Floue Imagem Magazine [n.1]

7 . 2017 nº 1

Editorial Floue Image Floue Image reports

Olaria Bisineli Bisinelli’s Ceramics

Frank Leahy

Ice Bench Experiment

Fine Art

Alberto Dy

Espaço Livre Free Space

Ana Procopiak

Isto não é uma paisagem - this is not a landt

Cesinha Marin

Pretéritos - Preterites

Chiara Tedeschi

Perdida em Rajastão - Lost at Rajasthan

Thiago Casoni A72017A

Umuarama

Vila Esperença - o povo brasileiro Hope Village - the brazilian people

Sian Sene

Editorial A Floue Image Magazine foi criada com o intuito de realizar matérias de conteúdo próprio relativos à história e cultura e também abrir espaço para fotógrafos profissionais e amadores, nacionais e internacionais.

Acreditamos que a formação desse intercâmbio possa criar uma confluência de linguagens múltiplas e fundamentais para a elaboração de analogias e narrativas com diferentes perspectivas culturais.

A revista digital é dividida em três seções. A primeira reservada a editoriais desenvolvidos pela própria Floue Image e parceiros. A segunda, intitulada Livre Espaço é dedicada aos fotógrafos que queiram expor e explanar sobre seus trabalhos. Na terceira seção, um ensaio contínuo sobre a sociedade brasileira: Vila Esperança.

Floue Image Magazine was created with the intention of developing own content as to History and Culture, making room for professional or hobbyist photographers, national and international. We believe that this rising exchange can make a confluence of multiple and fundamental languages to elaborate analogies and narratives on different cultural perspectives.

The digital magazine has three sections. The first one is dedicated to editorials developed by Floue Image and partners.

The second one, called Free Space, is dedicated to photographers who want to share and discuss their work. Finally, on the third section we find an ongoing composition about the Brazilian society: Hope Village.

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A impressão desta revista digital é proibida para a distribuição e comercialização das imagens protegidas por leis de direito autoral. Caso tenha algum interesse nas fotografias, entre em contato com a Floue Image Magazine ou diretamente com os autores. Ficamos grato pela compreensão.

The printing of this digital magazine is prohibited for distribution and commercialization of images protected by copyright laws.

If you have any interest in the photos, please contact Floue Image Magazine or the authors directly. We are grateful for understanding.

“La vie est ainsi

faite à coups de petites solitudes.”

Barthes, 1980.

Adalberto Camargo. 1997 Roma, Itália

Editoriais Floue Image Floue Image reports

5

Olaria Bisinelli Bisinelli’s ceramic

Sian Sene

62

Ice Bench Experiment

117

Fine Art

Frank Leahy

Alberto Dy

Livre Amostra Free Space

124

Isto não é uma paisagem This is not a landscape

Ana Procopiak

141

Pretéritos Preterites

Cesinha Marin

155

Perdida em Rajastan Lost in Rajastan

Chiara Tedeschi

177

Umuarama

Thiago Casoni

Vila Esperança - o povo brasileiro Hope Village - the brazilian people

188

Sian Sene

Olaria Bisinelli B i s i n e l l i’ s C e r a m i c

Poeira que cai, fica lá. Guarda consigo todo instante de vida que viu passar, até o dia em que o vento resolve lhe convidar a voar. Nem sempre uma história que crava raízes em um lugar é esquecida por muito tempo. Ela apenas vaga pelo ar, atenta e silenciosa até encontrar o momento certo de reaparecer. Às vezes divide-se e descansa por lugares que nossos olhos poucas vezes repousam. Estas poucas palavras e ensaio fotográfico tentam mostrar os resquícios de memórias que nos convidam a adentrar na sombra do passado. Quis o tempo que Milton e Antônio ficassem incumbidos de nos conduzir a essa história, que espreita cada canto da Olaria que hoje repousa aos eternos cuidados do tempo.

Dust that falls stays there. It carries along every instant of life it has seen pass, until the day the wind decides to invite it to fly. Not always a history that sticks roots in a place is forgotten for a long time. It just wanders through the air, watchful and silent until it finds the right moment to reappear. Sometimes it divides itself and rests at places that our eyes rarely stare. These few words and photographic essay try to show the remnant memories that invite us to get into the shadow past. Time wanted Milton and Antônio to be in charge of conducting us to that history which peeks on every pottery’s corner that today rests in the eternal care of time.

Durante uma amistosa prosa em uma tarde fria, Milton (Nito) que trabalhou na olaria por 70 anos e Antônio (Tônio) por 45 anos, buscavam as lembranças há muito guardadas, enquanto Dona Júlia, que trabalhou na antiga residência da família por 33 anos, preparava o café para findarem o dia. Os irmãos contaram-nos que seu pai Antônio, nascido em 9 de março de 1886, filho de Alexandre e Antônia Scosin Bisinelli, deixou Curitiba em 1921 e fixou residência nos horizontes não longínquos e promissores de São Mateus do Sul, no Estado do Paraná, cidade a qual almejava esmero em sua ascensão. A convite de José Magnani, seu cunhado, trabalhou na “Fábrica de telha José Magnani”, desde sua chegada até 1924, quando decidiu criar a Olaria Antônio Bisinelli e Cia. em sociedade com João Zilli, seu então sobrinho, “[...] daí meu pai comprou esse terreno aqui, e resolveu mudar para lá, onde está até hoje [...]”, comentou Nito. Com dez funcionários e mais os sete irmãos, ainda

Antônio Bisinelli e família - autor desconhecido Antônio and family- unknow author

pequenos, começaram a produzir tijolos de três tipos: pequeno com dois furos, grande e pequeno maciços, sendo os dois últimos para reparos no forno e consumo próprio, “[...] Aqueles grandes, faziam para nosso consumo, porque a cada quatro ou cinco anos, tinha que fazer uma reforma nos fornos [...]”, enfatizou Nito. Mais tarde, com uma a utilização de uma pequena prensa manual, começaram a produzir telhas. Com o crescimento da demanda, na década de 1930, a olaria passou a contar com a primeira prensa da Schmidt feita no Brasil, cujo molde foi produzido na antiga fábrica dos irmãos Mueller, em Curitiba. Por volta de 1942, Zilli casou-se, vendeu sua

During a friendly chat in a cold afternoon, Milton (Nito) and Antônio (Tônio), who worked at the pottery for 70 and 45 years respectively, have been searched for memories kept long time ago, while Mrs. Júlia, who worked at the old family’s residence for 33 years, prepared the coffee to finish the day. The brothers told us their father Antônio, born on March 9, 1886, son of Alexandre and Antônia Scosin Bisinelli, left Curitiba in 1921 and settled down in the not so far and promising horizons of São Mateus do Sul, in Paraná State, city which aimed dedication on his ascension. At José Magnani’s invitation, his brother-in-law, he worked at “Fábrica de telha José Magnani”, from his arrival to 1924, when he decided to create “Olaria Antônio Bisinelli and Cia.”, in partnership with João Zilli, his nephew, “[...] then my father bought this land here, and decided to move there, where he is until today [...]”, commented Nito.

With ten employees plus the seven brothers, still small at that moment, they started producing bricks of three types: small with two holes, large and small massive, with the last two ones used for repairs in the oven and personal consumption, “[...] The large ones were made for our personal consumption, because every four or five years, we had to make a refurbish in the ovens [...]”, emphasized Nito. Later on, using a small manual press, they started to produce tiles. With the growing demand in the 30’s, the pottery began to count on the first Schmidt’s press made in Brazil, which mold was produced at the old Mueller brothers’ fabric in Curitiba.

Around 1942, Zilli got married, sold his share of the partnership and moved to Curitiba.

With the other share purchasing, it was named Olaria Antônio Bisinelli. At that moment, Nito emphasized the children had also assisted, working since a very young age in multiple roles in the factory. He and Tônio started by putting the tiles in the elevator and then proceeding to the other tasks. His father Antônio and his mother Rosa Zilli Bisinelli had 12 children: Ernesto, Vitorino, Alexandre, Sebastião and Vicente (twins), João Milton, Antônio Carlos, Margarida, Antônia, Olga, Estér and Anália. All the brothers have contributed at the pottery, with seven of them working directly in the pottery. The family legacy was left for them in 1955, when it was called Olaria Irmãos Bisinelli & Cia. Ltda., which besides the brothers help had four or five more employees.

