Catálogo La Muerte se va de Vacaciones

L A M U E R T E S E VA D E VAC AC I O N E S EL CONTENIDO DE ESTE LIBRO SOLO PODRÁ SER REPRODUCIDO, TOTAL O PARCIALMENTE, CON EL PERMISO ESCRITO DEL EDITOR O EL AUTOR.

PROYECTO CURATORIAL DE

SI NOS PAGA N BOYS PRODUCCIÓN

BENDITO OBRAS Y COLECCIONES - LAURA SOFÍA ARBELÁEZ ISBN

X X X-X X X-X X-X X X X-X DISEÑO DE IDENTIDAD VISUAL

TOQUICA ESTUDIO DE DISEÑO DISEÑO GRÁFICO

CAÍN PRESS UNA DIVISIÓN EDITORIAL DE TOQUICA W W W.C A I N P R E S S .C O M - W W W.T O Q U I C A .C O M

L A EXPOSICIÓN MUESTRA O B R A S D E 3 5 A R T I S TA S Q U E PA R T I C I PA R O N E N E L P R O YEC TO DEL MINISTERIO DE C U LT U R A “ L A B O R AT O R I O S DE INVESTIGACIÓN Y CRE AC I Ó N E N A R T E S V I S U A L E S ”.

PROYEC TO QUE SE PL ANTE A COMO UN ENCUENTRO ENTRE IGUALES Y QUE PROMUE VE L A P R O D U C C I Ó N E X P E R I M E N TA L Y D O TA R D E H E R R A M I E N TA S A S U S A S I S T E N T E S PA R A P O TENCIALIZ AR SUS INTERESES PA R T I C U L A R E S .

LA MUERTE SE VA DE VACACIONES

LOS LABORATORIOS DE INVESTIGACIÓN Y CREACIÓN EN ARTES VISUALES, PROGRAMA DEL MINISTERIO DE CULTURA CREADO HACE 15 AÑOS, CONSTITUYEN UN ESPACIO DE DIÁLOGO QUE INVOLUCRA A CREADORES DE LAS DIFERENTES REGIONES DONDE SE DESARROLLAN. ATENDIENDO A SUS DIVERSAS VÍAS DE FORMACIÓN, ESTOS SE PLANTEAN COMO UN ENCUENTRO ENTRE IGUALES EN FAVOR DEL FORTALECIMIENTO DE SUS PROCESOS CREATIVOS. COMO SU NOMBRE LO INDICA ES UN ESPACIO DE EXPERIMENTACIÓN QUE PROPONE UNA CONCEPCIÓN DE LA INVESTIGACIÓN ESTRECHAMENTE LIGADA AL PENSAMIENTO ARTÍSTICO. EN EL AÑO 2014, EL COLECTIVO DE ARTISTAS SI NOS PAGAN BOYS ELABORÓ UN EJERCICIO CURATORIAL QUE SE PRESENTA COMO UN DIAGNÓSTICO DE LO ACONTECIDO EN LOS PROCESOS LLEVADOS A CABO ENTRE LOS AÑOS 2011 Y 2013, EN DIFERENTES DEPARTAMENTOS. ESTA MUESTRA VINCULA 34 ARTISTAS Y EVIDENCIA LA DIVERSIDAD DE LOS LABORATORIOS. LAS OBRAS SE DESTACAN POR SER EJEMPLOS DE LAS EXPERIENCIAS SENSIBLES PRODUCTO DE LO QUE SE PROPUSO EN CADA REGIÓN Y QUE, EVENTUALMENTE, TIENEN UN IMPACTO EN EL PROCESO DE INVESTIGACIÓN PERSONAL DE CADA UNO DE LOS CREADORES. EL COLECTIVO VIAJÓ A LAS DIFERENTES CIUDADES Y REALIZÓ PEQUEÑAS VISITAS A TALLERES DE ARTISTAS; ASÍ COMENZÓ UNA TEMPORADA DE ENCUENTROS-DIÁLOGOS SOBRE LAS ESPECIFICIDADES DE CADA LABORATORIO Y DE SU CAPACIDAD POTENCIADORA EN LAS OBRAS PERSONALES DE LOS ARTISTAS ASISTENTES. DE MANERA PARALELA, LOS MIEMBROS DEL COLECTIVO CURADOR SE REUNIERON A REVISAR LAS OBRAS VISTAS EN CADA REGIÓN, YA QUE LAS VISITAS SE REALIZARON EN PAREJAS ALEATORIAS, BUSCANDO ESTRUCTURAR Y DIGERIR LA INFORMACIÓN PARA SER COMPARTIDA AL GRUPO. EN ESTOS DIÁLOGOS SE DISCUTIÓ LA MANERA DE GENERAR UNA EXPOSICIÓN DONDE LA CONSTANTE ES LA DIVERSIDAD EN SUS COMPONENTES.

Por otro lado, el colectivo vivió de cerca los procesos que se consolidaron en el departamento del Cesar, porque varios de sus miembros participaron en los proyectos de los años 2010, 2011 y 2012. Para los Laboratorios del 2013 en esta región, a nombre del colectivo se dirigió la conformación de la Primera Noche PhecaKucha Valledupar¹. Visualizando lo disímiles que eran los trabajos a considerar y entendiendo que se abordaba un proyecto curatorial desde la mirada de artistas (sin métodos ni intereses teóricos unificados), la primera decisión fue no definir un lineamiento de selección de las obras, hasta no dar por terminadas las reuniones con los implicados. ¿Artistas haciendo un ejercicio curatorial?

Con esto se propone replicar el encuentro entre iguales que se plantea en la génesis del proyecto de los Laboratorios y el interés del colectivo en generar nexos entre los artistas. En el transcurso de las entrevistas surgió la pregunta por el uso de términos y conceptos inherentes al arte: ¿cómo construimos las nociones de performance, happening, acción, instalación, paisaje activo, arte relacional, videoperformance, curador, gestor, autogestor, independiente, etc.?. Cuando se adoptan estas ideas ¿qué tan cerca o lejos estamos de su concepción inicial?, ¿en qué grado las referencias que nos sitúan en nuestras particularidades son distorsionadas por nuestras propias nociones, o tienen pequeños cambios según las fuentes? Convivimos con estos “errores” o “distorsiones” o “interrupciones”, por eso, esta muestra se plantea como una experiencia audiovisual basada en el concepto glitch, que se define como “la

materialización estética de ‘errores’, ya sean digitales o analógicos, generados a propósito o encontrados al azar, tanto por corrupción de código de datos (Data Bending) o físicamente, por la manipulación de circuitos de dispositivos electrónicos (Circuit Bending)”.²Tal como lo propone la artista Rosa Menkman en su Manifiesto Glitch: “Aléjate de los guiones preconcebidos de acción y únete al avant-garde de lo desconocido. ¡Vuélvete un nómada de los artefactos de ruido! La estática, la noción lineal de la información-transmisión puede ser interrumpida en tres ocasiones: durante la codificación-decodificación (compresión); retroalimentación; o cuando se produce un glitch (una ruptura inesperada en el flujo de tecnología). Los artistas del ruido deben explotar estos artefactos de ruido y explorar las nuevas oportunidades que ofrecen”.³

1. Las Noches PechaKucha son reuniones de personas creativas que se reúnen en un ambiente informal para compartir sus ideas, trabajos, proyectos; en general, cualquier información que quieran compartir. Estas presentaciones se desarrollan en un formato 20x20, donde cada expositor cuenta con 20 imágenes que durarán 20 segundos cada una, y que pasarán automáticamente para un total de 6 minutos 40 segundos. El formato fue inventado por Astrid Klein y Mark Dytham dos arquitectos ingleses que, trabajando en Tokio, buscaron una solución a las tediosas y largas reuniones de arquitectos parlanchines. La Primera Noche PechaKucha se realizó en el 2003 en Tokio, y hoy hay más de 600 ciudades con más de dos noches PechaKucha al año. Su éxito se debe a que el formato logra mantener un alto grado de atención en el auditorio y que uno de sus pocos requisitos es que sea sin ánimo de lucro. PechaKucha significa cuchicheo en japonés. Si desea conocer más visite: www.pechakucha.org 2. Brener, Iael (2013). “Roto y deforme es el nuevo sexy”, especial sobre Glitch Art, publicado en miramama.com.uy. Disponible en: http://miramama.com.uy/random/glitch-art-iael-brener/, consultado el 15 de noviembre del 2014.

3. Menkman, Rosa (2011), “Glitch Studies Manifesto”, in Lovink, Geert y Somers-Miles, Rachel (eds.), Video Vortex Reader II: Moving Images Beyond YouTube. Amsterdam: Institute of Network Cultures, pp.

336–347.

Los espacios dispuestos para hacer la exhibición dentro del Museo de Arte de Pereira, y los sentidos, conexiones, tensiones, glitchs, y relaciones que —evidentemente— surgieron entre las obras, pues ellas no hablan solas, fueron los parámetros con los que se construyó la disposición de la muestra.

