IMÁGENES EN MOVIMIENTO. AUTORES DIVERSOS by ALBERTO URIAS

RECOPILACION DE DATOS

AUTORES DIVERSOS

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EDITORIAL INFINITO

Primera edición. Castellano, NOVIEMBRE 2014 Todos los derechos reservados. No esta permitida la reproduccion total o parcial de la obra ni su tratamiento o transmision por cualquier medio o metodo sin la autorizacion escrita de la editorial. Esta obra ha sido publicada con textos recopilados que abarcan la tematica sobre la cultura Vjing. Copyright © Diseño del libro: Alberto Urias Editorial Infinito S.A. de C.V.

ISBN:000-000-000-8 Impreso en Tijuana B.C. Mexico.

Dedicatoria ………...9 Introducción ……….10 Descripción del proyecto

……….13

Objetivos generales ……….14 Objetivos específicos ……….15 Usuarios ……….15 Objetivos específicos ……….16

Marco teórico

Videocreación ……….18 Antecedentes de la Proyección visual

……….20

Vjing y su contexto

……….22

Los nuevos medios

……….24

Vjing y diseño gráfico

……….25

Lenguaje Visual ……….27 Composición y estructura ……….28 Aspectos estructurales ……….30 Flujo de trabajo ……….33 Referentes Contemporáneos ……….34

Análisis tecnológico

Proyecciones en tiempo real

……….37

Arkaos VJ ……….39 Resolume Avenue ……….40 Modul8 ……….41 Hardware ……….42 Conclusión al Marco Teórico

……….43

Apropiación de retórica y estética de las vanguardias artísticas del Siglo XX Sobre los Video Jockeys

……….47

El arte de pintar la música

……….49

VJing en el arte contemporáneo Acotaciones: VJs en escena

……….56

Historia y Representación ……….58 Proceso y valores postmodernos

……….61

Camilo Mejía [Visual Bastard]

……….69

Laura Ramírez [Optika VJ]

……….70

Johan Pascagaza [ VJ Etniko ]

……….71

Edgar Buitrago Gamboa [VJ KNHO]

……….72

Referentes visuales

Entrevistas Entrevista a Telenoika Por Irma Vilá

……….74

Entrevista a César Ustarroz Por Elena García

……….79

El VJing en la escena artística española Fuentes documentales ……….88 Ejemplo tardío ……….91 VJ y club: relación amor-odio

……….88

Otros marcos de exhibición

……….88

Respeta a tu VJ

Dar Crédito ……….97 Pago ……….99 Especificaciones técnicas ……..100 Nota adicional: ……..102

Galería de fotografías

A todos los pixeles digitalmente manipulables. AmĂŠn

[Tesis: Realización y Proyección Visual en Tiempo Real]

Introducción En los diversos campos en los cuales se pueden desempeñar laboralmente los diseñadores profesionales, existe uno que ha tomado fuerza durante los últimos años. Se trata de un campo denominado “Proyección Visual en Tiempo Real”, más conocida como Vjing, una plataforma/ lenguaje de creación visual, que busca hallar un lenguaje análogo al musical en lo visual. Es una especie de “visualización de la música”, que busca la creación de una experiencia audiovisual que surgirá de un diálogo entre imágenes en movimiento y la música, como parte de una puesta en escena. Según el estudio que hizo Laura Sebastián sobre el Vjing, la artista visual menciona que “Un Vj dispara pueden insertar diferentes elementos en la escena proyectada: dibujar en una mesa de luz, proyectar con diapositivas, intervenir directamente en la pared, fusionar varias proyecciones simultáneas, emplear cámaras web, utilizar controladoras de efectos e imágenes, etc. Pero el aspecto más importante de la producción de un Vj, es sin duda el carácter performativo de las actuaciones. Cada una es diferente, depende de múltiples factores; como por ejemplo la música que se vaya a poner en el local, para que las imágenes vayan en sintonía. El carácter improvisatorio y Live de cada set convierte el hecho en un acto atractivo y único cada vez.” Debido a esta interacción entre lenguajes, resulta llamativo para un diseñador lo que se puede lograr trabajando a nivel audiovisual. En escenarios estrictamente musicales, sobre todo en conciertos en vivo donde, a través de las imágenes en movimiento, podemos complementar la experiencia sonora con las temáticas conceptuales de una banda o de su mensaje. Así, se refuerza el espectáculo y la puesta en escena da como resultado actos que conectan a la banda con los espectadores a un nivel multisensorial, enriqueciendo tanto la propuesta audiovisual como la puesta en escena, y también haciendo que la experiencia del usuario esté más vinculada al ámbito emocional. Aunque comúnmente se asocia el término Vjing a los espectáculos denominados

[El diseño gráﬁco conectado a los nuevos medios]

“fiestas electrónicas”, el campo de desarrollo de un VJ no se limita sólo a ese tipo de evento, sino también al ámbito de la publicidad, actos públicos, clubs de diversa índole, presentaciones, programas de televisión, intervenciones urbanas a través del mapping o “videoactivismo”, ampliando de esta manera su presencia en las más diversas áreas en las que un diseñador gráfico también puede desenvolverse. En el contexto actual, donde los nuevos medios se imponen gracias a un mundo híper globalizado, este tipo de técnicas a las que recurren distintos actores (tales como comunicadores visuales, artistas, cineastas, diseñadores y animadores), nos muestran la flexibilidad que debe tener un diseñador para desenvolverse de manera competente en estas áreas, conformadas muchas veces en un ambiente colaborativo o multidisciplinario, y en donde el aporte que podemos hacer los diseñadores a distintas plataformas contemporáneas, tiene un valor agregado, ya que el manejo visual y el dominio de códigos gráficos contemporáneos aplicados a este formato en particular, pueden solucionar variables que otras disciplinas desconocen. A su vez, también tenemos oportunidad de enriquecer nuestros conocimientos, con los aportes de otras disciplinas. La oportunidad de proyectar imágenes en tiempo real, improvisar, interactuar, simular escenarios y a la vez utilizar los medios tecnológicos para crear estas representaciones, constituyen una experiencia que permite ampliar nuestro campo visual como diseñadores y de desarrollar actividades relacionadas con distintas plataformas tecnológicas, a través de nuevas técnicas y múltiples herramientas. Gracias a los avances tecnológicos logrados en el campo audiovisual, estas herramientas actuales son miles y nos permiten experimentar ilimitadamente el dominio a nivel técnico de los distintos softwares. Que se complementen es un desafío y una oportunidad para seguir explorando terrenos que pueden abarcar desde la post-producción

[Tesis: Realización y Proyección Visual en Tiempo Real]

digital hasta la programación y, lo más importante: saber cómo relacionar y conectar nuestros objetivos con el uso de dichas herramientas o tecnologías. De este modo, el aporte que puede hacer y el punto de vista de un diseñador gráfico en el terreno de los visuales en vivo y todo lo que involucran, aparece como un ejercicio enriquecedor y un punto de partida, para comenzar a desenvolverse en el campo audiovisual, con todos los componentes que esta disciplina involucra, en la creación y la experimentación a través de los sentidos tales como la visión y la audición.

[El diseño gráﬁco conectado a los nuevos medios]

Descripción del proyecto Se trata de una set de visuales para ser proyectadas en vivo a una banda musical, que a través de la creación de distintos clips de video buscará generar una experiencia multisensorial y a su vez reforzar la imagen y puesta en escena de la banda. El proyecto en sí también servirá como herramienta complementaria para los estudiantes de la proyección en tiempo real.

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Objetivos Generales investigar y explorar este mundo de las “visuales” o “VJing”, así como también dar ciertas luces acerca de su origen, herramientas que incorpora para su desarrollo, softwares que facilitan su propuesta y plataformas e interconexiones que utiliza, para dar paso luego al desarrollo de un Proyecto Visual en Tiempo Real, como parte de un trabajo de asesoría y puesta en escena para la banda nacional “Mar de Grises”, grupo emergente con proyección musical a nivel internacional. La materialización de dicho proyecto tendrá como objetivo reforzar su actual concepto de show en vivo, aportando elementos desde el ámbito visual a un show de nivel profesional. La propuesta formal para cada tema será analizada a partir de los conceptos elegidos, elementos y herramientas a utilizar, elaborando un discurso visual coherente en el contexto musical y visual de la banda. Por otra parte, es necesario señalar que se realizará también un registro del proceso, material que nos permitirá adentrarnos en este mundo de las visuales, así como también desarrollar una especie de guía de iniciación o acercamiento a este tema, que sirva para explicar en la práctica los puntos o hitos más relevantes en lo que a esta disciplina concierne.

