Diseñadores y Movimientos de diseño - Historia IV

Diseñadores y movimientos de diseño

el diseño gráfico desde 1950 hasta nuestro días

autor: Joseph Muller Brockman

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ARMIN HOFMANN

El diseñador del Estilo Suizo

Nacido en 1920, Armin Hofmann creció en Suiza. Asistió a la Escuela de Artes y Oficios de Zúrich y más tarde empezó a trabajar como litógrafo en Basilea y Berna. Posteriormen te, abrió un estudio de diseño. En 1968, Hofmann introdujo la clase avanzada de diseño gráfico y poco después fue nombrado jefe del departamen to de diseño gráfico. Su primer trabajo como docente fue en el Philadelphia College of Art de Estados Unidos. También enseñó en la Universidad de Yale, donde desempeñó un papel clave hasta su renuncia.

En 1965, Hofmann destiló los principios esenciales de su enfoque racional de la enseñanza del diseño en su libro de texto, titulado Manual de diseño gráfico . Incluso después de décadas de su publicación, todavía se publica. Sus diseños fueron demostraciones didácticas de los principios que discutió en su libro. Durante las décadas de 1950 y 1960, diseñó carteles para algunos clientes culturales que conservan la claridad tipográfica y fotográfica.

Además, Hofmann desempeñó un papel fundamental en el desarrollo del estilo de diseño gráfico conocido como Swiss Style. Su dedicación a la resolución visual repre sentaba una visión más amplia de la sociedad civilizada y detrás de la belleza artística de sus diseños se escondía una convicción sobre cuestiones sociales y valores culturales.

El estilo suizo al que este gran diseñador pertenecía tuvo gran éxito e influencia durante la década de 1970, aunque fue creado en las dos dé cadas anteriores. Consistía en que primara la simplicidad y la tipografía sin serifa, a su vez los colores debían quedar limitados,y el espacio de diseño debía ser ordenado me

diante una retícula cuidando especialmente los espacios que quedan entre las letras.

Sus diseños están basados en una red matemática para crear una estructura unificada y organizada. Gracias a su inspiración artística y habilidades, pudo acentuar los contrastes entre los elementos para intentar transmitir sorpresa y sutileza en su diseño que funcio naba tanto a distancia como de cerca.

Su estilo tenía variaciones de Alemania, Rusia y Holanda, aunado a un estilo arquitectónico y vanguardia artís tica. El arte de Armin Hoffman es conocido por ser con poco color y más asociado a la fuente, algo a lo que Hofmann consideró «trivialización del color».

“No debería haber separación entre el trabajo espontáneo con un toque emocional y el trabajo dirigido por el intelecto”.

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JOSEPH MULLER BROCKMAN

o el uso de la retícula.

nacido en1914, fue un diseñador gráfico y profesor universitario de origen suizo. Fue docente de la HfG de Ulm en Alemania y uno de los impulso res, junto con Armin Hoffmann, de la llamada Escuela Germano Suiza de diseño, caracterizada por la sencillez y la claridad y por el uso de la retícula. En 1936 abrió su propio estudio, especializado en diseño gráfico, diseño de exposiciones y fotografía. Desde 1951 produjo carteles de conciertos para el Auditorio de Zúrich. En 1958 se convirtió en editor y fundador de la revista New Graphic Design que revolucionó el diseño gráfico. En 1966, Müller-Brockmann fue nombrado consultor de diseño para Europa de la empresa IBM Era considerado como uno de los más destaca dos integrantes de una determinada corriente en el diseño gráfico en favor de un estilo anónimo y supra nacional. Esta particular concepción del lenguaje gráfico comenzó a hacerse popular en los años sesenta (60´) y supuso una renovación de las for mas tradicionales de organizar el impreso. El estilo “suizo” como acabó denominándose a lo que sus promotores consideraban una absoluta revolución técnica e incluso ideológica, pretendía eliminar todo elemento decorativo en la composición de la página para organizar los diversos elementos gráficos en una estructura reticular.