In their backwards and forwards, the seven brothers maintained their activities linked to the pottery. Of those who stayed, Ernesto, the oldest, was seriously injured by the clay compressor when checking the adjustment that had been made after the repair. Unable to keep working in the pottery, Ernesto started to work at the managerial role. In this new phase, they also started to produce a four holes brick. Nito made a short pause and mentioned they bought the town’s movie theater, subject that was left for a next visit. In the 70’s, the pottery started to count on a common tipper truck and a backhoe, which made it possible to increase the production.

The removal of the clay near the banks of the Iguaçu River, was manually done and carried into large carts to the pottery that counted on the same three ovens already existent in its foundation, with two of them closed, which was reserved to tiles production, each of them with capacity to eight thousand unities. The third oven, already deactivated, was the place where

parte na sociedade e mudou-se para Curitiba. Com a aquisição da outra parte, passou a se chamar Olaria Antônio Bisinelli. Neste momento, Nito ressalta que os filhos também auxiliavam, trabalhando desde jovens nas mais diversas funções da fábrica.

Tônio e ele começaram colocando as telhas no elevador e depois prosseguiram nas demais tarefas. Seu pai Antônio e sua mãe Rosa Zilli Bisinelli tiveram doze filhos: Ernesto, Vitorino, Alexandre, Sebastião e Vicente (gêmeos), João Milton, Antônio Carlos, Margarida, Antônia, Olga, Estér e Anália. Todos os irmãos contribuíram na olaria, sendo que sete deles trabalhavam diretamente na lida. O legado da família lhes foi deixado em 1955, quando passou a se chamar Olaria Irmãos Bisinelli & Cia. Ltda., que além da ajuda dos irmãos, contava com mais quatro ou cinco funcionários. Em suas idas e vindas, sete irmãos mantiveram suas atividades ligadas à Olaria. Dos que ficaram, Ernesto, o mais velho, acidentou-se gravemente no compressor de argila ao verificar o ajuste que havia sido feito após o conserto.

Impossibilitado de continuar trabalhando na olaria, Ernesto começou a exercer a função administrativa. Na nova fase, passaram a fabricar também o tijolo de quatro furos. Nito faz pequena pausa e menciona que também chegaram a comprar o cinema da cidade, assunto que ficou para uma próxima visita. Na década de 1970, a Olaria passou a contar com um caminhão basculante, comum, e uma retroescavadeira, que possibilitou o aumento da produção. A retirada da argila próxima às margens do Rio Iguaçu era feita manualmente e carregada em grandes carroças até a olaria, que contava com os mesmos três fornos já existentes em sua fundação, sendo dois deles fechados, que ficaram reservados à produção de telhas, cada qual com capacidade para oito mil unidades. O terceiro forno, já desativado, era onde faziam-se os tijolos em processo de caieira, e posteriormente deram lugar ao preaquecimento das telhas. Em média, o processo levava aproximadamente seis dias para a queima total das telhas. O controle da temperatura, o ponto certo de queima e a verificação eram feitos manualmente. Domingos Nascimento, que nos auxiliava na entrevista, lembrou que Vicente, seu sogro, um dos irmãos que trabalhou na olaria, certa vez, demonstrou-lhe com maestria como sabia que as telhas estavam no ponto. Com leve movimento batia uma telha na outra e o som proveniente dessa suave colisão indicava se estava no ponto ideal ou não. Logo depois, Nito nos demostrou como seu irmão Vicente fazia, deixando todos emocionados, como se voltássemos àquele tempo. Em 1990, com o falecimento do irmão mais velho, Ernesto, por consequência de um enfarte, Nito assumiu a administração da olaria. “[...] Eu me bati que nem minhoca no pó [...]”, disse ao lembrar-se das dificuldades enfrentadas. No mês posterior ao incumbir-se do escritório, também sofreu com a crise econômica da década de 1990, mas conseguiram prosseguir diante das atribulações advindas.

Mesmo com o fim das atividades em 30 de abril de 1996, a olaria é lembrada pelos moradores e parentes que ao menos uma vez permitiram o seu olhar por lá

passear , e, alguns deixam seu nome ao visitá-la. Uma bela construção que faz parte da história da cidade, da região e do Estado do Paraná, e segue intacta ao tempo, como se respirasse suavemente à espera do despertar. Adentrar na olaria é como estar em um intervalo breve que se faz sutil no contar do compasso de um relógio; ao parar, o vento que ressoa pelas paredes e em cada objeto em repouso nos faz acreditar que, diante dos olhos, alguém pode chegar para o próximo turno.

Texto e fotografias por Sian Sene

bricks were made in kiln process (burning the bricks inside a bricks complex closed with firewood), and later gave place to the tiles preheating. On average, the process took approximately six days for the complete tile burning. The temperature control, the right point of the burning and the verification were manually made.

Domingos Nascimento, who was helping us on the interview, recalled that Vicente, his father-in-law and one of the brothers that worked in the pottery, had once mastery demonstrated him how he knew that the tiles were ready. With a light movement, he hit a tile into another and then the sound coming from this soft collision indicated if it was ready or not. Soon after, Nito demonstrated us how his brother Vicente did it, letting everyone touched, like we had come back to that time. In 1990, at the older brother’s death, Ernesto, due an infarct, Nito assumed the pottery management. “[...] I’ve flailed just like worm in dust [...]”, he said when he remembered the difficulties he had faced. In the month after taking charge of the office, he also suffered with the economic crisis of the 90s, but they managed to carry on facing the tribulations that had come.

With the end of activities on April 30, 1996, even nowadays the pottery is remembered by the residents and relatives who have someday allowed their gaze to wander there. Some leave their name when they visit it. A beautiful building that is part not only of the city’s history but also Paraná’s, and remains intact in time, like it breathes softly waiting for the awakening.

Getting inside the pottery is like to be in a brief break that makes itself subtle in the counting of a clock’s compass; when it stops the wind that resounds through the walls and each object in rest makes us believe that, in front of our eyes, somebody will arrive for the next shift.

Text and photos by Sian Sene

A rua onde localiza-se a Olaria recebeu o nome do fundador em sua homenagem The street where is located the Pottery received the founder's name in his honor

A garagem dos irmãos Bisinelli The Bisinelli brothers' garage

Objetos no interior da garagem Objects inside the garage

Antiga janela feita com sarrafos de madeira Old window made with wooden battens

Objetos penduradas na antiga casa de depósitos Objects hanging in the old house of deposits

Details of the old door lock

Detalhes da antiga fechadura da porta

Perspective of the yard through the garage window

Perspectiva de parte do quintal através da janela da garagem

Kettle found on the fence of backyard.

Chaleira encontrada na cerca do quintal.

Casa usada para armazenamento House used for storage

Antigo forno utilizado pela família Old oven used by the family

Cacimba que foi utilizada pela família para consumo próprio Cacimba that was used by the family for their own consumption

Alpargatas da Sra. Júlia Mrs. Julia's espadrilles

Sra. Júlia Mrs. Julia

Sra. Júlia na janela da casa dos irmãos Bisinelli

Sra. Júlia fazendo café

Mrs. Julia in the window of Bisinelli brothers' house

Mrs. Julia doing coffee

Rosário pequene pertencente aos irmãos Bisinelli Small Rosary, belonging to the Bisinelli brothers

Antigos retratos da família Old family portraits

Family portrait and photo the pottery in operation

Retrato da família e foto a cerâmica na operação.

