Revista by astrid

͘͘͘Ğů ƐĞŶƟĚŽ ĚĞů ĚŝƐĞŹŽ Año Edición AñoN° N 3-1-Edición N N° 24 6 - www.facebook.com/hibri2

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Depósito Legal 98765 - ISNN 665436 - Bs. 900

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Pablo Iturralde

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Astrid Navarro Adobe Creativecloud

Editorial Asimetrico c.a Año N 3 Edición N-24 Venezuela 2015 Grupo Hibri2 Diagramación y concepto general por Ástrid Navarro Participantes Pablo Iturralde Bernarso Rincón Waleska López Mario Fuentes Wiliam Shakespear Rafael Mateuss Alan dacosta Sigfrido Chacón

Pablo Iturralde Waleska Lﾃｳpez ﾃ《trid Navarro Adobe Creative cloud Sigfrido Chacon Bernardo Rincﾃｳn

Alan Dacosta Rafael Mateuss Argentina Universitaria Mario Fuentes William Shakespear

Pablo Iturralde Pablo Iturralde

Quito, 1971, es un diseñador gráﬁco con estudios en Quito (Instituto Latinoamericano de Diseño 1994) y Montreal, (Institute de Creation Artistique et de Recherche en Infographie, ICARI 1996). Ha trabajado como director del estudio Anima en Quito y Guayaquil desde 1996 y ocasionalmente en equipo con otros diseñadores. Su trabajo ha sido internacionalmente reconocido en varias ocasiones por las bienales de México, Madrid y Ecuador, el XXI Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, los catálogos Logo Design, Poster Design y Political Poster Design (Graphis EUA), el libro “Diseño gráﬁco Latinoamericano” (Trama Ecuador) y Los catálogos “Latin American Graphic Design” y “Logo Design Volume 2” Por su visión del diseño, ha privilegiado las aplicaciones sociales y utilitarias. Entre las más importantes están la recuperación visual de la arquitectura, a través de los sistemas de la señalética y rotulación comercial del Centro Histórico, los barrios y parques patrimoniales de la ciudad de Quito y Guayaquil. En colaboración con los estudios de diseño B-fatory y Giotto, creó la

imagen corporativa de la administración municipal de Quito, así como la de su aeropuerto internacional “UIO”. Promotor del proyecto “Tricolor en llamas”, primera discusión nacional sobre la vigencia de los símbolos patrios, que fue presentado ante la Asamblea Nacional Constituyente y la sociedad ecuatoriana. Con la publicación del libro «Duales y Recíprocos», promueve una nueva lectura a la historia ecuatoriana, teniendo a la comunicación visual como herramienta de análisis y de descubrimiento. En el libro «Ciudad 25» (P. Iturralde / J Mantilla) recopila proyectos culturales de jóvenes quiteños venidos de áreas tan distintas como la arquitectura o la música. Dirige la revista “Retrovisor”, que analiza y critica los procesos de desarrollo de la gráfica local y rescata su inmenso patrimonio visual y es presidente de la Bienal Nacional de la Gráfica y la Comunicación Visual, Chakana. Ha establecido una colaboración cercana con la última generación de cineastas y documentalistas ecuatorianos. Ha participado en la dirección de arte de varios largometrajes de ficción

de los directores Sebastián Cordero, John Malkovich, Taylor Hackford y Pablo Mogrovejo, entre otros. A nivel corporativo ha creado más de 300 logotipos y sistemas de identidad corporativa, para importantes empresas, pequeñas y grandes, entre las que cuentan grupos empresariales ubicados entre los diez más grandes de Ecuador. El trabajo de Pablo Iturralde es reconocido en todo el país, ha sido galardonado en varias ocasiones en bienales de México, Madrid y Ecuador, sus trabajos han sido publicados en revistas y catálogos internacionales, ha hecho sus propios aportes editoriales dentro del diseño y la cultura, sus más de 300 logos constituyen un patrimonio muy importante de la imagen corporativa contemporánea ecuatoriana, la labor que ha hecho dentro del cine a través de la dirección de arte en muchas de las películas de los últimos años es por si misma un enorme aporte a la cultura visual del país.

Textos e imágenes publicados:

Catálogo “Encuentros de la 11va Bienal Internacional de Cartel de México en Puebla”, 2010 Catálogos: BICM, Catálogo Bienal del cartel de México 2004 , 2006 y 2008, Graphis Logo 6 2004, Diseñadores del Ecuador ADGEcuador 2003, Ciudad25, visiones contemporáneas de Quito, Ecuador Libros: Diseño Gráﬁco Latinoamericano, Trama 2006, La Saga y el gozo. Hugo Idrovo, Ecuador del Sigo XX, Editorial Dinediciones 1998, Latin American Graphic Design. Edit. Taschen., Logo Design Vol 2. Edit. Taschen., Duales y Recíprocos, La comunicación visual del Ecuador. 2004 Revistas: Proyectodiseño, Colombia, Papagayo, Ecuador, Retrovisor Ecuador, Dolce Vita Ecuador, Markka Registrada, Diners Ecuador, Ecuador Terra Incógnita Ecuador, Abrelatas Ecuador, Análisis y Estrategia Ecuador, Que pasa en la plaza Ecuador, Línea Cero Ecuador, Fancine Ecuador, Semana Ecuador, Revista Vistazo Ecuador, Vanguardia Ecuador, Agenda El Pobre Diablo. 15 años Ecuador, Diarios: Festival (Cuba), Hoy, ABC España, El Comercio, El Mercurio, El Universo, El Tiempo, La Hora (Ecuador).

Docencia: Pontiﬁcia Universidad Católica del Ecuador. Quito PUCE, Universidad Casa Grande UCG, Universidad Santa María USM, Escuela Politécnica del Litoral ESPOL, Instituto Ecuatoriano de Artes del Ecuador ITAE, Colegio Liceo Panamericano. Además ha sido jurado en bienales y concursos de diseño y ha dado talleres en Ecuador, México. Organizador 1er Festival de cortometrajes ecuatori

anos en Galápagos V Bienal de diseño gráfico ADG Ecuador 2004. Fiestalt “La fiesta del Diseño” 2004 Chakana. Bienal Internacional de gráfica y comunicación visual.

2010 Retrovisor investiga el inmenso

patrimonio visual del Ecuador de todos los tiempos. En un formato y diseño neutral, es el medio que contiene diversos “estilos” contribuyentes a la identidad visual del país. La revista prioriza aquellas expresiones anónimas e informales que inciden públicamente mediante el uso de la comunicación visual. Es a la vez una comunidad de comunicadores visuales y amantes del patrimonio visual del Ecuador que se integran a través de este formato editorial. El proyecto nació en 2006 como una revista promocional del estudio Ánima de Pablo Iturralde. Los dos primeros números de la revista fueron ﬁnanciados por el estudio, mientras que los siguientes cuatro fueron parte de “Proyectos en marcha” ﬁnanciados por el Ministerio

de Cultura del Ecuador. En estos se Le asignó una temática general a cada publicación. El primer número temático Imagen país/ imagen ciudad analiza símbolos e imágenes que han dado sentido a la sociedad actual, entre ellos se encuentra la gráfica institucional del sector público, la mirada de los extranjeros al Ecuador, el cine independiente de Guayaquil, la ilustración infantil, y la construcción moral y estética de la era republicana. Aquí encontramos la publicación en formato digital: El segundo número El otro abarca las alternativas a las artes visuales y diseño formal, como son el grafiti y la gráfica popular, la revista también habla de la “alteridad y la capacidad de ser otro”, del disfraz y su carácter lúdico y festivo, y analiza diversidades culturales como la dicotomía del mestizo – blanco.

La siguiente fue una edición especial con la temática La ilustración botánica quiteña y la última edición habló de La muerte Esta publicación cuenta con 60 páginas, está impresa a full color en un formato de 22cm x 32cm. Se imprimieron 1 500 ejemplares por edición que se entregaron gratuitamente bajo pedido.

Waleska L贸pez

Waleska López Por otro lado creo que los comunicadores visuales tenemos una alta responsabilidad social, a través de la imagen podemos cambiar patrones de conducta, educar y ser capaces de generar cambio. Si hay una frase que he usado como bandera desde que comencé en el diseño es: Ver para crecer, los diseñadores tenemos que ver y ver todo, mantenernos abiertos y observadores a todo lo que acontece a nuestro entorno. “Pues mira, hablar de uno la verdad no es fácil pero te cuento que soy Larense, nací en Duaca capital del municipio Crespo, venezolana de pura sepa, no tengo ni abuelos extranjeros ni primos segundos de mis abuelitos de los que me sirva para conseguir una segunda nacionalidad rebuscada. Salí de mi casa a los 18 años cuando me fui a Mérida a estudiar diseño gráﬁco y hasta ahora no he regresado a mi casa (risas). Hablando en serio, el haber escogido el diseño gráﬁco como carrera ha determinado el cómo veo las cosas, cómo me he movido a lo largo de estos años. Para mi es fundamental la investigación en el diseño, mucha gente gente cree que la investigación es estar en una biblioteca rodeado con montañas de libros hasta el techo. La investigación se puede abordar desde diferentes ámbitos, cualquier punto de partida es valido para emprender un proyecto, el diseño responde a un concepto y a una necesidad comunicativa y de eso debemos estar claros al emprender la carrera que no se trata sólo de usar el software eso lo hace cualquier persona tomando curso y practicando un poco.

Al momento de crear un arte final, dígase ilustración o cartel entre otros... Prefieres el modo digital o manual? Siempre me decanto por lo digital. Un artista que te inspire Saul Bass Un país del cual admires su nivel de diseño? Me gusta mucho el diseño de los pasaportes suizos, son brutales. Respiran diseño.

¿hace cuanto que eres diseñador\a? Hace 3 años y 8 meses

¿cual te gusta mas, Ilustrator o photoshop?

¿Que es lo que mas te gusta de ser diseñador?

¿sigues las tendencias de diseño que se renuevan cada año, por ejemplo con los pantones de moda?

Poder mutar con cada proyecto, poderse poner los zapatos del otro para responder las necesidades comunicativas del cliente.

¿Cual es tu definición de arte?

Una visión sensible del mundo y una capacidad de análisis y síntesis aguda del entorno. si pudieras tener otra profesión ademas del diseño ¿cual seria? Comunicador social.

¿Que rama del diseño te gusta mas?

(ilustración, editorial, digital etc..) UI / UX Diseño de la experiencia de usuario.

Ambos.

No sigo tendencias como tal, lo que trato es de crear piezas atemporales acordes al trabajo de diseño que esté desarrollando.

