PENSAMIENTO ARQUITECTONICO
MAYO 2013
CONTEMPORANEO
INSTITUTO TECNOLOGICO DE TIJUANA
AMARO_ BERNAL_ CAMACHO_ CENICEROS_ FLORES_ FLORES_ GARCIA_ GAMIﾃ前_ GONZALEZ_ ORTIZ_ QUIROZ_ RINCON_ ROMERO_ REYNOSO_ SALMERON_ VARGAS_ ZAVALA
CATEDRATICO_ ARQ. MEZA PEREZ ALFREDO
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CONTEMPORANEO
PENSAMIENTO ARQUITECTONICO
INDICE
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INTRODUCCION En este trabajo se recaudaron todos los temas que se abordaron a lo largo del semestre Enero-Junio de 2013, impartidos por el arquitecto: Meza Perez Alfredo. los cuales abordan desde como conformar un estilo personal, la Posmodernidad y las tendencias actuales, con el proposito de abrir mas nuestro panorama respecto a los diferentes estilos arquitectonicos, y que esto sea de ayuda en nuestra vida profesional.
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ES QUE TE DEPOJES DE TODO LO SOBRANTE.
or
MORE ES PONER TU TOQUE PERSONAL.
MENOS ES SUBLIME, PERO UN TOQUE DE MAS LO HACE MAJESTUOSO.
El estilo personal es cómo se hace lo que se hace. Es el vehículo del Yo cuando se saca la máscara que lo protege y se revela como el cruce entre la naturaleza del hombre y el medio en el cual se desarrolla. El estilo personal improvisador puro no existe, hay reglas que codificaron la conducta humana desde hace billones de años y que provienen de un gran Yo común del cual somos herederos. Siempre hay reglas, algunas impuestas y otras ocultas que aparecen durante el sueño, el juego, el mito, el arte o el espíritu y que se expresan cuando no se piensa en el tiempo (el era y el será), ni en las causas (el porque y el por qué). A Miguel Angel lo guiaba la visión de un modelo invisible a la apariencia. Mientras extraía la materia de la piedra eliminaba también las partes de su Yo que le impedían acceder a su verdadero tesoro. Desarrollar el estilo personal. La técnica del estilista puede enseñarse y aprenderse pero los materiales están ahí. Para Heráclito nunca nos bañamos en el mismo río, porque ambos cambian la segunda vez. Es un río que trae una fuerza milenaria de la que se puede abrevar. Su energía no es física sino la información – de dar forma-, con la que una estructura misteriosa a lo largo de la historia utilizó el agua, el fuego, la luz y el barro para improvisar la tierra, el mar, las plantas, los animales, el hombre. El estilo creador imita a Dios. Para Platón aprender es recordar, ir hacia atrás por el río de Heráclito, así como Sócrates a través de preguntas hacía parir el conocimiento del esclavo ignorante que llegó a dominar todo el saber de la Matemática y de la Filosofía. No es cuestión de buscar una fuente como si se intentara llegar a una esencia inmóvil, sino de sintonizarse con esa información siempre actualizada y presente. Cuando de pronto, las conclusiones aparecen antes que las premisas, esto sugiere que esos pasos los adelantó el inconsciente. El estilo personal materializa la inspiración conectándola con su origen. No se trata sólo de la razón que avanza paso a paso, sino también de la intuición que reúne todo el saber y todo el ser en un instante. Es un nivel más profundo que pensar o sentir, porque sale de las entrañas y emite un sonido que hay que saber escuchar para luego actuar según su dictado. El secreto de darle un estilo artístico a la existencia es escuchar el mensaje de esa voz para que nos guíe en la vida cotidiana.
ESTILO PERSONAL 6
Esta función la cumple el juego creativo (que difiere del juego reglamentado). En él se relaciona aquello que la conciencia separa, reinterpretando la realidad, explorando con libertad y por puro placer. El goce no está entonces en el resultado sino en el proceso. Los tontos, los graciosos y los niños a lo largo de la historia pudieron encarnar los juegos sin la vergüenza inhibitoria del adulto. Ese niño existe en el interior de cada uno y al hallarlo se despierta el entusiasmo, la palabra que significa etimológicamente: “estar lleno de Dios”. Para llegar a ese estado hay que desaparecer y convertirse uno en lo que hace, en un estado ideal que es el fruto de una conciencia sensibilizada. Hay diferentes maneras de llegar a este estado de vacío donde se borran los mecanismos convencionales del estilo repetitivo. Quizás el más simple y efectivo sea decir: ¡Sí! ¡Sí! a una manera de obrar que permita desplegar el estilo personal, en el cual lo creativo y lo receptivo formen una pareja resonante. La ley de Weber-Fechner relaciona el valor objetivo de un estímulo con el subjetivo de la sensación.. Si hay 50 velas encendidas, una más no se nota. Bateson dijo: “hay una diferencia que hace la diferencia”. La diferencia la marca cada uno. Para que la inspiración circule por los nervios, la mente y el cuerpo es necesario liberarse de las tensiones producidas por miedos; armaduras corporales que provocan efectos negativos. En estado de estrés tratar es fracasar; esforzarse es destrozar y apresurarse, caer. Por el contrario concentrarse en el cuerpo, en el equilibrio, en la técnica, en el vacío, permite que la inspiración se asome por la ventana. Agregar variedad en los intereses y en las relaciones facilita el desarrollo de el estilo personal. Desde los comienzos de la vida la reproducción sexual permitió al hombre conectarse con lo diferente, enriquecerse. De otra modo todavía seríamos protozoarios o musgos en los pantanos. Al ceder una parte del control al inconsciente, al alinearse con el grupo, se produce una respiración colectiva que a medida que avanza la experiencia sincroniza al Yo con todos los sistemas para que aparezca con toda su potencia y en un único pulso el estilo personal.
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VANGUARDIA TENDENDIA ESTILO La vanguardia en la arquitectura se refiere a un conjunto de normas estilísticas que se oponen a las de la ortodoxia contemporánea a ella, comúnmente resultando casi contrarias a sus predecesoras. No hay que tomar como vanguardia solo a aquello que es “moderno”, pues todo estilo existente, en un inicio fue una vanguardia.
La vanguardia, la tendencia y el estilo; son los tres aspectos que enmarcan y definen el diseño arquitectónico. Han sido conceptualizados, concretados y redefinidos a través de la historia. Su constante metamorfosis es uno de los detalles que hace que la arquitectura sea una disciplina tan apreciada y elogiada.
