarios y/o estructurales, como son las escaleras, los balaustres y las columnas, así como también en tragaluces centrales recubiertos de vitrales que permiten el ingreso de luz natural al corazón de las edificaciones. Asimismo, la decoración interior es detallada e integrada a la edificación.

Estos elementos los repite Horta en el diseño y construcción, entre 1898 y 1901, de su Vivienda­Taller, considerada Patrimonio Mundial por la UNESCO desde el año 2000, conocida hoy como el Museo Horta, en donde se muestra que el diseño interior va de la mano con el confort.

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En Austria, un grupo de arquitectos y artistas de Viena, como Otto Wagner, Joseph Maria Olbrich y Gustav Klimt, fundan la Secesión en 1897. Este movimiento fue llamado así porque se aparta del diseño académico, proponiendo una renovación artística de reinterpretación de los estilos del pasado ante el avance de la producción industrial.

Aunque la Secesión es también considerada dentro del modernismo típico de la arquitectura del cambio de siglo, así como también lo es el Art Nouveau, es preciso resaltar que presenta marcadas diferencias con éste; así la decoración es menos naturalista y más estilizada y abstracta.

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Los diseñadores del grupo utilizan la tipografía y la pintura como elementos dominantes en la composición arquitectónica, así como la sobriedad formal, más cercana ésta a lo que serían los movimientos vanguardistas de las nuevas generaciones del nuevo siglo, como De Stijl o Bauhaus. El edifico insignia de este movimiento es diseñado y construido por J.M. Olbrich en 1898 para impartir las ideas y albergar las exposiciones del grupo de seguidores del movimiento. Este edificio, más conocido como El Repollo de Oro, está diseñado basado en el orden, la simetría y la geometría pura. Olbrich utiliza el cuadrado y el cubo repetidamente.

Asimismo, en la fachada encontramos dos lemas, Ver Sacrum (en el paño izquierdo) que significa Primavera Sagrada (que era el nombre de la revista que difundía el pensamiento de la Secesión) y sobre el pórtico de la entrada, Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit que significa Del tiempo su arte, del arte su libertad, lema que simplifica la idea fundamental del movimiento, como lo era también el carácter social de acercamiento a las clases trabajadoras que debía tener la arquitectura.

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En sus comienzos, ni Art Nouveau ni Jugendstil fue el nombre común del estilo, el cual adoptó diferentes etiquetas en su difusión en centros artísticos. Ambos nombres provienen, respectivamente, de la galería Maison de l’Art Nouveau, inaugurada en Paris en 1895 por el comerciante alemán de arte Samuel Bing, y la revista Jugend (Juventud) de Munich (Juventud: revista muniquesa semanal ilustrada de arte y estilo de vida), fundada por Georg Hirth en 1896, una de cuyas ediciones de ese año muestra la cubierta decorada con motivos Art Nouveau. Ambas, galería y revista, promovieron y popularizaron el estilo.

En 1899, por invitación de Ernst Ludwig, Gran Duque de Hesse, el arquitecto autodidacta de Hamburgo, pintor de profesión, Peter Behrens, miembro de los círculos artísticos y del Jugendstil en Munich, se convirtió en el segundo miembro de la recientemente establecida Colonia de Artistas de Darmstadt, donde en la Mathildenhöhe construyó su propia casa y concibió el contenido completo de la misma (mobiliario, toallas, pinturas, cerámica, etc.). Behrens fue uno de los líderes de la reforma arquitectónica del cambio de siglo y fue un importante diseñador de fábricas y edificios de oficinas en ladrillo, 9

acero y cristal. En 1907, Behrens y otras diez personas (Joseph Maria Olbrich entre ellas), más doce empresas se reunieron para crear la Organización Alemana de Trabajo (Deutscher Werkbund). Miembros de la Werkbund estaban concentrados en mejorar el nivel general del gusto en Alemania por medio de mejorar el diseño de objetos y productos cotidianos. Behrens es considerado el primer diseñador industrial de la historia por su trabajo para la firma alemana AEG (Allgemeine Elektrizitäts Gessellschaft), para quien diseñó no sólo el edificio de su Turbinenfabrik (Fábrica de Turbinas, construcción de 1910, de ladrillo, acero y cristal, de líneas sobrias y diseño moderno), sino que como consultor artístico de la empresa, diseñó su identidad corporativa completa (logotipo, diseño de productos, publicidad, etc.)

