AV Magazine - Número 7 - Junio 2017 by AVisual

ESTUDIOS Y LOCALIZACIONES

TEMA A FONDO

ENTREVISTA DEL MES

OPEN ESTUDIO, UN ESTUDIO DE FOTO ECONÓMICO Y COMPLETO

LA INFINIDAD DE POSIBILIDADES PROVISTAS POR EL VÍDEO INTERACTIVO

8 PREGUNTAS A JOAN GONZÁLEZ, EL DIRECTOR DE DOCSBARCELONA

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NÚMERO 7 - Junio 2017

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¡TU RODAJE EN PORTADA!

Rodaje del cortometraje“X”

Envíanos tus fotos y publicaremos la mejor info@av-magazine.es

Dirección: Raquel Choy – Localización: Los Monegros Productora: Cineacciones Producciones

AlterMov V2 ROD PRO, un eficaz chaleco estabilizador

Professor Film, el nuevo paradigma de la educación

ITES, una escuela conectada con el mundo profesional

Diseñado para liberar las manos sin tener que soltar la cámara y para aliviniar el propio peso del equipo, el chaleco AlterMov deriva de la proeza técnica para los camarógrafos del mundo entero.

Entre coaching y productora, el equipo de Professor Film revisita el e-learning, los vídeos didácticos y se propone acercar el mundo audiovisual y el visionado online al de los métodos educativos.

ITES no es sólo un centro de formación audiovisual, los alumnos, ﬁnalizados sus estudios, pueden disponer de los recursos y espacios de la escuela a ﬁn de desarrollar proyectos audiovisuales o de proseguir con su formación.

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AV MAGAZINE /Junio, 2017 / Nº7

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ESTUDIOS Y LOCALIZACIONES

Open Estudio: un estudio fotográﬁco lowcost

Ubicado en el barrio de El Guinardó, se caracteriza por aliar precios económicos a prestaciones técnicas y equipación completa, todo ello dentro de unos espacios minuciosos y en sintonía con la tendencia del momento

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Open Estudio dispone de tres espacios –o sets– que por sus características singulares, minimalistas y de tendencia se adecuan fácil y cómodamente a cada necesidad y proyecto fotográfico. Al pie del elevado y tranquilo Parc del Guinardó encontraréis Open Estudio, un espacio fotográfico diversificado y económico que integra un plató con ciclorama de obra de 32m² con una zona para fondos. Uno de los aspectos que lo diferencian del resto de los estudios reside en el hecho de que dispone de distintos ambientes; en efecto, la mayoría de los locales con propuestas similares suelen integrar o bien plató o bien localizaciones, dificultándose el hallazgo de un lugar que comprenda ambos recintos –como es el caso en Open Estudio. Así, por ejemplo, podréis alquilar el espacio por hora a partir de 25€ –sin IVA– para la tarifa de fotos. Situado en una calle peatonal, el estudio tiene acceso directo para carga y descarga y está a quinientos metros del primer parking. Se encuentra muy bien comunicado con todo el resto de la ciudad condal ya que se encuentra cerca de la línea 4 del metro y a cincuenta metros de las paradas de los autobuses H6, 32, 39 o 55 hacia ambas direcciones. Prestaciones Con motivo del cambio de propietario que se llevó a cabo hace un semestre, el estudio se reformó por completo: se cambiaron las instalaciones eléctricas, los fondos y los espacios, así como, a su vez, se montó una cocina-oﬃce junto al set. El nuevo dueño, Marc Diez, que posee una trayectoria como fotógrafo, supo aplicar sus conocimientos técnicos y vivencias en este proyecto, se movilizó e implicó plenamente para brindarle al local una notable característica: dentro del entorno económico en el que se enmarca el estudio, buscó a que sea lo más completo tanto a nivel técnico como a nivel de recursos puestos a

Está todo pensado para presentar ambientes de tendencia para que puedan acceder los diseñadores que no tengan mucho presupuesto.

disposición. Asimismo, en la tarifa se ofrecen tres luces, tres flashes con muchos accesorios modificadores, así como pórex y fondos de colores –que varían conforme se sucedan las temporadas y sus respectivas tendencias– que están disponibles de manera gratuita, siempre y cuando no se pisen o marquen, naturalmente. Los espacios y sus características Respecto a los ambientes, en palabras de Marc: “Están decorados de una manera minimalista y pensados en adecuación con los colores de tendencia –como lo serían el amarillo pálido, el beige, el gris mineral, el rosa cuarzo o el verde azulado este año, por ejemplo. También existe otro espacio llamado el Greenery Spot que se caracteriza por un papel estampado verde. En total, son tres espacios y ambientes. Luego, dentro de cada uno de ellos, encontraréis distintas utilidades y paredes de diferentes

colores que multiplicarán considerablemente las opciones de diversidad fotográfica”. En el primero distinguiréis una pared de ladrillo blanca y una pared azul, en el segundo una pared con molduras y otra con ladrillos oscuros, mientras el último se singularizaría por su pared coloreada de verde y otra de papel pintado. En un mismo espacio entonces, las opciones se multiplican. El dueño del estudio nos esclarece: “Todo está pensado para presentar ambientes de tendencia a los que puedan acceder los diseñadores que no tengan mucho presupuesto, que puedan conseguir diversidad y al mismo tiempo puedan realizar su lookbook o e-commerce simultáneamente a su campaña”. De manera que, en principio, el cambio de espacios se realiza cada seis meses –en referencia, primero, al período otoñal e invernal, y luego, al primaveral y estival– y se adecuan con un año de antelación a las tendencias del momento ya que la moda establece las pautas a raíz de ese orden; en base a aquello, irían redecorando el espacio. “Por ejemplo, ahora mismo el Greenery Spot posee una ambientación inspirada de la de los años cincuenta, su alquiler implica entonces también el de un mueble radio antigua y un silloncito con un estampado simétrico, de patrones, a disposición. En otro espacio podréis aclimatar el set en base a una bañera antigua de hierro”.

La equipación incluida en el alquiler En lo que a esto respecta, el precio del alquiler incluye una multitud de elementos: un camerino con maquillaje, un vestidor, un baño con ducha, unos fondos motorizados, un ciclorama, una jirafa, un set de iluminación, diez modificadores, etcétera. Una particularidad conveniente se asienta en el hecho de que un iPad estará a vuestra disposición con Spotify Premium, así como un altavoz inalámbrico BOSE. También existe la posibilidad de alquilar

Y yo pretendía que dentro de los económicos pues fuéramos de los que mejores equipados estemos.

aparte una mesa de producto. Quedaréis sorprendidos de la completitud del material propuesto que podréis evaluar con mayor exhaustividad en la página web del estudio. Así, Open Estudio articula la idea de que estando en un espacio económico, te puedas sentir en un súper estudio de fotografía. Aquella idea emana naturalmente en las propuestas hechas por el equipo; el estudio se alza accesible a las personas que quisieran poder disfrutar de una multitud de características técnicas y especificaciones usualmente ausentes en los estudios económicos, que se limitarían al “sota, caballo y rey” en cuanto a prestaciones y elementos incluidos en el alquiler de sus locales. Sin duda, Open Estudio se yergue como uno de los estudios económicos mejor equipados del sector, que además os cautivará con propuestas estéticas y técnicas a la vez sobrias, completas y funcionales; esto eludiendo la amabilidad de su propietario, Marc. La practicidad y la eficiencia hallan aquí un sitio cadencioso en el que vale la pena proponerse ejercer su arte fotográfico.