La concepción de los Laboratorios y sus inverosímiles devenires, o lo que podríamos denominar también sus convergencias y estrelladas, han sido determinantes en la mayoría de sus asistentes; así se registró en los diálogos y encuentros con estos artistas. Se destaca así mismo su naturaleza experimental y su disposición a generar cruces y diálogos entre los creadores, incluso con aquellos que no tienen formación académica. Al entender la pertinencia de los encuentros presenciales, se determinó que todos los artistas seleccionados se encontrarían en la ciudad de Pereira en torno a la inauguración de la exposición, y los invitamos a hacer parte de un ciclo académico donde algunos proyectos hablaron de su concepción e historia y también se realizó una visita guiada por la exposición con ellos.

La explosión de intereses ligados al sonido es solo un ejemplo materializado de los resultados de la apuesta del Ministerio de Cultura; apuesta riesgosa por su carácter abierto, pero que responde a una necesidad de exploración. Sus resultados son difíciles de medir, aunque nos gusta afirmar que han complejizado las escenas locales aportando herramientas y refrescado lo que puede llegar a ser considerado como parte de las prácticas artísticas.

En varias de las ciudades, pueblos y municipios donde los Laboratorios suceden es poco probable que los creadores tengan acceso a este tipo de formación y sus participantes comparten el afecto que le toman a este tipo de apoyos institucionales, al igual que su interés por reactivar los procesos donde han cesado. Estos espacios, que mezclan experimentación e inclusión, merecen continuidad y constancia.

Los Laboratorios han sido procesos de irrupción, que de alguna manera rompen con las dinámicas subyacentes a cada contexto particular donde se desarrollan, por eso es que La Muertes se va de vacaciones.4 -SI NOS PAGAN BOYS

†

4. Título tomado de la obra de Andrés Duque, que hace parte de la muestra.

MANUEL MANCERA

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Título de la obra: De Kualkier manera... menos kietos ni llorando.

Es una obra que se compone de varios momentos, primero una acción que el artista realizó en la plaza victoria donde pegó una tela blanca de 30 metros por 1,50 metros de ancho. Esta actividad le toma alrededor de 9 horas ya que hay una actitud relacional con los transeúntes. El día siguiente con una duración similar el Artista despega la tela la cual está marcada con el tramado del suelo y una multiplicidad de huellas recogidas por el pegante.

Mapas inesperados, cartografías encontradas, un gesto simple que desenfoca las lógicas cotidianas.

Hacer entrar en dialogo las practicas artisticas y la comunidad no especializada es el proposito de su trabajo. Haciendo visibles espacios invisibles por la cotidianidad del espacio.

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MARIO CASTILLO Título de la obra: Formas in-predeterminadas Performance con una puesta en escena teatral.

Los protagonistas son: arcilla, un video que se proyecta de frente al escenario (registro de una acción realizada en una deriva rural, donde el artista juega con los reflejos y movimientos del agua de un bebedero para ganado), el público, el cuerpo del artista y la sombra que demarca sobre el video.

50 kilos de arcilla que comienza a moldear de forma gestual y que pronto aplica sobre su rostro y todo su cuerpo, transformándose él mismo en lo moldeable y maleable. La acción lo empodera y genera tensión con el público, esta situación altamente plástica podría denominarse expresionista.

Para ver más obras de este artista http://vimeo.com/user4802830

J A I R O TA M A R A Título de la obra: Vale Copa Jairo fue el encargado de inaugurar la exposición “La muerte se va de vacaciones”. Su obra “vale copa” ya ha inaugurado plazoletas en Cartagena, ha participado en el primer festival de artes escénicas del caribe y en la X bienal de Arte de Bogotá.

Generando la atmósfera de un acto institucional el artista se vale de los protocolos para crear falsos eventos. Así ha convencido a la prensa que ha registrado sus discursos, discursos que van acompañados de un falso brindis, ya que se dispone un vino y unas copas que nunca van a ser utilizadas pero que ayudan a reunir público en la espera del correspondiente.

Su discurso está cada, para crear el artista pocas espera del trago

lleno de palabrería popular disfrazada y dignifila ambivalencia en el escucha. Escucha que según personas denotan su contenido porque se reúnen en que hipotéticamente se daría.

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Vale Copa es una acción artística de impacto urbano que se puede catalogar de falso positiva. Es un método para evidenciar y criticar los mecanismos que determinan la producción hegemónica de imágenes mediáticas y políticas de la realidad. Es un performance dirigido a todo público particularmente a los transeúntes de la zona donde se realiza la acción.

F R E DY C L AV I J O

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Título de la obra: La Cristalina (intervención en el paisaje)

ejemplo, el lugar donde se cuecen los sancochos en la rivera dejan una marca tiznada sobre las piedras, donde nosotros vemos “sucio” Fredy ve unos dibujos en carboncillo.

Fredy tiene una relación particular con su entorno, procesos de observación y reflexión pausados, que lo llevan a componer y descomponer los espacios no solo en su fiscalidad sino conceptualmente. En una primera conversación sobre el proyecto que termina llamándose la cristalina, él nos comentaba sus intereses en la composición lúdica que se genera entorno al rio y como sus huellas dejaban rastros extraños que podían convertirse en otra cosa, por

La piedra que el artista enchapó en el río se pensaba traer al museo, pero al pedir los respectivos permisos no fueron otorgados argumentado qué se puede cambiar el curso del rio. Igualmente al pensar la producción se volvía muy complejo trasladar una piedra de más de 3 toneladas.

El creciente desarrollo urbano ha hecho del espacio rural un rumbo de escape del frenesí que este conlleva para los habitantes de las ciudades. Este desplazamiento al encuentro con el entorno natural establece relaciones con un territorio donde el rio es un elemento esencial para desarrollar un sin número de actividades de diferente orden.

La ciudad de Pereira no es la excepción durante muchos años las personas en búsqueda de esparcimiento, recreación y ocio concurren los fines de semana al rio la Cristalina ubicado en la vereda San José a 10 minutos del centro de la ciudad. Lo cual ha generado las más diversas actividades entorno al rio, entre ellas es frecuente encontrar a familias y grupos de amigos realizando lo que es conocido como paseo de olla, cuyo objetivo es establecer vínculos a la vez que se realiza un sancocho a orillas del rio; toda esta actividad ha incidido en el sector que ha visto como este se convierte en un balneario improvisado al finalizar la semana.

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Este proyecto inicia a partir de frecuentes visitas al sector, con el fin de establecer desde el arte como las personas se relacionan con el paisaje; Haciendo de este un lugar no solo para la contemplación del entorno natural, sino un contexto idóneo para desarrollar las actividades de ocio.

El paisaje siempre ha sido entendido como el resultado de las relaciones que establece con su entorno el ser humano y la construcción cultural que puede hacer de este vínculo.

Asi lo define Javier Maderuelo “el concepto paisaje es un constructo, una elaboración mental que realizamos a partir de lo que se ve al contemplar un territorio, un país.

El paisaje no es, por lo tanto, un objeto ni un conjunto de objetos configurados por la naturaleza o transformados por la acción humana. Tampoco es la naturaleza, ni siquiera el medio físico que nos rodea o sobre el que nos situamos.

El paisaje, en cuanto concepto, es la trabazón que permite interpretar en términos culturales y estéticos las cualidades de un territorio, lugar o paraje” Las formas de representación del paisaje han cambiado constantemente en cada época, cultura y sociedad respondiendo a las relaciones, creencias, conocimientos y deseos de su momento histórico. Generando nuevas miradas y por lo tanto otros valores para juzgar y representar el entorno. El paisaje en la creación contemporánea indaga sobre las relaciones entre naturaleza y como se ocupa y se actúa sobre el territorio.

El hecho que la UNESCO en Junio del 2011 haya declarado el paisaje cultural cafetero como patrimonio de la humanidad, implica una reflexión sobre lo que esto conlleva. Entre muchas otras el como hacer del entorno natural un atractivo turístico y la estrecha relación de esta actividad con el ocio y el consumo del paisaje. Además de las diferentes estrategias mediales y publicitarias que hacen uso de la imagen en la inserción estereotípica del destino turístico.

Que brinda unos cuantiosos aportes económicos a la región, lo que implica desde el arte una indagación por las relaciones que establecen las personas en su tiempo de ocio con el paisaje y como esto incide en el entorno.

JUAN SEBASTIÁN CARDENAS Título de la obra: como construir una casa.

Juan Sebastián es un performer de la ciudad de Manizales, esta obra la construye partiendo de un recuerdo íntimo: Su madre le decía que su abuelo había construido todas las casas de Manizales menos la de él. La familia del artista ha estado dedicada a la construcción y como relata el cuento de su madre en efecto en su niñez Juan Sebastián convivió con su abuelo que luego de una vida de trabajo arduo estaba a la deriva sin un techo donde vivir.

130 clavos de arcilla son preparados por el artista, que llega a la sala de exposición y cambia su vestimenta por un overol de trabajo y unas botas de obrero. Enseguida se dispone a clavarlos en un solo punto, éstos se van desmoronando. Una acción silenciosa y calmada. Que culmina con doblar el overol y retomar su vestimenta inicial.

Es importante entender la acción del cuerpo como medio de comunicación y hacer una reflexión en torno a diferentes aspectos de la vida cotidiana, también tener en cuenta el acto ritual y desde que significado se puede vincular con estos hechos.

Aquí puedo evidenciar que el cuerpo es un ente capaz de transformar un espacio para habitarlo y también que la acción cotidiana de este se convierte en un “habitar el espacio”.