Publicó varios libros, incluyendo The Graphic Artist y His Problems and Grid Systems in Graphic Design. Estos libros proporcionan un análisis en profundidad de sus prácticas y filosofías de trabajo, y proporcionan una base excelente para los diseñadores gráficos jóvenes que desean apren der más sobre la profesión. Ha dejado un legado de afiches, ilustraciones, sus libros y sobre todo siendo el dueño indiscutible del nuevo afiche moderno en Suiza, dueño de un estilo unido, donde no falto la imagen, la tipografía, las manchas y las ilustraciones

“El sistema de retícula es una ayuda, no una garantia”.

WOLFGANG WEINGART

El tipógrafo alemán que jugó con la contención suiza

Nació en 1941 en Suiza. En Alemania comenzó sus estudios en la Merz Academy de Stuttgart, donde se formó en artes gráficas apli cadas. Allí conoció los fundamentos de la composición tipográfica, el grabado en lino y el grabado en madera. Más tarde entró como apren diz en Ruwe Printing, donde practicó la composición tipográfica. Allí trabó amistad con el diseñador de la empresa, Karl-August Hanke, que le animó a estudiar diseño en Suiza.

En 1964, Weingart se matriculó como estudiante independiente en la prestigiosa Escuela de Diseño de Basilea, donde impartían clase Emil Ruder y Armin Hofmann.

Ya durante sus años de estudiante, Weingart se propuso subvertir el orden establecido, rompiendo los esquemas del hasta entonces hege mónico estilo suizo o estilo tipográfico internacional.

En un intento por replantearse las normas, Weingart se convirtió en la oveja negra del rebaño del profesor Emil Ruder. Para el profesor Juan Jesús Arrausi, “Weingart cuestionaría que la valía de los tipos debía medirse por la legibilidad como criterio único. Fue el instigador del cambio hacia un estilo tipográfico que no pretendía aparecer como tal, pero que daría origen a la New Wave, influenciando a buena parte de Europa y Estados Unidos”.

En 1968 fue invitado a trabajar como profesor de tipografía en la nueva escuela de Artes Aplicadas de Basilea, donde enseñaba Hofmann. Al respecto de sus inicios como profesor, Weingart afirmaba: “Cuando comencé a enseñar en 1968, los diseñadores de toda Suiza y de nuestra escue la todavía practicaban la denominada “tipografía suiza”que data de la década de 1950. Su dogma de diseño conservador y sus estrictas limitaciones sofocaron mi temperamento juguetón, inquisitivo y experimental y reaccioné fuertemente contra él. Sin embargo, al mismo tiempo, la tipografía suiza tenía muchas cosas buenas como para renun ciar a ella por completo. A través de mis clases, me propuse utilizar las cualidades positivas de la tipografía suiza como base desde la cual perseguir fronteras tipográficas radicalmente nuevas”.

“¿De qué sirve ser legible, cuando nada te inspira a fijarte en ello?”

APRIL GREIMAN un Macintosh y la New Wave

April Greiman es una diseñadora gráfica estadounidense, nacida el 22 de marzo de 1948 en Nueva York, su padre fue uno de los primeros programadores de ordenadores de la época. Se dedica al área del diseño de la comunicación gráfica y lleva más de 40 años activa. Comenzó sus estudios en el Kansas City Art Institute a finales de los sesenta para completarlos durante dos intensos años en la Kunstgewerbeschule de Basilea con el influyente Wolfgang Weingart. En aquellos años Weingart comenzaba a poner en cuestión algunos de los principios que habían inspirado la metodología del Movimien to Moderno como el rígido uso de la retícula o la intocable pureza del espacio bidi mensional.

Como estudiante de Armin Hoffman y Wolfgang Weingart a principios de los años 70 exploró el Estilo Internacional en profundidad, así como los expe rimentos personales de Weingart en el desarrollo de una estética que reflejaba menos el patrimonio modernista y más un cambio postindustrial de la so ciedad. A mediados de los setenta Greiman comenzó a trabajar para el Taxi Project del Museum of Modern Art en Nueva York diseñando las publicaciones y de más elementos de promoción. Creó una iconografía muy particular en su trabajo para el California Institu te of Art plenamente relacionado con lo que después se conocería como New Wave, una corriente de la que fue pionera que definitivamente rompía con las corrientes más académicas y de lo que se había establecido como la base del diseño gráfico. Estilo New Wave – este está influenciado por el Punk

y el lenguaje posmoderno, contrario al estilo suizo, este movimiento se libera de las normas y trabaja tipografía, fotografía y demás elementos de manera mezclada, sin una jerarquía.