Photo of Uncle Nito and a tile press

Foto do Tio Nito e uma imprensa de telhas

Porta casacos Hang coats

Tio Nito com o rádio da marca Nacional Uncle Nito holding the radio of the brand National

Tio Nito sintonizando o rádio Uncle Nito tuning the radio

Tio Tonio e Tio Nito segurando as telhas produzidas por seu pai Uncle Tonio and uncle Nito holding the tiles produced by their father

Detalhe da telha fabricada por Antônio Bisinelli Tile Detail manufactured by Antonio Bisinelli

A telha fabricada por Antônio Bisinelli The tile manufactured by Antônio Bisinelli

Uncle Tonio and Uncle Nito in front of their home

Tio Tonio e Tio Nito na frente de sua casa

The office of the pottery

O escritório da Olaria

A Olaria dos Irmãos Bisinelli The Bisinelli Brothers' Pottery

Wheel of old carts used to bring clay to the pottery

Roda das antigas carroças utilizadas para trazer argila para a olaria

As antigas carroças The old carts

As antigas do cinema que pertenceu aos irmãos Bisinelli The old chairs cinema that belonged to the Bisinelli brothers

As últimas telhas produzidas por Antônio Bisinelli & CIA The latest tiles produced by Antônio Bisinelli & CIA

Telhas empilhadas Stacked tiles

Entradas do forno Oven intakes

Local para a queima dos tijolos em caieira Place for burning bricks in “caieira”

Detalhe do tijolo feito pelos Irmãos Bisinelli e CIA LTDA Detail of the brick made by the Brothers’ Bisinelli and CIA LTDA

Os tijolos maciços feitos para consumo próprio e reparos no forno The massive bricks made for own consumption and repairs in the oven

Misturador de argila Clay mixer

Rodas penduradas na parede da sala de máquinas Wheels hanging on the engine room wall

Molde da telha Tile mold

Detalhe da prensa Press details

The old pottery press that works until today

A antiga prensa da Olaria que funciona até hoje

Rampa de acesso ao segundo andar Second floor access ramp

Parte da máquina para fazer tijolos Part of the brick making machine

Prateleiras para o armazenamento das telhas Shelves for storage of tiles

Roldanas e sistema de transporte de telhas para o segundo andar após serem prensadas Pulleys and tiling transport system to the second floor after being pressed

A olaria vista pela janela The pottery seen through the window

Os tijolos que ainda restaram The bricks that still remain

Várias pessoas que visitam a Olaria deixam o seus nomes por vários lugares, esse é um deles Several people who visit the Pottery leave their names by several places, this is one of them

Bota deixada por um antigo funcionário Boot left by a former employee

A velha Olaria que o tempo guarda The old Pottery that time holds

Frank Leahy Ice bench experiment

A vida é um exercício prático de nossas projeções internas e moldadas nas memórias da história. Embora tenhamos vários mundos dentro de nós, cada qual caminha singular, de seu modo, mas sempre adaptáveis. Todos buscam significância pictórica no universo. Deste modo, quando o artista genuíno encontra-se imerso ao seu entorno, a confluência entre a arte e as formas que lhe marcam a alma transcorrem para o imaginário como expressão máxima do ser. No processo de Frank Leahy, as experimentações e suas vertentes resultam na combinação de cores e formas orgânicas oriundas da transformação do estado da matéria e trazem outra concepção sensível do imagético.

Life is a practical exercise of our inner and shaped projection of the memories of history.

Although we have several worlds inside ourselves, each one of us walks singularly, in our own way, but always adaptable. Everyone looks for pictorial significance in the universe. In this way, when the genuine artist is immersed in his surroundings, the confluence between art and forms that marks his or her soul passes to the imaginary as the maximum expression of being. In Frank Leahy's process, the experiments and their aspects result in the combination of colors and organic forms arising from the transformation of the state of matter and brings another sensitive conception of the imagetic.

O ato de criar e utilizar-se da fotografia digital como documentação, fazem da série Ice Bench Experiment, um trabalho atemporal, não figurativo, que esteve em constante mudança, onde os raptos dos momentos sutis tornam-se impactantes em seus registros realizados em ambiente externo.

Frank Leahy, nasceu em 2 de janeiro de 1959, advém de uma família tradicionalmente católica, é o quarto filho de nove irmãos, sendo sete homens e duas mulheres. Assim como seus pais, Edmund Leahy e Karen Samuelson, é proveniente da vizinhança de Travis, uma pequena área residencial e industrial do centro-oeste de Staten Island, um dos cincos bairros de New York City, Estados Unidos. Segundo Frank, Travis era um dos lugares mais remotos da ilha. Seu pai, bombeiro, trabalhava em Manhattan enquanto sua mãe optou por criar os filhos.

O distanciamento do centro da ilha proporcionou-lhe uma educação longe das agitações da cidade. “[...] Minhas primeiras memórias são as de fazer coisas: desenhar e pintar na escola. Minha vizinha me contou que se lembra de me ver desenhando e colorindo coisas incríveis já aos três anos de idade [...]”. Na escola, era uma criança de comportamento solitário, lia avidamente qualquer livro que estivesse ao alcance de suas mãos, não costumava frequentar grupos escolares, obtinha boas notas sem dificuldade e diferentemente de sua família, não tinha predileção aos esportes. A proximidade com a natureza esteve presente desde o início de sua infância e no verão, sua família costumava passar os dias no norte do estado de New York, onde tinham uma remota cabana na floresta, sem televisão e telefone. No ensino médio ingressou na Monsignor Farrell High School, uma das melhores em New York City, mas, não se adaptou muito por ser voltada aos esportes. Depois entrou na Potsdam College em 1977, próxima ao Canadá, onde se formou em História da Arte e Francês. “[...]

Eu amava escultura naquele tempo, mas segui nas disciplinas em desenho, fotografia e pintura.

Minha primeira câmera foi uma Konica, usava para fotografar em Frank em Postdam College - foto por Rose Frank at Postdam College - photo by Rose

The act of creating and using digital photography as documentation makes the series Ice Bench Experiment a timeless, non-figurative work that has been constantly changing, where the abductions of the subtle moments become impacting in the authors environmentally external shots.

Frank Leahy was born on January 2, 1959. Coming from a traditionally Catholic family, he is the fourth child of nine siblings, seven men and two women. Just like his parents, Edmund Leahy and Karen Samuelson, he comes from Travis’ neighborhood, a small residential and industrial area in the West Shore of Staten Island, one of New York City's five boroughs.

According to Frank, Travis was one of the most remote places on the island. His father was a firefighter who worked in Manhattan while his mother chose to raise the children. The detachment from the center of the island gave him an education away from the city’s hustle. “[...] My earliest memories were making things: drawing and painting at school. My neighbor told me she remembered me drawing and coloring amazing things at three years old when I would visit her [...]”. In school he was a solitary behavior kid, who read greedily any book that was within his reach. He didn’t attend school groups, got good grades without difficulty and, unlike his family, he had no predilection for sports. The proximity to nature was present from the beginning of his childhood and in the summer, his family used to spend the days in upstate New York, where they had a remote log cabin in the woods, with no television or telephone. In high school he attended Monsignor Farrell High School, one of the best in New York City, but he didn’t adapt well because it was a sports-oriented school. He then entered Potsdam College, in 1977, near Canada, where he majored in Art History and French. “[...] I specifically loved sculpture at the time, but pursued the disciplines of drawing, photography and painting. My first camera was a Konica, and I would shoot in black and white, develop and print in the darkroom. I was more of a conceptual artist, was always experimenting and pushing the limits [...]”, says Frank, who in his third year, went to the city of Tours, France, where he felt inspired by all the art around him, especially medieval architecture. During his time at college he met Rose McGrady; they got married and moved to Boston, where he worked in different kind of jobs such as child caretaker, carpenter and house painter; and during that period art took second place, only as a hobby. After ten years, tired of living in the city, they moved to the state of New York where he worked on his brother's dairy farm; later acted as a recreational therapist in a group for people with disabilities and soon after, he became a social assistant. But he never stopped creating. “[...] I pursued art throughout my life, but not in a professional manner [...]”, said Frank, who currently lives in Trumansburg, near Taughannock State Park, located in the state’s center. Ten years ago, after his parents’ death, he had post-traumatic stress disorder and at the same time, his wife was diagnosed with multiple sclerosis. Today, she counts on the aid of a wheelchair for locomotion. Because of his wife's health, Frank has retired from his work and has attended Rose's care, spending more time at home.

Five years ago he decided to photograph the environment where he lives with a digital camera that he rarely would use. “[...] I began taking photographs of orchid flowers we had

preto e branco e revelava os negativos em um quarto escuro. Eu era mais um artista conceitual, estava sempre experimentando e forçando os limites [...]”, comenta Frank que, em seu primeiro ano, foi à cidade de Tours, na França, onde sentiu-se inspirado por toda a arte que lhe cercava, especialmente a arquitetura medieval. Ainda na faculdade conheceu Rose McGrady, casaram-se e foram morar em Boston, onde trabalhou em várias funções como: cuidados infantis, carpintaria e pintor de casas; e durante esse período a arte ficou em segundo plano, como um hobby. Após dez anos, cansado de morar na cidade, mudaram-se para o estado de New York onde trabalhou na fazenda de gado leiteiro do seu irmão, depois atuou como terapeuta recreativo em um grupo para pessoas com deficiência e logo após, tornou-se assistente social; mas nunca deixou de criar. “[...] Eu sempre persegui a arte durante toda minha vida, mas não de modo profissional […]”, afirma Frank, que atualmente mora em Trumansburg, próximo ao Parque Estadual Taughannock, localizado no centro do estado. Dez anos atrás, após a morte de seus pais, teve transtorno de estresse pós-traumático e no mesmo período, sua esposa foi diagnosticada com esclerose múltipla. Hoje, ela conta com o auxílio de uma cadeira de rodas para sua locomoção. Em razão do estado de saúde de sua esposa, Frank aposentou-se do seu trabalho e ateve-se aos cuidados para com Rose, passando mais tempo na casa em que moram.

