Revista Cinéfilo - 1º Edição

cinéfilo A N O 2 0 1 7 . F E V E R E I R O. N º 0 1

AQUELA ESTRADA Saiba mais sobre o road movie de Rafael Ramos, que busca ‘explosão de sensações’ nas estradas amazonenses.

Criadores

entrevista

crítica

Saiba mais sobre o cinema de Sofia Coppola.

Lucas Simões fala sobre “O Gato” e projetos futuros.

“Caboré” - O filme de Orange Cavalcante 1 - REVISTA CINÉFILOS

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3 - REVISTA CINÉFILOS

Sumário

Cinéfilo

SUMÁRIO EDITORIAL Crítica

Caboré - a lenda Pâmela Eurídice fala sobre o trabalho de Orange Cavalcante.

P.10 Análise

analisando - “amém” Trama minimalista dirigida por Bernardo Ale Abinader (“Os Monstros”) soa estridente, mas constrói habilmente o suspense a partir dos diálogos

P.12 P.14

“criminosos” - sérgio andrade Pâmela Eurídice relembra sucesso do cinema amazonense.

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P.6

Sumário

Cinéfilo

Oscar 2017

“LA LA LAND” O musical estrelado por Emma Stone e Ryan Gosling tem gerado um intenso debate entre críticos de cinema e espectadores. Saiba mais sobre o musical mais popular dos últimos tempos.

P.18 CAPA

road movie amazonense Saiba mais sobre o road movie que conta a história de Omar, um homem que sai em uma viagem pela estrada com pessoas desconhecidas, em busca de respostas e um novo ânimo para a vida.

P.26 P.32

sensibilidade feminina

P.34

sangue novo

P.38

dicas de filmes em fevereiro

Arthur Charles fala sobre o cinema autoral de Sofia Coppola.

Cecília Costa entrevista Lucas Simões, nova promessa no cinema amazonense.

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EDITOR-CHEFE ARTHUR CHARLES

DIRETOR

DE

ARTE

ARTHUR CHARLES

DIAGRAMAÇÃO ARTHUR CHARLES

TEXTOS PÂMELA EURÍDICE MARIA CECÍLIA COSTA ARTHUR CHARLES

AGRADECIMENTOS LEONARDO MOTA CINE E VÍDEO TARUMÃ LENS PRODUÇÃO CINE SET

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Editorial O primeiro passo é sempre trabalhoso. Talvez como qualquer primeira impressão, sempre cheia de expectativas, demandas próprias e grandes definições, o primeiro passo de uma publicação confere um certo ar suspenso na atmosfera, que nos ronda. Entretanto, o resultado vem sempre cheio de orgulho e felicidade, pois toda a ideia ganhou corpo, cor e atitude. Caros, sejam bem-vindos ao que chamamos de revista Cinéfilo.

A ideia de uma publicação de cinema é muito importante e sempre gerou diversas curiosidades. Embora falar de cinema seja algo tão complexo e cheio de entrelinhas, essa revista se pauta pela noção clara que o cinema é uma compilação de vozes e sobre o que surge delas. A revista tenta dar voz a esse imenso mosaico canibalesco e aglutinador que é o cinema e seus realizadores.

O nome Cinéfilo surgiu dessa ideia de compilação, de abarcar o todo, tendo em vista que o termo representa aquele ou aquela que assiste a todas as formas e tipos de expressão que o cinema apresenta, sem julgamento e sem distinção.

A Revista Cinéfilo, portanto, será um espaço amplo de trabalho. Publicará desde artigos, filmografias e críticas de cinema à análises de filmes. Seu caráter de publicação é mensal. Nessa primeira edição, damos destaque a diversos assuntos, mas focamos principalmente no cinema amazonense, que tem ganhado cada vez mais visibilidade Brasil afora.

A publicação atual traz entrevistas e críticas de filmes amazonenses, tanto recentes quanto filmes de anos anteriores. Nosso objetivo é dar destaque ao cinema local e falar com seus realizadores acerca de suas construções. Visto isso, poderemos ter e fazer um panorâma sobre os filmes que são produzidos por aqui.

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O NOVO HUGV! O novo prédio de 13 pavimentos comporta UTI, Centros Cirúrgicos, Central de Material e Esterilização, quatro andares de Enfermaria, garagens e heliponto, além do moderno e bem equipado Centro de Imagem com aparelhos de endoscopia digestiva alta, colonoscopia; broncoscopia; equipamentos para ressonâncias magnéticas; tomografias computadorizadas; ultrassonografias; mamografias e aparelhos de raio-X nas modalidades fixo e telecomandado, os quais serão fundamentais para auxiliar os profissionais no diagnóstico preciso dos pacientes.

A nova estrutura do hospital mantém médicos, enfermeiros, e demais especialistas e colaboradores. A capacidade plena do hospital somente será atingida após a conclusão da segunda etapa da obra, quando passará a ter 300 leitos, o dobro da atual.

950 profissionais 300 leitos

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crítica

por Pâmela Eurídice

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narração excessiva filme feito

O curta de Tefé, “Caboré – A lenda”, procura trazer a tela aquilo que a Amazônia tem tão rico quanto as águas que percorrem seu território: suas lendas indígenas.

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tira brilho em Tefé

do

Entretanto os diretores José Augusto Pedroza e Orange Cavalcante abusam da narração como recurso para esconder as falhas decorrentes das atuações e do próprio roteiro que não se segura apenas imageticamente.

