Punto de quiebre

punto de quiebre 16 ensayos latinoamericanos joâo castilho _brasil deborah castillo _venezuela isabel cisneros _venezuela pietro daprano _venezuela rodrigo echeverri _colombia darío escobar _guatemala mauricio esquivel _el salvador silvana lacarra _argentina pepe lópez _venezuela cipriano martínez _venezuela jesús matheus _venezuela jason mena _puerto rico nydia negromonte _brasil cecilia paredes _perú bernardita rakos _venezuela marcos temoche _venezuela

beatriz gil galería

Desde finales del año pasado comenzó la transformación y el cambio que decidimos darle a la labor que por casi diez años sostuvo la galería artepuy, como una plataforma de compromiso sostenido que le dio apertura tanto a creadores reconocidos dentro de las artes visuales como a la actividad desarrollada por jóvenes talentos en todo el territorio venezolano. Crecimos, en una de las décadas más difíciles para la producción artística nacional y para la vida política, económica y social del país. Sin embargo, trabajamos con ahínco para resguardar y rescatar ese lugar tan necesario para el desarrollo del arte contemporáneo: un espacio de exhibición que fuera el lugar definitivo y multiplicador, espacio donde la obra y las investigaciones contenidas en ella pudieran finalmente cumplir su ciclo y entrar en contacto con el público.

Luego de estos años de experiencia hemos decidido dar un giro, identificándonos aún más con el proyecto para comenzar a construir un nuevo relato que propicie el intercambio entre nuestros creadores y sus colegas de la región latinoamericana. Es así como en el 2014 estamos ampliando nuestro perfil con el nombre beatriz gil galería; extensión que servirá de puente entre las investigaciones que sustentaron nuestras acciones desarrolladas desde 2004 y este nuevo espacio vinculado con el apoyo, la promoción y difusión de las diferentes manifestaciones plásticas del arte venezolano; con lo cual también se propondrán nuevas conexiones con los escenarios, las relaciones y las cartografías del arte latinoamericano más actual.

La extensión de estas líneas de investigación estarán acompañadas por la remodelación y la nueva planta de nuestro espacio expositivo ubicado en la zona de Las Mercedes, en la ciudad de Caracas, junto a la renovación de toda la imagen gráfica a cargo de la diseñadora teresa mulet; un esfuerzo institucional cipriano martínez Ballroom, Detroit

que se desprende de la intención por explorar nuevas proyecciones y posibilidades de encuentro entre la producción local y la región latinoamericana. punto de quiebre bajo la curaduría de lorena gonzález i, es la exhibición que abre esta nueva área de relaciones.

En ella recibimos y presentamos las propuestas de ocho artistas venezolanos que la curadora ha enlazado en consonancia, confrontación y encuentro con las piezas de ocho latinoamericanos de distintos países de nuestro continente.

Esperamos que esta nueva etapa de necesarias reflexiones para el desarrollo de la producción local y sus conexiones con otros puntos de interés en la vida latinoamericana, sean del beneplácito del público venezolano, generando un nuevo impulso en la investigación, los enlaces, el intercambio y el crecimiento regional del arte actual.

Del mismo modo, valgan estas palabras de presentación como un agradecimiento a todos los miembros que desde la antigua galería artepuy (valentina atencio, pietro daprano, maría fernanda conde, gabriela ceballos, milagros pérez, lieska de hernández y ninoska gonzález) consolidaron este invalorable cúmulo de transformaciones en uno de los momentos más complejos de la vida venezolana; a los curadores que nos acompañaron durante estos años: guillermo barrios, alberto asprino, félix suazo, maría elena ramos, susana benko, federica palomero, bélgica rodríguez y lorena gonzález i; y muy especialmente a todos los artistas, sobre todo a los jóvenes que iniciaron con nosotros sus primeras individuales, que junto a un público diverso, activo y constante siguieron y consolidaron cada uno de nuestros pasos. Asímismo, agradezco a todos los coleccionistas que me han apoyado y han creido en este proyecto y que hoy en día muchos de ellos son amigos. Para todos ellos va este esfuerzo por seguir construyendo nuevos enlaces y nuevos contextos para el desarrollo pleno del arte venezolano. beatriz gil directora

darío escobar Composición 37

punto de quiebre 16 ensayos latinoamericanos El siglo xxi se ha caracterizado por trazar una nueva geografía en el desempeño actual del arte contemporáneo. Dos ejes de acción, relativos y paralelos han dinamizado un complejo nudo de enlaces, novedades, descubrimientos y fluctuaciones: al alimón de las descollantes aperturas que la tecnología y el mundo web 2.0 ofertaron para todos los participantes de la cultura global se inició un ciclo donde el debate abierto comenzó a revelar nuevas zonas sombrías dentro de esas “supuestas verdades” compartidas por todos. Luego de una antesala plena de rupturas, de postulados teóricos, de conjeturas albergadas en el ejercicio humano y social de la escalada triunfal de la cyber-democracia, la nueva era sembró el desconsuelo de estridentes imposibilidades de conexión: guerras, desmanes, una miseria generalizada y un funesto desarrollo de neo-fundamentalismos reciclados que ya han devastado las lejanas esperanzas del progreso.

Sin embargo, la posibilidad individual ha surgido con empeño en medio de la crisis y el caos mundial que nos envuelve.

Desde ese punto de quiebre que transformó las relaciones de lo particular con el entorno entre finales del siglo xx y los inicios del xxi, también se han develado nuevas estrategias de acción: eslabones donde el documento, la memoria, el testimonio y las diversas formas de asentar la fugacidad de la experiencia privada y colectiva anclan el poder de un individuo que ya no observa lugares soñados a dónde debe llegar para ser alguien, o inaccesibles utopías impuestas por otros que deben ser alcanzadas para encontrar algo. Ahora, más que nunca, las ilusiones particulares saben que es solo desde el constructo crítico de sus propias fronteras y desde su capacidad para aglutinar las voluntades que le rodean, el sitio real donde pueden y podrán consolidar un mejor lugar para sí mismo y para los otros.

< pietro daprano De la serie Dismorfobia o el ensayo de la obediencia.

En este sentido, las perspectivas del arte en general y muy especialmente del arte latinoamericano han transformado una buena parte de sus inquietudes, desviando esa área inicial insertada en la necesidad de colocar el propio discurso dentro de los movimientos legitimadores de la cultura foránea hacia una mirada interior mucho más plural, zona refractada de un arte que se levanta en el punto de quiebre de estas antiguas prácticas territoriales para presentarse como la reedición de una nueva sensibilidad, ahora focalizada en los propios problemas formales, conceptuales, políticos y sociales de los creadores, sin dejar de ser áreas de contenido capaces de albergar un carácter mundial-global.