En los trabajos de Greiman vemos como comienza a utilizar de formar sistemática imágenes en baja reso lución y tipografía bitmap, una forma de trabajo que puede relacionarla con otros creadores europeos como Terry Jones.

Actualmente enseña en la School of Architecture y Southern California Institute of Architecture tratando de inspirar a otros diseñadores e incentivando el romper los esquemas preestablecidos.

“Si un diseño no se siente bien en el corazón, lo que dice el cerebro no importa”

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CHIP KIDD

La cosa más parecida a una estrella de rock en el mundo del diseño gráfico

Tan pronto como Kidd empezó a trabajar para Knopf, fue muy reco nocido y valorado entre autores y editores y empezó a ser el diseña dor de las cubiertas de los títulos más relevantes.

Billones de habitantes conocen el icónico esqueleto de T-Rex de la cubierta de la novela de Michael Crichton, Jurassic Park, 1990. Fue obra de Chip Kidd quien simplificó la imagen que encontró en un libro del Museo de historia Natural.

El trabajo de Kidd se extiende mu cho más allá que una sola cubierta

de libro. La fusión de las historias y las ilustraciones que le han acompa ñado desde niño le permiten ahora desarrollar diversidad de proyectos mediante una intuición especial y un gran poder narrativo visual. Tiene un promedio de 75 portadas de libros al año, es decir, más de 2000 diseños. A lo largo de su ca rrera, ha dado forma a la identidad visual de autores que van desde Michael Crichton hasta Haruki Mu rakami y Oliver Sacks.

Hoy en día Kidd continúa viviendo en Nueva York. Re cibió el premio International Center of Photography’s Infinity Award for Design en 1997 y el Cooper-Hewitt’s National Design Award for Communication en 2007. El diseñador estadounidense Chip Kidd sabe muy bien con qué frecuencia juzgamos las cosas por las primeras apariencias. Conoce cómo funciona la mente humana frente a una portada de libro y por ello sabe cómo comunicar a través de su diseño.

«Nunca te enamores de una idea. Son prostitutas: si con la que estás no funciona, siempre, siempre, siempre va a haber otras».

DAVID CARSON el influyente diseñador de la tipografía grunge

David Carson nació en el estado de Texas, en los Estados Unidos, en 1955, aunque siempre ha preferido referirse a «Cocoa Beach», Florida, como su verdadero origen, ya que pasó allí gran parte de su infancia.

En la playa desarrolló una de sus grandes pasiones, el surf. En dicha disciplina llegó a postularse como el número 9 a nivel mundial, y su pasión por este deporte se ha visto plasmada en gran cantidad de sus trabajos.

En los años 70 se graduó como sociólogo con «honores y distinción» en la universidad de San Diego, pero no fue hasta 1980 cuando descubrió su pasión por el diseño gráfico al asistir a un curso de un par de semanas. A partir de dicho momen to se vio inmerso en el mundo de as artes audiovisuales, retroalimentado por la cultura bohemia y artística del sur de California. Fue entonces cuando decidió recibir formación de diseño a nivel profesional de mano del famoso diseñador gráfico, Hans-Rudolf Lutz, en Suiza.

Durante algo más de 4 años destacó gracias a su revolucionaria y llamativa estética, basada en el uso de inusuales tipografías artísticas y técnicas foto gráficas alternativas. De esta manera, comenzaba a tomar forma lo que hoy conocemos como fenómeno grunge. el diseñador pudo explayarse y desarrollar sus ideas más rompedoras e innovadoras. Carson se convirtió en sinónimo de diseño controvertido, fresco e innovador. Todo gracias al impacto de sus diseños generado dentro de un público tan hambriento de nuevas experiencias y sensaciones como el de la cultura surfera y del skate. “La sociología me arrastró al diseño gráfico. Ha ciendo trabajo gráfico editorial y revistas, me ayudó a interpretar a gente y situaciones reales. Prefiero hacer esto, que hacer una caja o paquete de crema dental. No tengo una educación formal en diseño editorial, hago lo que tiene sentido para mí. Lo he dicho muchas veces, yo nunca aprendí que es lo que no debería hacer”.

