Arteuparte Nº29 by ARTEUPARTE MAGAZINE

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DIRECCIÓN, EDICIÓN GRÁFICA, DISEÑO Paul Lataburu

REDACTORES Enrique Sancho Pereg / Alba Deliz / Fernando Iradier / Dylaudid

COVER Sortwo

COLABORACIONES & PUBLICIDAD arteuparte@arteuparte.com

PUNTOS DISTRIBUCIÓN arteuparte@arteuparte.com

Suscripciones: 1 number / year: spain: 20 € / europe: 30 € Arteuparte Studio / Store / Gallery / Magazine CICC Tabakalera, 20012. Donostia. +34 943 558 383

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SABIA NUEVA [ IN DONOSTI ] / DAVID CÍVICO

ARTEELEVADOALADIEZ [ a10 ] / MAITE ROSENDE

ARTE FACTUM / ENRIQUE SANCHO-PEREG 22 OUT DONOSTI / SORTWO

AL PIE DEL CAÑÓN / CONVENT GARDEN

VISUALIZA / SAMI OLIVER NAKARI

CONSAGRARTE / CARLA FUENTES 58 PRET A PORTER / APOLLONIA SAINTCLAIR

EL INFILTRADO / ØYVIND LAUVDAHL

CINE! [ EL SÉPTIMO APARTE ] / FERNANDO IRADIER

MÚSICA! [ SILENCIO, POR FAVOR ] / DYLAUDID

IÑAKI LÓPEZ ALLENDE AUTOBOMBO! / EXPOSICIONES UP! 2018 108 SUSCRIPCIONES 110

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sabia nueva

DAVID CIVICO Allí desarrolla todos sus proyectos, al otro lado de la ría, donde todavía se siente ese aroma industrial de la antigua urbe siderúrgica, a cuenta gotas, pequeño reducto. Hablamos con él sobre la `emigración artista`, sobre un millón de euros y sobre el panorama actual en el mundo. En general. En Donostia, que es donde nos reunimos. David Cívico es un artista donostiarra que cruzó la A8 de aquí hacia allí, y que lleva establecido en Bilbao desde hace tiempo. Está bonito, Bilbao. ¿Se ha empijado un poco desde hace años, no? ¿En qué andas ahora mismo? Bilbao está un poco en la estela de Donosti, se está empezando a parecer mucho. Yo vivo en el casco viejo, la zona más turística, y es verdad que está cogiendo esa rutina de ciudad turística. El otro día, una asociación de chavales del barrio puso unos carteles en referencia al turismo, así que estamos un poco en la estela de Donostia en ese sentido. Hay una cantidad terrible de turistas al cabo del año y eso tiene sus consecuencias.

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Nos llamó mucho la atención tu proyecto ´Un Millón de Euros´. Dada la situación actual, la importancia suprema de la economía, que lo rige todo hoy en día, la corrupción pestilente… Igual es el momento ideal para hablar de cómo fabricaste un millón de euros y para qué… El proyecto fue comenzado en 2013, coincidía con el final de la primera parte de la crisis económica, en la que todavía estamos sumergidos e inmersos. La idea era generar un espacio de representación para el dinero. Yo ponía en paralelo la representación económica en la forma de un billete con la representación artística en la forma de una acuarela, como hice en este caso. Dibujé un millón de euros en billetes de 500, de tal manera que puestos uno detrás de otro a 25 frames por segundo generaban una animación, un video de 1 minuto y 20 segundos. Esto, por las dos caras, por lo que eran dos minutos y cuarenta segundos. La idea era generar un espacio de ficción en el cuál tú nunca tuvieras acceso a los billetes, al dinero. En la galería en la que hice esta exposición, espacio

Marzana, proyecté las dos animaciones en dos pantallas y las filmé dentro del propio espacio. Y dentro de ese propio espacio las volví a proyectar alternando los sitios en los cuáles habían sido filmados. Se generaba una especie de falso espacio de representación tanto del espacio de la galería como

de la propia representación del billete. Por resumirlo, lo que se cuestionaba era el hecho tangible de la economía. Tú estabas allí en la galería y lo que veías era como una bruma, un billete detrás de otro. El hecho es que yo tenía una serie de dibujos que eran los billetes y no sabía muy bien qué hacer con ellos.

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¿Qué ha pasado con esos billetes? Los billetes tenían el tamaño y la escala de dinero de verdad, eran acuarelas pintadas por las dos caras. Para mí este elemento físico no era lo interesante del proyecto. Mi idea era hacer que los billetes desaparecieran al final del proyecto de una forma no muy evidente. El caso es que el 10 de noviembre se inauguró el aniversario de la galería Espacio Marzana, que me lleva como artista en Bilbao, e hicieron una exposición colectiva para conmemorar estos quince años. Su propuesta era que el precio de salida de cada pieza que iba a estar expuesta fuera voluntario. Iba a haber una urna físicamente, (ya le dije yo que con la situación actual tuviera cuidado con lo de las urnas…) Todo esto va muy al hilo de lo que está sucediendo hoy en día a nivel de conflictos sociales, de la ausencia de mercado para el arte… Por lo tanto, la manera en la cuál iba a participar era un maletín con una placa de latón en la que ponía “1 minuto y 20 segundos”, que iba a tener los billetes físicos. El maletín iba a estar en una esquina y no se iba a poder abrir, y el que quiera comprar la pieza no iba a poder ver los billetes. El secreto estaba a la vista pero no íbamos a permitir que se abriera y se pudieran ver los famosos billetes. Me parecía una buena manera de cerrar el hilo narrativamente y dar respuesta a esto de qué hacer con estos billetes dibujados. Has hablado antes de la “ausencia para el mercado del arte”. Parece que hoy en día hay más espacio para festivales de música, de cine, conciertos… Pero sigue faltando espacio para el arte…

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Yo diría que tiene que ver con la idea de una noción de falta de coleccionismo. Es verdad que en otros lugares hay ventajas fiscales y demás cuestiones favorables en torno al coleccionismo de obras de arte. El tema es que no hay coleccionismo, y sin coleccionismo, no hay mercado. El objeto artístico como tal requiere de alguien que lo quiera comprar, poseer, coleccionar, exhibir etc… Mis proyectos tienden a ser cada vez menos objetuales, cada vez son más procesuales. En el caso de ser objetuales tienden cada vez más no al objeto único sino a la serie limitada, etc. Yo veo el objeto como un residuo. Lo puedes ver como una reacción frente a esta ausencia de mercado. ¿Qué haces con toda esa producción? ¿Cuántos objetos más necesitas producir, almacenar, y sin verles salida? Para ciertos artistas con cierto nivel mediático si puede existir una salida a su trabajo producido, pero hay una gran gama de artistas cuya obra tiene una salida complicada o nula. Hablo de Bilbao pero me imagino que en Donostia existirá el mismo problema. El tema que comentabas de los eventos culturales tiene que ver más con el propio evento. Lo que está sucediendo, y quizás habría que analizar, es que el espectador contemporáneo tiende más al evento y no a la posesión del objeto. Aquí se podría hablar de si una persona como tú o yo se puede permitir tener en su casa un objeto artístico, por espacio, presupuesto… Sin embargo si se puede permitir un fin de semana de festival o pagar una entrada de un concierto.