Otro error que se puede cometer con facilidad, es el de creer que toda vanguardia, por el hecho de ser novedosa es lo mejor, o muy buena al menos; volvemos al hecho de que todo estilo en algún momento fue vanguardia, y es claro que muchos de ellos resultaron inconvenientes o disfuncionales. Un ejemplo claro para la mayoría, es el llamado “Estilo Internacional”, tomados por muchos en la actualidad como lo ideal y mejor, pero aun los antiguos constructores sabían que la arquitectura no puede ser igual en todo el mundo, por lo que en lo personal al menos, la idea de tomar como ideal este estilo es ridícula. El otro aspecto que destaca en el diseño arquitectónico, es la tendencia, la cual se define como la idea religiosa, política, económica, etc., de la cual la construcción tomara su concepto. Esto es, a partir de lo que la tendencia siente como base, será la esencia misma del edificio. Por eso, a pesar de pertenecer al mismo estilo una iglesia, un banco o una universidad, y compartan expansión territorial, es fácil distinguirlos. Es así como las nuevas tendencias han dejado de lado la expresión de alguna idea artística pura, o la misma expresión del arquitecto. 8
FILOSOFIA ARQUITECTONICA: La búsqueda formal- espacial, hacia la verdad y al amor hacia una verdad. La arquitectura es vida, o por lo menos es la vida misma tomando forma y por lo tanto es el documento mas sincero de la vida tal como fue vivida siempre. DISEÑO CANONICO ¿QUÉ SON LOS CANONES? Canon es una regla, lista, precepto o catalogo. Esta palabra de origen griego suele hacer referencia a un modelo de características perfectas y el pago periódico que grava algún servicio o producto.
Engloba las características que atractivas, deseables o bonitas.
una
CANON EN LA BELLEZA sociedad considera como
CANONES HISTORICOS Son aquellos principios y reglas, imperantes en una sociedad imperante o dominante a través de la historia que en la mayoría de las veces las academias en el siglo XIX se han encargado de dirigir e implementar en cada país, particularmente en Europa y algunos países Latinoamericanos, entre ellos Mexico. EL DISEÑO FORMAL O FORMALISMO El formalismo en la arquitectura aparece en casi todos los siglos pero a partir de finales del S. XIX y principios el S. XX se hace mas evidente su evolución por los fuertes contrastes. La función precede a la forma, el diseño formal o formalismo se entiende como el juego de volúmenes.
DISEÑO CANONICO
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ORIGEN Y EVOLUCION DEL RACIONALISMO
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Purismo Frances
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Le Corbusier Principios Basicos de Diseño de Le Corbusier
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Casa Domino
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Urbanismo
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La Maquina de vivir Modulor
PURISMO FRANCES 56
Bernal Alejandra/ Flores Julian/ Garcia Grecia/ Salmeron Fernando
Le Corbusier Charles Edouard Jeanneret Fue uno de los máximos exponentes de la arquitectura moderna junto Frank Lloyd Wright, Walter Gropius y Ludwig Mies van der Rohe. Escribió varios libros. Le Corbusier es conocido por su definición de la vivienda como la máquina para vivir •
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Charles Édouard Jeanneret-Gris es sin duda uno de los máximos representantes en la historia de la arquitectura y sin duda el principal exponente de la arquitectura moderna. Desde 1922 adoptó el seudónimo de Le Corbusier, una adaptación del apellido de uno de sus ancestros que tiene como significado ‘el cuervo’. Los innumerables proyectos que ideo a lo largo de su vida no pudieron ser realizados en su totalidad, pero marcaron a las siguientes generaciones de arquitectos
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Fue un arquitecto, pintor y teórico que dejó un importante legado de teorías escritas sobre arquitectura y arte.
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Todo comenzó el 6 de octubre de 1887 en La Chaux-de-Fonds (Suiza), allí nació y realizó sus primeros estudios de artes y oficios.
Rápidamente emigró a París donde comenzó a trabajar en el estudio de Auguste Perret y luego de dos años viajó a Alemania donde colaboraría con Peter Behrens. En el año 1905 diseñó su primer edificio (la Villa Fallet, 1905, una casa unifamiliar) y en la década siguiente concluyó un gran número de edificios pero que aún no presentaban el sello que más adelante lo caracterizaría. 57
L’ESPIRIT NOUVEAU 1920
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El Purismo es una alternativa al cubismo o un avance más decidido en ese mismo cubismo.El Purismo, es un movimiento liderado por Amedée Ozenfant y Le Corbusier.
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Fundó la revista L´Esprit Nouveau, donde publicó numerosos artículos de pintura teoría artística y teorías arquitectónicas. Tuvo 28 ejemplares entre 1920 y 1925.
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Su temática abarcaba un gran número de campos, con el purismo como eje, desde la discusión estética general a la arquitectura, pasando por la literatura, el teatro, el cine, la pintura, la escultura, la moda y el mobiliario, entre otros.
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En ella se publicó el manifiesto purista, razón y ser de la revista.
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Villa Stein
Una de las obras maestras de Le Corbusier en su época de arquitectura purista caracterizada por casas con fachadas de color blanco y líneas geométricas Le Corbusier aplica en sus diseños los cinco puntos de la arquitectura moderna que acaba de desarrollar en 1919 en la revista pionera en el nuevo espíritu
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Formuló tres nuevos principios teórico prácticos
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1 El Modulor especie de módulo constructivo medida universal y armónica aplicable a la arquitectura y a la mecánica que parte de las dimensiones de la figura humana medida de pie y con el brazo levantado y de sus relaciones con el espacio del ambiente doméstico y urbano
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2 La Grille Ciam 1947-49, la creación de un esquema geométrico para la realización de planes de ordenación urbana
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3 La Synthèse des arts majeurs o sea la voluntad de reunificar las tres artes plásticas pintura, escultura y arquitectura a partir del proyecto con la intervención directa de los diversos artistas directamente en la obra
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Situada en Poissy, a las afueras de París, la Villa Savoye de Le Corbusier es una de las contribuciones más importantes a la arquitectura moderna en el siglo XX. Terminada en 1929, esta casa es una moderna casa de campo francesa que celebra y reacciona a la era de las nuevas máquinas. La Villa Savoye transformó la carrera de Le Corbusier en uno de los principales precedentes arquitectónicos más importantes de la historia. El desprendimiento de la Villa Savoye de su contexto físico ayuda a que sea integrada dentro del contexto mecánico/industrial al principio del siglo XX, definiendo así la casa como una entidad mecanizada. Le Corbusier es famoso por proclamar “La casa es una maquina de vivir”. Esta afirmación no se traduce simplemente a un diseño de una cadena de montaje a escala humana, más bien el diseño comienza a adquirir cualidades innovadoras y avances basados en otros campos de la industria, en pos de la eficiencia. En respuesta a su aspiración y admiración del diseño mecanizado, Le Corbusier establece “Los 5 puntos de la arquitectura”, los que son una simple lista de elementos preescritos para ser incorporados dentro del diseño Los 5 puntos de la arquitectura pueden ser pensados como la forma moderna de interpretar “Los 10 libros de Arquitectura” de Vitruvio, no literalmente en el sentido de un manual instructivo para arquitectos, sino una lista de componentes necesarios para el diseño. Tanto que la Ville Savoye está meticulosamente hecho a la medida de los 5 puntos de Le Corbusier. Los 5 Puntos de la Arquitectura: 1 Los «pilotis»/ 2 El techo-jardín/ 3 La planta libre:/ 4 La ventana corrida/ 5 La fachada libre: (liberada de elementos estructurales) Al entrar al sitio, la casa parece estar flotando por encima del paisaje soportada por delgados pilotis que se confunden con la linea de árboles del fondo, mientras que el nivel inferior está pintado de color verde para contribuir a la percepción de un volumen flotante. El nivel inferior contiene los programas de servicio de la casa. Uno de los aspectos más interesantes de esta casa es la fachada de vidrio curvo del nivel inferior que está concebida para coincidir con el radio de giro de los automóviles del 1929, para que cuando los dueños manejaran por debajo del volumen pudiesen entrar al garaje con un leve giro del volante. Las habitaciones de la residencia, o el volumen superior, están equipados con ventanas corridas que se mezclan discretamente con la fachada blanca y dura, liberando a la fachada de cualquier jerarquía. Las ventanas corridas comienzan a jugar con la percepción entre el interior y el exterior, lo que no se hace completamente explicito hasta que uno de encuentra en el interior. Una vez dentro, se hace claro el juego entre el espacio público y privado. Generalmente, las habitaciones de la casa son relativamente privadas, cerradas. Sin embargo, Le Corbusier deja las habitaciones alrededor de una terraza exterior comunitaria, que se separa del estar por un ventanal de corredero. Esta noción de las áreas privadas vinculadas a programas más públicos se hace más tarde muy común en los proyectos de vivienda de Le Corbusier. Ambos niveles, el inferior y el superior, se basan en la idea de una planta libre que provoca continuidad de los espacios. Le Corbusier incorpora una serie de rampas que van desde el nivel inferior hasta el techo jardín, que obliga al habitante a aminorar la marcha y a experimentar el movimiento entre los espacios. La Villa Savoye es una casa diseñada en base a un paseo arquitectónico. Su experiencia está en el movimiento entre los espacios. No es hasta que uno se familiariza con las peculiaridades sutiles que el movimiento y las proporciones de los espacios evocan una sensación de monumentalidad dentro del suburbio parisino.