¿Color favorito para trabajar o que constantemente aparezca en tu trabajo? Todos los colores son favoritos y es el trabajo el que marca la pauta de la paleta de color.

trasnochadora. Si es cierto que muchas veces se trabaja mejor y el trabajo resulta ser más de lo que se piensa sin embargo para mi ver el reloj es producir más rápido para ir a la cama en el menor tiempo posible. ¿Como definirías tu estilo al momento de diseñar? Realmente no se si lo pudiera deﬁnir dentro de una corriente o un tag pero si sé que trabajo mucho con las formas y contraformas, colores planos. Y ﬁnalmente

Materiales favoritos para trabajar? Papel y lápiz. Como bien dicen el papel aguanta todo Algo que no pueda faltarte al momento de diseñar?

Una tacita de té o un buen chocolatico caliente e internet.

cuando necesitas inspiración que te gusta hacer? Ir a Behance y quedarme horas descubriendo gente. Algún consejo que le darias a alguien que quiera iniciarse en el camino del diseño?

Estar conscientes que el ser diseñador implica un trabajo de investigación para poder entender mejor la realidad comunicativa del trabajo que se ejecuta.

Que haces cuando no estas diseñando? Hago deportes o stalkeando creativos/diseñadores hay algún aspecto del diseño que haya marcado tu vida? Si, prestar mucha atención al proceso porque de ahí se desprenden soluciones ¿Apoyas la creencia de que los diseñadores trabajan mejor de noche? jajajajajaja no, yo soy mala

Cual es el trabajo que mas te gusta que hayas hecho a lo largo de tu trayectoria en el diseño? Los trabajos fotográﬁcos en los que he explorado otra forma de absorber lo que hay alrededor de mi. ¿Cuáles son tus referentes, lo que te inspira para dibujar? Soy muy curiosa, me interesa mucho la ciencia y la ﬁlosofía… Por ejemplo tengo un microscopio que me encanta y que me inspira mucho a nivel plástico. También me inspira mucho la interacción con los participantes de mis cursos o los amigos con los que hago mis proyectos. Hace poco hice uno con un arquitecto y un diseñador; otro con una amiga que trabaja con el cuerpo… Creo que lo importante es la curiosidad por el

aprendizaje. Hace poco hablé con un físico que está estudiando las emergencias, cuando se unen muchos individuos que tienen una actividad muy simple y que, al juntarse, crean algo mucho más grande y complejo que no tiene que ver con el individuo, como los pájaros cuando vuelan en bandadas o los peces, cuando forman un banco. O las neuronas en el cerebro. Él me contó que hay programas para artistas a los que les gusta la ciencia y que quieren ser inspirados por ella, reinterpretarla…Y a mi me encantaría participar en un programa de ese tipo, a ver si me invitan a ver un acelerador de partículas (risas). En ﬁn. Creo que es un acierto mezclar disciplinas, es muy enriquecedor y te abre nuevos horizontes. Además es algo que a los cientíﬁcos también les sirve, porque la divulgación cientí-

ﬁca no siempre es fácil. Hay otra cosa que fue un gran referente y de lo que ahora me doy cuenta. Mi abuela, Julia Lópiz, era pintora, pero no una pintora famosa sino que pintaba porque tenía mucho tiempo libre…Y cada vez me gustan más sus obras. Me pasaba los veranos enteros en el Puerto de Santa María con ella y recuerdo que una vez intentó enseñarnos a pintar con acuarelas a mi y a mis primos, pero me parecía tan aburrido…Porque empezó a hablarnos de gamas de grises cuando a nosotros lo que nos apetecía era coger directamente los colores y pintar. Sus cuadros eran una delicia y creo que ella y un amigo de mi madre también pintor, David Roldán, fueron de mis primeras grandes inﬂuencias. No sólo trabajas para proyectos editoriales,

también para prensa y publicidad. Cada uno tiene unas características y unos tiempos muy diferentes, ¿cómo abordas cada tipo de encargo? V - Yo creo que todo es una cuestión mental. El cuerpo ya sabe que o lo terminas en un día o no lo terminas y entonces se tensa y se prepara para ese estrés. Cuando tienes más tiempo, se afloja un poco el estrés (que eso es un poco peligrosillo) pero también te permite investigar y aprender más gracias al proyecto, que a mí es lo que más me motiva. Al final me tengo que estresar como con los trabajos para prensa pero en fin… Creo que es una cuestión psicológica y que al final te adaptas a unos tiempos y otros.

ﾃ《tridﾃ《trid Navarro Navarro

La diseñadora gráfica en formación que se auto define como “innovadora e inusual” comienza su trayectoria en la ciudad de los caballeros con mas que posibilidades en sus ideas, lista para surgir de las pinceladas del arte nacional, nos trae una mirada distinta del mundo y del diseño gráfico, tras los torpes inicios sin alguna dirección fija son sucedidos por el mundo creativo que la absorbe para guiar los pasos de su verdadera pasión. “La posibilidad de crear algo nuevo, de tomar un antecedente y torcerlo o renovarlo, de ponerle tu opinión a algun aspecto del diseño es lo que mas me motiva a seguir en este emocionante mundo” Comenta esta joven tan explosiva al momento de responder que es lo que disfruta más del diseño, sus opiniones a continuación en la entrevista realizada por nuestro equipo.

¿Cual es tu definición de Arte?

“Mucha gente habla del arte como una manifestacíon de la sensibilidad del alma humana, a mi parecer es la inteligencia y la opinión de cada quien lo que surge dentro del arte, además de ser lo que menciono en uno de mis carteles, plagio creativo y disimulado, es el motor del mundo, lo que nos separa de los seres vivos no pensantes.” ‘¿Que

te gusta hacer para buscar inspiración?

“ Disfruto de la lectura de material nuevo, libros de fantasía y la tranquilidad de mi casa en un dia frio puede ser un factor decisivo en el proceso creativo, siempre hay que buscar abrir la mente, la música no puede faltar.”

¿Si pudieras hacer otra profesión además del diseño?

“La psicologia, seria una profesion interesante para descubrir los limites de la mente de las personas”

¿Que rama del diseño te gusta mas? ¿Planes para el futuro en el mundo del diseño?

“espero algun dia trabajar con el diseño editorial y publicitario, sin embargo una especie de sueño es convertirme en cartelista, me parece que la idea de vivir de mi opinion literalmente es interesante, hacer carteles que expresen mis creencias y que la gente se sienta identiﬁcada con ello, para mi esto seria una manera genial de ganarme la vida.

Ástrid Navarro

Honestamente me gusta gran parte del diseño, es mas sencillo decir que por el momento no soy muy amante de las ilustraciones manuales, puesto que son técnicas de mucha paciencia y cuidado, cosas que dentro de mi caotica personalidad a veces olvido conservar, para mi el diseño en general tiene maravillas por explorar, pero como he expresado anteriormente me gustaria ser cartelista y de esta manera trabajar con publicaciones editoriales y publicitarias.

siempre dispuesta a aprender, se busca mantener la escencia de los clasicos para contrastar con las neotendencias y asi crear un balance de estilos.

cualquier ser vivo, sin embargo mantengo mi creencia de que el arte “es plagio creativo y disimulado”

Ademas de los aportes en general que este estilo ha mantenido dentro de las creaciones de Ástrid, existe tambien la faceta de los carteles, que buscan atraer al publico con mensajes de realidad actual, de conciencia y opinión para no solo el disfrute del usuario si no la marca del mismo en sus vidas.

¿Que rama del diseño te gusta mas? (ilustración, editorial,

“Un artista debe tratar de dejar su huella en el mundo” comenta la joven diseñadora, mientras sus curiosas ideas son expresadas en la segunda parte de la entrevista.

El estilo y la opinión...

Ástrid presenta un estilo minimalista y con ideas bien marcadas entre lo que ella misma denomina “clasica y moderna” una mezcla de los conceptos basicos y de las ocurrencias que las nuevas tendencias del diseño traen para ella.

Clásica y moderna:

Es un estilo que se deﬁne como la mezcla de las mejores tendencias de la moda pasada y actual, tanto el estilo de diseño como los colores permiten una manipulación innovadora de los elementos,

¿hace cuanto diseñador\a?

que

eres

Tengo mas o menos 2 años en formación para ser diseñadora

¿Que es lo que mas te gusta de ser diseñador?

la facilidad de torcer y cambiar una idea para comunicarla mejor, no hay mejor sensación que encontrar una manera distinta de hacerte entender .

¿Crees en tu definición de arte?

El arte es manifestación del alma de las personas, lo que nos diferencia de

digital etc..) Editorial digital y por supuesto los carteles. ¿cual

te gusta mas, Ilustrator o photoshop?

Ambos son lo mejor para un diseñador

¿sigues las tendencias de diseño que se renuevan cada año, por ejemplo con los pantones de moda?

Siempre es bueno estar actualizado con las tendencias pero manteniendo la autenticidad de tu trabajo.

¿Color favorito para trabajar o que constantemente aparezca en tu trabajo? GRIS todo funciona para el gris.

Al momento de crear un arte final, dígase ilustración o cartel entre otros... Prefi-

eres el modo digital o manual?

Digital, nunca me he llevado muy bien con las manualidades

Un artista que te inspire

Andy warhol, quizás por lo ironico de su trabajo o lo irreverente que es para algunas personas.

Un país del cual admires su nivel de diseño?

El arte es plagio creativo y disimulado

Chile y argentina, su nivel de diseño y publicidad es admirable.

Algo que no pueda faltarte al momento de diseñar? Café y motivación, si trabajas un tema que no te motiva no funcionara muy bien.

cuando necesitas inspiración que te gusta hacer?

Salir a caminar, dormir, leer siempre algo nuevo, hablar con un niño sin embargo te abre la mente de una muy interesante forma y puede inspirarte en segundos.

Algún consejo que le darias a alguien que quiera iniciarse en el camino del diseño? Siempre hay que estar dispuesto a aprender en esta carrera y siempre habrá alguien mejor.

Materiales trabajar?

favoritos

para

Un Mouse y una laptop deﬁnitivamente.

Que haces cuando no estas diseñando? Leer y despejar la mente, salir a caminar, comer, la vida es mejor comiendo.

¿hay algún aspecto del diseño que haya marcado tu vida? Por supuesto, escoger tu profesión y oﬁcio cambia la vida.

¿Apoyas la creencia de que los diseñadores trabajan mejor de noche? 100% es cierto

¿Como definirías tu estilo al momento de diseñar? Clásico y moderno, los estilos vintage y retro son muy interesantes para explorar.