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JUA N PA BLO OR T IZ ( T UCHI) Título de la obra: 11 clips que duran entre 1 a 4 minutos cada uno, cada uno tiene su titulo.

Juan Pablo estudió Cine en la Pontificia Universidad Javeriana en Bogotá, ahora es profesor de animación en la ciudad de Pasto.

Estos clips se estructuran dentro del ámbito académico, el artista cuenta cómo al dar ejemplos globales de los componentes de la animación y como utilizarlos, sus alumnos sentían una distancia frente a la labor, argumentando que estos ejemplos eran realizados por “grandes y famosos productores”. El artista se hizo a la tarea de resolver cada ejercicio de clase que él mismo asignaba (algunas veces reunido con sus estudiantes fuera de clase), creando un ambiente de: si yo puedo, ¿porque ustedes no si contamos con las mismas herramientas?

Destacamos la exploración estética de cada propuesta, la búsqueda de formas alternativas para consolidar su compromiso docente y la potencia de generar inquietudes que van más allá de lo inmediato o concebido. Una actitud desafiante donde el profesor juega también el roll del estudiante.

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11 Vídeos - Serie de vídeos de la cátedra de TV Comunitaria, creados para retar a los estudiantes de comunicación social de la universidad Mariana a realizar trabajos de mayor calidad superando al maestro.

Las imágenes dan significado a las cosas por eso las cosas tienen su valor en nosotros, un maestro debe cuestionarse continuamente sobre el valor de las imágenes, y cuidar como un tesoro las que va utilizar, ya que en ellas se esconde el valor de lo que quiere ensenÞar, su conocimiento no es un criterio de ego ni de verdad, es un criterio de creacioìn colectiva que los estudiantes desintegraran para formar su propia medida de las cosas, cosas que fueron denominadas por las palabras de la lengua del maestro, buscar las imágenes, gran tarea para simples mortales, pero esta seraì la tarea del recorrido.

PD: Por ultimo y en lo cual me siento mas orgulloso es cuando a final de semestre observe que los estudiantes realizaban trabajos para diferentes materias aplicando los conceptos que aprendieron en la clase, creando paisajes sonoros, planos secuencia, animación, direccioìn de arte, etc y lo que es mejor los trabajos eran auìn de mayor calidad que los entregados en nuestra clase.

JENNYS OBANDO Título de la obra: Dibujos de libreta Jennys estudió Arte ligado a una actividad docente, Su proyecto de grado llamado “THEKE” es un recetario de dibujos, ella le pide a artistas con trayectoria (Wilson Díaz, Miguel Kuan) que le regalen una receta para hacer un dibujo, ella los colecciona y aplica en sus múltiples actividades docentes.

En la exposición “La muerte se va de vacaciones” la artista nos compartió los dibujos de su libreta, para poder enmarcar los dibujos tubo que desencuadernar cuidadosamente y la contra hoja se encuentra doblada dentro del marco. Son dibujos delicados, femeninos que nos recuerdan escenas circenses.

Los dibujos de Jennys Obando son un proceso que comienza como discusión iniciados al ejercicio del dibujo, en relación a los días que se viven en la cotidianidad son la respuesta o la inquietud de 24 horas de vivir, pretenden ser contestarias a una situación de encuentros fructíferos, pretenciosos, trascendentales y eroticos; pues hacen parte de un proceso de espera a una respuesta de otro artista que tras él envió de estos dibujos realizará otros como una correspondencia a ellos, son una forma conectar las experiencias de una persona con otra.

ANDRÉS MONTEALEGRE

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Título de la obra: Pegatinas

por la propaganda política y comercial que invade y contamina el entorno.

Andrés antes de estudiar arte, estudio publicidad, los referentes al diseño son claros en su trabajo. Las Pegatinas son un método para grafitear la ciudad, donde el artista hace sus composiciones sobre papel reciclado en casa y cuando sale a la calle se dedica a ver donde es pertinente pegar con engrudo sus pinturas.

La intención es transformar y reciclar espacios y materiales con el fin de sugerir nuevas miradas y habilitar las calles como espacios para la expresión plástica y crear un vínculo de intercambio directo entre el arte y el público.

La calle es el espacio frecuente de esta obra que pretende transformar muros en estado de abandono y sugerir una visión diferente frente a lo que percibimos o nos toca, como habitantes y espectadores, teniendo en cuenta que los espacios habituales son invadidos

La calle se vuelve como una especie de museo al aire libre en donde las superficies habilitadas y no habilitadas dan cabida para proponer lenguajes alternativos a la contaminación mediática impresa que inunda la ciudad.

GABRIELA EGURROLA Título de la obra: Te_as instaladas Este tríptico se encuentra instalado de manera que el público tenga que buscar el encuentro con la obra. La artista invita a compartir una historia personal relacionada con implantes mamarios. Admirados por la calidad de su pintura el colectivo la invito a mostrar sus cuadros de frente (no a través del reflejo en el espejo) pero para Gabriela era fundamental el juego con el rostro del espectador que remite a las ferias. Después de la inauguración la artista reflexiono que también un pudor inconsciente en su momento la llevo a mostrar sus autorretratos semidesnudos de espaldas a la sala.

Te_as Instaladas (el espacio en el título para dar la opción del juego con la T o con la L según se quiera) plantea tres momentos emocionales en la vida de una mujer que se ha sometido a un procedimiento estético: el pre, post y post operatorio en una mamoplastia de aumento, visto como un antes, después y después de después. Aborda un tema poco difundido: el rechazo psicológico hacia los implantes y a la nueva imagen que afrontan algunas pacientes y el conflicto que esta situación genera.

Valiéndose del lenguaje corporal y elementos simbólicos, busca expresar cada momento y su relación físico-emocional, reflejándose así en la postura neutra y relajada del primer momento, el estrés y el sofoco del segundo momento, enmarcado en la tensión muscular, cabello contenido, ropa interior en el plástico más corriente ( bolsas de tienda, aludiendo a la popularización del procedimiento) sujetados por cintas de “peligro”, en este caso Danger, por su equivalente en francés, la ausencia de aretes y uñas corroídas, en un momento asfixiante, ante la incomodidad e insatisfacción del aumento. Y el tercer momento presenta la liberación después de la explantación (procedimiento de retiro de implantes), el reencontrarse con la esencia, luego de desafiar pronósticos médicos ante la posible desfiguración de los senos, y finalmente descubrir la belleza y la sensualidad después de…narrado todo esto a través de las icónicas uñas rojas, lencería de encaje y transparencias en colores vibrantes y una actitud cómoda y confiada.

Presentado todo esto a manera de “head through hole photo booth” elemento de diversión encontrado en ferias y fiestas populares, invitando al espectador a confrontarse de forma directa, puesto que en lugar de tomarse una foto, la invitación es a observarse reflejado en el espejo que está ubicado justo al frente, y proponer un instante de reflexión.

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OLGA GÓMEZ Título de la obra: La tribu errante Olga es una artista de 68 años quien comenzó a hacer obra tan solo hace doce. Ha participado en varios salones regionales y nacionales. Entre sus trabajos hay pinturas, objetos, mapas, maquetas, pero sobresalen los que contienen o son muñecos de trapo. En su casa en Montería tiene una serie de muñecos que ejemplifica o simbolizan prototipos de estructuras o paradigmas mentales de 12 mujeres, ellas están dispuestas y cohabitan él lugar.

Olga antes de ser artista era bibliotecaria y vivió en Mexico, India y Egipto, ya que su esposo era diplomático.

Con un carácter fuerte y claro frente a su trabajo Olga muestra su posición política de manera explícita mientras refina y trata con el mayor de los cuidados su trabajo.

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LU I S H OWA R D Título de la obra: Sin título.

Estudio arte en la universidad de Cartagena y vive en Providencia. Muchos de sus clientes son extranjeros ya que dadas las calidades de su pintura es un referente dentro de la isla. Es evidente su estrecha relación con el entorno, cuando una persona convive en el “paisaje” su relación éste es diferente. La isla y el mar son nociones que se entretejen, por eso en sus exploraciones el Artista explora métodos para sobreponer dos imágenes, este afortunado juego en su caso ha sido el interlocutor para desarrollar sus intereses.

J O N AT H A N H O WA R D

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Título de la obra: Emociones Estos dibujos digitales de Jonathan son una especie de canalizador de energía creativa, que realiza atreves de los días en providencia, hay que decir que Jonathan y Luis son hermanos y que tienen una hermana quien también tiene un trabajo fuerte realizando paisajes en las uñas.

La mayoría de nosotros tiene conoce el programa de edición de imagen que viene incorporado a la plataforma Windows PAINT, si alguna vez lo ha utilizado se pudo dar cuenta de lo precarias y limitadas que son sus herramientas, más aún si lo comparamos con un ADOBE (photoshop, illustrator) o COREL. El artista dedica gran parte de su vida a realizar estos trabajos que estamos viendo, en este televisor solo hay 75 de sus pinturas o dibujos digitales, pero este archivo es mucho más extenso.