El trabajo de Behrens para AEG fue la primera demostración a gran escala de la viabilidad y vitalidad de las iniciativas y objetivos de la Werkbund.

De 1907 a 1912, tuvo alumnos y asistentes, entre los cuales estuvieron Ludwig Mies van der Rohe, Le Corbusier, Adolf Meyer, Jean Kramer y Walter Gropius (quien posteriormente se convirtió en el primer director de Bauhaus). Behrens fue un pionero en todo lo que hizo en la primera mitad del siglo XX y sus ideas fueron divulgadas por todo el 10

mundo por sus alumnos, especialmente por Gropius, Mies van der Rohe y Le Corbusier. La creación del concepto de identidad corporativa tuvo influencia directa en otras empresas de la post 2aGM como la compañía Braun o McDonald’s.

Otro miembro del Art Nouveau o Jugendstil, cofundador de la Secesión Vienesa, contratado en 1899 por Ernst Ludwig von Hesse para integrar la Colonia de Artistas de Darmstadt, fue el antes mencionado arquitecto Olbrich, quien junto con otros artistas de renombre (como Behrens) y figura central del grupo, participó en el planeamiento y ejecución de edificios en la Mathildenhöhe, donde diseñó la Casa Ernst Ludwig (construida como taller común), la casa del administrador de la Colonia, la Torre de Bodas , el edificio de Exposiciones y otros.

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CITA BENEVOLO “Si se considera el conjunto de los movimientos europeos que pretenden una renovación de la arquitectura de su tiempo..., observamos que en todos ellos, por encima de un vocabulario formal no siempre coincidente, se hallan unos presupuestos conceptuales y una intención definidora en alto grado compartidos. Las propias denominaciones de tales movimientos hablan de un deseo común de ruptura, libertad, juventud y novedad, capaz de imprimir a la arquitectura de un tiempo nuevo un carácter nuevo. Esta intención y esta búsqueda de una modernidad creemos que debe situarse como dato significativo por encima de cualquier aceptación que éste pudiera tener y la influencia que fuera capaz de alcanzar.”1 FIN DE CITA Durante la Primera Guerra Mundial se genera en Europa un clima artístico especial.

Diferentes movimientos artísticos y arquitectónicos surgen como reacción a la guerra. En los Países Bajos, el movimiento De Stijl, en Alemania, la Bauhaus, en Rusia el Constructivismo, entre otros. Estos movimientos marcan un nuevo concepto en donde las formas son más lineales, la decoración más estilizada y sobria y el lenguaje arquitectónico

Benévolo, l., Historia de la Arquitectura Moderna, Gustavo Gili: 1994, p. 330.

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se vuelve aún más geométrico y funcional. Pero se continúa con la idea de la obra arquitectónica con el diseño interior y la decoración como un todo.

De Stijl fue fundado, primero como movimiento en 1917 y luego como revista en 1918, por un grupo de artistas y arquitectos, encabezado principalmente por los pintores Theo van Doesburg y Piet Mondriaan y luego los arquitectos J.J.P. Oud y Cornelis van Eesteren. El movimiento se mantuvo activo aproximadamente hasta 1931. Sus lineamientos generales estaban basados en la colaboración integral entre los diferentes profesionales – pintores, escultores, poetas, arquitectos – desde la concepción del diseño hasta el prototipo final y la idea del Neo­Plasticismo de Mondriaan, que planteaba lo universal sobre lo individual ya que lo individual según él había perdido su importancia.