Os realizadores se apoiam nesta lenda acrescentandolhe outros seres do folclore local: Iara e Jurupari, para construir seu roteiro.

caboré - a lenda produção José Augusto Celestino Eric Neves Ildelan dos Santos

Roteiro / Direção

O

argumento da trama se baseia na lenda da Castanheira, que apresenta a jovem Caboré, que em tupi simboliza sorte e fortuna, como uma guerreira valente, adorada e respeita por sua tribo, mas que ao sair para uma caçada não retorna a sua aldeia, deixando o índio Apiá preocupado com seu sumiço.

Sem a encontrar, ele recorre a Tupã que em nome do amor de ambos, após a morte da guerreira, a transforma em uma das árvores de maior destaque na floresta Amazônica: a castanheira.

Os realizadores se apoiam nesta lenda acrescentando-lhe outros seres do folclore local: Iara e Jurupari, para construir seu roteiro. O problema é o uso da narração excessiva durante toda a película, que serve de muleta para as trocas abruptas de elenco e sem explicação aparente, não há recursos estilísticos, técnicos e nem narrativos que os introduzam.

Há as passagens de tempo que tentam construir a linha narrativa do curta, acompanhase Caboré desde o seu nascimento até a morte, mas a montagem deixa o espectador perdido e sem tanto interesse em acompanhar a história.

O esforço da produção de Tefé mostra aquilo que temos mais rico na região e que tem potencial de ser observado e absorvido pelo nosso cinema que é a própria cultura local.

Claro que o cuidado de uma produção cinematográfica, mesmo de baixo orçamento, precisa ser lembrando e revisto em qualquer produção que almeje voos, mesmo não tão altos. no documentário nacional ou no cinema brasileiro, mas na história do humanismo.

O filme foi lançado em 2014 e está disponível no Youtube tanto como versão curta-metragem, quanto versão longametragem.

Orange Cavalcante

distribuição Independente

ano 2014

nossa avaliação

4.5 argumento

6 elenco

5 passagens de tempo

3.5

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analíse

por Pâmela Eurídice

minimalista estridente Trama minimalista dirigida por Bernardo Ale Abinader (“Os Monstros”) soa estridente, mas constrói habilmente o suspense a partir dos diálogos.

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esultado de um projeto do curso de Tecnologia em Produção Audiovisual da Universidade do Estado do Amazonas (UEA), “Amém” é um interessante exercício minimalista, construindo um crescendo trágico com apenas dois personagens, um carro e a

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força dos diálogos. Dirigida por Bernardo Ale Abinader, de Os Monstros (2015), a produção consegue extrair, se não um filme memorável, ao menos um belo saldo do trabalho com os atores – de longe a maior deficiência enfrentada pelo cinema local.

Diego Leonardo e Emerson Nascimento vivem dois pastores que se vêem parados numa estrada após um defeito no carro em que andavam. A situação pode ou não ter sido premeditada por André (Leonardo), mas este a usa para colocar Renato (Nascimento) contra a parede, numa série de confrontamentos que a princípio parecem ser sobre uma suspeita envolvendo Renato e a esposa de André (Caroline Nunes), mas que na verdade tem a ver com algo mais profundo entre os dois.

Primeiro, é preciso elogiar a decisão de basear um filme em diálogos, um gesto ousado dentro do cinema amazonense, tão prejudicado pela carência de atuações “para cinema”, sem a ênfase exagerada e a impostação típicas do teatro. Embora ainda não tenha superado esse problema – certas falas soam artificiais, e a própria enunciação dos atores dá escorregadas no registro teatral –, Abinader dá um passo na direção certa, escrevendo diálogos coloquiais e preservando esse tom na transposição para a tela.

O realizador também consegue fazer bom uso da curta duração, concentrando a carga dramática em desdobramentos sutis, ainda que previsíveis.

Apesar disso, Amém soa estridente, determinado a atacar certas mentalidades.

Sua tentativa de desconstrução de pastores evangélicos – um alvo não muito difícil –, com um aceno para as ideias de “meritocracia” à brasileira (da qual os pastores seriam o exemplo) e da violência como solução para a criminalidade (“por mim, matava tudo”) são mais importantes no filme do que a criação de personagens e conflitos com verdadeira complexidade.

Quando conseguir unir bons personagens e arcos dramáticos a seu talento para a miseem-scène – algo que já chamava a atenção em Os Monstros –, Abinader vai se destacar na produção amazonense atual.

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sérgio andrade // criminosos

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Memória do cinema amazonense por Pâmela Eurídice

E

m 2008, o curta-metragem Criminosos ganhava o Prêmio do Público como Curta-Metragem 35mm na edição do Amazonas Film Festival.

Dirigido pelo então produtor executivo da Secretaria de Cultura do Amazonas, Sérgio Andrade, o curta-metragem é um filme de ficção que relata a rede de conexões de uma comunidade e sua reflexão sobre questões da criminalidade urbana a partir da morte de um menino. O Cinéfiloconversou com o diretor e o roteirista, Emerson Medina, sobre as impressões do filme, desde a formulação do projeto até as participações nos festivais de cinema.

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PRÉ-PRODUÇÃO “O sistema está todo comprometido para sair apontando o dedo e desejando que a corda arrebente no lado mais fraco que é o menor criminoso”

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argumento cinematográfico de Criminosos surgiu após um debate sobre redução da maioridade penal. De acordo com o roteirista do curta-metragem, Emerson Medina, “durante a conversa se percebeu que reduzir a maioridade numa canetada não resolve os outros aspectos da cadeia de criminalidade: corrupção policial, criminalização das drogas, tráfico de armas e o que financia o crime, como o caso da pirataria”, disse.