Detalles de dibujos digitales

A N A C R I S T I N A Z U L E TA Titulo de la obra: A punto Ana Cristina es una artista que vive en la ciudad de Pereira y que en su paso por la Universidad Nacional encontró en el grabado un lenguaje que por muchos años exploró, con el tiempo y después de una estadía en la ciudad de Cali donde no fue sencillo encontrar las prensas necesarias para continuar, Ana encuentra en la cerámica una plasticidad intensa, sensual, hasta erótica. Tierra, arcilla, barbotina, chamote, horno, lo maleable y lo incontrolable son unos pocos sustantivos que se entrecruzan en su trabajo.

Esta serie de 9 semillas para quien ha trabajado con el medio puede dar fé de la complejidad de su elaboración, por su tamaño las quemas suelen ser complicadas. Afortunadamente en la relación de la alquimia de la cerámica con la artista hay afecto. Dos de las semillas podrían catalogarse como piezas “fallidas” ya que se rompieron o agrietaron en su gesta. Ana decide mostrarlas al lado de las piezas completamente impecables, este gesto le da distancia a la obra del ornamento y pone al espectador frente a un hacer y no frente a su resultado, que eso es aún más bello.

Crisis crisálida crisol - Un poco de transformación Creo q hay una ruptura en la sociedad y esta se debe a q los seres q las conforman están fisurados ellos mismos, aun si algunos no son conscientes de esto o si otros están tratando de repararse. Podemos ser solos pero también podemos ser con otros. Con A PUNTO me pregunto por las relaciones que establecemos con el cuerpo, nuestro cuerpo y el de otros. Los pliegues y orificios, los volúmenes cerrados me llevan adentro, a un lugar íntimo-mental. Son nueve piezas cerámicas (9 que relaciono con gestación, crecimiento) instaladas en el piso, sobre pasto a manera de semillas caídas. Cada una modelada a mano en cerámica y algunas llevadas al máximo en la temperatura de quemado. También hacen parte las piezas q en el proceso de cocción se explotaron haciendo evidente su condición de fragilidad pero dando lugar a otras posibilidades y “nacimiento” de nuevas piezas (como la que tiene maticas de monte).

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ANDRÉS DUQUE Título de la obra: La Muerte se va de Vacaciones “Las itinerancias de la muerte” es una novela de Saramago, que habla de los aconteceres de una comunidad cuando la muerte deja de hacer su trabajo, luego de una euforia colectiva dado que nadie muere, comienzan a convivir con las enfermedades y la vejez y se desata un caos que lleva a esta comunidad a clamar que la muerte regrese.

Andrés Duque es un artista de Pereira que realiza este dibujo de tamaño pliego con lápices de colores, en estos momentos está comenzando su maestría. Cuando el colectivo ve su obra hay un link por el tono de humor que comparten. La pieza ayudo a comenzar a tejer la muestra ya que mientras se realizaban las entrevistas podíamos ver ciertos cruces que le podían dar forma a una propuesta tan diversa y experimental como los laboratorios de investigación y creación del ministerio de cultura.

ADRIANA ISAZA Título de la obra: Dentro de la concha Adriana es una Artista ligada a la pedagogía, vive en Manizales donde tiene diversos proyectos relacionales, por ejemplo, su casa es un lugar donde trotamundos pueden hospedarse a cambio de un intercambio simbólico, no monetario. Dicta arte a niños y jóvenes de todas las edades, buscando llevar esta experiencia a niveles alternativos, trabaja por proyectos comunes y los desarrolla hasta llevarlos a un espacio de exhibición, dignificando toda la labor de sus estudiantes.

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Al conocer su casa nos impacto el mobiliario que le construyo a su hija, un camarote con luz dentro lleno de aditamentos que cualquier niño anhelaría incluyendo el closeth de disfraces.

La obra de Adriana habla del tapujo que ella siente en su entorno frente a la masturbación femenina, este políptico busca hacer bello lo que algunas veces es tratado de manera grotesca.

MILAGROS RODRÍGUEZ Título de la obra: Planeta Priapus 22-76 Milagros es una artista barranquillera que una tarde caminando por Bogotá se puso a pensar, que si existieran extraterrestres estos deberían conocer formas de satisfacción sexual desconocidas por el hombre.

En esta obra milagros recrea un mundo alienígena donde cada miembro tiene unas especificidades, cualidades, destrezas, dones, ganchos, chupas, compuertas, escondites, atractivos, encantos, sutilezas, etc… todo en pro de lo erótico.

Este proyecto está en proceso, cuando los personajes estén consolidados la artista va a animarlos.

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H E N R Y N AVA R R O Titulo de la obra 1: Paisaje yermo Titulo de la obra 2: Sicaliptico Paisajes Yermos es una serie de Henry en la que toma fotografías de la ciénaga de Santa Marta que por el trabajo de las carboneras y el desarrollo urbano ha venido deteriorándose prácticamente de manera irrevocable. Vemos una figura en alto contraste que no podemos definir que es si un fragmento de árbol, de la ciénaga o la totalidad de un elemento del paisaje.

El término Sicalíptico quiere decir, sensual, erótico y libidinoso. Esta serie surge en el contexto de un set de pornografía en el cual el artista ha trabajado y de donde saca las escenas de las piezas. Luego elabora estas composiciones de colores chillones donde la sexualidad explícita de lo pornográfico pasa a ser algo velado y casi abstracto.

Sicalípticos Anteriormente la fotografía era vista como una forma de reproducción mecánica de la realidad. En la actualidad la fotografía digital se contempla como un dominio del nuevo orden propiciado por los medios electrónicos cuyo efecto de “desrealización” no se reduce a la representación de lo real aplicada a la imagen, sino que también afecta a todas nuestras facetas abstractas de construir la realidad. Hoy la pantalla electrónica permite transformar a voluntad el mundo que se percibe, convirtiendo al ordenador en un laboratorio para la construcción y ensayo de la simulación compuesta, integrada, con flexibilidad, reversibilidad y satisfacción. Por ende, el trabajo presentado consiste en lo concerniente a las artes visuales.

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La propuesta son imágenes, que no buscan romper con la tradición artística en la fotografía, sino la continuación y aportaciones de nuevas soluciones técnicas y formales exaltando la génesis tecnológica de la imagen, donde se le atribuyen la elección de unos determinados procesos combinatorios.

Dentro de la técnica se puede apreciar la yuxtaposición de figuras polimorfas, con intervención digital. Son técnicas actuales de manipulación electrónica que trastocan la confianza en la solidez de la identidad y que con la nueva tecnología sirve para estructurarla, fijarla y darle estabilidad al juego de la celebración en el goce del sexo que invita a la visualización de una atmósfera densa y levitante de camaradería sexual multicolor, en la intimidad de los bacanales y oleada pornográfica; la heretoflexibilidad, con múltiples facetas y todo aquello que hace parte de la animalidad del individuo, exaltando el estilo figurativo, con desplazamiento metafórico, en el que se tiende a resaltar el cuerpo humano, donde adquiere matices retadores a través de las poses, tratamiento del color, etc. Realzando las partes del cuerpo que están relacionadas con el ámbito sensual que exhalan erotismo y pierden su identidad, al visualizar un paisajístico y aglomerado colorido, es una traducción de la imagen donde se desdibuja la identidad de aquellos que dicen vivir plenamente su sexualidad o quizás en consecuencia es una chapuza para anatematizar la industria del sexo.

Sicalíptico, Es una percepción visual que se ocupa de las relaciones entre originalidad y redundancia en la forma, interpolando los respectivos coeficientes identitarios para generar determinadas tipologías individuales y cruzadas entre la identidad de género, que en actualidad algunos individuos se implantan en los recodos de la vida moderna.

Más que fotografías son dibujos de abstracción, excitantes, impregnados por la magia de los colores fuertes y cabalmente combinados. Mostrando el cuerpo humano, en donde no se muestran en su totalidad, existiendo ciertos tintes ostensiblemente eróticos, con el objetivo de expresar a través de ella sentimientos, sensaciones o planteamientos

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actuales, reales o imaginados. Ficciones visuales, fabricando simulacros con simulacros, imágenes que afirman ser las imágenes de unas imágenes. Imágenes puestas al servicio para la reflexión.

Paisajes Yermos El planeta se encuentra en una situación frágil, el actual escenario de cambio global modificara los mecanismos elementales que permiten la vida en la Tierra y el individuo junto a entidades, también hace su aparte. Por ende, es necesario promover actuaciones responsables y solidarias con el medio ambiente, promoviendo un proyecto, manifiesto o ensayo fotográfico, para que a través de la visualización de imágenes, se sensibilice y se eche un vistazo, sobre un problema ambiental de impacto que actualmente está sucediendo en muchas partes del mundo, y, principalmente el que está sufriendo la ciénaga del Rincón, conocida popularmente por los habitantes de Barranquilla y Puerto Colombia, como el ‘lago del Cisne’ el cual está ubicada entre estas dos.

Por años de años, ha existido el lago del cisne, sitio hermoso lleno de agua, abundante fauna y flora, sin embargo, a partir del años pasado o según estadísticas, hace diez meses, la fuerte sequía, ha acrecentado la reducción del nivel del agua del lago, casi en su totalidad. Causando emergencia ambiental.

Muchas especies de la fauna- entre ellos reptiles como las babillas y pequeñas tortugas, al igual que mucha vegetación, ya solo son cadáveres y según nuestras autoridades están alarmadas por el hallazgo de un equivalente a 14 babillas muertas.