Abstracción, precisión, geometría, búsqueda de la pureza y la austeridad artística, estudio de las leyes naturales para lograr representar la realidad de la naturaleza fueron principios motores del movimiento. Las primeras expresiones de De Stijl fueron mayormente en pintura, escultura, muebles, y posteriormente en arquitectura.

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En 1924 Gerrit Rietveld, uno de los miembros más reconocidos del movimiento, fue comisionado por Truus Schroeder para hacer una vivienda, ubicada en la ciudad de Utrecht, para ella y sus 3 hijos. Esta casa se convirtió en la primera manifestación de las ideas de De Stijl a gran escala. El diseño y la construcción se realizaron de forma simultánea. El diseño permitía que la construcción tuviera la maleabilidad de adaptarse a los requerimientos de sus habitantes, es decir que los ambientes se podían transformar según su uso en el momento, gracias al carácter experimental de la vivienda y a la habilidad de diseño y construcción de Rietveld, arquitecto de oficio y carpintero de profesión. Rietveld y Schroeder, desarrollaron el diseño conjuntamente. En principio eligen empezar desde un cubo macizo que posteriormente van destajando hasta convertirlo en una estructura liviana y llena de luminosidad. El concepto de espacio ya no está definido dentro de un cubo, Rietveld utilizó un nuevo concepto espacial mediante líneas rectas y planos rectangulares en sus variados elementos arquitectónicos y estructurales que están ensamblados en una composición balanceada. Al mismo tiempo cada elemento es autónomo dando énfasis a la fluidez y continuidad del espacio.

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La casa se levanta sobre una planta de 7x9m y está organizada en dos pisos, alrededor de la caja de escaleras al centro de la vivienda. La estructura principal consiste en concreto reforzado, parantes y postes de acero. Una de las paredes se yuxtapone a la pared de ladrillos de la de edificación contigua, los otros tres frentes son abiertos mediante planos en diferentes lineamientos y también mediante balcones. Rietveld utiliza los tres colores primarios además del negro, el blanco y el gris.

El primer piso está diseñado según los reglamentos para lograr así el permiso de construcción. Los espacios están organizados alrededor de un hall.

En el segundo piso está ubicada la zona íntima que consiste en un estar familiar y tres dormitorios, que durante el día conformaban un solo espacio y durante la noche, mediante paredes deslizantes, el espacio se divide para dar privacidad a cada uno de los ocupantes de la casa.

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La RietveldSchroederhuis, como se le conoce en Holanda, contenía en su interior muebles diseñados y fabricados por el arquitecto­carpintero, que también presentaban las mismas características espaciales y colores de la casa.

Rietveld y Schroeder buscaron de diseñar hasta el mínimo detalle para las necesidades de la familia en su momento y también anticiparon la posibilidad de cambio según los años y el uso que se le iba dando. Schroeder habitó la casa por casi 60 años y durante ese tiempo ésta se fue transformando sin modificar su estructura básica, lográndose un balance armónico entre el valor funcional y el indiscutible valor artístico de la obra.

En 1976 la UNESCO la declara Patrimonio Mundial y hoy funciona como un museo bajo la protección de la Comuna de Utrecht y el Centraal Museum de la ciudad.

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En 1919 Walter Gropius, arquitecto de profesión y oficio, funda la Bauhaus (literalmente Casa de Construcción), en Weimar, que a diferencia de De Stijl que nace en un ambiente neutral, aquélla se creó en un momento de crisis, cuando Alemania pierde la Primera Guerra Mundial. Esto origina que los arquitectos y artistas en diferentes campos vean la necesidad de empezar de nuevo, con una idea nueva.