Este ejercicio entra en conexión directa con varias de las pautas teóricas que para el arte actual ha introducido el crítico nicolas bourriaud quien se apropió del vocablo post-producción con la finalidad de concertar las señales de esa ebullición creativa distintiva de nuestro tiempo: empalmes donde la materia manipulada por el artista ha dejado de ser «materia prima» para elaborar «formas» a partir de productos culturales «in-formados» por otros; derivaciones artísticas donde el arte ya no es el aspaviento inédito heredado de la modernidad o la obra única capaz de sostener la verdad y la esencia de un lenguaje oculto. Ahora, son obras a partir de obras, productos de consumo, retazos culturales, trozos de film, objetos varios, material web, sonidos reeditados, estereotipos, reciclaje y apropiación, algunas de las destrezas y mecanismos que determinan el arte más reciente. La consecución de los procesos ya no guarda relación con las famosas rupturas formales de la vanguardia de turno o la necesidad latinoamericana de reinsertarse en las líneas de acción de este perímetro hegemónico. El acontecer que la globalización y la era de internet le han conferido

jason mena Fault Line

a las relaciones entre autor, medios, lugares de difusión, obra y receptor, ha encaminado los procesos hacia la ilación de retazos donde la memoria, el fragmento, la historia individual y la metáfora serán las claves para una obra que más que asentamiento de verdades es discurso en proceso, periplo del sí mismo, puesta en escena de todas las inquietudes que ese sujeto artístico está tratando de convocar y transmitir.

En punto de quiebre hemos querido medir y poner en relación las propuestas visuales de dieciséis artistas de generaciones distintas y de contextos latinoamericanos diversos (algunos residentes en países diferentes a su lugar de origen) que se insertan en el desarrollo de estas aristas tan características de nuestra contemporaneidad. A través de tácticas diversas y con la expectativa única de responder y preguntar a través del arte, revisitan y escamotean lugares donde la fotografía, la pintura, el dibujo, la performance, el collage, el video, la instalación y la escultura se enlazan como las bases de una acción en plena resonancia con los tránsitos vitales del contexto y la experiencia particular del yo dentro de los vaivenes virtuales y las huellas materiales del ser social. La investigación se inició sin temas específicos, pero poco a poco, en los intercambios desarrollados durante varios meses, miles de zonas en comunión vinieron a correr la cortina de ese lugar central que le dio el título a la muestra; punto de quiebre, ruptura con las formas y los medios tradicionales de ejecución formal y conceptual que vienen a levantar una sucesión de crónicas visuales cercanas entre sí: desde los gestos efímeros, la permanencia de lo visual y las alegorías trashumantes de una presencia humana a contrapunto de la imagen (Joâo castilho, bernardita rakos, isabel cisneros, mauricio esquivel); en las resonancias de un presente que reposiciona la historiografía latinoamericana, generando disposiciones fracturadas, residuos

nydia negromonte De la serie Los viajeros

ancestrales y compendios críticos de una gran fuerza visual (jesús matheus, silvana lacarra, darío escobar, cipriano martínez); en los vínculos de la presencia, la acción del cuerpo físico y su relación con los elementos como foco que reinstala el ciclo vital de una memoria subterránea desprendida desde la referencia local hacia los vericuetos de la memoria colectiva (nydia negromonte, cecilia paredes, pietro daprano, pepe lópez); hasta las señales de lo urbano, los olvidos de la historia oficial y sus contradicciones, así como las prácticas, movimientos y manipulaciones de un poder transfigurado y suscrito por relaciones ocultas y golpes ambivalentes en el día a día del ciudadano común (jason mena, rodrigo echeverri, deborah castillo y marcos temoche).

En punto de quiebre todos los artistas dispusieron sus proyectos como una jugada verbal, un enunciado iconográfico alrededor de las distintas temáticas generales que los agrupan y que también podrían conectarlos transversalmente.

Es por ello que se ha usado la figura del “ensayo” como núcleo central de descripción y reunión de los distintos entramados formales que cada uno ha aplicado para este primer encuentro; una apuesta curatorial que también funciona como un proceso abierto en el diálogo sostenido con ellos y que en ambos casos trabaja como un campo de investigación compartido, dando como resultado una cartografía amplia, plena de evidencias e incertidumbres, de discursos visuales transitivos, de engranajes implícitos y elementos fugaces que van tras esa imagen plural que está intentando narrar y narrarse frente a las fracturas –individuales y colectivas– que inundan las mudables verdades de nuestra cultura contemporánea. lorena gonzález i.

joão castilho De la serie Azul (Redemunho)

joão castilho 1978, Belo Horizonte, Brasil. Vive en Belo Horizonte, Brasil.

João Castilho es un joven creador brasilero cuyo trabajo comienza a despuntar en la escena latinoamericana como una pertinente reflexión en torno a las distintas poéticas y posibilidades de la luz y el color mediante el uso de la tecnología. Se ha destacado desde comienzos del siglo XXI como un fotógrafo capaz de modelar el curso de la imagen más allá de sí misma, traspasando la captura simple de la fotografía hacia nuevas narrativas visuales, espacios activos donde el uso especial que hace de la imagen es capaz de reconstruir sólidas secuencias que propician inéditos campos de experimentación con el afuera. La acción física también forma parte de los proyectos fotográficos de Castilho, un giro inquietante donde sucesos exteriores a la vinculación de los elementos internos de la toma, van dejando su rastro en cada una de sus series, desplazando la unidad del conjunto hacia un trabajo de carácter procesual.

El video y la edición especial del foto libro como estrategias artísticas, acompañan varios de sus proyectos expositivos. Entre los libros de autor destacan Hotel Tropical realizado en 2013 y Pulsión Escópica llevado a cabo en 2012. Ha participado en múltiples exposiciones colectivas y ha realizado muestras individuales en ciudades como Sao Paulo, Nueva York, Recife, Belo Horizonte y Bolivia. También ha recibido premios como el Prêmio Ibram de Arte Contemporânea, Brasil (2012), el Prêmio Funarte Marc Ferrez de Fotografia, Brasil (2010) y el Prêmio Fundação Conrado Wessel de Arte, Brasil (2008), entre otros galardones. Recientemente participó en el Salón de Solo Proyects bajo la curaduría de José Roca en la Feria Perú Arte Contemporáneo (PArC 2014).