La comunidad aledaña al desolado paraje dicen que el daño ambiental fue ocasionado por la sequía y que también hizo gran aporte los trabajos realizados al construir las cancha de golf y un puente que queda cerca, ya que desviaron unas entradas de agua, causando o acelerando rápidamente la reducción de agua del lago.

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RUBEN SUÁREZ Titulo de la obra: Adelphopoiesis II Performance que aborda la problemática del género, Ruben es un artista de la ciudad de Barranquilla de padre barranquillero, y madre indigena de la guajira, este performance es como un viaje a su sentir como serhumano homosexual dentro de unas sociedades mas tradicionalistas y machistas como lo son la barranquillera y la guajira.

La vorágine de la postmodernidad cada vez avanza con mayor rapidez, y es fácil olvidarnos de nosotros mismos y perdemos el respeto entre nosotros. Nos encontramos en un mundo sobrepoblado y colapsado, donde todos vamos corriendo inconscientemente, dejándonos llevar por lo externo. Desafortunadamente, los hombres tenemos un sentir masculino común que nos une como sexo, pero a la vez nos desconecta de muchas cosas importantes de la vida, limitándonos en la expresividad afectiva o emocional.

Esta hombría deformada en machismo proviene de la misma naturaleza patriarcal masculina. Nos limita la expresión entendida como emoción, derivando en violencia en todas sus manifestaciones. Es así como los hombres nos apropiamos de la ira y la rabia, asumiéndolas como propias e inherentes a nuestro ser. Nos justificamos en ellas para no pedir permiso, para expresarnos con energía, destrozando y acabando con todo el mundo.

Con este Video Performance, estableceré las similitudes entre el Santo “Queer” (San Sebastián) y los “Patronos del Matrimonio Homosexual”, San Sergio y San Baco. ²Rescatando el elemento de “adoración política” presente en nuestra sociedad, crearé un escenario que consta de una pantalla de 3 metros por 1.50 metros. Sobre ella serán proyectadas imágenes, mientras realizo paralelamente una serie de 10 escenas aludiendo al contexto popular Barranquillero y a la misoginia dentro del patriarcado.

2. La estrecha relación entre San Sergio y San Baco ha llevado a escritores modernos a creer que eran amantes. La evidencia más popular de este punto de vista es que textos antiguos de su martirologio, en griego, los describen como erastai, o amantes.2 John Boswell, historiador de la Universidad de Yale, considera su relación como un ejemplo de las parejas homosexuales del principio del cristianismo, reflejando la tolerancia hacia la homosexualidad de los primeros cristianos.. El artista Robert Lentz siguió este punto de vista retratándoles como una pareja gay en una pintura de iconografía religiosa.

David Woods clasificó algunos de los argumentos de Boswell como de superficiales. Otros historiadores y analistas bizantinos, en concordancia con la postura oficial de la iglesia ortodoxa, argumentan que la antigua tradición oriental de adelphopoiesis, que se hacía como una forma de “hermandad” en el nombre de Dios y que se ha asociado a estos dos santos no tenía carácter sexual. John Boswell ha señalado decenas de manuscritos originales, que presentan los rituales religiosos matrimoniales efectuados durante toda la Edad Media por sacerdotes católicos y ortodoxos dentro de las iglesias para consagrar bodas entre personas del mismo sexo. Para llegar a sus conclusiones Boswell recorrió todas las grandes bibliotecas de Europa, incluida la Vaticana, donde encontró muchos de sus manuscritos. Como resultado obtuvo 80 manuscritos originales de las ceremonias de bodas gays, en las que se invocaba como protectores a San Sergio y San Baco.

CARLOS CASTILLO

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Carlos Castillo es un artista de Ibagué cuya formación ha sido la filosofía la comunicación social y las artes visuales. Su obra es una exploración desde el vídeo del modo en que percibimos lo real.

Carlos indaga en los mecanismos en que nuestra mente busca darle sentido a la realidad a través del recuerdo y la memoria que tejen una colcha de retazos de eventos ficticios y reales. Castillo toma clips de video de escenas cotidianas y que trabaja una y otra vez por muchas capas que a menudo edita por meses y meses y sobre las que vuelve constantemente editando y añadiendo o suprimiendo partes, de alguna manera cada vídeo es una pieza inacabada.

Sus obras la realidad se deconstruye a traves de muchas lecturas visuales y sonoras y el audio muchas veces determina la linealidad temporal.

El modo en que trabaja el vídeo apela a la forma en que recordamos las cosas, donde el tiempo y el espacios se distorsionan y pierden sentido y no son del todo exactos.

Mi inquietud principal ha estado conectada con las posibilidades de las tecnologías audiovisuales ligadas al campo del arte contemporáneo; me interesa pensar la confrontación de lo virtual con lo actual, pensar las capas o transparencias como mecanismos de saturación de la imagen y trabajar sobre la noción de archivo y de re-escritura, sobre el archivo como una invitación constante a movilizar el contenido y sobre la re-escritura como un camino de ida y de vuelta al final del cual el “objeto” se termina de revelar, sin embargo el camino de la re-escritura también puede ser un rodeo o una serie de aproximaciones y retiradas sucesivas y todo esto termina por afectar la manera como nos relacionamos con dicho “objeto”, que viene a ser la obra en cuestión. Me interesa pensar la discontinuidad entre las bandas visuales y sonoras, en ocasiones evidenciar su manipulación; en dos de los trabajos presentados, en El cerebro hierve en su cráneo y en Los contornos de las cosas comienzan aquí, se utiliza la dimensión textual de manera explícita con la intención de trabajar la articulación palabra- imagen/sonido- movimiento como fuente adicional de más saturación y ruptura.

Al final de este proceso como estudiante de artes, me encuentro en un punto de inflexión en donde aquellas preocupaciones inicialmente centradas en las lógicas formales de la realización audiovisual comienzan a adquirir contornos menos apacibles, contornos menos contenidos, si se puede decir, en donde los aspectos formales se subvierten para dar paso a tratamientos experimentales y explorar lo anti-narrativo como posibilidad. En este proceso se han reforzado nociones de densidad y multi-sentido, precisamente a partir de la sospecha de “destrucción de sentido”, implícito en el lenguaje televisivo más evidente; la consideración del “ensayo fílmico” como la capacidad del realizador audiovisual de provocar un pensamiento busca enfatizarse a través de la idea dinámica de una mente oscilante, que se piensa a sí misma y que aparece mediada, a través o en el fondo de la densidad de las capas. Así es como en la noción de “ensayo audiovisual” y la consideración por el “fragmento fílmico”, es posible quebrar las premisas básicas que definen las películas convencionales (narrativa, sentido, organización de los tiempos en beneficio de la comprensión de una cierta historia y el movimiento o progresión de personajes).

En los trabajos que hacen parte del set de vídeos expuestos se evidencia una necesaria progresión y maduración de elementos, sobre todo lo relacionado con el tratamiento del sonido, el cual se vuelve más complejo y sutil, menos ruidoso a medida que el set avanza. Esta consideración por el sonido me lleva por momentos, en la parte final de uno de los trabajos, a dejar la pantalla en negro e invitar al espectador a que también piense en esta dimensión, sobre todo en un ethos contemporáneo saturado de imágenes. Mi trabajo es fronterizo y tiene elementos de puesta en escena, animación rudimentaria, crudo documental e imagen abstracta más pura. Actualmente estoy pensando mi trabajo en relación al espacio específico y estoy desarrollando, a partir del insumo acumulado como realizador audiovisual, la idea de trabajar sets en vivo, con manipulación y mezcla de bandas sonoras e inter-

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venciones ruidistas. En relación al montaje específico en el Museo de Arte de Pereira, como ya comenté a algunas personas del colectivo curatorial, me agrada el guiño irónico que se establece entre el emplazamiento del monitor y la sala ambientada del extraterrestre, como si alguna manera este último se hubiese hartado de ver los vídeos y tuviese que haber salido de allí por esa razón...

MERCEDES SUAREZ

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Mercedes Suarez es una artista de Bucaramanga que a pesar de su edad tiene una obra bastante actual.

Las agendas que estan en la muestra condensan el trabajo de un mes cada una donde ella trabaja un dibujo por día. La obra de Suarez indaga temas como el esoterismo (ella lee la mano, el chocolate y el tabaco) y su cotidianidad. A menudo elabora Mandalas o hace composiciones con personajes y animales que de alguna manera aluden a su propia psique y su propia feminidad.

Ya que ella no es una artista con formación académica siempre quiso estudiar artes y por esta razón ha desarrollado un estilo que no se restringe a los cánones del dibujo académico o convencional y se puede decir que su obra nace de una necesidad de poderse expresar y reflexiionar sobre su propia vida. Emplea diverso materiales como marcadores prismacolor, lápices de color témperas y tintas o bolígrafos. Actualmente su obra desarrolla un interés por los pigmentos naturales los cuales emplea en los talleres que hace con niños de bajos recursos y que no pueden comprar materiales de arte.