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Objetivos Específicos Explorar la oportunidad de realizar videoproyecciones, para desarrollar un aporte en ese ámbito y extender el campo de desarrollo del show en vivo. Desarrollar un trabajo interdisciplinario con una banda musical nacional para llevar a la práctica esta disciplina. Recopilar todo el material realizado en el desarrollo del proyecto, incluyendo todo el material audiovisual proyectado y documentos en un sitio web de alojamiento gratuito.

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Usuarios Esta investigación busca realizar un aporte destinado a interesados en el campo audiovisual, ya sean cineastas, realizadores, comunicadores visuales, performistas, diseñadores y otros, que quieran adentrarse en el concepto de Vjing y las diferentes herramientas que tiene a su disposición, como parte de la disciplina que desarrolla. Para lograr esto, la propuesta de esta tesis es que la banda asesorada, sea un usuario destinatario del producto final, además del público, al cual a su vez estarán dirigidas las proyecciones, que estarán destinadas a potenciar el espectáculo en vivo.

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Marco teórico

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Videocreación ¿Qué es Vjing? El Vjing es una disciplina aplicable para las performances en vivo de visuales con imágenes estáticas o en movimiento, proyectadas sobre un plasma u otros. La característica principal del Vjing es la de desarrollar la creación y manipulación de imágenes en movimiento en tiempo real a través del uso de la tecnología para un público especifico, en sincronía con la música y en algunos casos con alguna temática o conceptos que guarden relación con el artista, su propuesta estética o escénica. Así, las proyecciones a tiempo real pueden ser empleadas para conciertos, clubs de música, festivales de música, eventos publicitarios, performances teatrales, u otros usos que podrían implementarse a partir de los requerimientos. Uno de los elementos claves en la práctica de los VJs, es la mezcla que se realiza en tiempo real, de contenidos obtenidos desde una “librería”. Estos contenidos pueden ser grabados o creados desde cero mediante un software de ejemplo, para luego ser almacenados en medios digitales o análogos (VHS, DVD, discos duros, cámaras en vivo, softwares para generar visuales, u otros disponibles en el mercado). Luego de hacer una selección previa de imágenes, el Vj las procesa para “visualizar el sonido” rodando el material, generando de esta manera loops, randoms frenéticos, abstracciones geométricas, composiciones generadas a través de ilustraciones aceleración, dibujos y pintura en tiempo real, fotografía, retoque digital, alteración de colores, de niveles de luz, superposición de imágenes y, en definitiva todo lo que pueda ser tratado digitalmente a la vez que permita ser proyectado, servirá como un recurso para utilizar, experimentar y buscar el cumplimiento de nuestro objetivo: complementar un espectáculo multimedia. Al reunir y mezclar todos estos elementos, nace una nueva creación visual de carácter experimental e irrepetible. Un lenguaje visual único que deriva de una suerte de improvisación controlada que, a su vez, construyen atmósferas y producen

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sensaciones que buscan llamar la atención del espectador a través de “que adquieren un nuevo valor con la música y resultan ser rapsódicas, mutables, virtuales en cuanto que son proyectadas.” Al momento de producir el material que finalmente será proyectado hay distintas formas de realización y metodologías para emplear con video digital”, que es precisamente el método con el cual se empieza desde cero creando piezas animadas en 2d y 3d, animaciones vectoriales, animación de montajes fotográficos y otros recursos. Otro método que puede ser utilizado, es la grabación de planos para luego postproducirlos e incluirlos en el software con el objeto de mezclarlos, aplicando loops, colores, fondos, conseguir un mayor golpe visual o dar una del contexto en el cual se desenvuelve la parte sonora de la puesta en escena. Veremos que la alternativa más interesante para un diseñador es combinar todos los métodos y técnicas posibles para ampliar nuestro repertorio visual aplicando nuestros conocimientos gráficos para enriquecer la experiencia audiovisual.

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Antecedente de la proyección visual Un antecedente relevante vinculado al origen de esta disciplina, se remonta al siglo XVIII, desde donde pueden rescatarse algunas referencias relacionadas con el inicio de experiencias vinculadas a las visuales y al sonido en vivo, o mejor dicho lo audiovisual como el “Live Cinema”, el Panorama y Diorama, el órgano de color y espectáculos de luces líquidas. El órgano de color es un mecanismo creado en el año 1877, cuya utilidad es la de permitir hacer colores en respuesta al sonido, a través de medios electromagnéticos. Sus creadores tenían la idea de “pintar la música”, con luces que respondían a la obra musical interpretada en un piano. Este invento sufrió una serie de innovaciones basadas en un concepto similar, como lo fue el show de luces líquidas, o show de luces psicodélicas en los posteriores años 60 y 70 del siglo XX, ocupadas para recitales de música progresiva para entregar al público nuevas sensaciones. Algunos de estos experimentos estaban linkeados –utilizando un término actual- a la música, otros en cambio funcionaban solo de manera decorativa. Artistas como Kraftwerk, Jean Michel Jarre, Pink Floyd, fueron los pioneros en ofrecer conciertos con visuales y efectos multimedia de gran calidad durante los años 70. Jarre ocupaba también la tecnología láser proyectada en distintos escenarios como las pirámides y la Torre Eiffel. De manera que ya en los años 80, las presentaciones audiovisuales eran exigidas casi como una obligación por el público. Artistas como los grupos Pet Shop Boys, Depeche Mode, o U2 empezaron a trabajar con realizadores cinematográficos para producir mejor sus espectáculos desde este ámbito. Pero no fue sino hasta los años 90 en el que el término VJ fue moldeándose a lo que conocemos actualmente. Al abrirse un nuevo siglo, el XXI, no fueron pocos los artistas experimentales que empezaron a experimentar en una etapa primaria y a profundizar luego con estas nuevas herramientas audiovisuales en vivo, dando como resultado una

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acabada exploración de estas nuevas técnicas, pero por razones de carácter económico, sólo son practicadas por un reducido número de personas. Es así como en el año 2000, gracias a los avances tecnológicos en el campo visual y las nuevas tecnologías de la información y las comunicaciones, el auge de la escena electrónica en el mundo globalizado, el abaratamiento de costos en los equipos que se requieren, junto a una serie de otros factores culturales, se comienza a ampliar el campo de desarrollo para los VJ. Otros factores que influyeron en este surgimiento fueron factores relativos al mercado, debido a que los precios se hicieron más accesibles en computadores cada vez más poderosos. Por otra parte, también se produjo un abaratamiento relacionado con el valor de los video-proyectores y junto a esto, se produjo una proliferación de clubes electrónicos alrededor del mundo, lo que en definitiva marca una tendencia global. Como resultado de estos cambios que se fueron sucediendo, la escena de los VJ vio una explosión de nuevos artistas y de los más variados estilos. Podemos decir que estas condiciones, también facilitaron la aparición de movimientos artísticos masivos, como medio de expresión colectivo de creadores de visuales programadas por medio de algoritmos desarrollados mediante programas de código abierto, como Processing, vvvvv y Pure Data. También gracias a la masiva utilización de Internet, nuevas comunidades se han formado dando como resultado la creación de múltiples festivales a través de todo el mundo, enfocados a la utilización de este “nuevo medio”, el cual al día de hoy se ha masificado positivamente y hasta donde pueden confluir en ella los diseñadores gráficos como un actor protagónico.

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VJing y su contexto Cuando hablamos de VJing tenemos que remontar su origen a los denominados nuevos medios, concepto utilizado en la actualidad para agrupar a las nuevas tecnologías digitales las cuales tienen como mayor característica la de ser manipulables, comprimibles, interactivas e imparciales y que exploran posibilidades culturales, políticas y estéticas. Algunos ejemplos son el videoarte, las instalaciones multimedia, el fotomontaje digital, la web, los mundos virtuales, los videojuegos, experiencias interactivas digitales, expresiones audiovisuales como el Vjing y en general todas las que utilizan un soporte digital audiovisual electrónico o digital en el proceso productivo o en su exhibición. Los integrantes de los nuevos medios suelen trabajar en régimen de cooperación. Esto se debe a que muchos proyectos de nuevos medios necesitan una amplia gama de aptitudes tecnológicas y artísticas para ser llevados a cabo. En segundo lugar, el motivo de la colaboración es de carácter más ideológico que práctico. En cuanto a la participación, en ocasiones, las manifestaciones del arte de los nuevos medios necesitan al público para interactuar con la obra o participar en su producción. Actualmente la teoría de los nuevos medios más actualizada es la formulada por Lev Manovich que a través de su libro “El lenguaje de los nuevos medios. La imagen en la era digital. Barcelona, Paidós, 200&” analiza el escenario actual en que se encuentran los distintos medios contemporáneos como el que nos convoca, el Vjing. Manovich reduce a 5 los principios fundamentales de los nuevos medios que podemos ir homologando con el mundo del Vjing: 1. Representación numérica: Los medios se vuelven programables. Cualquier objeto de los nuevos medios está formado por códigos digitales cuantificables, esto quiere decir que están estructurados por una función matemática, por lo tanto se vuelven programables y pueden ser modificados gracias a la utilización de programas, en el caso del Vjing, programas para proyectar en