1_ A Errancia o Exilio, [díptico] 2012 impresión inkjet 45 x 120 cm c/u 2_ Azul (Redemunho), [políptico 8 piezas] 2006-14 impresión inkjet 50 x 75 cm c/u 3_ Lote Vago, [políptico 12 piezas] 2007 impresión inkjet 40 x 60 cm c/u

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deborah castillo 1971, Caracas. Vive y trabaja en Caracas.

Los inicios de la actividad expositiva de Deborah Castillo estuvieron marcados por lo que comenzaba a consolidarse como una entidad crítica en constante reflexión con los sucesos de su entorno más inmediato y con las problemáticas de su condición como mujer y como artista. De los nexos con su tradición y la herencia de lo femenino partieron sus primeras obras, las cuales se fueron desplegando hacia un constructo que reveló la experiencia íntima en exposiciones como: Oficio de mano en la Sala NG del CELARG y el desarrollo de personajes hiperreales donde su propio cuerpo funcionó como la cartografía con la que ironizó y cuestionó no sólo estereotipos actuales de la mujer pública sino las complejas relaciones entre lo femenino y la hegemonía autoritaria del poder.

En el año 2003 obtuvo el Segundo Premio en el VI Salón CANTV Jóvenes con FIA y el reconocimiento único del XI Premio Mendoza por la obra Colección privada.

Posteriormente desarrolló una estadía en la ciudad de Londres donde se involucró con los temas del sudaca, la explotación general del inmigrante y la convivencia de las contradicciones propias del autoexilio en un trabajo que se expandió hacia nuevos territorios de la vida social. Durante los años siguientes explorará las tramas del quiebre de la vida cultural venezolana en la individual CARACAS: El Nuevo Circo. Bestiario de curadores y artistas (2009) y los pliegues de la vida interior junto a los ciclos de la vida y la muerte, el amor y el desapego en la propuesta Deborah Castillo (2011); ambas exhibidas en los espacios de OFICINA#1. Luego de su más reciente individual bajo el título ACCIÓN Y CULTO, se ha sumergido en los laberintos del poder y en las estrategias directas de confrontación, dispersión y análisis de una iconografía vigorosa que ha regido los últimos acontecimientos de la vida social, política y económica de toda Latinoamérica. El video, el performance, las acciones para la cámara, la fotografía y la instalación son algunas de las estrategias donde pone en juego estos elementos, registrando a través de sí misma y junto a la recopilación de testimonios visuales del entorno, los engranajes de esquemas reveladores que parecen insertarse en un componente casi ancestral de la idiosincrasia venezolana. A este impulso, pertenecen las esculturas exhibidas en esta exposición, tótems perdidos de una iconografía ahogada, facciones tasajeadas por el abuso, la repetición y la manipulación del populismo frente a las fracturas de lo social.

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1_ Ruina I 2014 vaciado en cemento y yeso 40 x 20 x 20 cm 2_ Ruina II 2014 vaciado en cemento y yeso 40 x 20 x 20 cm 3_ Ruina III 2014 vaciado en cemento y yeso 40 x 20 x 20 cm

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isabel cisneros 1962, Caracas, Venezuela. Vive en Caracas, Venezuela.

Isabel Cisneros es una creadora venezolana cuyos inicios se consolidan en el oficio de la cerámica a partir de la fabricación de piezas utilitarias.

Sin embargo desde los comienzos de su actividad expositiva en 1989, indaga a través de este medio en una reflexión específica del arte contemporáneo, desplegando estrategias formales que le permitirán establecer diversos puntos de contacto y de ruptura entre las posibilidades de la cerámica como entidad formal y su ampliación conceptual como metáfora escultórica. Este ejercicio la ha llevado hacia la construcción de enlaces con otros materiales, donde el ensamblaje le ha brindado una experiencia ampliada con la que afianza una valiosa cartografía visual.

Realizó estudios en letras y museología en la Universidad Central de Venezuela, Caracas. Estudió cerámica en el Instituto de Diseño de la Fundación Neuman, en la Asociación Venezolana de las Artes del Fuego, AVAF, en el Taller Escuela Arte Fuego, Caracas y en la Universidad de Lincoln, Estados Unidos de Norteamérica.

Expone individualmente desde 1990, destacando las muestras: nu-dos. Galería Forum, Lima, Perú (2007); Flexible Sculpture. Mawson Gallery, Canberra, Australia (2008), Embebidas. Faría+Fábregas Galería, Caracas, Venezuela (2009) y Ablandando hasta el agua. Galería D’Museo, Caracas, Venezuela (2013). Ha formado parte de importantes colectivas nacionales e internacionales, destacando su más reciente participación en el concurso Gyeonggi International Ceramic Biennale, Icheon, Korea (2013) de donde provienen las piezas Energy y People exhibidas en esta ocasión. En estas obras Cisneros acentúa los eslabones visuales desde los que consolida su capacidad de convertir el material cerámico en cuerpo expresivo y reflexión visual en relación con las emanaciones del contexto que le rodea.

Entre los galardones obtenidos por su trabajo, destacan el Award of Encouragement, XI Cloisonnée Jewelry Contest (1998); el Premio Secretaría de Cultura del Gobierno del Estado Carabobo, XXXI Salón Nacional de las Artes del Fuego (2004); el Premio Ciudad de Valencia. XXXIII Salón Nacional de las Artes del Fuego (2006); el Premio Cerámica Carabobo. XXXV Salón Nacional de las Artes del Fuego (2008); el XXXVI Premio Nacional de las Artes del Fuego.

XXXVI Salón Nacional de las Artes del Fuego. (2009); y el Premio Nacional de Escultura. X Bienal Nacional de Escultura Francisco Narváez (2009).

1_ People 2012-13 arcilla modelada y ensamblada con acero 90 x 50 x 7 cm 2_ Energy 2013 arcilla modelada y ensamblada con acero 84 x 15 x 15 cm

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pietro daprano 1971, Caracas, Venezuela. Vive en Caracas, Venezuela.

Fotógrafo performancista y artista, la obra de Pietro Daprano trata de hurgar, a través de un sostenido ejercicio de la fotografía, el video y el performance, en los esquemas y estereotipos de nuestro día a día, propiciando un inquietante tratamiento visual sobre las estructuras socioculturales que nos rodean. Trabaja desde líneas de investigación cercanas a la tradición crítica de la fotografía de las últimas décadas. En las imágenes y series de investigación de sus procesos visuales sobresale el ejercicio de la imagen a través de la conjunción de diversos elementos compositivos, confrontándonos con importantes consideraciones sobre nuestros patrones actuales de relación, cultura y desarrollo y muy especialmente sobre las líneas de quiebre en las asignaciones hegemónicas del poder y las luchas subalternas que estampan la cultura actual.