N A B O R B E TA N C O U R T Nabor es un personaje particular puesto que llega a las artes ya mayor y con el deseo de proyectar una obra escultórica de grandes dimensiones. Vivió por muchos años en los Estados Unidos donde se dedicó al trabajo de la construcción en Nueva York y otras ciudades, haciendo trabajos para las estructuras de las edificaciones. Al llegar a Colombia a la ciudad de Ibagué se dedica al estudio y se profesionaliza en el SENA en el cultivo y la producción técnica de la guadua y despues entrando al programa de artes de la Universidad del Tolima.

Cuando el grupo curatorial visitó su casa taller la experiencia de recorrerla fue como la de recorrer una estructura de tres pisos elaborada integramente en guadua donde aplico sus conocimientos en el campo de la construcción y del manejo de la guadua. La propuesta para esta muestra es una maqueta de una escultura sonora que proyecta hacer de mas de 25 mts de altura donde se propone una experiencia inmersiva donde el espectador se ubica en la parte inferior del cono el cual se proyecto hacia el cielo y amplifica el sonido del medio ambiente. La escultura se propone como una edificacion de tres plantas.

Al conectarme con el laboratorio de Sonoscopio Coello—Combeima, auspi-ciado por el Ministerio de Cultura me permite desarrollar dentro de la investigación del campo sonoro el cual me conduce y me inspira a proponer mi obra como un dispositivo sensorial dentro de una materialidad totalmente nativa que me acerca al arte conjugando materialidad, paleta, sonido, sensibilidad, y armonía cosmogónica. Y es aquí donde concluyo con mi experiencia personal y el paso por la academia el lograr proponer esta Escultura Sonora como espacio de contemplación y escucha.

La Escultura Sonora, Espacio de Contemplación y Escucha, proporciona un espacio de contemplación y escucha, orientada con los cuatro puntos cardinales y conectados cosmogónicamente con un eje vertical central, para permitir en cada uno de sus cuatro niveles de altura encontrar una orientación sensitiva marcada por el movimiento de la tierra. Partiendo de la dirección y altura propuesta en cada sección de la estructura lograremos una percepción visual,

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sonora, táctil y olfativa de forma diferente, debido a que en cada uno de estos espacios experimentaremos sensaciones distintas percibiendo un espacio-tiempo cambiante. Se permite así una relación directa con el entorno y el desdibujamiento de lo cotidiano producido por el ambiente sórdido de la ciudad.

La escultura está diseñada para ser ubica- da en un lugar alejado de la sordidez de la ciudad, a la visita libre, apto para la contemplación y específicamente la escucha, en un espacio totalmente natural (campo, montaña, parque o campus universitario) en un área mínima de 10 por 10 metros cuadrados .enmarcado en una base de 4 por 4 metros, debidamente orientados los lados con el movimiento solar (puntos cardinales), con una altura de 12 metros, compuesta su estructura por cuatro niveles debidamente ensamblados en guadua y madera, posee en la parte central como elemento principal un cono con un eje orientado cosmogónicamente. En la base tiene 1 metro de diámetro y con una terminación elevada de 4 metros de diámetro, construido igualmente en guadua y refuerzos en madera.

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GLORIA PEREZ Gloria es una artista de Bucaramanga que propone en esta instalación una historia divertida en la que Ricky el extraterrestre viene a la tierra y se toma un cafe en la sala. Ricky dispone de cuatro ojos lo cual posiblemente le hace tener una distinta profundidad de campo a la nuestra.

Lee el periódico y despues se va. Encontramos en la instalación una pintura donde esta Ricky y una instalación que es la sala donde estuvo. En las fotos de la pared vemos a Ricky de visita en distintas partes de la ciudad de Bucaramanga y el sofa donde aparentemente estuvo sentado. Por las marcas podemos inferir que tiene una consistencia babosa.

La obra de Gloria nos hace pensar que en el arte el humor tambien es importante, y que no por eso es menos relevante que otras propuestas mas elaboradas conceptualmente o mas serias, y como vemos en esta instalación la obra se propone como un juego donde podemos dejar volar la imaginación si estamos dispuestos a dar por sentado que Ricky es real.

Consiste en una instalación que la constituyen lo pictórico de donde parte el desarrollo de la instalación, junto a elementos y muebles que ocupan un espacio donde se propicia una imágen tradicional pero a la vez someten a la imaginación explícitaa de lo que evoca y a la vez propiciando un contacto y deseo de entrar, usar y hacer parte de esta obra.Se instala en un espacio aproximado de 4 metros por 5 metros.

La Visita “Riky” Instalación Al crear esta obra me divertí mucho haciéndola, porque encontré que a través del arte también hay humor y no la clase de humor sarcástico usado en política o en otras situaciones, sino simplemente algo divertido que da opciones a las personas para que se recreen e imaginen cosas que pueden ocurrir o que ocurrieron. Algo que me gustó es que cada vez que trabajaba esta obra se me ocurrían más y más cosas divertidas.

Esta obra partió de la idea de hacer 3 trabajos diferentes pero que tuviesen relación: primero pictórico y que tuviese un contraste, el Segundo una instalación y el Tercero que tuviese que ver con el espacio público La parte pictórica la hice pensando en un paisaje interior evocando una sala de los años 50 ó 60 y se me ocurrió agregar un extraterrestre que estaba de visita en esa casa y que seguramente no era la primera vez que los visitaba, el se muestra tranquilo leyendo el periódico quiere saber qué ha pasado en su ausencia. Para hacer el extraterrestre al que llamé Riky me inspiré en una película y le hice algunas modificaciones.

En la parte instalativa quise mostrar el sofá donde Riky estuvo sentado. Hice un tapete con la perspectiva desviada como en la pintura y la mesita similar. Debido al cambio de clima del planeta él casi que se derrite, deja muestras de alguna substancia que deja su piel donde se sienta y lo que toca lo unta dejando huella por donde pasa. Usa lentes en sus 4 ojos, le encanta tomar café que produce el planeta tierra.

En la parte del espacio público hice en cartón grueso a Riky lo pinté con acrílico y poliester tal como esta en la pintura. Por varios días lo llevé a distintos sitios de la ciufad haciendo un registro fotográfico, despues seleccioné 4 fotos las cuales enmarqué como parte de la obra.

La presentación final consta de una instalación donde hago notar una perspectiva muy original.

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SEBASTIÁN MACHADO Sebastián es un músico de Ibagué que como todos sabemos es la capital musical de Colombia. Este hecho determino que los laboratorios que se plantearon en el departamento hicieran énfasis en paisaje sonoro que consiste en crear imágenes o experiencias sensoriales en el espectador a través de estímulos sonoros. Ya que en las artes plásticas lo sonoro ha sido relegado a un segundo plano el primer paso es sensibiliarse en relación al entorno sonoro en el que estamos inmersos. Después de esto se pueden emplear elementos del ambiente para construir ambientaciones como quien pinta un cuadro.

Se puede decir que la experiencia del arte sonoro es en ocasiones abstracta ya que no sugiere ritmo o melodía alguna. Sebastián proponetres piezas sonoras que suenan a intervalos de 18 minutos en la sala y que son sonidos grabados previamente en salidas al campo, en la ciudad en campanarios o en sitios especfíficos. Luego trabaja sobre las pistas de audio que modifica y en las que podemos reconocer fragmentos de cosas conocidas como el canto de un pájaro o el repiquetear de unas campanas o sonidos que son generados en el computador. Al Igual que en las piezas de Nabor o de Carlos Castillo es importante que el espectador este atento a la experiencia auditiva.

1. Cantos Costumbristas (2014) Postal sonora compuesta a partir de audios registrados en santa Rosa de Cabal (Antioquia – Colombia) por el laboratorio de creación “Cantos de la montaña y radiofonías cafeteras”, buscando reflejar las costumbres y situaciones de la región por medio del sonido. Transmitido por radio fm y vía streaming al momento de clausura del laboratorio.

2. De las moscas del mercado (2014) Pieza realizada con sonidos de las campanas de la iglesia de San Francisco en Bogotá. Hace parte del compilado Sonus Syllabarium del colectivo Sonema (Bogotá).

Un paralelo entre lo litúrgico y lo pagano, lo ritual y lo vulgar, la voz de Dios como campanas que retumban en un espacio sin temporalidad y el dinero que va y viene de mano en mano entre pregones, rezos, gritos y susurros. Un lugar

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dentro de un no-lugar que se reinventa constantemente en un eterno retorno.

3. Naturbe (2013) Expuesto durante el festival internacional “Tolima Territorio Sonoro” en la ciudad de Ibagué.

Realizado a partir de sonidos registrados en el cañón del Combeima y la Universidad del Tolima; plantea la naturaleza como un lunar que se consume y ahoga dentro de la salvaje polis.

M A R Y N AVA R R O Para esta pieza Mary propone un guión de acción es decir una serie de acciones que van determinadas para realizar un eprforfamnce que debe ser interpretado por una actriz, un performista o alguien con experiencia en Artes escénicas. La acción dura unos 20 inutos y debe ser una experiencia donde prime el blanco y paulatinamente la aparición del rojo del te que va manchando el vestido.

Tu me quieres Blanca.

