Letze Sinfonie

Un poco de MĂşsica

CONTENIDO Músicos Clásicos Johann Sebastian Bach ……………………….......................5 Edvard Grieg…………………………………………….......................…..7 Frédéric Chopin………………………………….......................……….9 Ludwigh van Beethoven………………….........................…11 Wolfgang Amadeus Mozart…………..........................17 Historia de marcas clásicas de Piano Steinway & Sons…………………………………….......................…..19 Yamaha………………………………………………………........................…….21 Steingraeber & Sohne KG………….........................……..23 August Forster………………………………………........................……...24 Compositores clásicos actuales Ludovico Einaudi…………………………………….......................……25 Abel Korzeniowski…………………………......................………….26

ac h

Johann Sebastian

B

Nació el 21 de marzo de 1685 en el seno de una familia que durante siete generaciones dio 52 músicos de importancia, en Eisenach, Turingia (Alemania).

Recibió sus primeras lecciones musicales de su padre, Johann Ambrosius. Cuando éste falleció, se fue a vivir y estudiar con su hermano mayor, Johann Christoph, por entonces organista de Ohrdruff.

En 1700 comenzó a trabajar como miembro del coro de la iglesia de San Miguel, en Lüneburg.

En 1703 pasó a ser violinista de la orquesta de cámara del príncipe Johann Ernst de Weimar, para pasar en ese mismo año a Arnstadt, donde se convirtió en organista de iglesia. A finales de 1705 consiguió un permiso para cursar estudios con Dietrich Buxtehude, organista y compositor danés afincado en Alemania. Entre ambos músicos se estableció un relación tan positiva que su estancia Lübeck se prolongó un mes más de lo acordado. Esto levantó críticas por parte de las autoridades eclesiásticas, que además se quejaban de las florituras y armonías con las que acompañaba a la congregación en sus cantos religiosos.

300x250 izquierda tercer parrafo En 1707 contrajo matrimonio con Maria Barbara Bach, prima segunda suya, y se trasladó a Mulhose, donde trabajó como organista en la iglesia de San Blas. Un año después regresó a Weimar como organista y violinista de la corte del duque Wilhelm Ernst.

Allí permaneció durante los siete años siguientes y se convirtió en concertino de la orquesta de la corte en 1714.

En Weimar compuso unas 30 cantatas, incluida la conocida cantata de funeral Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit (c. 1707), además compuso obras para órgano y clavicémbalo. Entre 1717 y 1723 ejerció como maestro de capilla y director de música de cámara en la corte del príncipe Leopoldo de Anhalt-Köthen. Durante este periodo escribió fundamentalmente música profana para conjuntos instrumentales e instrumentos solistas. También compuso libros de música para su mujer e hijos para el estudio de la técnica del teclado y el arte de la música en general. Estos libros incluyen el Clave bien temperado (I, 1712; II, 1742), las Invenciones (1722-1723) y el Orgelbüchlein (Pequeño libro para órgano, 1713-1717).

Tras un año de la muerte de su mujer en 1720, se casó con Anna Magdalena Wilcken, cantante e hija de un músico de la corte que le dio trece hijos, además de los siete que había tenido con su anterior esposa. En 1723 se radica en Leipzig, ciudad donde vivió ya hasta su muerte.

Su cargo de director musical y jefe de coro en la iglesia de Santo Tomás y en la escuela eclesiástica no le satisfacía por las disputas continuas con miembros del consejo municipal. Las 202 cantatas que nos han quedado de las 295 que compuso, destacan la Cantata de la Ascensión y el Oratorio de Navidad, formado este último por seis cantatas. La Pasión según san Juan y La Pasión según san Mateo también se escribieron durante su estancia en Leipzig, al igual que

su Misa en si menor. Entre las obras para teclado compuestas durante este periodo destacan las famosas Variaciones Goldberg, el segundo libro del Clave bien temperado y el Arte de la fuga, formada por 16 fugas y cuatro cánones, todos sustentados en el mismo tema.

Johann Sebastian Bach comenzó a quedarse ciego el último año de su vida, falleciendo en Leipzig el 28 de julio de 1750, tras someterse a una fallida operación ocular. Dejó su influencia en músicos posteriores como Mozart, Beethoven, Mendelssohn o Chopin.

r ie g

Edvard

G

Compositor noruego. Fue el más importante de su país durante el siglo XIX. Nació en Bergen el 15 de junio de 1843. Estudió piano con su madre, pianista profesional, y más tarde en el conservatorio de Leipzig. Fue el compositor danés Niels Gade quien le animó en la labor de componer. El noruego Rikard Nordraak despertó su interés por la música folclórica noruega. Con él, dijo, "aprendí a conocer los cantos del norte y mi propia naturaleza". Entre 1866 y 1876 Grieg vivió en Cristianía (hoy día Oslo), donde fue profesor de música y director de la Sociedad Filarmónica. En 1867 contrajo matrimonio con su prima, la soprano Nina Hagerup. Su defensa de la escuela basada en la música folclórica noruega originó el enfrentamiento con músicos conservadores y

críticos, por lo que sus propias obras tardaron en ser apreciadas.