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tiempo real los cuales nos permiten realizar distintos tipos de acciones como ampliar, rotar, mover y superponer entre otras. 2. Modularidad: Según Manovich los medios tienen estructura fractal, eso quiere decir que aunque se modifiquen sus tamaños, su estructura modular siempre es la misma, teniendo la capacidad de combinar y agruparse, creando objetos mayores sin perder su independencia. Por ejemplo, un set de Vjing está formado por diferentes objetos: videos, gráficos, textos, códigos y animaciones. Así, todos ellos se combinan para formar una proyección (un objeto nuevo) pero ninguno pierde su formato original. 3. Automatización: Gracias a los principios anteriores es posible automatizar muchas funciones de creación, manipulación y acceso, eliminando la intención humana en el proceso y que nos facilitarán las tareas más complejas. En el caso de los programas de Vjing estos generalmente filtros, scripts de programación, o accesos a tareas automatizadas que modifican y ejecutan variaciones de los objetos utilizados. 4. Variabilidad: También es consecuencia de los 2 primeros principios y consiste en que las versiones del mismo, eso quiere decir que los medios se adaptan al individuo por ejemplo la estabilidad de un objeto que puede representarse a distintos tamaños dependiendo de variables como el formato. En el caso del Vjing se aplica claramente a la salida de la proyección y la flexibilidad que se necesita mucha veces para modificar el espacio a proyectar. 5. Transcodificación: significa traducir de un formato a otro, como por ejemplo digitalizar un VHS convirtiéndolo en un formato digital como mpg. Para poder reproducir una película en diferentes soportes tenemos que adaptarla al reproductor final esto implica cambiar el formato original, la resolución, los códec y tamaño del archivo.

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Los nuevos medios En los nuevos medios la apropiación es algo muy habitual. Internet y las redes de intercambio de archivos permiten a los creativos acceder fácilmente a imágenes, sonidos, textos y otros recursos. Se rompe con la idea de que crear algo de la nada es mejor que tomar algo prestado y modificarlo. Algunos optan por el código abierto, es decir, tienden a hacer suyo material ajeno, colaboran con otros artistas y su obra está a disposición de otros. El nuevo trabajo no altera realmente el original por sí mismo; el nuevo trabajo utiliza el original para crear un nuevo trabajo.

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Vjing y Diseño Gráfico ¿Por qué estudiar el fenómeno del Vjing? ‘’En el contexto del diseño gráfico, el diseño es un cuerpo de trabajo, resultado de un mundo inmerso en toda clase de procesos de diseño que atraviesan todos y cada uno de los medios de comunicación. La oportunidad magnífica que ofrece el diseño gráfico, es al mismo tiempo un estilo de pensamiento y un estilo de trabajo.” Como diseñadores gráficos es interesante la experimentación que podemos lograr a través de esta técnica llamada Vjing debido al manejo que tenemos de los códigos gráficos. Según Takashi Akiyama como diseñadores debemos ver, visualizar, observar, investigar y adquirir el poder para proyectar. Así pues el acto de diseñar puede ser aplicado a distintas plataformas de creación, como por ejemplo el VJing. También es clave para un diseñador estar a la vanguardia en lo que respecta a la tecnología y en el campo del VJing esto es fundamental, el estar actualizados y conocer las últimas herramientas es importante para tener la capacidad de ofrecer diferentes soluciones gráficas. Sin embargo hay que tener claro nuestra base como diseñadores. Tal como lo menciona Philip Megg cuando dice que “las herramientas del diseño seguirán cambiando junto a la modernización de la tecnología, como hasta ahora. Sin embargo, la esencia del diseño gráfico nunca cambiara esto es para darle un orden a la información, para darle forma a una idea y para darle expresión y sentimiento a un objeto o producto artificial. El proceso creativo que envuelve la proyección visual en tiempo real es análogo a las distintas metodologías que utilizamos en las diferentes áreas productivas en los cuales como diseñadores nos podemos desenvolver (web, editorial, publicitario, audiovisual).

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El diseño de la imagen es en realidad lo fundamental y cuando hacemos uso de un lenguaje visual coherente de acuerdo al contexto en que nos encontramos estamos diseñando. Si pensamos en el Vjing como una suma entre imagen + movimiento + música, podemos aplicar el mismo lenguaje visual para darle sentido a nuestra propuesta. No olvidemos estimular al usuario y en el caso del Vjing conectar las imágenes con la música, performance, acto, evento y cualquier escenario donde podamos integrar visuales en movimiento. Como diseñadores en una primera instancia nos enfrentamos a un problema, el cual mediante nuestras habilidades hay que resolver, cuando los diseñadores descubren que están inmersos en un mundo rico en diseño de todo tipo, las fuentes de inspiración, la búsqueda de referentes y los enfoques hacia la resolución creativa de problemas parecen infinitos. Como vemos el papel del diseñador gráfico ha cambiado drásticamente en el último tiempo, el cual en la actualidad se encuentra en una situación de complejidad profesional en la cual juegan, más allá de capacidades y conocimientos técnicos un amplio abanico de disciplinas”. Por lo mismo es interesante explorar nuevos campos de conocimiento que el desarrollo del diseño. Podemos concluir que el diseño gráfico insertado en el panorama actual global necesita y requiere nuevos códigos, nuevas aplicaciones, nuevos caminos. Los proyectos y procesos en los cuales los diseñadores se ven envueltos son cada vez más multidisciplinarios y como diseñadores hay que estar al tanto de esta evolución o por lo menos tener la capacidad de reconocer los campos en los cuales muchos diseñadores se pueden desenvolver. En el caso del Vjing el diseño como proceso metodológico nos permitirá pensar y realizar un proyecto visual incorporando a una solución gráfica en movimiento nuestro discurso visual basado en el diseño gráfico.

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Lenguaje visual El lenguaje visual es la base de la creación en el diseño gráfico. El color, la textura, la forma, el movimiento y la luz son los elementos básicos que añadidos al sonido conforman un discurso visual y en el caso del Vjing un discurso audiovisual. La mayoría de los softwares de proyección visual en tiempo real y software de programación de gráficos animados funcionan en relación a una analogía entre su interfaz y el lenguaje visual. Desde los elementos visuales básicos (color, luz y forma), la interrelación de los elementos conceptuales (punto en movimiento = línea, línea en movimiento = plano, plano en movimiento = volumen), los elementos de relación como dirección, posición, espacio y gravedad, hasta los sistemas de ordenación o sintaxis visual como alineamiento, balance, contraste, espacio negativo (o contra forma), inversión, movimiento, proporción, proximidad, repetición, ritmo y unidad. El dominio del lenguaje visual es fundamental para la construcción de nuestro discurso visual, el cual al darle un sentido podemos contextualizarlo dentro de un marco de coherencia en nuestra representación en tiempo real y que a su vez nos ayudará en la comunicación con los programas para proyectar los cuales manejan los mismos códigos visuales.

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Composición y estructura Para dar forma a una proyección en vivo, hay que tener en cuenta ciertos elementos básicos de los cuales se compone una presentación. Por supuesto no hay límites establecidos pero si podemos mencionar algunos patrones que se repiten y son parte de un punto de partida para un VJ como el loop, el random (aleatorio) y el reflejo o espejo.

El loop El loop es usado por la mayoría de los VJ, y es muy similar a los loops usados en la música electrónica. Un loop es un pequeño clip que se ha preparado especialmente para ser repetido cuando el archivo llega a su fin una y otra vez. El loop como recurso visual nos permite jugar con el tiempo, acortarlo, alargarlo y provocar pasajes hipnóticos a los espectadores, junto con la música se pueden lograr verdaderos trances visuales que pueden evocar desde el caos hasta la más absoluta calma. Es un recurso muy versátil con el cual es casi una obligación familiarizarse debido a su importancia en el lenguaje del Vjing. “El loop es una forma, que puede también significar una herramienta visual o género. Loopear demanda una percepción especial. Puede ser declarativo, elegante y provocativo”.

Random Estrictamente el término random (aleatorio) aplicado a las máquinas es una contradicción. Ninguna máquina puede producir un verdadero random, de manera que lo correcto sería denominarlo PseudoRandom. En el ámbito del VJ el random, activado por el software especializado, produce una mezcla aleatoria de imágenes en movimiento, dándonos cuenta de que todo está conectado e interrelacionado y produciéndose a la vez, una especie de saturación de información, algo a lo que todos estamos acostumbrados hoy en día y por diferentes medios.