VILLA SABOYE 60
Este proyecto consistía en un prototipo arquitectónico residencial que podía producirse masivamente como objeto comercial. Con una estructura o esqueleto básico que parte de suelos y columnas fijas, Le Corbusier -obsesionado con la tecnología propia de la industrialización-, quería asimilar la producción arquitectónica a la de una máquina, de forma tal que la construcción fuera más económica y asequible, así como para difundir el mensaje del movimiento moderno. Felipe Arturo reproduce el esqueleto arquitectónico con los mismos materiales, pero a una escala 1-20, “invirtiendo la relación entre escala y materialidad a los cuales estamos acostumbrados.” De igual manera, hace la maqueta inacabada, lo que permite hacer del diseño modernista una construcción sin concluir, “cuestionando por un lado la posibilidad de ejecutar el proyecto moderno en el tercer mundo y proponiendo su realización inacabada a partir de arquitecturas espontaneas.” Le Corbusier, tan característicamente ambicioso, quería ante todo cambiar ciudades con su proyecto. Este deseo no sólo fue motivado en Europa, sino que trascendió fronteras hasta llegar a Bogotá. En las décadas de los años 1940 y 1950, Le Corbusier propuso una serie de modificaciones urbanísticas en el Distrito, de las cuales no todas fueron exitosas.
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Esta naturaleza autosuficiente pretendida por Le Corbusier es la expresión de una preocupación nacida en los años veinte del siglo pasado, en sus análisis de los fenómenos urbanos de distribución y que repercutían en la sociedad moderna.
De esta manera, las unidades habitacionales de Le Corbusier consolidaron los conceptos que ya venía desarrollando en torno a la idea moderna de habitar. Los principios que le daban cuerpo devenían de una idea de arquitectura como producto de la racionalidad, lo que resultó instrumento delineador de un sistema social y de razón. En él se incorporaban principios de funcionalidad y economía, reconociendo en la arquitectura un medio para ordenar el ambiente urbano y ofrecer mejores posibilidades para los grupos humanos. La misión era construir alojamientos para el cuerpo, el espíritu y el alma. Le Corbusier denominó la nueva casa como la “máquina de habitar”, adaptándola a la revolución industrial que desde el inicio del siglo XX estaba cambiando el mundo. A partir de este momento la Arquitectura debía preparase para dar muerte a la artesanía abriendo paso a la racionalización, industrialización y prefabricación. La casa, entendida como una máquina, sería un objeto útil, fabricado mediante el ensamblaje de piezas industrializadas al igual que un coche, un avión o un barco. Por ello Le Corbusier declaró la necesidad de crear la entonces inexistente “Caja de Elementos de Construcción” que haría posible la industrialización de la Arquitectura.
LOS MUEBLES DE LE CORBUSIER En 1918, Le Corbusier colaboró con el artista Amédée Ozenfant desarrollando una nueva teoría del diseño y la arquitectura. Esta teoría se concretó finalmente en la definición del hogar como una “máquina para vivir”. El diseño y la arquitectura se simplificaba, se desterraba todo aquello que era innecesario y superfluo. El esperaba que mejorando el diseño de estas máquinas, se acabaría con el problema que muchas ciudades tenían a principios del Siglo XX en lo referente a habitación. Muchas de sus casas estaban diseñadas para construirse en serie, allí donde hiciera falta. Aunque nunca se definió como un arquitecto cubista, sus edificios y sus diseños se alían con esta tendencia artística. La racionalidad que demostraba al realizar sus edificios, la demostró igualmente al diseñar sus muebles, simplicidad de líneas con una base funcional fue el secreto de sus exitosos diseños.
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Una gama de dimensiones armónicas a la escala humana, aplicable universalmente a la arquitectura y la mecánica. En 1946 el profesor Abert Einstein había escrito a Le Corbusier, en la noche misma que siguió a su encuentro en Princetown, a propósito del Modulor: “es una gama de dimensiones que facilita el bieny dificulta el mal” (que complica lo malo y facilita lo bueno). Desde 1847 esa invención, protegida por una patente, fue dada a conocimiento publico por Le Corbusier. En 1948 aparecia el primer libro del tema: “Le Modulor” el segundo volumen fue publicado en 1954. Sin la menor propaganda, el Modulor se ha difundido por el mundo entero. Hay que admitir que era esperado, pues las tareas modernas de la serie, la normalización, la industrialización, no pueden ser abordadas sin la existencia de una gama comin de dimensiones. El Modulor propone una. Hace la paz entre el sistema de pulgada y el métrico; a decir verdad, introduce en el primero el sistema decimal para los cálculos. En una mesa de dibujo de un taller arquitecti, el Modulor aporta facilidades extraordinarias; las vacilaciones e incertidumbres, al igual que las incorrecciones que aparecen en los dibujos, se hallan reabsorbidas de antemano.
LA UNIDAD HABITACIONAL DE MARSELLA ES EL CLARO EJEMPLO DONDE LECORBUSIER APLICA EL MODULOR.