El fundamento esencial de la Bauhaus, fue crear un sistema que les permitiera, tanto a maestros como alumnos, poder enfrentar los problemas bajo una nueva forma de pensar. El sistema de enseñanza no era como lo conocemos nosotros, de relación vertical entre profesor y alumno, era uno donde los estudiantes colaboraban con los maestros para lograr los objetivos y aquéllos eran libres de plantear sus propias soluciones. Uno de los aspectos muy importantes en la línea de pensamiento de la Bauhaus fue crear no sólo una colaboración entre diseñador y artesano, sino que pasado el tiempo tanto el diseñador como el artesano pudieran ser hábiles en ambos oficios o profesiones, cosa que sucedió cuando la Bauhaus se trasladada a Dessau en 1925, con Gropius nuevamente como su director. Otro aspecto importante fue lograr la industrialización del arte, idea propuesta por Gropius que fue rechazada rotundamente por los artistas, tanto aquéllos de la propia Bauhaus como los de la sociedad. Adicionalmente, también fue muy importante la idea de 17

construir con sistemas de prefabricados y diseñar el contenido o enseres de las edificaciones, es decir desde los utensilios y artefactos hasta el mobiliario. Para llevar a cabo esta idea, Gropius convoca a diferentes personalidades, hoy muy reconocidas en el mundo del arte y la arquitectura, como Laszlo Moholy­Nagy, Paul Klee, Lyonel Feininger, Marcel Breuer y Ludwig Mies van der Rohe, entre otros. Las clases se impartían libremente según el criterio de cada maestro pero siempre basándose en los lineamientos generales.

Gropius enfatiza que la Bauhaus CITA GROPIUS “no fue un intento de crear un estilo o un dogma, por el contrario, estábamos en contra de ello, lo que se quería crear era un proceso de investigación abierto, que está abierto aún ahora. Porque no era esta o aquella personalidad, sino que tratamos de encontrar medios objetivos para informar a las nuevas generaciones sobre cómo resolver éstos problemas.”2 FIN DE CITA En la Bauhaus se buscaba que cada quien fuera libre­pensador capaz de proponer su propia solución, caso excepcional en la historia.

Peter, J., The Oral History of Modern Architecture, H.N. Harris: 2000, p. 181.

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El edificio más representativo de la Bauhaus, es el edificio que alberga a la escuela en Dessau, comisionado por la Comuna. Mientras Gropius se encarga del diseño arquitectónico, el diseño integral, la decoración y la ejecución son realizados por colaboración entre maestros y estudiantes. Esta edificación comprende 5 áreas dedicadas a la escuela, los talleres, a la administración, a la vida comunitaria y finalmente una edificación de 5 pisos destinada a las habitaciones­talleres de los estudiantes.

Aunque ésta es una edificación de escala monumental para una ciudad como Dessau, la estructura es liviana por el tipo de materiales que se utilizan, como la cortina de vidrio que se utiliza especialmente en la fachada de los talleres, el metal para los bordes de las ventanas y balcones y la pintura blanca en las paredes.

Gropius logra evitar acentuar la individualidad de cada área con las fachadas corridas, que no se detienen en los extremos de los muros sino que continúan por un elemento de paso como los balcones en las esquinas de las habitaciones­talleres.

Este edificio se convirtió en CITA DROSTE “la meta ideal del ideario de la escuela, la cooperación de todas las artes en la construcción, se había realizado con radiante claridad y modernidad; las discutidas ideas del nuevo construir y del nuevo vivir se habían

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transformado sin compromisos y resultaban convincentes.”3 FIN DE CITA La obra es cconsiderada Patrimonio Mundial por la UNESCO desde el año 1996.

La Bauhaus es trasladada por presión Nazi a Berlín bajo la dirección de Hannes Meyer en 1930 y posteriormente por Ludwig Mies van der Rohe hasta 1933, año en que la escuela es clausurada definitivamente por Hitler, por ser según él, fuente de “arte degenerado” (entartete Kunst). Después de 1934, una gran cantidad de maestros y estudiantes emigran a Inglaterra, Francia y Suiza en Europa, mientras otros se mudan a EE.UU., en donde por un lado se funda la Nueva Bauhaus en Chicago, siguiendo los lineamientos de Dessau y bajo la dirección de Moholy­Nagy, en tanto que otros maestros como Mies van der Rohe y Gropius se hacen cargo de diferentes escuelas de arquitectura.