MILTON GLASER

el diseñador más famoso del mundo

La historia de Milton Glaser se remonta a 1929, año en el que nació en el barrio del Bronx. Si, pocos me ses antes del crack de Nuevo York y del inicio de la Gran Depresión. Mil ton Glaser estudio en la High School of Music and Art y la escuela de arte Cooper Union en Nueva York Su destino para desarrollarse y am pliar sus estudios profesionalmente fue Italia, donde estuvo residiendo un año tras recibir una beca Full bright, y que le permitió estudiar en la Academia de Bellas Artes de Bolonia. Alli tuvo como mentor al pintor Giorgio Morandi, que cambio

su perspectiva del mundo. Milton Glaser fue presidente de Push Pin Studio Durante 20 años y lo dirigió junto con diseñadores gráficos e ilustradores como John Alcorn, Paul Davis, Barry Zaid, Paul Degen, entre otros, hasta 1974.Ese año, fundo su propio estudio Milton Glaser, Inc. El trabajo producido en este estudio abarco una amplia gama de disciplinas de diseño: programas de identidad corporativa, diseño de exposiciones, restaurantes, centros comerciales, supermercados, hote les, etc.

La autonomía, la independencia y el atrevimiento eran sus notas distintivas. Por ejemplo, mientras en las grandes agencias de la época trabajaban en su mayoría con fotografías, Push Pin aposto por la mez cla de estilos en la que destaca la ilustración.

Durante la época de los Push Pin Studio, Milton Gla ser firmo algunos de sus trabajsos mas legendarios. Los mas celebres son quizás sus carteles, destacan do de Bob Dylan en 1966 y Aretha Franklin en 1968, Donde a través de un trazo vivido, colorido y enert getico creo unos los retratos con n sello distintivo único y memorable.

El vinculo de Milton Glaser con Nueva York siempre estuvo presente, como un motor en sus proyectos. Si hay un diseño por el que Milton Glaser es reconocido universalmente, este es el icónico logo I love NY en 1975, en el que expresaba el amor por su ciudad.

Participo en la fundación de la editorial WBMG y del New York Magazine. Fue responsable del diseño de periódicos como el Washington Post. Se reconoce además por su trabajo como lustrador y diseñador de carteles, como el cartel del disco “Best of Bob Dylan”, Diesañado en 1967 y que encabeza la lista de los carteles mas celebres de la historia.

”Las certezas cierran la mente. Para crear algo nuevo tienes que dudar”.

PAUL RAND

El padre del diseño gráfico moderno

Paul Rand,nacido el 15 de agosto de 1914, fue un diseñador gráfico estadounidense muy reconocido en gran parte por el diseño de marcas institucionales. Su educación incluye el Pratt Institute, el Parsons School of Design y la Liga de estudiantes de arte de Nueva York. Fue uno de los originadores del estilo tipográfico internacional suizo.

Un hombre que está considerado como el más eminente de los diseñadores gráficos de EE.UU. Moder nismo simple del que es posiblemente el hombre que ha tenido más influencia en el diseño de logos del los XX.

Influenciado por el estilo alemán de publicidad cartel objeto y las obras de Gustav Jensen, podemos definir su estilo como modernismo simple con un buen uso de la tipografía, las formas geométricas y los espacios en blanco.

Paul importó los movimientos del arte vanguardista en Europa al diseño gráfico de Estados Unidos. Empezó su carrera en 1930 diseñando portadas de re vistas y, a partir de 1940, trabajó como director de arte en la Madison Avenue y revolucionó la publicidad.

En los años cincuenta, dejó la publicidad un poco de lado y se metió de lleno en el branding. En los sesenta ya se había hecho consultor de diseño de grandes marcas y había creado algunas de las identidades corporativas más famosas de la historia del diseño: IBM, ABC, UPS, Enron, Next y muchas otras. A día de hoy, todavía siguen en uso muchos de sus logos.

El estilo de Paul Rand es sencillo, con gran queren cia por las líneas geométricas y muy marcado por las vanguardias artísticas del siglo XX.