FOTO TÉCNICA

Atomos nos presenta su monitor grabador SUMO 19”

tomos presenta su último dispositivo: el Atomos SUMO, un monitor grabador HDR de 19” capaz de grabar a 12bits 4K 60P RAW, 10 bits Pro RES/DNxHR, así como grabar y conmutar en vivo hasta 1080/60p. El nuevo Monitor Atomos SUMO Esta nueva versión incorpora un panel LCD de 19” 1920x1080 10-bit con un brillo de 1200 nits y con 10 stops de rango dinámico perfecto para trabajar con el LOG/PQ/ HLG de las cámaras más populares del mercado, fabricantes de TV o videoconsolas y asegurarte así una exposición perfecta tanto en grabación como en posproducción, además utilizando el i1Display Pro de Xrite podrás supervisar de la forma más precisa HDR y REC709. Además este monitor grabador puede ser, como estación de edición y corrección de color, una opción realmente asequible para

la industria del cine- video. En cuanto al montaje cuenta con diferentes configuraciones, un soporte VESA y una placa de montaje opcional que permite conectar dos baterías v-lock o Anton Bauer. El Sumo también cuenta con un sistema de alimentación continua que permite el intercambio de baterías en caliente sin ninguna interrupción de energía. Grabación profesional El Sumo puede capturar hasta 12 bit 4K 30p en CDNG o en 10 bit Apple ProRes/Avid DNxHR hasta 4K 60p/2K 240p RAW a través de las salidas Sdi de los modelos de Sony FS5/ FS7/fs700, Canon C300MKII/C500 o Panasonic Varicam LT y como siempre utilizando como soporte tarjetas SSD ya que proporcionan una solución económica para tiempos largos de grabación. Gracias al potente procesador que incorpora podremos preservar la calidad original directamente desde el sensor con velocidades de datos de hasta 3,2Gbps.

El nuevo monitor Atomos SUMO con su panel LCD de 19” y su resolución de 1920x1080 10-bit

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FABRICANTES

AlterMov, más allá de un simple chaleco estabilizador

Diseñado por profesionales del ámbito audiovisual, quedaréis anonadados por la tecnicidad y eficacia del chaleco

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Gracias a su agilidad y funcionalidad podrás ajustar la altura, reducir al máximo tus esfuerzos durante las tomas así como alcanzar planos secuenciales estables y de excepción. Diseñado para permitirnos liberar las manos sin tener que soltar la cámara, para omitir el peso del equipo –y repartirlo en todo el cuerpo, no solamente en las manos y en los brazos– y para absorber los rebotes ejercidos por la marcha, el chaleco AlterMov deriva de la proeza técnica para los cámaras del mundo entero. Podréis también ajustar la altura de la cámara, varias posibilidades de sujeción se os presentarán; aprovechar de la propiedad duradera y ligera que resulta de su construcción en aluminio, de su comodidad de uso, de la facilidad que presenta a la hora de desmontarse y de su cualidad unisex, adaptable a cada figura. Cómo nació el AlterMov Cuando le preguntamos a Paulina Jarosz cómo empezó AlterMov, su respuesta es clara, inspiradora y cuasi lírica: “Adam [Kubica] me hizo el primer chaleco”. Y qué mejor manera de interpretar y resumir la historia de esta cada vez más reconocida empresa polaca del sector audiovisual, creada por ella (Paulina Jarosz), Adam Kubica y Krzysztof Kubica, si no es entendiendo que a finales de 2015 empezó la aventura AlterMov cuando compraron su primer conjunto de cámaras. Paulina nos narra la situación: “En aquel momento, quería ser segunda camarógrafa pero no podía manejar la cámara durante más de dos minutos. Cada foto que hacía salía temblorosa; peleaba con la cámara. Pensando en mayor medida en cómo tomar la foto más que en la fotografía en sí. En mi opinión nueve kilos es demasiado, ¡incluso para un hombre bien construido!” De esta manera, empezaron a leer sobre equipos de cámara, chalecos y demás, sin encontrar nada adecuado para ellos. “La mayoría de estos equipos eran demasiado

Si bien nunca habíamos anhelado ser vendedores, queríamos ayudar a las personas que se encontraran en la misma situación que nosotros.

caros para nosotros entonces”. Así, Adam se propuso diseñar y fabricar un chaleco él mismo: iniciativa que realizó con éxito. Paulina nos aclara: “Por supuesto, tomó un tiempo. La investigación de las piezas y de los subcontratistas tomó meses, pero valió la pena. Después de cientos de pruebas y cambios, estábamos seguros de que habíamos inventado nuestro chaleco; estábamos enamorados de él”. El nuevo accesorio resultó dar frutos a su trabajo de manera increíble. De ahí en adelante, lo empezaron a emplear en unos pocos sets, en unos cuantos más, hasta final e inevitablemente otorgarle la función de equipamiento básico e indispensable a todas sus operaciones. La evolución y crecimiento del AlterMov Luego, empezó a crecer y evolucionar el proyecto cuando nominaron su chaleco AlterMov y le tomaron fotos.

“Después de publicarlas en Facebook, obtuvimos una retroalimentación muy positiva; recibimos un montón de likes y de preguntas acerca del precio. Nos pusimos a establecer los costos de producción hasta darnos cuenta de que no existía nada semejante en el mercado... Nos quedamos pensando varios días. Si bien nunca habíamos anhelado ser vendedores, queríamos ayudar a las personas que se encontraran en la misma situación que nosotros”. Así es cómo empezó. Hasta ahora producieron un centenar de chalecos para gente alrededor del mundo: “Es bueno saber que nuestros chalecos están en EEUU, Canadá, Alaska o Hong Kong”. Paulina agrega, con modestia y autenticidad: “Permanecemos con la óptica de no convertirnos en vendedores standard e intentando recordar los nombres del 90% de nuestros clientes, con los que, en su gran mayoría, nos seguimos correspondiendo, evaluando nuevos engranajes e informándonos de las novedades cinematográficas en conjunto”. Después del V1, el V2 Rod Pro y el Pro Rig Tras inventar el V1 –la primera versión del chaleco aquí arriba mencionada– el equipo de AlterMov intercambió con muchos cineastas de todo el mundo. Paulina nos comenta: “Queríamos hacer algo sencillo, difícilmente fungible. Por supuesto, si tienes menos regulación en el material, menos le temerás a que algo se pueda romper. Y esto es lo que representa y compendia el V1. Ya no tienes que preocuparte por nada. Simplemente levantas la cámara y empiezas a trabajar”. Sin embargo, a consecuencia de otras conversaciones, se dieron cuenta de que también existían clientes más exigentes, de forma que Adam inventó el V2 Rod Pro y el Pro Rig que constituyen las dos partes de un kit más completo, funcional y profesional.

Estamos felices de poder ayudar a muchas personas y de lograr obtener un 100% de retroalimentación positiva de nuestros clientes.

Los puntos de venta En palabras de Paulina: “El mundo es pequeño con Internet”. De esta manera, AlterMov vende sus chalecos vía eBay y alcanzar enviar sus productos a los cuatro puntos cardinales. También son conscientes de que muchos de sus clientes prefieren alquilar el equipamiento, como suele ser el caso en Alemania, Italia, Reino Unido o Polonia, por ejemplo. Mientras tanto, tienen puntos de venta en España, Polonia y Canadá. Finalmente, cuando le preguntamos acerca de las perspectivas futuras de AlterMov, Paulina nos afirma: “Veremos… Creemos que nuestros productos se defienden a sí mismos. Estamos felices de poder ayudar a muchas personas y de lograr obtener un 100% de retroalimentación positiva por parte de nuestros clientes. Sabemos que estamos haciendo algo bueno para el mundo del cine y no necesitamos mucho más que esto. Nos complace mucho poder oír noticias positivas desde una serie de sets que son llevados a cabo en muchos lugares del mundo”.