Así, Mies van der Rohe es nombrado director del Departamento de Arquitectura del Instituto de Tecnología de Illinois, y Gropius del Departamento de Arquitectura de la Facultad de Diseño de Harvard. En EE.UU. se acoge las enseñanzas de estos maestros pero desde la perspectiva del estilo y la tecnología y no la de su ideología.

Después de 1984, el llamado estilo Bauhaus fue dejado de lado y la arquitectura de EE.UU. se ve invadida por reminiscencias del pasado, con elementos tales como las columnas dóricas y los frontones similares a los de los templos griegos. Sin embargo esta aparente desaparición del estilo Bauhaus no era tal.

Droste, M., Bauhaus, 1919 ­ 1933, B.Taschen: 1993, p. 123.

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Muchos arquitectos reconocidos como Frank Gehry, Richard Meier, I.M. Pei, Norman Foster, Arata Isozaki, Mario Botta y Jean Nouvel entre otros, continuaron redefiniendo, reinterpretando y re­estudiando el modernismo de la Bauhaus.

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A partir de 1925 hasta 1965 aproximadamente se gesta y difunde el llamado Estilo Internacional, que se encuadra dentro de lo que es la arquitectura funcional o racional, que propugna una forma de diseñar universal, desprovista de cualquier ornamento y rasgo regional.

El Estilo Internacional es producto principalmente de tres factores muy importantes de la época. El primero es el eclecticismo de diversos estilos arquitectónicos del siglo XIX, en donde se toman elementos formales de diversos estilos sin consideración a la relación entre función y forma de la edificación. El segundo es el avance de la industrialización en Europa y en EE.UU., que generó la necesidad de nuevos tipos de edificaciones con usos hasta entonces desconocidos, como el edificio de oficinas o el bloque de departamentos.

El último factor es el avance en la técnica de los materiales y en la de la construcción. La invención del concreto armado y las aleaciones de acero conllevarían nuevas posibilidades estructurales de la edificación, en mayor altura y más espaciosas.

Las características principales del Estilo Internacional son, en el aspecto formal, la ortogonalidad y el empleo de superficies lisas, en el aspecto visual, la ligereza y el uso de voladizos y en el aspecto constructivo, las nuevas técnicas y materiales – como el concreto armado – que permiten la configuración de amplios espacios interiores.

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Entre los arquitectos más renombrados que siguieron este estilo se encuentran Gropius, J. J. P. Oud, Richard Neutra, Rudolf Schindler, Alvar Aalto, y Frank Lloyd Wright.

Finalmente cabe mencionar a dos duplas de arquitectos, la primera, Le Corbusier y Pierre Jeanneret, quienes hicieron un gran aporte a la arquitectura habitacional internacional cuando presentaron los 5 puntos de la nueva arquitectura – pilotes, techos y jardines colgantes, planta libre, fachadas corridas y ventanas corridas – al CIAM realizado en 1929.

Esta nueva arquitectura es representada en Villa Savoye en Poissy entre 1928 y 1931, En 1964 fue clasificada como monumento histórico en vida de sus creadores. La segunda dupla está conformada por Ludwig Mies van der Rohe y Philip Johnson, quienes en colaboración diseñan y construyen el Edificio Seagram, New York, entre 1954 y 1958.

El mayor aporte en el diseño fue incluir una gran plaza a escala urbana situada entre el edificio y la alineación de las edificaciones de la avenida y la gran estructura de acero de esta edificación de gran altura.

