FABRICANTES LOCALES
TEMA A FONDO
ENTREVISTA DEL MES
ÁPODO AUTOMATIZA LOS SOPORTES PARA VÍDEO
EL AUDIOVISUAL YA NO SE ENTIENDE SIN EL USO DE DRONES
7 PREGUNTAS A ED ANTOJA, DIRECTOR DEL DOCUMENTAL EMPATÍA
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NÚMERO 5 - Abril 2017
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Fotografía de Ibai Adad
Rodaje de The girl from the song Black Rock, Nevada (EUA) Productora ESCAC Films
In Extremis Film: Mamá, quiero ser especialista de cine
Shoot&flash: lo quiero, lo reservo, lo alquilo
La Fábrica Naranja se estrena en el documental
In Extremis Film es una Institución que se dedica a formar especialistas de cine y ofrece diferentes servicios que abarcan casi integralmente todo lo relacionado con la acción cinematográfica.
Situado a las afueras de Barcelona, en el Prat de Llobregat, Shoot&flash ofrece un servicio de alquiler de estudio para sesiones fotográficas o para rodajes a unos precios muy competitivos.
La Fábrica Naranja es una productora audiovisual especializada en la realización y producción de videoclips que se está abriendo paso en el mundo del documental musical.
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AV MAGAZINE /Abril, 2017 / Nº5
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MAYO FILMS
Escápate a la naturaleza con Mayo Films
La productora está metida de lleno en la realización de una película de ficción coproducida con ESCAC Films y preparan el rodaje de un documental este mes de abril por distintas ciudades europeas como París, Berlín y Milán
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Les gusta narrar con imágenes utilizando el lenguaje propio de su formación como cineastas, ayudándose de diferentes realizadores a la hora de compaginar proyectos de cortes diversos. La productora especializada en comerciales para Internet y animación, Mayo Films, compagina los proyectos de publicidad con otros propios de cine que son los que les dan vidilla y les hacen levantarse con una sonrisa los lunes por la mañana al ir a trabajar. No son una productora como otra cualquiera: tienen unos principios de base naturalistas y revolucionarios que intentan plasmar en todos sus trabajos. En 2011, fruto de la frustración por la dificultad de encontrar trabajo en otras productoras, decidieron lanzarse a la piscina y crear su propia empresa. Desde 2013 operan de forma más seria, empresarialmente hablando, y aportan su granito de arena al cine con su bagaje audiovisual. Mayo Films nace de compañeros de la ESCAC apasionados del cine que deciden sacarse ellos mismos las castañas del fuego en el ámbito profesional. Ahora mismo, los socios principales son Irene Soler, encargada de la producción, e Ibai Abad, que es realizador. “Hemos ido poco a poco, aprendiendo mucho a base de errores empresariales”, señala Irene. Son jóvenes y tienen muchas ganas de desarrollar su propio concepto del cine en trabajos que ellos mismos intentan autofinanciarse. “Siempre hemos tenido la idea de hacer producción propia aparte de los proyectos en publicidad de nuestros clientes”, añade. Esa producción propia la llevan a cabo a través de videoclips, documentales o ficción: “Somos muy versátiles y nos gusta experimentar con diferentes formatos”. Estilo natural y puro Mayo Films es vitalidad y pureza; juventud y dinamismo; verde y naturaleza. “Mayo tiene que ver con el concepto de la primavera, volver a las raíces, todo lo que tiene que ver con la naturaleza y lo verde... También con la idea de ruptura y la revolución de Mayo del 68”, declara Ibai. La productora se nutre de estos conceptos y los aúna para crear un estilo propio muy naturalista. “El lema que tenemos es “Escápate a Mayo”, que es como escapar a un concepto de pureza”, señala Irene. Siempre que pueden, intentan incorporar esta teoría estilística al tratamiento narrativo, aunque se topan con un muro sobre todo en
Somos muy versátiles y nos gusta experimentar con diferentes formatos.
los proyectos de corte publicitario. En los proyectos de cine es donde pueden explotar al máximo estas ideas. “En nuestra producción propia es un elemento bastante recurrente, en este sentido”, aclara Ibai. La productora que se creó en un inicio para intentar comunicar ideas a nivel narrativo al espectador, intenta aprender con todo lo que hace. “Intentamos mejorar en cada proyecto, vamos al milímetro, frame a frame, sea cual sea la producción, tanto en publicidad como en cine, y nos nutrimos de todos ellos”, comenta Irene Soler. Les gusta narrar con imágenes utilizando el lenguaje propio de su formación como cineastas, ayudándose de diferentes realizadores a la hora de compaginar proyectos de cortes diversos. Unos son más estéticos, otros más narrativos y otros más técnicos, complementándose para poder tener un amplio abanico de posibilidades para ofrecer al cliente. “Lo bueno de tener variedad de estilos visuales o formas de mirar es poder escoger la persona idónea para cada proyecto”, afirma Ibai. Han trabajado para marcas como Granini, Nike y Novartis, y la lista sigue. “En publicidad no queremos solo ejecutar, sino aportar creativamente, dentro de las limitaciones que esta impone”, aclara Irene. La vitalidad y las ganas se ponen por delante en todos los trabajos como seña de identidad. “La juventud y esa energía de recuperar lo que se ha perdido, algo más puro, sí que está en todos los trabajos”, señala Ibai. Proyectos entre manos Están metidos de lleno en la realización de una película
coproducida con ESCAC Films, The girl from the song, que bebe mucho de esa inspiración de huída hacia la naturaleza. Es una adaptación del mito griego de Orfeo y Eurídice, pero con tintes modernos. Trata sobre un chico de Londres que va a buscar a su novia perdida en un festival, del estilo de Woodstock, en medio de un enorme desierto. Llevan casi dos años con esta producción y tienen previsto que se estrene este verano.
Paralelamente, trabajan en un documental que rodarán este mes de abril sobre la incertidumbre que viven los jóvenes en el momento de escoger una carrera profesional. El documental filmará la experiencia de 10 jóvenes que participan al proyecto de Zadig #InspiringYouth, el cual consiste en un viaje en Interrail por distintas ciudades de Europa, tales como Barcelona, París, Berlín, Milán y Girona, punto final del camino donde los chicos se reencontrarán en ese espacio idílico natural tan recurrente en los trabajos de la productora. “Los estudiantes participarán en la creación del documental de una forma muy libre ya que en realidad se trata de un experimento para descubrir alternativas para la orientación vocacional de los jóvenes”, aclara Irene, y añade que “lo que intenta transmitir es que se tendría que romper con la inercia que abarca la secundaria, bachillerato, carrera, master y trabajo, que es lo que parece que hacemos todos, y reflexionar sobre lo que realmente nos gusta y las habilidades que tenemos a la hora de escoger nuestra profesión”. La estructura del documental será bastante flexible, dejando que los chicos descubran por sí mismos. “Tenemos la tesis de que, como una serendipia, si los estudiantes viven experiencias de aprendizaje diversas, fuera del área de confort, descubrirán habilidades, talentos y pasiones inesperadas”, sostiene Irene. El proyecto se ha financiado con una beca de la Fundació Banc Sabadell y apoyados por la fundación Ship2b que da soporte a proyectos de impacto social, y con la ayuda de un crowdfunding, pero aun con todo, tiene muy poco presupuesto, por lo que el proyecto se llevará a cabo con poco material y equipo. Desde Mayo Films se lamentan de la poca inversión privada que hay para trabajos de este tipo y afirman que “uno mismo tiene que buscar la manera de levantar sus proyectos de la nada”. No crearon la productora para hacerse ricos, sino que querían llegar a
Uno mismo se tiene que buscar la manera de levantar sus proyectos de la nada.
alcanzar una retroalimentación dentro del medio y hacer crecer proyectos interesantes que les hicieran sentirse realizados y conseguir cierta proyección, tanto profesional como personal. “Cuando no tienes dinero para hacer este tipo de proyectos lo compensas con energía, habilidades y talento”, declara Ibai. Espacio de trabajo que les define El espacio donde están situados les define a la perfección, tanto en actitud como en su forma de trabajar. Comparten espacio con profesionales de disciplinas variadas en un coworking cerca de Arc de triomf, el MOB. ¿La causa? No quieren ser una productora más aislada de Barcelona. Creen en la transmisión horizontal de conocimientos y en la sinergia que se puede llegar a producir en un lugar de trabajo como este. “No te das cuenta de que te complementa y tienes todo un abanico de elementos horizontales de conocimiento que no te encierran en el cine”, comenta Ibai. Lo que tienen claro es que no quieren hacer refritos audiovisuales, sino que quieren hacer cosas originales y propias, que los clientes llamen a su puerta porque se reconozca su estilo. De este modo se quieren empapar “de otras cosas” para poder incluirlas en su trabajo. El MOB para ellos “es un espacio de vida y creación, no solo de trabajo”.La productora es joven, pero respira talento y vitalidad, ganas de crecer y expandirse, sobre todo a través de sus propios trabajos relacionados con el cine y la creatividad, pero sin desatender los proyectos comerciales y de publicidad con los que van aprendiendo día tras día.