El primer músico de talla internacional que alabó su trabajo fue el compositor húngaro Franz Liszt. En 1874 el gobierno noruego le concedió un salario anual que le permitió dedicarse por entero a la composición. Se hizo famoso por su música incidental para el drama poético Peer Gynt (1875), de Henrik Ibsen. En 1885 se aisló en un estudio de Lofthus y en 1885 mandó construir la villa Troldhaugen, cerca de Bergen, donde vivió el resto de sus días. Murió el 4 de septiembre de 1907.

Aunque su música está influida por la de los compositores románticos, especialmente Robert Schumann y Frédéric Chopin, Grieg adaptó sus propias melodías basándose en el estilo del folclore noruego y fue el maestro de los fundamentos armónicos que evocan la atmósfera de su tierra. De su producción musical destacan Heridas de corazón, La última primavera (inspiradas en un poema noruego), y la suite En tiempos de Holberg, para orquesta de cuerda; El retorno al país y Olav Trygvason, para coro y orquesta, un cuarteto de cuerda y numerosas obras para piano, entre ellas una balada en sol menor y el famoso Concierto para piano y orquesta en la menor. Sus canciones han tenido una especial difusión.

Frédéric

Chopin

Nació el 1 de marzo de 1810 en Zelazowa Wola, cerca de Varsovia, en una bonita casa burguesa que pertenecía al Conde Skarbek. El padre del músico polaco, Nicolas Chopin, de origen francés, era su administrador y se casó con la dama de compañía de la Condensa, Tekla Justyna Krzyzanowska. Fue el segundo de los cuatro hijos del matrimonio.

Casi exactamente contemporáneo de Mendelssohn, de Schumann y de Liszt. Se inició en el estudio del piano a los cuatro años y a los ocho ya ofrecía un concierto privado en Varsovia. Más adelante realizó estudios de armonía y contrapunto en el conservatorio de su ciudad.

Su primera obra publicada data de 1817.

Dio sus primeros conciertos el año 1829, en la ciudad de Viena. El 1 de noviembre de 1830, apenas un mes antes de la insurrección polaca, deja Varsovia, nunca más volverá a su patria. A partir de 1831 vivió en París, donde trabajó como profesor, pianista y compositor. Entre su círculo de amistades se encuentran Liszt, Berlioz, Rossini, Bellini o Mendelssohn. Entre 1834 y 1835 viaja por Renania, Checoslovaquia y Alemania. Pretende sin éxito, la mano de la joven María Wodzinska.

En 1836 tiene su primer encuentro en París con Aurore Dudevant, escritora francesa seis años mayor que él y más conocida por su seudónimo, George Sand, relación que marcará los últimos años de su vida.

300x250 izquierda tercer parrafo Prácticamente todas sus composiciones son para piano. Aunque expatriado, siempre fue leal a Polonia, un país desgarrado por las guerras; sus mazurcas reflejan los ritmos y melodías del folclore polaco. Su música se caracteriza por las dulces y originales melodías, las refinadas armonías, los ritmos En 1838 cayó enfermó de tuberculosis y se trasladó junto a Sand a la isla de Mallorca buscando un clima reparador: no pudo ser, les tocó un invierno lluvioso y frío. De Mallorca la Sand dejó «Un invierno en Mallorca», y Chopin sus Preludios. Allí, en la cartuja de Valldemosa, Sand lo atendió en su enfermedad hasta que las continuas disputas entre los dos condujeron a su ruptura el año 1847. A partir de entonces su actividad concertística se limitó a varios recitales en Francia, Escocia y Gran Bretaña. Según testimonio de Sand y algunas de las cartas del mismo Chopin, entre otros documentos de la época el compositor reconocía que padecía de alucinaciones. En medio de una sonata en un salón privado inglés en 1848, se había visto obligado a salir de la sala para recuperarse de la visión de las criaturas que salían de su piano. El láudano a base de opio que Chopin consumía es una de las posibles explicaciones de sus alucinaciones.

Frédéric Chopin falleció en el número 12 de la Place Vendòme de París, el 17 de octubre de 1849, víctima de la tuberculosis. Fue enterrado en el cementerio parisiense de Père-Lachaise. Acatando el deseo de Chopin, su corazón reposa en Varsovia, en la Iglesia de la Santa Cruz. A 165 años de la muerte del pianista, expertos médicos anunciaron que tras el estudio de su corazón, corroboraron que su deceso fue provocado por la tuberculosis. De acuerdo con información difundida el corazón es mucho más amplio de lo normal, lo que sugiere otra enfermedad pulmonar, además de la tuberculosis.

ee thoven

Ludwigh van

B

Ludwig van Beethoven (Bonn, 16 de diciembre de 17702 -Viena, 26 de marzo de 1827) fue un compositor, director de orquesta y pianista alemán. Su legado musical abarca, cronológicamente, desde el período clásico hasta inicios del romanticismo musical. Fue uno de los compositores más preclaros e importantes de la historia de la música y su legado ha influido de forma decisiva en la evolución de la música.

Considerado el último gran representante del clasicismo vienés (después de Christoph Willibald Gluck, Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart), Beethoven consiguió hacer trascender la música del romanticismo, influyendo en diversidad de obras musicales del siglo XIX. Su arte se expresó en numerosos géneros y aunque las sinfonías fueron la fuente principal de su popularidad internacional, su impacto resultó ser principalmente significativo en sus obras para piano y música de cámara.