En la serie Dismorfobia o el ensayo de la obediencia realizada entre 2013 y 2014, Daprano profundiza en los confusos sitios de lo “real” y lo “ficticio”, no ya desde la copiosa cultura visual de nuestra actualidad sino hurgando en la experiencia personal y en las marcas físicas de un individuo sometido a saturadas situaciones de violencia acompañadas por un mensaje castigador que condiciona las posibilidades reales del ser para desenvolverse con libertad. De este modo la idealización simbólica de trabajos anteriores se desplaza hacia los complejos engranajes materiales de un individuo cuestionado y condicionado a dirigir sus propias decisiones vitales: cuerpos azotados por las demandas y exigencias de un poder ajeno a sus propias necesidades.

Expone individualmente desde 2002. Ha participado desde finales de los años noventa en una gran cantidad de muestras colectivas en Caracas, Sao Paulo, Río de Janeiro, Nueva York, Buenos Aires, Miami, Madrid, México DF y Londres.

Su actividad se combina entre el ejercicio plástico, intervenciones en el espacio y la performance, actividad donde sobresale por trabajos como El aspirante (CCCH, 2010), A2M (CCCH, 2009) y Detén el tiempo más no tus emociones (GAN, 2005). Entre varios de los reconocimientos que ha recibido destaca el Tercer Premio en la 65 Bienal Salón Arturo Michelena. Casa de la Cultura; Valencia, Venezuela (2011) y el Primer Premio de Fotografía, Premio Municipal de Artes Visuales del Salón Juan Lovera; Caracas, Venezuela (2002).

1_ Dismorfobia o el ensayo de la obediencia. V r 2013-2014 photo rag® 308 gr 100% algodón 35 x 24,5 cm c/u

rodrigo echeverri 1975, Bogotá, Colombia. Vive en Bogotá, Colombia.

Rodrigo Echeverri es un creador colombiano cuyo centro de acción se ha focalizado en el estudio de diversas manifestaciones del contexto a través de la formalización visual de los materiales de su entorno político y social, pesquisas que el artista reconstruye en torno a las trampas de una cultura global que nos sobrepasa y a través de la delicada sintonía de elementos que acercan la mayor parte de sus propuestas a la materia activa de la instalación visual.

La complejidad de la vida colombiana y la guerra interna que sacude las bases de esta cartografía, también se desplazan en varias de sus intervenciones hacia problemáticas actuales donde peligran los derechos individuales en medio de la simulación de un bienestar general reconstruido por las estrategias hegemónicas del poder.

Numerología, es una obra del año 2013 donde Echeverri profundiza mediante elementos descriptivos (numeradores de escenas del crimen) en estas categorías.

A partir de la práctica general de un comportamiento policial ultra-efectivo que ha sembrado en la cultura global la famosa serie policial norteamericana CSI, el artista establece con pequeños detalles formales en relación, una comparación abismal entre una ficción capaz de resolver un crimen en 48 horas y la realidad de un contexto donde -aunque se cuenta con los mismos recursos y elementos característicos de la serie- la ineficiencia judicial colombiana y los intereses de turno, prolongan sentencias que incluso retrasan conscientemente los procesos para llegar al vencimiento de términos, tiempo en el cual se diluye la validez del juicio y se le da libertad inmediata al investigado.

Echeverri estudió Artes Plásticas en la Universidad Nacional de Colombia.

Ha participado en muestras colectivas desde finales de los años noventa en ciudades como Bogotá, Puerto Rico, Cali, México D.F., Boston, Nueva York, Panamá, Barranquilla, Miami y Washington. Recientemente expuso la muestra individual A mi medida (2010) en el Centro Colombo Americano de Bogotá y en la Alianza Colombo Francesa de Cali. Ha obtenido varias distinciones entre las que destacan: el Primer Premio, Salón Cano del Museo de Arte de la Universidad de Bogotá (1998) y fue Ganador del Ciclo Jóvenes Artistas de la Alianza Colombo Francesa (2007).

1_ Vencimiento de términos 2013 instalación pvc, pintura y metal medidas variables

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darío escobar 1969, Ciudad de Guatemala. Vive en Ciudad de Guatemala, Guatemala.

Artista de reconocida trayectoria, la obra de Darío Escobar representa en la actualidad un lugar especial de referencia dentro de las distintas vertientes que componen el arte latinoamericano más reciente. Desde finales de los años noventa participa en valiosas colectivas en instituciones como Los Ángeles County Museum of Art, el Orange County Museum of Art de California, el Centro Cultural de Sao Paulo, el Museo de Arte Contemporáneo de Chile y festivales como la Bienal de Guatemala y la Bienal de Venecia, entre otros. En el 2013 realizó varias individuales entre las que destacan Pintura abstracta, González & González en Santiago de Chile, Sin título en la Kamel Mennour Galerie de París y Blacksmith Paintings en la Josée Bienvenu Gallery de Nueva York. Recientemente acaba de inaugurar la muestra Broken Circle en el CAFAM Museum de la ciudad de Los Ángeles.

Darío Escobar es arquitecto, pintor, escultor y tiene una amplia experiencia en la restauración y conservación del arte colonial, estrategias formales que lo han llevado desde 1996 a desplegar una consecuente labor artística centrada en la investigación del objeto de consumo como centro de acción y reelaboración de nuestra cultura contemporánea. En su trabajo ha prevalecido la apropiación de entidades y mercancías derivadas de los mecanismos de manufactura cotidianos, con la intención de revisar y escarbar en los mitos ocultos de esos “en apariencia inofensivos” productos mercadeables.

A lo largo de su trayectoria ha usado incluso técnicas de la tradición sacra colonial para insertar sobre estos objetos un riesgoso intercambio de significados donde brota la complejidad de la historia latinoamericana en su larga cadena de mutilaciones, conglomerados y transferencias simbólicas, potente extrañeza de una apropiación que revela las trampas del comportamiento, los modos del poder y la conducta actual de nuestras sociedades. En el caso de las piezas que forman parte de esta colectiva, la fuerza crítica de Escobar se traslada desde el objeto hacia los paraísos ficticios de la propia cultura visual latinoamericana, herencia minada por la ensoñación melancólica de la nostalgia progresista frente a las duras realidades que pululan en cada una de sus cartografías. Es así como los hitos de la modernidad latinoamericana son reprogramados en vigorosos reajustes de altivas geometrías que titilan frente a las durezas del contexto, destilando desde sus dinámicas abstracciones las huellas indelebles del gesso y las oscuras emanaciones de aceite quemado de motor.