Cual es el trabajo que mas te gusta que hayas hecho a lo largo de tu trayectoria en el diseño? Irónicamente, a pesar de que no me gusta ilustrar es una ilustración hecha en tiza pastel llamada “ciudad espacial”

¿Qué haces para recargar las baterías creativas? Me gusta leer mucho, ver películas, caminar por la ciudad en que actualmente vivo, visitar exhibiciones de arte, y desde luego revisar blogs y páginas de diferentes temas desde ﬁlosofía hasta arte. Tengo una apasionada curiosidad cultural que es el que me da energía para intentar más y más cosas.

¿Qué hace que una pieza de diseño o ilustración sea exitosa?

En diseño una pieza graﬁca ha de ser una respuesta idónea a un problema de comunicación especíﬁco. Si la pieza logra resolver ese problema ¡¡¡EUREKA!!! Aparte de ello está también el impacto estético y el poder de recordación, si todo ello está presente es un éxito. Pero el nivel del éxito a alcanzar puede estar colocado en diferentes niveles y en diferentes campos también. Éxito personal, éxito económico, éxito laboral, éxito social etc.

“Es cuestión de perspectiva tanto en la vida como en el diseño la rebeldía construye y el conformismo destruye”

Adobe creative cloud 2015 Adobe creative cloud 2015

Adobe Creative cloud 2015 ¿Qué hay de nuevo?

Desde que lanzamos Creative Cloud en la primavera de 2012, nuestra visión ha sido la de proporcionar a los profesionales creativos todo lo que necesitan para su proceso creativo moderno, conectado. La versión 2015 de Creative Cloud cumple con esa visión de una plataforma creativa que le permite trabajar sin problemas a través de escritorio y dispositivos móviles, con una profunda integración entre nuestras aplicaciones móviles y nuestras aplicaciones de escritorio, un ﬂujo de trabajo basado en los activos-conectado, una vibrante y creciente mercado, y características de la comunidad construyeron justo.

Por supuesto, nunca sostenemos espalda a hacerle llegar las últimas características interesantes. Este comunicado de Creative Cloud incluye nueva magia Adobe y mejoras de rendimiento increíbles a sus aplicaciones de escritorio favoritos. Las aplicaciones móviles de compañía traen que Adobe magia para sus dispositivos, y ahora hay más maneras para que usted utilice las poderosas, conectadas ﬂujos de trabajo de móvil al escritorio para crear su mejor trabajo. Debido a la demanda popular, estamos agregando dos nuevas aplicaciones móviles iOS a Creative Cloud, y el apoyo de Android para cuatro de nuestras aplicaciones móviles más populares.

Y para acelerar aún más su proceso creativo, en la actualidad estamos introduciendo Adobe Stock nuevo servicio -nuestro con profundas conexiones con Creative Cloud y la integración en sus aplicaciones de escritorio favoritos. Buscar, administrar y la compra de 40 millones de imágenes de Adobe Stock comisariada directamente dentro de las nuevas aplicaciones de escritorio CC. En el corazón de Creative Cloud es Adobe CreativeSync exclusiva tecnología -una que asegura que sus archivos, fotos, fuentes, gráficos vectoriales, pinceles, colores, configuración, metadatos y bursátiles imágenes de Adobe Stock aparecen instantáneamente en su derecho de flujo de trabajo donde usted los necesita. CreativeSync le permite iniciar su trabajo creativo en cualquier dispositivo y sin problemas lo recoja en otro. De la idea inicial hasta el trabajo terminado, CreativeSync es el motor que le permite crear cualquier lugar. Más Adobe magia y mejoras enormes rendimiento en quince aplicaciones de escritorio: En Adobe Photoshop CC, mesas de trabajo le permite hacer varias presentaciones de diferentes tamaños en un solo documento, y el nuevo Vista previa de dispositivos muestra cómo los diseños y la interactividad se verá y adaptar en el móvil. El Pincel corrector, Spot Healing Brush, y las herramientas de parches han sido

turboalimentado con mejoras motor Mercury Graphics, por lo que obtener resultados hasta 120 veces más rápido de lo que haría si estuviera usando CS6. Y asegúrate de revisar la nueva Space Design Photoshop (Muestra de tecnología), una experiencia aerodinámico optimizado para el diseño de sitios web y aplicaciones móviles. Adobe Illustrator CC es la versión más rápida aún, diez veces más rápido y diez veces más preciso que CS6. Gracias a un nuevo impulso Sistema Mercury Performance, puede desplazarse, hacer zoom y desplazarse más rápido y sin problemas, y el zoom en su obra de arte para crear y editar con increíble precisión. Y en caso de que su caída del sistema antes de haber tenido la oportunidad de ahorrar, simplemente relanzar la aplicación y se restaurará su trabajo. Adobe InDesign CC obtiene su propio aumento de rendimiento de Mercurio con el doble de zoom tan rápido, de desplazamiento y de paginación a través de documentos complejos. InDesign CC ahora también te permite publicar y distribuir documentos con un solo clic. Adobe Photoshop Lightroom CC incluye Dehaze, una nueva característica impresionante (también

disponible en Photoshop CC) que le permite eliminar la niebla y la bruma de las imágenes-incluso tomas bajo el agua. O puede agregar bruma para efectos artísticos. Adobe Premiere Pro CC continúa liderando la industria de video y esta es nuestra mejor versión todavía. El panel Lumetri color intuitiva y de gran alcance le ayuda a hacer correcciones de color instantáneos y Morph Cut mágicamente alisa y pule jump cuts y el diálogo se detiene para ofrecer una entrevista de pulido. Con nueva integración creativa Bibliotecas Nube, Premiere Pro CC aprovecha al máximo la tecnología CreativeSync tan activos como el color "Miradas" y gráficos fluyen sin problemas entre las aplicaciones móviles de Adobe y Adobe Premiere Pro CC, After Effects CC, CC Photoshop y más. Adobe After Effects CC mejora dramáticamente su productividad con el nuevo soporte para Creativas Bibliotecas de la nube por lo que todos sus activos están a su alcance. Sin servidumbre de vista previa le permite ajustar las propiedades de una composición e incluso cambiar el tamaño de los paneles sin

interrumpir la reproducción. Asegúrese de que también echa un vistazo a el nuevo animador del carácter innovador, que sigue sus movimientos a través de webcam y les traslada a un personaje 2D. Adobe Dreamweaver CC reduce el esfuerzo para crear sitios web para móviles con soporte para el diseño de respuesta para crear sitios web listos para la producción que se adaptan dinámicamente a diferentes tamaños de pantalla, e incluye la posibilidad de previsualizar y sitios web de prueba en varios dispositivos en tiempo real. Adobe Muse CC tiene acceso instantáneo a las fuentes en Typekit, por lo que es más fácil conseguir sus diseños web hacen más rápido. Adobe Muse también puede integrar blogs, carritos de la compra y mucho más utilizando nuevos widgets descargados desde el panel Biblioteca. 061515_CC2015_MnStock Adobe Meet Stock Sabemos que los miembros de Creative Cloud son ávidos usuarios y creadores de imágenes de archivo así que estamos encantados de presentar el mercado de valores de Adobe. ¿Qué hace Adobe Stock tan único? En primer lugar, Adobe Stock incluye 40 millones hermosos, fotos de alto impacto, ilustraciones y gráficos que cubren casi todos los temas, por lo que puede poner en marcha cualquier impresión, web o proyecto de aplicación móvil. A continuación, está la profunda integración de Adobe Stock con Cloud Creativa y las aplicaciones de escritorio CC que usted confía. Puede iniciar Adobe Stock directamente en las aplicaciones de escritorio CC, añadir imágenes con marcas de agua Creative Bibliotecas de la nube y luego acceder y trabajar con imágenes a través de múltiples herramientas de escritorio como CC Photoshop, Illustrator CC, InDesign CC, After Effects y Premiere Pro CC CC. Hemos hecho que sea increíblemente fácil de trabajar con imágenes con marcas de agua en comps. Por último, cuando esté listo para licenciar una imagen para la obra terminada, puede hacerlo directamente en la aplicación de escritorio que está trabajando en. Las modificaciones que ha realizado a la imagen con marcas de agua se aplican por arte de magia a la imagen de resolución completa comprado (agradecimiento que CreativeSync) que le ahorra un montón de tiempo que va entre el borrador y el diseño final. Adobe Stock está disponible a partir de hoy en 36 países y 13 idiomas y stock.adobe.com es un hermoso y de fácil sitio web independiente de usar donde se puede comprar, descargar o vender imágenes. Si bien cualquier persona puede comprar Adobe Stock, un descuento exclusivo para

miembros de Creative Cloud le permite ahorrar hasta un 40% en el plan "10 imágenes por mes". Si usted está buscando simplemente una imagen perfecta, el precio comienza en $ 9,99 y también tenemos planes para los usuarios el poder de las acciones. Para más detalles, lea "Adobe Stock. Una nueva era de las conexiones de móvil al escritorio. Desde Adobe introdujo por primera vez nuestra familia de aplicaciones móviles conectados en la nube creativa, hemos defendimos importancia de móvil al proceso creativo. Hoy en día, estamos encantados de ampli1ar nuestra plataforma de apoyo, y añadir más aplicaciones a la familia. IconGPlay Por demanda popular, Adobe Forma CC, color de Adobe CC, Adobe cepillo CC y Adobe Photoshop Mix ahora están disponibles para Android en el Google Play Store. IconHue (antes Proyecto de caramelo) hace que sea fácil de capturar y compartir producción "miradas" que combinan esquemas de iluminación de calidad y de color para vídeo, cine y broadcast. Ahora, la luz y los colores capturado con una cámara de iPhone pueden reﬂejarse a través de cualquier material de archivo de vídeo en Premiere Pro o After Eﬀects CC CC. IconPreview Adobe Vista previa de CC ofrece a los diseñadores Photoshop CC precisas, avances en tiempo real de sus

diseños móviles. Creative Cloud bibliotecas son más poderosos que nunca El poder y el potencial de Creative Cloud Bibliotecas imágenes -para acceso, colores, estilos de letra, cepillos y archivos cuando y donde usted los necesita, es ahora incluso mejor, y están disponibles en más aplicaciones con soporte para Adobe Premiere Pro y After Eﬀects CC CC. La integración con Adobe Stock le permite descargar imágenes libres de derechos y gráﬁcos vectoriales directamente a Creativas Bibliotecas nube para gestionar sin esfuerzo, el intercambio y el uso de contenidos de valores. También hemos hecho Creative Cloud Bibliotecas más potente con soporte para los activos vinculados, lo que le permite actualizar un activo una vez y automáticamente incorporar esos cambios dentro de cada documento o proyecto. Actualizaciones de hoy a las herramientas de escritorio CC, aplicaciones móviles y servicios están disponibles de inmediato a los miembros de Creative Cloud. Usted puede ver todo lo que hay de nuevo en los Creative Cloud 2015 destaca los vídeos. Si no has probado Creative Cloud, puedes probar todas las últimas características con pruebas gratuitas de nuestras aplicaciones de escritorio, o empezar por la captura de sus ideas y la inspiración con una de las aplicaciones móviles gratuitas. Incluso si se trató recientemente

cualquiera de nuestras aplicaciones, puede intentar de nuevo por otros 30 días; estamos entusiasmados con todas las innovaciones y queremos que todos tengan la oportunidad de tomar las nuevas aplicaciones para dar una vuelta. Creemos que va a encantar todo lo que hay de nuevo, y no podemos esperar a ver lo que usted hace.