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IN EXTREMIS FILM
Mamá, quiero ser especialista de cine
En In Extremis Film no solo forman a especialistas de cine, sino que también fabrican maquinaria propia y ofrecen un servicio integral de todo lo que tiene que ver con los efectos especiales en la acción cinematográfica y televisiva
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El objetivo de la empresa es conseguir que la profesión del especialista de cine llegue a ser reconocida y que la formación sea totalmente certificada y homolagada como estudios de rigor. “Mamá, quiero ser especialista de cine” no es la frase más escuchada en boca de lo más pequeños y tampoco es que sea esta una de las posibles profesiones que se cuestionen a la hora de pensar en su futuro. Pero se puede decir, con toda seguridad, que actualmente es una profesión en la que se pueden formar y hay personas que la sienten por vocación. Desde In Extremis Film han fundado una academia que instruye a los especialistas de cine y una plataforma para ofrecerles las herramientas básicas de protección legal y medidas de seguridad al desarrollar la profesión, con el objetivo puesto en la oficialización de los títulos y la profesionalización del especialista. En Barberà del Vallès, estrenando nuevo espacio en el polígono industrial, se encuentra In Extremis Film, una academia donde los alumnos no toman notas, sino que pegan patadas. En ella, se forman a los especialistas de cine, los que tendrán que saltar por los aires, prenderse fuego, tirarse de un coche ardiendo e infinidad de peripecias que ponen en riesgo su integridad física y que solo son aptas para iniciados. Esther Ballesteros, Project Manager y especialista de cine, señala que cuando ella empezó en la profesión no había ninguna institución como In Extremis Film. “Nuestro principal objetivo es que la profesión del especialista de cine empiece a ser reconocida, tanto a nivel de premios como a nivel laboral, además de que su formación sea totalmente certificada”, señala. In Extremis Film se fundó en 2012 por Lluis Rivera Jove y actualmente ya son doce personas en plantilla, todos ellos especialistas de cine que destacan en diferentes materias. La Institución In Extremis Film no es solo una academia de especialistas de cine, sino que es una empresa que se dedica de forma integral a todo lo que tiene que ver con la acción en la industria cinematográfica. Por un lado, forman a profesionales que serán dobles de acción con profesores cualificados y titulados en diferentes materias. Por otro lado, asisten a rodajes como coordinadores de los especialistas para dar apoyo y confianza a la hora de abordar su trabajo. Y, por último, desarrollan maquinaria propia, de la mano de su ingeniero, Ricard Barriga, y ofrecen diferentes servicios que van desde los efectos especiales físicos como explosiones y fuegos hasta ambientales como tormentas de arena, lluvia, nieve, etc. “Abarcamos los efectos especiales físicos, los efectos con especialistas de cine, la construcción de objetos ficticios para golpear a los actores y el desarrollo de maquinaria
propia como gira coches o estancias que se mueven”, señala Esther Ballesteros. Tienen la maquinaria necesaria para realizar toda clase de piruetas, acrobacias, giros, saltos, lanzamientos desde distintos puntos y alturas, caídas libres... Cuentan con uno de los airbags más grandes de toda Europa, que permite lanzar objetos y personas desde más de 23 metros de altura. Es un colchón de aire que absorbe todo lo que se le lanza, ya sean personas, coches o motos, y que tiene un color verde croma para ponerle el fondo que necesite el cliente.
La preparación mental es tan importante como la física.
La Academia De momento en la academia tan solo se imparte un curso de cuatro meses de duración que abarca un temario amplio, pero se quiere instaurar un segundo curso, algo así como un curso superior, para profundizar en la formación y conseguir más práctica. “La forma de trabajar es de menos a más”, apunta Sergi Subirà, profesor en la Academiay especialista. La metodología de enseñanza pasa por la memorización de la acción, la fase técnica y, a partir de ahí, se puede avanzar en decorarla para que sea la acción final que se busca. “En la academia el contenido es muy comprimido, así que hay que desarrollarlo entre semana para poder seguir avanzando”, añade. Las clases abarcan cuatro horas de duración y se imparten tres sábados de cada mes, doce sesiones más una en exteriores. Tocan acrobacias, lucha escénica, atropellos, caídas... Cada sesión empieza con un calentamiento previo para poner a tono el cuerpo y progresivamente van entrando en los diferentes elementos prácticos. “La preparación mental es tan importante como la física”, señala el especialista de cine. Todas las acciones que realizan no están exentas de riesgo, pero para que sea seguro hay que hacerlo con plena conciencia y dominio del miedo. El nivel del curso se adapta a cada perfil y forma física. “Tenemos en cuenta desde dónde parte el alumno y adaptamos la actividad a cada uno de ellos”, apunta. Todo es teoría y práctica a la vez, ya que se les enseña a razonar las partes físicas. “También es prueba y error: te ha dolido, entonces, has caído mal”, aclara Esther Ballesteros. En In Extremis te
Nuestro lema es 'toma única’ porque no te vuelves a exponer a la acción, no te vuelves a arriesgar y el rodaje sigue su curso al ritmo previsto.
forman desde lo básico hasta lo más excepcional, teniendo muy en cuenta la interpretación en las acciones. Después de la formación todos los alumnos que lo deseen tienen la posibilidad de entrar en la base de datos de la plataforma online para poder ser contactados en caso de dar el perfil que buscan las productoras. En esa base de datos se describe el aspecto físico del especialista, así como las habilidades adquiridas, y se adjuntan unas fotos y un reel del profesional. Especialista en rodaje Cuando una productora contacta con la institución, puede ser en busca de dobles que ejecuten las acciones peligrosas por los actores protagonistas o personajes que realicen una acción. “Producción contacta con nosotros, nos explica la acción que quieren realizar y, en base a ella, decidimos quién es el más cualificado para realizarla”, señala Esther Ballesteros. Intentan adaptarse al perfil en función de la talla o el volumen del personaje al hacer de dobles. Existe la figura del coordinador de acción, cada vez más apreciada por la seguridad que otorga al profesional, que es la persona que está en rodaje dando apoyo al especialista y haciendo de mediador con dirección. “Tener en tu mente la relajación y la confianza de que las personas que tienes a tu alrededor te respaldan y la empresa que te mueve hace las cosas como debe, es una maravilla”, declara Esther Ballesteros , y añade que hace cinco años no existía nada parecido. In Extremis Film pone al servicio de los profesionales protección, transparencia y claridad a la hora de la contratación, fidelidad en cuanto a tarifas y otorga seguridad en el desarrollo de la profesión a través de la coordinación en rodajes. “Nuestro lema es ‘toma única’ porque no te vuelves a exponer de nuevo a la acción, es decir, no te vuelves a arriesgar, y asi el rodaje sigue su
curso al ritmo previsto”, apunta Esther. Ya han trabajado para las míticas películas de acción de XXX, han colaborado en Rec, Anacleto, Agente Secreto, Tres bodas de más, entre otras muchas, además de televisión y publicidad. Para Esther lo más importante es estar preparado físicamente, ya que las acciones a veces no se hacen en una toma, sino que hay que repetirlas muchas veces por cuestiones del rodaje y, si no se está en forma, pasa factura. “Mi meta como especialista de cine profesional es que se valore la profesión y, si quieres que se valore, uno mismo tiene que tomárselo como tal, preparándose día a día, y que cada toma sea igual de importante que la anterior. De esta manera, conseguimos acciones con alto nivel de profesionalidad sin lesión alguna”, aclara. Perfil del alumno más allá del cine La formación del especialista de cine trasciende la profesionalidad. Hay muchas ventajas en ello más allá de la dedicación profesional y el perfil es más variado de lo que pudiera parecer en un principio. “Viene gente para superar miedos o para estar en su día a día más seguros”, afirma Esther Ballesteros. Hay personas que quieren tener mejores reflejos, saber actuar ante una situación rápida o personas que quieren perder el miedo a las alturas, por ejemplo. Es una forma de sentirse mucho más capaz en el día a día. “Una caída en casa, un resbalón, aunque parezca una ridiculez, es mucho más seguro”, añade. En In Extremis Film no ponen impedimentos para los alumnos: “No tienen por qué tener una forma física impresionante ni unas capacidades estratosféricas, solo hay que tener ganas, ser una persona constante y abierta de mente”.