Abandonaste hace muchos años el lienzo para adentrarte en otras disciplinas… ¿Qué queda hoy en día de aquel joven que pintaba referencias ochenteras a principios de los 2000? Han pasado 25 años casi. Al final es producto de la evolución, mi trabajo ha ido evolucionando menos hacia el objeto y más hacia el proyecto, entendiendo el proyecto como un entorno conceptual, y en el cuál los residuos de esa idea son objetos que se generan. Pueden ser estos dibujos de los que hemos hablado antes, animaciones, el disco de vinilo que estoy

preparando ahora… Dependiendo de en qué condiciones se produzca ese proyecto, se generan una determinada serie de objetos. Al final lo que me planteé yo en un momento dado es el porqué. ¿Por qué hago lo que hago? Por qué tienes que pintar sobre una superficie determinada que es un lienzo sobre un bastidor, por qué. Esa pregunta del porqué se puede extender a todo tu trabajo incluida la distribución final del objeto. Esa pregunta del porqué, cuestionar cada paso que haces creo que forma

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parte del hecho de ser artista. Si no lo haces, estás dejándote por el camino alguna parte importante. Hay que cuestionarse cada cosa que haces de arriba abajo. La verdad es que el mundo evoluciona rápido y los individuos que lo formamos estamos atrapados en esa rueda. ¿Afecta personalmente a tu trabajo este trepidante ritmo de noticias diario y conflictos sociales de muy diversa índole? Mi trabajo creo que responde siempre a una cierta reacción al aquí y ahora. Puede haber referencias más o menos historicistas o culturales pero yo entiendo que es una reacción al hecho de que yo vivo aquí, vivo ahora como individuo que puede decir cosas en un determinado contexto e intento responder a eso. La respuesta es sí, no sólo se ve afectado sino que trato de reaccionar a esos estímulos. ¿Y afecta la evolución de Bilbao como ciudad hacia tu perspectiva como artista? Porque como decíamos antes, en poco tiempo ha pasado de ser una ciudad oscura e industrial a una ciudad de grandes parques y fachadas blancas… Cuando llegué a Bilbao a vivir estaba comenzando ese proceso, se empezaba a ver un poco la apariencia final que quería adquirir Bilbao. Era un proceso de transformación, estamos hablando del años 98 o 99, y el museo Guggenheim se inauguró en el 97 si no me equivoco, para ponernos en situación. Ahora estamos viendo hacia dónde se encaminaba todo aquello, que era una ciudad moderna, contemporáneo, tipo Donostia

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claramente. Y cómo me afecta… Cuando yo me fui a vivir a Bilbao me atraía ese ritmo de vida, esa “oscuridad”, esa ciudad más industrial, viniendo de donde venía. En Bilbao había una agitación que se traducía también en la vida nocturna, mucho más excitante, más activa. Ahora mismo de eso cada vez queda menos, y lo que si es cierto es que en cuanto a vida artística, Bilbao sigue tendiendo muchísima más actividad que Donostia. Tabakalera se ha abierto hace nada aquí y por lo demás, sigue siendo, bajo mi punto de vista, una ciudad bastante huérfana en este tipo de actividades. Así como en otros ámbitos, festivales, música etc, si que hay una actividad interesante, en el tema del arte, excepto cosas muy puntuales… Así andamos. Muy bien. Dicho esto, esperamos verte algún día en tu ciudad natal en tu faceta de creador… A mí me encantaría. Acabamos de pasar la capitalidad europea de la cultura en esta ciudad y no ha habido la oportunidad de generar esos espacios necesarios para los artistas. Salvo cosas puntuales que yo haya podido ver, todo este tema ha pasado de una manera muy ligera, no se ha profundizado nada en esto. ¿Es un tema de falta de educación de la gente local? No hay duda de que, por ejemplo, en gastronomía estamos todos bien educados. También a nivel musical. Pero a nivel de arte… ¿Falta ese recorrido de aprender a consumir el arte? Puede ser, y luego también la deriva de hacia dónde nos dirigimos, una cultura

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Orquesta de Fin de Disco dirigida por Travis Flint (2017, en producción) Concierto para 48 tocadiscos en Azkuna Zentro, videoinstalación y edición L.P. vinilo

del disfrute del acontecimiento pero no de la apropiación del objeto. Lo que dices de la gastronomía es muy interesante, el otro día hablábamos de que la agenda cultural del típico periódico de Bilbao de los viernes se ha sustituido por una agenda gastronómica. Te dicen dónde puedes ir a comer. La gastronomía está ocupando en el imaginario colectivo el espacio que ocupaban otro tipo de manifestaciones culturales. Y ocupando ese espacio del

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imaginario, como cultura que es, que yo no lo dudo, de alguna manera está haciendo que se tapen otras opciones. Sería interesante que la gente que viene a Donostia a comerse unos pintxos sintiera la obligación de venirse a Tabakalera, de visitar exposiciones… Desde las instituciones y la instancias políticas se esta dirigiendo muchísimo esto hacia el turismo gastronómico como si fuera una opción cultural absoluta. Y yo tendría mis dudas al respecto de esto.

Allegro (2106) video proyección 3 canales, audio 8 minutos

¿En qué punto de madurez artística se encuentra hoy David Cívico? Me encuentro en un punto en el que estoy muy bien. Tengo varios proyectos en marcha que van a su ritmo porque mi ritmo de producción que es el que es. Tengo otra actividad profesional, también en el mundo del arte que combino con mi actividad artística, y esto me hace que este ritmo lento de producción me permita llevar a cabo los proyectos

con mucha tranquilidad y con mucha convicción. Ahora tengo varias cosas en perspectiva. Estoy involucrado en un proyecto llamado `Ensayo de orquesta` que me gustaría presentar en un plazo de dos años. Es un tema en torno a la Orquesta Sinfónica de Euskadi. Tengo también un tema gráfico que me ilusiona un montón y que me dice que estoy en un momento interesante, más allá de lo comercial, que nunca ha sido para mi un indicativo de lo que vas a hacer o no.

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MAITE ROSENDE

El trabajo de esta incipiente artista de San Sebastián me transmite una sensación de felicidad nostálgica. Como si cada una de sus piezas me recordara a cosas de mi infancia. Más de otra época, de hace unos años, aquella en la que me comía los libros de Astrid Lindgren con 13 recién cumplidos. Maite Rosende ha generado en su mente un universo doméstico lleno de colores fríos, de texturas, de paisajes que evocan a lo nórdico, a esa belleza discreta de las cosas de casa. Pero su mundo traspasa las cuatro paredes de cualquier hogar, su mundo vuela de la mano junto a su imaginación, fría, discreta, frágil y sólida, bella, muy personal, tan personal como la paleta de colores y texturas que lo componen. Arte elevado a la diez.

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oh my hero! Recuerdo al comenzar este artículo, la fascinación de Paul al proponerle una exposición para su concept store en Tabakalera relativa al Comic. Tras por mi parte tomar unas cervezas, quizás de más. Mantiene su admiración por los super héroes (me dejo llevar por la casi indisoluble relación entre cómic y super héroe, tan inexacta como extendida). Incluso aún antes de haberle mostrado nada de lo exponible. Empatizo con él y sigo imaginando su showroom convertida en una especie de santuario pagano, donde aparecen héroes de Marvel en vez de Santos, y de D.C Comics en forma de Santísima Trinidad y sus misterios. ¿Por qué nos fascina, a un sector creyente, de manera tan poderosa el “ culto” al superhéroe? Mi primera respuesta la busco como siempre en los antecedentes conocidos. Entre la Biblia y la Iliada hay pocas diferencias y tendenciosas por la mano del redactor. Una alecciona y la otra entretiene. Teóricamente. Pero hay mucho más. Héroes (Aquiles, Ulises, Hércules y un larguísimo etc. Sin mencionar, además, las sagas nórdicas, Thor u otras ingentes mitologías) hijos de los dioses al igual que Jesús de Galilea. Ambos llenos de coincidencias. Ambos históricos aunque probablemente representados en la literatura con harto artificio e intención. Ambos con superpoderes.