GAMA DE PRODUCTOS ALTERMOV

AlterMov Camera Vest

AlterMov V2 ROD PRO Vest

AlterMov Easy Rig ROD PRO Vest

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Professor Film

Un nuevo paradigma de la educación

Entre coaching y productora, el equipo de Professor Film reinventa el e-learning, los vídeos educativos y didácticos

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El equipo de Professor Film genera sus propios contenidos, a su vez adaptados a las necesidades del cliente. De esta forma consideran trabajar con formatos animados, reales, simples o más complejos… Ya pasó más de un década desde que se emitió el primer vídeo a través de YouTube. Y hoy en día, más que nunca, pululan y se comparten masivamente los vídeos cortos, tanto en esta plataforma pilar, como en Facebook, en apps, en diversas redes sociales, vía la pantalla de nuestros ordenadores o smartphones. En este contexto y con un perfil polifacético, original y dinámico, la productora Professor Film se propone acercar el mundo audiovisual y el visionado online de vídeos al de la educación; apostándole entonces al diseño de nuevos formatos e inéditos métodos comunicativos que convergen en la ideación de una pedagogía innovadora en el sector. La productora Professor Film se compone de cinco miembros provenientes de ámbitos distintos y complementarios, un aspecto observable en el conjunto de sus proyectos: un director ejecutivo (Pol Wagner), una directora creativa, guionista y realizadora (Cristina Calamidades), un animador y coordinador de posproducción (Adrián Juan), una jefa de producción (Irene Selvaggi) y un editor y cámara (Christian Rubio). Los cimientos de la productora Con lo que respecta a la trayectoria de Pol Wagner: trabajó en una productora del duro sector publicitario en Madrid; en sus palabras, “un trabajo muy duro, como siempre lo es la publicidad”, antes de hallar una oportunidad para trabajar con una empresa de publicación de libros de idiomas en Barcelona –con la que anteriormente había estado en contacto y colaborado. Por afinidades familiares y amistosas con la ciudad condal que lo vio formarse, así como por el interés dirigido al proyecto propuesto, a saber: la creación de una plataforma online con bastante cantidad de volumen de vídeo. Pol nos explica que: “inicialmente no tenía mucho conocimiento en producción pero me terminé metiendo

Buscamos como empresa salir del típico “hello, my name is…”, “how are you?” o “my husband is Paul.”

como ayudante de producción y tareas afines, hasta que al cabo de unos meses se fue el que era mi jefe, y me quedé como jefe de producción del departamento durante un tiempo.” Así optó por mudarse a Barcelona y con la ayuda de los que conformarían la productora, crearon Professor Film. Esta plataforma online serviría tanto para promocionar los métodos y libros, así como los ejercicios y contenidos de pago de la empresa dedicada a los manuales lingüísticos –que sigue constituyendo el cliente principal de la productora, de hecho–, mientras Professor Film se encargaría de producir los vídeos allí publicados. Lo interesante de este tipo de colaboración reside en el hecho de que la productora recibe los libros, necesidades didácticas u otros contenidos, y los interpreta de manera que pueda proyectarlos y diseñarlos de forma audiovisual; respetando y contribuyendo a la realidad del consumo contemporáneo de vídeos en la red. En esta resolución invirtieron su actividad, destreza y saber hacer. Las “Micropelis” pedagógicas Así, se lanzaron a la realización de diferentes colecciones, en palabras de su director: “cada una con su estilo, con sus elementos particulares”. Una de las que están

funcionando muy bien son las denominadas “Micropelis”: “unos hipercortos de ficción, con un guión adaptado a un lenguaje muy simple pero evitando el realismo de las conversaciones, al estilo de los vídeos conversacionales”, de lenguaje coloquial. Por lo tanto, suelen coger un género cinematográfico determinado —sea comedia romántica, de aventura, al estilo Indiana Jones, suspense u otro— y lo llevan a “un sitio tan surrealista que entonces, el hecho de que la lengua sea adaptada y simple, no molesta”. “Si Te Vas” la nueva manera de planificar un viaje Paralelamente, están trabajando en un proyecto que se llama “Si Te Vas”, una colección un poco diferente a lo que habían hecho hasta entonces ya que inspirado en el estilo youtuber, “en el sentido de que es fresco y joven”. Se trata de una recopilación orientada a estudiantes o gente que vaya a algún país de habla hispana –España o los territorios hispanohablantes de Latinoamérica. Divididos en tres pequeños vídeos: uno que brinda un resumen cultural del país, otro más orientado a la propia lengua (en qué se diferencian, qué aspectos habría que destacar en ella) y un último que presenta un pequeño glosario de palabras útiles. A su vez, la colección se representa de la siguiente manera: dos personas se encuentran hablando de su cultura y lengua, y por la misma, dejan surgir elementos símiles y desemejantes que constituyen la ejemplificación del ejercicio. “Hemos hecho uno de México, otro de Argentina y otro de España, siendo los actores nativos del país”, a modo de fundamentos genuinos en el guión.

Trabajan, por ende, sobre conceptos aplicados a la educación que a veces carece de aquel tacto audiovisual –del que ellos disponen, al provenir de formaciones propias o contiguas al ámbito. Logran entonces sintonizar y ubicar sus proyectos en un punto medio entre procesos de coaching y de productora; encauzando lo explicado en sus cortos dentro de un marco coherente: “hacer todo con

Queremos llevar más allá a cualquier empresa o colectivo que quiera aventurarse con nosotros, a hacerse ver. A destacar entre el ruido.

un poco de sentido, no hacerlo porque sí”. Evitando así sólo instalar una cámara, grabar y montar linealmente. Su idea es la de también trabajar conjuntamente con los clientes para “llegar a unos conceptos que sean interesantes para ellos, diferentes a lo que se haya hecho hasta ahora en el mundo de la educación”. Próximamente, se quieren centrar en mayor medida en la animación gráfica por cuestiones presupuestarias, además de “resultar más interesante y de brindar muchas más posibilidades de producción”. Finalmente, notemos que la animación provee libertad, creatividad y permite llevar a cabo proyectos más excéntricos, imaginativos y evocadores. Igualmente, Pol Wagner aclara que: “tocamos desde cosas muy simples, hasta cosas más complicadas”. He aquí, de hecho, la fuerza de la productora a la hora de presentar sus vídeos; una productora que se desarrolla ya que el primer rodaje fue llevado a cabo en agosto de 2015, hace sólo y casi dos años.

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Professor Film

En el Microfilm “Me Gusta” asistimos al encuentro casual de dos desconocidos que ejemplificarán el caso tratado

modo de ejemplo –representado en las tres capturas de pantalla– en una de las Micropelis, en el capítulo “Me Gusta”, relatan el encuentro fortuito de una chica y un chico al encontrarse inesperadamente en un parque, con los auriculares puestos y unos libros en la mano. Así, a modo de conversación esclarecedora y de disculpas, van estableciendo frases usualmente empleadas como elementos didácticos. Al evidenciar estas situaciones cotidianas, en Professor Film, asientan métodos educativos y lecciones de las cuales cualquier espectador se acordará con mayor facilidad que si la misma se representara bajo la forma de un texto desprovisto de este apoyo audiovisual

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Al concluir la micropelícula, transcriben y resaltan las frases y expresiones de interés reveladas en la escena

que robustece los contenidos tratados. De esta manera, paralelamente al incremento seductivo que se lleva a cabo en esta escena en particular, articulan y le jerarquizan al alumnado un conjunto de términos que transcribirían complacencia: “me gusta”, “lo que más me gusta”, “me encanta”, “a mi también”, etc. Así como, en esta misma línea pedagógica, su contrapartida: “no me gusta nada”, “a mí tampoco”, etc. Concluida aquella minipelícula, llevan a cabo un recapitulativo, esta vez transcrito, de lo que se haya tratado; de esta manera, el espectador se familiariza tanto con el lenguaje discursivo oral que con el idioma escrito en el que se está formando.

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De esta forma, listan un conjunto de elementos del que se tendrá que acordar el alumno y espectador del vídeo

Los contenidos creados por Professor Film son variados, ocurrentes y didácticos. De forma que unen elementos pedagógicos con técnicas y formatos audiovisuales, desde los cuales quizás no estaríamos acostumbrados integrar esa información (por asuntos culturales, condicionantes básicamente) pero a través de los cuales resulta sumamente precisa y eficaz la memorización y comprensión. En efecto, la propia estructura y la elocuencia visual de los vídeos nos facilita la asimiliación de los contenidos. Al alejarnos de los métodos más tradicionales y basados cuasi exclusivamente en el intelecto, por anécdota y memorización vía los sentidos, recordamos e interpretamos las lecciones con mayor facilidad.