SERVICIOS DE IN EXTREMIS FILM • Academia de especialistas de cine • Construcción de objetos ficticios • Desarrollo de maquinaria propia • Efectos especiales físicos
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FABRICANTES LOCALES
Ápodo automatiza los soportes para vídeo
La empresa navarra ha desarrollado un producto propio de Slider&Dolly, dos en uno, programable y motorizado
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Actualmente, tienen cuatro productos que comercializan pero están inmersos en el desarrollo de sistemas de movimiento automático por cable para cámaras de 360º. Ápodo nace en febrero de 2016, de la mano de profesionales multidisciplinares dentro del sector audiovisual y la ingeniería, que deciden indagar en el sector audiovisual en busca de un producto eficiente e innovador para la realización de vídeo con unas características no vistas hasta el momento. La empresa, con sede en la Comunidad Autónoma navarra, se dedica a la producción y comercialización de sliders y dollys motorizados de uso y portabilidad sencilla, y con unos acabados más que eficientes. Fruto de una investigación de mercado sobre las distintas soluciones que se podían encontrar para vídeo, tanto amateur como profesional, Pablo Goñi, ingeniero de diseño en el sector eólico y principal promotor de la empresa, junto con Íñigo Anton (productor de vídeo) y Miguel Goñi (fotógrafo), se dieron cuenta de que había sistemas motorizados, pero ninguno que aunara las características que andaban buscando. “Nos dimos cuenta de que existían los sistemas Dolly y los sliders motorizados, que ambos son interesantes”, apunta Pablo Goñi, pero no existía una solución que integrara los dos. Entonces, se dijeron: ¿Por qué no diseñar un sistema que fuera un híbrido y tuviera la opción de trabajar de las dos maneras? “De ahí, surgió la idea de crear el Ápodo Slider & Dolly que es nuestro primer producto”, comenta el promotor de la empresa. Los productos de Ápodo “Una de la ventajas de nuestro sistema motorizado y programable es que abarca cualquier velocidad de trabajo”, señala Pablo Goñi. Además, el sistema de
Rodear objetos, hacer barridos con diferentes ángulos, movimientos de acercamiento...
control, permite trabajar en modo automático, timelapse y stop motion. El mando de control desarrollado por Ápodo es simple, sencillo, intuitivo y de fácil usabilidad. De momento, tienen cuatro productos en su catálogo: Ápodo Slider & Dolly, Ápodo Compact (slider motorizado compacto), Ápodo Film (slider para cámaras de gran formato) y el accesorio de paneo/giro Ápodo PAN, pero están desarrollando más, siempre con el punto de mira puesto en la innovación. Muestra de ello es el desarrollo de sistemas para movimiento de cámaras 360º en el que están inmersos. Las guías a través de las que se desplaza el dolly motorizado para hacer las veces de slider, se reducen a la mitad de su tamaño. Además, otros pequeños detalles técnicos para montar y desmontar de manera rápida y sencilla, se hacen eco de la gran importancia que le otorga el equipo de Ápodo a la portabilidad. El producto más innovador, el Ápodo Slider&Dolly, puede
“rodear objetos, hacer barridos con diferentes ángulos y movimientos de acercamiento a un elemento sin que interfieran las vías por delante”, e incluso permiten un movimiento vertical. La medida estándar del slider es de 1’2 metros, aunque Ápodo ofrece la opción de solicitar unas guías fabricadas a medidas de hasta 3 metros. El Ápodo Compact es un slider motorizado más compacto y ágil de utilizar, de 40, 60, 120 cm de recorrido, que utiliza el mismo sistema de control que el Slider&Dolly. Por tanto, tiene las mismas capacidades de programación de movimientos, pero con una construcción mecánica más sencilla y es “perfecto para quienes realizan timelapse en exteriores”, señala Pablo Goñi. El complemento de paneo “permite añadir un segundo movimiento al slider para tener a su vez travelling y giro de la cámara”, añade. Además, todos los sliders que fabrican tienen la posibilidad de anclaje a trípode, lo que facilita enormemente su utilización no dependiente de las superficies.
Artesanía tecnológica En su pequeño taller desarrollan todo su producto y, exceptuando el corte por láser y la pintura de piezas, se encargan del resto de operaciones productivas: montan, ensamblan, calibran el equipo e incluso desarrollan su propia electrónica y programación. Además, utilizan técnicas como la impresión 3D, que les permite abaratar costes. Es, en palabras del propio Pablo Goñi, “casi artesanía tecnológica”. Ápodo tiene unos precios de salida muy competitivos con relación a las innovaciones que aportan sus productos y la calidad de los resultados. “Al interiorizar ciertos
Crear nuevos productos que permitan hacer cosas que hasta ahora no se han visto.
procesos productivos que normalmente no se incluyen en una empresa que hace este tipo de aparatos, junto a la simplicidad del diseño y la optimización de los procesos de fabricación que hay detrás, hemos logrado, poder desarrollar productos que normalmente realizan empresas con una estructura y costes mayores”, declara Pablo Goñi. “Nuestra política de precios es viable gracias a la optimización creativa de los costes de producción”, añade. La clave de Ápodo es la especialización y la innovación en el mercado manteniendo un precio asequible. “Por ello, aportamos soluciones centradas en el movimiento automático de cámaras, siempre de manera motorizada y buscando, de alguna forma, esas necesidades que aún no están cubiertas con los productos actuales o, incluso, crear nuevos productos que permitan hacer cosas que hasta ahora no se han visto”, sostiene. Actualmente, desarrollan sistemas de movimiento automático por cable para cámaras de 360º.
PRODUCTOS ÁPODO
Ápodo Slider&Dolly Slider motorizado automático y programable. Este sistema permite transformar un dolly motorizado en un slider en menos de un minuto. Mueve cámaras de hasta 3,5 kg. Con el dolly, puedes realizar traveling en línea recta y giros con forma de arco gracias a sus ejes inclinables.
Ápodo Compact Nuestro slider motorizado más económico, compacto y ágil de utilizar, perfecto para realizar timelapses en movimiento. Utiliza el mismo sistema de control que el Ápodo Slider & Dolly. Posibilidad de anclaje a uno o a dos trípodes. 3 longitudes disponibles: 60 cm, 80 cm y 1,2 m.