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Espejo. Es un recurso visual muy utilizado por la mayoría de los diseñadores y consiste en reflejar una imagen desde 2 hasta ilimitadas veces produciéndose formas completamente nuevas. En el caso del video podemos también producir estás piezas mediante los softwares especializados (after effects, Modul8) obteniendo resultados muy interesantes que pueden servir de backgrounds con un fuerte impacto visual. Uno de los recursos más conocidos con esta técnica son los llamados efectos caleidoscopio muy usado también por varios VJs.

Loop aplicado en visual low rider.

Random en visual mixto, niño con fondo multicolor.

Efecto espejo en visual de flores.

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Aspectos estructurales Dependiendo de la forma de trabajar de cada VJ y al que sector al cual estará enfocada su proyección nos encontraremos con una infinidad de metodologías de trabajos que de acuerdo a las herramientas y el know-how adquirido irán moldeando el escenario al cual habrá que enfrentarse. Al momento de planificar y producir una presentación visual en tiempo real, podemos clasificar los 4 aspectos más importantes a tomar en cuenta: el espacio, el público objetivo, el estilo visual o propuesta gráfica y la realización en vivo.

Espacio El espacio físico en el cual se llevará a cabo la proyección, deberá ser analizado anteriormente, con el fin de conocer ciertas variables y características técnicas a tomar en cuenta, para no encontrarnos con sorpresas ni improvisar sobre la marcha, lo que puede traer más de un problema. Es importante lograr una buena comunicación con la gente encargada y productores del evento para facilitar la solución de algún problema que pueda surgir. Uno de los aspectos a considerar es el tamaño del lienzo a proyectar, si este es de forma alargada (wide) o rectangular, siendo que muchas veces las visuales se trabajan con un tamaño pre-establecido, por ejemplo si todas las visuales las trabajamos en una resolución de 700x400 y luego nos encontramos con que el lienzo es rectangular, seguramente tendremos problemas para nuestra presentación y nuestras imágenes van a sufrir un corte. Es necesario comprobar si el lugar donde está ubicado el lienzo cumple con los parámetros establecidos en nuestro trabajo, en relación al espectáculo. Otro punto importante es la ubicación del VJ. En muchas ocasiones los locales destinados para el espectáculo no tienen espacio extra para que un VJ pueda instalarse con todos sus equipos (laptop,

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controlador, etc.), e implementar las proyecciones que se realizarán, así que muchas veces este es un aspecto a negociar con la producción del evento, ya que la ubicación adecuada del VJ en relación al escenario es fundamental, para que pueda estar viendo en tiempo real la salida de las proyecciones hacia el escenario. Recordemos entonces como un factor importante mantener una buena comunicación con las personas encargadas. En la parte técnica debemos fijarnos en la ubicación donde está el proyector, si está bien alineado con el lienzo, de cuanto es la potencia de éste y en dónde están los cables o alargadores para poder conectarnos a él. Es necesario y útil estar preparado para los distintos tipos de salida que pueda tener, ya sea VGA o RCA. Si en el local está bien implementado el sistema de cableado, no deberíamos tener problemas, si no es así hay que ver cómo solucionamos el tema del cableado hacía el lugar de instalación de los equipos. De todas maneras siempre hay que estar equipado con largos cables, distintos adaptadores y alargadores que podamos necesitar.

Público objetivo Con respecto a nuestra audiencia o nuestros usuarios que ocuparan un lugar para presenciar el espectáculo, podemos mencionar puntos a tener en cuenta en una presentación conjunta con una banda musical. Al contrario de lo que podría ser proyectar visuales, por ejemplo, en un club de música electrónica, la proyección en un show de un grupo musical deberá contar con ciertos elementos para entender al público como un usuario de una experiencia en conjunto. No debemos olvidar que los reales protagonistas del show es la banda musical, por lo tanto un VJ de banda debe tener claro el momento de planificar un show, dependiendo de la duración, que no todo el rato se deberá saturar al espectador de imágenes en movimiento, sino que debe hacerse con sutileza e ir complementando todo el conjunto audiovisual entregado

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por la propuesta general (música, luces, efectos visuales y proyección). Si bien es necesario, por otra parte, tener momentos culmines con respecto a las visuales proyectadas, nunca se debe olvidar que las visuales son solamente complementos de la música y no protagonistas.

Estilo visual En el campo de un VJ hay distintos escenarios que pueden convocarlo, y no sólo para la performance con una banda musical. Tenemos que tomar en cuenta, por ejemplo, las participaciones en bienales, intervenciones arquitectónicas o acompañar a un músico electro acústico que no conocemos con la oportunidad de improvisar en el momento. Muchas veces cuando no hay material específico y sólo hay lugar a la improvisación, se hace necesario contar con un “stock” de material que, dependiendo del lugar, tendrá que mantener una cierta coherencia en relación a la temática presentada. Es importante el criterio con el cual se seleccionan los elementos a proyectar, ya que dará cuenta de la capacidad del VJ para entrar en este tipo de juego multimedia, que junto con la improvisación representan una de las riquezas más valiosas de esta herramienta o nuevo medio.

Realización Una vez instalado en un lugar estratégicamente escogido, y teniendo el equipo y videos preparados, el VJ está listo para empezar su performance. Al comenzar la música, éste debe estar predispuesto para ir conjugando los elementos (imágenes, efectos, loops y videos) que le permitirán generar el dialogó con la música y empezar a desarrollar la verdadera experiencia de la proyección visual en tiempo real.

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Flujo de trabajo Actualmente los flujos o setups de hardware para trabajar en visuales pueden ir de lo más básico a lo más elaborado dependiendo del presupuesto o requerimientos por cada tipo de proyecto. Un flujo básico consiste en el contenido almacenado, una herramienta para procesar el contenido y una salida. En un flujo más elaborado es crucial tener un mezclador de video digital o más de un computador.

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Referentes Contemporáneos En conclusión, los distintos referentes nos dan cuenta de lo variado y fértil que es el campo de la proyección visual en tiempo real en relación al desempeño de distintos profesionales, ejemplos que van desde lo más artístico a lo comercial, de lo netamente visual y experimental a lo conceptual, desde proyecciones planas 2D para bandas de Pop, Rock, Metal, Música Alternativa, etc., hasta interacciones con pantallas táctiles. A manera de clasificación se podría decir que por un lado tenemos un primer tipo al cual podríamos llamar “VJ de autor”, que es el trabajo de los VJs que preparan su material basados en sus propias inquietudes y propuestas personales, generalmente exhibidos en bienales, museos o centros culturales. También están los VJs que trabajan para fines corporativos o eventos empresariales, los que proyectan en espectáculos musicales y fiestas. De igual manera es necesario señalar que estas clasificaciones que un VJ no comparta más de una. Es importante también hacer la diferencia entre la técnica ocupada por los distintos exponentes del género. De esta forma, podemos concluir lo siguiente: 1.- Están los que producen sus visuales escribiendo o generando códigos de programación en software especializados, que también podríamos llamar generación visual no lineal, ya que no dispone de una línea de tiempo como los programas de post-producción de video, sino de líneas de código o interrelación de módulos y parches. Esta especialización en profundidad asegura más control y automatización sobre el material, permite también derivar ese conocimiento a la creación de dispositivos interactivos, mapear monumentos arquitectónicos a mediana o gran escala, o llevar acabo complejas instalaciones comerciales o sets de televisión. 2.- También están los que producen el material con programas de postproducción, generando el contenido visual de manera lineal, generando clips, loops o fondos en movimiento, para luego armar composiciones en

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software especializados para proyectar visuales en tiempo real, añadiendo efectos, transiciones, rotaciones, desplazamientos, alterando la velocidad, modificando los colores añadiendo imágenes caleidoscópicas y dependiendo del programa, ocupado alguna otra característica. Lo que sí está claro es que un punto de unión entre las distintas “escuelas” de VJs es el interés por reinventarse continuamente y estar siempre a la vanguardia en materia tecnológica, informándose en foros por Internet, intercambiando conocimiento con VJs de otras partes del mundo, aprendiendo nuevos software y estando en constante aprendizaje en el ámbito de las nuevas tecnologías.