Aunque sus logos pueden ser interpretados como demasiado simples, para Rand “las ideas no necesi tan ser esotéricas para ser originales o excitantes”. Sus diseños son el máximo exponente del minima lismo bien entendido, hecho para perdurar en el tiempo ajeno a modas pasajeras. Además de su trabajo como diseñador corporativo, Paul Rand fue profesor emérito de diseño gráfico en la Universidad de Yale. En 1972, Rand fue incluido en el Art Directors Club Hall of Fame, confirmando su figura como una de las más importantes del diseño gráfico del siglo XX.

“Se puede ser un gran manipulador de la forma, pero si la solución no es la más apta, no tiene sentido.

GRAPUS

El diseño grafico es una herramienta para la intervencion social

Grapus fue un colectivo de artistas gráficos franceses, trabajando juntos entre 1970 y 1991, que buscaba combinar la excelencia del diseño con una conciencia social. sus obras pertenecieron a la plaza pública, representó un diálogo entre gobiernos y ciudadanos; cultura y política, y en última instan cia el mensaje y la forma. Su comunicación visual en la plaza pública fue audaz y honesta, fue consciente de su presencia y su impacto. A lo largo de su historia, Grapus siguió siendo comunista e idealista y continuó operando colectivamente: todo el trabajo salió del estudio firmado ‘Grapus’ incluso cuando su número de estudio había aumentado a alrededor de 20, operan do en tres colectivos separados. Grapus buscó “cambiar la vida” mediante la dinámica de las artes gráficas y la acción política. El colectivo despreció la publicidad comercial y, adhirién dose a los principios idealistas de sus fundadores.

El grupo fue fundado en Francia en 1970 por Pierre Bernard , que había estudiado con el cartelista pola co Henryk Tomaszewski ; François Miehe; y Gérard Paris-Clavel. Alex Jordan y Jean-Paul Bachollet se unieron al grupo en 1975. Los miembros del grupo eran todos miembros del Partido Comunista , y el grupo mantuvo un compromiso político, social y cultural explícito. Al principio rechazaron asignacio nes con clientes comerciales y gubernamentales, en lugar de trabajar con grupos de teatro experimental , ayuntamientos pro gresistas, el propio Partido Comunista. Incluso en años posteriores, cuando el personal ha bía aumentado a 20, operando en tres grupos distin tos, firmaron todo su trabajo simplemente “Grapus”.

Grapus tenía un estilo muy distintivo. Proporcionaron inspiración a estudiantes de diseño gráfico de todo el mundo a través de sus principios idealistas. A menudo usaban colores brillantes, formas sensuales, texto escrito a mano, bromas visuales animadas y también un vocabulario simbólico muy extenso. La técnica que utilizaron se conoció como desvío, que es el desvío de un mensaje a través de actos de vandalismo visual. Fueron considerados en Francia como la estética punk / grunge. Esta estética desafió al establecimiento de diseño gráfico más antiguo.

“Un cartel es la toma de posesión de un mensaje público por parte de un individuo (...)”

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PUSH PIN STUDIO

El diseño gráfico como arte

El Push Pin Studios fue uno de los estudios de diseño más influyentes durante 30 años a partir de media dos de 1950, tanto por la cantidad y como por la eficacia de los traba jos, cuyo primer presidente fue el maestro del diseño: Milton Glaser. Este estudio realizó trabajos po pulares y artísticos. Este taller de diseño y publicidad trabajó en todos los campos que se solicitara comu nicación visual, con mucho acierto y popularidad.

Fue fundado en 1954 por Milton Gla ser, Seymour Chwast, Edward Sorel y Reynold Ruffins. Milton Glaser fue presidente desde su fundación hasta 1974. A partir de esa fecha asume la dirección del estudio Reynold Ruffins. En el diseño gráfico el estilo que

dominaba esos años era el raciona lismo de la Escuela Suiza, Push Pin marcará un estilo ecléctico y excén trico y de notable originalidad. De aire renacentista, brindado en gran parte por la estadía de Milton Glaser con Giorgio Morando, de quien aprendió las técnicas de grabado, lo que convirtió a sus trabajos en obras de arte, que se unificó perfec tamente con el movimiento artístico que surgirá en los años 70, el Pop Art. Sus integrantes fueron muy acertados al editar la revista Push Pin Graphic, que generó muchas suscripciones y aficionados a la misma, haciendo sus trabajos más populares todavía. En la misma participaban diferentes ilustradores y diseñadores.

«El arte no tiene otro objetivo que transformar la experiencia humana»