Por ser jornalista, boa parte do roteiro de Medina esteve embasado em informações vistas no cotidiano da redação jornalística e aspectos do jornalismo investigativo, “através da leitura sobre espiral concêntrica”, contou.

O termo espiral concêntrica no jornalismo investigativo é visto a partir de um fio que vai formando um espiral tendo por ponto de partida o corpo vitimado. Em algum momento a espiral vai conduzindo às pistas que podem ser uma pegada, marcas de pneus, os cartuchos do revólver, evoluindo até as testemunhas e suspeitos. Em Criminosos, a estrutura narrativa se assemelha ao espiral, visto que todas as personagens estão em volta de Neguinho (exceto o vereador e o traficante) e suas tramas são desenvolvidas a partir de então. Para Medina, que lera sobre o termo após ter finalizado o roteiro e momentos antes de começarem as gravações do curta, “foi uma surpresa perceber como o tema estava interligado ao filme”, relatou.

Segundo o roteirista, “a estrutura da narrativa tem influência dos quadrinhos, principalmente de Alan Moore, autor de “Liga Extraordinária”, “Watchmen”, entre outros”, afirmou. As histórias de Moore trabalham com a ideia de que as micro-ações reverberam no universo macro gerando efeitos em cadeia que afetam o coletivo, algo semelhante à aplicação da teoria do caos. “Ele acompanha as histórias de personagens cujos atos convergem em algum evento maior, sendo que, muitas vezes a história abandona o protagonista, para buscar a óptica das personagens coadjuvantes. Em Criminosos, procurou-se fazer isso: uma história a partir de vários pontos de vista”, revelou.

Embora utilize os pontos de vista a fim de contar a história, para o jornalista, os argumentos expostos no filme “não justificam a redução da maioridade penal. O sistema está todo comprometido para sair apontando o dedo e desejando que a corda arrebente no lado mais fraco que é o menor criminoso”. Dessa forma, o curta-metragem apresenta visões diversificadas que, de alguma forma, incluam ao menos a metade da audiência.

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A locação escolhida para ambientar Criminosos foi uma área do bairro Planalto, próximo ao Alvorada, que na época do processo de criação do curta-metragem tinha elevada incidência de tráfico de drogas. A equipe de produção optou por se aproximar da comunidade e entrosar-se com seus personagens. “O próprio roteiro falava bastante da questão de drogas, violência e ali se encontravam personagens reais que tangiam esse universo”, contou o diretor. Alguns moradores da região participaram do filme como figurantes.

PRODUÇÃO

Convidado pelo roteirista Emerson Medina, o produtor executivo Sérgio Andrade assumiu a direção geral do curta-metragem. “O filme foi um presente, ele possui uma potência interessante que mostra um trabalho de dedicação da equipe, principalmente quando estávamos seguindo as etapas de sua produção. Servindo de modelo para um cinema amazonense que se iniciava e que pretendia ser profissional e com capacidade”, contou o diretor do filme.

Fascinado pela produção audiovisual, Criminosos foi o primeiro passo como diretor na carreira de Sérgio Andrade e representa o início de um trabalho de equipe. “Um time dedicado, que demonstrou essa característica principalmente nas etapas de produção”, disse o diretor que viu a união e o entrosamento de sua equipe de produção como alguns dos requisitos para o sucesso do filme, além de esboçar um novo caminho para a produção cinematográfica no Amazonas.

PÓS-PRODUÇÃO Criminosos rendeu a primeira indicação do Amazonas Film Festival na categoria de roteiro para Emerson Medina e também seu primeiro prêmio. “A continuidade da premiação tem parte da contribuição de Criminosos, pelo menos enquanto durou o Festival”, contou. Outro mérito dividido por ele e Sérgio Andrade, foi a participação do curta-metragem na conferência Creative Clusters, um evento sobre comunidades criativas em Glasgow, na Escócia.

Para Sérgio Andrade, Criminosos tem valor simbólico muito importante, embora, hoje, ele observe no filme algumas falhas. “Como todo filme que se inicia, um primeiro curta-metragem tem suas fragilidades”, disse o diretor que enxerga “uma potência interessante no filme, que tem como um dos maiores legados a dedicação de uma equipe de produção”, afirmou.

Criminosos é um dos filmes que faz parte da história do cinema amazonense e, considerando a atual situação em que o país se insere e a peculiaridade do ano em vigência, é bom estar atento às conexões implícitas que há em cada situação. O que o curta-metragem, de certa forma, procura evidenciar, tornando a sua temática e construção narrativa atemporais.

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rumo ao oscar por Arthur Charles

As cenas musicais de “La La Land” são bem encaixadas na história e dialogam diretamente com a trajetória dos protagonistas.

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cantando estações...

D

e todas as artes, o cinema talvez tenha sido a que mais rápido olhou para trás, em vez de continuar procurando novos caminhos. Olhou, gostou e aprendeu que pode reinventar histórias, fórmulas e conceitos eternamente, viver de sua própria coleção de pastiches, assimilar, copiar, traduzir, reinterpretar.