Sigfrido SigfridoChac贸n Chac贸n

No lee poesía; preﬁere escucharla en el rock o en el blues. “Me gusta más leer biografías porque uno se da cuenta de que todo el trabajo de una persona es una consecuencia continua”, conﬁesa. Actualmente, prepara la suya: el relato pictórico de su obra Para llegar al taller de Sigfredo Chacón hay que descender un laberinto de helechos. Desde el fondo de aquel refugio solar asciende con el incienso la música de alguna emisora local. Sigfredo es un hombre de rituales que él mismo desconoce. La claridad

explosiva de aquel sótano es también una evocación ritual del blanco, un deslumbramiento ceremonial del orden, una reverencia matinal en la retina del pintor. “El orden es lo que me concentra”, reconoce. Nació en Caracas y es de padres apureños, pero ﬁrma con el nombre de un héroe escandinavo. “Mi padre me puso Sigfredo por el Siegfried de la ópera de Wagner”. Sin embargo, por él ﬂuye como un dripping subterráneo y mortal la música de su nombre, que salió de los álbumes clásicos que escuchó en su infancia. “Siempre he sido melómano. Me interesa mucho el blues y el rock de los sesenta (Deep purple, Rolling Stones y Gary Moor coronan una colección

apilada sobre su estéreo; Jimmy Hendrix es el rey, lo escurrió en una pintura que lleva su nombre). Yo siempre quise descifrar el código de la música como el abecedario. También soy tipógrafo. Siempre me ha interesado cómo se lee una partitura”, explica Chacón. En la esquina de su estudio hay un par de guitarras y una batería en reposo, la cual despabila dos veces por semana con su hijo Rodrigo y con el profesor de música de ambos, con quienes comparte su melomanía. “Comencé con la guitarra, pero ahora toco batería. La batería es el instrumento que le da estructura a un tema. Ahora oigo la música más analíticamente. Oigo los instrumentos por

separado. Es como el diseño gráﬁco. Comienzas a ver distinto los libros, las revistas. Y lo mismo pasa con el arte plástico. Ahora tengo una totalidad audiovisual de las cosas”, conﬁesa. –SE HA VUELTO MÁS NEURÓTICO, ENTONCES. –(Risas) Eso sí, soy más exigente y más neurótico. Uno se hace muy selectivo. El arte es elitesco. Para apreciar las artes plásticas tienes que tener una formación. Sigfredo Chacón estudió el bachillerato en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas y recuerda cuando, posteriormente, durante sus años universitarios en el Instituto de Diseño Neumman-Ince frecuentaba la casa de sus maestros Gego, Cornelio Zitman, Gerd Leufert junto con Álvaro Sotillo y William Stone, algunos de sus compañeros de clase. “Se fue tejiendo un vínculo entre nosotros fuera del aula. Quizás nuestros profesores reconocieron algo en nosotros que era diferente. Éramos un grupo de gente interesada en lo que pasaba en las

artes plásticas”, admite.

–¿Qué recuerdos de su infancia vincula con su formación como artista? –Me recuerdo de pequeño dibujando. Mi primo mayor Alfredo Chacón era poeta y tenía entonces 17 años; yo 4 ó 5. Él recogía los dibujos que yo hacía y los usaba para ilustrar sus poemas. Mi diversión era dibujar y pintar. Mi papá era un artista aﬁcionado y tenía en la casa un pequeño estudio. Así que yo siempre estuve en contacto con acuarelas, creyones, blocks. Mi padre fue quien realmente me dio las primeras lecciones. Yo no escogí ser pintor. La pintura fue invadiendo mi vida. Yo no quisiera ser artista, yo quisiera trabajar en Pdvsa. En mi vida he intentado huirle al arte muchas veces, por eso hice diseño durante tantos años.

–¿Como dialogan en usted la pintura, el diseño gráfico y la música?

El artista plástico es solitario. En la música hay comunicación e interacción. Ahora que hago las dos, me divierto más. No me gusta que el trabajo sea una condena. Mi labor es inventar y para eso uno tiene que ser muy rebelde. Mi oficio es la inconformidad. Por eso, mi trabajo es muy irónico. Me gusta jugar con la tradición, con los conceptos, prejuicios y virtudes de la Historia del Arte. Sigfredo Chacón es irreverente como Warhol, instintivo como Pollock, analítico como las flores de Mondrian que lo cautivaron y sentimentalmente lógico como Giacometti. Busca en su biblioteca un libro mientras rememora una exhibición que visitó en Inglaterra cuando estudiaba en el Chelsea School of Art, de la que recuerda afectivamente las figurillas del escultor suizo. “Giacometti decía que era gente vista desde lejos. Y es verdad, cuando las veías era así”. Este artista jamás imaginó que, al cabo de los años, él también se convertiría en una de esas figurillas de Giacometti que vio en la Galería Nacio-

nal de Londres cuando apenas tenía 24 años. No se imaginó que él también se iría haciendo cada vez más distante, más caviloso como la gente que se mira desde lejos. “Uno con los años se va ensimismando. Ahora visito pocas exposiciones, salgo poco. Pienso en mi trabajo plástico las veinticuatro horas. Es un sub-pensamiento, un doble pensamiento constante”

el arte.

–¿Lo ha desvelado alguna vez la inspiración?

Sigfredo es meticuloso, quirúrgico. Podría pintar como Mondrian, de saco y corbata: nunca se ensucia. Corta con cuchillas especiales el acrílico que vierte y que luego organiza sobre el lienzo en collages. Actualmente, trabaja en una serie que tituló Horror vacui (miedo al vacío), en la que dispone la pintura sobre los marcos sin lienzo. Pero Sigfredo no sufre el vértigo del vacío ni del blanco impávido que lo sostiene.

–No, jamás. Espero no tener ideas ni buenas ni malas para no desvelarme. No creo en la inspiración. Creo en proyectos realizables, en soluciones prácticas que los hagan visibles. Eso es lo que verdaderamente da frutos en

“Recuerdo cuando hace años vivía solo en un apartamento en Macaracuay. No tenía nada en las paredes. Todo era blanco, ascético. Un día que Roberto Obregón se quedó a dormir, me dijo que lo que más le gustaba de mi

apartamento era que tenía un jardín minimalista (se ríe a carcajadas mientras recuerda). Yo no me había dado cuenta de que el balcón de mi casa estaba lleno de la misma mata”.

–Es obsesivo con las cosas por lo visto. –Soy muy maniático. Soy blanco o negro. En las cosas tiene que haber perfección. Eso lo aprendí en Inglaterra. Una línea recta es una línea recta y una línea curva es una línea curva. La pintura para mí es algo quirofanal.

–¿Qué otro significado tiene la pintura para usted? –(Silencio). Recuerdo que cuando fui a estudiar a Inglaterra, llegué un sábado. Era como una película londinense de esas que veía en la cinemateca: gris, brumosa. Al día siguiente fui a una exposición de impresionistas que habían pintado Londres. Al salir de la exposición estaba oscureciendo y cuando estaba cruzando el Waterloo Bridge, vi el mismo paisaje que había visto en uno de los cuadros de la exhibición. Ésa ha sido para mí la mejor lección de pintura. Una lección sobre el hombre libre frente a la tela. Entonces, entendí que la pintura es libertad.

"YO NO ESCOGI SER PINTOR LA PINTURA FUE INVADIENDO TODA MI VIDA."

Historieta/Comic Bernardo Rincón

Bernardo Rincón Martínez es un docente, diseñador gráﬁco e historietista colombiano, nacido el 10 de julio de 1959 en Bogotá. Rincón estudió Diseño Gráﬁco (1986) en la Universidad Nacional de Colombia y Publicidad (1981) en la Universidad Jorge Tadeo Lozano, en el 2002 estudió la Especialización en pedagogía de la Comunicación y Medios Interactivos en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas y en el 2003 estudio la Especialización en Diseño de Multimedia de la Universidad Nacional de Colombia. Luego de desempeñarse como publicista, se dedica desde 1992 a la docencia en la Universidad Nacional de Colombia como en otras universidades de Bogotá. En 1992 fundó la revista Acme Comics, en la cual varios dibujantes nacionales e internacionales publicaron sus historietas. Esta publicación, trimestral, además de ganarse dos veces la beca de colcultura, llegó hasta el

número 13. En 2000, funda el Museo Virtual de la Historieta Colombiana, página web dedicada a la historieta de su país. En el (2009) organiza y coordina: Salón de Historieta Universitaria con el apoyo de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia y Asociación Colombiana Red Académica de Diseño -RAD-, que inaugurado en octubre de 2009, ha visitado diferentes escuelas de Diseño de toda Colombia . El profesor Rincón fue el director del Centro de Medios de Expresión e Informática, adscrito a la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia, y terminó la maestría en Estudios Culturales (2014) en la misma universidad. es uno de los diseñadores e historietistas más importantes de Colombia. Su interés por el diseño y la historieta lo llevaron a fundar en 1992 la revista Acme Cómics, la cual era un éxito y mucho del talento colombiano vio su primera luz durante los 13 números de

la revista, pero debido a las ocupaciones de Rincón la publicación tuvo que cancelarse. Más tarde y apoyado por la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia, funda en el año 2000 el Museo Virtual de la Historieta Colombiana, página web dedicada a la historieta de su país que cuenta con una cronología e innumerables publicaciones de sus paisanos. En ésta colección se pueden encontrar biografías, personajes, noticias y cómics de todos los estilos, así como talleres y otros datos importantes de lo que se está produciendo en su país. La narrativa gráﬁca, el diseño y la creación de historias o situaciones son fundamentales para las historietas y Bernardo Rincón lo sabe muy bien, su estilo y humor son únicos. Su amor por el dibujo y la caricatura lo ha posicionado en el lugar que ocupa tanto en su natal Colombia como en el resto de países latinoamericanos.