Su producción incluye los géneros pianísticos (treinta y dos sonatas para piano), de cámara (dieciséis cuartetos de cuerda, siete tríos, diez sonatas para violín y piano), vocal (lieder, dos misas y una ópera: Fidelio), concertante (cinco conciertos para piano y orquesta, uno para violín y orquesta) y orquestal (nueve sinfonías, oberturas, etc.), entre las que se encuentra el ciclo de las Nueve sinfonías, incluyendo la Tercera sinfonía, también llamada en castellano Heroica, en mi♭ mayor, la Quinta sinfonía, en do menor y la Novena sinfonía, en re menor (cuyo cuarto movimiento está basado en la Oda a la Alegría, escrita por Friedrich von Schiller en 1785).

La familia de Beethoven vivía bajo condiciones modestas. Su abuelo paterno, llamado también Ludwig, (Malinas, 1712-1773), era descendiente de una familia de campesinos y granjeros originarios de Brabante, en la región de Flandes (Bélgica), que se trasladaron a Bonn en el siglo XVIII. La partícula van de su nombre, contrario a lo que pudiera creerse, no posee orígenes nobles, mientras que Beethoven probablemente pudo haberse derivado de Betuwe, una localidad de Lieja, aunque otra hipótesis apunta a que el apellido proviene de Beeth (que en flamenco quiere decir “remolacha”) y Hoven, que es el plural de Hof (“granja”).

De esta forma, «Beethoven» vendría a significar «granjas de remolachas».

En marzo de 1733, su abuelo emigró a Bonn, en donde trabajó como director y maestro de capilla de la orquesta del príncipe elector de Colonia. El 17 de septiembre de ese mismo año, contrajo matrimonio con María Josepha Poll, cuyos testigos fueron el organista Gilles van den Aeden y Johann Riechler.

Tuvieron tres hijos: María Bernarda Ludovica (bautizada el 28 de agosto de 1734, muerta el 17 de octubre de 1735), Marcus Josephus (bautizado el 25 de abril de 1736, muerto poco después en una fecha indeterminada) y Johann, de cuyo nacimiento o bautismo no se conserva registro; se supone que nació a finales de 1739 o comienzos de 1740. El tercero fue el único que sobrevivió a la infancia y fue el padre de Beethoven. Johann fue músico y tenor de la corte electoral.

El 12 de noviembre de 1767 se casó en la iglesia de San Remigio en Bonn con María Magdalena Keverich (19 de diciembre de 1746 -17 de julio de 1787), una joven viuda e hija de un cocinero de Tréveris. Por ese motivo, el matrimonio de sus padres contó con la oposición de su abuelo, que por aquel entonces ya era el prestigioso maestro de capilla de la corte y consideraba a la joven de una clase social inferior a la de su hijo, lo cual no era cierto ya que en su familia había concejales e incluso senadores.

El padre de Beethoven estaba muy gratamente impresionado por el hecho de que Wolfgang Amadeus Mozart diese conciertos a los siete años y quería que su hijo siguiera sus pasos. Con la intención de hacer de Ludwig un nuevo niño prodigio, comenzó a enseñarle piano, órgano y clarinete a temprana edad.8 Sin embargo, el estudio musical coartó el desarrollo afectivo del joven, que apenas se relacionaba con otros niños. En mitad de la noche, Ludwig era sacado de la cama y era obligado a tocar el piano para los conocidos de Johann, a quienes quería impresionar; esto causaba que estuviera cansado en la escuela.

Ya era usual que dejara de asistir a clases y se quedara en casa para practicar música.

El padre era alcohólico, lo que supuso que perdiera el puesto de director de la orquesta de Bonn —puesto heredado del abuelo Ludwig—, y la madre estaba frecuentemente

Haz lo necesario para lograr tu mรกs ardiente deseo, y acabarรกs logrรกndolo.

relación con Johann era distante, Ludwig amaba mucho a su madre, a la que denominaba su «mejor amiga».

El 26 de marzo de 1778, cuando tenía siete años, Beethoven realizó su primera actuación en público en Colonia. Su padre afirmó que la edad de Ludwig era de seis años, para destacar, de esta manera, la precocidad de su hijo; por ello, siempre se creyó que Beethoven era más joven de lo que era en realidad. Debido a que el talento musical y pedagógico de su padre era limitado, Ludwig comenzó a recibir clases de otros profesores. Sus avances fueron significativos, sobre todo en la interpretación del órgano y la composición, guiado por músicos experimentados como Christian Gottlob Neefe. Neefe fue un profesor muy importante e influyente en su instrucción y supo valorar inmediatamente el nivel excepcional de Ludwig. Además de transmitirle conocimientos musicales, Neefe dio a conocer a Beethoven las obras de los pensadores más importantes, tanto antiguos como contemporáneos.

En 1782, cuando contaba con once años de edad, Beethoven publicó su primera composición, titulada Nueve variaciones sobre una marcha de Ernst Christoph Dressler (WoO 63).