Mi obra trata con dos temas femeninos que se encuentran conectados entre si, uno es la relación que las mujeres tenemos con la sangre, que no es a través de la violencia como los hombres, sino que ella tiene un significado de fertilidad en nosotras las mujeres y el otro en contexto la sangre debe aparecer (según algunas culturas en el momento en que se pierde la virginidad, por la ruptura del himen) quedando su pureza ya atrás, manchada, como lo expreso en el título de mi obra basándome en el poema de Alfonsina Storni, en el cual se reclama la pretensión de algunos hombres de que la mujer tenga un pasado inmaculado y virginal, cuando ellos mismos no lo pueden ofrecer.

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N ATA L I P R A D A La obra de Natali explora elementos que muchas veces estan relacionados con el consumo masivo como chicles, cerveza, dulces, etc. Ella hace una exploración plástica donde reconfigura los elementos que emplea asociándolos a otro tipo de cosas y como sucede en esta pieza conviertiendo las tapas de cerveza en una colcha de abuela. La pieza denota todo tipo de lecturas donde lo familiar y lo tradicional tiene repercusión.

Soy Colombiana; Nací en 1988 en la ciudad de Manizales, realice estudios de Bellas Artes en la Universidad de Caldas como Maestra en Artes Plásticas en el 2012, mi obra se ha caracterizado en la recolección de objetos de consumo que difícilmente se pueden reciclar como tapas de cerveza, cajas de chiclets, llantas de carro etc., Haciendo instalaciones en el espacio, apropiándome de la apariencia estética de estos objetos, el color, la forma, la textura; creando con estos objetos otros objetos de uso cotidiano y doméstico como tapetes, columpios, cortinas. Llevando al espectador a su papel como público más que consumidor.

La obra La tapa… es un tapete con medidas de 2.70 por 2.50 metros , realizado con 8.000 tapas de cervezas recolectadas aproximadamente en cinco bares de la ciudad de Manizales durante tres semanas consecutivas. Abre la reflexión sobre la contaminación y el uso del suelo. La cantidad de desechos en masa que se producen diariamente en todo el mundo, desechos que no pueden ser reciclados ni almacenados en un lugar diferente que un relleno sanitario. Cuestionando también la función y el mercado del arte.

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MARIA ANTONIA MÉNDEZ Maria Antonia Participa con tres series en las que impera lo culinario y el espacio de la cocina. La primera serie son unos dibujos donde el texto configura la imagen, estos textos a menudo tienen connotaciones poéticas y configuran el sentido de la imagen. EN arroz blanco ella elabora las figuras con las recetas para hacer un perfecto arroz blanco y que indagó con varias personas especialmente amas de casa. La tercera serie son unos diagramas (se pueden levantar) donde hay un plano de una cocina y donde ella dibuja los recorridos mas habituales de una persona en ese espacio particular. La obra de Mendez esta cargada de referencias personales que se conectan con el ámbito domestico y su propia vida. Cuando ella se casa paso de ir de la casa de su mandre a la casa de la familia de su marido y donde la suegra es la ama y señora de la cocina.

Maria Antonia siempre ha deseado ser la dueña y señora de su propia cocina y por eso empezo a trabajar sobre este tema. De alguna manera hay un juego de roles familiares y del papel de la mujer en las familias de la costa así como un empoderamiento a través de lo domñestico por parte de la mujer.

Mi obra la presento a través del dibujo porque me permite explorar desde la escritura un carácter personal, aportándole un sentido de conciencia, ritmo, tacto e identidad al momento de construir la obra.

Trabajo bajo la perspectiva de Identidad, articulando conceptos como Región, Mujer, Cocina y Alimento, desde el análisis de las prácticas cotidianas, la palabra Cotidianidad puede entenderse como el trabajo que realizamos todos los días, ya sea en un orden específico y con la misma finalidad, incluso la preparación de los alimentos y el acto mismo de comer, forman parte de estos rituales del hogar.

En el Caribe Colombiano el Matriarcado ha estado presente en el desarrollo social, cultural y familiar de sus pobladores, incidiendo en la construcción de una identidad regional, a lo largo de la historia la figura de la mujer dentro de la cocina ha representado autoridad y subordinación al mismo tiempo, en mi caso la cocina constituye un espacio de encuentro familiar y de camaradería, un espacio sagrado en el que se sacian las necesidades principales del ser humano e incluso se construyen relaciones de poder. En mi obra se convierte en un espacio estético donde construyo narrativas como parte del sentir popular heredado de mi madre y las mujeres que le antecedieron.

JHENY ARIZA

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Para la realización de esta pieza se llevo a la ciudad de Pereira el árbol desde Bucaramanga. Este iba a ser talado ya que estaba muerto. Es curioso que las raíces sean tan cortas pero eso sucede cuando el espacio para desarrollarse y crecer es muy reducido. Hay dos toneladas de tierra en el cubo de tierra que serán regadas para que germinen unas semillas que fueron sembradas. La obra de Jheny hace referencias a la memoria y el olvido de manera muy melancólica.

Mi nombre es Jheny Patricia Ariza y resido en el municipio de Floridablanca en el departamento de Santander. Actualmente soy estudiante de Bellas Artes en la Universidad Industrial de Santander de Bucaramanga, y voy en octavo semestre. También soy Tecnóloga en Diseño de Modas y Patronaje Industrial, de la UDES de Bucaramanga con experiencia en planeación y ejecución de colecciones para el sector de confección especializado en bebé, infantil y junior.

El nombre de mi proyecto es “Alegoría del Olvido” y es una propuesta que surge de un proceso de observación de los árboles de ciudad siendo notable la imagen repetida en la cual sus protagonistas están mutilados y agredidos de manera salvaje. Admiro su fortaleza ante la adversidad urbana, donde son sometidos a podas extremas, usados como soporte, son apuntillados, amarrados, pintados y como en el caso de la pieza expuesta que fue encontrada sin vida en el espacio urbano, debido a un procedimiento denominado anillado que consiste en quitar la corteza de la parte más baja del tallo y untar pesticida para que el árbol se muera.

Esta imagen trata de sensibilizar acerca de la importancia de no olvidar.

Invita a una reflexión sobre la muerte y la vida.El cubo de tierra es una imagen muy poderosa que representa la vida, la madre tierra, casa que alberga y genera vida, de cierta manera representa aquellas cosas que mantenemos vivas en nuestra memoria. El árbol muerto alude a lo que hemos olvidado arrancado por los suaves hilos de la indiferencia. Las semillas de pasto al germinar mostrarán la fuerza de la naturaleza ante la adversidad humana, la vida sigue su curso aunque el ser humano quiera detenerla. Es muy posible que seamos nosotros los exterminados antes que las plantas.

No obstante, es posible que ésta instalación genere otras lecturas como el desplazamiento, el abandono, el secuestro, o podría expresar un cambio de estado de lo terrenal a lo sublime, todo depende de la óptica con que el espectador observe; Ya que cada componente de la instalación contiene en sí mismo gran significación, y una poderosa imagen que llena de fascinación.

JORGE AGUDELO Soy Jorge Agudelo, nací en Armenia Quindío, pero resido en Pereira, Risaralda, tengo 23 años, estudié en el Instituto de Bellas Artes de la universidad del Quindío, y actualmente me encuentro estudiando diseño gráfico en la universidad Andina sede Pereira.

Paraíso artificial es el nombre de mi obra, es una parodia que refleja de manera sarcástica, satírica e irónica, como en nuestra sociedad medicalizada, inmersa en la búsqueda de los resultados rápidos, subyace la ley del mínimo esfuerzo, encontrando el antídoto mágico para el desamor, la depresión y la ausencia de bienestar. Una vez se modifican los niveles químicos de la corteza cerebral, supliendo compuestos sustanciales naturalmente allí producidos, con sintéticos fármacos; se ocasiona un deseo omnipotente de evitar y suprimir todo tipo de sufrimiento alguno, haciendo que la psiquiatría en com-

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plicidad con las farmacéuticas abusen, medicando desmesuradamente a niños, adultos y ancianos; ignorando que todos estos elementos usados para manipular el cerebro y generar satisfacción, acaban siendo muy adictivos, pese a que en un principio causen mucho placer, con el tiempo alteran los circuitos y los receptores de losneurotransmisores que nos hacen sentir bien, por lo que se necesita cada vez más estimulación, para conseguir el mismo nivel de complacencia, siendo esta, la base de la adicción, generando efectos completamente adversos y contrarios a los deseados.

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JOSE SIERRA Jose Sierra aborda elementos urbanos que sirven para alejar habitantes de la calle de las puertas, las vitrinas y otras partes de la ciudad de Cartagena. Sierra evidencia estos elemntos resaltándolos con pintura fluorescente y luego fotografiándolos. Para la muestra se hizo una cenefa con diferentes imágenes de las intervenciones realizadas.

Inicialmente, el objeto de confrontación es la reja, que vive entre esa complejidad construida a partir de estas dos invenciones espaciales, “privado” y “publico”, por el cual, estas representaciones (objetos), son cimentadas en los lugares donde se encuentran. Trayendo consigo choques frente al ideal imaginado o preconcebido de ciudad, y es allí, cuando ocurre ese fenómeno de asombro, porque toda irrupción, conlleva a cuestionamientos, que desde lo plástico, desarrollo ideas que visibilizan este (asombro, incógnita) que no es distante entre otros habitantes de la ciudad, claro que no soy el único ser que fija inquietud por estas representaciones dentro del casco urbano del centro de Cartagena; en esa medida siento que no es una necesidad desde lo particular, ya que, soy un representante de ese otro ser habitante permanente o temporal de la ciudad, que consume a esta desde su propia experiencia, no necesariamente convirtiéndola en un hecho público. Esta es una forma de contar y de revitalizar el paisaje de ciudad caribe.