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Los grandes arquitectos europeos que emigraron a EE.UU. trabajaron en colaboración con los técnicos estadounidenses para impulsar los principios del Estilo Internacional, “principios que fueron aceptados dentro de la sociedad norteamericana, organizada y progresista, con tanto éxito que el modelo de edificio por ellos propuesto, sigue siendo el emblema del espíritu corporativo estadounidense.”4 Con la culminación de la Segunda Guerra Mundial se inicia un vasto movimiento de revisión de los aportes recibidos y, en muchos casos se obtienen resultados de valor internacional, desligados aparentemente de los movimientos europeos y estadounidenses y capaces de estimular experiencias tanto en el Viejo como en el Nuevo Mundo.

El movimiento moderno llega a Latinoamérica a través de sus arquitectos que viajan a Europa y EE.UU. y regresan con el nuevo conocimiento adquirido, y la migración de los grandes maestros europeos hacia EE.UU. y posteriormente a Latinoamérica, desde los años 20 hasta los tiempos de la post 2ª GM, y logra implantarse por la necesidad de buscar nuevas soluciones ante el crecimiento económico y demográfico, la industrialización y la coyuntura económica del mercado internacional, durante las décadas de los 40 y 50.

http://es.wikipedia.org/wiki/Estilo_Internacional

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Los primeros signos del pensamiento de vanguardia en la arquitectura moderna Latinoamericana los notamos en la práctica profesional y en aspectos formales. En la práctica profesional, encontramos el predominio del trabajo en equipo, la división del trabajo y la inclusión de arquitectas en los equipos. En el aspecto formal CITA BENEVELO “se iniciará en los años 30 y 40, en muchos casos a partir de la enseñanza de arquitectos que han estudiado en Europa y EE.UU. y que aportaron a sus respectivos contextos la novedad de un lenguaje vanguardista e internacional, como por ejemplo Carlos Raúl Villanueva, en Venezuela,

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Bonet en Argentina, Duhart en Chile, Candela en México, entre otros.” 5 FIN DE NOTA El referente más notorio es la arquitectura de Le Corbusier, especialmente en su etapa monumental. En donde realiza edificios de arquitectura civil en base de un brutalista uso de concreto reforzado, que será la mayor fuente común a la mayoría de los primeros arquitectos modernos latinoamericanos. Otros referentes pero en menor medida son los diseños de Gropius, Mies van der Rohe, Wright y Aalto.

En Latinoamérica la recreación y contextualización del Estilo Internacional, logra interesantes y atrevidas experiencias en la búsqueda de una interpretación propia del lenguaje racional, insistiendo en los aspectos formales, en la técnica constructiva y en la integración de la Arquitectura Moderna a las diferentes culturas propias de cada país. En el caso del Perú, la arquitectura muestra en general tres tendencias; la internacionalista, con experiencias de arquitectos como por ejemplo Luís Miró Quesada Garland

Benévolo,l., Historia de la Arquitectura Moderna, Gustavo Gili: 1994, p. 769.

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,Teodoro Cron, Paul Linder y Manuel Ganoza; la localista con la obra de Luis Ortiz de Zevallos y Enrique Seoane, entre otros y una tercera tendencia que se sitúa entre las dos primeras, donde la respuesta al racionalismo de la arquitectura moderna es la arquitectura brutalista, tal como sucede también en el Ecuador.

Los ejemplos de obras significativas son muchos e imposibles de citar en esta corta disertación, de modo que sólo mencionaré algunos de ellos. El Ministerio de Educación y Sanidad de Brasil que fue un proyecto de concurso público de 1935, encargado a una comisión conformada entre otros por Lucio Costa, Oscar Niemeyer y A.E. Reidy. En 1936, Le Corbusier fue invitado a participar y replantear el proyecto. Al año siguiente el proyecto definitivo quedó listo basado en las sugerencias de Le Corbusier, que incluía los 5 puntos de la nueva arquitectura además del brise­soleil. En este edificio, como se verá en otros ejemplos, se optó por la inclusión de esculturas, entre ellas una de Jacques Lipchitz, y revestimientos cerámicos.