Un año después, Neefe escribió en la Revista de Música acerca de su alumno: «Si continúa así, como ha comenzado, se convertirá seguramente en un segundo Wolfgang Amadeus Mozart». En junio del siguiente año, Ludwig es contratado como intérprete de viola en la orquesta de la corte del príncipe elector de Colonia Maximiliano Francisco, por recomendación de Neefe. Este puesto le permitió frecuentar la música de los viejos maestros de capilla, además de facilitarle la entrada en nuevos círculos sociales, en los que se encontraban algunos de los que serían amigos suyos durante toda su vida, como la familia Ries, los von Breuning (en cuya casa conoció a los clásicos y aprendió a amar la poesía y la literatura) o el doctor Franz Gerhard Wegeler (con quien años más tarde se volvería a encontrar en Viena).

Muy pronto, Beethoven dejó de necesitar los conciertos y recitales en los salones de la corte para sobrevivir. Los editores se disputaban sus obras; además, la aristocracia austriaca, quizás avergonzada por la muerte de Wolfgang Amadeus Mozart en la pobreza, le asignó una pensión anual. Debido a la pérdida de sus capacidades auditivas, se entregó a una febril actividad creadora, y, a la par, sufrió penalidades personales producidas por dos desengaños amorosos. No llegó a casarse nunca, pero se le atribuyen varios romances, sobre todo entre damas de la nobleza.

Antonie von Birkenstock, casada con el banquero

alemán Franz Brentano, fue uno de los grandes amores de su vida.

Beethoven había entablado contacto con el inventor Johann Mäzel, que le construyó varios instrumentos para ayudarlo con sus dificultades auditivas, como cornetas acústicas o un sistema para escuchar el piano. Su obra orquestal La victoria de Wellington fue compuesta en 1813 para ser interpretada con un panarmónico, otro de los inventos de Mäzel. Esta obra era un homenaje a la victoria sobre los ejércitos napoleónicos en la Batalla de Vitoria por parte del Duque de Wellington y alcanzó gran popularidad, además de volver verdaderamente famoso al compositor, lo que le procuró grandes ingresos.

Sin embargo, él mismo la calificó como «basura» (algo que no dijo de ninguna otra obra suya) y hoy está completamente olvidada. El invento de Mäzel que más impresionó al compositor fue el

metrónomo, y escribió cartas de recomendación a editores y comenzó a realizar anotaciones en las partituras con los tiempos del metrónomo para que sus obras se interpretaran al tempo que él había concebido. En esa época comenzaron los problemas económicos del compositor, ya que uno de sus mecenas, el príncipe Lobkowitz, sufrió una quiebra económica y el príncipe Kinsky falleció al caerse de su caballo, tras de lo cual sus herederos decidieron no pagar las obligaciones financieras que el príncipe había contraído con el músico.

Beethoven pasó los últimos años de su vida casi totalmente aislado por la sordera, relacionándose solamente con algunos de sus amigos a través de los «cuadernos de conversación», que le sirvieron como medio de comunicación. Su último gran éxito fue la Novena sinfonía, terminada en 1823. En los tres años finales, se dedicó a componer cuartetos de cuerda y la Missa Solemnis. El 13 de abril de ese año conoció a Franz Liszt, que entonces tenía once años, durante un concierto del compositor húngaro y lo felicitó por su interpretación. Años más tarde, Liszt transcribió todas las sinfonías de Beethoven para piano y fue un destacado intérprete de su obra. El estreno de la Novena sinfonía tuvo lugar el 7 de mayo de 1824 y fue un rotundo éxito a pesar de las dificultades técnicas que entrañaba la obra. Este éxito no se tradujo en una ganancia financiera y los problemas económicos continuaron acuciando al compositor, que aunque tenía el dinero que estaba ahorrando, no lo podía utilizar ya que estaba destinado como herencia para su sobrino.

El 24 de marzo de 1827, Beethoven recibe la extremaunción y la comunión según el rito católico. Cabe señalar que las creencias personales de Beethoven fueron muy poco ortodoxas. Permaneció tumbado, sin conocimiento, desde las 3 de la tarde hasta las 5 pasadas. De repente hubo un relámpago, acompañado de un violento trueno, y la habitación del moribundo quedó iluminada por una luz cegadora. Tras ese repentino fenómeno, Beethoven abrió los ojos, levantó la mano derecha, con el puño cerrado, y una expresión amenazadora, como si tratara de decir: «¡Potencias hostiles, os desafío!, ¡Marchaos! ¡Dios está conmigo!» o como si estuviera dispuesto a gritar, cual un jefe valeroso a sus tropas «¡Valor, soldados! ¡Confianza! ¡La victoria es nuestra!». Cuando dejó caer de nuevo la mano sobre la cama, los ojos estaban ya cerrados. Yo le sostenía la cabeza con mi mano derecha, mientras mi izquierda reposaba sobre su pecho. Ya no pude sentir el hálito de su respiración; el corazón había dejado de latir.

Tres días después de su fallecimiento, el 29 de marzo, tuvo lugar el funeral. Se celebró en la Iglesia de la Santa Trinidad, distante un par de manzanas del domicilio de Beethoven, y en él se interpretó el Réquiem en re menor de Wolfgang Amadeus Mozart.

Al mismo asistieron más de 20 000 personas, entre las que se

encontraba Schubert, gran admirador suyo. El actor Heinrich Anschütz leyó la oración fúnebre, que fue escrita por el poeta Franz Grillparzer, a las puertas del cementerio de Währing, ahora Schubert Park.