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super ¿Nos suena todo esto? Efectivamente en una sociedad saturada inconscientemente de clasicismo y catolicismo emerge la necesidad de forjar o “reconocer” nuestros propios portadores de valores e ilusiones. Toda la mitología actual “superheróica” bebe de las anteriores fuentes y por supuesto de las nuevas deidades; Tecnología, derechos universales, capitalismo estratificador, ecologismo y otro largo etc. Recuerdo (en este tema todo es sobre ésto) mis primeros superhéroes. Los dibujaba hasta cansarme, atribuía nuevas características y al hacerlo creaba otra mitología, otra historia, otra secuencia y después creaba mis propios superhéroes para no irrumpir excesivamente en el territorio convencional de este Súper... (¿Nos suena ésto?) Caballero luna, Spider, Iron Fist, Iron man, Daredevil y un larguísimo listado de ellos. Luego surgían las agrupaciones de súperhéroes (a priori compatibles o no) e incluso luego mundos y realidades paralelas para superar toda barrera a la libertad editorial y a veces a la incoherencia. Esta nueva mitología sustituye sin duda las historias de Santos y héroes, sistemas primitivos pero transporte de nuestro código de conducta. El cual no voy en absoluto a analizar.

Desconozco qué aportarán de positivo o negativo a nuestra sociedad y su progreso pero presumo que al igual que en anteriores épocas no será el libro o la imagen las que hagan bien o mal sino el uso de éstas que hagan los corazones de los hombres y mujeres.

Me iba a desarrollar el tema pero era farragoso. Lo dejamos aquí. No sé si tengo madera de héroe : )

by Enrique Sancho Pereg

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SORTWO

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Si Hannibal Lecter hubiera sido ilustrador, probablemente su trabajo se asimilara al de Sortwo. El artista donostiarra afincado en Brisbane, Australia, disecciona a los individuos que dibuja en un encuentro íntimo con las entrañas de cada uno. Pero estas entrañas no están formadas de vísceras, sino de objetos domésticos que descubren, como un puzzle sin terminar, los hábitos cotidianos de cada uno. Charlamos con él semanas antes de que retorne de su vida en las Antípodas. Qué hace un artista como tú pintando muros en las antípodas? Cómo surge la posibilidad de viajar a Australia? La verdad que vivía en Malta cuando surgió la idea para ir a las Antípodas. Primero vivimos en Melbourne y Sidney donde pinté los murales que pude y fue cuando viajamos en coche desde Sídney a Cairns cuando pinté algo más. Después de dejar Australia para ir al Sudeste Asiático fue cuando me llamaron diciendo que estaba seleccionado para el festival de street art de Brisbane. ¡Y después del festival ha sido todo una locura! Me ofrecieron una exposición individual (que la preparé en un mes), pintar en un cine, en un teatro, en unas oficinas... En breve me vuelvo para Euskadi y tengo que pintar otro muro el día que cojo el avión! Locura positiva. Y locas tus piezas de caras diseccionadas, que nos llaman mucho la atención. ¿En qué te basas para esta serie? Lo de las caras diseccionadas empezó hace años. Casi todas representan

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cosas que siento en el momento o cosas que quiero transmitir. En un principio hice una serie para una exposición en la galería “El Subespacio” de Donosti, donde quise transmitir las cosas que no me gustaban de la sociedad. Las que he pintado últimamente simbolizan más el bienestar o la felicidad, con piscinas y gente feliz dentro de ellas. Aunque también he pintado alguna criticando a las celebridades o personajes de la tele. Creo que todo depende de mi estado de animo. La mirada es el espejo del alma, y tus caras diseccionadas se podría decir que son las entrañas de cada individuo? ¡Sí! Claramente son las entrañas. Todo lo que pinto dentro o saliendo de ellas simboliza un poco mis ideas en ese momento. Que después se convierten en parte del personaje dibujado. ¡Es como un juego para mí! No me pongo a dibujar una cabeza sabiendo lo que quiero transmitir. Sino que la forma de la cabeza o los vacíos en ella me van dando ideas para añadir cosas. Y cuando ya tengo las ideas en la mente intento encajarlas como un puzzle. ¡Es divertido la verdad! hahaha. Te esperamos por aquí, antípodas de tus antípodas.

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Actualmente Sortwo acaba de terminar la portada para el nuevo disco de Baskervillian, que saldrรก publicado a finales de este 2017.

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« Se podría decir que mis caras diseccionadas son las entrañas de cada individuo. Todo lo que pinto dentro o saliendo de ellas simboliza un poco mis ideas en ese momento, que después se convierten en parte del personaje dibujado »

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PIE AL

DEL

CAÑÓN LA

CRIPTA

DE CONVENT GARDEN

Lo primero que me viene a la cabeza cuando leo “cripta” es un sitio lúgubre, húmedo, oscuro, casi un cobertizo natural donde han sido enterrados algunos de los más célebres personajes de la historia. Esta también dice que Cervantes está enterrado en la cripta de un convento de Madrid, y este hecho está documentalmente probado, igual que muchos reyes de la historia, que moran bajo los imponentes suelos de diferentes iglesias. Cripta lo relaciono con Stephen King o con las historias para no dormir de Narciso Ibáñez Serrador. Da la sensación de que en las criptas han pasado cosas morbosas; traiciones de estado, pactos que han cambiado la historia, sucesos de novela histórica, conspiraciones varias. Con todo este rollo, una cripta reconvertida en una sala de conciertos adquiere ese aroma que esperas cuando entras en un lugar de culto como este.

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Quiet Hollers (Louisville, USA) Noviembre 2017 37 / arteuparte magazine 29.

Nikki Hill (Carolina del Norte, USA) Noviembre 2017

Es el caso de la Cripta, un aposento ubicado en el -1 de Convent Garden, un antiguo convento en el centro de San Sebastián. Convent Garden es un hostel con una clara implicación en el desarrollo de proyectos en el ámbito de la cultura urbana; eventos que desarrolla en su azotea con vistas a parte de los tejados de la ciudad o en un patio entre sus muros. La Cripta es otro de los espacios del edificio, que mezcla en su decoración un montón de detalles que dan fe de lo que fue el espacio original y un montón de referencias de artistas locales, diseño y amalgama de grafismos. Vuelvo al -1. Por la Cripta han pasado unas cuantas bandas en cosa de un año de vida. La ciudad, después de algunos años de caminata por el desierto

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artístico de escenario, está a la cabeza de ciudades nacionales en lo que se refiere a oferta de conciertos y vanguardia musical, y el garito del que hablo es un exponente más en el ya no tan nuevo aspecto del panorama musical local. Son unos años en los que parece que las bandas locales tienen posibilidades más reales de asentarse y las bandas que están de paso por estos lares tienen más posibilidades de llenar una sala. Tampoco nos vamos a engañar, el sector a esta escala no es la gallina de los huevos de oro pero por lo menos Turuleca ya da algún huevo.

Grande Royale, Jรถnkรถping (Suecia) Octubre 2017

Una cripta reconvertida en una sala de conciertos adquiere ese aroma que esperas cuando entras en un lugar de culto como este.

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Molly Burch (Los Ă ngeles, USA) Noviembre 2017

Luis Manuel Ruiz (Huelva) Noviembre 2017 40 / arteuparte magazine 29.

Ghost Number & his Tipsy Gipsies (Donostia) Octubre 2017

Revel in Dimes (Nueva York, USA) Junio 2017 41 / arteuparte magazine 29.

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Convent Garden es un hostel con una clara implicaciรณn en el desarrollo de proyectos en el รกmbito de la cultura urbana; eventos que desarrolla en su azotea con vistas a parte de los tejados de la ciudad o en un patio entre sus muros. La Cripta es otro de los espacios del edificio 43 / arteuparte magazine 29.

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Will Johnson (Texas, USA) Octubre 2017

Desde este diciembre y para 2018, a la agenda de conciertos mensual se une una agenda de deejays locales. Noches de club. La Cripta tiene un aforo aproximado de 270 unidades humanas. Se podría decir que es un sitio recogido donde ya han tocado algunos grupos acostumbrados a pegarla delante de muchedumbres mayores. Es posible que ese sea uno de los atractivos del club, que el público está realmente cerca. Y la acústica. Todo garito necesita empezar a respirar el alma musical de sus entrañas, y esto con unos ajustes una vez abierto se consigue. Actualmente el sonido es uno de los fuertes allí. Y el backstage, justo detrás

del escenario. Desarrolla sus propia línea de diseño de carteles para las bandas que pasan por su tablado y una agenda mensual de conciertos y de djs. Porque qué sería de una cripta sin la noche.