[Tesis: Realizaci贸n y Proyecci贸n Visual en Tiempo Real]

An谩lisis tecnol贸gico

[El diseño gráﬁco conectado a los nuevos medios]

Proyecciones en tiempo real Una de las razones porque el fenómeno de la proyección audiovisual en tiempo real se ha masificado, como esta mencionado al principio es la explosiva producción de equipos de gran calidad a precios más accesibles y no tan desorbitados como lo podía ser en la década de los ´70 y ´80. Hoy en día con algo tan básico como un laptop, un proyector y un controlador midi para principiantes, podemos empezar a proyectar. Sin embargo, el contenido y calidad del material proyectado es una variable que ni hasta la mejor herramienta podrá ofrecer. Para cualquier persona que quiera empezar en el ámbito de desarrollo del VJ, siempre está la ansiedad y preocupación por el software más adecuado para empezar. Como en todo ámbito tecnológico, existen actualmente softwares a nivel de usuarios más básicos, así como otros también completamente especializados y no tan intuitivos ni amigables para los posibles usuarios. Los softwares utilizados por los vj tienen en común una serie de características como: Selección de loops de video, creación de patterns (grupos de loops), control de velocidad y transparencia, aplicación de efectos de video y la capacidad de mezcla multicapa. Existen variados programas tanto para Windows como para Mac, los más reconocidos son Resolume, Modul8, Vdmx, Arkaos, Isadora, Max/Msp/Jitter, VDMX y Quartz Composer. También se utilizan programas para post-producir los videos como por ejemplo Adobe After Effects y Final Cut los cuales nos sirven para renderizar las composiciones y poder obtener de nuestros clips la mejor compresión optimizada para no perder calidad y a la vez que su tamaño no quede tan pesado así no se exige tanto al procesador y tarjeta de video al momento de proyectar en vivo.

[Tesis: Realizaci贸n y Proyecci贸n Visual en Tiempo Real]

Para empezar vamos a ver 3 softwares que pueden definirse de usuario medio-avanzado como lo son:

Arkaos Resolume Avenue Modul8

[El diseño gráﬁco conectado a los nuevos medios]

Arkaos Grand VJ www.arkaos.net Uno de los pioneros en lo que se refiere a la programación de softwares para VJs, La última entrega es el programa GrandVJ, que cuenta con mejoras sustanciales a las versiones anteriores. Presenta la mayoría de las características para mezclar videos en vivo y es ocupado tanto como por grandes VJs y principiantes que andan buscando softwares mas intuitivo y flexible, es compatible con la mayoría de los controladores midi, soporta HD y archivos Quartz Composer. Funciona en Mac y PC. Pantalla de trabajo de Arkaos.

[Tesis: Realización y Proyección Visual en Tiempo Real]

Resolume Avenue www.resolume.com

Pantalla de trabajo de Resolume.

Actualmente en su versión 3. Resolume es un software para usuarios más avanzados, lo que quiere decir que tenemos más control sobre lo que queremos proyectar. Incluye también funciones integradas con audio, para poder sincronizar los videos con sonidos o música. La interfaz es bastante intuitiva y el flujo de trabajo es mediante la asignación de capas y columnas, que de acuerdo a la composición se pueden ir pinchando para reproducirlas. También es posible añadir efectos predefinidos o creados por los usuarios a videos individuales, a capas especificas o a toda la composición. También es compatible con PC y Mac.

[El diseño gráﬁco conectado a los nuevos medios]

Modul8 www.garagecube.com Es uno de los softwares más usados por los VJs profesionales debido a su gran flexibilidad y gran control sobre los parámetros a intervenir, mezclar y proyectar videos en tiempo real. La interfaz consiste en 10 capas divididas en 2 partes, A y B, para mezclarlas de acuerdo al tipo de composiciones. También se puede trabajar a través de módulos predefinidos o creados por el usuario Una de las mejores características es la salida de video, optimizada para trabajar con el sistema operativo Mac el cual saca partido al máximo a la tarjeta de video. Permite la Multiproyección, eso quiere decir proyectar con distintos proyectores para abarcar un área de proyección más grande.

Pantalla de trabajo de Modul8.

[Tesis: Realización y Proyección Visual en Tiempo Real]

Hardware Fuentes de Video: Laptop portátil los cuales almacenan las composiciones, Cámaras de video digital con las cuales se pueden agregar a la composición imágenes en directo, Reproductores de DVD.

Gráfica mostrando algunos aparatos utilizados en una sesion de VJing.

Dispositivos de Control: Controladores MIDI los cuales se comunican con el software de mezcla para controlar sus parámetros como velocidades, loops, efectos y fades.

[El diseño gráﬁco conectado a los nuevos medios]

Conclusión al Marco Teórico Como conclusión podemos reconocer los aspectos más importantes de la herramienta visual denominada VJing, que se enmarca también en el concepto de los nuevos medios. Conocimos su historia y también como podemos relacionarla con el diseño gráfico por medio de un lenguaje visual coherente en el contexto en el cual nos encontramos, también conocimos la opinión de diseñadores destacados quienes dan su visión de como el diseño debe insertarse en los nuevos medios e interrelacionarse con distintas disciplinas. Estudiamos los elementos de composición y estructura a nivel de contenido y de presentación de un VJ, así al momento de elaborar nuestra propuesta ya tendremos un conocimiento para ir produciendo nuestras visuales acorde a una metodología establecida. También podremos nuestro flujo de trabajo acorde a nuestro nivel de iniciado así como ocupar las herramientas más eficientes pero a su vez con un presupuesto reducido.

Apropiaci贸n de ret贸rica y est茅tica de las vanguardias art铆sticas del Siglo XX.

[Apropiación de retórica y estética de las vanguardias artísticas del Siglo XX]

En el contexto de los nuevos medias y la cultura del remix, ubicado en un paisaje esculpido por los procesos de participación e interactividad, intermedialidad e interdisciplinariedad, hiperrealidad y realidad ampliada, surge el VJing como dispositivo dirigido a la realización y representación audiovisual a tiempo real. Se trata de una plataforma de creación audiovisual que retoma la preocupación por hallar un lenguaje análogo al lenguaje musical en lo estrictamente visual, una tradición por “pintar la música” que persigue la creación de un objeto audiovisual que surja de un fértil diálogo entre imágenes en movimiento y banda sonora. En esta obra se cartografía, desde enfoques teóricos, analíticos y fenomenológicos, el territorio en el que se mueven las acciones de VJing como gestos performativos que se inician en los ochenta en el escenario de la cultura de clubes y tienen su prolongación en la contemporaneidad. Presentamos un recorrido por las distintas vanguardias artísticas con las que el VJing conecta directa o indirectamente, retomando la genealogía estética y retórica en la cual se inscribe con el objetivo de entender este fenómeno, paradigma de los procesos que determinan la realización y representación de un objeto audiovisual a tiempo real. El término videojockey o VJ se aplica a aquellos creadores que generan sesiones visuales mezclando en directo loops de video con música u otro tipo de acción. Por extensión, al acto de mezclar video de esta forma se le llama “veejing” o “veejaying”, aunque esta última acepción es incorrecta. Su origen se encuentra en los clubs de baile de la década de 1980, en los que el videojockey mezclaba sus loops de video al ritmo de la música mezclada por el DJ. En sus inicios, la forma de hacerlo era mediante la utilización de reproductores de VHS, mesas de edición broadcast y pesados proyectores de video. Desde la aparición de la informática portátil este movimiento ha

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protagonizado una gran expansión debido al abaratamiento y reducción de tamaño de los elementos necesarios, sean ordenadores portátiles, cámaras digitales o proyectores de video. Actualmente y fuera de su marco nativo, puramente lúdico y underground, el campo de actuación de un VJ no se limita a los clubs, extendiéndose a conciertos, publicidad, eventos públicos, presentaciones, televisión, etc. El término también es aplicable para los presentadores de videos musicales en cadenas de televisión de este concepto y hoy en día gracias a la incorporación de sistemas de reproducción digital de extremo control, es posible realizar un sincronismo similar al del dj con video clips, siendo más adecuado denominar [visualista] a quien genera imágenes estáticas o en movimiento sobre un soporte proyectado ( telones ) o luz emitida (led, plasma o similares) sin otro fin que generar un discurso visual propio y sin ninguna relación con una narración u obra realizada con fines promocionales de temas musicales.

[Apropiación de retórica y estética de las vanguardias artísticas del Siglo XX]

Sobre los Video Jockeys Ninguna fiesta, concierto o espectáculo musical está completo sin su presencia. Un trabajo que aunque poco conocido por la mayoría, cada vez tiene más importancia en el entretenimiento actual. “No soy presentador de MTV”, es una de las principales frases que esgrimen los VJs cuando de defender su trabajo se trata, porque si bien el término VJ se popularizó haciendo referencia al encargado de presentar videos comerciales en canales musicales, la palabra describe a aquella persona que hace mezclas en vivo de contenido visual como parte de un espectáculo multimedia. Durante su presentación, un VJ se nutre de material ya sea “pirateado” de otras fuentes, o generado por el mismo a través de grabación con cámara o software, para seleccionarlo o modificarlo en el acto. Pero esa es la definición técnica. El verdadero trabajo de un VJ es asegurarse de que el público que asista a su show tenga una experiencia completa. En palabras del VJ Camilo Mejía, “generar sinestesia”. Aunque poco conocido para muchos, el término para llamar a este híbrido entre performance, instalación, video experimental y fiesta surgió en la escena de Nueva York, en la década de los setenta. En esta época, artistas como Andy Warhol y Nam June Paik ya experimentaban con mezclas de video en medio de presentaciones musicales, aunque no eran considerados VJs como tal. En los ochenta, con el auge de la música electrónica se popularizaron los eventos y fiestas de este género, y propietarios de clubes como Metro y Medusa, en Estados Unidos, empezaron a incorporar visuales en sus espacios. Años después, empiezan a crearse los primeros compilados de mezclas de video hechas por VJs y surgen colectivos como The Light Surgeons y Hex, por incorporar nuevas tecnologías y maneras de proyectar. En la década pasada, el VJing se consolidó gracias a la llegada de Internet y el surgimiento de festivales y competencias. Se posicionó por un interés de las bandas en mejorar el aspecto visual de sus presentaciones y así ofrecer un valor agregado en sus shows. , como en el caso de Systema Solar, que incluye dentro de su alineación a Cara de Perro, su VJ oficial, por ejemplo.