Há cinco anos decidiu registrar o entorno de onde mora com uma câmera digital que raramente usava. “[…] Eu comecei fotografando as orquídeas que tínhamos em casa, e persistia todos os dias. Tentei diferentes luzes, ângulos e poses e pela primeira vez em anos tive paciência e foco. Tirando fotos de flores, eu não instigava meus limites artísticos o suficiente. Em um dia de inverno eu trouxe um sincelo, levei para dentro de casa e o coloquei em um vaso, pretendendo usá-lo como uma flor. Eu comecei a fotografar isso […]”, comenta Frank, que faz belo relato sobre o momento em que se inspirou para criar a série Ice Bench Experiment. “[...] Depois de fotografar a Lady Slipper Orchids (espécie de orquídea conhecida no Brasil como Sapatinhos-de-Vênus) durante muitos meses, as flores ficaram envelhecidas. Tivemos alguns Foto do sincelo por Frank Leahy pingentes que eu trouxe para a casa para que Rose Photo of icicle by Frank Leahy pudesse apreciar a beleza de Deus, um buquê de gelo, por assim dizer. Eu me dei conta de que poderia coletar gelo e fotografá-lo ao ar livre. Meu banco rústico estava lá fora, na porta da frente e percebi que se eu colocasse o gelo no assento, poderia obter a luz de todos os ângulos e eu

at home, and pursued it each day.

I'd try different lighting, angles and poses and for the first time in years I had patience and focus. Taking photos of flowers didn't push my artistic limits enough though. One winter day I brought and icicle into the house and put it in a vase and pretended it was a flower, I began to photograph that [...]”, says Frank, who makes a beautiful account of the moment he was inspired to create the Frank e Rose - foto por Rose Frank and Rose - Photo by Rose series Ice Bench Experiment. “[...]

After photographing the Lady Slipper Orchids for many months the flowers were spent. We had some icicles that I brought in the house so Rose could appreciate God's beauty, a bouquet of ice so to speak. It dawned on me that I could collect ice and photograph it outdoors. My rustic bench was out the front door and it dawned on me that if I put the ice on the seat, it could get the light from all angles and I could have easier access to photograph the ice at that height. At the same time I was photographing lights in the house. Having practiced with the orchids and experimented with the lights and inspired by the ice all my inspirations came together and the IBE was born. I didn't seek it, I feel God pushed me in this direction. The orchid photos were the stages of life, a long gestation leading to a glorious bloom and a slow demise [...]”. So he started, with a rustic wooden bench as a base for ice, with the ideal height for changing angles and receiving light, colored ice pieces with food pigmentation and then with controlled light insertion, was ready. As he said, it was to let the life cycle act; and he stages in front of it. Each shot became unique and the process was dynamic.

And finally, the peace that had observed him in parallel to his life, found him in the right moment to converge with being at the awakening of his motivation. “[...] It was an activity I could devote myself to while remaining available to take care of Rose. At the same time a sense of peace and oneness began to pervade my life. What others would consider difficult circumstances, had provided me with a sense of purpose [...]”. The mimesis created by the act of photographing the icicle as a flower, was only a prelude to what would become his next trials. An Aesthetic result would be appearing every moment. He would persist in exploring his method until he sympathizes the eyes through the lens, making his photograph the analogon of what he had created. The environment has already become an accomplice of his inventiveness; the concomitance with nature is clear in his work. “[...] Nature is the great equalizer, no matter how messy or busy a forest can be, littered with twigs and dried leaves, rocks and fallen trees, there is always harmony and peace. That is what I strive to create in my life, a peacefulness among all the disparate elements. I've always had a deep respect for nature [...]”, says Frank.

poderia ter acesso mais fácil para fotografar o gelo a essa altura. Ao mesmo tempo, eu estava fotografando as luzes na casa. Tendo praticado com as orquídeas e experimentado com as luzes e inspirado pelo gelo, todas as minhas inspirações vieram junto e o Ice Bench Experiment nasceu. Eu não procurei, eu sinto que Deus me empurrou nessa direção. As fotos de orquídeas foram um estágio da vida, uma longa gestação trazendo uma gloriosa flor e uma morte lenta [...]”. Assim começou, com um banco rústico de madeira como base de apoio para o gelo, com a altura ideal para mudança de ângulos e recebimento de luz, as peças de gelo coloridas com pigmentação de alimentos e depois com inserção de luzes controladas, estava pronto. Como costuma dizer, era deixar o ciclo da vida agir; e, ela encena à sua frente. Cada registro tornara-se único e o processo dinâmico. E finalmente, a paz que tanto lhe observara paralelo à sua vida, encontrara o momento certo de convergir ao ser no despertar de sua motivação. “[...] Era uma atividade que eu poderia me dedicar a permanecer disponível para cuidar de Rose. Ao mesmo tempo, uma sensação de paz e unicidade começou a permear minha vida. O que os outros considerariam circunstâncias difíceis, me proporcionaram um senso de propósito [...]”.

A mimese criada ao fotografar o sincelo como a uma flor, foi somente um prelúdio do que viriam a ser suas próximas experimentações. Uma resultante estética estaria surgindo a cada instante. Ele persistiria na exploração do seu método até que afeiçoasse os olhos através das lentes, tornando sua fotografia o analogon do que criara. O entorno já se tornara cúmplice de sua inventividade, a concomitância com a natureza é clara em sua obra. “[...] A natureza é o grande equalizador, não importa o quão confusa ou ocupada uma floresta pode ser, repleta de galhos e folhas secas, rochas e árvores caídas, há sempre harmonia e paz. Isso é o que eu me esforço para criar na minha vida, uma paz entre todos os elementos díspares. Eu sempre tive um profundo respeito pela natureza [...]”, cita Frank.

O inverno com neve é o átimo no ano para as criações da série Ice Bench Experiment, e suas variações são aproveitadas por ele. “[...] Um bom inverno é aquele com uma camada constante de neve, que reflete a luz do sol e ilumina o dia. Um inverno sem neve é aborrecido, com todas as árvores cinzentas e castanhas absorvendo a luz. Então eu acho que a conexão é a luz esperando para celebrá-lo. O gelo é o meio que conduz a luz e cria um brilho. O gelo cria uma nitidez que aguça a imagem [...]”. A refração e reflexo das cores no gelo geram uma ímpar sutileza de cores análogas e complementares em seu trabalho. “[...]

Para mim, a cor é sobre emoção. Que sentimentos a cor traz para o observador?

Os mesmos princípios aplicam-se aos que são usados na fotografia preto e branco. Claro que há beleza inerente na cor, mas deve-se ter cuidado para

Winter with snow is the apex in the year for the creations of the Ice Bench Experiment series, and its variations are harnessed by it. “[...] A good winter is one with a constant layer of snow, which reflects the sunlight and brightens the day. A winter without snow is dreary, with all the gray and brown trees absorbing the light. So I think the connection is the light and wanting to celebrate it. The ice is the medium that conducts the light and creates a sparkle. The cold ice creates a crispness that sharpens the image [...]”. The refraction and reflection of the colors on the ice creates an odd subtlety of analogous and complementary colors in their work. “[...] For me color is about emotion. What feelings does the color bring out in the viewer? The same principles apply that are used in black and white photography. Sure there is inherent beauty in color, but one must be careful to ensure the composition is strong.

Ice has a tendency to photograph in blue tones, so that is always a concern. Red is the most difficult color to capture. I want to try every combination to elicit as many feelings as possible [...]”, comments Frank.