Na maioria das vezes, o motivo deste eterno retorno é meramente comercial. Em outras tantas, serve para alimentar a nostalgia, sentimento nobre cada vez mais crescente numa sociedade que parece sempre buscar no passado saídas, soluções ou um simples descanso de tempos tão difíceis. La La Land, o musical de Damien Chazelle, parece ser o melhor exemplo deste cinema-homenagem.

No ano em que Hollywood responde às críticas com filmes mais politizados, mais igualdade de gênero e mais espaço e emprego para um cinema étnico e atores de todas as etnias, Chazelle, o garoto-prodígio que colecionou prêmios com Whiplash, entrega uma fábula escapista que abusa da palheta de cores, que referencia o

“sonho americano” e, mais ainda, que declara amor ao cinema de Hollywood. Basicamente, um filme reverencia o passado, que canta o passado. Em termos práticos, os números musicais de La La Land soariam ingênuos, alienados ou até excessivamente conformados para um momento em que o cinema precisaria encher o peito para discursar contra a onda conservadora que promete se instalar de vez nos Estados Unidos a partir de agora.

Mas ter a nostalgia como matéria-prima não significa abraçar a ingenuidade ou fazer um cinema conservador. La La Land parte de uma série de referências muito maior do que as mais óbvias e sabe coletá-las, reinterpretá-las e nunca meramente copiá-las. A homenagem de Chazelle não apenas remonta os musicais clássicos de Vincente Minnelli ou Stanley Donen, embora Cantando na Chuva apareça em várias citações. Existe muito da leveza e da delicadeza de Jacques Demy, seja na luz, nas cores vivas, nos arranjos simples e nas coreografias simpáticas demarcando a narrativa.

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A três semanas do Oscar, bilheteria mundial de La La Land é de US$ 232 milhões.

No Brasil, o filme já teve cerca de 743 mil espectadores.

Pouco importa se Ryan Gosling não convence tanto assim como jazzista ou se Emma Stone parece crua demais para acreditarmos nela como grande estrela. Cabe tudo na fábula, dos sonhos românticos às pequenas alfinetadas no sistema e falta de identidade daquela massa de concorrentes a um posto abaixo dos holofotes.

Holofotes muitíssimo bem posicionados, é bom observar. A sequência do observatório, que começa com uma citação explícita a Juventude Transviada termina com mais uma homenagem a Cantando na Chuva ou, se for para citar um filme menos “pé no chão”, que namora com a liberdade criativa de um Núpcias Reais.

Se escalar Ryan Gosling e Emma Stone, em sua terceira parceria, parece uma aposta pouco arriscada para uma comédia romântica, Chazelle ousa ao colocar seus heróis não-cantores para cantar, explorando suas vozes até o limite, bem pequeno no caso dele, um pouco maior no caso dela. O mais interessante é que a experiência

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não apenas funciona satisfatoriamente, mas vai além porque humaniza os personagens e valoriza as belas melodias de Justin Hurwitz, que poderiam morrer em gritos de ex-competidores do American Idol. Ao proteger seu impecável conjunto de canções, La La Land tanto preserva esse charme nostálgico dos musicais de outros tempos quanto chega bem pertinho do espectador.

O primeiro mandamento de Chazelle é sempre jogar limpo com quem está do outro lado da tela. E mesmo quando o clichê ameaça se instalar no único momento de virada da narrativa, Chazelle parece se recusar a seguir a fórmula de sempre e, em cinco minutos, resolve as arestas e abre caminho para um desfecho surpreendente. Uma sequência circular que, mesmo frustrando as regras mais rígidas dos filmes românticos, é de um amor imenso pelos personagens e pelo cinema.

rumo ao oscar

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rumo ao oscar A frase anteerior é de Craig Zadan, coprodutor de “Chicago”, último musical a vencer como Melhor Filme no Oscar, em 2002. “Outros são artisticamente incríveis, mas não são enérgicos e não te levam para uma viagem. Tudo está alinhado para que este seja o ano do musical de novo”.

Musicais já foram esnobados nas principais categorias pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas. “Provavelmente porque musicais não são tão legais como costumavam ser e membros da Academia ligam muito sobre o que é legal”, opina Tom O’Neil, fundador do site de premiações Goldderby.com. “A coisa milagrosa sobre ‘La La Land’ é que é antilegal, sem vergonha e alegramente antiquado”, acrescenta O’Neil.

Dez musicais venceram a categoria de Melhor Filme no Oscar nos 89 anos da história do prêmio. Entre eles estão “Chicago”, “A Noviça Rebelde” e “Amor, Sublime Amor”, mas a lista de vencedores é maior. Ao lado de “O Mágico de Oz” e “Cantando na Chuva”, estão grandes

nomes do cinema como Gene Kelly, Fred Astaire e Judy Garland, que nunca ganharam um grande Oscar.

Damien Chazelle, de 32 anos, demorou seis anos para tirar “La La Land” do papel, fundindo uma sensibilidade de musicais da década de 1950 com uma história de amor contemporânea.

Filmes musicais geralmente são associados a grandes orçamentos, grandes elencos e grandes ensaios para cantores, músicos e dançarinos.

Lançado em 9 de dezembro nos Estados Unidos, “La La Land” é um dos filmes com maior número de indicações ao Oscar: 14, ao lado de “A Malvada” e “Titanic”. O filme também conquistou uma boa bilheteria, equivalente a quase 8 vezes mais que o orçamento da produção.

Após quase dois meses do lançamento, o filme que teve um orçamento de 30 milhões de dólares, arrecadou US$ 113 milhões só nos Estados Unidos.