Nuestra idea es también trabajar conjuntamente con nuestros clientes para llegar a unos conceptos que sean interesantes para ellos.

ESPACIO DIDÁCTICO

La estrategia de la luz

Por Noel Méndez Budia Área de cine de la EMAV “Trato de escribir la historia de la película con la luz. Trato de hallar la idea maestra de la misma y como se puede representar esta de manera simbólica, emotiva, psicológica, realista y física.” — Vittorio Storaro

n el mundo natural la luz es “inelectiva”, “inorganizada”, vacía de sentimiento, no significativa. Podemos estar tristes en el día más radiante de verano y ser las personas más felices del mundo en medio de una oscura tormenta de otoño. Al mismo tiempo no debemos olvidar, que las estaciones del año, el clima, los colores, la calidad de la luz, afectan nuestro estado de ánimo y pueden dirigirlo hacia un punto concreto. Seguro que casi todos nosotros recordamos el miedo que nos daba la oscuridad de niños, y lo que nos gusta pasar los días de lluvia tumbados en el sofá. Como seres humanos hay una clara interrelación con la luz, el color y nuestra realidad diaria. Y eso lo aprovechamos en el audiovisual, donde la luz es invariablemente más o menos significativa. Siempre debemos escoger una estrategia para iluminar nuestro audiovisual. Las luces, las sombras y los colores muestran las formas y las texturas de un rostro o un objeto, sugieren un ambiente particular o, como sucede con la música, crean atmósferas. Además, cabe destacar que Vittorio Storaro lo explica perfectamente en su manera de fotografiar los films a través de la cita aquí arriba mencionada. De entrada observamos dos amplios estilos para trabajar con luz. La primera es emplear la luz como aporte de sentido, y la segunda como ausencia de sentido. En la primera opción la luz adopta funciones simbólicas y significativas. Cada cultura tiene su propia

mitología y significado sobre la luz y el color. Y eso es exactamente lo que aprovechamos para crear atmósferas. Podemos decir que nace con el cine expresionista en los años 20 y se vuelve un estándar con la iluminación académica de los años 30-50 evolucionando hacia formas más sofisticadas hasta nuestros días, donde convivimos en un gran eclectismo estético hipertécnificado. Dentro de este amplio modo tendríamos dos subestilos. Y quede claro que dejo fuera de la partida la iluminación más clásica de tres puntos porque claramente la hemos dejado atrás como canon. El primer subestilo es el naturalista o de luz justificada, que básicamente sigue la ubicación lógica de las fuentes de luz en una escena. Es una especie de realidad romantizada en la que te basas en la naturaleza para aportar el matiz que deseas en cada escena de tu audiovisual. Debe quedar bien claro que la prioridad es la historia que quieres expresar y como lo haces plásticamente. El segundo subestilo sería lo que podríamos denominar “pictoralismo” o barroco. Nos abre al empleo de la luz como manifestación enérgica y artística sin tener más límites que los propios que impongas al audiovisual. Permite usar ángulos de iluminación, colores y texturas del todo ilógicos siempre que exista una coherencia interna. Aquí encontramos proyectos más arriesgados o puramente estéticos. Debemos notar que habitualmente en el audiovisual conviven escenas justificadas con escenas pictóricas. Si volvemos a la raíz de las estrategias podemos entrar en la ausencia de sentido. Propuesta muy radical, donde se quiere que la luz tenga un impacto mínimo en el sentido, y se practican iluminaciones neutras. Grandes áreas de luz rebotada o respetando escrupulosamente la luz que hay. Este concepto nace en los años 60 con el cine underground y en los 90 pudimos volverlo a disfrutar con el movimiento Dogma 95.

Un frame de “Idioterne” de Lars Von Trier con fotografía de Jan Schut, en búsqueda de la luz como elemento sin significado.

Un frame de “The Duellists” Ridley Scott, fotografía de Frank Tidy. Luz naturalista en su máxima expresión.

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Alquiler de equipos audiovisuales para rodajes y sesiones de fotografía profesional www.avisualpro.es Transporte gratuito En Barcelona y otras poblaciones colindantes Pedidos online ¡Fácil y rápido! Haz tu reserva directamente en la web Precios imbatibles Amplia oferta de equipos y las mejores tarifas del mercado Promoción weekend Alquila todo el fin de semana y paga solo 1 día De lunes a domingo Amplio horario, de 09:00h a 20:00h, durante toda la semana

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AV MAGAZINE / Junio, 2017 / Nº7

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TEMA A FONDO

Maxi Switch, más que un panel LED Alfons Grau Pitarch,

Director Gerente de Grau Luminotecnia, S.A. y blogger apasionado de la luz. De los paneles LED de luz difusa todavía queda mucho que escribir y DMG Lumière es la prueba feaciente de ello. Ante la moda de los LEDs RGB, está la necesidad de LEDs blancos, y cada vez más LEDs bicolor; ¿la lógica? RGB sí, pero antes bicolor, que tiene mucha más demanda.

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El vídeo interactivo

Esta innovadora técnica audiovisual entremezcla y enaltece los conceptos de espectador y usuario, convertidos en protagonistas activos de la historia

color y dimmer indistintamente. ¿Y su control? Pues el control del Maxi Switch abre una nueva era de todos los controles de la marca, y es que este control es W-DMX™, esto quiere decir que a su manejo local de dimmer y temperatura de color y su control DMX con cable, se unen el WiFi y W-DMX™ de Lumen

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El vídeo interactivo realizado para el centenario de Heparin [izq.] y el de la bajada en bicicleta desde tres puntos de vista [der.]

Después del éxito de los SL1 Switch y Mini Switch, y de las peticiones de los DoPs y Gaffers para obtener una gran superficie de luz difusa, este 2017 DMG Lumière ha lanzado el panel más grande del mercado, el Maxi Switch, con 520W bicolor desde 3000K hasta 5600K y una superficie radiante de 125x75cm con sus 8640 LEDs. El Maxi Switch, al igual que sus hermanos, es un panel extra fino de tan solo 2,3cm y modular, tan modular, que además de tener la espalda con guías para adaptar asa, rótula para ceferino, alimentador, control, etc, es plegable y desmontable. El Maxi Switch por su tamaño va montado en horquilla, aun y así su peso es de tan solo 12,5kg. Cuando el panel está montado en la horquilla se puede plegar para su transporte que además de reducir el espacio a la mitad y facilitar su movilidad y almacenamiento, proteje las pantallas difusoras de posibles golpes y roturas. Otra ventaja que ofrece la cualidad de poder plegarse, es el hecho de poder hacerlo encendido para adaptar su ángulo a los espacios o a la iluminación directa del actor u objeto con su luz envolvente. Antes he dicho que el Maxi Switch era plegable y desmontable, sí, sí, des-montable o divisible, como queráis llamarle. El panel de 125x75cm se puede partir en dos paneles de 125x37cm que aunque compartan el mismo control y fuente de alimentación, se puede modificar su temperatura de

Radio. Como ya ha demostrado DMG Lumière el control tiene una gran electrónica que permite mantener la misma temperatura de color en cualquier punto de la regulación desde 0,1 a 100% puesto que el dimmer permite conmutar dos sistemas de regulación, el fino (en pasos de 0,1%) y el rápido (en pasos de 1%), con pulsar el botón de regulación (que por cierto es de rotación ilimitada para evitar averías). La temperatura de color se puede regular desde 3000K hasta 5600K con el mismo botón del dimmer en pasos de 5K. Además del acceso directo de temperatura de color tenemos el botón switch que nos dice si el botón va a regular intensidad o grados Kelvin y también incorpora la función de bloqueo para evitar que toque quién no debe. Y para acabar con el control éste se puede montar en la espalda del panel y a su vez aceptan el anclaje del sistema para rótula ceferino. Y referente a sus accesorios, al igual que los Mini Switch y SL1 Switch, el Maxi Switch tiene una amplia gama empezando por los SnapBags y Snapgrids, y siguiendo por los anclajes comunes a sus hermanos. He dejado para el final las especificaciones del Maxi Switch pues todo el mundo habla de Lux y dejo por sentado que DMG Lumière os sorprenderá como siempre. Las medidas son de 125x75x2,3cm con 12,5kg de peso sin accesorios. Consumo 520W. Intensidad en 5600K de 1450Lux a 3 metros, 508Lux a 5 metros y 288Lux a 7 metros.