Él cree en ello, en una entrevista Rincón opinó que un periódico sin caricaturista no está completo. También resume que se ha desarrollado una caricatura política mas no una historieta. Si bien el humor puede ser para divertir y/o hacer reír, las historias dicen mucho sobre el entorno y realidad que se vive en cada región y en cada país. Tiene una diversidad general que implica el autoconocimiento de la situación política, social y económica. En palabras de Rincón, la razón principal del decaimiento de la historieta se debe en gran medida al alto costo para la producción, publicación y distribución, así como el consumo en exceso de la televisión y videojuegos.

“la gente joven ya no quiere leer”.

Para conocer mejor al Artista Colombiano, tenemos una serie de preguntas, su ipion deja mas que en claro la pasión de Bernardo para con su oﬁcio, el arte y la libre expresión del pensamiento.

¿Cómo estamos en Colombia en este mundo del arte gráfico? En el ambiente latinoamericano estamos bien, nosotros tenemos una historia qué contar frente a países como Bolivia, Ecuador, Perú. Por ejemplo, en Venezuela nunca se ha desarrollado la parte de la historieta, se desarrolló la caricatura política pero la historieta no. Tenemos premios mundiales, publicaciones internacionales y nuestros dibujantes siguen dando de qué hablar.

¿Falta algo de apoyo a este tipo de publicaciones? Sí, el problema es que la ley del libro no nos ayuda, apareció dizque para apoyar a los editores, pero esa ley nos cayó muy mal porque a la historieta la puso a pagar impuestos entonces quedó mal ubicada, porque importar, producir y hacer legalmente el trabajo de historieta en Colombia es muy costoso, porque se debe cubrir los impuestos de la publicación, y también perjudica la distribución porque hay que dar el 55 por ciento al distribuidor.

¿La revista Acme desapareció por esto? Acme cayó porque yo, que soy el productor no tengo tiempo, pero también perjudicó la venta masiva que bajó cuando la televisión entró las 24 horas. Este fenómeno ayudó a que los comics decayeran, porque el joven ahora ve más televisión o tiene su máquina de jueguitos y eso le quita tiempo a lectura.

¿Debido a estos inconvenientes ha sido más fácil el desarrollo de la caricatura como tal? La ventaja de la caricatura es que los medios impresos a nivel de política siguen existiendo, entonces el caricaturista sigue siendo importante. Por eso están Vlado, Calarcá, Jarabe, Osuna, Pepón, Caballero, porque esa gráﬁca se sigue necesitando en los medios impresos, por eso el caricaturista tiene fuerza y seguirá cogiendo fuerza. Un periódico sin caricaturista está incompleto.

¿Cómo ve usted proyectos como 'Larva' en Armenia y 'Robot' en Medellín? Se tienen que seguir produciendo y tienen que seguirse dando. Lástima que sean proyectos de corta duración porque llega un momento en que los

personajes que la producen se gradúan, consiguen puesto, se casan y ya no queda tiempo de producir el material. Otro problema es que pueden ser de largo aliento como 'Robot', que insiste, pero se vuelve muy localista y eso mata la producción porque usted no puede seguir viviendo de lo que le ayudan sus amigos.

“Corazón latino” Bernardo Rincón

Historieta/Comic Bernardo Rincón

este magniﬁco continente.

Para concluir en esta visita por el mundo de un historietista, ilustrador, profesor, diseñador gráﬁco y fuerte exponente del diseño latino americano, demos una mirada a estas interesantes ilustraciones, “Corazón latino”: una pieza de ilustración digital que muestra un luchador de máscara, un símbolo clásico en la cultura latinoamericana, quizás con mayor auge en la región mexicana, pero que de igual manera identiﬁca el concepto de ser Latino.

Tiene una selección de colores frios y trazos fuertes, caracteristicos en la ilustración de historietas o “comic books” como tambien la “explosión” del fondo que es un elemento que no puede falatar en esta rama de las publicaciones, para concluir un contraste especial para la zona del corazón, yo lo describiria como un Rojo del nuevo continente.

Respecto a las historietas siguientes, podemos apreciar la capacidad del diseñador para hacerse entender muy claramente con las metaforas y dobles sentidos, la “maquina de coser” que a su vez puede ser una maquina de escribir, curiosamente las hojas siguen en blanco, ¿es acaso intencional? una ilustación para que el observador saque sus propias Ser latino, tener el corazón latiendo y conclusiones. con espinas como la mejor metáfora En la siguiente ilustración donde que se puede apreciar, demostrando parece ser algun tipo de autoridad, la fuerza y el valor del corazón de un pseudo policia futurista, podemos

interpretar como la autoridad que enfrentan los jovenes, que a su vez no pierden la convicción y la inocencia, a mi parecer una ilustración con muchas interpretaciones como todo trabajo de historietas, excelente metodo para hacer a las masas pensar.

Alan Dacosta

Qué aspectos de tu trabajo son los que más te apasionan?

Por un lado, el entender que cualquier proceso creativo tiene que ver no con estar esperando que las “inspiración” lleguen a tu lado, sino que tiene que ver con entender una metodología de como las ideas nacen a partir de la investigación de referentes y de cómo a partir del estudio de estos van creándose nuevas relaciones que dan cabida a lo que podemos llamar una “nueva creación”. Por otro lado, y tiene que ver con ser docente , en donde uno puede ir haciendo descubrir a los alumnos que no hay que tener miedo a equivocarse, que con un claro proceso el ejercicio del diseño se transforma en una disciplina y que el encontrar la motivación en lo que uno hace a diario puede llevar a hacerte profundamente feliz.

Qué o quién ha sido la influencia más importante para tu trabajo como ilustrador? Sin duda Robert Crumb, Gustave Doré, Al Hirschfeld y Quino

Nos puedes contar qué te motivo para convertirte en ilustrador?

Allá por el año 2007 descubrí a partir de una plataforma de ilustración para camisetas que podía formalizar, profesionalizar y hacer de la ilustración un medio para poder vivir.

Qué requisito debe tener un determinado tema para ser de tu interés? Por sobre todo el que me motive, el que me haga perder la noción del tiempo, en que me pueda pasar horas sumergido sin que me de cuenta.

A tu juicio, que convierte una ilustración en una gran ilustración?

La ilustración en primera instancia es un arte gráﬁco por lo que debe respetarse y entenderse como tal. Como dijo Eric Gill, la ilustración debe Ilustrar, clariﬁcar e iluminar el texto (o mensaje). Una buena pieza de ilustración no conoce fronteras, transmite los conceptos de forma no subjetiva y logra captar no sólo la atención del lector visual, sino que también crea unas ganas de

éste por adentrarse a cabalidad en el texto o idea que es presentada de forma subyacente.

Qué habilidades o capacidades crees que debe desarrollar necesariamente un diseñador gráfico?

Un diseñador en mi opinión debe ser capaz de mirar el mundo que lo rodea con una visión desprejuiciada y virgen, parecida a la mirada de un niño (como dijo Magritte) ya que solamente así podrá darse cuenta de lo esencial y que muchas veces no se deja ver en una primera mirada superflua; es acá donde el proceso de la observación juega un rol primordial en cualquier diseñador. Un una segunda instancia, un diseñador debe reconocer y estudiar cuales fueron los referentes que le precedieron para poder entender cómo se ha abordado esta disciplina previamente y leer acerca de la Historia del Arte, ya que con este caldo de cultivo la cabeza se hallará inundada de referencias y conocimientos teóricos que llevarán a un desempeño más exacto de la práctica. Un tercer punto clave es entender respecto de la metodología de un proceso de diseño y de todos los pasos que no deben descuidarse. Desde aquella primera observación, hacia el desarrollo de una solución a través del estudio de referentes hacia finalmente la resolución en una pieza (bi o tridimensional) que cumple con su función de solucionar una problemática de comunicación. El último punto que debe estar presente en todos los anteriores tiene que ver con la pasión que uno le imprime a lo que hace y el saber reconocer cuando uno no se haya motivado por el ejercicio o estudio del diseño (la flojera es sólo un síntoma de desmotivación).

Cómo describirías tu estilo?

Creo que respeta y reconoce todos los pasos que serán necesarios para lograr una pieza gráfica. Quiero decir que si debo realizar una ilustración o pieza de diseño gráfico puedo reconocer todos los engranajes que será necesario abordar para lograr finalizarla de forma satisfactoria. En lo formal reconozco un amor por el detalle y el sentir una alegría muy potente mientras trabajo y una vez que veo lo que fui capaz de mejorar a través de reconocer los errores propios.

. Cronológicamente, ¿desde cuál período histórico se afianza el diseño de identidad de marca en Venezuela? En Venezuela este proceso comienza a generarse en la segunda década del siglo XX, y se afianza en la década de los años sesenta, a partir del importante desarrollo que se genera dentro de la imagen corporativa, específicamente con la conformación en Venezuela de una actividad considerable de instituciones como el Museo de Bellas Artes, la Venezolana Internacional de Aviación, S.A. (VIASA), el Instituto Nacional de Cooperación Educativa (INCE), Aluminio del Caroní S.A. (Alcasa), el Instituto Nacional de Cultura y Bellas Artes (INCIBA), el Centro Simón Bolívar y hasta el propio Instituto de Diseño Fundación Newmann – INCE (IDD), entre otros, y continúa posteriormente en los años setenta, producto de la bonanza petrolera, así como con el crecimiento del sector cultural y económico formal. Finalmente con la inclusión, dentro de este mismo sector, de los primeros egresados en diseño gráfico, situación que se refuerza durante estos años, en los que se crean instituciones como Venezolana de Aluminio C.A. (VENALUM), Petróleos de Venezuela, S.A. (PDVSA), Petroquímica de Venezuela S.A. (PEQUIVEN), el Instituto Autónomo Aeropuerto Internacional de Maiquetía (IAAIM), el Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos (CELARG), el Consejo Nacional de la Cultura (CONAC), el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, entre muchas otras. Es la década de la llamada “emblematización” del país y particularmente, de la ciudad de Caracas. ¿Quién o quiénes consideras que son los mayores exponentes del diseño de marcas en Venezuela? Reflexionando al respecto, puesto que como investigador procuro ver más allá de lo evidente, llego al siguiente hecho, tanto el anonimato generalizado y la ausencia de bibliografía durante tanto tiempo, han hecho que para una considerable mayoría se mantengan casi intactas las mismas figuras referenciales dentro del área desde hace cuarenta o cincuenta años atrás, aún más, considerando que un número elevado de las fuentes existentes no incluyen el diseño de

marcas comerciales, productos y servicios. Si bien son fundamentales los referentes de entonces, también lo es precisar cuáles diseñadores a lo largo de toda nuestra historia reciente, han desarrollado un trabajo importante. Digo esto, porque hasta el día de hoy, los diseñadores gráficos venezolanos no nos conocemos, por lo que tenemos -en consecuenciauna visión muy parcial del panorama; en tal sentido, me atrevería a afirmar que en este particular, «Venezuela CMYK – marcas» viene a contribuir ampliamente a esta historia de diseño. Luego del anterior planteamiento, y retomando la pregunta inicial, podría decir que Gerd Leufert y Nedo M.F. lo fueron desde los años cincuenta, así como Jesús Emilio Franco, acompañado de los egresados del IDD, Jorge Blanco y Hugo Arapé, en la década de los sesenta, junto al equipo de Ars Publicidad; en los años setenta incluiría a las empresas Graform (hoy cerrada), Barry Laughlin & Asociados y a los diseñadores Antonio Huizi, Armando Ferraro y John Moore; para los años ochenta se integra a este grupo, el zuliano Roberto Urdaneta, en los noventa, Ariel Pintos, Neri Design Group, Andrea Rinaldi & Asociados; finalmente a partir del año 2000, destacan exponentes como Alexander Wright (Modo), Gustavo Bencomo y Ricardo Limongi

Rafael Mateuss

¿hace cuanto que eres diseñador\a?