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visualiza

SAMI OLIVER

NAKARI BERLIN

Sami Oliver Nakari nació en Austria, tiene sangre finesa y ha echado raíces en Italia. Esta amalgama de culturas ha forjado su personalidad y ha influído en su creatividad desde siempre. Durante algunos años viajó a través del viejo continente para cursar estudios de cine y participar en algunas jornadas sobre fotografía. Una de estas experiencias tuvo lugar en Berlín, una ciudad de la que Sami se enamoró nada más llegar. Caminar durante dos meses por el centro de la capital con su cámara captando los mejores contrastes de la cultura germana fue el resultado de este proceso artístico; una colección de fotos en blanco y negro donde las calles figuran bastante solitarias y vacías. La historia de Alemania habla a través de estas imágenes, forman parte de ese viaje introspectivo de Sami. Hoy es un fotógrafo de moda que está creciendo en ese campo. Representado por D Agency de Dubai y trabajando sobre todo en Milán, todavía sigue influenciándose a través de contextos domésticos de la vida diaria, como simples esquinas de cualquier ciudad y habitaciones desordenadas.

www.samiolivernakari.com 48 / arteuparte magazine 29.

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CARLA FUENTES by Alba Deliz

Es ilustradora y al igual que sus obras, derrocha arte de forma natural y personalidad a raudales. Carla Fuentes (Valencia, 1986) tiene un estilo muy característico y personal, colorista, con unas paletas de color muy interesantes y embriagadoras, como el “gouache» que usa junto a otros materiales acrílicos, grafito, óleo... No hay nada que se le resista. Destaca su predilección por los retratos y su particular forma de ver a las personas. Detalles, textura y color. Polock o Russian Red han confiado en ella para sus discos, ha trabajado con importantes marcas para publicidad y también con revistas y agencias. Este año ilustró para Amstel el packaging de “El pelotari y la fallera”, realizó una colaboración muy especial con la firma de moda Paloma Wool y está impartiendo talleres (doy fe porque participé en uno sobre “El retrato” en Madrid en febrero). Podéis ver los que realizará próximamente en “Espositivo Academy” en Madrid porque son crema. No os podéis perder su web para ver mucho más www.carlafuentes.com

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PRET A PORTER

APOLLONIA SAINTCLAIR Tuvimos un encuentro virtual con Apollonia Saintclair poco antes de que publicara su primer volumen de `La tinta es mi sangre`. En aquella entrevista, que se publicó en uno de nuestros anteriores números, no tuvimos oportunidad de hablar sobre esta edición. Ahora que sale un segundo tomo de `INK is my blood` (título original), nos concede un nuevo encuentro, donde nos habla brevemente sobre su trabajo. Explícito, erótico, actual, real. Impactante y visual. Sensual, divertido, personal. « La tinta es mi sangre - El segundo volumen es el segundo libro en una serie de al menos tres que abarcará la mayor parte de mi trabajo gráfico hasta el día de hoy. Publicamos el Volumen Uno en la primavera de 2017 y la respuesta fue increíble, ya que ya está agotado. En el volumen uno, Erika Lust escribió una bella introducción y estoy muy orgullosa y honrada de que Anne Hautecoeur, directora de la famosa editorial erótica francesa La Musardine, aceptó mi invitación para escribir la introducción al Volumen Dos. La creación de los libros fue una experiencia sensual única: la elección de 130 dibujos para cada Volumes, su orden en una sucesión de páginas dobles cuidadosamente compiladas y la búsqueda del papel correcto y el material de la portada. Como los dibujos del Volumen Dos son más recientes, también son más complejos, más seguros técnicamente. Ver finalmente todos estos detalles en gran formato, liberado de la exiguidad de una pantalla de teléfono inteligente, es un placer indescriptible.»

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The entrapment

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<< The spring cut

TODAS LAS ILUSTRACIONES

PERTENECEN A LA SERIE MOSTRADA

EN `INK IS MY BLOOD`. EL SEGUNDO VOLUMEN (Y EL PRIMERO) SE PUEDEN ADQUIRIR DIRECTAMENTE EN SU WEB ~ http://apolloniasaintclair.bigcartel.com/ 71 / arteuparte magazine 29.

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<< The She-Wolf ^ The scandal of the Place VendĂ´me ^^ Meanwhile in the metro station... 73 / arteuparte magazine 29.

<< The Texaco girl 74 / arteuparte magazine 29.

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Art of

O yvind Lauvdahl el infiltrado

Los hombres de Øyvind Lauvdhal son hombres atormentados, pensativos, con la mirada perdida, tan perdida que no tienen ojos. Sus cuencas vacías muestran la aplastante dureza con la que los ha tratado la vida. Esta vida actual que en mayor o menor medida e influencia todos padecemos. Sus personajes podrían ser la perfecta representación dramática de la actual situación del ser humano. Belleza cruda.

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En general, Lauvdhal prefiere dejar la interpretación de su trabajo al espectador. Cualquier explicación que pueda dar, por muy elocuente y preceitiva que sea, sólo puede reducir el campo de las posibilidades. Sin embargo, puede decir que toda esta serie está inspirada en tendencias filosóficas, políticas y populares en la cultura contemporánea.

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toda esta serie estA inspirada en tendencias filosOficas, polIticas y populares en la cultura contemporAnea.

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˝Me sentí honrado de tener una selección de dibujos de esta serie en exhibición en este año Stroke Art Fair en Munich, Alemania. En cuanto a lo que trae el futuro, no lo sé. Me gustaría ver estos dibujos recogidos en forma de libro en algún momento, sin embargo, por lo que si alguien sabe de un editor indie grave que podría estar interesado, plese dude en dirigir a mi cuenta Instagram, @lauvdahl˝ 82 / arteuparte magazine 29.

83 / arteuparte magazine 29. w w w .l a uv da h l .c om

CINE!

EL SÉPTIMO [ UP ] ARTE

Entrevista a Josemi Beltrán. Responsable de la unidad de cine de Donostia Kultura

Josemi Beltrán nos recibe en las oficinas de Donostia Kultura, situadas en el corazón del Teatro Victoria Eugenia. Un Nosferatu de Jack Mircala se esconde tras la puerta, dispuesto a dar un buen susto a los visitantes. No es un mal comienzo. Entre estos muros Josemi y su equipo diseñan gran parte de los eventos que alegran la vida de los cinéfilos donostiarras. Aquí se respira amor por el oficio. Alrededor de las mesas de trabajo se amontona la memorabilia que han dejado atrás cientos de acontecimientos cinematográficos, recuerdos en forma de libros, carteles y catálogos. Antes de comenzar la entrevista, Josemi nos enseña orgulloso el póster made in Uganda que les han regalado los últimos invitados de la Semana de Terror. Conversamos sin guión sobre su trabajo, el estado del cine en la ciudad, la revolución de Tabakalera, el perfil de los espectadores y lo que se va terciando.