“Gosto de pensar que o filme dá uma experiência emocional. Este é o objetivo do filme: usar os meios das tradições musicais para dizer algo sobre o que significa ser jovem e apaixonado hoje em dia, e o que significa ser um artista e buscar um sonho”, comentou Chazelle.

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curiosidades Emma Watson foi cogitada para o papel de Mia, mas teve que abandonar a proposta por causa das produções de A Bela e a Fera (2017). Já Ryan Gosling recusou o papel da Fera para fazer La La Land.

Dois locais foram reabertos para filmagem do filme: o Rialto Theatre, no sul de Pasadena, e a Ferroviária Angels, no centro de Los Angeles. O Rialto estava fechado desde 2007.

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capa

por Pâmela Eurídice

Aquela estrada Rafael Ramos busca ‘explosão de sensações’ em road movie amazonense

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road movie conta a história de Omar, que sai em uma viagem pela estrada com pessoas desconhecidas, em busca de respostas e um novo ânimo para a vida. “Qual é a sua estrada? […] Há sempre uma estrada em qualquer lugar, para qualquer pessoa, em qualquer circunstância. Como, onde, por quê?”.

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Dessa forma, o escritor da Geração Beat, Jack Kerouac, exaltou as características de sua experiência na estrada em sua obra ‘On the Road’.

Tratando da mesma temática, a Artrupe Produções Artísticas traz o curta-metragem, ‘Aquela Estrada’, de Rafael Ramos.

Inicialmente intitulado ‘E Se Essa Estrada Não Levar a Lugar Nenhum’, o curta teve os primeiros rascunhos realizados em 2013.

Na época, Rafael Ramos fazia um curso de roteiro em São Paulo e já alimentava a ideia de escrever sobre a aventura de sair por uma estrada afora. Segundo ele, a temática teve origem das próprias memórias com os pais. “Fizemos várias viagens de carro quando era mais novo.

Muitas dessas idas e vindas foram viagens escutando e conhecendo todo tipo de música, desde os Beatles a Bob Dylan, vivenciando outras realidades”, declarou.

Até ser tirado do papel e posto em produção

“O processo foi intenso. Foram meses de preparação até que os atores encontrassem o ritmo de seus personagens.” Zeudi Souza em 2015, Rafael Ramos foi desenvolvendo a narrativa cinematográfica, “criando dilemas, conflitos, tornando o trabalho mais robusto”, afirmou. Porém, no hiato entre a construção do roteiro e a produção de ‘Aquela Estrada’, o diretor produziu outros dois curtas-metragens – “A Segunda Balada” e “A Menina do Guarda-Chuva”.

A fim de recuperar a ideia, o diretor retomou ao ponto de sua inspiração: a estrada.

“Isso foi fundamental para o processo criativo, de repensar na estrada e a ligação que ela exerce no indivíduo e a cidade”, contou.

O roteiro passou a ser construído “sem uma trama, sem ‘historinha’, pensando muito em sensações. Queria que fosse uma explosão de sensações”, afirmou.

Para encorpar a ideia de sensações, o realizador audiovisual Zeudi Souza foi convidado para realizar a preparação com os atores, já que o filme envolveria um grupo de amigos na estrada. “A preparação

UM POUCO DE rafael ramos Rafael Ramos iniciou sua carreira em 2008, com o documentário “Ali na esquina”.

Ao longo da década, realizou ainda os documentários “Serviços Gerais” (2009) e “De onde vem” (2010), até estrear na direção de curta-metragem de ficção com “A Segunda Balada” (2012), o qual surpreendeu o público com a sutileza e sensibilidade com que tratou a história de um triângulo amoroso marcado por uma tragédia.

Aquela Estrada já foi selecionado para o 9° Curta Taquary, e o filme anterior do diretor, A Menina do Guarda-Chuva, lançado em 2014, circulou por festivais pelo Brasil sendo inclusive finalista do Prêmio ABC 2015.

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“o ator de cinema deve conhecer seu corpo em todas as instâncias, e o método faz com que o ator experimente a voz e a presença” REVISTA CINÉFILOS - 28

foi essencial para a construção dos personagens, colocar o ator de corpo e alma no universo atmosférico do filme e mostrar como essa atmosfera vai reverberar em seu corpo”, contou.

Dessa forma, o roteiro foi sendo formulado simultaneamente à preparação dos atores.

“O processo foi intenso. Foram meses de preparação até que os atores encontrassem o ritmo de seus personagens”, afirmou Zeudi.

“A improvisação utilizada na preparação funciona como processos de imersão, aproximação e experimentação; o ator de cinema deve conhecer seu corpo em todas as instâncias, e o método faz com que o ator experimente esse corpo, a voz e a presença”, complementa.

O sensorial também foi trabalhado na concepção imagética de “Aquela Estrada”. Juntamente com o diretor de fotografia do filme, César Nogueira, Rafael Ramos estabeleceu um exercício de conexão.

O fotógrafo recebeu a tarefa de ler uma obra de Pedro Juan Guti-

érrez e Pablo Neruda, respectivamente, e tirar fotos que se encaixassem e expandissem trechos dos textos, carregando nas imagens as sensações provocadas pela literatura. Segundo César Nogueira, o exercício “contribuiu para aprofundamento no clima do filme, que pedia muitas cenas ao sabor do momento”, afirmou o integrante da Artrupe Produções Artísticas, salientando ainda que foi preciso “adaptar-se e abraçar situações”.