Para poder precisar la vasta definición contenida en el término “vídeo interactivo” entrevistamos a Pierre Gobin, el director comercial de Nov25Films, una compañía audiovisual creativa, ubicada en Barcelona, que trabaja con el vídeo interactivo desde hace aproximadamente cuatro años, conformada también por el director de sonido, Pablo Martín, y el director audiovisual, Pepe Furment. El vídeo interactivo constituye una tendencia en auge y no sin razón: son cuasi infinitas las posibilidades provistas vía aquellas técnicas.

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Pierre nos explica que: “Lo que diferencia el vídeo interactivo del denominado ‘pasivo’ se asienta en la línea narrativa que el usuario decide tomar a través de las diferentes interfaces propuestas en el propio vídeo. En efecto, tratamos aquí la personalización de un contenido para las marcas; la adaptación de un lenguaje cercano y adaptado a los usuarios”. De forma que el vídeo interactivo marca una etapa más en la evolución experimental y efectiva del espectador en la esfera audiovisual. Con este tipo de plataformas, el usuario puede llevar a cabo acciones y decisiones que influyen directamente en el transcurso de la historia. Puede comprar o detallar información de un ítem sin salir del vídeo en el que se presenta el elemento, también podría arrastrar objetos sobre la pantalla, etc.

Lo que más nos interesa no es tanto el formato del vídeo, sino la historia que deseamos narrar. La interactividad posee múltiples funcionalidades que se adecuan a los distintos casos. Cada vídeo podría contener diferentes clips; así como al finalizarse uno de ellos, podríamos definir una configuración que lo detenga hasta nueva orden, lo reproduzca en bucle o nos dirija a otro en particular, por ejemplo. Existe la posibilidad de que incorporemos capas interactivas en las que cada elemento se dedicaría a efectuar determinadas acciones editables, se enseñaría con una apariencia y un comportamiento personalizados, por ejemplo. Además, podríamos influir en el tipo de portada o pantalla presentadas durante la carga de un vídeo; siendo éstas: una barra de progreso,

una animación en sí o un símbolo o elemento geométrico animados, entre otros. En fin, parecería que solamente la imaginación podría constituir un límite a todas las contingencias facilitadas por la tecnología de los vídeos interactivos. Las plataformas Interlude y PlayFilm Con respecto a las primeras aplicaciones del vídeo interactivo y de sus concernientes experiencias, Pierre Gobin nos relata el caso representativo de Nov25Films: “En nuestro caso, trabajamos con diferentes plataformas y técnicas, específicamente con ‘Interlude’ –una plataforma de vídeo interactivo israelí-americana– que conocimos en Barcelona y con la que descubrimos podernos aventurar más allá de las barreras tecnológicas. Efectivamente, con dicha plataforma, pudimos crear contenidos que integraríamos nosotros mismos en un ‘árbol interactivo’, o en otros términos, en la estructura característica con la que se diseña, concibe y monta un proyecto de vídeo interactivo”. De esta manera, cualquier individuo o grupo de personas interesado en trabajar con este tipo de vídeo tendría que encontrar la plataforma o programa que más cómodo y adecuado le resulte –teniendo en cuenta que algunos son online y otros offline, o descargable. Otro aspecto principal a tomar en cuenta, en palabras del director comercial de Nov25Films: “En cuanto el vídeo está hecho, algunas plataformas lo publican directamente en línea y no brindan la posibilidad de que sea descargado y almacenado en su ordenador a posteriori –entendiéndose aquí también que no todas funcionan de esta manera–”. Es el caso, por ejemplo, de ‘Interlude’ y de ‘PlayFilm’ –otra reconocida empresa de programas de vídeos interactivos nacida en Valencia– que no facilitan la descarga de los productos in-house, sino que sólo serán accesibles online e integrados directamente a la(s) página(s) de interés. Antes de emprender un proyecto interactivo Si bien el vídeo interactivo se aplica a distintos ámbitos y se presenta bajo diversas facetas, en general, es importante saber, antes de iniciar un proyecto audiovisual, si éste será interactivo o no. No obstante, también podríamos trabajar sobre vídeos ya creados e integrarlos después a un contenido interactivo. Pierre Gobin nos argumenta lo siguiente: “Realizamos vídeos interactivos en los que está claro y resulta primordial concebirlos en base a su carácter interactivo. Tal fue el caso para un tráiler de un minifilm que habíamos hecho en el que los usuarios podrían establecer desde qué punto de vista asistir a la bajada de una pendiente en bici –esto es: desde la visión del casco, de la del manubrio o de la de la rueda trasera– donde fue necesario prever la instalación de tres cámaras en cada sitio durante la filmación”. Agrega: “Si bien es verdad que esto resulte ya interesante sobre una

Con el vídeo interactivo podemos proponerle al usuario una paleta de elecciones asociadas a distintas acciones o secuencias de interés. bici, también y sobre todo, lo es teniendo en cuenta la línea narrativa de una historia que podríamos ir descubriendo desde la perspectiva de uno u otro protagonista en particular.” Virtudes aún no (o poco) explotadas El vídeo interactivo le permite al espectador adherir y sentirse parte de la historia al poder influir en su desarrollo. A su vez, cada espectador obtendrá una visión personalizada de esa historia ya que la visualizará desde su propio punto de vista. Alineado a estas características, Pierre nos recuerda y vuelve a trazar la eclosión, de cara al público, de estas técnicas innovadoras. “Los vídeos interactivos se dieron a conocer en el momento en el que hubo un gran boom el año pasado en el New York Times, cuando se estrenó el reportaje sobre los refugiados sirios, en formato vídeo 360º, y que ganaría el León de Oro del Festival de Cannes. Varios fueron los que se concentraron en este tipo de filmación y en la realidad virtual, sin embargo, el vídeo interactivo sigue siendo un área en la que recién nos empezamos a aventurar y que ofrece una multitud de funcionalidades, de nuevos formatos y de innovaciones muy interesantes. Particularmente, en lo que respecta a la narrativa que nos puede ofrecer muchísimas posibilidades”, destaca Pierre. En este sentido y aportándonos una visión más extensa del vídeo interactivo, añade: “Lo que más nos interesa no es tanto el formato del vídeo, sino la historia que deseamos narrar. Al final, lo que el usuario más anhela es oír relatos; no lo estimula tanto el hecho de entrar a una sala en la que pueda girar la cabeza y mirar a la derecha, cuando la acción ocurre, en definitiva, a la izquierda. Y he aquí el aspecto que me marca en mayor medida: con el vídeo interactivo podemos proponerle al usuario una paleta de elecciones asociadas a distintas acciones o secuencias de interés”. Empleando el formato adecuado, no sólo podríamos generar experiencias memorables sino sobre todo adecuarlas de forma única a las necesidades de los espectadores.