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Arteuparte: Mucha gente te señala como el director de la Semana de Terror pero eres mucho más que eso. Preséntate. Mi cargo oficial, el que pone en las tarjetas, es el de responsable de la Unidad de Cine de Donostia Kultura. Resumiendo, dentro del Ayuntamiento soy el que coordina todo lo que tiene que ver con el cine. Algunas cosas las montamos por nuestra cuenta mientras que otras propuestas vienen de fuera y nosotros ayudamos. O por lo

menos lo intentamos (risas). Dentro de esas tareas las más visibles son los festivales, la Semana de Cine Fantástico y de Terror y el Festival de Cine y Derechos Humanos, que realizamos junto con la Casa de la Paz de Aiete. Además, organizamos los ciclos Nosferatu con la Filmoteca Vasca y apoyamos a festivales como el Dock Of The Bay, el Surfilm, las Jornadas de Cine Realizado por Mujeres, el Creative Commons, el Ciclo Internacional de Cine Submarino, el Festival de Cine Matemático... Cualquiera que tenga una idea relacio-

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nada con el cine y la quiera desarrollar en nuestros recintos puede acudir a nosotros. Seríamos algo así como los encargados institucionales de todo el cine que no sea el del Festival de Cine. Ni Filmoteca. Ni Filmoteca, que hasta hace poco no era un agente programador. Siempre hemos estado hermanados con ellos, supliendo incluso labores que no podían realizar porque carecían de un espacio físico. Ahora, gracias a Tabakalera y a la nueva dirección, ya pueden programar películas, no solo atender al patrimonio, conservarlas, estudiarlas o restaurarlas. Conozco gente de Madrid y Barcelona que alucina con la programación cinematográfica de Donostia. ¿San Sebastián es la ciudad del cine? Yo creo que sí. Aunque Madrid tiene muchísimos agentes programadores, quizá su impacto esté más diluido. Está la Filmoteca, Matadero, la Fundación Autor, muchas salas privadas como el Metropol, pequeños festivales... pero en las ciudades medianas y pequeñas es mucho más fácil establecer redes de trabajo y la movilidad del público es más sencilla. No tienes más que irte a Bilbao para ver que con una población muchísimo mayor el impacto de determinados eventos es menor, cuantitativamente. Con una población pequeña nosotros tenemos una media de asistencia a las actividades muy alta, a pesar de la sensación de saturación que puedan tener algunos. Desde luego, todo o casi todo lo que se hace en el mundo del cine hoy en día y lo que se ha hecho

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a lo largo de la historia tiene su hueco en Donosti. Solo la enumeración de festivales especializados que te he hecho ya es alucinante. Cuando hacemos la memoria a final de año te pones a hacer un listado de las temáticas y formatos que puede abordar el cine y prácticamente no hay cosa que no se toque. Ya que has sacado el tema, quería preguntarte por el asunto de la saturación. Tenemos Kresala los lunes, Clásicos del Príncipe el martes, los miércoles Nosferatu... Y eso solo si hablas de cine. Imagínate si te metes en literatura, música... ¿Está el calendario sobresaturado? ¿Nos interesan demasiadas cosas? ¿Se repiten los espectadores en los eventos? Hay un grupo de cinéfilos fijo en todos los eventos pero siempre te llevas alguna sorpresa. Por ejemplo, hace poquito proyectamos las películas de Liliana Cavani en las Jornadas de Cine Realizado por Mujeres, que se vienen haciendo desde hace seis años en colaboración con la Casa de las Mujeres. Hasta ahora habíamos tenido una media de sesenta o setenta personas por sesión. Este año ha sido de doscientas. Doscientas personas viendo Portero de noche en el Teatro Principal. Sorprendentemente, el día que más gente vino fue el miércoles, que tocaba Nosferatu en Tabakalera. Otro ejemplo sería el de Metrópolis, este mismo miércoles. Sold out. Una película que se ha proyectado hace año y medio en el Cineclub Kresala...

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Creo que la he visto ya tres veces en pantalla grande en los últimos años. Estuvimos planteándonos no programarla de nuevo en Nosferatu, pero hablando de distopías era casi obligatorio. De hecho, es la imagen del ciclo. A veces se crean otros públicos, para nuestra sorpresa. Me consta que ese día aparecieron estudiantes de arquitectura interesados por la película y algunos se quedaron fuera. Todavía hay potencial pero tenemos que ser cuidadosos. A mí no me gusta coincidir pero a veces no hay más remedio, porque las agendas de los espacios son las que son o el ciclo hay que hacerlo en ese momento, sobre todo cuando son propuestas externas. Cuando podemos intentamos coordinarnos, por el bien de todos. Para eso tenemos una mesa en la que nos sentamos con Filmoteca, Tabakalera y el Zinemaldia. Con Kresala tenemos un contacto permanente. También con la SADE, para los clásicos. A pesar de todo, casi siempre hay algo a la vez. Tampoco estamos hablando de aforos muy grandes pero sí que son aforos buenos. En Tabakalera se llena la sala. Kresala también ha mejorado su media de asistencia con el cambio al Trueba, dignificando las condiciones de proyección. Yo creo que en contenido estamos consiguiendo no pegarnos. Ahora el reto está en hacer más limpia la programación en el calendario del año. Me he dado cuenta de que noviembre es un mes cada vez más saturado de eventos, en todas las disciplinas. Veo dificultades para que eventos nuevos se hagan un hueco en el calendario de la gente con interés cultural. Aunque es algo relativo.

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De repente te encuentras una cosa como Bang Bang, que en poquísimo tiempo ha conseguido algo casi milagroso, dar con una propuesta que la gente reclamaba y atraer a las salas a un público nuevo, muchas veces muy joven, que normalmente no va a estas cosas. Yo te diría que han conseguido recrear el ambiente de la Semana de Terror de hace quince años, cuando eramos jóvenes y teníamos más marcha en el cuerpo. Yo separaría bastante el Bang Bang Zinema de la Semana de Terror. Es una propuesta más comercial, más amable, menos radical en lo formal. Para todos los públicos, por así decirlo. El hecho de que haya niños o adolescentes que vayan a descubrir esas películas por primera vez es estupendo. Han ocupado un hueco intermedio entre el público festivo de la Semana de Terror que no existía en la ciudad. Por eso su alianza con la SADE me parece muy natural. Están entre el cine de las palomitas y una propuesta con algo más de contenido y de fiesta. Una preocupación para los programadores de cine es la falta de relevo generacional, el reto de atraer gente nueva a las salas y el trasvase de espectadores. Por ejemplo, llevar al público de la Semana de Terror al Nosferatu, que con este ciclo sería lo suyo. ¿Cómo abordáis esta cuestión? Es cierto que hay un público de la Semana, del núcleo duro de los abonados, que solamente va a la Semana y nada más. Yo prefiero ver el vaso

medio lleno y fijarme en la gente que tenéis la mente abierta a otro tipo de cine, que también vais al Zinemaldi, a Nosferatu o incluso a Derechos Humanos. El público de la Semana de Terror tiene esa fecha marcada en el calendario, igual que puede tener en la agenda un festival de música como el Azkena Rock. Por eso a veces no les importa qué películas vas a programar. Es su evento, su cita anual para reunirse, estar juntos y disfrutar. Muchos no tienen curiosidad por picotear otras cosas. Yo creo que con el ciclo de las distopías hemos conseguido atraer a alguno.

súper necesario. Se pueden producir situaciones chocantes en determinados públicos pero no pasa nada. Si no te gusta, no vuelves. Otros tal vez repitan. Esa mezcla está en Bang Bang. Y cuántas sesiones llevan agotadas... Exacto. Ya es cuestión de costumbre. La gente compra su entrada pongan lo que pongan. Bang Bang está en un punto parecido al de la Semana de Terror, con un público que te va a llenar la sala o a cubrir bastante aforo hagas lo que hagas. Han dado con una fórmula