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1_ 1_ Composición 32 2013 aceite de motor sobre papel de algodón, montura elaborada taller del artista 4 piezas 37,5 x 134 cm 37,5 x 29,5 cm c/u

2_ Composición 37 2013 aceite de motor sobre papel de algodón, montura elaborada taller del artista 8 piezas 37,5 x 252 cm 37,5 x 29,5 cm c/u

3_ Composición 39 2013 aceite de motor sobre papel de algodón, montura elaborada taller del artista 3 piezas 67 x 67 cm 37,5 x 29,5 cm c/u

4_ Escultura transparente X 2014 madera medidas variables 2_

mauricio esquivel 1983, San Salvador, El Salvador. Vive en México D.F. Desde el año 2008, el artista salvadoreño Mauricio Esquivel ha realizado una gran cantidad de residencias internacionales con la finalidad exclusiva de indagar en el fenómeno migratorio y en las distintas simbologías, trampas e ilusiones que guían a algún grupo humano a intentar encontrar una mejor calidad de vida y desprenderse de la fuerza originaria de su terruño. Así ha recorrido países como Nicaragua, Cuba y México, lugar transitivo donde permanece trabajando en la actualidad. En cada uno de estos lugares ha desarrollado un importante cuerpo visual de intervenciones, instalaciones, estructuras, fotografías y acciones, con las que relata desde los campos abiertos de la imagen contemporánea, una buena parte de los bordes ocultos que rodean estas experiencias colectivas.

En este mismo orden de relaciones este creador ha perfeccionado un trabajo pictórico donde tiene especial relevancia el cruce de imágenes y referencias visuales. En este trabajo, las verdades ancestrales de una historia oficial y los grandes relatos del arte se entrecruzan con imágenes habituales de la cartografía global, sucesos, personajes efímeros, pornografía estándar, entramados sociales y siluetas particulares que moran en el detritus de las redes sociales y el mundo web. La apropiación de ambos relatos (la ilusión oficial y la ilusión cotidiana) es decantada mediante un delicado proceso pictórico, un “dripping controlado” que diluye los límites entre ambas experiencias visuales, generando un tercer conjunto visual, un híbrido que reconstruye su propio relato.

Mauricio Esquivel es Licenciado en Artes Plásticas por la Universidad de El Salvador, ha participado en muestras colectivas donde resaltan la X Bienal de Cuenca, Ecuador (2009); la I Trienal Internacional del Caribe en República Dominicana; VII Bienal Centroamericana de Nicaragua y la colectiva Eraser Home en el Festival Internacional de las Artes de Costa Rica (2012). Con la individual titulada Líneas de referencia (2009) obtuvo el Primer lugar del X Premio Arte Joven en el Centro Cultural de España de El Salvador.

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1_ De la serie Glitch and Landscape Sin título 2014 acrílico sobre lienzo 60 x 60 cm 2_ a la 6_ De la serie Glitch and Landscape Sin título 2014 acrílico sobre lienzo 90 x 40 cm c/u

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silvana lacarra Buenos Aires, 1962. Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina.

Artista de reconocida trayectoria, Silvana Lacarra es una investigadora consecuente en torno a los nexos dinámicos que surgen entre las distintas manifestaciones formales de la abstracción y la sensibilidad efímera de los materiales comunes a los gustos, propiedades y preferencias estéticas de la sociedad. En estos engranajes desplegados a través de toda su trayectoria expositiva, Lacarra trae a la familiaridad de lo cotidiano toda la potencialidad ideal de la formulación abstracta, tejiendo con un renovado e inédito informalismo social, huellas indelebles que se desprenden desde las distintas maneras en que la estructura colectiva apreció e instauró el uso de determinados elementos en la decoración interna de sus propios procesos emocionales.

Desde 1992 ha llevado a cabo más de diez exposiciones individuales, siendo la más reciente Solos y duos en el Zabaleta Lab de Buenos Aires (2011), muestra en donde tejió inusitadas relaciones abstracto-sensibles y espaciales entre la madera, el aluminio, la alpaca y la fórmica. También ha participado en más de cincuenta muestras colectivas en instituciones como el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, el Museo Rufino Tamayo de México, el Museo de Arte Latinoamericano de Los Ángeles, el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas y el Museo de Arte Contemporáneo de Chile. Ha obtenido, entre otros reconocimientos, el Premio Nacional de Pintura de Banco Central de la República Argentina (2008, segundo premio) y el Premio Argentino de Artes Visuales (2006, primer premio), Fundación Osde.

Otro Audi pertenece a la serie del mismo nombre con la que recientemente Lacarra desarrolla la vía de nuevas metáforas causales; reminiscencia de una inquietud que le otorgó el diálogo con otro artista sobre la obra Jardín del año 2011. Partiendo desde la luminosidad y las múltiples lecturas que se desprendían de sus orificios, la creadora abrió el campo a una ventana inusual; así nació Otro Audi, artificio consolidado como sensorialidad posible, mapa alterado de rutas focales, un encuentro con la velocidad, con los cambios de dirección: una obra que surge como intersección formal y conceptual, donde la pintura para autos reconstruye desde la referencia cotidiana, un dinámico campo fantasmal en la mirada del espectador, colmado de recuerdos y de nuevas asociaciones.

1_ Otro Audi I 2012 pintura acrílica para autos sobre madera 90 x 120 cm 2_ Otro Audi IX 2013 pintura acrílica para autos sobre madera 90 x 120 cm

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pepe lópez 1966, Caracas, Venezuela. Vive en Caracas, Venezuela.

Aplicando su experiencia como ingeniero e investigador consecuente de las artes visuales, la obra de Pepe López se ha concentrado en pequeños gestos que van ampliando los bordes sinuosos de la realidad cotidiana. Los materiales usados por el artista aprehenden y multiplican hacia el infinito los encuentros con las metáforas del detritus urbano, siguiendo un despliegue de estos gestos en el espacio museográfico que incluyen los desbordamientos formales de distintas prácticas acumulativas y dinámicas generadas por el propio espacio, factor que se centra como uno de los puntos más impactantes en la materia dialogante de sus particulares poéticas visuales.