Um dos fatores que impulsionou o diretor a trabalhar as sensações em “Aquela Estrada” está presente no filme “O Céu de Suely”. “Queria imprimir um retrato semelhante ao feito pelo Karim Aïnouz de transpor pra tela o universo do interior do Nordeste. Toda a endemia, singularidade do ‘caboco’ que vai para a estrada, o choque do urbano com o interior, a riqueza de costumes e contrastes visuais que permeiam o Amazonas”, afirma Rafael.

Considerando a construção do filme como “um processo anarquista”, Rafael Ramos analisa que tanto o elenco quanto a equipe técnica se envolveram profundamente no filme. Para o diretor, isso levou a uma construção e contornos diferentes dos propostos quando ainda atendia pelo título de “E Se Essa Estrada Não Leva a Lugar Nenhum”.

A liberdade oferecida aos atores para improvisar diálogos e situações “resultou em um tempo prolongado de filmagem no set, que precisou ser enxugado na montagem”, contou o diretor, que “fazia um corte, dava um tempo no material, depois retornava pra assistir. Até chegar ao corte que agradasse”, revelou.

O filme passou quase um ano pra ser montado devido ao envolvimento em outros projetos e, também, pelo fato de que o diretor nunca ficava satisfeito com o corte. “Mas essas pausas foram fundamentais para o entendimento do filme”, afirmou. Para Rafael Ramos, “a estrada é longa e eu tento me encontrar, entender qual é o meu cinema e, ao mesmo tempo, amadurecer como artista”, disse.

“Queria imprimir um retrato semelhante ao feito pelo Karim Aïnouz de transpor pra tela o universo do interior do Nordeste. Toda a endemia, singularidade do ‘caboco’ que vai para a estrada, o choque do urbano com o interior, a riqueza de costumes e contrastes visuais que permeiam o Amazonas.”

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criadores por Arthur Charles

O cinema De sofia coppola O feminino, o underground e a sensibilidade.

O

sobrenome “Coppola” por si só fala muita coisa: Sofia Carmina Coppola é filha de Francis Ford Coppola, um dos cineastas mais aclamados internacionalmente pela trilogia O Poderoso Chefão (The Godfather, 1972). E foram nesses mesmos filmes que Sofia começou a sua carreira como atriz. Nos dois primeiros ela aparecia em papéis bem pequenos, sendo que no primeiro era só um bebê. Foi a partir do terceiro filme, em 1990 que ela ganhou um papel de maior peso, interpretando Mary Corleone. Foi muito criticada pela sua atuação no filme, e até ganhou

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um prêmio Framboesa de Ouro por “atriz mais insuportável”. Mas esse não foi o fim da carreira como atriz. Sofia também fez parte de outros filmes como Star Wars Episódio I: A Ameaça Fantasma (Star Wars Episode I: The Phantom Menace, 1999 ). Mas foi indicada novamente ao prêmio Framboesa de Ouro. Foi então que desistiu de vez da carreira de atriz para se dedicar à direção de filmes. Inclusive o diretor do Framboesa afirma que esse é um dos grandes méritos do prêmio que por duas vezes perseguiu Sofia: “Perdemos uma péssima atriz e ganhamos uma grande diretora”.

Que Hollywood ainda é um lugar muito machista, a maioria sabe. Seja pelos salários menores que as mulheres recebem, pelas cenas de prazer sexual feminino cortadas, pela objetificação e muitos outros. É quase inacreditável pensar que em 85 anos do prêmio, apenas quatro mulheres foram indicadas ao oscar de melhor diretor(a). Sofia foi uma delas.

A personalidade forte de uma mulher que, por mais que tenha seguido os passos do pai não vive na sombra dele, incomoda. Ela possui um jeito único de fazer filmes, misturando o sinistro, o melancólico e o doce. Seus filmes sempre possuem uma temática feminina,’ como por exemplo “As virgens suicidas” que retrata o problema da repressão sexual que as meninas sofrem pelos pais. E também o mais recente, “Bling Ring” que possui apenas um personagem principal masculino entre várias mulheres. Eles conversam sobre aspirações, desejos, compras e sobre vários assuntos que cercam o universo o feminino. Em nenhum momento pontual o clichê “mulher só fala com mulher sobre homem” acontece. Na verdade, todos os filmes de Sofia são aprovados no Teste de Bedchel, uma espécie de avaliação para a representação de mulheres nos filmes.

Todos os seus filmes possuem personagens femininas marcantes, nada parecidas com estereótipos, assim como a própria Sofia.

Muito se fala de um caminho “fácil” que ela teve que percorrer para alcançar o sucesso, sendo filha de quem é. Mesmo tendo a coragem de mudar de carreira pra se dedicar ao que realmente gostava, mesmo sabendo que aquela era uma indústria que valorizava mais os homens e mesmo sabendo que os seus filmes seriam completamente diferentes dos do pai. Ela já disse diversas vezes que não pede a opinião dele nos seus filmes, apesar de admira-lo. Sofia Coppola é um dos poucos nomes femininos reconhecidos por Hollywood que fica atrás das câmeras. Uma pena.

A estreia por trás das câmeras foi em As virgens suicidas (The suicide virgins,1999), estrelado por Kristen Dunst. O filme foi produzido pelo pai Francis Coppola e foi bem aceito pela crítica especializada. Chamou a atenção o modo com o qual Sofia conseguiu mostrar um assunto tão dramático e profundo como o suicídio.