“Todo o casi todo lo que se hace en el mundo del cine hoy en día y lo que se ha hecho a lo largo de la historia tiene su hueco en Donosti” Una de las cosas que se intenta hacer ahora es esa promoción contaminada de un evento a otro. A veces a la gente hay que ponérselo delante y enseñárselo. Anunciar Nosferatu en la Semana o hacer pases en Kresala, como hicimos con La noche de los muertos vivientes. En aquella proyección hubo algún espectador de la Semana pero también estaba el público habitual de Kresala, gente a la que tal vez no le apetecía ver una peli de zombis. A mí interesa esa mezcla, de intereses, de públicos, de tribus y edades. A veces me critican por eso pero me encanta mezclar a la gente. No me importa que digan que me desvío por poner algo muy hispter o cine caspa. Bienvenido sea todo. Mezclar a la gente y que vivan esos ambientes es

que siempre va a funcionar, salvo que de repente pegues un cambio de rumbo muy drástico. Para la búsqueda de nuevos públicos yo creo que esa mezcla de eventos y de contaminación positiva entre unos y otros es muy interesante. Luego está el tema generacional. Ahora mismo no es solo un problema nuestro. La gente joven no va al cine. El cine no es su prioridad. No van a verlo en la sala ni a gastarse nueve euros. Muchas veces aunque fuera barato o gratis tampoco irían. Ahí está una de las claves de lo que hacen en Bang Bang, añadirle esa parte de evento, que no quita para que en esencia sea una proyección de cine. Es lo mismo que hacemos en

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la Semana en formato festival. Tenemos que seguir apostando por que poner una película en un espacio público o colectivo sea algo más que verla en casa. Eso comentaba Santos Zunzunegui en aquella charla que dio en el Museo de San Telmo hace unos meses. Decía que el cine no había muerto pero que lo que quizás había cambiado era la forma de verlo. La gente ve más cosas que nunca, aunque sea en su móvil. Vas en metro, en tren o en autobús y están viendo series, películas, mangas... Lo que sea. Así pierde valor el hecho de pagar nueve euros por ver una película de dos horas. Con ese dinero te compras una suscripción de un mes a una plataforma online. Es muy difícil que eso tenga vuelta atrás. Quitando sectores como el del público adulto de San Sebastián, que apoya el cine europeo, español, independiente, en versión original... ¿Va a llegar el público joven a interesarse por esas películas? Posiblemente, pero no las van a ver en el cine. Las verán o las buscarán en otros soportes. Y más cuando hoy en día en muchas ciudades no tienen esa oferta. Sin embargo, el evento sí que funciona. Semana de Terror: Abonos agotados. Zinemaldi: Servidores colapsados. La gente se vuelve loca. Gente que además no va al cine habitualmente. Así es. Hay muchos tipos de eventos y no todos tienen por qué ser iguales. Que se reúnan ochenta personas para ver una peli en Youtube o ir al Clonerama también es un evento, a otra escala. Es parte de la cultura social actual, de ese cambio en

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las formas de consumo. Los programadores estamos obligados a adaptarnos, a ser imaginativos y no limitarnos a abrir la puerta y esperar a ver si viene alguien. No vamos a estar invirtiendo recursos, espacios y personal en cosas que no sabemos hacer llegar al público adecuado. Todo no es para todo el mundo. Me niego a decir eso. A Fábrica de nada de Pedro Pinho no es para el mismo número de gente que va a ver Rocky I. Curiosamente, en el Zinemaldi pasa lo contrario. Tienes un público que va por el mero hecho de ser el Zinemaldi. Es la cultura del evento vista a lo gordo. Pero eso también educa a un determinado porcentaje del público. De los dos mil que estáis en la sala grande del Kursaal habrá diez que habréis descubierto con ojos maravillados la sensación del siglo y otros a los que les habrá parecido un peñazo. Siempre hablamos de la gente, del público, ¿pero qué es eso? No todos los espectadores son iguales. Los que llevamos tiempo trabajando en esto sabemos que el éxito no se consigue de un año para otro. Por eso fenómenos como el del Bang Bang Zinema son tan inusuales. Hay que ir poco a poco, sobre todo los festivales. Por ejemplo, el Dock Of The Bay, que ha ido pasito a pasito, con cabeza, cambiando la fórmula, progresando y atrayendo a un público fiel que responde a sus películas. Tiene diez años y todavía podríamos decir que es el jovencito de nuestros festivales, que llega ahora a la madurez. Tienes que ir cambiando continuamente y también saber asumir cuando algo no funciona. A veces es lo que más nos cuesta, entender que el invento no va a ninguna parte, que hay que darle la vuelta y venderlo de otra manera.

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¿Cómo ha influido en el panorama cultural de la ciudad DSS2016 y Tabakalera? Yo separaría muy claramente 2016 de Tabakalera aunque hayan coincidido en el tiempo, porque Tabakalera es un ecosistema cultural que nació para quedarse. En 2016 hubo muchas cosas, algunas pequeñas y otras más grandes, unas que no han tenido continuidad y otras que van a seguir, pero ya veníamos de una ciudad con muchísimas propuestas. De hecho, ese era uno de los grandes problemas de 2016, conseguir asentarse e impactar a un público que ya contaba con una oferta cultural muy rica. Otro de los problemas era el de las expectativas de la ciudad respecto de lo que debía ser 2016. Ha habido aportaciones pero muchas han sido invisibles para la gente de la calle.

no fue la apuesta que hizo la capitalidad. Con respecto a Tabakalera, ¿no ha venido a fagocitar demasiados eventos? Nosferatu, por ejemplo, se ha visto desplazado del Teatro Principal.

La gente se quedó con el espectáculo del puente pero yo pienso ahora en varios conciertos interesantes, las proyecciones del Stop War Festibala... Se hicieron bastantes cosas.

Nosotros hemos sido parte y responsables en lo que nos toca. Yo no usaría la palabra fagocitar. Es una decisión estratégica que tiene que ver con aprovechar mejor los recursos, compartirlos con la Filmoteca Vasca y la propia Tabakalera. La lógica te dice que si estás programando clásicos y hay una Filmoteca que te está ayudando a financiarlo debes tener una ventana y una sala de cine de referencia. Para nosotros estaba claro que tenía que ser la de Tabakalera, por aforo y por comodidad del espect a d o r. D e h e c h o , s e h a n b a j a d o los precios y el público se mueve de unos ciclos a otros. Ahora la gente ya sabe que todas las semanas tienes una película en Tabakalera de martes a domingo.

Sueño de una noche de verano... Lo bueno de 2016 fue experimentar, desarrollar ideas y probarlas. Algunos temas literarios han funcionado muy bien y han tenido repercusión fuera. Pienso también en producciones como Kalebegiak. Se hicieron cosas que han servido para crear, para hacer cambios en las formas de trabajar y para impulsar a nuevos agentes que quieren programar cosas este año. Esperar grandes mutaciones en una ciudad que tenía tantas cosas era complicado. Lo que no podíamos era aspirar a ver a Bruce Springsteen tocando en la playa todos los días, mega-eventos cada fin de semana. Esa

No es el caso de Nosferatu. Todo el mundo sabía que es los miércoles, desde hace muchísimos años. Ahí la apuesta era también la del trabajo conjunto y el aprovechamiento de los recursos, en buena lógica. Teníamos claro que Nosferatu tenía que estar ahí. El único problema son las veces en las que se han agotado las entradas, pero ni siquiera en el ciclo de la screwball comedy, que ha sido el más exitoso de los últimos años, ha ocurrido más de un par de veces. Ojalá la noticia fuese que llenamos siempre. El día que dejemos fuera a cien personas de forma continuada seremos los primeros en plantearnos si

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hay que hacer dos pases de una película. Son cuestiones que la sala de Tabakalera nos permite organizar mucho mejor que el Teatro Principal, que se está utilizando para muchísimas cosas. Ahora mismo es uno de los espacios más utilizados de la ciudad. Niños, teatro juvenil, bertsolaris, música... Casi no hay un día del año en el que no tenga ocupación. ¿Faltan salas en la ciudad? Yo no tengo esa sensación. Tabakalera y sus espacios polivalentes te permiten montar cosas como la proyección de

ese formato de mega-centro cultural y comercial donde tienes mogollón de estímulos. O ninguno, al que simplemente vas para estar. Ofrece propuestas que no son para todos los públicos y otras más mayoritarias pero es un sitio que te permite hacer muchos cambios. A nosotros no nos ha perjudicado. Por ejemplo, los cursos de Tabakalera no han afectado a los de Donostia Kultura, que se hacen en los barrios y en los dos últimos años han batido récords de participación. Otros programadores privados quizás te digan otra cosa pero creo que buscar los huecos a la hora