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Se conoce como arquitectura postmoderna una tendencia arquitectónica que se inicia en los años 1950, y comienza a ser un movimiento a partir de los años 1970, continuando su influencia hasta nuestros días. El postmodernismo se dice que está anunciado por el regreso de "el ingenio, el ornamento y la referencia" de la arquitectura, en respuesta al formalismo causado por el Estilo Internacional del movimiento moderno. Al igual que con muchos movimientos culturales, algunas de las ideas más pronunciadas y visibles del postmodernismo se pueden ver en la arquitectura. Las formas y espacios funcionales y formalizados del estilo modernista se sustituyen por diversas estéticas: los estilos colisionan, la forma se adopta por sí misma y abundan las nuevas formas de ver estilos familiares y espacios. Quizás siendo lo más obvio, los arquitectos redescubrieron el valor expresivo y simbólico de los elementos arquitectónicos y las formas que se habían desarrollado través de siglos de construcción, que habían sido abandonados por el estilo moderno.
Ejemplos de influencias a gran escala en la arquitectura postmoderna son el Edificio Portland de Michael Graves en Portland (Oregón), y el Edificio Sony (originalmente Edificio AT&T ) de Philip Johnson, en la Ciudad de Nueva York, que toman prestados elementos y referencias del pasado y vuelven a introducir el color y el simbolismo de la arquitectura. La arquitectura postmoderna también es definida como "neoecléctica" donde la referencia y el ornamento han vuelto a la fachada, en sustitución de los estilos agresivos modernos sin ornamentos. Este eclecticismo se combina frecuentemente con el uso de ángulos no ortogonales y superficies inusuales. Las más destacadas en estos aspectos son la Nueva Galería Estatal de Stuttgart de James Stirling y la Piazza d'Italia de Charles Willard Moore.
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El Edificio del Parlamento de Escocia en Edimburgo también se han citado como de moda posmoderna. Arquitectos modernistas pueden considerar a los edificios posmodernos como vulgares, asociado con una ética populista, y compartiendo los elementos del diseño de centros comerciales, horadados por "chucherías". Arquitectos posmodernos pueden considerar muchos edificios modernos, como desalmados y ligeros, demasiado simplistas y abstractos. Este contraste se ejemplifica en la yuxtaposición de los "blancos" contra los "grises", en el que los "blancos" estaban buscando para continuar (o revivir) la tradición modernista del purismo y la claridad, mientras que los "grises" fueron adoptando a una visión cultural más polifacética, visto en la declaración de Robert Venturi donde rechazaba la visión del mundo modernista del "blanco o negro" y estando a favor del "blanco y negro y a veces, gris." La divergencia de opiniones se reduce a una diferencia de goles: el modernismo se basa en un uso mínimo y veraz del material, así como la ausencia de ornamento, mientras que el postmodernismo es un rechazo de las normas estrictas establecidas por los primeros modernistas y busca el significado y la expresión en el uso de técnicas de construcción, formas, y referencias estilísticas.
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Una de las formas de construcción que caracteriza explícitamente a la posmodernidad es el tradicional tejado a dos aguas, en lugar de una azotea plana ícono de la modernidad. Derramar el agua lejos del centro del edificio, debido a la forma del techo, siempre cumplió con un objetivo funcional en los climas lluviosos y nivales, y era una manera lógica para conseguir grandes tramos con elementos estructurales más cortos, sin embargo, era relativamente raro en las casas modernas. (Estos fueron, después de todo, "máquinas para vivir", según Le Corbusier, y las máquinasno suelen tener techos a dos aguas.) Sin Embargo, las raíces modernistas propias del postmodernismo aparecen en algunos de los ejemplos notables de techos "recuperados". Por ejemplo laVanna Venturi House de Robert Venturi, rompe el tejado en el medio, negando la funcionalidad de la forma, y el 1001 de la Quinta Avenida en Manhattan que anuncia una forma de techo abuhardillado evidentemente plano, con frente falso. Otra alternativa para los techos planos de la modernidad sería exagerar un techo tradicional para llamar la atención incluso más a esta, como la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias de Kallmann McKinnell & Wood en Cambridge, Massachusetts, teniendo tres niveles de techo bajo a cuatro aguas constituyendose uno encima de otro para una declaración enfática de refugio.
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Las nuevas tendencias se hicieron evidentes en el último cuarto del siglo XX, ya que algunos arquitectos comenzaron a alejarse del funcionalismo moderno que ellos consideraban aburrido, y que una parte del público consideró poco acogedor y desagradable incluso. Estos arquitectos se volvieron hacia el pasado, citando aspectos anteriores de varios edificios y fusionandolos a todos estos (incluso a veces de manera inarmónica) para crear un nuevo medio de diseño de edificios. Un claro ejemplo de este nuevo enfoque fue que el posmodernismo vio el retorno de las columnas y otros elementos de diseños premodernos, a veces la adaptación de clásicos ejemplos griegos y romanos (pero no simplemente recrearlos, como se hizo en la arquitectura neoclásica). En el modernismo, la columna tradicional (como una característica de diseño) fue tratada como una forma de tubo cilíndrico, sustituido por otros medios tecnológicos tales como ménsulas, o enmascarados completamente por el muro cortina en la fachada. El resurgimiento de la columna fue estético, en lugar de una necesidad tecnológica. Rascacielos modernistas se habían convertido en la mayoría de los casos monolíticos, rechazando el concepto de un montón de elementos del diseño por un solo vocabulario desde el suelo hasta la cima, en los casos más extremos, incluso usando una constante "huella" (sin reducción gradual o diseño "pastel de bodas"), con la construcción a veces incluso sugiere la posibilidad de una única extrusión metálica directamente desde la tierra, sobre todo mediante la eliminación de los elementos visuales horizontales. Esto fue visto más estrictamente en los edificios de Minoru Yamasaki del World Trade Center. Otro cambio fue el de "el ingenio, el ornamento y la referencia" que se ve en los edificios antiguos en fachadas decorativas de terracota y adornos de bronce o acero inoxidable de los períodos Beauxs arts y Art-Deco. En las estructuras postmodernas esto se logró con frecuencia mediante la colocación de citas contradictorias de estilos de construcción anteriores una al lado de la otra, e incluso la incorporación de referencias estilísticas mobiliarias a una escala enorme. El contex_tualismo, una tendencia del pensamiento aparecida al final del siglo XX, influye en las ideologías del movimiento posmoderno en general. El contextualismo se centra en la creencia de que todo conocimiento es "sensible al contexto". Esta idea fue tomada, incluso más allá, al decir que el conocimiento no puede entenderse sin tener en cuenta su contexto. Aunque los ejemplos notables de la arquitectura moderna respondía sutil y directamente a su contexto físico (analizados por Thomas Schumacher en "El contextualismo: Los ideales urbanos y deformaciones", y por Colin Rowe y Fred Koetter en Collage City), la arquitectura posmoderna con frecuencia se dirigió al contexto en términos de los materiales, formas y detalles de los edificios a su alrededor-el contexto cultural. El término "contextualismo" en sí es una amalgama de las palabras "contexto" y "textura".