O seu segundo filme, Encontros e Desencontros (Lost in Translation, 2003), teve quatro indicações ao Oscar: Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Ator e Melhor Roteiro original, levando o prêmio na última categoria. Levou Scarlett Johansson para o mundo dos filmes mais sérios. com teor mais denso.

Já o seu terceiro trabalho, Maria Antonieta,(Marie Antoinette, 2006 ) estrelou novamente Kristen Dunst no papel principal. O filme teve cenas filmadas no Palácio de Versalhes , algo que nunca havia sido autorizado anteriormente. O filme ganhou o Oscar de melhor figurino.

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Lucas Simões fala sobre sua estreia no cinema amazonense

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poucos meses de completar 19 anos de idade, Lucas Simões já esbanja um currículo invejoso para muitos adeptos e fãs de cinema. Ele já foi roteirista no curta Luiza, que ganhou o primeiro lugar no festival “Um Amazonas 2014” e recentemente estreou o filme “O GATO”, uma produção local que exalta grande parte da história da cidade de Manaus, a Belle Époque.

Hoje, à frente da “Lens Produção” (produtora de filmes

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e curtas locais), Lucas já se tornou uma promessa para o cinema amazonense e mantém uma agenda lotada de produções marcadas para 2017. A revista Cinéfilo vai fazer um raio x sobre o mais novo sangue no cinema produzido no Amazonas e traçar um perfil completo do jovem cineasta com suas preferências, curiosidades sobre sua vida, seu trabalho e as novidades que vem pela frente.

entrevista por Cecília Costa

lucas simões Quem é?

Lucas Simões, diretor de filmes, tem 18 anos e é estudante.

RC - Qual história inspirou “O Gato”?

Como você a descobriu?

Lucas Simões - “O GATO” é uma história original, talvez tenha milhares de micro-histórias e algumas referências de filmes de época que vi durante o trabalho no filme. Mas, sobretudo, a história é original.

RC - Qual balanço você faz da experiência de dirigir um filme de época ambientado no Amazonas?

Simões - O filme, como quase todo filme aqui no Amazonas, sempre esteve exposto aos imprevistos e os contratempos que surgiam aos poucos.

Mas é interessante pensar que a equipe se mantinha firme, pois estávamos realizan-

Religião Católico.

Influências Ingmar Bergman, Christopher Nolan, Stanley Kubrick. culturais de Manaus (que se tornaram os sets) já estavam basicamente prontos como cenário. do o primeiro curta a mostrar a Manaus do Século XIX. Só a proposta do trabalho já era suficiente para ultrapassarmos as barreiras técnicas e artísticas presentes na região.

RC - Como foi a elaboração dos cenários e figurinos do filme?

Simões - Tivemos dois figurinistas: Arnaldo Barreto e Jonatas Sales, que pesquisaram os melhores figurinos e os mais característicos para apresentar os personagens da trama.

E as locações acabou por ser a parte mais fácil do projeto, já que a maioria dos espaços

RC - A construção de diálogos, vocabulário e sotaques dos personagens são aspectos marcantes no filme.

Como foram desenvolvidos?

Simões - Houve um trabalho de pesquisa em cima da formalidade e a informalidade usada na época. Assim como também a pesquisa das nuances e

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entrevista “Sou bem conservador em alguns aspectos e bastante liberal em outros. Acredito que o respeito deve prevalecer independente de posição política” Lucas Simões pausas adicionadas nos discursos em meados do século XIX. Mas claro, houveram adaptações para que, no filme, tudo pudesse ser melhor compreendido.

RC - Com apenas uma frase, como você definiria o atual cinema amazonense?

Simões - De alguns anos atrás para cá houve um aumento significativo na qualidade de produção dos filmes e da quantidade de interessados. Creio que a LENS Produções está formando um grande público consumidor desta arte nestes últimos meses, e nossos filmes tem dado saltos grandiosos em termos de roteiro, e produção.

Assim como a Dream House Pictures que tem destaque pelos seus curtas expostos no Youtube. Acredito que o cinema amazonense está bom, mas ficará ainda melhor daqui uns anos.

RC - E em uma palavra, como definiria o meio cinematográfico?

Simões -Trabalhoso.

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RC - Qual é o papel do crítico cinematográfico no fortalecimento do cenário cinematográfico regional?

Simões - Eles são fundamentais, tanto para o realizador do filme quanto para os interessados em cinema (público). Os críticos amazonenses possuem uma sensibilidade e conhecimento que tornam as suas avaliações sucintas porém ao mesmo tempo profundas. Acredito que nós, como realizadores, não devemos enxergá-los como aqueles que querem falar mal do que fazemos, porque assim como nós, eles estão realizando a função deles que é criticar o que estamos levando ao público. Cabe aos realizadores filtrar os textos da crítica procurando aborver apenas o essencial.

RC - Quais medidas você acha que poderiam ser tomadas para estimular e potencializar o cinema amazonense?

Simões - Creio que a união dos realizadores locais possa vir a fortalecer a classe. A LENS está promovendo essa união quando abre chamadas para

projetos, quando seus realizadores de cinema buscam membros da equipe etc. E a própria LENS está aberta àqueles que desejarem contribuir ou ficar por dentro do processo. Além disso, uma outra medida que poderia ser tomada coletivamente é realizar mais exibições dos nossos próprios filmes nos espaços culturais de Manaus.

Pouquíssimos fazem, e é por isso que o cinema amazonense só vem a superfície de tempos em tempos. A movimentação deve ser maior, e mais agitada.