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AV MAGAZINE / Junio, 2017 / Nº7

ITES

Un centro audiovisual para futuros profesionales

En ITES cubren toda la gama de salidas profesionales del sector audiovisual, manteniéndose siempre en contacto con el mismo

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ITES no sólo es un centro de formación audiovisual; los alumnos disfrutan, más allá de la formación, de la disponibilidad de recursos y espacios para desarrollar sus proyectos audiovisuales ITES es un centro con titulación oficial en el que el mundo profesional acompaña a los alumnos en el paso a la profesionalización y que se adapta a las necesidades del mercado laboral en todos los ámbitos del sector audiovisual. Esta escuela presenta una actitud de superación y trabajo constante que deriva de un reciclaje continuo; además enfatiza la preparación técnica e instrumental, así como la transmisión de valores a los que se debe adecuar un buen profesional del rubro. Marc Ramos, docente y responsable de promoción y marketing en ITES, nos describe que en el centro funcionan a partir de unidades formativas individuales a las que asignan los recursos técnicos, los espacios físicos y el profesorado especialista afines a la puesta en práctica de dicho programa. En efecto, recalca que “no es lo mismo la iluminación de un set fotográfico que el de un teatro, el de un cortometraje o el de un informativo, por ejemplo”. De esta forma cada una de las unidades formativas le provee al alumnado una competencia profesional con la que se podrá acreditar en el mundo laboral. “Este procedimiento permite que un alumno de animación pueda cursar una unidad formativa de montaje y edición de realización, o que uno de producción curse una unidad formativa y adquiera, como complemento, ciertas competencias específicas de un

iluminador”. Esto contribuye a que cada uno pueda elaborar un currículum a medida y con especializaciones propias. Marc destaca que “las clases, eminentemente prácticas, buscan el máximo aprovechamiento de los alumnos, por lo que la ratio alumno/máquina es mínima. No es lo mismo trabajar con un alumno por máquina que dos por cada una de ellas, por lo que se desdoblan los grupos para que adquieran una máxima impregnación de la formación”. Propuestas e instalaciones de ITES Disponen de aproximadamente 3000 metros cuadrados repartidos en cuatro edificios y poseen una cuantiosa y amplia propuesta de espacios técnicos. A saber, cinco aulas técnicas equipadas con ordenadores –cada una de ellas dispone de dieciséis estaciones de trabajo preparadas para llevar a cabo el tratamiento de imagen, la edición de vídeo, de audio, la animación 2D, 3D y el etalonaje vía los programas Photoshop, Final Cut, ProTools, Maya, Toon Boom, Da Vinci Resolve, entre otros. También tienen un plató de fotografía, tres platós totalmente equipados e insonorizados –de los cuales uno permite trabajar con multicámara–, dos platós de sonido, un estudio de grabación, cinco aulas polivalentes y una sala de radio. Cabe destacar que el contacto cercano con el mundo profesional audiovisual les permite adaptarse rápida y eficazmente a las nuevas tecnologías, así se mantienen constantemente actualizados.

Los alumnos de ITES se mantienen en constante contacto con profesionales del mundo audiovisual.

El perfil del cuerpo docente Respecto a esta cuestión, Marc Ramos nos explica que el perfil del profesorado es “básicamente el de un técnico tanto activo como especialista en las materias que imparte. En un período en el que es cada vez más importante la especialización, empieza a ser un problema tener a un profesional que domine todas las especialidades de una disciplina en concreto. Por ejemplo, un técnico de sonido no tiene por qué haber trabajado en radio, en televisión, en teatro y en directo a pesar del carácter contiguo de estas esferas.” De esta manera, en ITES constituyen y afianzan la idea de poder presentar profesores de cada especialidad que, a su vez, dictan las unidades formativas relativas a su perfil profesional. Y esto conforma una notable fortaleza pedagógica, Marc resalta que “la

mayoría de nuestros profesores están en activo y compaginan su trabajo fuera de la escuela con las unidades formativas que imparten en ITES”. Esto les permite a los alumnos mantenerse al tanto de las últimas novedades, de la manera con la que se trabaja en el mundo real, así como establecer un vínculo con los profesores que les permitirá posteriormente integrar el mundo profesional.

Posicionamiento y casos de éxito A nivel nacional, imparten todos los ciclos formativos de la familia audiovisual (imagen y sonido) y fueron galardonados en tres ediciones consecutivas por la Fundación BCN FP con premios a la innovación para la realización y desarrollo de nuevos proyectos. Marc Ramos agrega: “En ITES incluimos constantemente nuevas tecnologías y desarrollamos nuevos proyectos. En los últimos años, realizamos una restransmisión vía streaming de una gala en directo completamente gestionada y organizada por los alumnos, una instalación interactiva de mapping y un escape room con tecnología de realidad virtual (VR)”. Además, como casos de éxito, podríamos mencionar a Victor Seguí –realizador en DORNA de MOTO 2 & 3 en el campeonato del mundo de MOTOGP–, a Frank García –realizador en DORNA de Superbikes en el campeonato del mundo de SBK–, a Jaume García –técnico de sonido UM en Mediamòbil– o a Anna Jorquera –auxiliar de realización en la película Ventura Pons–, por ejemplo.

MONCADA Y LORENZO

Teradek da el salto al H.265 El pasado NAB nos ha traído multitud de novedades desde Teradek, que aprovechaba la feria de Las Vegas para anunciar una de sus principales apuestas para este año: el H.265. El fabricante estadounidense de equipos para transmisión de video sin cables da el salto a este estándar, y lanza una nueva línea de codificadores y decodificadores CUBE 4K HEVC. Entre otras ventajas, esta compresión ahorra costes y ancho de banda, manteniendo la misma calidad del vídeo y a la misma velocidad de bits. Con las nuevas series CUBE 700 y 800 (HD -

1080p60 y 4K - 2160p60 respectivamente), las posibilidades de estos equipos se multiplican exponencialmente, porque por ejemplo, se podrá emitir a una única plataforma o a varias al mismo tiempo usando CORE (el servicio de gestión de distribución IP de Teradek). En este sentido, el nuevo motor de transcodificación (también presentado en NAB) de este servicio en la nube, permitiría aprovechar la codificación HEVC al transmitir a CORE y entregar el contenido en AVC en el destino. Además, con los nuevos CUBE se puede realizar punto a punto utilizando MPEG-TS, RTSP o cualquier

otro protocolo compatible, o monitorizar vídeo en directo en un dispositivo iOS, convirtiendo un iPhone o un iPad en un auténtico ‘monitor’ profesional. Los nuevos productos H.265 estarán disponibles, previsiblemente, a partir del mes de junio y no son la única novedad de Teradek para este año: nuevos módems, su conjunto de soluciones para monitorización de iOS o un BOLT específico para cámaras RED han llegado para quedarse. Si quieres más información, puedes consultar todas sus novedades aquí: http://bit.ly/TeradekH265

Imagen del Teradez H265

En ITES procuran siempre actualizarse con las nuevas tecnologías.

La productora asociada Itesmedia Finalizada la formación, los alumnos de ITES pueden disfrutar de los recursos y espacios disponibles para llevar a cabo sus proyectos audiovisuales y/o una progresión formativa, ya sea a través de los acuerdos con universidades inglesas para especializarse en un área concreta, como mediante el posgrado de ITES i3 en el que pueden dar un paso más allá y formar parte de la productora audiovisual asociada a ITES, Itesmedia. En esta productora cubren eventos con realización multicámara, espectáculos en directo, conciertos, seminarios, congresos; realizan producciones audiovisuales de grabación de videoclips, reportajes, documentales y fotografía y ofrecen servicios de streaming, entre otros. Como último, al compartir el alumnado y el profesorado un entorno de trabajo en común, se facilita y favorece la transición hacia el mundo laboral de la forma más óptima posible.

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AV-NEWS

ENTREVISTA DEL MES

FIC-CAT

El Festival Internacional de Cine dedicado a las obras en catalán

Este año vuelve –con motivo de su décima edición– el FIC-CAT: el único festival del país que promueve, proyecta y premia las producciones realizadas en lengua catalana. En este sentido, este evento se dirige principalmente a los realizadores y a las realizadoras, tanto amateurs como profesionales, con material, concepciones y propuestas imaginativos, innovadores y arriesgados. El Festival Internacional de Cine en Catalán se inaugurará el 5 de junio, concluirá el día 11 del mismo mes y se llevará a cabo en el municipio de la comarca del Tarragonès, Roda de Berà. Instaurado en

el 2008, el festival aspira y procura brindarles a los cineastas de Cataluña una coyuntura para presentar y exponer sus películas, para generar un espacio en el que puedan compartir experiencias, así como para favorecer creaciones provenientes de la industria y de la cultura catalanas. Al cumplir un decenio, el FIC-CAT acuerda afianzar su posición de certamen referencial del cine en catalán mediante el fomento participativo de distintas entidades del sector cinematográfico; también a través del refuerzo de los estrenos presentados en exclusividad, así como la pluralidad enriquecedora de propuestas y de actos paralelos al evento.