RELACIÓN CON ESTILOS ANTERIORES 141
Raíces del postmodernismo El movimiento postmodernista comenzó en Estados Unidos alrededor de los años 1960 y 1970, luego extendiéndose a Europa y el resto del mundo, siguiendo activo hasta el presente. Según Charles Jencks el fin simbólico del modernismo y el tránsito al posmodernismo se produjo a las 15:32 del 15 de julio de 1972, cuando el complejo habitacional Pruitt-Igoe en St. Louis (una versión premiada de la «máquina para la vida moderna» de Le Corbusier) fue dinamitada por considerárselo un lugar inhabitable. Los objetivos de la posmodernidad o modernismo tardío comienza con su reacción al modernismo, intentando abordar las limitaciones de su predecesor. La lista de objetivos se amplía para incluir la comunicación de ideas con el público a menudo de manera humorística o ingeniosa. A menudo, la comunicación se realiza al citar extensamente pasados estilos arquitectónicos, a veces muchos de estos a la vez. Desprendiéndose del modernismo, también se esfuerza para construir edificios que son sensibles al contexto dentro del cual están construidos.
El postmodernismo tiene su origen en la carencia constatada de la arquitectura moderna. Su preocupación por el funcionalismo y la construcción económica significó que los ornamentos fueran eliminados y los edificios estaban cubiertos con un aspecto racional y austero. Muchos consideraron a las construcciones no para satisfacer la necesidad humana para la comodidad tanto para el cuerpo como para la vista, ese modernismo no tuvo en cuenta el deseo de belleza. El problema se agravó cuando algunos bloques de apartamentos que ya monótonos se degeneraron en barrios marginales. En respuesta, los arquitectos buscaron reintroducir el ornamento, el color, la decoración y la escala humana a los edificios. La forma ya no se define únicamente por sus requisitos funcionales o mínima apariencia.
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Robert Venturi, estuvo a la vanguardia de este movimiento. Su libro Complejidad y contradicción en la arquitectura (publicado en 1966), jugó un papel decisivo en la apertura de los ojos de los lectores para la obtención de nuevas formas de pensamiento sobre las construcciones, ya que extrajo de la historia entera de la arquitectura, tanto de gran estilo y vernácula (ambos históricos y modernos) y arremetió contra el modernismo funcional demasiado simplista. El alejamiento del funcionalismo del modernismo está bien ilustrado por la adaptación de Venturi de la famosa máxima de Mies van der Rohe «menos es más» a «menos es más aburrido». El libro incluye una serie de diseños propios del arquitecto en la parte final incluyendo esctructuras tales como el Guild House, en Filadelfia, que se convirtieron en iconos más importantes del posmodernismo. Venturi trató de traer de vuelta el ornamento a causa de su necesidad y explica esto y su crítica del Modernismo al decir: Los arquitectos pueden lamentarse o tratar de hacer caso omiso de ellos (refiriéndose a los elementos ornamentales y decorativos en las construcciones), o incluso tratar de eliminarlos, pero no van a desaparecer.
O que no desaparecerán por mucho tiempo, porque los arquitectos no tienen la facultad de reemplazarlos (ni saben por cual cosa sustituirlos). Complejidad y Contradicción Arquitectura , Robert Venturi.
en
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OBJETIVOS Y CARACTERÍSTICAS Los objetivos de la posmodernidad, incluyen la resolución de los problemas del Modernismo, la comunicación de los significados con ambigüedad, y la sensibilidad para el contexto del la construcción, están sorprendentemente unidos por un período de edificios proyectados por arquitectos que nunca colaboraron en gran medida entre sí. Los objetivos, sin embargo, dejan espacio para diversas implementaciones que pueden ser ilustradas por los diversos edificios creados durante el movimiento. Las características del postmodernismo permite su propósito de ser expresado de diversas maneras. Estas características incluyen el uso de formas esculturales, adornos, antropomorfismo y materiales que llevan a cabo un trampantojo. Estas características del significado son el pluralismo, la doble codificación, los arbotantes y los techos altos, la ironía y la paradoja, y el contextualismo. Las formas esculturales, no necesariamente orgánicas, se han creado con mucho ardor. Estos se pueden ver en el Museo Abteiberg(1972-1982) de Hans Holle n. El edificio se compone de unidades de construcción diversas, todas muy diferentes. Las formas de cada edificio no son como las que conforman rígidas el modernismo. Estas formas son esculturales y son un poco juguetonas. Las mismas no se reducen a un mínimo absoluto, sino que se construyen y se forman por sí mismas. Las unidades de construcción encajan entre sí de una manera muy orgánica, que realza el efecto de las formas. Después de muchos años de abandono, el ornamento retorna. La Venice Beach house de Frank Gehry construida en 1986, está llena de pequeños detalles ornamentales que se han considerado excesivos e innecesarios en el modernismo. La Venice Beach House cuenta con un conjunto de troncos circulares existentes principalmente para la decoración. Los troncos en la parte superior tienen un propósito menor de sostener los cubre ventanas. Sin embargo, el mero hecho de que podría haber sido sustituido por un clavo prácticamente invisible, hace que su existencia principalmente ornamental. El ornamento en el Edificio de Servicios Municipales de Portland (Edificio Portland) (1980) es aún más prominente. Las dos formas triangulares impulsadas hacia afuera son principalmente ornamentales. Existen por razones estéticas o de objetivo propio. El posmodernismo, con su sensibilidad al contexto de la construcción no excluye las necesidades de los seres humanos con respecto a la construcción. El Cementerio Brion (1970-72) de Carlo Scarpa ejemplifica esto. La necesidades de recursos humanos de un cementerio es que posee un carácter solemne, sin embargo, no debe hacer que el visitante se deprimen. El cementerio de Scarpa logra el estado de ánimo solemne con los colores desvaídos de gris de las paredes y las formas perfectamente definidas, pero la hierba de color verde brillante impide que esto sea demasiado abrumador. Construcciones posmodernas en ocasiones utilizan trampantojos, creando la ilusión de espacio o de profundidad donde no existen realmente, como se ha hecho por los pintores desde los romanos. El edificio Portland (1980) tiene pilares representados en el lado del edificio que hasta cierto punto parecen ser reales, pero no lo son. El museo de arte Hood (1981–1983) cuenta con una típica fachada simétrica, que fue en el momento prevalente en todo los edificios posmodernos. La Vanna Venturi House (1962–64) de Robert Venturi ilustra el objetivo postmodernista de comunicar un significado y las características de simbolismo. La fachada es, según Venturi, una imagen simbólica de una casa, mirando hacia atrás al siglo XVIII. Esto se consigue en parte mediante el uso de simetría y el arco sobre la entrada. Quizás el mejor ejemplo irónico en las construcciones postmodernas es la Piazza d'Italia (1978) de Charles Moore. Moore cita (arquitectónicamente) los elementos del Renacimiento italiano y de la Antigüedad romana. Sin embargo, lo hace con una torcedura. La ironía llega cuando se observa que los pilares están cubiertos con acero. También es paradójico en la forma en que cita a la antigüedad italiana lejos de la original de Nueva Orleans. La codificación doble da significado a las construcciones de transmitir significados de manera simultánea. El Edificio Sony en Nueva York hace esto muy bien. El edificio es un rascacielos que lleva consigo connotaciones de una tecnología muy moderna. Sin embargo, la parte superior contradice esto. La sección superior transmite los elementos de la antigüedad clásica. Esta doble codificación es un rasgo predominante de la posmodernidad. Las características de la posmodernidad se unificaron en lugar teniendo en cuenta sus diversas apariciones. El más notable entre sus características son sus lúdicas formas extravagantes y el humor de los significados que se transmiten en las edificaciones.