The sui generis of his work invites us to get in the macro universe, which hypnotizes, instigates and makes us try to trace equivalent references in our repertoire; Invites us to evade an eloquence of what can be considered tangible in the imaginary universe. Stay in silence for an instant, let yourself be led, and who knows, feel a little of the cosmos that hangs around this series of images. Frank Leahy produces the ephemeral and eternalizes it in his photographic record. The reflection of his aura reverberates in all his art and however necessary it is to be able to analyze his creation, it is possible to elaborate different conceptions about the entire, even if many times it will be evident that life is transposed through pictorial expressions. In that way, Frank emphasizes the importance of creating and photographing as a need of the soul, a God’s gift into the combinations of fortuity, destiny and the right moment.

Text by Sian Sene Photos by Frank Leahy www.frankleahyart.com www.facebook.com/frankleahyart

garantir uma composição forte. O gelo tem uma tendência para fotografar em tons de azul, de modo que é sempre uma preocupação. O vermelho é a cor mais difícil de capturar. Eu quero tentar todas as combinações para provocar tantos sentimentos quanto possível, para abrir o coração e a alma a cada sentimento possível [...]”, comenta Frank.

A sui generis do seu trabalho convida-nos a adentrar no macrouniverso, que hipnotiza, instiga e nos faz tentar traçar equivalentes referências em nosso repertório; convida-nos a fugir de uma eloquência do que se pode considerar tangível no universo imagético. Silenciar-se por um instante, deixar-se levar, e quem sabe, sentir um pouco do cosmos que paira ao redor desta série de imagens.

Frank Leahy produz o efêmero e o eterniza em seu registro fotográfico. O reflexo de sua aura repercute em toda sua arte e por mais necessário que seja conhecer o ser para também poder analisar sua criação, é possível elaborar diferentes concepções sobre o todo, mesmo que por muitas vezes seja evidente o transpor da vida através das expressões pictóricas. Dessarte, Frank enfatiza-nos a importância de criar e fotografar como uma necessidade da alma, um presente de Deus nas combinações entre o acaso, o destino e o instante certo.

Text by Sian Sene Photos by Frank Leahy www.frankleahyart.com www.facebook.com/frankleahyart

beyond

beyond beyond

FineArt Uma concepção A conception

O termo fine art vem perdendo o rumo, mas é preciso recuperar o verdadeiro sentido disso. A impressão fine art, que no início foi chamada de Giclée (mesmo ainda sendo muito usado nos Estados Unidos) é a impressão de arquivos digitais de forma a garantir a fidelidade com o arquivo digital e a longevidade da impressão com padrões museológicos. Não se deve confundir fotografia fine art com a fotografia impressa em processo e critério fine art, um não anula o outro e vice-versa. Fotografia fine art é feita como forma de expressão sem a contratação ou qualquer interferência de um cliente.

The term “fine art” has been losing its bearings, but one must recover the real meaning of it. The fine art printing, which was called Giclée at first (though it is still widely used in the United States), is the printing of digital files willing to guarantee its fidelity to the digital file and the print longevity according to museum standards. Fine art photography shouldn’t be mistaken for a photograph printed in fine art process and criteria, as they don’t cancel each other. Fine art photography is made as a mean of expression, without any contracting parties or the interference of a client.

Aqui temos outro problema, as imagens da mesmice, como o caso de fotografias de crianças remelentas, poças de água com algum reflexo, gotinhas de chuva, cachorros, pôr do sol e flores são realmente fotografia fine art?

Em uma tentativa de manter os critérios mínimos para uma impressão ser chamada de fine art, alguns fabricantes de papéis criaram programas de certificação de ateliês/estúdios de impressão fine art, onde avaliam a estrutura física, os equipamentos, o processo e o conhecimento dos impressores e responsáveis. A Canson tem o Certified Printing (http://www.certified-printing.com) que no Brasil é bem rigoroso e a Hahnemühle que tem o Certified Studios (https://www.hahnemuehle.com/en/digital-fineart/certified-studio.html).

O ateliê de impressão fine art Aphoto (http://www.aphoto.com.br/) foi certificado em 2011, e durante mais de 3 anos foi o único a ter os dois certificados de excelência de impressão. As exigências já foram bem mais rígidas tanto de estrutura e equipamento como de conhecimento. Agora alguns certificadores passaram a avaliar principalmente pelo volume efetivo ou potencial de compra de papéis, e não com critérios de competência. É uma pena, mas de qualquer forma continuam sendo uma referência.

Alguns fotógrafos estão investindo em ter sua própria impressora em casa, mas ter uma impressora, grande ou pequena, não diminui os custos, muito pelo contrário, aumenta, já que poucos colocam os valores reais para comprovar a viabilidade do investimento e ainda não levam em consideração que impressora parada, mesmo que por pouco tempo, possa entupir o cabeçote de impressão.

Atualmente há um movimento para venda de impressoras de utilização pessoal.

Muitas por terem tinta pigmentada são vendidas como impressoras fine art, mas atenção, a maioria não é uma impressora fine art real, essas impressoras precisam de 11 cores para garantir a passagem de tons e dégradés e os vendedores estão empurrando “gato por lebre”.

Uma impressora em casa deve ser encarada da mesma forma que nos anos 1970 e até 1980, onde se tinha um laboratório fotográfico químico caseiro e se conseguia fazer um preto e branco aceitável, que só era possível depois de muito esforço, estudo e algum gasto. Além da mãe ou esposa reclamarem do cheiro, fazer colorido de qualidade ou um Cibachrome era um esforço válido apenas por muita paixão e desapego ao dinheiro.

Devemos lembrar ainda que impressão com jato de tinta e todos os critérios exigidos pelos museus não é o único processo de impressão fine art. Hoje existe um movimento de voltar aos processos químicos que também atendam aos padrões museológicos e são impressões fine art, como a Cianotipia, Platinum e Van Dyck que tem resultados maravilhosos, originais e se bem feitos uma ótima permanência.

Então, fine art com qualidade museu está muito além da impressão com jato de tinta e/ou de pigmento mineral.

Here, another problem appears: is the common place imagery – like the children with running eyes, puddles with some reflection on them, small rain drops, dogs, sunsets and flowers – really fine art photography?

In an attempt to maintain the minimum criteria for a printing to be called fine art, some paper manufacturers created certification programs for fine art printing studios and workshops, in which the physical infrastructure, the equipment and the printers’ knowledge and procedures are assessed. Canson has the Certified Printing (http://www.certified-printing.com), which is very strict in Brazil, and Hahnemühle has the Certified Studios (https://www.hahnemuehle.com/en/digital-fineart/certified-studio.html).

The fine art printing studio Aphoto (http://www.aphoto.com.br/) was certified in 2011, and for more than 3 years was the only one to have both the above-mentioned certifications. The infrastructure, equipment and knowledge requirements used to be much higher. Now, some certifiers assess mainly the actual or potential paper purchasing, leaving the other criteria aside. It’s a shame that this happens, but still these certifiers are authorities in the field.

Some photographers are investing and buying a printer to have it at home, but this actually raises costs instead of lowing them, and not many photographers really work the expenses out to prove that the investment is viable, also forgetting to bear in mind that an idle printer, even if for a short time, can start showing some technical problems.

Nowadays, personal printers are a trend. Many printers are sold as fine art printers because they have pigmented ink, but be aware, since most of them are not real fine art printers, as these need to have 11 colors to guarantee a smooth transition between tones and dégradés and sellers are trying to make you buy “a pig in a poke”.

A home printer should be regarded the same way it was back in the 70s and the 80s, when in a home photo lab one could process pretty decent black and white photographs, but not before a lot of effort, study and some money put on it. Making a quality colored film processing or a Cibachrome was an achievement met only through passion and money detachment, and one would have to listen to his partner’s or parents’ complaints about the smell.

It should be stressed that ink jet printing following all the museums requirements is not the only fine art printing process possible. Nowadays, there is a trend of recovering the chemical processing methods that also fill the museum standards and are considered to be fine art printing, like Cianotipia, Platinum and Van Dyck, all of which have astonishing, original results, and a decent longevity if well done. Hence, museum quality fine art is not restricted to ink jet or mineral pigment printing.

Keeping the memory, this is the main strength of fine art printing. CDs, HDs, PenDrives, Dropbox etc, may have shown to be reliable, but will soon be outdated. People barely remember the ZIP Drives, SyQuests and floppy disks. Only what is printed can last! So many museums’ collections and collectors’ archives are being duplicated in order to preserve them.