Ápodo PAN Sistema de paneo para dar movimiento de giro a cualquiera de nuestros sliders, controlable con el mismo mando que el resto de productos de la casa Ápodo. Permite añadir un segundo movimiento al slider para tener a su vez travelling y giro de la cámara
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ESTUDIOS Y LOCALIZACIONES
Shoot&Flash: lo quiero, lo reservo, lo alquilo
ESPACIO DIDÁCTICO
La elección del foco
A través de un calendario online se puede visualizar la disponibilidad del estudio y reservar desde la página web de forma sencilla, rápida y cómoda
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Por Noel Méndez Budia Área de cine de la EMAV
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En Shoot&flash tienen precios muy competitivos y no distinguen económicamente entre una sesión fotográfica o una grabación. Eric y Joan Martín están a la cabeza de Shoot&flash y, a la par, pertenecen a la productora Let’s Media, formando equipo con Carlos Cabrera y Estefanía Muñoz. A raíz de su experiencia con el alquiler de otros estudios fotográficos para la actividad de la productora, decidieron crear su propio lugar de trabajo para ponerlo a disposición del cliente que lo necesitara a un precio muy asequible y con todas la ventajas que a ellos les hubiera gustado tener cuando se veían en la necesidad de contratar los servicios de otros estudios. Shoot&Flash está situado a las afueras de Barcelona, en el Prat de Llobregat, muy próximo a la estación de Renfe y en una zona muy tranquila sin apenas tráfico. El equipo afirma que una de las cosas que más gusta a los clientes, aunque pueda parecer extraño, es precisamente la ubicación en esta zona. “A pesar de no estar en Barcelona, a veces, es más cómodo porque muchos estudios están en el centro de la ciudad y es necesario buscar parking o subir escaleras con el material”, apunta Eric Martín. El estudio da a una calle peatonal, con lo que la descarga de material se puede hacer de manera cómoda y sin prisa, y hay un parking abierto y gratuito a 2 minutos del local. Algo que es de agradecer por la comodidad y el ahorro económico. El estudio se compone de 120 m2 útiles con espacios bastante modulares y dos zonas independientes de trabajo: una con ciclorama de veinticinco metros cuadrados de base y otra con portafondos para vinilos y fondos de colores que se puede convertir en un aula para impartir clases. También una zona de descanso con café gratuito para clientes y un pequeño vestuario con doble espacio para maquillaje. Además, todo el estudio está preparado para la grabación. “Tenemos todos los techos preparados para absorber el sonido e insonorizar la estancia para la grabación de vídeo”, apunta Eric Martín. Ambas zonas de trabajo tienen un pack de iluminación estándar asignado que está incluido en el precio de contratación y, en caso de necesitar más servicios como alquiler de material adicional, más iluminación, croma o repintado del
ciclorama, Shoot&Flash lo gestiona. “Queremos ponerselo muy fácil al cliente desde que entra en nuestra página web hasta que se va del estudio”, afirma Joan Martín.
Queremos ponérselo muy fácil al cliente desde que entra en nuestra página web hasta que se va del estudio. Reserva online La mayor ventaja que aporta Shoot&Flash es su reserva totalmente automatizada a través de Internet. El cliente puede visualizar la disponibilidad del estudio a través de un calendario sincronizado, seleccionar los días y las horas en las que le gustaría disfrutar de los servicios del estudio, y reservar automáticamente a través del pago con tarjeta. Rápido, sin complicaciones y con total transparencia. En la página web están publicadas todas las tarifas con iva incluido, con lo que el cliente solo tiene que escoger la que más le conviene. Al día siguiente de haber hecho efectiva la reserva, alguno de los componentes del equipo se pone en contacto con el cliente para saber más sobre la actividad que va a desarrollar y las necesidades que requiere. “Una de las cosas que valoran más nuestros clientes es la atención personalizada que damos”, añade Joan Martín. En una oficina dentro del estudio, pero apartada de la zona de trabajo, se sitúa la productora Let’s Media, que está a disposición del cliente para solventar cualquier imprevisto que pudiera surgir. Una luz roja dentro de la oficina, característica de los platós radiofónicos y televisivos, avisa a los miembros del equipo de que en el estudio se graba para así poder guardar el respetuoso silencio que se requiere en los rodajes.
Contratación por packs En Shoot&Flash no se diferencia entre fotografía y vídeo: el cliente puede alquilar el estudio tanto para una cosa como para la otra sin sufrir cambio alguno en el presupuesto. El estudio se puede alquilar por horas, desde una hasta doce, que sería el día entero, o se puede alquilar por días y semanas completas. “Tenemos bonos para los fotógrafos con un trabajo asiduo y que gestionan el estudio como si fuera su propio espacio”, señala Eric Martín. Los bonos son de 15, 20, 25 o 30 horas y se van descontando las horas a través de un código de cliente introducido en el momento de hacer la reserva desde la propia página web. Es la forma más económica de tener un estudio de alquiler que puede salir por hasta 14 euros la hora. “Integrar el presupuesto del plató que alquilas a tu presupuesto para el cliente es complicado y como productora alguna vez hemos perdido algún proyecto por los precios desorbitados de otros estudios”,
Tenemos bonos para fotógrafos con un trabajo asiduo. añade Eric Martí. Las dificultades económicas al alquilar otros estudios les hicieron abogar por unos precios muy competitivos y apostar por una total transparencia a la hora de publicarlos en su página web. El estudio está preparado para todo tipo de sesiones fotográficas, castings y fittings, rodajes de vídeo o reuniones de equipos, workshops y talleres. Los hermanos Martín gestionan un estudio lleno de posibilidades y facilidades para el cliente, a quien se le tiene muy en cuenta para evolucionar e integrar cambios. Lo más importante para ellos es que “los clientes se sientan tan cómodos como en casa”.
no de los problemas más habituales a la hora de iluminar es desconocer los focos. Para poder escogerlos debemos entender sus aspectos básicos. Primero clasificaremos los focos en cerrados (si disponen de lente) o abiertos (no tienen lente). Esto determinará en alto grado la posibilidad de cerrar o abrir el ángulo de luz ya que los focos cerrados suelen tener mecanismos de control de la cobertura. Los fresnell, los par y los planocovexos (pc) son algunos de los focos cerrados más conocidos, llamados así por el tipo de lente que montan. En un foco abierto, la lámpara está a la vista y su capacidad para regular el ángulo de luz es pequeña y a veces inexistente. A esto debemos añadir que un foco abierto suele tener dos sombras al poseer un reflector para rebotar la luz que va en dirección contraria a la boca. Los focos abiertos más conocidos son los naranjitos, los softlight, los simétricos y ásimetricos, las fluorescencias y las pantallas de led. En general focos de gran ángulo y poca capacidad de regular su apertura. Esto nos lleva directamente al segundo punto que es el tipo de lámpara que monta el foco. Comprender las características de las lámparas es vital, ya que ellas determinan su temperatura de color, la calidad de la luz, el consumo y su posibilidad de dimerización. Actualmente hay 4 categorías, la primera la luz halógena basada en la termo radiación y con una temperatura de color de 3200K. Es un luz dura, con una capacidad de dimerización muy alta y gradual que nos permite acercarnos a la calidez del fuego (al bajar la potencia baja la temperatura), tiene un IRC casi perfecto de 98 pero un rendimiento muy pobre
de 20 lumen por vatio (W). La segunda los HMI y MSR basadas en la radiación eléctrica con una temperatura de color de 5600K, una fuente de luz dura y nítida que brinda un campo de luz enfocable y uniforme, su CRI suele ser de 92 y su rendimiento es muy bueno (80 lumen por vatio). Permite trabajar mezclando con luz natural sin miedo a sobreexposiciones. Sus inconvenientes: su baja dimerización (al bajar la potencia sube la temperatura de color) y el fliqueo. La tercera las fluorescencias con dos tipos de tubos: 3200K y 5600K. Una luz suave, hermosa, abierta con un rendimiento excelente (80 lumen por vatio), pero con una alta caída de su luminosidad por la distancia. Un fluorescente twobank de kinoflo pierde 5 nsftop en 5 metros, mientras que un hmi de 1,2kW en la misma distancia sólo pierde 2 1/3 nfstop. Otras desventajas son el fliqueo y su dimerización nunca gradual. La cuarta los leds basados en la luminiscencia y que suelen tener de 3200K a 5600K. Una fuente de luz dura, con un buen rendimiento (60 vattios lumen), regulables de 0 a 100 en su potencia y en su temperatura de color. Al ser dimerizados no deberían tener caida de la temperatura de color. Si bien existen tantos productos que no podemos generalizar. Con las lámparas leds deberíamos hacer dos clasificaciones, los que montan una lámpara enfocable (muy empleados para fresnel) y lo que montan múltiples en una pantalla. Sus inconvenientes son sobretodo en su versión de pantallas: múltiples sombras, luz cegadora, no se pueden usar viseras, y siempre hay que alejar los filtros de difusión para tener una luz suave de calidad.
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Alquiler de equipos audiovisuales para rodajes y sesiones de fotografía profesional www.avisualpro.es
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Blackmagic URSA Mini Pro 4.6K
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Diseñado para cámaras DSLR y vídeo y grabadoras de audio. Atenúa el ruido.