Para Pepe López la convulsa ciudad de Caracas y esa suerte de transformación alegórica de un detritus que desde hace un tiempo viene explorando en sus obras e instalaciones es el punto fundamental del trabajo. En cada uno de sus proyectos expositivos, los rastros de una urbe en metamorfosis se desplazan por las paredes de la sala, proyecciones ideales y concretas que tomando sus matrices de los planeamientos virtuales de Google Maps y de otras redes sociales se trasladan con un movimiento inusitado para invadir tridimensionalmente el espacio. Con este gesto, López siembra nuevas vicisitudes desde las marcas de los usos cotidianos del afuera: un traspaso entre la geometría, el desplazamiento urbano, el caos y la proyección idealizada de esas complejas realidades que habitan en la capital venezolana y otras cartografías similares.

Desde comienzos de los años noventa ha expuesto en distintas colectivas en Museos y galerías de toda Venezuela. En 1992 presenta su primera gran instalación individual en la Sala Mendoza bajo el título La sexualidad contaminada y en 1997 participa en la I Bienal de Mercosur en Portoalegre, Brasil.

A partir de este momento su trayectoria internacional se inicia profusamente en colectivas, bienales y ferias. En 1998 recibe la Beca de la UNESCO-Aschberg y viaja a la ciudad de Londres donde realiza varias exposiciones. Desde entonces y a su regreso a la ciudad de Caracas su obra ha sido exhibida en distintas muestras individuales y colectivas en ciudades como Miami, La Habana, Rosario, Nueva York y París. En el año 2013 realizó dos muestras individuales: Escalera al cielo en la Dot Fifty One Gallery en Miami, Florida y Geometría 4 en kilo en la Galería Artepuy de la ciudad de Caracas.

1_ De la serie Protocolo 2013 fotografía intervenida foto nicola rocco de la serie caracas cenital 40,5 x 60 cm 2_ De la serie Protocolo 2013 fotografía intervenida foto nicola rocco de la serie caracas cenital 81,5 x 124 cm

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3_ De la serie Geometrías marginales 2014 hierro de 6 mm medidas variables y adaptables 3_

cipriano martínez 1965, Caracas, Venezuela. Vive y trabaja en Londres, Inglaterra.

Cipriano Martínez es un artista venezolano que vive y trabaja actualmente en Londres. Ingeniero civil de la UCV y Licenciado en Artes del antiguo IUSEPAR, se trasladó a finales de los noventa a la capital inglesa para completar un Master in Art en el Chelsea College of Arts & Desing, convirtiéndose posteriormente en investigador asociado de esta institución. En el año 2003 y siempre en contacto con su país, obtuvo una mención especial del jurado en la XI edición del Premio Mendoza por su obra Situación Naranja. Desde entonces ha trabajado con las organizaciones actuales de lo pictórico a partir de una reflexión personalizada del paisaje como lugar de la representación, escenario ideal y espacio de interacción donde las cartografías del inconsciente y los fragmentos obsesivos de la cultura digital-global se traducen en abstracciones inéditas cargadas de nuevos significados.

Ha participado en más de treinta muestras colectivas en ciudades como Madrid, Caracas, Londres, Bogotá y Miami. Desde el año 1998 exhibe individualmente, culminando nueve exposiciones entre las que destacan Destructive Testing, Maddox Arts, Londres (2012); Caracas Espectral, Sala Mendoza, Caracas (2009) y El Orden desde adentro, Pages Espai d’Art. Barcelona, España (2006).

En el conjunto de piezas Ballroom Detroit, Martínez indaga en las distintas disposiciones de la memoria urbana mediante señales y cromatismos fugaces que son traspuestos y reinventados por el artista a través de la pintura. En estas rememoraciones dinámicas, visita patrones cinéticos, retículas y serializaciones informales mediante un ejercicio de tránsito que reproduce los intentos fallidos de la memoria en su captura del afuera. Este acto está también vinculado con el síncope de una imagen estancada en la reproducción aberrante de nuestras estructuras virtuales y sus proyecciones abstractas. El contrapunto crítico y la metáfora se suscitan al abrir el paso a una geometría accidentada que desde su propio desvanecimiento comienza a levantar las señales contemporáneas sobre un individuo cuya frágil percepción se desenvuelve mediante un acto voraz de reconstrucción constante.

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1_ Ballroom, Detroit 2011 óleo sobre tela 140 x 100 cm 2_ Billboard IV 2011 óleo sobre tela 140 x 100 cm 2_

jesús matheus 1957, Caracas, Venezuela. Vive en Boston, Estados Unidos.

Jesús Matheus es un artista venezolano de reconocida trayectoria en la escena plástica nacional e internacional. Su trabajo se ha centrado en el estudio, actualización y desmembramiento de la tradición pictórica latinoamericana, indagando en puntos cruciales de una modernidad que consolidó y testimonió la vida visual y la historia plástica de una buena parte de nuestro continente.

Sin embargo, la característica principal en el trabajo pictórico de Matheus ha sido precisamente su particularización de una historia no oficial de esta tradición plástica, un recorrido donde la abstracción geométrica es el punto de partida para indagar en los nuevos estados del ser social frente a las complejas variables del mundo latinoamericano.

Es así como los rastros cromáticos del sueño, la remembranza del ser colectivo y los tránsitos especiales de la individualidad en medio del cotidiano consolidan nuevas maculaturas, texturas y materiales que se alternan en la superposición de capas tan característica de su trabajo con las que también ha abordado la gráfica, el dibujo y la instalación. En estos espacios e intersticios la materia sensible de su obra genera sugerentes territorios geométricos que están siempre a punto de desaparecer. Más allá del elemento fijo de la capa pictórica, la acumulación y disposición especial en la obra de este artista, profundizan en una reconstrucción de estados visuales que se presentan como un recorrido constante y atemporal de revelaciones y ausencias.

Matheus fue profesor de grabado y dibujo en el Instituto de Estudios Superiores en Caracas. Ha realizado exhibiciones individuales en toda Latinoamérica y su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas en países como Brasil, Colombia, México, Venezuela, Cuba, Puerto Rico, Estados Unidos, España, Suiza, Francia y Austria. En el 2013 completó tres muestras individuales: Time Pieces (en compañía de Danielle Sauvé) en la Galería ARTBLOCK, Boston, Massachusetts; Square Totem/recent work en el Ideobox Artspace de Miami, Florida; y El cuadrado inquieto (The Restless Square) en la Galería Artepuy de Caracas, Venezuela.

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1 _ a la 4 _ Topos 2014 impresión en relieve sobre papel vellum recortado 28 x 28 cm c/u

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jason mena 1974, San Juan de Puerto Rico, Puerto Rico. Vive en México DF, México.