Por los momentos solo estoy en formacion como diseñador

¿Que es lo que mas te gusta de ser diseñador?

La idea de poder comunicar visualmente y llevar a cabo todas las ideas que Cruzan por mi mente y que sean reconocidas es algo que me gusta, poder dejar salir todo estas locas ideas que pasan por mi mente

¿Cual es tu definición de arte?

Bueno puede que suene algo tonto, pero para mi es todo lo que pueda salir de mi imaginacion y pueda plasmarlo y mostrarlo al mundo eso arte para mi.

si pudieras tener otra profesión ademas del diseño ¿cual seria?

Bueno la verdad no me veo en ninguna otra profecion el diseño es mi passion sea graﬁco o de modas.

¿Que rama del diseño te gusta mas? (ilustración, editorial, digital etc..)

creo me inclinaria por el diseño editorial, aunque es diﬃcil decidir pues me gustan todos los aspectos del diseño

¿cual te gusta mas, Ilustrator o photoshop?

Diria que ilustartor aun que photoshop tambien entraria en esa categoria.

¿sigues las tendencias de diseño que se renuevan cada año, por ejemplo con los pantones de moda? Quizás no tanto como seguir tendencias, mas bien mantener mis trabajos actualizados, mantenerlos frescos y actuales para el disfrute mio y de los usuarios por supuesto.

¿Color favorito para trabajar o que constantemente aparezca en tu trabajo?

Bueno siempre me gusta trabajar con colores pasteles es una inclinacion que siempre e manejado aunq ell azul siempre esta presente en todo mi trabajos.

Al momento de crear un arte final, dígase ilustración o cartel entre otros... Prefieres el modo digital o manual?

Preﬁero el modo manual creo que aun me falta un poco de experiencia para llevar ciertas cosas a la parte digitral y que queden como quisiera, aunque si hay cosas que me gustan mas ﬁnalizarlas en digital.

Un artista que te inspire Todos los atistas son funtes de inspiración, por su dedicación y trabajo, tantol los reconocidos como los que quizás aun no

lo son, el esfuerzo que cada uno ha puesto en sus trabajos es digno de adimirar y valorar como aprendiz en este basto mundo de diseñadores.

Un país del cual admires su nivel de diseño? Un pais seria colombia hay una inﬂuencia en diseño graﬁco que y sus nuevos reprecentantes que me atrae enormemente

¿Algún consejo que le darias a alguien que quiera iniciarse en el camino del diseño? Algun consejo dormir mucho antes de iniciar pues luego sera algo diﬁcil de hacer , y tu mayor amigo en el diseño es control Z jaja

¿Materiales favoritos para trabajar? Diria que los lapices de colores

¿Algo que no pueda faltarte al momento de diseñar?

Algo que no puede faltar diria que mi computador, mis instrumentos de trabajo porsupuesto.

¿cuando necesitas inspiración que te gusta hacer?

Me gusta buscar inspiracion en la internet investigar sobre el Proyecto que me disponga a hacer para asi llenarme de ideas y poder plasmarlas

¿Que haces cuando no estas diseñando? Bueno aprovecho para descansar muchisimo.

¿hay algún aspecto del diseño que haya marcado tu vida?

El diseño es una decisión para toda la vida, es un estilo de vida tambien, entrar en este mundo lo cambia todo.

¿Apoyas la creencia de que los diseñadores trabajan mejor de noche?

100% para mi, mi mejor momento creativo se da de noche y es cuando major puedo trabajar

¿Como definirías tu estilo al momento de diseñar?

creo que aun no tengo un estilo deﬁnido diria que ando en busca de el

Cual es el trabajo que mas te gusta que hayas hecho a lo largo de tu trayectoria en el diseño?

Creo que algunas de mis ilustraciones que me han gustado mucho y ciertas fotografías.

¿Tu forma de trabajo actual es lo soñabas cuando decidiste estudiar diseño gráfico? En mi trayecto como diseñador nunca

me imaginé ni visioné un especiﬁco de lo que quería ser, pero siempre he sentido curiosidad por intentar un poco de esto y un poco de aquello, para conocerme, para reconocer mis límites y fortalezas. A este respecto voy a ponerme un tanto charlatán, como para entender mi proceder: Cuando era muy joven y mucho antes de ser adolescente, intuía que quería dedicar parte de mi vida a la imagen: a crearla, a formarla, a experimentarla y degustarla; en aquel entonces no sabía yo lo que era “DISEÑO GRAFICO”, pero sabía que quería dedicarme a comunicar emociones o conceptos a través de imágenes. Una vez sabiendo lo que era Diseño Gráﬁco y luego de terminar el bachillerato empecé a trabajar en agencias pequeñas sin haber empezado a estudiar en la universidad, ya que con antelación había dedicado días y horas a crear y experimentar en sobre la imagen y la tipografía por mi propia cuenta, entonces de esos ejercicios experimentales cree un portafolio con el cual buscar oportunidades laborales (ello, claro ligado a largas horas de entrega a la lectura). En aquellos años fui mi propio cliente —por decirlo de alguna manera—, cree muchas cosas con libertad y guiado por mis gustos estéticos. Y con el tiempo, a la larga la libertad del experimentar es lo que le ha dado carácter a mi trabajo, pero la idea de libertad no siempre empata con los proyectos para clientes, y allí hay una desilusión que creo, vivimos todos los diseñadores. En cada uno de mis pasos como diseñador he entregado lo mejor que pude hacer en el momento, pero sin pretensiones mayúsculas respecto de “ser el mejor”. La consigna quizás ha sido “honestidad” en cada uno de esos momentos. Actualmente sueño mucho con tener una mayor libertad creativa, sin tener que estar atado a necesidades exteriores a mis caprichos. Así pues, sueño con poder volcarme por el camino artístico dejando poco a poco la senda del diseño, bueno, por lo menos ese es mi sueño actual.

¿Tomó mucho tiempo antes de encontrar tu propio estilo?

Lo más difícil para un artista, un diseñador, un ilustrador, es encontrar la voz interior, ese algo que te identiﬁca y que se vuelve “estilo”, pues generalmente la mayoría se deja arrastrar por tendencias y copias que más que aportar algo a la creatividad la van limitando y encasillando. En mi caso el desarrollo de mi estilo ha llevado tiempo, pero más que ello constancia y atención a mis emociones más viscerales, y he aprendido a escucharme debido a que hace muchísimos años estoy creando algo nuevo cada día, ya sea un dibujo, un trazo, un escrito, una suerte de pensamiento o una tipografía y muchas otras cosas que generalmente no muestro y que quizás nunca lo haré.

¿Cómo describirías tu proceso creativo? Imposible describirlo, ya que no tiene una norma o una estructura determinada. Hace años por ejemplo nunca realizaba bocetos sino que trabajaba directamente y sobre el papel o el software experimentando y cambiando sobre la marcha, ya que la

intuición es una parte fundamental de mi acción creadora. Hoy en día realizo bocetos, por ejemplo para los logos que diseño. En mis ilustraciones me gusta que se incluya el trabajo de línea de composición de mis personajes, porque ello humaniza el trabajo, aun cuando en su mayoría mis ilustraciones son un hibrido entre lo análogo y lo digital. La verdad personalmente no creo en la inspiración, o en su musa. Creo más en el ejercicio del hacer, y que en el proceso de hacer puedas ser ﬂexible con tus ideas modiﬁcando y probando, ampliando a veces los rangos de sensibilidad que una imagen pueda tener. ¿Qué consejo podrías compartir con los nuevos artistas y diseñadores? Un punto que considero crucial es seguir la propia senda y aprender a escuchar la voz interior, eso que nos lleva a trabajar constantemente en generar cosas que amamos en campos de acción que amamos. Buscar siempre lenguajes propios, sin imitar a nuestros ídolos, pues ellos ya se han hecho fama

a través de procesos personales también. De ellos hay que imitar su constancia y actitud, más no su trabajo. Otro factor importante es la educación, el leer, el consultar, el indagar. El mantener siempre una actitud abierta al aprendizaje nos guía a mejorar, a ser más recursivos.

En la actualidad es frecuente ver como personas y empresas piden trabajar gratis para un proyecto, a cambio de visibilidad y promoción ¿Cuál es tu posición al respecto? Regularmente recibo más mails de muchos países y ciudades solicitando colaboraciones a cambio de algo menos de dinero. Y personalmente valoro mi trabajo y mi tiempo. Pienso que si acepto trabajar gratis es perder clientes, ya que ellos no valoran realmente lo que haces por sus productos y/o compañías: si aceptas trabajar gratis, de entrada nunca te van a valorar, pues si lo has hecho una vez ellos volverán a ti exigiendo más por menos. He realizado trabajos con descuentos especiales pero con miras a realizar nuevas cosas más adelante, o para ampliar mi campo de acción objetivamente cuando mi trabajo afecta y atrae a terceros. En Polonia realicé descuentos a los mis primeros clientes que tuve, ya que al llegar aquí me urgía crear alguna experiencia dentro del país, y esa experiencia fue la compensación que gane al hacer descuentos, así que fue para mí una forma objetiva de invertir en credibilidad en mi portafolio. Creo y sé que hoy por hoy ya no necesitas creer que un trabajo gratuito te promoverá, para ello cuentas con blogs, YouTube, Vimeo, Facebook y Facebook fanpage, Twitter, Behance, DeviantArt y muchos lugares y comunidades virtuales donde puedes exponer gratis tu trabajo y crear conexiones nuevas a posibles clientes.