Potencia 100W, temperatura de color ajustable entre 3000K y 8000K y dimmer.
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AV MAGAZINE /Abril, 2017 / Nº5 ILUMINACIÓN
Brazo grúa telescópico X-Jib Alfons Grau Pitarch,
Director Gerente de Grau Luminotecnia, S.A. y blogger apasionado de la luz. Uno de los efectos secundarios de ir a la NAB en Las Vegas fue traernos la representación de un brazo de grúa un tanto peculiar, el X-Jib. El X-Jib podría definirse como la grúa telescópica apta para todos los bolsillos, pues su sistema de tijera, flexo, pantógrafo, acordeón o como queráis llamarlo, nos brinda un nuevo sistema que se adapta a la perfección a los sistemas auto-estabilizados para cámara. Así pues la grúa X-Jib es el complemento perfecto para todos los que tengáis un Ronin o Movi y queráis un efecto de acercamiento en vuestra producción; nuevos tiempos, nuevas técnicas, nuevos sistemas de trabajo.
montar en cualquier trípode de cámara con copa de 100mm, contrapesarlo con pesas de gimnasio y ponerle una cabeza auto-estabilizada Movi a Ronin con cámara ligera. No hace falta nada más, destreza tal vez, para dar un giro a vuestras producciones. Es un sistema realmente fácil de operar pues lleva un motor eléctrico progresivo para desarrollar el telescopio al mismo tiempo que os preocupáis del picado y el panorámico; también podéis acoplar el control de sistema auto-estabilizado pero eso ya sería en “modo experto”. El pequeño motor eléctrico que activa el sinfín para extender el brazo va alimentado
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TEMA A FONDO
El audiovisual ya no se entiende sin el uso de drones para las tomas aéreas
Los drones ocupan cada vez más el lugar de grúas o helicópteros en la captación de imágenes desde arriba por su versatilidad, agilidad y costes
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La tendencia es utilizar el dron como sustituto de los sistemas que hasta ahora se estaban utilizando en rodajes.
Allí donde no os podáis acercar con un travelling y un brazo de grúa o jib estándar llegaréis con la X-Jib, algo así como entrar por una ventana, entrar de frente sobre el plato que os está presentando el chef, pasar entre dos coches aparcados o seguir los pasos del personaje sin que se vean las vías; si la montáis sobre un travelling conseguiréis circular en dos ejes a la vez, multiplicando así el efecto cinematográfico que podéis conseguir, como podría ser seguir al actor por la acera y entrar al portal con él e incluso seguir sus pasos por la escalera. El brazo telecopico X-Jib también os permite realizar un plano ascedente sin perder el eje vertical, dicho de otra forma, sin realizar el arco que tienen los brazos estándar en su movimiento de picado. No os voy a descubrir todo lo que se puede hacer con una grúa telescópica así como tampoco os descubriré lo carísimas que son éstas; lo que si descubriréis es que ahora con la X-Jib se puede crear el efecto telescópico con un formato económico ya sea para cortometrajes, vídeos o reportajes sociales, y porqué no, para producciones con mayor presupuesto pero que necesitan equipo ligero por que tienen que subir a una montaña o simplemente rodar en un interior natural de una casa. Este brazo extensible tipo flexo da mucho juego y se puede
con una batería V-Lock, lo cual os libera a la hora de elegir localización. Hay dos modelos diferentes: - X-Jib Air de aluminio, con un peso de 16kg y una capacidad de 4kg, apta para una Ronin M y una cámara pequeña (Sony A7S, Canon 5D, Nikon D800 y Panasonic GH4). Alcance máximo del brazo de 4 metros. - X-Jib Pro de aleación de magnesio, con un peso de 24kg y una capacidad de 7kg, apta para una Ronin y una cámara ligera (además de las anteriormente citadas, también Sony Nex7, Canon 1Dc/C100/C300/C500, Red Epic/Scarlet y BlackMagic). Alcance máximo del brazo de 5 metros. Además, ambos modelos pueden cambiarse de emplazamiento sin necesidad de desmontar la cámara dado que cuando se recoge el brazo sigue estando equilibrado y ocupando el mínimo espacio. Cuando el brazo está alargado al máximo no se descompensa dado que la parte posterior con el contrapeso también se despliega ligeramente manteniendo el equilibrio y el operador sólo debe estar atento de dar un paso atrás o adelante cuando está operando el telescopio. Dada la diferencia de características nosotros hemos optado por traer la X-Jib Pro al poder realizar los trabajos con todas las cámaras citadas y su alcance de 5 metros.
Desde hace unos años el uso de drones se está implantando de manera generalizada en muchos ámbitos. Podemos encontrar estas pequeñas aeronaves manejadas por control remoto, haciendo múltiples tareas que facilitan sobremanera los trabajos que requieren de la captación de imágenes aéreas como, por ejemplo, en salvamento, prevención de incendios, análisis del terreno, elaboración de mapas, etc. Además, su uso en espectáculos, como las carreras de drones, ya son un divertimento que mueve a muchas personas. Las ventajas principales de los drones están en la agilidad, la versatilidad y los costes. Juanan Platas, piloto RPA y postproducción en Pepperpotts, afirma que el uso de drones ha permitido abaratar costes: “Hasta ahora, captar este tipo de imágenes, requería una planificación e infraestructura tecnológica bastante costosa que solo se podían realizar mediante helicóptero, con un gran coste económico, o con grúas o sistemas semifijos que simulaban tomas semiaéreas”. Y añade que, gracias a los drones, “se ha podido democratizar el uso de planos aéreos que hasta ahora estaban restringidos a grandes producciones publicitarias o a la industria del cine sin mermar por ello la calidad final de los planos”. Drones en el audiovisual El pasado mes de marzo tuvo lugar The Drone Show en Barcelona, un encuentro de dos días donde múltiples empresas de diferentes ámbitos y sectores hicieron eco de la importancia creciente de esta nueva tecnología aplicada en sus servicios. La importancia de los drones en el medio audiovisual se constata en la proliferación de empresas que ofrecen servicios de grabación de imágenes con este tipo de aeronave no tripulada, como Octocamvision, Dronair o Pepperpotts, que trabajan el ámbito de la televisión, el cine o la publicidad. “Dronair lleva casi cuatro años en el sector y, originariamente, el uso de drones, era algo muy desconocido en el ámbito audiovisual, pero ahora nos encontramos con que cada vez más productoras, para cubrir ciertos eventos, quieren imágenes captadas este tipo de tecnología”, declara Javier Carmona, Project Manager de Dronair y piloto RPA. Los equipos que más se utilizan en este ámbito son, en el 80% de los casos, un servicio con cámaras
Cada vez más productoras quieren imágenes captadas por un dron. DSLR como la GH4 o también los llamados ready to fly, como, por ejemplo, los de la marca DJI, Inspire o Phantom, ya que son muy económicos. “El problema de estos equipos es que la calidad de la imagen es muy pobre”, añade el especialista de Dronair. Los profesionales que optan por tener una buena calidad de imagen, con buenos sensores y ópticas, equipos realmente válidos para televisión, publicidad o cine, requieren un tipo de dron que pueda cargar con el peso de una cámara DSLR, Alexa o Red, que están entre 1,5 y 6 kg. “Nosotros trabajamos con aparatos bastante grandes y, aunque levanten peso, nos dan autonomía para rodar durante 12 minutos aproximadamente, lo que nos permite hacer tomas de planos completos”, comenta Javier Carmona. Además, el uso de estabilizadores de imagen casi garantiza que la imagen quedará exenta de vibraciones no deseadas provocadas por ráfagas de viento o movimientos bruscos del propio aparato que pueden acabar afectando a la óptica de la cámara. En rodaje lo ideal es que asista como mínimo un operador de cámara y un piloto RPA licenciado y con experiencia. En el caso de la empresa Dronair, dependiendo de las exigencias del proyecto, también acompaña un ingeniero por si pudiera haber algún tipo de contratiempo con el dron. “Es importante que acompañe el operador de cámara para hablar el mismo lenguaje que el director de fotografía y cosas concretas de set up de cámara”, señala. Formación y licencias Para manejar un dron no es necesario tener una formación específica, cualquiera puede hacerse con los mandos de esta aeronave comandada desde tierra. Ahora bien, para dedicarse profesionalmente a ello y obtener un beneficio económico por la actividad, sí, y es necesario estar certificado como piloto profesional por AESA, la Agencia Española de Seguridad Aérea. “El porqué es garantizar a quien contrata que esa persona está capacitada para