DE SHOPPING

La Llibreria de la Imatge, la tienda del barrio de Sant Antoni especializada en la imagen

“Singing in the rain” de Araceli Martí Fuentes Dedicados al arte visual presentado bajo todas sus formas, La Llibreria de la Imatge dispone de una amplia sección sobre cine: desde libros temáticos, biografías o bandas sonoras, pasando por DVD de películas, revistas o merchandising. También encontraréis un sector dedicado a la ilustración, sea en forma

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de cómics, álbumes ilustrados o novelas gráficas. Además os podréis orientar hacia la sección con novedades y libros de temática diversa. Cabe destacar de que recientemente la tienda se propuso brindar cursos de cine y literatura, talleres y actividades relativas a la imagen, así como exposiciones

8 preguntas a Joan González

Con motivo de la vigésima edición del DocsBarcelona que se inauguró el 18 de mayo y concluyó el 28 de mayo, entrevistamos a Joan González, su director, para que nos comparta su visión del festival y del género documental que lo conmueve y apasiona. Para celebrar las dos décadas de historia doblaron la duración del festival, incrementaron el número de proyecciones, ampliaron el palmarés y estrenaron la sección oficial What the Doc? –orientada a títulos arriesgados e innovadores– paralelamente a las secciones Panorama –con su selección de documentales recientes y relevantes del escenario internacional– y Latitud –reservada a producciones españolas, portuguesas y latinoamericanas.

> ¿Cómo nació el DocsBarcelona y con qué finalidad fue creado? Nació con la finalidad de hacer posible una cultura documental en Barcelona, Cataluña y España. Haciendo que los emprendedores de la industria audiovisual, es decir los productores, se empoderen para empezar a producir de forma sistemática documentales. Se creó como voluntad de transformación de un territorio donde no existía el documental –más allá de los de los animales y alguna que otra obra de vez en cuando– para que naciera la tradición de hacer documentales de forma regular y, luego, de que se fuera a buscar al público; o sea generar una ecología y cultura documental en Barcelona, Cataluña y España.

> ¿Cómo describirías la fórmula que posibilitó y prosperó veinte destacables años de “miradas inquietas al mundo”? La fórmula secreta es que somos muy tozudos. Yo creo que ésta es una fórmula. También creo que es importante notar que detrás de un festival está una empresa privada. Las cosas no se han hecho mal y se ha ido estableciendo cada vez mayor confianza. Los resultados alcanzados han ido apareciendo y se ha ido generando cada vez más público, hasta tal punto que ahora el festival constituye el mascarón de proa de un proyecto común, el DocsBarcelona, y se subdivide en tres eventos: uno en Barcelona, uno en Medellín y uno en Valparaíso. Convirtiéndo se así en la red más importante del mundo, que nosotros conozcamos, de distribución de documentales en sala. El DocsBarcelona estrena un documental en sala cinematográfica cada mes, en noventa salas.

> ¿Cómo se organiza y gestiona el festival? Se gestiona con tres equipos diferentes: el equipo colombiano, el chileno y el catalán,

que poseen factores comunes; en este caso la Dirección. Y donde se siguen unos parámetros, respecto a la manera de hacer el documental, que son parejos. Barcelona lleva veinte años haciéndolo, Medellín cinco y Valparaíso cumplirá su segundo año. Por lo tanto, hemos ido poco a poco pero mirando que en los tres lugares se respete la misma idea: acercarnos a los espectadores y hacer posible una capitalidad en esas ciudades en el campo cultural y documental con respecto a su territorio. Para nosotros el documental es mucho más que una pantalla cinematográfica, es un espejo de la sociedad y queremos que los profesionales, la gente que tiene interés en sus territorios, sean capaces de narrar sus propias historias.

> ¿Nos podrías comentar un poco más acerca de las secciones oficiales Latitud y Panorama? Latitud tiene foco en la cinematografía iberoamericana: España, Portugal y América Latina. Aquí lo que miramos es que aparezcan las películas que nos han parecido más interesantes, como resultado de la selección que hacemos al recibir unas quinientas películas por año. Ahí mostramos diversas películas, incluso dando apoyo a pequeñas cinematografías. Este año hay una obra nicaragüense y una salvadoreña, por ejemplo, que adquirieron espacio en el DocsBarcelona. Ayudamos así a los cineastas a tener fortaleza de que sus obras lleguen a festivales internacionales. Luego, la sección Panorama es la sección internacional y mundial –también abarca películas españolas, portuguesas o latinoamericanas– que recoge un poco lo último, lo más novedoso e interesante que nos haya parecido en la aparición del cine documental de este último año.

> ¿Por otro lado, este año integrasteis una nueva selección llamada What the Doc?, aparte del nombre ciertamente original y

ocurrente, nos podrías explicar en qué consiste? El DocsBarcelona tiene como filosofía la de acercar el documental a la gente con mirada inquieta. Por tanto, nos dirigimos a un amplio abanico de espectadores, de ciudadanos que tienen mirada inquieta y queremos atraerles hacia el documental para que conozcan el género y se conviertan en amantes del mismo. Hay todo un colectivo de espectadores al que les gusta las obras más arriesgadas; para ello hemos creado What the Doc. Por temática, por puesta en escena o por narrativa, son documentales ya con mucha más exigencia de cara al espectador. También hemos querido incorporarlo al DocsBarcelona porque nuestra filosofía es que cada documental encuentre a su público, así como cada espectador encuentre su documental. No queríamos abandonar al tipo de espectador más exigente, fundamentalmente en lo que a la narrativa aluda.

> También presentasteis el espacio de exhibición DOC-U dedicado a los estudiantes en Comunicación Audiovisual y que ofrece a estos jóvenes profesionales una oportunidad de revelarse. ¿Qué soléis presentar allí? En el DOC-U siempre hemos tenido alguna obra latinoamericana. Especialmente, siempre hemos invitado y brindado un espacio al ganador del festival Equinoxio de Colombia –el festival de cine universitario– y a su obra. Si bien nos hemos acostumbrado a presentar universidades catalanas sobre todo –aspecto que tenemos un poco acotado–, este año hemos invitado también a la ECAM –la escuela de cine de Madrid– que también tendrá obra en el DOC-U.

> De cara a la próxima edición de 2018, ¿qué le aconsejarías al profesional del documental para que presente su obra en vuestro festival?

Que haga lo que crea que tiene que hacer. Es decir, no existen las recetas, no existe la fórmula mágica. Siempre hay un tema que resultará maravilloso: sea intimista, conflictivo, político, humorístico… Donde se están produciendo las diferencias es en la narrativa; en cómo abordo ese tema desde un punto de vista cinematográfico. No cómo me limito a hacer un acta notarial donde quede constancia de lo que hago, o del tema ése, sino cuál es mi creatividad a la hora de hacer una obra cinematográfica con relación a este tema. La puesta en escena tiene que ser una obsesión: “¿Cómo retrato y reflejo esto en una pantalla?”