En su escritorio de trabajo, se encontró el Testamento de Heiligenstadt, redactado en 1802, en donde explica a sus hermanos el porqué de su profunda amargura. También se encontró la mencionada desgarradora carta de amor dirigida a su «Amada inmortal», a la que llama «mi ángel, mi todo, mi mismo yo».

ozart

Wolfgang Amadeus

M

(Salzburgo, actual Austria, 1756 - Viena, 1791) Compositor austriaco. Franz Joseph Haydn manifestó en una ocasión al padre de Mozart, Leopold, que su hijo era «el más grande compositor que conozco, en persona o de nombrew». El otro gran representante de la trinidad clásica vienesa, Beethoven, también confesaba su veneración por la figura del músico salzburgués, mientras que el escritor y músico E. T. A. Hoffmann consideraba a Mozart, junto a Beethoven, el gran precedente del romanticismo y uno de los pocos que había sabido expresar en sus obras aquello que las palabras son incapaces de insinuar siquiera.

Son elogios elocuentes acerca del reconocimiento de que gozó Mozart ya en su época, y que su misteriosa muerte, envuelta en un halo de leyenda romántica, no ha hecho sino incrementar. Genio absoluto e irrepetible, autor de una música que aún hoy conserva intacta toda su frescura y su capacidad para sorprender y emocionar, Mozart ocupa uno de los lugares más altos del panteón de la música.

Hijo del violinista y compositor Leopold Mozart, Wolfgang Amadeus fue un niño prodigio que a los cuatro años ya era capaz de interpretar al clave melodías

sencillas y de componer pequeñas piezas. Junto a su hermana Nannerl, cinco años mayor que él y también intérprete de talento, su padre lo llevó de corte en corte y de ciudad en ciudad para que sorprendiera a los auditorios con sus extraordinarias dotes. Munich, Viena, Frankfurt, París y Londres fueron algunas de las capitales en las que dejó constancia de su talento antes de cumplir los diez años.

Tras afincarse en Viena, la carrera de Mozart entró en su período de madurez. Las distintas corrientes de su tiempo quedan sintetizadas en un todo homogéneo, que si por algo se caracteriza es por su aparente tono ligero y simple, apariencia que oculta un profundo conocimiento del alma humana. Las obras maestras se sucedieron: en el terreno escénico surgieron los singspieler El rapto del serrallo y La flauta mágica, partitura con la que sentó los cimientos de la futura ópera alemana, y las tres óperas bufas con libreto de Lorenzo Da Ponte Las bodas de Fígaro, Don Giovanni y Così fan tutte, en las que superó las convenciones del género.

No hay que olvidar la producción sinfónica de Mozart, en especial sus tres últimas sinfonías, en las que anticipó algunas de las características del estilo de Beethoven, ni sus siete últimos conciertos para piano y orquesta. O sus cuartetos de cuerda, sus sonatas para piano o el inconcluso Réquiem. Todas sus obras de madurez son expresión de un mismo milagro. Su temprana muerte constituyó, sin duda, una de las pérdidas más dolorosas de la historia de la música.

El éxito requiere valentía y pasión. Henry E. Steinway, fundador de la empresa, dio buena prueba de ambas: nacido en 1797 como Heinrich Engelhard Steinweg en Wolfshagen im Harz (Alemania), construyó sus primeros instrumentos de cuerda cuando contaba con tan solo 20 años. En 1825, solo cinco años más tarde, fundó en Seesen su propio taller. Sin embargo, como en él solo estaba permitida la reparación de instrumentos, construyó su primer piano de cola en secreto en la cocina de su casa en 1836. Muchos de los desarrollos que marcaron el camino para la construcción de pianos de cola –como por ejemplo la construcción del puente de la tabla armónica en una sola pieza– ya estaban presentes en este instrumento bautizado como «el piano de la cocina». Con toda seguridad, la fabricación de este piano de cola fue para Heinrich Engelhard Steinweg uno de los momentos más importantes de su vida, ya que al fin convertía en realidad su visión de construir el mejor piano posible y sentaba las bases de la fama mundial que cobraría con posterioridad.

Heinrich Engelhard Steinweg dio desde un principio rienda suelta a su espíritu pionero. Para él primaban una técnica avanzada y, ante todo, un excelente sonido. Hasta 1850 logró sacar 482 instrumentos al mercado alemán.

Sin embargo, decidió emigrar a los Estados Unidos de América para seguir desarrollando sus construcciones.

Por su situación económica y política, entre otras razones, Estados Unidos de América parecía ofrecer las mejores condiciones para hacerlo. El 29 de junio de 1850 llega a Nueva York acompañado de su familia. Allí, Heinrich Engelhard Steinweg se convertiría en el empresario Henry E. Steinway.

En América, Steinway & Sons cobra fama rápidamente y conquista en muy poco tiempo el mercado y los escenarios de todo el mundo. El compromiso con la innovación y la pasión han marcado el desarrollo de la empresa familiar.