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KOOLHAAS / EISENMAN / LINESKIND / HADID / OWEN / TSCHUMI
ACTUALES PENSAMIENTO ARQUITECTONICO
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BERNARD TSCHUMI (1944) Es director de Bernard Tschumi Arquitectos, Nueva York y París. Teórico, autor, docente, y arquitecto, conocido internacionalmente por libros como "The Manhattan Transcripts", "Architecture and Disjunction" y proyectos construidos, incluyendo el Parque de la Villette, el Museo de la Acrópolis, El Centro de Arte Contemporáneo Le Fresnoy, o la sede de Vacheron-Constantin Corporate, entre otros. Tschumi fue galardonado con el Grand Prix National d’Architecture de Francia en 1996, así como con numerosos premios del American Institute of Architects y la National Endowment for the Arts. El trabajo de Tschumi ha sido expuesto en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), en la Bienal de Arquitectura de Venecia, en el Instituto Holandés de Arquitectura de Rotterdam, en el Centro Pompidou de París, así como en museos y galerías de arte en los Estados Unidos y Europa. RECOGE CLARAMENTE EN SU PENSAMIENTO Y PRÁCTICA LA HERENCIA DE LA FILOSOFÍA FENOMENOLOGISTA ASÍ COMO EL VÍNCULO CON OTRAS DISCIPLINAS COMO LA LITERATURA Y EL CINE, DEL QUE EXTRAE LA PREOCUPACIÓN POR LA VELOCIDAD, EL MOVIMIENTO Y EL DINAMISMO.
SU PENSAMIENTO ESTÁ INSERTO EN UN CONTEXTO EN EL QUE SE HA PRODUCIDO UN CAMBIO DE LA RELACIÓN ENTRE EL ESPACIO Y EL TIEMPO,22 EN EL QUE LA EXPERIENCIA COMPROMETIDA DEL SUJETO ES FUNDAMENTAL Y QUE EL PENSAMIENTO FENOMENOLÓGICOSITUACIONISTA ES EL QUE RIGE LAS LÓGICAS 206 PROYECTUALES.
BERNARD TSCHUMI (1944) De los primeros Manifiestos de Tschumi y los "Advertisements for Architecture" inspirados en el arte conceptual de la exploración narrativa, a las transcripciones de Manhattan al Parc de la Villette, las salas de conciertos en Rouen y Limoges, y el recientemente inaugurado Museo de la Acrópolis; el libro presenta un recorrido por la obra más importante del arquitecto, situándose en el contexto de una historia rica en ideas arquitectónicas. Escrito tanto para el laico como para el especialista, el libro intercala fragmentos de textos impregnados de claves teóricas con un relato esclarecedor sobre la condición de la arquitectura de hoy. El narrador es, al mismo tiempo, observador y protagonista de la arquitectura.
El diseño de Tschumi es un edificio cilíndrico con una envolvente exterior de madera, un material que hace referencia a las fortificaciones romanas de la época, algunas de los cuales se están reconstruyendo en una zona cercana al proyecto. En la planta de cubierta se ha realizado una plantación de arbustos bajos y árboles con el fin de minimizar el impacto visual del edificio visto desde la colina (la posición histórica de los galos). Los elementos de materialidad utilizados para la construcción tienen el propósito de concienciar a los visitantes de los alrededores de unos hechos que tienen ya más de 2000 años. . El centro de interpretación contendrán exposiciones y muestras interactivas que contextualizan los acontecimientos de la batalla de Alesia y sus consecuencias. La muestra pretende llegar a un público más amplio que el de un museo, con una amplia gama de 207 medios y programas para todas las edades.
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Queremos dar una mirada nueva a los elementos fundamentales de la arquitectura -utilizada por cualquier arquitecto, en cualquier lugar y en cualquier momento- para ver si somos capaces de descubrir algo nuevo". Antes de dedicarse a proyectar edificios, Koolhaas, nacido en Rotterdam en 1944, trabajó como guionista de cine y ejerció de periodista. Aunque en España es menos popular que Foster, Richard Meier, Alvaro Siza o Philip Johnson, reconocidos también con el Pritzker, el máximo galardón para los arquitectos, Koolhaas es una figura fundamental para entender el desarrollo de la arquitectura contemporánea. . La arquitectura que realiza Koolhaas es, quizá, más difícil de identificar que la que practican muchos de sus colegas contemporáneos. El holandés, al que le interesan sobre todo los proyectos a gran escala, siempre ha defendido la libertad de modelos.
Su arquitectura es una arquitectura de lo esencial; ideas a las que se da una forma constructiva. Es un profesional que se siente manifiestamente a gusto con el futuro y en estrecha comunicación con su ritmo acelerado y sus cambiantes configuraciones. En sus proyectos se deja sentir la intensidad de un pensamiento que da cuerpo al armazón que termina por ser una casa, un centro de congresos, el proyecto de un campus o un libro. El Netherlands Dance Theater, en La Haya, fue uno de los primeros proyectos que Rem Koolhaas consiguió materializar. A partir de ahí le llovieron los encargos. Sus clientes le demandaron desde una casa hasta un plan director para un área concreta de una ciudad. Una sofisticada vivienda en Burdeos, construida sobre una colina por encargo de una persona que había sufrido un accidente, lo introdujo en el Olimpo destinado a los arquitectos más innovadores. Rem Koolhaas ha sido galardonado con el Pritzker del año 2000.
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La Casa da Música (Casa de la Música) es una sala de conciertos de Oporto, Portugal, diseñada por el arquitecto holandés Rem Koolhaas, que da cabida a la institución del mismo nombre y sus tres orquestas Orquestra Nacional do Porto, Orquestra Barroca yRemix Ensemble. Su construcción se encuadró en el proyecto Oporto 2001-Capital Europea de la Cultura, habiéndose iniciado en 1999y terminado a principios de 2005, seis años después de la fecha prevista. Inmediatamente se convirtió en un icono de la ciudad. La Casa da Música se construyó justo al lado de un centro principal de tráfico de la ciudad, la Rotunda da Boavista. El lugar donde se asienta el edificio era antiguamente un lugar de almacenamiento de tranvías fuera de servicio. Su construcción costó 100 millones de euros. El proceso de edificación originó nuevos retos de ingeniería en lo referente a la construcción de la curiosa forma que tiene. Los constructoras del edificio fueron Ove Arup, Londres, junto con Afassociados, Oporto.