ibros, revistas, posters, carteles, discos, flyers, packaging, logos de productos y empresas, páginas web, publicidad online y en vía pública: el arte de un diseñador gráfico está en el mundo que nos rodea todos los días. La carrera de Diseño Gráfico en Escuela Da Vinci te brinda una formación completa en las diversas áreas artísticas y profesionales del diseño, incorporando el uso de lo último en herramientas tecnológicas. Con ayuda de nuestro equipo docente, desarrollá tu propia estética y aprendé a comunicar a través de un lenguaje personal, conceptualmente, combinando tipografía, fotografía, color, ilustración, imágenes en movimiento, y técnicas manuales y digitales. Título: Diseñador Gráfico Artístico Digital. Duración: 3 años. Qué Aprendés Identidad Corporativa Comunicación Visual Publicidad Packaging y Envases Diseño Editorial Tradicional y Digital Diseño en Movimiento Diseño para Sitios Web Lettering Técnicas Estéticas y Expresivas Lenguajes y Software Adobe Photoshop, Illustrator, InDesign, Premiere, After Effects, 3D Studio Max, HTML5, CSS3. Talleres Especiales Los talleres especiales son gratuitos para alumnos de carreras. Se trata de pequeños cursos paralelos a la cursada, que te permiten sumar conocimiento en campos experimentales, complementar lo estudiado en clase, y actualizarte con herramientas de última generación. Cada semestre podés elegir los que más te interesen de entre la oferta específica de ese período. Algunos de los últimos talleres ofrecidos son: Tipografía, Serigrafía, Técnicas de encuadernación, Dibujo y experimentación gráfica, Historieta, Guión de ficción, Maquetas y modelos a escala, Marketing digital, Morfología, Real Flow, Fotografía, HTML5, Efectos especiales y maquillaje de caracterización, Render 3D para gráfica. Campo Laboral

El egresado de Diseño Gráﬁco en Escuela Da Vinci es un experto en comunicación visual, capaz de generar mensajes creativos y de alta precisión para áreas tales como: Identidad Corporativa: Marcas, Submarcas, Sistemas de Identidad Visual Básicos y Complejos. Publicidad: Campañas Publicitarias, Banners, Vía Pública, Publicidad en Diarios, Revistas e Internet. Packaging: Envases, Etiquetas de todo tipo, y todo lo referido a un producto lanzado al mercado, como un display o un exhibidor (POP). Diseño Editorial: Diseño de Revistas, Fascículos, Diarios o Secciones de un Diario, Folletos, Libros Desplegables. Diseño en Movimiento: Diseño de Páginas Web, Animaciones Gráﬁcas, Separadores. Nuestro equipo de docentes y profesionales te acompañan en la búsqueda constante de estéticas y lenguajes personales, convirtiéndote al egresar en un profesional con características diversas y no convencionales. Cada año Escuela Da Vinci recibe más de 1000 ofertas laborales de empresas de primer nivel para nuestros alumnos. Algunas de las empresas y organizaciones que nos contactaron incluyen al Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, TyC Sports, Grupo Clarín, La Nación, Mercado Libre, Globant,

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Lettering Técnicas Estéticas y Expresivas Lenguajes y Software

capaz de generar mensajes creativos y de alta precisión para áreas tales como:

Adobe Photoshop, Illustrator, InDesign, Premiere, After Eﬀects, 3D Studio Max, HTML5, CSS3.

Identidad Corporativa: Marcas, Submarcas, Sistemas de Identidad Visual Básicos y Complejos. Publicidad: Campañas Publicitarias, Banners, Vía Pública, Publicidad en Diarios, Revistas e Internet. Packaging: Envases, Etiquetas de todo tipo, y todo lo referido a un producto lanzado al mercado, como un display o un exhibidor (POP). Diseño Editorial: Diseño de Revistas, Fascículos, Diarios o Secciones de un Diario, Folletos, Libros Desplegables. Diseño en Movimiento: Diseño de Páginas Web, Animaciones Gráﬁcas, Separadores. Nuestro equipo de docentes y profesionales te acompañan en la búsqueda constante de estéticas y lenguajes personales, convirtiéndote al egresar en un profesional con características diversas y no convencionales.

Talleres Especiales Los talleres especiales son gratuitos para alumnos de carreras. Se trata de pequeños cursos paralelos a la cursada, que te permiten sumar conocimiento en campos experimentales, complementar lo estudiado en clase, y actualizarte con herramientas de última generación. Cada semestre podés elegir los que más te interesen de entre la oferta específica de ese período. Algunos de los últimos talleres ofrecidos son: Tipografía, Serigrafía, Técnicas de encuadernación, Dibujo y experimentación gráfica, Historieta, Guión de ficción, Maquetas y modelos a escala, Marketing digital, Morfología, Real Flow, Fotografía, HTML5, Efectos especiales y maquillaje de caracterización, Render 3D para gráfica. Campo Laboral El egresado de Diseño Gráfico en Escuela Da Vinci es un experto en comunicación visual,

Cada año Escuela Da Vinci recibe más de 1000 ofertas laborales de empresas de primer nivel para nuestros alumnos. Algunas de las empresas y organizaciones que nos contactaron incluyen al Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, TyC Sports, Grupo Clarín, La Nación, Mercado Libre, Globant, Red Link, Disney Channel, Vorterix.

Diseño Gráfico en Argentina, universidades y programas de estudio. En Diseño, Palermo es la Mejor Universidad Privada Argentina (Top 1) La reconocida consultora internacional QS (Quacquarelli Symonds) que evalúa y caliﬁca la calidad de las universidades a nivel mundial, realizó este año, por primera vez, el World University Rankings by Subject 2015 Art & Design (Ranking mundial de universidades por disciplina 2015 – Arte y Diseño) Entre 3551 universidades de todo el mundo que fueron evaluadas se eligieron las 100 mejores (Top 100) en la categoría Arte y Diseño. La Facultad de Diseño y Comunicación de la Universidad de Palermo ocupa el primer puesto al ser reconocida como la mejor en su área entre las universidades privadas argentinas. En Diseño, Palermo es una de las diez mejores universidades en América del Sur (Top 10) La Consultora utilizó indicadores de calidad académica e institucional que dieron como

resultado un ranking en el que se ubican únicamente diez universidades de la región entre las Top 100 del mundo.

Superior en Diseño de Interiores (R.SE. 832/94) y Tecnicatura Superior en Paisajismo (R.SE.159/00).

La mejores diez universidades en América del Sur ,ubicadas entre las top 100, en el área de Arte y Diseño son de cuatro países: Argentina (Universidad de Palermo y Universidad de Buenos Aires), Chile (Pontiﬁcia Universidad Católica de Chile, Universidad de Chile y Universidad de Santiago de Chile), Brasil (Universidade de São Paulo, Pontiﬁcia Universidade Católica de São Paulo y Universidade Estadual de Campinas) y Colombia (Universidad de los Andes y Universidad Nacional de Colombia).

En el año 2006, se crea la primer carrera diseñada por esta institución la Tecnicatura Superior en Diseño con orientación optativa en Diseño de Interiores o Diseño del Paisaje (R.SE.850/06), que permitió integrar dos especializaciones en una única carrera.

En Diseño, Palermo es una de las cien mejores del mundo (Top 100) Fueron evaluadas 3551 universidades de todo el mundo. En el área Arte y Diseño la Universidad de Palermo es una de las 100 mejores (TOP100). Entre las 100 primeras en este Ranking de calidad hay sólo dos universidades argentinas (Universidad de Palermo y Universidad de Buenos Aires).

Sobre la EAD

En el año 2005 se crea en Ciudad de Buenos Aires la Escuela Argentina de Diseño de Espacios Verdes y de Interiores en Arenales 1415. En esta escuela se dictaron durante tres años las carreras de Tecnicatura

En el año 2008 se recibe la primera promoción de Técnico Superior en Diseño con orientación en Diseño de Interiores y de Técnico Superior en Diseño con orientación en Diseño del Paisaje, haciéndose realidad el proyecto institucional. El año 2009 fue un año de cambios para la Institución, la escuela se instala solo a 200 metros de la Manzana de la Luces, en el casco histórico de valor patrimonial de la Ciudad de Buenos Aires, en Avenida de Mayo 666 5º piso y es reconocida como Institución incorporada a la enseñanza oficial por autoridades de la DGEGP, bajo la característica A-1454. En el año 2010 se presenta una modificación al plan de estudios creado por la Institución con el objetivo de flexibilizar la cursada de los alumnos y otorgarles un título con más salida laboral. Es por esto que se crea la “Tecnicatura Superior en Diseño de Espacios Verdes e Interiores”, aprobada el 12 de Septiembre del 2011 por Resolución 432/11.

A partir del año 2013 comienza el dictado de una nueva carrera en la Institución, la “Tecnicatura Superior en Proyecto y Construcción de obras” por Resolución 177/12, esta carrera permite que el alumno tramite su matricula en el Consejo de Ingeniería, que lo habilita a construir ediﬁcios de hasta 4 pisos altos. En la Actualidad se encuentra en proceso de evaluación y aprobación el Postitulo de Especialización en “Desarrollo Sustentable”, creado también por nuestro Instituto.

Mario Fuentes

en donde

¿Por qué elegiste el diseño EL Pensamiento FUNCIONAL = Lógica Proyectual + Intuición Estética como una Carrera en tu vida? Escogí el Diseño Gráﬁco por Convicción y el Diseño de CARTEL por PASIÓN.

¿Cuáles son los errores más comunes que cometen algunos ¿En que medida tu crees que diseñadores al momento de ser un diseñador encarar un proyecto de diseño? latinoamericano te distingue y El error más común está en la destaca de otros diseñadores concepción, lo que da como resultado un diseño demasiado complaciente, un en el mundo? Lo que nos diferencia a los diseñadores latinoamericanos es la forma en que concebimos las ideas y nuestra propia visión del mundo, pues tenemos una óptica distinta, más panorámica, abierta y sobre todo Lúdica, producto del sincretismo cultural que nos ha marcado.

diseño light, que se ve bonito, pero que es carente de impacto y contenido que lo sustente.

¿Qué consejo darías a una persona que está por elegir esta carrera o empezando a trabajar en ella?

Comprométanse al 200%, busquen su

¿Cómo ves el diseño en tu impronta personal (no necesariamente país? un estilo), no se conviertan en clones En constante evolución, por el momento creo que goza de buena salud ya que el Ecuador cuenta con buenos profesionales en las diferentes áreas del diseño, en el Cartelismo que es el campo que más me ocupa, veo con satisfacción que hay jóvenes diseñadores que se están sumando y comprometiendo cada vez más con este Arte.

¿Cuál es tu fórmula íntima e ideal de trabajo para ser más efectivo al momento de diseñar? Mi principal recurso es la motivación,

de nadie, no sean presa fácil de las tendencias, sean autocríticos, cuestionen lo que aprenden dentro y fuera de las aulas, sean irreverentes, perseverantes y sobre todo crean en ustedes mismos.