“Aquí la apuesta cultural es bastante firme, independientemente de los cambios de legislatura o las líneas de gobierno. La cultura es una seña de identidad de la ciudad” La nueva Babilonia con la Orquesta Sinfónica de Euskadi o encuentros más pequeñitos, como los cafés de Dock Of The Bay. Lo bueno que tiene Tabakalera es que se ha convertido en el sitio en el que pasa todo, donde todo el mundo quiere estar y hacer algo, no solo eventos culturales. El fin de semana pasado había videojuegos, ahora un encuentro de empresarios, luego un congreso de participación... Es el sitio de moda. Por ubicación, porque atrae a mucha gente, porque es una calle-plaza pública, por los recursos que tiene... Quizá faltaba un espacio así en la ciudad, que albergase cosas muy dispares en su interior, tan vivo en muchos sentidos. Me parece estupendo que exista

de programar es un reto que había que afrontar. En el caso de Nosferatu la gente se ha adaptado al cambio sin ningún trauma, aunque se siga escuchando que les gustaba más el Principal. Ya que esta entrevista se publicará en diciembre, haznos un pequeño repaso de todo lo que habéis organizado este 2017. Acabo de hacer la memoria, así que lo tengo fresco. Nuestras tres joyas de la corona son las que hemos comentado al principio. El Festival de Cine y Derechos Humanos, la Semana de Cine Fantástico y de Terror y los ciclos Nosferatu, dedicados en en esta ocasión a la screwball comedy y

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las distopías de los futuros imperfectos. Primero estaría la colaboración con el Dock Of The Bay. Este año no hemos tenido Surfilm Festival. Siguen colaborando con el Savage Cinema en el Zinemaldi y a pesar de todo se han podido ver películas de surf en Donostia. El Ciclo Internacional de Cine Submarino, que lleva más de cuarenta años, ahí donde lo ves. El Festival Otras Miradas, que organiza Ikertze en torno al cine amateur y los jóvenes. El Zinegoak y el Mendi Tour de Bilbao, de los que traemos unas cuantas películas. Labo, perfectamente asentado en la Semana del cortometraje de Tabakalera. Y el Bang Bang Zinema en el Teatro Principal, un lugar que tiene su propia personalidad. Hay eventos que no serían concebibles en otro sitio, como nos pasa con la Semana de Terror.

Donostia Kultura. Tienes también las propuestas de Tabakalera y la Filmoteca Vasca, con sus ciclos dedicados a Calparsoro, Urbizu o Juanma Bajo Ulloa, una apuesta de programación por el cine vasco, o las Cartas Blancas de Zabaltegi. Han abierto ventanas a

Hemos vuelto a colaborar con el Departamento de Festejos del Ayuntamiento para resucitar el cine en la playa de Ondarreta después de los fuegos artificiales, si la climatología ayuda. Siempre intentamos meter un clásico junto con algo más moderno, cine palomitero o una comedia española. Desde un Simbad de Harryhausen a Guardianes de la Galaxia. No ha sido en nuestros recintos pero hemos ayudado también al Festival Donosskino, que ha abierto una nueva ventana al cortometraje de ficción. Esperemos que continúen el año que viene, porque las sensaciones fueron buenas. Y me dejo muchas otras proyecciones en el tintero. Todo esto se puede distribuir en el calendario a lo largo del año y cada mes tendrías uno o más de estos eventos.

Nada, ninguna de las dos cosas (risas). A veces te da más zozobra enfrentarte a las partes feas de tu trabajo, que son las de oficina, presupuestos, pelearte con los patrocinadores... Por suerte, a nivel presupuestario el apoyo está bastante consolidado. Sabes que tienes unos mínimos y la gente sigue yendo a las salas y pagando su entrada. No hay que olvidarlo, es un ingreso para los festivales. No se trata solo de las subvenciones y los patrocinios, sino de que la gente responda. Aquí la apuesta cultural es bastante firme, independientemente de los cambios de legislatura o las líneas de gobierno. La cultura es una seña de identidad de la ciudad. Eso te da más serenidad a la hora de hacer tu trabajo. En otros sitios no es así. Yo he tenido la suerte de empezar a trabajar en unos proyectos que ya tienen unos cuantos años de recorrido. En

Y estamos hablando únicamente de

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un cine de autor que antes no existían o estaban de forma conceptual, un cine más radical, experimental y alternativo. Es otra de las aportaciones que debemos agradecer como cinéfilos a Tabakalera, partes que faltaban en el mapa. Ahora entenderás por qué casi no puedo ir a ver la cartelera normal (risas). Sincérate. ¿Te da más miedo enfrentarte a las instituciones o a los abonados de la Semana de Terror?

algunas ocasiones nos ha tocado defender cosas nuevas y ayudarlas a continuar pero mal que bien lo hemos hecho. Volviendo a tu pregunta, la Semana de Terror no me da ningún miedo. Creo que la mejor parte de nuestro trabajo es vivir las cosas que hacemos. Para mí es muy importante y es lo que me gusta también de nuestros formatos, por lo menos en lo que respecta a Donostia Kultura. Te permiten estar cerca del público, los creadores, los invitados, los gestores, las asociaciones... Somos equipos de trabajo pequeños y es todo muy cercano, a la hora de trabajar y disfrutarlo, de compartir las alegrías y las penas. Cuando me preguntan por el Zinemaldi siempre digo que envidio su volumen, su capacidad e importancia, pero creo que para un gestor es mucho menos dis frutable. Cuando estás en el puente

de mando de un transatlántico no te enteras de lo que pasa en la piscina. Nosotros estamos trabajando con vosotros, los espectadores, viéndoos las caras y encontrándoos en las cosas que montamos durante todo el año.

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MÚSICA!

SILENCIO, POR FAVOR Igor Dilaudyd

Cansa hasta lo bueno. Todo tiene un nivel de saturación, incluso lo que se busca con fervor, con esforzada dedicación. En la música electrónica de los últimos años, gran parte de los recursos personales y tecnológicos se han volcado en la persecución de la p e r f e cc i ó n s o n o r a , e n a r r i m a r s e cada vez más al nivel cristalino de fidelidad, donde la pulcritud del resultado ha sido esqueleto mismo y razón de ser. Ejemplos hay innumerables, hasta el punto en el que virtuosismo musical y aporte técnico van de la mano como alma y cuerpo. Y como en toda carrera que se precie de serlo

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hay quien se retira antes de empezar. Surgen voces discordantes, sensibilidades dislocadas que por rebeldía, cansancio o incapacidad vuelven sobre los pasos y enturbian lo que ya se había depurado. Ya pasó con el punk como esquemática contrareforma tras los excesos decorativos del hard rock y del glam, y pasó también con el primer indie, donde la intención no iba casi nunca en consonancia con lo conseguido y se les acusaba de no querer hacerlo del todo bien. La cosa es así, siempre hay quien prefiere desmontar el

Chaos in the CBD (Nueva Zelanda)

Session Victim (Alemania)

juguete y manejar menos piezas. El caso que nos ocupa, el bautizado como «lo-fi house» o house que suena regular, se reboza agusto en el desbroce. Algunos de sus mejores exponentes como el Dj británico Ross from Friends (sí, se refiere al personaje de la serie), ha comentado en alguna ocasión que no

es del todo realista buscar un nivel de sonido de alta fidelidad en las producciones ya que en la mayor parte de los casos van a ser reproducidas en formatos cuando menos modestos, equipos caseros, tablets o directamente móviles con lo que presuntamente no estarían en la misma sintonía músico y oyente.