la realización de dichos trabajos, y también para emular un mercado muy joven, con mucho futuro y en plena expansión”, declara Juanan Platas. Los cursos para obtener el Certificado Oficial de Piloto de Dron (RPA) están cada vez más ofertados y demandados. Hay múltiples escuelas en Barcelona que permiten sacarse el curso básico por un precio que oscila entre los 800 y los 1200 euros, y se permite hacer de manera presencial u online. Se divide en una parte teórica de unas 60 horas y una parte práctica de 10, aunque varía dependiendo del curso y de la escuela que lo ofrezca. La normativa vigente prohíbe el vuelo de drones cerca de las inmediaciones de aeropuertos, en aglomeraciones de gente y núcleos urbanos. No cumplir con la normativa puede suponer una multa de hasta 180.000 euros, tanto para el operador del dron como para la compañía que lo contrata. “Lo primero que hacemos es valorar la ubicación y decirle al cliente de entrada si ese trabajo se puede realizar o no”, sostiene Javier Carmona. En el caso de que se deban captar tomas en zonas con aglomeraciones de gente, el protocolo a seguir de Dronair es hacerlas desde una sector perimetral que no pone en riesgo la seguridad de las personas. Además, añade que, cuando el dron está volando a 40 o 50 metros sobre la tierra, es muy difícil notar la diferencia, por el ángulo de altura, entre estar justo encima de lo que se capta o a unos kilómetros de distancia. Desarrollo En cuanto al desarrollo de la tecnología, lo que sigue es “ofrecer soluciones personalizadas, cada vez más potentes, estables y seguras, en las que poder montar equipos de alto rendimiento; y, por otro lado, está el desarrollo de equipos all-inone, donde las cámaras ya van incorporadas en el dron, pero con una evolución, tanto de los drones como de las cámaras, para poder ofrecer mejores resultados”, apunta Juanan Platas. Y, en cuanto a las prácticas aplicadas en el audiovisual, tenderá cada vez más a que “en las producciones, tanto de series como de cine o televisión, se usen, no solo para la captación de imágenes aéreas, sino también (como ya se están usando) como sustitutos de las grúas, steadycam o para seguimiento de vehículos”, señala Javier Carmona. Es decir, que la tendencia es sustituir muchos métodos que hasta ahora se estaban utilizando y que van a suponer un ahorro de costes para las producciones por el hecho de poder desarrollar múltiples sistemas de grabación en uno.
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AV MAGAZINE / Abril 2017 / Nº5
LA FABRICA NARANJA
La productora se estrena en el documental
La Fábrica Naranja está preparando su segundo documental musical: un proyecto sobre la vida y obra del músico catalán Peret
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Para ellos, en el documental es tan importante el contenido como la forma estética, muy al estilo del videoclip que es de donde se nutren y de lo que no se pueden despegar. La Fábrica Naranja es una productora audiovisual especializada en la realización y producción de videoclips que, ahora, se está abriendo paso en el mundo del documental musical. Su primer trabajo en este campo, Casamance, es un documental musical protagonizado por el músico Depedro que está teniendo muy buena acogida por el público y utiliza una nueva fórmula de distribución que le permite, como película independiente, estrenar en cines. Paloma Zapata está a la cabeza de esta productora, que empezó siendo una suerte de coworking de diferentes talentos relacionados con bellas artes, diseño gráfico y audiovisuales. Venida del mundo de la ilustración y el cómic, descubrió que le apasionaba la imagen, y desde 2008 se dedica a la publicidad, los videoclips y, ahora, los documentales musicales. “La publicidad es lo que nos da de comer porque es lo que más presupuesto tiene, pero el videoclip es lo que más nos gusta, por eso es lo que más trabajamos”, declara Paloma Zapata. Distribución con Screenly El documental Casamance se ha distribuido a través Screenly, una nueva distribuidora que utiliza una fórmula poco convencional, nutriéndose de las ideas de base del crowdfunding. Solo llevan un año y medio trabajando en España, pero parece que se están adaptando bien. Tienen acuerdos con
salas de cine y se producen proyecciones de forma colaborativa, es decir, se propone un proyecto en una de las salas en las que tienen acuerdo y, a través de la página web, los espectadores compran las entradas por anticipado. Para que el pase se lleve a cabo se debe llegar a un número mínimo de entradas vendidas. “Es una nueva fórmula que permite a proyectos de corte más independiente como Casamance estar en el cine”, añade Paloma. En su estreno en Barcelona, el 8 de febrero, se llegó a sold out con 300 entradas vendidas y están pensando en hacer otro reestreno. Ya se han hecho pases en Madrid y Vigo, y en abril se proyectará en Murcia, entre otras regiones aún pendientes por confirmar. En cuanto a su distribución internacional, ha estado en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara, en México, y este mes estará en el Curaçao Internacional Film Festival Rotterdam. “Estamos muy contentos, ha sido una grata sorpresa”, declara su directora. Casamance Casamance es un documental independiente que se financió mediante crowdfunding. Está rodado en Senegal y cuenta con la presencia de Depedro, quien trabajó con Calexico, y Ángel Carmona de Hoy empieza todo de Radio 3. “El documental es un viaje que hace Depedro en Senegal, de norte a sur, con diferentes encuentros musicales”, comenta la directora del proyecto. Se trabajó durante 3 años, compaginándolo con el resto de trabajos de la productora, y se rodó en diferentes puntos de Senegal durante un mes. Casamance es fruto
Una nueva fórmula de distribución permite a proyectos independientes estar en el cine.
de una idea que surge de las raíces africanas del músico Depedro, con quien Paloma ya había trabajado realizando alguno de sus videoclips. La investigación desde Barcelona fue uno de los procesos más importantes junto con el montaje, ya que desde la capital catalana, Paloma, contactó con un melómano griego que le proporcionó el punto fuerte del documental: tenía unas grabaciones inéditas de un productor que había grabado durante los años sesenta a casi todos los grupos senegaleses de la época. Entre ellos, destaca un grupo con mucho talento y en Casamance se juntan de nuevo para tocar con Depedro. El guión, en este sentido, se hizo y rehizo múltiples veces, ya que el documental tiene mucho de improvisación y de suerte. “Salían cosas y no las queríamos perder al centrarnos en el guión, sino que queríamos vivirlas, experimentarlas, registrarlas, y grabamos mucho material de cosas que iban
sucediendo”, declara Paloma. Se rodó con dos cámaras Panasonic GH4 porque al director de fotografía, Iñaki Gorraiz, quien colabora en muchos de los proyectos con la directora, cree que da muy buenos resultados en cuanto a color. Y lo cierto es que “a la gente le ha gustado mucho la fotografía, sobre todo en pantalla grande”. Salieron desde Barcelona con un pequeño grupo de rodaje y allí, en Senegal, les esperaba un equipo local de producción, localización e intérpretes. Pero el trabajo más complicado de Casamance fue el montaje. “Volví a hacer el guión entero por escrito una vez realizado el rodaje, porque con un proyecto de 90 minutos necesitas un guión y una estructura, y la que teníamos no servía”, afirma la directora.
Nuevos proyectos documentales Ahora están metidos de lleno en la producción de un nuevo documental musical sobre la vida personal y profesional de Peret. “Me pareció un proyecto muy interesante porque Peret fue alguien que se hizo a sí mismo, y su trayectoria vital y musical da mucho juego para hacer un documental”, comenta Paloma. El proyecto está en proceso de búsqueda de financiación y su plan es rodar en septiembre para estrenarlo en el Festival de San Sebastián. La productora que, sobre todo, ha hecho videoclips en sus casi 10 años de vida, tiene un estilo muy cinematográfico en el tratamiento de la imagen. “Estamos haciendo un formato más largo, más estilado al cine, más documental de autor, más creativo”, declara. Para ellos es tan importante el contenido
La industria musical empieza a aceptar que el videoclip tenga un autor y un valor artístico y cinematográfico.
como la forma estética de trabajarlo, muy cercana al videoclip que es de donde se nutren y de lo que no se pueden despegar. Paloma sostiene que el videoclip ha cambiado mucho desde que empezó en los años noventa hasta ahora. Cada vez se considera más al autor y en muchos festivales proliferan los espacios dedicados a este género. “La industria musical empieza aceptar que el videoclip tenga un autor y un valor artístico y cinematográfico”, apunta. La Fábrica Naranja apuesta por un tipo de vídeo musical con un mensaje detrás de las imágenes, contar una historia, porque creen que la pieza tiene más valor si transmite algo y tiene un discurso propio. “A nivel audiovisual, entre tanta información, hay que destacar o hacer algo diferente”, señala la directora. Les encanta hacer videoclips, pero declaran “que hacer cine es mucho más gratificante”.