I give an advice for everyone: create a “time capsule” capable of preserving memories, by which I mean small fine art printings (not bigger than 30cmx21cm) of all photographs that

Guardar a memória, esta é maior característica da impressão fine art. CDs, HDs, Pen Drives, Dropbox, etc., se não deram defeitos e problemas anteriormente, também não existirão em breve. Quem ainda usa ou ao menos se lembra dos ZIP Drives, SyQuests e disquetes? Apenas o que está bem impresso pode durar! Muitos acervos de museus e colecionadores estão sendo reproduzidos para garantir a preservação.

Uma recomendação que faço para todos é a criação de “cápsulas do tempo” para preservar as memórias, ou seja, fazer impressões fine art pequenas de até 30 cm X 21 cm das fotos que lhe emocionam ou contam histórias para o futuro. Coloque estas impressões fine art em uma caixa protegida para não contaminar, também recomendo que seja forrada com Tyvek e, principalmente, coloque atrás de cada impressão, escrito a lápis, tudo que alguém daqui a mais de um século pode querer saber sobre o lugar, as pessoas e a situação que está na imagem impressa. Serão os nossos tataranetos que verão as impressões fine art de hoje contando as nossas histórias.

Se for descartável e sem muita importância mantenha no seu computador ou no dos outros (na nuvem). Caso queira perder rápido deixe em CDs e Pen Drives, mas se é de alguma forma relevante imprima e guarde.

Como dizem: “Fotografia é o retrato do seu tempo”. Então vamos fazer este tempo ser realmente guardado e preservado, impressão fine art é isso!

Texto e fotografia por Alberto Dy

somehow touch you or tell a story to the future. Put these fine art printings in a protected box, covered with Tyveke, so that they don’t get contaminated. I also specially recommend that you write behind the photographs, with a pencil, everything someone that reads this a hundred years from now might ought to know about the place, the people and the situation in that image.

These folks will be our great-grandchildren, and they’ll have access to the fine art photographs that tell our stories.

In case the photograph you have is disposable or just not very important, keep it in your computer (or in other person’s computer, in the cloud). In case you really want to lose you photographs fast, then you should keep it in CDs and PenDrives, but if these items are in any way important for you, print it and store it.

As they say: “A photograph is a portrait of your time”. So, let’s guarantee that our time is properly kept and preserved, that’s what fine art printing is all about!

Text and photo by Alberto Dy

LIVRE

amostra Free space

Passamos o tempo todo “vagueando” o olhar, decifrando o mundo em pequenos instantes que nos enternecem a alma ao fazer singular leitura de cada um deles. Podemos carregar conosco imagens, escrevemos e, por fim, decidimos se elas irão convergir ou não no mesmo universo que idealizamos e que irão transpor nosso existir. A Floue Image reserva este espaço a todos que desejam falar sobre seu trabalho fotográfico e também expô-lo. Acreditamos na importância de dialogarmos sobre as diversas confluências das imagens e das palavras, ou somente da imagem em suas mais diversas linguagens. Nesta primeira edição temos a honra de contar com trabalhos artísticos, contemporâneos e documentais.

We spend all of our time "wandering" the gaze, deciphering the world in small moments that soften our souls when we make a singular reading of each one of them. We can carry along images, we write, and finally we decide whether or not they will converge in the same universe that we have idealized and that will transpose our existence. Floue Image reserves this space to all those who want to talk about their photographic work and also expose it. We believe in the importance of discussing the different images and words confluences, or even discussing the image itself in its most diverse languages. In this first edition we have the honor to count on artistic, contemporary and documentary works.

Ana

Procopiak Isto não é uma paisagem This is not a landscape

Ana vive e trabalha em Curitiba. Artista visual, designer e professora universitária tendo participado de várias exposições individuais e coletivas no Brasil e exterior, em instituições públicas e privadas. Realiza pesquisa das intersecções entre as linguagens fotográfica, pictórica e gráfica. Graduada em Desenho Industrial, especialista em História da Arte e Mestre em Comunicação e Linguagens.

Ana lives and works in Curitiba. Visual artist, designer and university professor, she has participated in several individual and collective exhibitions in Brazil and abroad, at public and private institutions. She researches the intersections between photographic, pictorial and graphic languages. She has a degree in Industrial Design, specialization in Art History and Master degree in Communication and Languages.

“Afinal esta é uma paisagem?

A memória nos tece e nos captura ao mesmo tempo seguindo um esquema do qual não participamos lucidamente (...) trabalha por conta própria, nos ajuda enganando ou quem sabe engana para nos ajudar. (Julio Cortázar) Percorri por certo tempo, o mesmo trecho de estrada entre uma cidade e outra. Neste percurso recorrente observava e capturava fotograficamente, a paisagem. Pela janela do carro em movimento via e registrava a paisagem natural movida/removida em ciclos constantes, nuvens embebidas de pôr do sol, plantações tingidas de terra e céu, silos argênteos refletindo azuis, ocres, verdes. Traçava paralelos com paisagens de outras paragens, num exercício de memória comparava topografias sobrepondo umas às outras, fragmentos de paisagens já vividas iam se entrelaçando a estas que via pela estrada, que se entrelaçavam às imagens fotográficas da paisagem. Neste contínuo tecer, as paisagens já eram outras, nem aquelas vistas e vividas... nem essas registradas, mas as que num entrelaçar contínuo seguem a tecer-se, a paisagem da paisagem a passar paisagem.”

"Is this a landscape after all?

The memory weaves and captures us at the same time following a scheme of which we do not participate lucidly (...) it works by its own, helps us deceiving or maybe deceives to help us. (Julio Cortázar) I traveled for a while the same stretch of road between one city and another. In this recurrent route, I was observing and capturing the landscape, photographically. Through the car window in motion, I saw the natural landscape moved/removed in constant cycles, clouds drenched in sunset, plantations colored with earth and sky, silver silos reflecting blue, ocher, green. I was tracing parallels with landscapes of other places, in an exercise of memory I was comparing topographies overlapping each other, fragments of already lived landscapes were intertwining with the ones I was seeing on the road, which was melding with the photographic images of the landscape. In this continuous weaving, the landscapes were already other ones; neither those I had seen and lived ... nor these recorded, but those that in a continuous interweaving keep on weaving themselves, the landscape’s landscape passing landscape.

Ana Procopiak alprocopiack@gmail.com anaprocopiack.wordpress.com

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Cesinha

Marin P r e t é r i t o s Preterites

Designer, fotógrafo, artista visual e estagiário da escrita. Pai do João e do Augusto, marido da Nina, tio da Manu e do Caio. Nasceu em 73 lá no interior do Paraná. Nos anos 90 veio para a capital porque cansou dos seus pés vermelhos.

Cesinha Marin is a designer, photoghapher, visual artist and a beginner in writing.

Father of João and Augusto, husband of Nina, uncle of Manu and Caio. He was born in 1973 in the country side of Paraná. In the 90’s he came to the capital city because he got tired of his red feet.

Um pacote de cartas Literalmente! Quatorze cartas envelopadas, seladas, carimbadas e cuidadosamente acomodadas dentro de um embrulho de papel pardo amarrados por um barbante.

Pretéritos Buscar o lugar das coisas e o tempo de cada uma delas. São cartas escritas ao passado, que questionam a ordem e o uso da fotografia e do texto como forma indagadora da memória, pois através das cartas, o passado pode ser revivido e nesse processo, reescrito no presente.

Essa interação, “passado/presente/texto/fotografia” realça a natureza oral das cartas, uma vez que as podemos usar para recriar constantemente novas subjetividades num processo que usa o contador de histórias como mecanismo estabilizador do tempo.

Estas interferências com o tempo de uma forma presente na oralidade das cartas, influenciam a linearidade temporal dos acontecimentos. Criando um novo passado através dos textos o presente perde qualquer sentido, tornando-se um tempo instável. Assim, na esteira de linearidade do tempo convencional, as cartas são um indício físico deixadas pelas histórias.

Pretéritos ilustra uma realidade desprovida de receios verbais. Narradas através de “histórias e estórias fictícias” tratam de acontecimentos, desejos e memórias do cotidiano, fragmentos de um tempo passado oralizados no presente.