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Felix Weatherall aka Ross From Friends (UK)

Esto es una explicación cuando menos incompleta. También entrarían en juego ciertos cánones estéticos que quienes se alinean con esta tendencia de música de baile de baja fidelidad procesan. Secuelas de los cassettes de los ochenta tamizados con rigor y enmarcados en clubes del S XXI. En cualquier caso, ya sea por la connotación ética o por la estética, un buen puñado de Djs y productores se han enrolado en estas texturas de escasa nitidez. El ya mencionado Ross from Friends, Dj boring, Dj seinfeld, Mall Grab o Hidden Spheres, de una u otra forma salpican sus trabajos con

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elementos comunes. A un buen puñado de ellos les arropa y amamanta el sello londinense Lobster Theremin que se ha erigido en enseña de la marca y guía de quienes quieran seguir su evolución. Algunos de ellos se ciñen más a estándares de house académico (Hidden Spheres, Chaos in the CBD, Palms trax) y otros elaboran con esa base rítmica teorías más difusas, donde la ensoñación es una presencia constante y los trayectos llegan al destino con la ayuda de los faros antiniebla. En estos últimos, los de resonancias más poéticas, los patrones e intenciones acusan un cierto vacío,

Hidden Spheres (UK)

una nueva dictadura que sofoque otras anteriores; parecieran estar preocupados por el qué dirán, o mejor dicho, por el qué dijeron sus mayores. Y en todos hay mucha calma, no hay estridencias ni fuegos artificiales; vibraciones opacas que retumban lo justo. También hay síntesis, a lo concreto se le da muchas vueltas, aquí no se tira nada. Y sí, es cierto, los momentos de inspiración escasean, no los busquemos como solíamos, como tenemos aprendido, aunque en temas como «Winona» de Dj Boring, «WhereYouGonnaGo» de Jitwam o uno de los más reconocidos,

«Talk to me you will understand», de Ross from Friends, esos destellos aparecen y se agradecen. En cualquier caso sus argumentos se completan en marcha y yo me atrevería a decir en la intimidad. Es música de baile solitaria, de estancia y sofá. Sentados corroboramos esa pulsión inicial, desde el ritmo cardíaco, con ese eco que nos protege, que nos hace pensar por un momento que quizás, en la otra habitación haya más como nosotros y tendremos que bailar con ellos.

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MÚSICA!

IÑAKI

LÓPEZ ALLENDE CARTELES & OTRAS COSAS

Hacemos una entrevista rápida a uno de los diseñadores que más cera le dan al tema de carteles de conciertos actualmente en la ciudad (y fuera). Las paredes de San Sebastián están semanalmente empapeladas por su trabajo, pero no nos olvidamos de su trabajo más personal. Una faceta algo menos conocida (por ahora), pero al loro. Leer, ver y disfrutar música. Haces toda la cartelería de conciertos de Dabadaba (eso son muchos carteles). Las paredes de la ciudad están semanalmente petadas con tus diseños, fácilmente reconocibles

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por su estilo. ¿Dónde encuentras la inspiración para crear toda esta cantidad de pósters? Sí que son muchos carteles, sí. No todos los eventos llevan cartel, o muchos llevan una plantilla, por razones de tiempo, pero intento abarcar todo lo que puedo en cuanto a cartelería específica de conciertos. No dedico mucho tiempo en buscar inspiración expresamente para un cartel, por falta de tiempo. Soy más de meterme en harina directamente, y si no tengo una idea antes de empezar, dejo que vaya surgiendo en el momento

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en el que me pongo a trabajar. Sí que paso mucho tiempo de mi tiempo libre buceando en libros de arte o en museos (cuando viajo), y mucho más tiempo todavía curioseando en los excedentes y en las joyitas perdidas de la cultura pop. Catálogos comerciales de los 50-60, estampados de ropa 70s, tipografías modernistas, portadas de disco extrañas... cosas de este tipo, que luego son las que tienen una influencia muy clara en mi trabajo. Dejar de lado un rato el ordenador y empezar a pintar muros es una vía de escape momentánea o una nueva faceta que vas a desarrollar en un futuro cercano? Lo del mural que acabo de hacer en la casa de cultura de Intxaurrondo ha sido una experiencia chulísima, y además ha sido la primera vez que me enfrentaba a algo así. Casualidad me ha pillado

en un momento que empezaba a tontear con los medios no digitales a nivel casero, pero no tenía pensado pasarme a formatos tan grandes de momento hasta que me surgió esto. Pero sí, fue tan guay la experiencia que me gustaría poder repetir pronto, y además ha sido un empujoncito para acercarme tontear con los lienzos y los pinceles. Con todo el archivo que tienes, una muestra personal de autor estaría bien. ¿Futuras exposiciones, plataformas donde vamos a ver tu trabajo reunido y fuera de los muros de la ciudad? Como supongo que les pasa a la mayoría de los creadores y artistas, yo soy el crítico más duro y la persona más exigente con mi propia obra, así que cuando he pensado en exponer o me han propuesto cosas de este tipo en el pasado, he decidido que todavía me

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«PASO MUCHO TIEMPO DE MI TIEMPO LIBRE BUCEANDO EN LIBROS DE ARTE O EN MUSEOS (CUANDO VIAJO), Y MUCHO MÁS TIEMPO TODAVÍA CURIOSEANDO EN LOS EXCEDENTES Y EN LAS JOYITAS PERDIDAS DE LA CULTURA POP. CATÁLOGOS COMERCIALES DE LOS 50-60»

«YO SOY EL CRÍTICO MÁS DURO Y LA PERSONA MÁS EXIGENTE CON MI PROPIA OBRA»

si piensas en que los carteles que hago se pegan por toda la ciudad y que ya los ve todo el mundo, pero bueno, supongo que juntar carteles en una habitación es darles un estatus de objeto artístico y eso me da cierto respeto.

Como pregunta muy fetichista y sin menospreciar a ninguno de los grupos / festivales / noches de música para los que has diseñado... ¿Para quien, que no lo hayas hecho aun, te gustaría hacer un cartel?

Dicho esto, creo que ahora mismo ya me encuentro en un punto en el que estaría cómodo con una exposición de mi propia obra, y creo que mis carteles o mis ilustraciones ya tienen algo que contar como grupo, así que empezaré a trabajar pronto en esta dirección, y a ver si con este impulso me monto con las mismas una web personal, que es mi eterna gran tarea pendiente.

Escucho mucha música y cambio de grupo favorito cada semana prácticamente, pero por decir uno que me molaría, voy a decir a Mild High Club. He estado escuchando sus discos muchísimo últimamente y me parecen bastante únicos y una de las bandas más interesantes de ahora mismo.

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AUTOBOMBO!

EXPOSI CIONES

Después de dos años y pico montando inauguraciones de exposiciones en Arteuparte Gallery, sacábamos revista; el número 29. Casi nos lleva por la calle de la amargura, no por nada, sólamente el hecho de seguir editando en papel un buen tocho de artículos sobre artistas, entrevistas y demás lleva su trabajillo. Pero aquí la tenemos, caliente, de corazón y entraña. El origen es el origen, y toda esta inmunda aventura empezó con una rudimentaria revista. Y aquí estamos años después. Y dijimos: `joder, vamos a usar un par de páginas de la revista para

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darnos autobombo`. Por las paredes de nuestro studio y galería de arte (sisi, desde hace dos años tenemos un espacio físico donde trabajamos) han pasado algunos de los artistas que admiramos y seguimos desde el principio de todo. De nuestro todo. Iker Spozio, Rebeka Elizegi, Daniela Garreton, Coté Escrivá, Álvaro P-FF, Marcos Navarro, David Navascués, Imanol Aizpuru, Marina Besné o Eduardo Perez Salguero han figurado por aquí para nuestro deleite y el de los asistentes que nos habéis visitado. Gracias. Y de nada por las cervezas. Y este año, más birras y arte.

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