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La Ciudad Universitaria de la UNAM (Univ. Nac. Autónoma de México), Ciudad de México, de 1946, proyecto convocado por concurso público. En 1947 el concurso fue ganado por dos estudiantes de arquitectura, nombres que no he conseguido encontrar. Se formó la Comisión Técnica Directora, la cual designo a los arquitectos directores del proyecto, Enrique del Moral, Mario Pani Darqui, Domingo García Ramos y Mauricio M. Campos, quienes se encargarían de designar al conjunto de arquitectos e ingenieros que participarían en la ejecución del mismo. Más de cien arquitectos e ingenieros de entre los más destacados del país se unieron a la obra. Resaltan los nombres de Luis Barragán, Carlos Lazo Barreiro, Juan O'Gorman, Enrique Yáñez, Pedro Ramírez Vázquez, Enrique de la Mora, Enrique Guerrero Larrañaga, José Villagrán García y, como gerente de obras, Luis Enrique Bracamontes. También participaron artistas como Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros. El proyecto se convirtió en un laboratorio de búsqueda de una arquitectura nacional, en un intento de vincular la arquitectura arcaica con la moderna. Finalmente se optó por la integración artística, intentando sintetizar la arquitectura con la escultura y la pintura con grandes superficies de mosaicos. Considerada Patrimonio Mundial por la UNESCO desde el año 2007.

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La Ciudad Universitaria de Caracas, Campus principal de la Universidad Central

de Venezuela, cuyos trabajos se empezaron en 1950 y se desarrollaron durante toda la década. Carlos Raúl Villanueva es la figura encargada de diseñar el conjunto que consta entre otros edificios del Estadio Olímpico de 1950, el Aula Magna de 1952, la Escuela de Arquitectura y la Piscina Universitaria de 1957. Todo el conjunto constituye la síntesis de la propuesta de Villanueva en cuanto a las artes figurativas, creando espacios en los que la arquitectura, la escultura y la pintura estén presentes. CITA BENEVOLO “En la Facultad de Arquitectura se configura un espacio elástico, sub­divisible o integrable, según los requerimientos cambiantes, mediante la intersección de elementos móviles. En el Aula Magna las esculturas suspendidas de Calder, colocadas según asesoramiento de ingeniero Newman, han creado una sala acústicamente perfecta. En los restantes edificios y espacios libres de la Universidad se combinan murales de Léger, Vasarely, Manaure y

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Navarro, y esculturas de Arp y Laurens.”6 FIN DE CITA Considerada Patrimonio Mundial por la UNESCO desde el año 2000.

El Centro Cívico y Comercial de Lima, construido de 1964 hasta 1971, dirigida por un equipo de arquitectos conformado por J. García Bryce, J. Crousse, J. Paéz, M.A. Llona, A. Córdova, G. Málaga, O. Núñez, S. Ortiz, R. Pérez León y A. Williams. Este conjunto es un ejemplo de las características esenciales de la arquitectura peruana más monumental. Entre los mayores aportes está el uso del concreto armado expuesto, que hasta el momento de su construcción era el sistema estructural que mejor se comportaba en caso de sismos y que conduce a una arquitectura estéticamente de avanzada; como el concreto pre­tensado en los techos artesonados de la torre de 34 pisos y los pavimentos exteriores con una retícula de concreto pulido y una trama de canto rodado. El conjunto se desarrolla a partir de volúmenes con ligeros volados que se articulan a través de patios.

Otro aporte en cuanto a la práctica profesional es que, por la envergadura del proyecto que tiene un área de 110,000 m2, requirió un concurso arquitectónico inédito en nuestro medio

Benévolo, l., Historia de la Arquitectura Moderna, Gustavo Gili: 1994, p. 792.

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que obligó a la formación de consorcios y equipos de trabajo especialmente para el proyecto.