> Finalmente, ¿cómo defines y qué representa para ti el género documental? ¿Qué camino parecería seguir hoy día? Por un lado, es importante la posibilidad que nos da la tecnología de hacer cada vez más con menos recursos. Aunque esto no sea del todo cierto, ya que lo más valioso del documental suelen ser las personas; si las personas trabajan con un móvil, o con una cámara súper grande, el trabajo es el mismo. Por tanto, hay más facilidad de hacer documentales. Por otro lado, tenemos que conseguir que nuestros cineastas se ganen la vida haciendo documentales, no que sea una actividad paralela a la principal. Por último, el gran problema hoy en día no es hacer documentales, es hacer que la gente los vea; es alcanzar al público con la obra. Ése es el gran tema actual aunque parezca que teóricamente todo está más cerca. Pero si la gente no sabe que tú has hecho un documental, ¿cómo lo va a ver? En ese momento el caballo de batalla es la manera de llegar al público –o más bien a los públicos, ya que no hay uno sólo, hay diferentes públicos– y que pueda ver las obras que hemos hecho. Este aspecto constituye para mí el gran tema de hoy: el acceso de los espectadores a las obras de los cineastas.

CROMALITE

PANELES LED NANGUANG CN-576 BICOLOR Eficacia demostrada

Estos modernos paneles de 26x26cm. y 4080 lux pueden funcionar tanto en estudio como en exterior, ya que vienen suministrados tanto con sus alimentadores a corriente como con sus baterías y cargadores tipo Sony NP de litio. Su dimmer integrado permite manipular la potencia y la temperatura de color a voluntad, brindando la posibilidad de adecuar

el tono de la luz a las condiciones lumínicas del momento. Su autonomía de hora y media también proporciona un alto rendimiento en situaciones de baja luz en exteriores o en sets de localización para photocalls o interviews. Pueden adquirirse como unidades sueltas o como packs de dos paneles con pies, rótulas y bolsa de transporte. Adem·s,

sus viseras accesorias permiten direccionar la luz de un modo completamente eficiente, proporcionando la concentración de la luz de la manera más sencilla. Los paneles CN-576 se han convertido rápidamente en punto de referencia para la iluminación suave y cálida en localización, debido a su practicidad y funcionalidad.

Imágenes de los paneles LED Nanguang CN-57

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ZOOM IN APP DEL MES LIGHT SOURCE PRO

AGENDA CARTELERA DE CINE DE JUNIO 19/05 al 30/06

Creada para usarse rápida e intuitivamente, Light Source Pro te permite determinar cuál será el aparato de luz más adecuado para alcanzar un diafragma en concreto. Esta app fue diseñada tanto para los cinematógrafos, los directores de fotografía, los cámaras, los directores de iluminación y los incondicionales de fotografía fija (o “still photography”), así como también para los asistentes de cámara, los gaffers y los electricistas. Con los datos fotométricos y matemáticos, que brinda es imprescindible para productores, directores y gerentes de producción. Incluye también una biblioteca completa de características lumínicas de imágenes en movimiento: su valor de iluminación en lux, la propagación de los haces de luz a diferentes grados de distancia, así como información fotométrica de ubicaciones sumamente útil a la hora de configurar la iluminación.

Homenajes de la Celebrado el 29 de enero. Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográﬁcas

Visual Phonic, Festival Internacional de cine deportivo #festivales #cortos #deporte #cine #Barcelona

26/05 al 10/06

Loop Barcelona, proyección de films con bandas sonoras realizadas por djs en directo y pinchando en riguroso vinilo #festivales #mirada retrospectiva #dj #discjockey #cine #proyecciones #Barcelona

02/06

04/06

Festival Internacional de Cine del Aire, festival dedicado al cine de vuelo, deportes aéreos, aventura y naturaleza #festivales #cine #aire #vuelo #FIA #Orcera

05/06 al 15/07 Festival

Jardins de Pedralbes, proyecto de música para la ciudad en un lugar abierto, al aire libre, en contacto con la naturaleza y la historia #festivales #niños #familia #música #aireLibre #Barcelona

09/06

17/06

Festival Internacional de Cine de Huesca #festivales #cine #cortos #internacional #Huesca

02/06 El Invierno, Emiliano Torres

16/06 Cartas de la Guerra, Ivo M. Ferreira

02/06 Marie Curie, Marie Noëlle

16/06 Ignacio de Loyola, P. Dy y C. Azanza

02/06 Mil coses que faria per tu,

16/06 Júlia Ist, Elena Martín

09/06 El sueño de Gabrielle, Nicole García

16/06 La Vida de Ana, Nino Basilia

09/06 Pieles, Eduardo Casanova

23/06 Hermanos del Viento,

09/06 Testigo, Thomas Kruithof

30/06 Estiu 1993, Carla Simón

Dídac Cervera

G. Olivares y O. Penker

Obtenido de estrenosdecine.net

El próximo 23 de junio la Academia homenajeará por la trayectoria efectuada detrás de las cámaras al jefe de eléctricos Tito Arcas, a la script María Bardem, al especialista Richard Cruz, al jefe de maquinistas Antonio Fernández Santamaría, a la contadora Belén Goñi, a la jefa de prensa Sylvia y a las directoras de casting Eva Leira y Yolanda Serrano. En efecto, como estos profesionales no suelen obtener la posibilidad de acceder a los premios Goyas ni al resto de los que son adjudicados por la Academia, esta última celebrará el acto remediador conducido por Yvonne Blake en su propio recinto.

ZOOM OUT B’ARS VFX

El festival internacional de Artes & VFX en Barcelona

Del 8 al 11 de junio se llevará a cabo en la CaixaForum de Barcelona, el b’Ars, una feria especializada en presentar las novedades e innovaciones en VFX, animación y contenidos digitales, así como en congregar a los mejores talentos creativos de la industria de una manera divertida y lúdica. El evento se dirige tanto a profesionales como a estudiantes y se enfoca en el proceso técnico y artístico de la producción fílmica, de los efectos visuales, de la animación y de los contenidos digitales, educativos y de networking. Para ello, el festival cuenta con más de doce conferencias –en su mayoría en inglés– presentadas por renombrados oradores, artistas y profesionales del ámbito, provenientes de todo el mundo. Una gran oportunidad para poder descubrir y desentrañar los trucos de los artistas, supervisores y productores directamente involucrados en los proyectos más destacados del momento, así como también tener la oportunidad de conocerlos y de poderles preguntar directamente cualquier aspecto relativo a la profesión. También, a lo largo del festival, se desplegará una feria de empleo dirigida tanto a profesionales como a estudiantes que quisieran compartir sus portafolios con las empresas colaboradoras; cabe destacar, si tal es vuestro caso, que se os aconseja acudir a la presentación de la feria de trabajo el primer día del evento, el jueves 8 de junio. A su vez, el b’Ars brindará una oferta de talleres accesibles y avanzados, supervisados por los peritos del rubro VFX y de la animación a fin de que puedan enseñar, transmitir y compartir sus conocimientos en grupos reducidos. Finalmente, en base a las asociaciones convenidas con diversas escuelas y universidades locales e internacionales, se presentará una oferta educativa para los interesados en formarse en el área.

Número de depósito: B2491-2017 Una publicación de Avisual Trad&Web Services S.L. C/ Sepúlveda 58, 08015 Barcelona Tel. 934 356 489 info@av-magazine.es www.avisualpro.es/magazine Directores: Marius Georgescu y Patricia Lallo Redactor: Loïc da Fonseca Maquetación: Oriol Alonso

El boca a boca como motivo para ver un contenido

En Buaala –una app concebida para ayudarnos a hallar qué ver, dónde, cómo, cuándo y con quién verlo– analizaron los principales criterios que seguiríamos como espectadores para elegir adherir a un nuevo contenido audiovisual. Así destacaron como motivos fundamentales: las recomendaciones de amigos, las críticas de los blogs y de la TV, la viralidad en las redes sociales, las campañas promocionales y el prestigio de la cadena, entre otros.

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Agradecimientos a: Alfons Grau Pitarch, Grau Luminotecnia Noel Méndez Budia, profesor EMAV Beatriz Clemente, Moncada y Lorenzo Cromalite S.L. Sergio López, Fototecnica Import

CRISTINA MOISE › lisa.popescu.webcomic

Imprenta: Rotimpres Pla de l’Estany, s/n, 17181 Aiguaviva Tel.: +34 972 40 05 95

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