MONCADA Y LORENZO
Teradek BEAM para controlar cámaras PTZ y otras aplicaciones
B
EAM es uno de los codificadores H.264 de Teradek. Capaz de transmitir vídeo de forma inalámbrica hasta de 760 metros y con la posibilidad de un montaje portátil en la trasera de la cámara, es un equipo ideal para aplicaciones ENG, por ejemplo, para el envío de vídeo Full HD a una unidad móvil. Con sus entradas y salidas 3G-SDI y con elegir el tiempo de montura (en V o Gold Mount), BEAM es capaz de integrarse perfectamente con las cámaras profesionales más populares. Su pantalla OLED posibilita una configuración rápida del equipo, y un puerto RS-422 ofrece
un control remoto de la cámara. A través de este puerto serie también es posible controlar cámaras compatibles con un Baud rate seleccionable de hasta 384 k/bits. Control de cámaras PTZ con BEAM Además de ofrecer una potente solución para la transmisión de audio y video a través de un enlace inalámbrico, Teradek BEAM también soporta el control IP de las cámaras PTZ a través del puerto LAN, convirtiéndose en una solución completa para este tipo de equipos. El codificador realiza una transmisión H.264/ RTSP o MPEG-TS de las cámaras PTZ. Basta
con activar la pestaña de Ethernet sobre WiFi. Cuando se establece en Activado, los puertos Ethernet de Beam se puentean a través de la conexión inalámbrica. En un entorno de red típico, no se requiere configuración adicional para que otros dispositivos de red se comuniquen a través de la conexión puenteada. Las otras posibilidades de BEAM Como decíamos, el transmisor de largo alcance de Teradek utiliza compresión H.264, y puede transmitir hasta 15 Mbps de manera
inalámbrica con sólo 2 frames de latencia. Cuando se conecta a una LAN, el dispositivo puede transmitir Imagen del equipo Teradek BEAM. hasta 30 Mbps. Además del control de las pan-tilt-zoom, decodificadores Beam también pueden actuar Beam puede transmitir también hasta a como un servidor RTSP, ‘re-distribuirá’ el cuatro receptores simultáneamente, lo que vídeo directamente a una red local. Por último, permite enviar el contenido a varios destinos el equipo cuenta con un canal IFB bidireccional sin pérdida de calidad visual o demora.Beam dedicado, que permite la comunicación directa admite los protocolos RTSP y MPEG-TS. Los con el operador de cámara.
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AV MAGAZINE /Abril, 2017 / Nº5
AV-NEWS
7 preguntas a Ed Antoja ENTREVISTA DEL MES
Serielizados Fest
El parque de atracciones para todos los amantes de la ficción televisiva
Del 19 al 22 de abril se celebra en Barcelona un festival dedicado a las series, Serielizados Fest, cuya sede principal será el CCCB. En él se proyectarán diversas series nacionales e internacionales como Valkyrien y Twin Peaks, y dentro del marco del evento tendrán lugar numerosas charlas y coloquios
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Empatía se estrena el 7 de abril en alrededor de 20 cines de distintas ciudades de España. Es un documental con un tratamiento metacinematográfico que nos introduce en la temática del veganismo a través de un personaje escéptico y ajeno a ese mundo, con toques sutiles de humor. El proyecto está coproducido por FAADA, Fundación para el Asesoramiento y Acción en Defensa de los Animales, y La Diferencia, productora especializada en publicidad fundada y dirigida por Ed Antoja, director y personaje principal en Empatía. Desde que la productora se creó en 2003 se ha especializado en publicidad, compaginando trabajos por encargo con proyectos propios de cine. Están preparando un nuevo documental sobre la conveniencia de perseguir los sueños y las crisis que se derivan de ello, que ya ha obtenido reconocimientos y premios.
como los creativos en el mundo de las series o humor basado en hechos reales, entre otras muchas. Desde el festival quieren dar visibilidad a los showrunners para que expliquen su visión del mundo. Un festival que apuesta por uno de los entretenimientos estrella que cada vez tienen más adeptos: las series.
DE SHOPPING
POSTACHE, una iniciativa original de postales polaroid de la ciudad
Postache es una iniciativa de unos fotógrafos con ganas de hacer cosas originales. Así, comercializan en distintos puntos de la ciudad imágenes bonitas hechas por ellos mismos y en formato fotográfico de polaroid, para los más nostálgicos y para alimentar esa necesidad de lo retro que impera hoy por hoy. Las imágenes se pueden encontrar en
tiendas de souvenires de Barcelona, sobre todo por la zona del Born y Gòtic, y en su página web. Cuestan un euro y ahora están desarrollando nuevos productos como imanes para la nevera. La característica principal de estas fotos es que están hechas por ellos mismos, son imágenes de distintos puntos de la ciudad y están tratadas por profesionales.
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Siempre es más importante el contenido que la forma, pero, me parece que, en el campo del documental, desatender la forma juega a la contra.
1
> ¿Cómo se ha gestionado la producción y la realización de Empatía? Lo primero de todo era buscar la forma de enfocar el proyecto a nivel narrativo. Una vez definimos el enfoque, la producción la tuvimos que ir combinando con otros proyectos que estaban en marcha en La Diferencia, que es la agencia-productora de publicidad que dirijo. Al tener que estar en el día a día de la agencia, Empatía se ha alargado en el tiempo. Contrariamente a como se trabaja habitualmente, para hacer Empatía no escribimos primero un guion, para después rodar y postproducir. Sino que hemos ido rodando, parando, reflexionando, escribiendo partes del guion y volviendo a rodar. A nivel de producción hemos tenido rodajes con un equipo de entre seis y siete personas con sonidista, jefa de producción, primer cámara, director de fotografía y segundo cámara. Las escenas de entrevistas las hemos rodado con dos cámaras Blackmagic y las escenas más sencillas de seguimiento -de narración del día a díaestán rodadas con una sola cámara.
2
> Es como un metadocumental en sí mismo... Es un documental dentro de un documental, así que tiene dos narrativas distintas: por un lado, la que sería el formato más de reportaje con las entrevistas a expertos, y, por otro, la parte metadocumental de Ed como personaje realizando un documental, haciendo entrevistas en las que sale en pantalla o en conversaciones con su entorno
laboral, familiar, etc. Esta última parte es la que hemos rodado con multicámara.
3
> ¿Cómo es eso de dirigir y salir en pantalla como personaje protagonista? Tiene pros y contras. A mí me gusta marcar los planos como realizador pero estar al lado de la cámara y estar en el plano acaba siendo imposible. Tienes que confiar en el director de fotografía. El tipo de producción es de cámara estática todo el tiempo. No hay seguimientos ni movimientos importantes, así que hemos funcionado plantando la cámara y haciendo que la acción pasara delante. Ha sido complicado en el sentido de que no me podía obsesionar con el encuadre o la estética perfecta, pero por otro lado la ventaja ha sido la disponibilidad para los días de rodaje por ser yo mismo el hilo conductor de la historia. El tema del distanciamiento quizás ha sido lo más difícil de llevar porque el personaje principal es a la vez director, productor, guionista... En algún momento en el que he sentido que estaba perdido he tenido que recurrir a mi vida real, ver cómo lo viví y cómo lo experimenté para ver cuál era el siguiente paso.