La sede de la Television Central de China o sede de la CCTV (chino: 中 央 电 视 台 总 部 大 楼 ) es un rascacielos de 234 m y 44 plantas que se encuentra en el Beijing Central Business District (CBD) y que sirve como sede de la Televisión Central de China (CCTV). La primera piedra se colocó el 1 de junio de 2004 y la fachada del edificio se completó el 1 de enero de 2008. Rem Koolhaas y Ole Scheeren de OMA fueron los arquitectos encargados de la construcción, mientras que Arup fue el encargado del complejo diseño de ingeniería. El edificio principal no es una torre tradicional, sino un lazo formado por seis secciones horizontales y verticales que suponen 473.000 m² de espacio construido, creando una red irregular en la fachada del edificio con el centro abierto. La construcción del edificio fue considerada como un problema estructural, sobre todo porque está en una zona sísmica.
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A finales de los años cincuenta fue colaborador de Walter Gropius, y en el 1975 fue uno de los integrantes de los Five A chitects. En 1967 fundó el Institute for Architecture and Urban Studies, de Nueva York, imprecisa institución, extraordinariamente activa y eficiente, que pronto se convierte en obligado punto de referencia para todo aquel interesado en la arquitectura. Peter Eisenman, descendiente de inmigrantes judíos alemanes de Estrasburgo, internacionalmente reconocido por su visión provocadora de la arquitectura ha construido una serie innumerable de proyectos a gran escala incluyendo el Wexner Center para las Artes en la Ohio State University, el Greater Columbus Convention Center en Columbus, Ohio, y el Aronoff Center for Design and Art en la Universidad de Cincinnati. Como resultado del concurso de ideas que ganó, construye en Santiago de Compostela la Ciudad de la Cultura de Galicia, un conjunto de edificios destinados a actividades culturales. Unas obras que modificaron el diseño original de la ciudad de John Hejduk y a colaborar con los arquitectos españoles Andrés Perea y Andrés Jaque. Las obras han sido objeto de polémicas públicas por su gestión económica y por las dudas sobre su utilidad posterior. Además, fue el promotor de un proyecto de realización de un nuevo Estadio de Riazor en La Coruña, aunque finalmente no se realizó. Un reciente libro sobre su obra desarrolla las instalaciones temporarias que ha realizado. Instalaciones: Sobre el Trabajo de Peter Eisenman, de Pablo Lorenzo-Eiroa, DLO/Robles Ediciones, Buenos Aires, 2008.
Juego deconstrutivista Eisenman se basa en las figuras del viejo Arsenal y le realiza una serie de cortes, utilizando las formas geométricas como ornamento. Pese a que el proyecto se rige por un sistema de retícula ortogonal, algunas de las columnas no tocan el suelo, contradiciendo la función que debían realizar. Es la forma que tiene el arquitecto de jugar con el clásico símbolo de la columna, coge este reconocible elemento del antiguo edificio y lo deforma, principio arquitectónico del deconstrutivismo, la alteración y distorsión de la forma perfecta. Con la diversidad de movimientos que se producen en el Wexner Center, Eisenman ha anticipado su uso, creando una arquitectura que tiene, en parte, su propia diversidad y un programa único.
EL PROYECTO POR EL CUAL MAS SE LE RECONOCE: LA CASA GUARDIOLA. DECOSNTRUYE UN CUBO PARA DEMOSTRAR QUE DE UN CUBO PODIAN SALIR VARIAS FORMAS.
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Daniel Libeskind (1946) es un arquitecto estadounidense de origen judeo-polaco. Nació en Lodz, en la Polonia de la post-guerra. Estudió música en Israel y en Nueva York, y llegó a ser un intérprete virtuoso. No obstante, decidió abandonar la música y dedicarse a la arquitectura. Estudió primero en la Cooper Union for the Advancement of Science and Art en Nueva York, y obtuvo posteriormente un título de post-graduado en laUniversidad de Essex, en Inglaterra. A los 21 años Libeskind adquirió la nacionalidad norteamericana. Libeskind es un arquitecto de prestigio internacional, apreciado por sus proyectos de edificios y por sus planteamientos urbanísticos. Ha introducido en la arquitectura nuevos conceptos, que han provocado intensas discusiones dentro de la profesión. También se caracteriza por abordar los proyectos de forma multidisciplinaria, es decir, resolviendo todos los aspectos en su propio diseño. En 1990 estableció su estudio en Berlín al ser el ganador del concurso convocado para diseñar el Museo Judío. Desde entonces, el despacho ha realizado proyectos de grandes museos, centros culturales y edificios comerciales alrededor del mundo. Libeskind ha dado clases y seminarios en numerosas universidades de diferentes países, entre ellas las de Pennsylvania, Karlsruhe y Toronto. Ha recibido varios premios y distinciones importantes, y ha sido nombrado doctor honoris causa por diversas universidades, entre ellas las de Berlín, Edimburgo y Chicago. En 2003 Libeskind, con su Torre de la Libertad, resultó ganador del concurso convocado para diseñar el plan de reconstrucción de la llamada "Zona 0" en Nueva York, lugar donde se encontraban las dosTorres Gemelas que quedaron destruidas en septiembre de 2001. El diseño original sufrió modificaciones por razones de seguridad.
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Es una prominente arquitecta angloiraquí, procedente de la corriente del deconstructivismo. A pesar de ser de nacionalidad iraquí, la mayor parte de su vida la ha pasado en Londres, donde se ubica su estudio de arquitectura. La obra arquitectónica de Zaha Hadid ha sido reconocida en diversas ocasiones con premios de rango internacional entre ellos el Premio Pritzker, tratándose de la primera mujer que consigue este galardón. Uso de curva, formas orgánicas y futuristas, uso de cristal, acero, hormigón, poco uso de líneas rectas y formas geométricas simples, percepción de movimiento (forma dinámica).
En la primera mitad de la década de 1990 su estilo arquitectónico ya había alcanzado su definición madura y mostraba los rasgos que caracterizan el conjunto de sus obras, como el uso de volúmenes livianos, las formas puntiagudas y angulosas, los juegos de luz y la integración de los edificios con el paisaje. Obras señeras de Hadid datadas son el cuartel de bomberos de la fábrica Vitra en Weil am Rhein (Alemania) y el diseño del Bar Moonsoon de Sapporo (Japón). Durante la segunda mitad del mismo decenio, Hadid integró en sus proyectos arquitectónicos el uso de formas espirales. Zaha Hadid se caracteriza por sus formas elegantes tratadas con austeras líneas ondulantes carácter fundamental en sus diseños Con su arquitectura convierte lo onírico en realidad. Su obra es pura imaginación, mera libertad expresiva. Sus formas revolucionan el campo del diseño y sacan del letargo a todos los convencionalismos. Su meta es romper todos los cánones establecidos de la arquitectura. Esmerilar confines. Desde la idea, desde el inicio, ya con su manera de graficar se aleja de los modos conocidos de representación arquitectónica y exige al interlocutor otra preparación para comprender sus creaciones. Su obra tiene un movimiento incesante e incierto. Cada espacio encierra inquietud, cada línea acción. Hadid, de cabellos negros y ondulados, de ojos saltones e inquisidores, que cambió el velo por atuendos de Louis Vuitton, entremezcla sus ideas sociales conservadoras con sus ansias liberales y si bien acepta con naturalidad las frivolidades del mundo a la vez busca incomodar a los cómodos con sus propuestas de cambio.