Jason Mena es un artista latinoamericano cuyo trabajo crítico se ha focalizado en la construcción de acciones visuales a través de la fotografía, el video y la intervención, estrategias mediante las cuales propicia nuevos linderos de la producción creativa en perfecta consonancia con la actividad del arte más reciente. En la obra de Mena despunta un cuerpo de trabajo que profundiza sobre las agudas problemáticas sociales, políticas y económicas de los distintos contextos que nos rodean. Una estrategia dinámica de nuevas relaciones estéticas que en lugar de asentar protocolos formales, se sumergen en inquietantes preguntas que van a anclarse en la vida, las formas de relación, la historia y la experiencia cotidiana de aquel que mira.

En el año 2006 se licenció como Bachelors of Arts en la Escuela de Artes Plásticas de San Juan de Puerto Rico. Ha participado en varias colectivas desde el año 2005 en ciudades como Puerto Rico, México, Madrid, Boston, Nueva York, Venecia, San Francisco y Moscú, entre otras. En el 2011 inauguró su individual Lights out for the territory en la Galería ADM de Ciudad de México donde se encuentra en residencia. En el año 2010 expuso en la Galería Luis Adelantado de la ciudad de Madrid con la muestra We all shall play in the ruins. En 2011 recibió el Premio Especial Arte Laguna en la 5th International Art Prize de Venecia y en el 2012 obtuvo una beca de la Milton Avery Graduate School of the Arts del Bard College de Nueva York.

Para esta muestra, Mena participa con dos propuestas. Una de ellas es la acción para la cámara bajo el título Fault Line, línea de quiebre con la que dibuja el recorrido de una trama continua a través de las decadentes estructuras modernistas de la Unidad habitacional Nonoalco-Tlatelolco de Ciudad de México. Las ilusiones del progreso y la debacle actual de nuestras sociedades son señaladas por Mena al incursionar con esta intervención en el complejo habitacional más grande del D.F. diseñado por el arquitecto Mario Pani en 1960, el cual rodea la Plaza de las Tres Culturas, lugar emblemático donde la síntesis simbólica del México Prehispánico, el pasado colonial y la contemporaneidad, fueron testigos de la masacre del 02 de octubre del año 1968, cuando el gobierno mexicano y los grupos paramilitares reprimieron y asesinaron una manifestación estudiantil que se pronunciaba ante los desmanes económicos y el totalitarismo del gobierno de Gustavo Díaz Ordaz.

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1_ Serie Failed States 2011 c-print 30,48 x 45,72 cm c/u 2_ Fault Line 2012 video 2’2’’

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nydia negromonte 1965, Lima, Perú. Vive en Belo Horizonte, Brasil.

Usando varios medios –dibujo, escultura, instalación, fotografía, apropiación, video e intervenciones en la web- el trabajo de esta artista cuestiona la tensión entre el objeto y los bordes del lenguaje artístico. Negromonte se ha dedicado a transformar los intersticios del ambiente y las tramas externas del afuera en una tribuna de inquietudes poéticas que nos hablan sobre la subsistencia de cada forma vital. Su obra se concentra en las relaciones humanas y en esos espacios que de algún modo hemos dejado de habitar. El azar de este tránsito insospechado es revelado por la artista a través de las muchas posibilidades materiales y la potencia sostenida de cada soporte, estrategias formales con las que reconstruye otro tiempo en la vida oculta de múltiples zonas olvidadas.

Las alteraciones situacionales en un espacio pleno de fragmentos son los centros más importantes de su trabajo. En cada una de sus propuestas la obra se transforma en una suerte de actividad vital, performance silente de elementos tejidos y narrados por la artista a través de una delicada construcción formal, áreas de un espacio infinito que se trasladan desde la memoria personal hacia el cuestionamiento propio de la materia como resonancia del pensamiento y como manifestación transitiva de la existencia.

Nydia Negromonte se formó en diseño en la Escuela de Bellas Artes de Minas Gerais y luego concluyó una especialización en España al culminar un postgrado en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. En el año 2012 participó en la 30ª Bienal de Sao Paulo curada por Luis Pérez Oramas bajo el título A iminência das poéticas. Anteriormente también realizó exposiciones en el Museu da Pampulha en Minas Gerais, en el parque Farroupilha en Porto Alegre y en otras ciudades como Sao Paulo, Río de Janeiro, Madrid y Buenos Aires. Ha recibido diversos premios como el Fiat Mostra Brasil. En dos oportunidades ganó el Salón Nacional de Arte de Belo Horizonte (MG), y también en dos ocasiones ganó el Salón Carioca de Arte (RJ), entre otros reconocimientos.

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1_ De la serie Los viajeros 2010 impresion fotografica en papel hahnemuhle photorag ultrasmooth 305 gr. y dibujo en lapiz a colores sobre papel 20 x 30 cm c/u 2_ De la serie Post posta 2013 impresion en papel hahnemuhle photorag ultrasmooth 305 gr 70 x 34 cm c/u

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3_ Poda 2004 mini dv/dvd, color video 19’33’’ 4_ Lecciones de cosas 2008 serigrafia, arcilla liquida y cola sobre papel [6 piezas] 50 x 55 cm c/u

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cecilia paredes 1950, Lima, Perú. Vive entre Filadelfia (USA), San José (Costa Rica) y Lima (Perú) Cecilia Paredes es una reconocida artista latinoamericana que ha desarrollado un amplio cuerpo de trabajo en torno a las consideraciones de género y muy especialmente a la impronta que el cuerpo físico marca sobre el cotidiano.

En su obra resalta la universalización de códigos personales, crónicas, inquietudes y frases cromáticas que se amalgaman mediante capas estéticas de una gran fuerza visual. De este modo la experiencia privada se alza en cada una de sus propuestas; propiciando un contenido que susurra desde las fracciones de su propia memoria, y que se enmienda en las nuevas resonancias hilvanadas por la recepción del visitante.

Estudió Arte en la Universidad Católica de Lima, completando especializaciones en Cambridge y Roma. Ha participado en numerosas muestras colectivas en países como Perú, Costa Rica, España, Estados Unidos, Italia, Cuba y Australia.