4
> ¿Esas entrevistas eran guionizadas? No había guiones en las entrevistas ni cuando hablo con la gente del equipo ni con amigos. Lo que hago cuando pregunto es recrear cosas que ya me han dicho alguna vez. Es verdad que esas cosas me las han dicho por primera vez fuera de cámara, pero
lo único que hago es volverles a provocar para que digan lo que han dicho siempre. Mucha gente se cuestiona hasta qué punto puede ser realista una conversación informal, con un amigo o con mi madre, desde el momento en que es grabada. El documental está ficcionado en el sentido de que hemos puesto las cámaras, pero las conversaciones son reales. Lo único que hacemos es provocar que esa conversación vuelva a surgir frente a la cámara.
5
> ¿Consideras más importante el contenido que la forma en un documental? Siempre es más importante el contenido que la forma, pero me parece que en el campo del documental desatender la forma es algo que juega en contra. Hay gente que puede ver el estilo de este tipo de documentales como comerciales o ficcionados, pero considero que se puede contar algo importante mientras se cuida la forma. Nosotros hemos querido aportar nuestra experiencia en publicidad a la hora de narrar, por eso mezclamos planos subjetivos, buscamos planos que siempre sean estéticos y mezclamos entrevistas y reportajes con partes más ficcionadas. Lo que hemos querido hacer es unir lenguajes distintos: publicidad, ficción y reportaje. Pero el contenido siempre va primero.
6
> Quizás la forma depende mucho del presupuesto... Yo creo que realmente no tiene mucho que ver con el presupuesto porque, al final,
encuadrar o no encuadrar bien no depende del dinero que tengas. Nosotros no hemos localizado, no hemos buscado ambientes bonitos, ni hemos ido a buscar los planos. Lo que sí hemos hecho es buscar una estética limpia, que no tiene que ver con el presupuesto. Tenemos la gran suerte de ser una empresa que ya funciona con una estructura fija: director de arte, diseñador gráfico, editor... Hemos podido disponer de todos esos recursos en la realización del proyecto, así que el resultado es un documental que, además, gráficamente tiene sentido.
7
> ¿Cómo se ha financiado el proyecto? Es un proyecto de bajo presupuesto: una coproducción a partes iguales entre FAADA, que ha aportado recursos económicos, y La Diferencia, que ha aportado horas de trabajo y habilidades. Por otro lado, otra parte del documental se ha financiado con Verkami. Antes de que nosotros entrásemos en el proyecto, FAADA había organizado un crowdfunding y los mecenas también han hecho posible que este documental se haga realidad. El gran objetivo de este proyecto para FAADA era llegar a sensibilizar con el contenido. Para nosotros también era una oportunidad de sensibilizar, porque estamos comprometidos con el tema, y también de buscar visibilidad para la productora y ganar experiencia en este tipo de proyectos. Además, queríamos ver si este tipo de documentales podían tener salida comercial y ser rentables.
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Artemis es la aplicación ideal para los directores. Funciona como un visor de director convencional pero con todas las ventajas que ofrecen los smartphones. Se selecciona la cámara a utilizar, la óptica y la relación de aspecto, y a través de la cámara del teléfono podemos capturar las imágenes con el mismo campo de visión que lo haría la cámara seleccionada. En la base de Artemis se incluyen cámaras como Alexa digital, Arri, Red One, películas de 35 mm, 16 mm, anamórifico, etc. Además se pueden añadir cámaras de manera personalizada. El único pero: es una de las app más caras, aunque merece la pena adquirirla.
Blackmagic lanza su nueva cámara URSA Mini PRO 4.6K
Celebrado el 29 de enero.
Blackmagic ha lanzado al mercado una nueva cámara, la URSA Mini Pro 4.6K con nuevas especificaciones. La cámara es ideal para proyectos cinematográficos, uso en estudio y emisiones en directo. Como la denominan ellos mismos, es la cámara 3 en 1. Puede grabar en 4.6k hasta 60 fps y en 2k en 120 fps. Tiene filtros ND incorporados, con un alto rango dinámico de 15 stops, con monturas intercambiables EF, PL o B4, y sensor de 4.6K que permite una alta resolución de imagen. Es una cámara ligera y ergonómica, diseñada con una aleación en magnesio, y con un sinfín de prestaciones que hacen que sea una cámara a tener en cuenta.
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27/04 al 07/05 D’A Film Festival, Festival de cine de autor de Barcelona. #eventos #festivales #cineindie #cinedeautor #Barcelona #cortometrajes
AV MAGAZINE / Abril 2017 / Nº5
07/04 El otro lado de la esperanza. A. Kaurismäki
21/04 La Alta Sociedad, Bruno Dumont
07/04 Life, Daniel Espinosa
21/04 La profesora, Jan Hrébejk
12/04 Negación, Mick Jackson
21/04 Stefan Zweig: Adiós a Europa, Maria Schrader
12/04 I Am not your Negro, Raoul Peck
28/04 Dancing Beethoven, A. Aguirre
12/04 Nieve Negra, Martín Hodara
28/04 La chica dormida, R. Myers
12/04 Rosalie Blum, Julien Rappeneau
28/04 Lady Macbeth, William Oldroyd
Obtenido de estrenosdecine.net
Pasatiempos Sopa de letras
EDICIÓN DE IMAGEN Y SONIDO 1. PHOTOSHOP 2. FINAL CUT 3. PRO TOOLS 4. PREMIERE 5. LIGHTROOM 6. ILLUSTRATOR 7. AUDITION 8. DAVINCI 9. AFTER EFFECTS 10. CUBASE
Festival Obiols
11. CAPAS 12. TIMELINE 13. RENDER 14. FORMATO 15. KEYFRAME 16. EFECTO 17. FADER 18. MULTIPISTA 19. MÁSCARA 20. COMPOSICIÓN
ZOOM OUT D’A FILM FESTIVAL El Festival de Cine de Autor de Barcelona
Del 27 de abril al 7 de mayo se celebra en Barcelona la séptima edición de este festival dedicado al cine de autor y cine independiente contemporáneo. Acercan al público las obras más interesantes del año, tanto internacionales como nacionales que queda al margen de la gran industria. Además, dan cabida a las películas que han tenido recorrido en diferentes festivales internacionales. El Festival se inaugura con el estreno de Lady Macbeth, del director William Oldroyd, el 27 de abril, película que fue galardonada en el Festival de San Sebastián. Dentro del marco del D’A encontramos diferentes secciones como Talents, dedicada a aquellos que debutan en el cine con menos de 3 obras en su haber. Un impulso colectivo es una sección que descubre a una nueva generación de autores que producían de manera independiente a la industria cinematográfica. Como cada año, encontramos una retrospectiva, esta vez dedicada al director mexicano Amat Escalante, en colaboración con la Filmoteca de Cataluña. El festival contará con la presencia del autor que hablará de su obra controvertida, a menudo tratando temas de corte social. También contarán con un tributo a Kiarostami, proyectando uno de sus últimos trabajos, entre otras muchas secciones más como Direccions, dedicada a nombres consolidados del cine mundial, o Transicions, dedicada a talentos emergentes que empiezan a ser reconocidos por su obra. El festival viajará a diferentes ciudades de Cataluña y España una semana después de su celebración en Barcelona, gracias a la movilidad y la descentralización del mismo a través de D’A Tour 2017.
Número de depósito: B2491-2017
¿Cuánto cuesta una selfie? Roda de Ter y Les Masies de Roda han organizado un festival la mar de curioso: un concurso selfie-autoretrato. Lo que se pretende con ello es que el autor/ autora de la obra se retrate a sí mismo/misma dando la suficiente información sobre su persona, su vida y su mundo, de la manera más creativa posible. Se establecen dos categorías, susceptibles de ganar sendos premios de 700 euros, entre otros, una por la categoría fotográfica y otra por el vídeo. El 16 de abril es la fecha límite para entregar las obras que se pueden enviar a través de Internet bajo seudónimo a este festival original y creativo, no apto para vergonzosos.
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Adivinanza ¿De qué película es este fotograma?
Adivinanza del fotograma del número anterior: Blade Runner, de Ridley Scott (1982)
La cita célebre del mes Una película es (o debería ser) como la música: debe ser una progresión de ánimos y sentimientos. El tema viene detrás de la emoción; el sentido, después. Stanley Kubrick
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AV MAGAZINE /Abril, 2017 / Nº5
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