Los 5 libros importantes que todo diseñador debe leer: El Diseño Gráﬁco desde sus orígenes hasta nuestros días – Enric Satué Arte del siglo XX – Ingo F. Walther Tratado de Semiótica General – Umberto Eco La Sociedad Del Cansancio – Byung

Chul Han The Vignelli Canon – Massimo Vignelli La Pantalla Global. Cultura mediática y cine en la era hipermoderna – Gilles Lipovetsky y Jean Serroy Las 5 personas que todo diseñador debe conocer: Jules Chéret Helmut Herzfeld Boris Bucan Jin Lee David O’ Reilly

Tu frase motivadora favorita es:

“Un buen diseño nunca es accidental, se ubica en la intersección donde la Inteligencia y el Arte se encuentran”

—Suzi Peel y Chaz Maviyane-Davies

: Nos puedes contar qué te motivo para convertirte en cartelista?

Primero, el aportar a la visualización de problemas sociales, carencias, injusticias y desigualdades. Además de celebrar la cultura, las artes y el desarrollo de éstas. Segundo (sin el cual lo anterior no podría ser posible) el ser libre de expresar mis opiniones mediante el recurso que mejor entiendo y que mas fácil me resulta desplegar: pintar y crear poética de la imagen. Tercero, la idea de hablar sin que nadie me diga como debo hacerlo ni que debo decir. Cuarto, la idea de que sin tener recursos puedes compartir una opinión con muchas personas sin tener un editor de por medio, sin pedir fondos al Estado ni depender de la aprobación de un externo para hacerlo. Y quinto, la idea de que como sociedad debemos celebrar la cultura y no el consumo.

Ha incursionado en el CÓMIC como colorista y también ha realizado piezas de VIDEO y ANIMACIÓN. Cartelista ecuatoriano, seleccionado entre los 10 mejores carteles del proyecto Poster for Tomorrow 2011 por El Derecho a la Educación, formando parte de la colección permanente de prestigiosos museos del Diseño: Center for the Study of Political Graphics - USA Dansk Plakatmuseum - Denmark Design Museum Gent - Belgium Graphic Design Museum - The Netherlands Lahti Poster Museum - Finland Les Arts Decoratifs - France Museum für Gestaltung - Switzerland Wilanow Poster Museum - Poland Victoria and Albert Museum - UK. También ha sido seleccionado en Bienales y Trienales del Cartel: 7th International Triennial of Stage Poster - Soﬁa 2013 (Bulgaria) BICeBé 2013 (La Bienal del Cartel Bolivia) 12th International Triennial of the Political Poster Show 2013 (Mons, Belgium)

TPT 2012 | Trienále Plagátu Trnava Poster Triennial (Slovakia) BID 12 - Madrid (III Bienal Iberoamericana de Diseño 2012) Spain 12a BICM (International Poster Biennial of Mexico 2012) Golden Bee 10, Moscow Global Biennale of Graphic Design 2012 The 23rd International Poster Biennale Warsaw 2012 (Poland) The 10th International Poster Triennial in Toyama, 2012 (Japan) VIII International Triennial of Eco-Poster The 4th Block 2012 (Kharkov, Ukraine) 11a (International Poster Biennial of Mexico 2010) Obteniendo el Bronze Prize in the 10th International Poster Triennial in Toyama, el Segundo Lugar en el Concurso Internacional "Shouts to View" 2013 por la Dignidad Animal y una Mención Honoríﬁca en la 12a BICM. Actualmente está enfocado en el fascinante mundo del Cartel y continúa participando en diferentes certámenes de Diseño alrededor del mundo.

Nos podrías resumir en qué momento de la vida te encuentras? En este momento estoy desarrollando, mediante el cartelismo de autor, una forma de transmitir mi opinión personal respecto a temas o problemáticas sociales para darlas a conocer, propagarlas o recordarles a las personas de que esos problemas existen aquí y ahora.

Qué aspectos de tu trabajo son los que más te apasionan?

Poder dar una opinión personal a través de un formato simple y humilde: un papel rectangular pegado en una pared sin permiso, aprobación previa o visto bueno de alguien externo.

Cómo le explicarías a un niño la diferencia entre un ilustrador y un cartelista?

El cartelismo es un lenguaje, la ilustración es un idioma. El cartelismo se sirve de diferentes idiomas para transmitir sus mensajes. Un verdadero cartelista de autor da su opinión personal mediante su cartel. Es su visión o reflexión respecto al problema social, obra o guión tratado. Un ilustrador puede darla o no darla, ya que puede prestar un servicio de ilustración que represente la idea desarrollada por otro: sea esta un artículo, una campaña publicitaria, una portada u otro soporte donde hay un cliente que desea expresar sus ideas mediante la estética desarrollada por el ilustrador elegido. Un ilustrador puede decidir ser solamente las manos que dibujan la idea de una cabeza ajena sin su opinión personal al respecto…el ilustrador tiene esa libertad, el cartelista no. Él tiene una sola opción: opinar de forma personal. Un cartelista refleja en el cartel sus propias reflexiones respecto al tema. Si no lo hace, en ese momento es un proveedor de imágenes resolviendo un encargo y no un cartelista. Por lo mismo, por ser una opinión personal, el soporte verdadero y coherente para un cartel es la calle.

William Shakespear William Shakespear

Ronald Shakespear nació en Rosario en 1941. Uno de los proyectos más audaces del diseñador argentino es el denominado Plan Visual de Buenos Aires, de escala sin antecedentes locales ni regionales. Desarrollado en 1971-72, junto con el Estudio González Ruiz fue singular por la interacción dinámica que estableció. La propuesta tipográﬁca, el análisis de la ecuación espacio de letra / distancia/ velocidad, la administración de planos informativos, la resolución cromática. La tecnología y el emplazamiento, hacen de este trabajo un hito regional. Ronald es ampliamente reconocido en el mundo por sus intervenciones en los sistemas de Señalización y en Identidad Visual. Es autor de los megaproyectos urbanos para la Señalización de los Subterráneos de Buenos Aires -Subte(con Lorenzo y Juan Shakespear,

1995-2008 ) , los Hospitales Municipales, (Ronald y Raúl Shakespear, 1978) la señalización de Buenos Aires (Plan Visual de Buenos Aires, Estudio González Ruiz / Shakespear, 1971/72), el Bioparque Temaikén, (con Lorenzo y Juan Shakespear,2002), Autopistas del Sol, el Tren de la Costa, Parque de la Costa, Expo América '92, entre otros muchos. Su Estudio ha diseñado más de mil proyectos de Identidad Visual como el Club Atlético Newell´s Old Boys, Banco Galicia, Luigi Bosca, , Boca Juniors, Duty Free Shop, Netizen, Banco Hipotecario S. A., Banco Río, Oca, Red Link, Metrovías, Tecpetrol, Banelco, Avex, Harrods, Banco Patagonia, Su aﬁche (1964) para el Hamlet de William Shakespeare, ha sido oportunamente exhibido en la Exposición 120 Carteles del Siglo XX en

“Llevo la bodoni en la mente y la Hélvetica en el corazón.” México entre otras exposiciones y se encuentra en colecciones privadas y en la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Ronald Shakespear ha recibido el Segd Fellow Honour Award 2008 en Austin, EEUU. El Premio -que por primera vez se otorga a un latinoamericano - se entrega anualmente a aquellos diseñadores que han promovido los

más altos valores en el diseño ambiental y han contribuido al crecimiento de la profesión. El Fellow Honour Award ha sido otorgado en años anteriores a Iván Chermayeﬀ, Robert Venturi, Massimo Vignelli, Garry Emery, Lance Wyman, Deborah Sussman, entre otros. En 1992 recibió el Diploma al Mérito de los Premios Konex como uno de los 5 mejores diseñadores gráﬁcos de la década. En 2013, FADU UBA lo ha nombrado Profesor honorario de la Universidad de Buenos Aires. «Los que vivimos la ciudad de Buenos Aires, y aún más, los que la visitan, debemos agradecer a diario, el trabajo de Ronald Shakespear, que con sus lúcidos y útiles diseños en el espacio público, incide permanentemente en

nuestros hábitos y costumbres», explica Jorge Gaitto, secretario académico de la Facultad de Diseño y Comunicación de la Universidad de Palermo. Su firma es además pionera y matriz en numerosos proyectos de ámbito nacional e internacional. «Ronald Shakespear –dice Gaitto– ha dedicado cincuenta años al ejercicio de la disciplina, y sus trabajos, han sido reconocidos en todo el mundo. Su obra gráfica es monumental, pero confieso que lo que más me atrapa son sus cuentos y sus historias, sus lúcidas reflexiones y su agudo humor. Los que alguna vez tuvimos la fortuna de tenerlo como profesor, sabemos y no olvidamos, sus profundos comentarios, cargados de contenidos, y por sobre todas las cosas su enorme

generosidad, la generosidad de los grandes maestros». Recientemente, Ronald Shakespear también ha sido merecedor del premio Segd Fellow Award de la Society of Enviromental Graphic Design que por primera vez se otorga a un latinoamericano. El premio ha sido concedido anteriormente a Massimo Vignelli, Lance Wyman, Robert Venturi, Ivan Chermayeﬀ, Deborah Sussman, entre otros. Su último libro Señal de Diseño, Memoria de la Práctica acaba de ser reeditado por Paidós. Ha brindado conferencias y workshops en 42 ciudades del mundo y su obra ha sido publicada en libros y revistas de Argentina, China, Italia, Francia, Chile,

“La señalética es todo, como saber a donde ir si no se entienden las señales” Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Alemania, Suiza, Japón, México, etc. Las muestras antológicas de Diseño Shakespear han recorrido el Katzen Arts Center de Washington, AIA Branch House de Richmond, el Museo Nacional de Bellas Artes, la Bienal del Cartel de Xalapa y el Centro Borges. Sus obras han sido expuestas también en el Centre Georges Pompidou de París y en la Triennale Icsid de Milan. Ronald Shakespear es autor de la señalización del Subte, el Bioparque Temaikén, el Tren de la Costa y coautor de la señalización de los Hospitales Municipales (con Raúl Shakespear) entre muchos otros megaproyectos. “Hago diseño desde hace medio siglo. No tengo una teoría del diseño. He acuñado a duras penas una teoría de la

práctica. Pienso que la ‘oreja grande’ es imprescindible para escuchar a la gente, sus desvelos, sus sueños. Finalmente el diseño es para ellos”, apunta Shakespear que ha trabajado para empresas como Harrods, Banco Hipotecario y el Subte, el metro argentino, para el que diseñó su señalización.

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