Henry padre y sus hijos construyeron los primeros

pianos rectangulares casi por sí mismos, y en 1855 los instrumentos serían ya distinguidos por primera vez por su alta calidad durante la exposición «American Institute Fair» celebrada en el Palacio de Cristal neoyorquino. Con el registro de la primera patente de un antiguo sistema mecánico en 1857, el mundo pianístico pudo comprobar que tras los Steinway se escondían unos extraordinarios pioneros; no en vano, con el desarrollo de 128 patentes, la empresa se considera la fundadora de la construcción de pianos modernos. Tan solo C. F. Theodore Steinway cuenta ya en su haber con 45 patentes; fue el único de los hijos de Henry que no les acompañó a Estados Unidos de América y se quedó para manejar lo que quedaba de la empresa familiar en Alemania. No seguiría los pasos de su familia hasta el año 1865 tras la muerte de sus hermanos Henry hijo y Charles, para continuar con una construcción de pianos que rompería moldes. Así surgió pieza a pieza el piano de cola que hoy conocemos y apreciamos por su diseño, modo de ejecución, durabilidad y perfección.William Steinway, considerado el genio de marketing de la familia, llevó a la práctica una de sus geniales ideas en el año 1866 y fundó en Nueva York el Steinway Hall, que además de superficies dedicadas a la venta, disponía también de una sala de conciertos con capacidad para 2000 espectadores y se convertiría pronto en un importante centro cultural. Por primera vez trajo a Estados Unidos de América a los artistas más afamados de su tiempo y les organizó en algunos casos agotadoras giras para aumentar la popularidad del instrumento. Por ejemplo, Anton Rubinstein ofreció 215 conciertos en 239 días a comienzos de la década de 1870, lo que le llevó al límite de sus fuerzas y a la vez consiguió que miles de norteamericanos entraran en contacto por primera vez con la música clásica.

En 1871 moría Henry E. Steinway. Sus hijos siguieron regentando la empresa conforme a sus principios.

En 1880 llegaría el momento de llevar la creciente fama de

Steinway & Sons fuera de las fronteras norteamericanas.

C. F. Theodore y William Steinway fundan en Hamburgo una segunda fábrica, que junto a la de Nueva York sigue siendo hoy día los únicos centros de producción de la empresa.

Mientras que la fábrica de Nueva York es responsable del continente americano, la de Hamburgo se encarga del suministro al resto del mundo. Los criterios que determinan las características cualitativas de un piano de cola o vertical son tres: la construcción, el método de fabricación y el material. Steinway & Sons se ha consagrado sin concesiones al cumplimiento de estos criterios y ha desarrollado el exclusivo sistema Steinway, que se aplica a la construcción de todos los instrumentos en las fábricas de Nueva York y Hamburgo. Desde el primer momento de su creación, cada instrumento se trata con el respeto que merecen las obras de arte.

El desafío consiste en hacer que cada instrumento sea perfecto a su manera... perfecto para ser un Steinway.

No en vano, resulta inconcebible imaginar las salas de concierto de este mundo sin la presencia de un Steinway.

Más de 1700 músicos profesionales no querrían renunciar a su Steinway, y centros educativos de renombre ponen a disposición de sus estudiantes exclusivamente instrumentos de Steinway & Sons.

Pero también para los músicos aficionados es una sensación abrumadora contar con un

Steinway entre sus posesiones. Steinway & Sons: un nombre que se ha convertido casi en sinónimo de piano.

Fue el maestro Arthur Rubinstein quien dijo: «A Steinway is a Steinway and there is nothing like it in the world».

La exigencia nace de la passion Steinway & Sons fue fundada en 1853 por Henry E. Steinway y sus hijos en Nueva York. Juntos marcan un hito en la construcción de pianos de cola y verticales con las máximas exigencias de calidad. Con el desarrollo de más de 125 patentes, la empresa se considera la fundadora de la construcción de pianos moderna.

Cada piano de cola Steinway es una pieza única realizada a mano. Para la fabricación nos tomamos tiempo: todo se produce de forma pausada y meditada.

Desde la fundación de nuestra empresa fabricamos nuestros pianos con un gran amor por el detalle. Cada piano de cola Steinway es una obra de arte que comienza con la selección de los materiales más exquisitos y concluye posteriormente con gran pasión. Las maderas secan y maduran durante una media de dos años hasta que permiten un trabajo óptimo. La fabricación de un Steinway dura casi otro año más.

De este viaje por la alta artesanía surge aquello por lo que se distingue Steinway & Sons desde hace más de 160 años: instrumentos con carácter. Los pianos de cola y verticales de Steinway & Sons marcan la pauta de máxima calidad en todo el mundo y son objeto de alta estima no solo de pianistas profesionales, sino de todos los amantes de la música.

Cuando Torakusu Yamaha (1851-1916) se comprometió a reparar un órgano de lengüeta, nadie podría haber imaginado que esto llevaría a fundar un imperio de negocios internacionales. El Yamaha nombre es conocido en todo el mundo por la variedad de instrumentos musicales, entre los que destaca, Yamaha pianos. La compañía fue fundada en Japón en el siglo 19.

Torakusu Yamaha tenía una fascinación de por vida con la instrumentación, maquinaria y cómo funcionaban las cosas. Él era el hijo de un astrónomo y se familiarizó con los instrumentos de su padre utilizó en su obra. Yamaha estudió por primera vez la relojería, pero cambió de aparatos médicos y realizó reparaciones en un hospital.

En 1887, accedió a tratar de reparar el armonio en una escuela primaria, pues no sólo tuvo éxito en la reparación del órgano, sino incluso fue a afinarlo. En 1897, fundó el Nippon Gakki Co., Ltd., el precursor de Yamaha. En 1987, la empresa cambió su nombre oficialmente a la Corporación Yamaha para conmemorar el 100 º aniversario de la empresa.