Ha recibido galardones y reconocimientos por su labor como creadora entre los que destacan: el primer premio del Salón Nacional de Grabado, Perú (1986) y la primera mención de honor en la Bienal Centroamericana (2002). También ha sido artista residente en Bellagio, Fundación Rockefeller (1998); en la Universidad de Pensilvania (1999) y en el proyecto La Isla flotante, que tuvo lugar en Queensland, Australia, entre 2001 y 2002. Entre sus muestras individuales más recientes destaca Blue Stars en el Centro de Arte Contemporáneo de Texas (2012); ha exhibido individualmente en instituciones como el Museo de Arte Moderno de Moscú, el Banco Mundial en Washington DC y el Museo de Arte Costarricense, entre otros.

En las piezas fotográficas Las alas de tus sueños y La dorsal, ambas de 2014, Paredes recurre al uso del propio cuerpo como una trama en transfiguración constante, apuntando en la aplicación formal de cada imagen las mismas características procesuales que invaden la acción física desarrollada por la artista para la consecución de cada toma. De este modo la materia visual se transfigura en cuerpo y marca transitiva, del mismo modo que la vida corpórea de la creadora se convierte en obra. En esta mímesis recíproca cada pieza de Paredes se vuelve reflejo y reflexión, diálogo visual sobre las variables de nuestro propio tránsito entre la vida y la muerte.

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1_ En las alas de tus sueños 2014 impresión en tela 120 x 120 cm 2_ La dorsal 2014 impresion en tela 120 x 120 cm 3_ The nature of things 2011 objeto encontrado e intervenido por el artista 15 x 10 x 10 cm

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bernardita rakos 1977, Caracas, Venezuela. Vive en Caracas, Venezuela.

Ganadora en el año 2007 del primer premio del último Salón Pirelli de jóvenes artistas realizado en el país, Rakos es una creadora que ha desarrollado su trabajo en torno a temas fundamentales de las relaciones humanas. El dolor, el desamor, la violencia y la ruptura del vínculo han sido algunos de los puntos centrales con los que teje los entredichos de lo humano, hurgando estos vericuetos mediante distintas estrategias de elaboración. Desde el año 2000 ha participado en numerosas exposiciones colectivas y destacados festivales como la 53 Bienal de Arte de Venecia (2009) y el Sziget Festival de Budapest (2011). Entre otros reconocimientos ha recibido menciones honoríficas en el V Salón CANTV Jóvenes con FIA (2002) y en el Salón Municipal de Artes Visuales Juan Lovera (2000).

En la obra de esta artista destaca el uso del video, la fotografía y la instalación como los caminos de empalme de grandes puestas en escena donde explora rutas inquietantes del discurso amoroso, tragedias de una trama cotidiana que refleja formas particulares del sentir del venezolano común; completando en muchos casos, la traslación desde el drama pasional hacia las relaciones que los elementos iconográficos usados reflejan sobre los problemas sociales de la Venezuela actual: heridas abiertas de una ciudad sangrante, fragmentos de cuerpos sin posibilidad alguna, rastros de una gestualidad escuchada por pocos.

En la serie inside- outside, Rakos se apropia de la imagen central de un corazón como símbolo contenedor de los sentimientos e incluso como elaboración casi abstracta de una referencia sutil en plena correspondencia con las emanaciones del alma. A través de contrastes cromáticos y empalmes iconográficos de una gran fuerza pictórica, reconstruye desde la fotografía el camino potencial de una suerte de inquietantes eslabones que exploran de algún modo, esos lugares olvidados por la mirada interior; metáforas de un acontecimiento crucial que repentinamente ha sido revelado.

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1_ a la 4_ De la serie Outside 2014 fotografía digital sobre papel fotográfico 40 x 40 cm c/u

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5_ a la 9_ De la serie Inside 2014 fotografía digital sobre papel fotográfico [6 piezas] 40 x 40 cm c/u

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marcos temoche 1982, Caracas, Venezuela. Vive en Caracas, Venezuela Marcos Temoche es un joven artista que despliega con mucha fuerza un novedoso recorrido pictórico en atención directa con las tramas del afuera y la sintomatología crucial de su entorno. Egresado de la UNEARTES en el año 2010 y con el título de Licenciado en Artes mención pintura, su obra se desplaza por senderos alternos que se unen para desde un ejercicio comprometido de la disciplina sumergirse con una mirada audaz en las tramas, símbolos, ritmos y matices de su pasión más fidedigna: la ciudad de Caracas. Allí, en el efluvio incontenible de la calle, en la saturación de un día a día que parece no terminar nunca están los encuentros de un tránsito tan feliz como escabroso, caminos inéditos donde se levantan las efervescencias de su discurso: ebullición inagotable de sucesos visuales y sonoros, de acontecimientos sensibles, de personajes particulares, de vínculos y enlaces que conforman ese lenguaje especial que se transmuta en avenida, en buseta, en pleito, en lucha cotidiana, en color oculto, en exhalación, tragedia, juego y belleza.

Su primera individual en el año 2012 fue una muestra de largo alcance en la que dos instituciones (Galería Artepuy y La Caja del Centro Cultural Chacao), apostaron por la incipiente producción de este novel creador venezolano. En ambas estaciones la exposición bajo el título Jalando Candela, reveló desde lo pictórico los nexos con el grafiti, técnica que profundizó durante su estadía en la ciudad de Lima, y que marcaría el engarce in situ con las tonalidades y los códigos de lo urbano, concluyendo en un proceso donde la pintura se convirtió en estrategia de captura y liberación, pasaje vivo de formas efímeras y signos que el pintor fue transformando en códice, en letras fugaces de un texto urbano invisible para la mayoría.

Ahora, Temoche penetra con sonoridad en los grandes formatos pero trasladándose hacia una impronta gestual y simbólica donde las marcas de la calle parecen reflexionar desde nuevas dimensiones críticas. Los problemas de la violencia urbana, las estructuras sinuosas del poder, el clamor fantasmal de víctimas olvidadas y la subsistencia de un cotidiano plagado de ironías, embates y engaños, estallan a cada paso de la narrativa visual que construye para nosotros: un vórtice de sucesos subterráneos anclados en ese cromatismo incesante que azota la vida del ciudadano común.

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1_ Los elefantes no viven en Venezuela 2014 mixta sobre tela 110 x 110 cm 2_ Meat 2013 mixta sobre tela 100 x 100 cm 3_ Pírate 2013 mixta sobre tela 140 x 110 cm

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beatriz gil galería directores beatriz gil valentina atencio

punto de quiebre 16 ensayos latinoamericanos junio-julio 2014

gerencia maría fernanda conde pietro daprano

curaduría lorena gonzález i. asistente curatorial miguel rodríguez sepúlveda (méxico) museografía pietro daprano proyecto gráfico teresa mulet producción general beatriz gil galería

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