Integrante do programa “(IN)FORMANDO NOVOS TALENTOS” é uma publicação independente em formato de Livro de Artista. Na primeira edição foram produzidas 30 cópias, numeradas e assinadas à mão.

www.cesinhamarin.com.br Instagram: @cesinhamarin Facebook: @cesinhamarin cesinhamarin@gmail.com

vídeo sobre o projeto https://vimeo.com/195241986

A package of letters Literally! 14 stamped letters in envelopes, carefully placed in a brown paper package wrapped with a string.

Preterites It pursues the place and time of things. These are letters written to the past: they question the order and the use of both photography and text as an inquiring way of memory, for the past can be relived through letters and, in this process, rewritten in present.

The interaction past/present/text/photography emphasizes the oral origin of the letters, for we can use them to constantly recreate new subjectivities in a process that makes the story teller the stabilizer of time.

These interferences with the time are present on the oral tradition of the letters and they influence the time linearity of events. Creating a new past through the texts, the present time loses its sense, turning the time unstable. Then, in the conventional time linearity, the letters are physical evidence left by the stories.

Preterites illustrates a reality free from verbal fears. Narrated through real and fictitious stories, it talks about events, wishes and daily life memories, fragments of a time in the past verbalized in the present moment.

Member of the "(In)Formando novos talentos" program, it is an independent work in the Book of Artist format. In its first edition, 30 copies were produced, numbered and hand-signed.

Cesinha Marin

O Tempo Faz tempo que não tenho tempo para te escrever sobre o tempo e os tempos que passamos juntos.

Muito tempo fiquei de cama e agora passo o meu tempo na frente da TV. Assisto o programa do tempo e se der tempo ainda pego a novela das 7h.

O jornal não dá tempo de ver, nem vontade, pois foi-se o tempo em que o noticiário falava de futebol, da loteca e do tempo.

Agora vou-me indo, se der tempo te escrevo mais amanhã.

Delivery Food Truck, Food Bike!, Ifood!!

Sabes o que vou abrir? O “FODE TRUCK”! 30 reais 20 minutos! rapidinha com estilo. O cara cara tem que ser rápido, se bem que pra uns, dá até tempo pras preliminares. Vai bombar!!

Cada dia numa esquina.

Caramba que fome, fui ao mercado hoje, trouxe Trakinas.

A essa hora da madrugada com The Smiths no vinil, nada como uma pizza com Coca-cola, mas pode ser Pepsi.

Depois um cigarro, um trago, uma punheta e vou dormir.

Ligo pro Delivery, e escuto - “este número está impossibilitado de realizar chamadas” Caraio! que fome.

To sem crédito.

Não vai rolar a pizza, muito menos a pepsi. Fui de Trakinas mesmo e sem punheta!

Filhos da Puta Hijos de la putana!!! Ligaram aqui, pediram um carreto.

Era pra levar uma geladeria e um sofá velho. Coisa pouca. No final queriam a Kombi pra um bacanal.

Fala-se isso hoje em dia? bacanal? É coisa de tio Sukita né? piorei.

Quase fui obrigado a entrar na festa, se bem que eu ia curtir.

Ultimamente tenho tido umas vontades estranhas.

Não, não!! Não virei viado.

Viado não se vira, nasce.

Se bem que deve ser legal, um namorado que te acompanha no video-game, no futebol, na cerva.

Já pensou nisso?

Namorado gay ok, difícil mesmo deve ser o cara ir pro asfalto. Filhos da Puta, sujaram a Kombi e ainda me deram o cano, filhos da puta!!

Corrosão O Som sai da vitrola, uma Sony anos 90, ganhei da minha vó, que comprou no carne do baú. Esse Silvio sempre realiszando o sonho da classe média.

Teria votado nele pra Presidente.

Jazz contemporâneo, coisa de hipster que quer dar uma de Bolchevique. Corrói até alma, som de primera.

E aí, como foi na psicóloga? Me manda a conta da luz, vai vencer. Se bem que ia ser irado ficar sem luz. Um dia de caverna, sem internet, sem geladeira, mais roots impossível.

Deixe o portão aberto pra eu posar aí, rola? comprou pão? tinha mortadela na geladeira. Vou levar cerva.

Escada Caraio véio, gente louca.

Lembra daquele dia em que tomamos aquele trago forte?

Coisa phina. Tinha umas minas, tavam na janela e a gente querendo dar uns pá nelas? Véio de boa, só lembro de um zumbido na cabeça e “caraio véio” oque era aquela escada.

Maldita. Escada.

Dei com a canela umas três vezes, tá roxo até hoje.

Caramba, lembrei que preciso comprar lâmpadas.

Falous, vou pro mercado, se der te ligo mais tarde.

Lâmpadas agora só de Led né?.

Quantas velas tem uma lâmpada de Led?

Chiara

Tedeschi Perdida em Rajastão

Lost in Rajasthan

Nascida em 1978, em Veneza, na Itália. Herdou dos seus pais a paixão pela arte, em particular pela fotografia, através do seu pai, fotógrafo amador. Teve a sorte de viajar bastante, principalmente pela Ásia (Índia, Tailândia, Singapura, Indonésia, Célebes) e na Europa, interpretando o seu viajar como uma ocasião de enriquecimento, movida pela curiosidade em relação ao “outro” e pelo desejo de misturar-se a culturas e tradições diferentes.

She was born in 1978 in Venice, Italy. She has gotten from her parents the passion for art and, in particular for photography, from her father, an amateur photographer. She was fortunate enough to travel extensively to Asia (India, Thailand, Singapore, Indonesia, Sulawesi) and to Europe, interpreting her traveling as an enrichment experience, pushed by curiosity towards the “other” and her desire to mingle with other cultures and traditions.

Sua fotografia nasce, portanto, como um instrumento para narrar e se expressar através das imagens, como um meio insubstituível para “criar memória visual”. Define-a como “social”, no sentido da denúncia e reflexo, que leva à atenção àquelas pessoas que “não têm voz”, que estão sob os olhos de todos, mas muitas vezes são ignoradas. E, ao mesmo tempo é uma fotografia pensada como “redenção”, que busca fazer emergir os “invisíveis” e suas histórias que precisam ser compartilhadas, para levar a refletir sobre a necessidade de uma mudança social.

Fui para a Índia quando tinha 24 anos, com uma mochila nas costas e cheia de curiosidade, mas ao mesmo tempo o coração pesado pelos mil conselhos dados pelos meus parentes, preocupados por me saberem só num país tão diferente e tão cheio de contradições.

O impacto com essa terra e seu povo foi muito... forte.

Cada sensação era levada ao extremo: o calor, as cores, os rumores, os cheiros, o caos, a pobreza, a riqueza, os crepúsculos... fui subjugada por essas sensações.

Logo aprendi que a Índia não facilita, pois lá não existem meias-medidas. Tudo e o contrário de tudo pode ser verdadeiro e, antes de amá-la profundamente, talvez você precise, também, odiá-la. E você começa a amá-la exatamente quando se deixa levar de forma completa, quando se imerge até o fim, livrando-se de todos os padrões e preconceitos do mundo ocidental, chegando, por fim, até a mudar de nome (o meu era Tara).

Eu trabalhei três meses como voluntária numa ONG de adoções a distância, em Pushkar, na região do Rajasthan. Nós cuidávamos de garantir uma escolaridade para as meninas, que naqueles países permanecem, na maioria das vezes, analfabetas.

Tive, portanto, a possibilidade de viver essa parte de Índia não como turista, tendo um contato com a “verdadeira” realidade, não aquela filtrada dos grandes hotéis situados nos ex-palácios dos Marajás, com piscina e criadagem!

Her photography originates as an instrument to tell stories and express herself through images, as an irreplaceable way to "create visual memory". She defines it as "social," in the sense of denunciation and reflection, which draws attention to those people who "have no voice," who are under the eyes of all, but are often ignored. And at the same time it is photography thought of as "redemption," which intends to emerge the "invisibles" and their stories that have to be shared, to lead a reflection on the need for social changes.

I went to India when I was 24, carrying a backpack full of curiosity, but at the same time, with a heavy heart because of the thousand advices given by my relatives concerned about myself alone in a country so different and so full of contradictions.

The first impact was… Strong.

All that feelings were brought to an extreme degree: the heat, colors, noises, smells, chaos, poverty, richness, sunsets… I was overwhelmed. Soon I’ve learned that India is not a country for concessions, for compromises or for absolute truths, and in order to fall in love with it, maybe you need to hate it first. Your love for it springs when you finally decide to lose yourself into it, when you plunge into it and get rid of all preconceptions and western world’s standards; and then getting a new personality and even a new name (mine was “Tara”).