RC - Quais aspectos mais lhe atraem em um filme?

A estética, a narrativa, e a proposta inicial que deve desenvolver a narrativa.

Simões - Quais são seus três filmes favoritos? É difícil escolher três de todo um acervo de favoritos, mas eu tenho um apreço muito grande pelo “Gabinete do Dr. Caligari” (Wiene, 1920) , Interestelar (Nolan, 2014 ) e “O Sétimo Selo” (Bergman, 1957)

RC - Quem você acha que vem se destacando no cinema amazonense (linguagem, forma de direção, etc…)?

Simões - Muitos colegas da área se destacam por possuírem uma boa linguagem cinematográfica. Não posso destacar um apenas, pois a maioria consegue contar uma boa história e impressionar. A maioria.

RC - Quais os melhores filmes já feitos no Amazonas?

Lucas Simões - Então, essa é uma questão complicada. Irei opinar apenas como espectador, e digo que alguns me impressionaram bastante pela qualidade técnica e de enredo.

Só não me recordo mesmo os nomes, mas eles foram exibidos na II Noite do Cinema Amazonense promovido pela Amacine, a maioria dos filmes eram realmente bons e de qualidade.

RC - Quais seus projetos para o futuro?

Simões - Tenho muitos, alguns secretos outros nem tanto.

Temos toda uma equipe qualificada na LENS e no momento estamos investindo nisso, traçamos um plano bem concreto para nossas realizações ao longo deste e do outro ano.

Os meus projetos nascerão de dentro da produtora em breve, e irá alavancar o valor social que a LENS busca adquirir.

RC - De onde partiu seu interesse por cinema ?

Simões - Sempre gostei de escrever e criar histórias dos mais diversos gêneros, quando fui

apresentado ao cinema, vi que era uma oportunidade de exibir meus pontos de vista para várias pessoas, e então decidi realizar algum projeto para ver se daria uma boa repercussão, e deu.

RC - Você acha que no neste meio existe muita intriga, picuinha entre os profissionais de cinema?

Simões - Desde quando entrei no audiovisual, ouvi histórias e histórias destas picuinhas. Sim, elas existem, como em todo trabalho e vida. Não é só no cinema que acontecem problemas de pessoas com pessoas, vivemos numa sociedade, problemas ocorrem. Porém, é preciso saber de verdade como dividir o “pessoal” com o “pro-

fissional”. Tive uma extrema sorte de – no começo – encontrar pessoas que me passaram a perna, pois pude perceber o quanto é importante valorizar as pessoas certas numa equipe.

RC - Qual sua posição Politica?

Simões - Sou bem conservador em alguns aspectos e bastante liberal em outros. Acredito que o respeito deve prevalecer independente de posição política.

RC - Qual seu grande sonho dentro do cinema?

Lucas Simões - Que o conhecimento para fazer filmes não seja monopolizado. Não é um sonho, é só uma vontade.

Acredito que um dia irá se concretizar.

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t2: trainspotting Danny Boyle revisita o cult de 1996 sobre heroína, vazio existencial e consumismo e mantém os três pilares nesta continuação, baseada no livro Pornô e em outros escritos de Irvine Welsh.

Gargalhadas contínuas Acelebravam o fato de o reencontro de Renton (Ewan McGregor) com seus parceiros de agulha e de porre ser ainda mais divertido que o filme de 1996. Já a frieza e a sisudez com que a outra parcela do público

encarou a estética videoclipada de Boyle demonstravam que a estrutura dramatúrgica daquele balanço geracional - centrada em uma maracutaia envolvendo Renton e uma jovem búlgara parece não impactar tanto quanto certas cenas do primeiro longa, sobretudo a famosa sequência do engatinhar de um bebê durante um transe de heroína de Renton.

Boyle fala com os convidados da Berlinale na tarde de sexta logo após a

coletiva de imprensa do filme brasileiro Vazante, de Daniela Thomas, descrito como uma espécie de mistura da estética da cineasta argentina Lucrecia Martel (de O Pântano) com a obra sociológica de Gilberto Freyre em Casa Grande & Senzala. Nada se sabe sobre a trama do filme, que aborda a escravidão no Brasil.

Originalmente, Trainspotting 2estrearia em 16 de fevereiro no Brasil.

dicas do cinema mundial Vinte agitados anos depois, Danny Boyle e o quarteto de anti-heróis de “Trainspotting” estão de volta a Edimburgo e à má vida, em “T2 Trainspotting”.

Eurico de Barros dá-lhe duas estrelas.

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fevereiro de 2017 tulipa fever No enredo, situado na Amsterdã do século 17, uma mulher casada (Alicia Vikander,) inicia um romance com um artista (Dane DeHaan) contratado para pintar seu retrato.

Para fugir junto, o casal aposta no mercado de tulipas, febre especulativa dos Países Baixos, à época.

O elenco tem Cara Delevingne (Esquadrão Suicida), Christoph Waltz (Django Livre), Holliday Grainger (Horas Decisivas), Tom Hollander (The Night Manager), Jack O’Connell (300: A Ascensão do Império), Zach Galifianakis (Se Beber, Não Case!

Parte III) e Judy Dench (007 Contra Spectre).

A estreia nos EUA está marcada para 15 de julho. Mas no Brasil, o filme terá a estreia mais cedo: dia 24 de Fevereiro.

Guarde a data para reviver o século 17 com Alicia Vikander.

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