En 1900, Yamaha introdujo el piano en primer lugar. En rápida sucesión de 1902 se produjo el debut del primer piano de cola Yamaha, y en 1904, los pianos Yamaha y órganos recibió un honorario Gran Premio en la Feria Mundial en St. Louis.

Entre 1914 y 1959, Yamaha se adelantó con la producción de pianos verticales y de cola, pero también ha creado una serie de nuevos productos, incluyendo armónicas, cuerda manual fonógrafos, órganos de tubos, guitarras acústicas, motocicletas y equipos de tiro con arco. En 1960, Yamaha fundó una filial en los Estados Unidos, y cuatro años más tarde, la primera escuela de música en el extranjero Yamaha en Los Angeles.

Yamaha estableció una planta para la producción piano vertical en Kakegawa, Japón, en 1965.

La compañía presentó su Concierto CF y Conservatorio Pianos Grand Series en 1967.

En 1968, el pianista soviético Sviatoslav Richter (1915-1997), considerado uno de los más grandes

pianistas del siglo 20, Yamaha pagado la distinción de jugar en un piano CF Gran Concierto en el Festival de Menton en Francia. En 1970, Richter visitó Japón por primera vez y una vez más optó por jugar un piano Yamaha en la Expo de Osaka.

Primero de Yamaha pianos eléctricos y electrónicos entró en funcionamiento en 1976. En 1980, la compañía puso en marcha una academia de piano técnico en Tokio. Dos años después, Yamaha presentó su serie S-pianos de cola. En 1983, Yamaha lanzó la primera generación del Clavinova piano digital. En 1985, la compañía introdujo el Clavinova CVP piano acústico la serie con características de rendimiento, y en 1986, se dio a conocer el. Clavinova CLP-50, un piano acústico híbrido digital con memoria de onda avanzada Edición especial de pianos conmemoró el 100 aniversario de Yamaha en 1987.

Para 1991, la producción de pianos Yamaha e instrumentos de viento había superado la marca de 5 millones de dólares. También fue el año en que el CFIIIS Concierto Grand Series of pianos hicieron su debut. Luego, en 1993, Yamaha lanzó su serie de pianos MIDI silenciosos. Yamaha comercializó el silencio de cola en 1994 y el piano GranTouch digital en 1995.

El año 2000 marcó el aniversario número 100 de la Piano Yamaha, y para celebrar este hito, Yamaha introdujo edición especial de modelos, incluyendo el Centennial C3 y el Disklavier PRO2000 pianos de cola. En 2004, Yamaha presentó el CVP-309, el piano digital primero capaz de estar vinculados directamente a Internet. La serie de diseño contemporáneo piano digital, MODUS, debutó en 2006 y en 2008, la producción piano digital ha superado los 4 millones. El Avant 2009 Grand está considerado como una alternativa viable para el piano de cola tradicional, aunque sólo cuatro libras-pies de largo y 480 en comparación con el 9-pies de largo y 1.500 libras. El Grand Avant ha sintetizado notas y es el piano sin cuerdas en primer lugar.

YAMAHA

söhne KG Steingraeber &

La historia de la fábrica de pianos Steingraeber & Söhne comenzó alrededor del año 1820 en Turingia y la empresa fundó su taller en la ciudad de Bayreuth, famosa por su festival, en 1852. Richard Wagner y Franz Liszt fueron algunos de los primeros clientes de esta empresa. En la actualidad también los son artistas como Daniel Barenboim, festivales como La Roque d'Anthéron y recintos como la Konzerthaus de Viena, el Prinzregententheater de Múnich, el Teatre Sucre en Quito o el Getty Hall en San Francisco. Los pianos Steingraeber & Söhne son piezas únicas y se fabrican mediante métodos artesanos tradicionales al 100 % en las instalaciones de producción de Bayreuth. Además de los modelos clásicos, se fabrican instrumentos de diseño (desde el piano de cola Bruno Paul 1906 hasta el piano de cola Utzon de Jørn Utzon 2009) y modelos con características técnicas y acústicas especiales (caja de resonancia de fibra de carbono, sistema de transmisión de energía Phoenix, rodillos de macillos giratorios, sistema de repetición SFM para pianos, etc.).

La histórica casa Steingraeber de Bayreuth (1754 Pedrozzi/ St.Pierre) funciona como sede de la empresa desde 1871; en la Steingraeber-Rokokosaal, en la Kammermusiksaal Steingraeberpassage y en el Steingraeber Hoftheater tienen lugar setenta actuaciones. La fábrica se encuentra en pleno centro de la ciudad de Bayreuth.

Steingraeber & Söhne es una marca que ha recibido numerosos premios internacionales desde 1867 hasta hoy en día y en la actualidad Udo Schmidt-Steingraeber se encuentra al frente de esta empresa familiar en su 6ª generación. Se fabrican los modelos de pianos: 122, 130, 138 y cinco tipos de pianos de cola: A-170, B-192, C-212, D-232 y E-272.