REJILLAS ANTIPERSONALES - Estructuras urbanas como modelos representativos de la violencia.

Resumen: este proyecto, aborda desde la construcción estética, como la violencia dentro del contexto urbano es representada, partiendo del objeto (reproducciones físicas), como principal evidenciador de la resonancia que alcanza a tener esta y como transgrede ese modelo de ciudad pensado ala disposición del que lo habita.

Antecedentes: los principales medios que hipoticamente he llegado a describir en este proyecto, se remiten, a aquellos originados en la época de la colonia española en el caribe colombiano, más precisamente en nuestra ciudad (Cartagena de indias), ya que en el proceso de trabajo de campo, he encontrado varias estructuras que datan de los años 1500 – 1700, las cuales, son muy símiles fisonómicamente y en la manera como emprenden. Estas, claramente son artefactos para importunar a las personas, estos modelos de tortura siguen teniendo consistencia en la modernidad, tal vez, no desde ese mismo nivel dramático; pero si obstante obedecen a representar la violencia, ya sea expuesta desde cualquier dificultad, pero que al fin del al cabo, son modelos que representan esta no aceptación del otro, claro, estas medidas de intolerancia construyen nuevas narraciones e imaginarios sobre ciudad.

VA L E N T I N A T R I N I DA D MORALES Documental filmado en la ciudad de Buenos Aires mostrando su movimiento, consumismo y destrucción, generando una conciencia de una realidad destructiva, contaminante y controlada por el sistema. Poniendo en reflexión la visión autodestructiva como humanos y desenlazando una propuesta al humano de mirar adentro, reconectar su espíritu con el universo, en tiempos de grande cambios, comienzos de nuevos ciclos, la entrada a una nueva era, reconexión con la tierra y un despertar de conciencia, manifestando todo lo dicho en tomas de paisajes del norte de la patagonia, entrelazando con puestas en escena reflejando la luz interior que hay en cada ser humano, el agua en diferentes estados refleja limpieza y purificación de la era que estamos dejando atras.

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ANEZ CORPUS Vivo en San Andrés dónde egrese la carrera como Diseñador Gráfico, Realizador Audiovisual. La pieza “ENAI - Haas Jaa Buon” Es el símbolo de una frágil cultura que se mantiene viva a través de la música. Ahí la importancia de esta pieza, pues la quijada de caballo la usaban los esclavos en épocas cuando se les impedía tocar sus tambores y fue la manera como mantuvieron viva la esperanza de libertad. La escultura en vidrio que se muestra en la exposición es el premio que se otorga anualmente a los mejores exponentes culturales de la cultura Creole, actualmente existen 26 categorías que se destacan, entre ellas se premia el video clip, edición, música folclórica entre otros. El objetivo de exponer la pieza de vidrio es resaltar la importancia de la cultura Creole la cual aunque sigue siendo fomentada y practicada por los raizales de la isla en la actualidad por razones de globalización, multinacionales, diferencias políticas estatales se ha visto perjudicada y tiende cada vez más a desaparecer como lenguaje y cultura autóctona de Colombia.

ALEJANDRO JIMÉNEZ Al ver la imagen Le Banquet fue nuestra intención como equipo curatorial ampliarla lo mas grande posible para que el espectador se sintiese inmerso en el espacio de la imagen. Este espacio es una Iglesia en Armero y las sillas son de casas vecinas. Hace alusión a la última cena sin embargo hay once sillas haciéndonos participar en la imagen como si ocuparemos esa doceava silla como espectadores.

Mi nombre es Alejandro Jimenez Salgado, tengo 25 años de edad, soy Maestro en Artes Plasticas de la Universidad de Caldas de Manizales,Graduado en el año 2011.En todo el proceso educativo y practico en la universidad desarrolle un gran interes por la imagen digital y la fotografia dedicando gran parte de este a incursionar en este mundo visual y desarrollador de diferentes lenguajes y niveles de comunicación.

Le Banquet, produccion fotografica realizada en el año 2011 es mi primer pino en el mundo del arte finalizando la universidad ya que con este me graduo y tomo de referencia para mi obra y mi proceso creativo. Es un trabajo realizado bajo el concepto de la problemática ambiental enfocado en la sociedad y la cultura. Mi interes por convertir mi trabajo en una poesia visual me permite adoptar diferentes mitos que desde la filosofía explican claramente el concepto de mi obra tales como: Icaro, la caja de Pandora, y el fausto de Goethe como principal referente para el desarrollo de esta.

Mi interés en el arte sigue enfocado en desarrollar un lenguaje visual y comunicativo propio a través de la fotografia, poder expresar mi visión como artista como sujeto sensible al mundo y poder transformar lo que pienso en un concepto que pueda plantear diálogos y reflexiones en el público que aprecie mi obra. Como artista también he participado de procesos tales como texturizado de personajes 3d en un largometraje animado para

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estudios en los angeles y korea, y actualmente me desempeño en el mismo campo para una empresa desarrolladora de video juegos en plataformas educativas en la ciudad de barranquilla. Tanto la fotografía como incursionar en el mundo del 3d me han permitido adoptar nuevas posturas técnicas y conceptuales enriqueciendo mi visión, mis puntos de vista y creatividad para crear y nutrir mi proceso como artista.

ARMANDO IGUARÁN Armando Iguarán es un artista de la Paz, Cesar y vive actualmente en Valledupar. El se desempeña como pintor, escultor, docente y gestor en la ciudad y este proyecto busca unir estos intereses. En la ciudad de Valledupar el convocó a un grupo de artistas para que interviniesen las carretas o los vehículos de tracción animal que emplean las comúnmente llamadas zorras. En esta acción los artistas pintaban la carreta y en vez de emplear un caballo o una mula se emplearon actores contratados previamente por él y que debian llevar la carreta por las calles de la ciudad a modo de protesta y para visibilizar un problema del maltrato animal. La idea es poner a las personas en el rol de la bestia y concientizar a la gente sobre el sufrimiento al que son sujetos estos animales. EN Pereira la acción se llevo a cabo en la Plaza de Bolívar y un performer llevó la carreta hasta el museo donde se hizo en la entrada. La carreta esta pintada con el estilo del artista que en su región es reconocido por esos cuadros abstractos con color y gestualidad.

ARMANDO IGUARAN GUTIERREZ, nos presenta un Performance utiliza la carrocería de un vehículo de tracción animal para hacer la acción. Esta se realiza con los siguientes pasos: El diseño de la carrocería permite que estacionada se vea como un caballete, la base o planchón sea su lienzo.

Para hacer la acción, se utiliza una zona urbana (plaza principal) se instala la carrocería, se interviene plásticamente junto con el actor que va hacer la performance.

El actor inicia su performance, desde la plaza principal, utilizando las vías de acceso vehícular y trazando una ruta, hasta llegar al sitio donde se va a exhibir la obra.

Toda esa acción será documentada y registrada, para mostrar la acción de la performance.

La construcción de la obra es una mirada hacia las connotaciones sociales y políticas que implica este fenómeno, es una reseña a trasladarnos al pasado como seres primitivos que somos y una reflexión a la sensibilidad y a la indiferencia, de esta población que al igual que los animales tienden a desaparecer, es mirar esos elementos crudos y sin estética y darle una nueva mirada hacia estas piezas de arte ambulante.

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RICARDO MUÑOZ IZQUIERDO Se ha interesado por explorar asociaciones entre lenguajes gráficos de fuerte carga anecdótica desde el humor, el cinismo y la deformación alegórica. A lo largo de su producción artística ha indagado sobre la iconografía y la gráfica occidental de dibujos infantiles, de forma tal que reinterpreta los contenidos y subvierte su visualidad a un grado de perversión. Lo anterior sucede gracias al uso de literatura ligada al mundo de la psicodelia, el punk, la pornografía y las subculturas, tamizado por la reflexión autobiográfica para permitirse construir universos simbólicos que amplían las posibilidades de los medios discursivos implicados en su obra de creación, como lo son: La fotografía, el dibujo, el video y la pintura entre otros. Lo anterior señala el uso desmedido y saturado de las superficies permitidas desde la experiencia estética, a través de yuxtaposiciones absurdas y sórdidas de íconos del arte con signos triviales pertenecientes a la cultura popular y underground, acentuando tensiones dialécticas entre lo público y lo privado, lo culto y lo marginal.Paralelo a sus estudios profesionales en el arte, ha abordado proyectos de creación personales; obteniendo subvención para algunos de ellos por parte del Ministerio de Cultura de Colombia y otras instituciones.

Esta escultura se relaciona directamente con el pop art y con los dibujos infantiles animados de occidente, en particular blanca nieves, la cual ha sido un referente de belleza para niños y grandes, es pervertida por mi imaginario personal humanizando y acercándola mas a mi visión de realidad y de fealdad.

† Este libro se terminó de imprimir durante el mes de xxxx de xx en xxxx, en la ciudad de Bogotá- Colombia.

En el diseño se usaron las tipografías Simple y DIN Next LT Pro.