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A Colombia, el VJing llegó hace unos diez años, pero no fue sino hasta hace unos tres o cuatro, que empezó a conocerse esta profesión en la industria. No obstante, aún son pocos o nulos los espacios que cuentan con un VJ residente, como sí sucede en varios países de Europa. Igualmente, muchos VJs locales sienten que su trabajo no es totalmente apreciado, pues ciertos empresarios de eventos los contratan por muy poco dinero o incluso gratis. “Hay muchos que piensan que las visuales son algo secundario, y no se dan cuenta de su importancia, por eso no lo aprecian y te contratan a veces hasta gratis y lo que es peor: hay muchos a los que nos les importa regalar el trabajo” afirma Laura Ramírez, VJ, quién nos recomendó este video para ejemplificar la situación que viven muchos VJs. Si bien existen varios VJs en Bogotá, muchos piensan que hace falta consolidar la escena, a través de más festivales y competencias. Bogotrax es uno de los pocos que existe relacionado con el tema en la ciudad, pero no parece dar abasto ante oferta cada vez mayor de realizadores visuales. “Puede que no sea fácil ser VJ, pero muchos decidieron demostrar que más que simples técnicos, son verdaderos maestros¨

[Apropiación de retórica y estética de las vanguardias artísticas del Siglo XX]

El arte de pintar la música La tecnología ha transformado nuestro modo de vida en todos los aspectos y ha permitido la experimentación de nuevas formas de creación y expresión. El arte se ha adentrado en disciplinas que se mueven por terrenos contemporáneos, con distintos lenguajes y límites solo trazados por las propias herramientas digitales. Actualmente, arte y tecnología mantienen un affair del que están surgiendo elementos y conceptos todavía por definir. Bajo este contexto encontramos el VJing, sesiones visuales que se consiguen de la mezcla de imágenes en tiempo real con la música.//Elena García. El VJing se ha labrado un nombre y un hueco en la escena electrónica al formar parte del conjunto artístico y profesional de muchos eventos y espectáculos, aumentando así la experiencia del público. El VJing consiste en la mezcla de loops de video en directo a ritmo de la música que, a su vez, pincha un Dj. El término tiene su origen en los principios de la cadena MTV, donde se llamaba videojockeys a los presentadores de videos musicales, pero el concepto viene de más atrás ya que la idea de “pintar la música” y representarla en imágenes siempre ha estado en la mente del hombre. El Vj Flunchpunkt reivindica que los elementos visuales siempre ha acompañado a la música ya desde la prehistoria y las pinturas rupestres que se hacían durante las ceremonias. Acercándonos a nuestro tiempo, el auge de la música electrónica y del DJ de club durante los 90’s proporcionó más oportunidades para los artistas y permitió la evolución del VJing tal y como lo conocemos. El despegue de los Vj’s también se debe en parte, a la expansión de las nuevas tecnologías y el abaratamiento de nuevos equipos, que como sucede con la música electrónica, posibilitó el acceso a la disciplina a mucha más gente. Los músicos o Djs son quienes suelen buscar al videojockey para crear un espectáculo diferente al ya existente con la ayuda de imágenes y general-

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mente es el VJ quien escucha la música y, en ese momento, decide qué poner para crear la fusión. Para Ramón Mayor – VJ Poolar, actual VJ en las fiestas Break360º en la sala Rojas de Murcia y antiguo Vj residente de la discoteca y de músicos como Alexander Kowalski y Alex Under – la relación entre DJ y VJes necesaria para expresar conjuntamente una misma sensación en los asistentes al evento. “Las visuales y la música en un live act siempre tienen la misma filosofía y actitud, si la música es oscura, los visuales tendrán que serlo” comenta el Vj murciano. Esta relación entre DJ y VJ, entre música e imágenes, jerarquiza las disciplinas, pero los videojockeys reivindican y trabajan para afianzar su posición. “Las imágenes se sustentan sobre música y por ello existe una cierta esclavitud”, Como dice el cineasta europeo Greenaway, – “pero es una relación que ofrece más libertad”. Para Stefano Scarani, artista de video creación y músico, la música es lo primero. “Desde la vida fetal podemos oír. Oímos las 24 horas del día toda nuestra vida, tanto despierto como dormido. La percepción sonora es esférica mientras la percepción visual se limita a un espacio preciso y a una luz adecuada”. Aun así, no siempre hay supremacía musical ya que muchos grupos trabajan ambos conceptos a la vez y en el mismo nivel, como son Electric Method o Cold Cut. Estos grupos utilizan imágenes con sonido que a su vez forman parte de la canción que están creando. Sin embargo, no hay que pensar que el VJing surge a raíz de la relación con la cultura de club “si no que nace como un fenómeno artístico-técnico de la historia audiovisual” indica Pedro Jiménez, miembro del equipo de coordinación de Zemos98 y licenciado en Comunicación Audiovisual. Sus antecedentes se remontan a los juegos de luces que incorporaron los clubs estadounidenses de los 60’s. Los conciertos de la mítica banda The Grateful Dead y los Acid Test de los Merry Pranksters son ejemplo de ello. Más adelante, en un evento organizado por Andy Warhol se fusionaría al ritmo de la música y a lo largo

[Apropiación de retórica y estética de las vanguardias artísticas del Siglo XX]

de las décadas finales del siglo XX se sentarían las bases tomando distintas referencias. “Por un lado, el empleo del medio electrónico y la parte artística del mismo a través del video de creación; por otro, los nuevos conceptos en arte contemporáneo aplicado a las nuevas tecnologías y, por último, la nueva lógica cultural de la base de datos y el sampling” explica Ana María Sedeño, profesora de investigación en la Facultad de Ciencias de la Comunicación de la Universidad de Málaga. Además, el VJing toma de referencia a muchas piezas del lenguaje cinematográfico, que es el lenguaje de la imagen en movimiento. “No se trata de un lenguaje hermético sino que adopta nuevos elementos formales en una constante renovación”, comenta Jiménez. Es por este motivo que existen varias tendencias que acompañan al fenómeno del VJing en su evolución, como es el Video Arte o el Live Cinema, pero no es lo mismo. Stefano Scarani es artista de Video Creación, el piensa que hay diferencias conceptuales ya que el Video Arte estaría basado en la poética, en la no-narratividad y el VJing, siempre salvando excepciones dice, se dirige a algo así como a “un mantra psicodélico homorrítmico” heredero de los rituales tribales. “Se podría abrir un nuevo camino del Video Arte a través de esta práctica, pero antes necesitaría ver que quiere decir el Dj con su música y qué significado aporta” indica Scarani. Lo novedoso de la cultura VJing hace que aún no haya sobrepasado el concepto de contemporáneo y este hecho posiciona al fenómeno en un etapa de exploración e investigación hacía un lenguaje que cambia la manera en que visualizamos las cosas y se transforma día a día. “Quizás por este carácter multidisciplinar, multiforme, desorganizado y plural cuando te pones a escribir sobre VJing existe una sensación de que estamos en arenas conceptuales movedizas donde lo que se esta pensando en este momento ya esta siendo escrito o descubierto en otra parte” resume con acierto Jímenez.