F

örs ter August

El principio de la empresa AUGUST FÖRSTER, fundada en 1859 en Löbau/Sajonia, se basa en el respeto a nuestros 150 años de tradición en la fabricación artesana de pianos, en la utilización de materiales de máxima calidad y en el desarrollo de las exigencias individuales. Miles de maniobras manuales, entre ellas muchos trucos transmitidos de generación en generación, aplicadas en un proceso de fabricación de meses dan como resultado instrumentos maestros de la máxima calidad. La calidad y la individualidad son nuestras marcas distintivas. Sus amplios conocimientos sobre artesanía, su inventiva y su interés por lo nuevo han hecho del nombre August Förster un sinónimo de maestría en la fabricación de pianos. Hemos obtenido los elogios y el reconocimiento de pianistas, compositores y directores de orquesta de todo el mundo.

Puccini ya compuso, entre otras obras, sus famosas óperas "Tosca" y "MadamaButterfly" utilizando un piano August Förster.

AUGUST FÖRSTER: una parte de la historia de la música que en manos de los pianistas se convierte en un compendio uniforme de sonido, forma y fuerza interpretativa individual.

Si algún día su camino le lleva hasta nuestra empresa familiar, podrá sentir nuestros 150 años de tradición. Aquí se puede percibir el espíritu de sus cinco generaciones en cada rincón, en cada banco de trabajo, en cada herramienta y en las expresiones de los descendientes cuyos antepasados sentaron

E inau d i Ludovico

Ludovico Einaudi (Turín, 23 de noviembre de 1955) es un compositor y pianista italiano que destaca por el desarrollo de frases melodiosas en sus composiciones para piano. Representa uno de los éxitos de la música clásica contemporánea de los últimos años, no sólo por las ventas de discos, también por los conciertos realizados por todo el mundo.

Hijo del editor e intelectual italiano Giulio Einaudi y nieto de Luigi Einaudi que fue presidente de la república italiana del periodo 1948 al 1955; de niño su madre tocaba el piano con él. En 1982 se diploma en composición en el Conservatorio de Música Giuseppe Verdi de Milán con Azio Corghi. Ese mismo año recibe una beca para el Tanglewood Festival de Estados Unidos y continúa sus estudios con Luciano Berio. Tras pasar varios años componiendo en formas tradicionales, en 1986 comienza la búsqueda de un lenguaje musical más libre y personal a través de una serie de trabajos para danza, multimedia y más tarde para piano.

Ha realizado bastantes trabajos para el mundo del cine, recibiendo varios galardones internacionales : Grulla de oro por la banda sonora de Acquario en 1998 Echo Klassik por la banda sonora de Fuori dal mondo en 2002 Mejor banda sonora en los premio de la música italiana en 2002 por Luce dei miei occhi Mejor banda sonora en el Festival de Aviñón en 2004 por Sotto falso nome Actualmente reside en la región italiana de Piamonte.

Su música es ambiental, para meditar y a menudo introspectiva. Aunque no le gusta ser etiquetado como perteneciente a un estilo u otro se le suele considerar minimalista, etiqueta con la que el propio Ludovico está de acuerdo: “En general no me gustan las definiciones, pero ‘Minimalista’ es un término que significa elegancia y sinceridad, por lo tanto prefiero ser llamado minimalista a cualquier otra cosa”. Al igual que otros compositores minimal posmodernos, como Arvo Pärt, Brian Eno o Michael Hoppé, Einaudi está influido por Eric Satie, que puede considerarse como un precursor de este movimiento o estilo, del mismo modo que en pintura Edvard Munch lo fue para el expresionismo.

El productor del programa radiofónico "Hearts of Space", Stephen Hill, ha incluido en varios de sus programas recientes, parte de la obra de Ludovico Einaudi. El mismo Hill, lo ha catalogado un "minimalista contemplativo" y le ha dedicado un programa denominado "Divenire" como el título de uno de sus albums. En este programa, se incluyen piezas musicales de sus álbumes "Divenire", "I Giorni", "Le Onde", "Stanze", "Eden Roc" y "Sotto Falso Nome".

En 2011 dejó de ser un compositor para melómanos y minorías aficionadas al minimal y saltó a la popularidad mediática por ser el compositor de la banda sonora original del film francés Intouchables, de Olivier Nakache y Eric Toledano, la película europea más taquillera de la historia en todo el mundo.

korzeniows ki Abel

Abel Korzeniowski (nacido en Cracovia, Polonia, 18 de julio de 1972) es un compositor polaco de cine y teatro. Tras estudiar con Krzysztof Penderecki y graduarse de la Academia de música de Cracovia en 2000, participó en producciones cinematográficas de su país tales como Big Animal (2000), Tomorrow's Weather (2003) y An Angel in Krakow (2002). Luego de mudarse a Los Ángeles en 2006, compuso la banda sonora de varias películas estadounidenses, entre ellas, Battle for Terra (2007), Un hombre soltero (2009) y W.E (2012).

Por su trabajo en las bandas sonoras de Un hombre soltero y W.E. estuvo nominado al Globo de Oro en el 2010 y en el 2012, respectivamente. Por la primera ganó además el San Diego Film Critics Society Award. Además de su trabajo con bandas sonoras, ha compuesto música para Tiffany y BMW-i, la subsidiaria de autos eléctricos e híbridos de BMW.2 En 2012 realizó el arreglo del espectáculo musical y posterior álbum de Patricia Kaas Kaas chante Piaf (en español, «Kaas canta a Piaf»), con varios de los éxitos de Edith Piaf.

Diciembre 04, 2015