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Ubicada entre la ciudad y el aeropuerto, convertirá a El Cairo en un punto de referencia del mundo árabe para los negocios, además de que poseerá otra magnífica obra arquitectónica. Las formas fluidas del proyecto están inspiradas en la topografía el Valle del Nilo. Este nuevo centro comercial será sede de instalaciones para conferencias y exhibiciones de talla internacional, lo que convertirá a la Ciudad de El Cairo en un lugar más competitivo. • •
El estudio Zaha Hadid resultó ganador del concurso convocado con objeto de elegir un diseño para el nuevo museo Guggenheim Hermitage que se construirá en la capital de Lituania: Vilna El volumen escultural del museo muestra : fluidez, movimiento y luminosidad. El edificio aparece como un objeto flotante que parece desafiar a la gravedad. Sus lineas curvadas contrastan con las rectas habituales del centro de negocios de Vilna, donde se ubica. 215
FRANK GEHRY Es un arquitecto asentado en Estados Unidos, ganador del Premio Pritzker, reconocido por las innovadores y peculiares formas de los edificios que diseña. Gehry gustó de emplear metal acanalado, madera contrachapada y otros materiales reciclados y de bajo coste, especialmente en sus diseños urbanos (Casa Frank O. Gehry, 1979), así como enfatizar la escala humana de los edificios y dividir el volumen total en pequeñas unidades significativas respetando la integridad contextual Influencias Gehry trabajó para la oficina, Wdton Becket & Associates, de Victor Gruen en Los Ángeles, y para Remondet en París. En 1962, fundó su propia oficina de diseño de una amplia variedad de lugares residenciales, comerciales e institucionales. Y fue con su propia casa que mejor se ganó notoriedad por su trabajo. Obras Frank Gehry recibe frecuentes críticas por su trabajo porque su arquitectura es muy controvertido y ha formas inusuales y los movimientos. En sus obras, podemos observar la tendencia y dirección de sus proyectos, así como los conceptos de su arquitectura. En las formas más puras, a través de los iconos de famosos, como prismáticos, a los volúmenes orgánicos. En algunas obras, las disposiciones deconstructiva son claras, pero cuando se libera a las formas orgánicas de estas características van más allá. Nos guste o no, la arquitectura de Frank Gehry es reconocido y visitado de todo el mundo, con ciudades postal que fueron olvidados por el turismo. Gehry es uno de los arquitectos contemporáneos que considera que la arquitectura es un arte, en el sentido de que una vez terminado un edificio, éste debe ser una obra de arte, como si fuese una escultura. Para acercarse cada vez más a este ideal, Gehry ha ido trabajando en sus sucesivos proyectos en esta dirección, sin abandonar otros aspectos primordiales de la arquitectura, como la funcionalidad del edifico o la integración de éste en el entorno.
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Esta obra arquitectónica ubicada entre los viñales de rioja, hace analogía al vino, producto representativo de este lugar, alusión que fue tomada por el arquitecto Gehry para poder resaltar a la ciudad y ser un punto de atencion en el mundo cosa que pudo lograrse gracias a esta gran obra contemporánea.
CONCEPTO: -fluido - hacer alusión al vino, tomando sus colores en la fachada de la obra, titanio rosa (en alusión al vino tinto), oro (la malla que cubre las botellas de Riscal) y plata (la cápsula que cubre el tapón de corcho).
MUSEO GUGGENHEIM DE BILBAO: El Museo, constituye un magnífico ejemplo de la arquitectura más vanguardista del siglo XX. El edificio representa en sí un hito arquitectónico por su diseño innovador y conforma un seductor telón de fondo para la exhibición de arte contemporáneo
CONCEPTO: -revitalizar el frente ribereño - los volúmenes más estables conversan con la trama urbana circundante. -analogías de su entorno. - Su forma exige que el observador se mueva de posición para poder comprenderlo en su totalidad - articulación de volúmenes para definir su contorno y volumen general.
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El arquitecto Eric Owen Moss nació en 1943 en la ciudad de Los Angeles (EE.UU). Estudió en la U.C.L.A., donde se graduó de Bachelor of Art y luego obtuvo su Master of Architecture, título que también alcanzó más tarde en Harvard.
ERIC OWEN MOSS
Desempeña como profesor de Diseño en el Southern California Institute of Architecture. Abrió su propio estudio en 1976. La metodología proyectiva del arquitecto Eric Owen Moss manifiesta toda su riqueza y variedad expresiva en una obra que afronta la difícil relación con las estructuras preexistentes.
En sus disenos aunque a veces "el arte" no parece evidente, ya que sus proyectos "decorativistas" resultan más sobrios que los de 1900, debido a que el funcionalismo finalmente dejó una huella en la mente de los diseñadores.
Eric Moss, igual que algunos otros arquitectos contemporáneos ha incursionado en la corriente deconstructivista, explorando las formas en que la arquitectura puede ser desconstruida. Para ello se vale de elementos cuya vinculación no resulta tradicional: el hierro se une a la madera, ésta al vidrio y aquél a la piedra, todos en una genuina composición integrada. Moss pertenece a "la cuarta generación de arquitectos modernos", que cultivan una nueva arquitectura-arte que se nutre más del arts & crafts de fines del siglo pasado, que de las premisas intelectuales que conformaron los estamentos del presente siglo -el maquinismo, el sueño socialista del 218 funcionalismo o el International Style-.
El proyecto con el que se desarrollo este edificio ha seguido una tramitación muy pragmática: después de haber demolido cuatro cuerpos que formaban parte de una vieja construcción, ha sido mantenido de pie un solo bloque en forma de paralelepípedo, que ocupa toda la longitud del terreno. La cubierta del inmueble ha sido retirada, mientras que han sido conservados los elementos estructurales sustentantes y las dobles cerchas de arco de madera; la nueva estructura es mucho más alta y estrecha con respecto a la que existía anteriormente y resulta bien visible por sus formas escultóricas. El impacto visual es extraordinario unas arquitecturas fuertes, de color gris antracita combinan una serie de estructuras de acero y elementos traslúcidos hacen que este espacio de oficinas se aprecie contemporáneo y lúdico. Partiendo del edificio como centro de la construcción en el espacio urbano, la intervención de Moss imprime una nueva fuerza a la arquitectura de la zona industrial de Culver City, recuperando ese carácter de identidad que la ciudad parecía haber 219 perdido.
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CONCLUSION En conclusion este libro es la sustancia y experiencia del tiempo y pensamiento transmitido de generacion en generacion, aqui se puede apreciar cada idea y pensamiento que ha influido en la creacion de una siempre nueva arquitectura. Durante este viaje observamos desde una arquitectura pura y estrictamente funcional a aquella que se vuelve una extraodinaria obra de arte. La arquitectura ha sido el experimento puro de la historia y pensamiento humano, es el reflejo de una sociedad y de un trasncurso de la evolucion de la vida.
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