[Imágenes en movimiento]

El VJing, según César Ustrarroz, autor del libro Teoría del VJing, pretende hallar un lenguaje análogo al lenguaje musical en lo estrictamente visual. La creación de un objeto audiovisual que surja de un diálogo entre imágenes en movimiento y banda sonora. Ramon Mayor define su trabajo muy rítmico y vanguardista con esa esencia contemporánea y espacio para la improvisación. “La mayoría de los videojockeys decide abrir otras alternativas creativas y de trabajo a través de los diversos campos de que dispone el Video Arte o vídeo de creación” – comenta Sedeño – “En el panorama artístico contemporáneo no se contenta con la de personaje creador, en su aspecto clásico, sino el que remezcla, el que elige, el que une acciones, procesos, obras, productos de entre una gran gama, alimentada por toda una tradición y trabajo generado anteriormente por múltiples otros autores.” El gran campo audiovisual todavía tiene mucho que aportarnos y la tecnología avanza a paso rápido con nuevas herramientas y conceptos que inspiran a más artistas. “Pienso que dentro de unos años el VJing será tan importante como otras disciplinas y su nombre aparecerá igual de grande en los carteles que anuncian eventos y festivales” comenta Poolar VJ. La búsqueda de identidad, contexto y definiciones sigue desarrollándose y se publican nuevos documentos de investigación y libros sobre el VJing como ‘Teoría del VJing’ en España de César Ustrarroz o, de forma internacional, ‘VJing’, escrito de manera colaborativa durante un taller que se celebró en mayo de 2010 en el Mapping Festival en Ginebra, Suiza, y que se publicó a principios de este año. Además, el pasado septiembre pasó a regularse con un Real Decreto que le da competencia como cualificación profesional. Se escribe sobre el futuro del VJing, pero el futuro ya está aquí.

[VJing en el arte contemporรกneo]

VJing en el arte contemporรกneo

[Im谩genes en movimiento]

Por Dunja Kukovec Extracto de conferencia celebrada en 320x240.org, Vis Island, Croacia

El texto a continuaci贸n, sigue la l贸gica del VJing. Est谩 escrito con acotaciones y pensamientos desordenados.

[VJing en el arte contemporáneo]

Es una de las perspectivas para mirar al VJing. En vez de significados arraigados, el proceso y el discurso son considerados puntos de partida. Lo real y lo virtual, lo correcto y lo incorrecto dependen del contexto. Cada día es revolución. En general este texto trata de VJing, historia del arte y espacios de representación y acción. Sin embargo, para la persona creativa, tal como personalmente lo he escuchado de los VJs, no es importante si el VJing es arte o no, o si es interpretado en la calle, en un club, museo o evento especial. Museos o galerías pueden ser vistos simplemente como lugares de uso, para ser invadidos. VJ Aurelien en acción

[Imágenes en movimiento]

Acotaciones: VJs en escena Lev Manovich : “ A esta generación no le importa si su trabajo es llamado arte o diseño.’’ Esta generación ya no está interesada en la crítica mediática que ha preocupado a los artistas multimedia de la últimas dos décadas; el interés ahora reside en la crítica del software. Esta generación escribe su propio código de software para crear sus propios sistemas culturales, en vez de usar muestras de comercio mediático. El resultado es el nuevo modernismo en la visualización de data, redes vectoriales, mallas de pixel: diseño bauhaus al servicio del diseño de la información. En vez del barroco asalto de los medios comerciales, la generación Flash nos sirve la estética modernista y la racionalidad del software. El diseño de la información es utilizado como una herramienta para hacer sentido de realidad, mientras la programación informática se convierte en una herramienta de poder.” Douglas Crimp “Sobre las Ruinas del Museo”, en referencia a Walter Benjamín: “ A través de la tecnología reproductiva, el arte posmodernista dispensa su aura. La ficción del sujeto creador, da paso a la franca confiscación, acotación, extracción, acumulación y repetición de imágenes ya existentes. Las nociones de originalidad, autenticidad y presencia, esenciales para la estructuración del discurso ordenado de los museos, están siendo minadas. ”

Boris Groys :

“Mientras menos difiere visualmente un trabajo de arte de un objeto profano,

más necesario se hace cada día, dibujar una clara distinción entre el contexto del arte y el profano. Cuando un trabajo de arte parece “una cosa normal” requiere de la contextualización y protección del museo. El trabajo de arte tiene una más larga vida y conserva su forma original por más tiempo en el museo, que un objeto común en la realidad. Esa es la razón por la que una cosa ordinaria luce más real en el museo que en la realidad. Las diferencias en las estrategias del arte tradicional, moderno y contemporáneo son relativamente fáciles de describir.

[VJing en el arte contemporáneo]

En la tradición modernista, el contexto del arte era considerado como estable - era el contexto idealizado del museo universal. La innovación consistía en producir nuevas formas, nuevas cosas, en este contexto estable. En nuestro tiempo, el contexto es visto como cambiante e inestable. Así la estrategia del arte contemporáneo consiste en crear un contexto en el que una cierta forma o cosa parezca otra, nueva e interesante. El arte tradicional (y también una parte del nuevo arte mediático) está trabajando en el campo de la forma. El arte contemporáneo está trabajando en el campo de la creación de contexto, marco referencial, backgrounds y nuevas interpretaciones teóricas. Pero el objetivo es el mismo: crear un contraste entre la forma y el background histórico, hacer la forma parecer otra y nueva.” Ha*Ka Nilsson acota: “Uno podría describir LPC como la nueva generación hippie.’’ Se encuentra inclusive en el nombre. El otro lado del pacer del LPC no es una estrategia; es la afirmación que allí actualmente está el placer. Ellos parecen pensar que todo es realmente mucho más fácil de lo que lo hemos hecho. La experiencia musical de LPC no está basada simplemente en la cultura occidental; ellos utilizan ritmos de todas partes del mundo, como haciendo una afirmación sobre el fenómeno global del danzar. Detrás de la política, detrás de toda la terrible masa medial de mezcla de voces, uno puede casi sentir LPC tratando de comunicar algo como “relájate pana, siéntelo!”

[Imágenes en movimiento]

Historia y Representación Aunque la cultura VJ podría parecer autónoma, straight y no contextual; es en realidad mucho más compleja. Un VJ, fue primeramente un coleccionista y a veces video artista, ahora es artista cibernético o multimediático. A medida que se va ampliando van apareciendo nuevas formas de VJ: VJ como arte de software, arte del encuentro, arte viviente, activismo, arte 3D, arte público, VJ como creación cinematográfica o fotográfica. El VJing puede ser visto como una simbiosis con el sonido. Históricamente el VJing está relacionado no solamente a la historia de lo visual, sino que vá mano a mano con el sonido y la historia de la música tal como la escultura y la pintura medieval evolucionaron juntas con la arquitectura. En términos de formalismo, podría ser parcialmente comparado al collage y a los métodos clásicos que se utilizan para manejar una herramienta o material. El VJing desarrollado con imágenes encontradas utiliza métodos similares a los desarrollados por los creadores de la música concreta (Musique Concrete 1948-1964) La Musique Concrete era música creada a partir de sonidos grabados en cintas (analógicamente), que luego eran alterados mediante la inserción de cambios en el pitch, la duración y la amplitud. También conocida como Tape Music, los métodos que fueron usados para la creación de Música Concreta se volvieron obsoletos con la invención del sintetizador modular. El Audio-video performance ‘gesamptkunstwerk’ realizado por el cineasta Godfrey Reggio con el compositor Phillip Glass titulado Koyaanisqaatsi evoca el jockeyismo digital. Algunos materiales visuales de producción independiente son análogos a viejos cortometrajes experimentales y a algunas animaciones. Finalmente, ciertas piezas de software especialmente desarrolladas (randomizers), o inclusive hardware, son considerados software art o hardware art.

[VJing en el arte contemporáneo]

Las prácticas desarrolladas en la historia del arte durante la segunda mitad del Siglo XX, cuentan con muchas herramientas para entender el VJing como una forma de arte.

Vjing como performance Es similar como evento al performance y a los happenings de los 60’s y 70’s. Si, por ejemplo, un proyecto VJ es parte de una exposición colectiva, puede ser representado como performance de un día.

Vjing como arte público Más allá de cualquier espacio público, el club es una clase de espacio público. Es como el espacio natural para esta clase de arte. Es el sitio específico para ejecutarlo.

VJing cinematográfico en vivo El performance VJ se presenta en cines. El público se sienta, y observa. En cierto modo esto es similar a lo que acontece en el museo o en el teatro. Recientemente también hemos visto al VJing como software-art, hardwareart y arte interactivo. Desde mi punto de vista, estas formas de arte son las más productivas e inovativas. VJing no debe ser visto como una cortina o ranura con el sonido, sino como una simbiosis. Sin embargo, ambos pueden y de hecho existe el uno sin el otro. El material VJ puede ser usado como una proyección; su lugar perfecto se encuentra en cualquier espacio público.