Otro ejemplo, reconocido internacionalmente, es el Conjunto Residencial San Felipe, , construido de 1964 a 1966, de los arquitectos Enrique Ciriani (primera etapa), Vásquez y Smirnoff. Este conjunto es uno de los más importantes que se han hecho en el país, siendo esta obra uno de los ejemplos de vivienda masiva para la clase media.

También es importante mencionar el Proyecto Experimental de Vivienda (PREVI) de 1966, en donde participaron arquitectos internacionales preocupados por la vivienda evolutiva y social, como Atelier 5, Kikutake, Maki y Kurokawa, Stirling, Van Eyck y Alexander entre otros, y como ejemplo de arquitectura institucional, La Biblioteca Nacional del Perú, de Francisco Vella, Augusta Estremadoyro, Guillermo Claux y Walter Morales, 2006.

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“En la segunda mitad del siglo XX se fueron produciendo tanto nuevos desarrollos del movimiento moderno en sus múltiples posibilidades, como alternativas críticas. En las últimas décadas del siglo se produjo incluso un radical cuestionamiento del concepto mismo de la modernidad a través de su deconstrucción, y que en arquitectura fue interpretado a través de los movimientos denominados deconstructivismo y arquitectura postmoderna, que no son ni mucho menos las únicas posibilidades expresivas de un período, que llega hasta el siglo XXI, caracterizado por la abundancia y variedad de obras, estilos y creadores”. La deconstrucción fue un método propuesto por el filósofo francés Jacques Derrida – alumno dilecto y luego disidente de Martin Heidegger – cuyo fundamento es la crítica a los conceptos de verdad y de teoría y se centra en una crítica radical de la razón y de la metafísica propias de la cultura occidental. Lo curioso del caso es que, según algunos, Derrida, profesor de la Sorbona, se mostraba ante su auditorio 35

como burgués educado y formal. La otra corriente mencionada, el post­modernismo, que aparece como crítica a Mies van der Rohe, considerado el padre del modernismo quien sostenía el principio de la simplicidad en el diseño, sintetizado en su expresión “less is more” (“menos es más”) y parafraseada por el movimiento en “less is bore” (“menos es aburrido”) – plantea a través de sus seguidores la inclusión en el diseño de una parafernalia de estilos anacrónicos, que nos recuerda al neoclasicismo, que regresa al origen como intento de recuperar el vigor creativo perdido después de concluido el barroco.

Luego de un corto recorrido por el fenómeno de la arquitectura actual, desde sus orígenes en el Art Nouveau hasta la herencia de la Bauhaus y el Estilo Internacional, a la interrogante planteada como tema del presente ensayo, es decir que si la arquitectura de hoy se constituirá en patrimonio del mañana, debo ponerme una pregunta antes de proponer una respuesta, i.e. ¿es toda la obra de una comunidad de ayer, patrimonio de hoy? Confío que resulta claro para todos que sólo las creaciones de un puñado de individuos ha merecido el reconocimiento cultural e histórico de ser patrimonio de la humanidad. Cuando la manera de resolver un problema se vuelve reiterativa, es decir, cuando todos los individuos de un tiempo proponen la misma solución a un problema, 36

siendo las diferencias entre un planteamiento y otro únicamente combinaciones arbitrarias; en otras palabras, cuando cada nuevo proyecto es una copia del entorno a la cual se le ha cambiado su aspecto formal, como un vestido copiado con tela y color diferentes; cuando el diseñar se ha convertido en un proceso puramente mecánico, donde la supuesta creatividad sólo busca ser diferente sin darse cuenta que su manera de pensar es lugar común, entonces la expresión nunca llegará a considerarse una obra única. Sólo algunos individuos que hayan sentido profundamente que en ellos ya murió la antigua cultura – es decir, la expresión homogénea de una comunidad agotada – inquietados por su afán creativo, podrán producir obras de valor único, obras que serán patrimonio del mañana.

¡Gracias por su atención!

Arq. Inés Campos García­Calderón Master en Museologia e Historia del Arte

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