I worked three months as a volunteer at a distance-adopting NGO in Pushkar in the Rajasthan region. We were supposed to guarantee schooling for the girls, who in those countries remain mostly illiterate. I had then the possibility of living in this part of India not as a tourist, but having a contact with the "true" reality, not that selected one of big hotels at former palaces of the Marajás, with swimming pools and servants.

E quando não estava trabalhando... pegava a minha máquina fotográfica, uma velha Olympus OM-1N, analógica, e me perdia. Eu perambulava pelas trilhas na floresta, pelas estradas de vilarejos, nos mercados superlotados... buscando “vida”, buscando o cotidiano, os olhares.

Eu caminhava entre as pessoas até sentir um chamado, como um ímã que me atraía para si, e... click, abria-se o stargate: uma rápida troca de olhares, uma fração de segundos que parecia durar uma eternidade, onde não mais existe fotógrafo e sujeito retratado, mas “comunhão”.

Isso é, para mim, fazer um retrato: penetração, identificação, revelação. Em certo sentido, eu vivencio uma forma de “sedução” por todos os meus sujeitos, pelo tanto que nos demos um ao outro.

Acontecia assim: as pessoas mais insólitas se abandonavam à lente desta jovem e desconhecida garota ocidental, deixando-se vasculhar na alma. E eu acolhia tudo isso como um dom, um estado de graça: o privilégio e a honra de sentir alguém confiando sua vida para poder ser imortalizada para sempre na sua foto.

Isso é, para mim, fotografar: uma honra e um privilégio, que eu tento desenvolver carregando um grande respeito pelas histórias e pelas pessoas pelas quais eu, de vez em vez, me enamoro.

Chiara Tedeschi c.tedeschi78@gmail.com Instagram: chiaratedeschi3k Facebook: Chiara Tedeschi

And when I was not working ... I would take my camera, an old Olympus OM-1N, analogue, and get lost. I wandered through the forest paths, through the village roads, in the overcrowded markets ... looking for "life", looking for the everyday, the looks. I would walk among people until I feel a call, like a magnet that was attracting me to myself, and ... click, the stargate was opened: a quick exchange of glances, a fraction of seconds that seemed to last for an eternity, where no longer exists a photographer and a subject portrayed, but a “communion”.

That’s, for me, what making a portrait is all about: penetration, identification, revelation. In some sense, I lived a form of "seduction" for all my subjects, so much that we gave one to another.

It happened like this: the most unusual people abandoned themselves to the lens of this unknown young western girl, letting their souls be searched. And I welcomed all of this as a gift, a state of grace: the privilege and honor of feeling someone entrusting their life to be immortalized forever in their photo.

For me, that’s photographing: an honor and a privilege, which I try to develop keeping great respect for the stories and for the people for whom I, from time to time, fall in love.

Chiara Tedeschi

Thiago

Casoni Umuarama

É fotógrafo formado em Jornalismo pela Unicentro (Universidade Estadual do Centro-Oeste), em Guarapuava/PR. Em 2006 foi vencedor do 12º Prêmio Sangue Novo - Categoria Fotojornalismo com o Ensaio: ‘Terra de Gigantes’ -, promovido pelo Sindijor/PR. Em 2010, foi para João Pessoa/PB onde trabalhou durante quatro anos como repórter fotográfico no Jornal Correio da Paraíba. Atualmente, desenvolve projetos autorais na área da fotografia documental pela Incubadora de Empreendimentos Econômicos Solidários (IEES). Vinculada a Universidade Estadual de Maringá (UEM).

Thiago Casoni is a photographer. He has a degree in Journalism from Unicentro (State University of Central-West), in Guarapuava – PR. In 2006 he won the 12th Blood New Award – Category Photojournalism, with the essay Terra de Gigantes, promoted by Sindijor – PR. In 2010, he went to João Pessoa – PB where he worked for four years as a photo reporter at Correio da Paraíba news. Currently, he develops projects in the area of documentary photography at Incubator of Economic Solidarity Projects (IEES), which is linked to State University of Maringá (UEM).

Informações sobre o ensaio: A série fotográfica chama-se: 'Umuarama'.

Quando retornei pra minha cidade natal pensei em registra-la buscando nossos vazios. Uma ausência concreta e abstrata representada no encontro de objetos, tons, linhas, curvas e solidão. Inconscientemente não nos damos conta de que estamos ficando cada vez mais sozinhos o encontro entre pessoas está ficando cada vez mais raro.

O fato é que o tempo passou. Nasci, cresci e cá estou novamente. Desprovido de qualquer intimidade com ela. Será realidade? Fotografia! Umuarama, um local ensolarado.

Propício para encontro de amigos. Assim a cidade é conhecida aqui no sertão paranaense. A Capital da Amizade! Há essa altura só consigo visualizar nossos olhares, brincando como amigos de infância. Neste ensaio fotográfico, nunca me senti tão íntimo do silêncio que encontrei.

Information about the essay: The photographic series is called Umuarama. When I returned to my hometown, I had thought about shooting it, looking for our empties. A concrete and abstract absence represented in the encounter of objects, tones, lines, curves and solitude.

Unconsciously we do not realize that we are getting more and more alone; the meeting between people is getting more and more rare.

The fact is time has passed. I was born, I have grown and here I am again. Devoid of any intimacy with her. Is it reality? Photography!

Umuarama, a sunny place. Suitable for meeting friends. That’s how this city is known here in the backcountry of Paraná. The Capital of Friendship! At this point I can only visualize our gazes, playing as childhood friends. With this photographic essay, I’ve never felt so intimate with the silence I’ve found.

Thiago Casoni thiagocasoni@gmail.com www.facebook.com/cogitocoletivo

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Vila

Esperança - o povo brasileiro

Hope Village - the brazilian people

Sian Sene

Talvez um dia você passe aqui na terra que eu piso, sinto, vejo e imagino. No solo que teve tantos nomes, tantas línguas deslembradas, inúmeras vidas esquecidas e histórias não mais vividas que pairam no sol das almas. As várias faces que transpõem nossa identidade e o que realmente somos e para onde caminhamos, descansa em arcaica, mas vívida utopia que tentamos desprezar. Nossa vasta extensão ilusória para alguns, tange o imaginar pueril do que somos como país. Os passos curtos anseiam, mas muitas vezes não findam o horizonte onde a esperança adormece sorrateira nos dias de devaneios convidando-nos a despertá-la e trazer aos olhos novos sonhos ou a encontrar o passado. As imagens dessa série são sutis raptos desses reflexos do nosso passado, indagações e incertezas, mas que ainda repousam em esperança.

Maybe someday you'll pass here through the same land that I walk, feel, see and imagine.

On the soil that had so many names, so many languages disguised, countless forgotten lives and stories that are no longer lived and hovered over the sun of souls. The multiple faces that transpose our identity and what we really are and where we intend to go, rest in archaic but vivid utopia which we try to despise. Our vast extent, illusive for some, is the childish imagination of what we are as a country. The short steps long for, but often do not end the horizon where hope sneaky falls asleep in the days of daydreams, inviting us to wake her up and bring new dreams to the eyes or even to find the past. The images on this series are subtle hijackings of these reflections of our past, inquiries and uncertainties, but which still rest in hope.

Edição

Foto de Capa

edition magazine photo’s cover Sian Sene

Arte Gráfica graphic art

Foto de abertura

opening photo Adalberto Camargo

Matérias Floue Image

Floue Image reports Sian Sene Alberto Dy

Fotografias photos Sian Sene

Frank Leahy

Revisão de Textos

text review Alessandra Angelo Primavera revisão de textos

Tradução de textos

text translation Luana Savian Sian Sene Regina Souza

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Chiara Tedeschi Sian Sene

Revisão das traduções de textos

revision of texts translations Regina Souza

Colaboradores de texto e fotos (Livre espaço) collaborators of text and photos (Free space) Ana Procopiak

Cesinha Marin Chiara Tedeschi Thiago Casoni

Os textos e imagens publicadas nessa seção são de responsabilidade exclusiva do autor.

The text and images published in this section are the exclusive responsibility of the author.

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Esta edição é dedicada ao nosso querido amigo e fotógrafo Javã Tarsis This edition is dedicated to our dear friend and photographer Javã Tarsis