[Imágenes en movimiento]

La falta de habilidad para incluir VJing en una exhibición, resulta en un problema parecido al que confrontamos cuando tratamos de mostrar arte por computadoras y arte por internet. Los museos y las galerías, de alguna manera se han arreglado para acostumbrarse al cuarto obscuro “Las video instalaciones trajeron la gran noche al interior de los museos esta es quizás su función más importante. El espacio museográfico pierde su propia “luz institucional”. También el control sobre el tiempo de

pero los museos y galerías en general no han resuelto la creación de estas zonas de autonomía temporal. Si el ritmo de adaptación de museos y galerías continúa desarrollándose de manera tan lenta, perderán todas estas formas creativas que requieren de una forma especial de representación.

contemplación es pasado del visitante al trabajo de arte en sí mismo” - Boris Groys,

El VJing está encontrando otra solución, por ejemplo el cine, y así lo están haciendo unas pocas instituciones de arte contemporáneo .Pero, pertenece el VJing al cine donde el tiempo de sentarse a la entrada y el tiempo de salida son exactos, o pertenece a algún otro espacio, por ejemplo el museo o la galería, donde los tiempos de entrada y salida son indefinidos y el modo de visualización estando de pié es un hábito. Probablemente la solución más inteligente sea ese viejo espacio cinematográfico. Las galerías y los laboratorios de nuevos medios deben converger en nuevos híbridos. Algo como ICA, en Londres o Witt de Witt en Rotterdam.

[VJing en el arte contemporáneo]

Proceso y valores postmodernos Ilustrativamente la postmodernidad significa caos y convergencia. Modernidad significa orden y arraigo de significados. Elementos básicos y formales del VJ:

Loop Casi todos los performances VJ están basados en el loop, al igual que la música electrónica contemporánea, El loop es una forma, que puede también significar una herramienta, un elemento visual o género. Loopear demanda una percepción especial. Es tribal y es global. Puede ser declarativo, elegante y provocativo. Tal como Lev Manovich ha demostrado, todos los instrumentos visuales pre-cinemáticos del siglo diecinueve también se apoyaban en loops. A través del siglo diecinueve, los loops se fueron alargando eventualmente convirtiéndose en un rasgo narrativo. Hoy en día, presenciamos el movimiento opuesto, los artistas sampleando pequeños segmentos de películas o programas de televisión, montándolos en loops, y exhibiéndolos en diferentes trabajos de video.

Random En una máquina, el desorden del mundo es como bizarro. Ninguna máquina puede producir un verdadero random. Si hablamos correctamente, los procesos de producción de random son llamados pseudo-randomness. Miramos a la estética del random como algo fascinante. Se encuentra ubicada en el borde donde todo está conectado e interrelacionado. Parece que no existe coincidencia en que esto sea exactamente como debería ser. Piensen en un screensaver (visual - protector de pantallas) como un dado de la suerte.

[Imágenes en movimiento]

El loop y el random son elementos presentes en las prácticas de arte recientes. Podemos encontrar analogías en el Dada, Situacionismo, Cage, Eno y Glass.

El entramado del tiempo El entramado del tiempo, hace de él «medio el mensaje». El tiempo es un mensaje, y el tiempo es un contexto. La cultura occidental está basada en el tiempo. El VJing es en cierto modo una crítica de este tiempo, debido a que está diciendo que no hay tiempo, que el tiempo no existe. Es infinito, depende de la percepción individual, de los sentidos y del sentimiento. Depende de tí decidir cuánto tiempo verás clips, no hay nadie que pueda decirte cuanto tiempo ver interactividad VJ. El VJing se interesa en la comunicación. El VJing no es una forma de arte autónoma. Es interactiva en muchos sentidos. El resultado final es software de detección en movimiento. Es pre-configuración autoral. Este es un tema muy complejo para explicarlo en este ensayo. Solo alcanzaré a afirmar que la historia del arte tendrá que redefinirse. Un nuevo método para evaluar al artista y los equipos de trabajo tendrá que ser desarrollado. Quiero afirmar que tú, como creador o artista, no eres el propiertario de la idea o el trabajo de arte. Tú eres una referencia y un crédito para futuras generaciones. En estos términos, el VJing es una forma de arte postmoderno. Pero ¿por qué por naturaleza no es simplemente lógico que el VJing sea una forma de arte? Porque la mayoría de los curadores simplemente lo ignora, o actúan como en todo sistema de poder, y forzar a los creadores VJ a ignorar esta clase de sistemas.

[VJing en el arte contemporáneo]

El caso no es tan simple, y pienso que deberíamos convertir los museos en ruinas y no simplemente ignorarlos. Por otra parte, en términos de producción y procesos, estamos hablando acerca de producciones focalizadas y métodos fijados por los procesos. Cuando estás haciendo VJ, estás haciendo algo exacto, tal como esculpir o pintar... en un modo más Warholiano o Pollockniano, más espumoso y ligero y menos contemplativo y rapsódico. Los he visto disfrutarlo a todos, mientras era su turno para VJ. VJ no es como el arte gestual de los noventa. En este sentido no pertenece a la tradición de Duchamp. Un artista VJ es definitivamente un nuevo tipo de artista, que es sobre todas las cosas un consumidor aristocrático ejemplar. La otra cosa que un VJ puede ser, es un artesano. Como la mayoría de los ceramistas, pintores y escultores de otros tiempos. Pero yo no diría eso. De acuerdo a las definiciones de los artistas jóvenes, un VJ es un artista típico, quién a propósito de una manera descuidada cita la historia del hombre blanco occidental y pertenece a la llamada generación Flash. Durante los noventa vimos nacer un nuevo estilo de arte llamado arte contemporáneo. En la era de nuestros abuelos, ellos y nosotros vimos como el progreso rápido estuvo siempre presente. De acuerdo a esto, todo lo que necesita ser sistematizado y explicado, en cierta manera tiene conexión con lo nuevo. Así, después de la arquitectura moderna y del arte moderno, tenemos arquitectura postmoderna y arte postmoderno. Pero los noventa se han ido. Han terminado de modo dramático. Nadie esperaba un final tan drástico. Internet se está convirtiendo en lo que se está convirtiendo. No

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quiero hablar de esto porque creo que una estructura de tecnología abierta funcionará. (Piensen sobre Mozzila o Linux. Están aquí para todo el mundo. Sin embargo cuando busco apple en cualquier motor de búsqueda, el primer encuentro no es nunca una fruta, pero siempre una compañía. De cualquier manera, estamos en la necesidad constante de una utopía social.) Ver al arte contemporáneo como un estilo nos capacita para dilucidar más profundamente algunos atributos y definiciones -es un marco referencial, un método para la comunicación. Trabajando dentro de este contexto fluido y cambiante, creando nuevas cosas a partir de las viejas con la ayuda del contexto mismo - son dos importantes cualidades del arte de los noventa. Exhibiciones en el Kunsthalle Wien, Abracadabra in Tate, Documenta X, y en el Harals Szemann Arsenale 2001 en Venecia, son solamente unos pocos ejemplos. En un mundo de niños, estas exhibiciones curadas por curadores creativos, parecían una feria de diversiones. Ellas activaron todos nuestros sentidos, trajeron muchos modos nuevos. Riendo, llorando, jugando, chocando, provocando, trastocando la mentalidad usual. Todos los trabajos de arte fueron como diferentes tipos de droga, produciendo un cierto sentimiento en tu mente y cuerpo. Esto fue muy diferente de los cubos blancos previos, exhibiciones lineales y narrativas para el predominio de la contemplación, observación pasiva y sumisa fueron los modos básicos de recepción. En la exhibición contemporánea existe una comunicación en dos vías, mientras que antes existía una comunicación en una sola vía. En los noventa ha habido un diálogo, discurso y significado contextual, antes nos estaba diciendo algo en una manera más o menos straight y a veces sublime. Pero que está pasando ahora, cuando nosotros (historiadores de arte) nos estamos preguntando si el VJ es en realidad una manifestacion de arte.

[VJing en el arte contemporáneo]

Veamos a la última tendencia en las artes visuales, en un ejemplo más reciente, Documenta 11 y la Bienal de Venecia 2003. En ambos casos un cierto aspecto modernista fue sentido y también visto. Era claro que una cierta necesidad de redefinir y repensar el modernismo estaba presente. Documenta y su Biearhalle fue un ejemplo clásico de acercamiento modernista en el montaje - con los cubos blancos y una vía de comunicación en un solo sentido (esto es lo que quiero decir cuando colocas las manos en tu espalda y caminas a través de la exhibición). La Bienal de Venecia, especialmente algunas partes de la exhibición celebrada en el Arsenal hablaban directamente de modernismo en una manera tendenciosa. Así, una parte estaba directamente dedicada a la pintura y otra parte estaba directamente discutiendo el modernismo. Al mismo tiempo, en Ljubljana hubo una exhibición que se enfocó predominantemente en la forma más que en el contexto en el arte contemporáneo. Todas estas exhibiciones trataron el tema del modernismo y aspectos como la expresión a través de la forma, la autonomía; los significados y procesos definidos. Una de las evidencias más ilustrativas, fue que en ninguna de estas exhibiciones ningún trabajo de arte haya sido de carácter interactivo. Todos estos trabajos estuvieron exhibidos solo para ser contemplados. Algunos de los videos eran muy similares a estructuras de video que podemos encontrar en algunos trabajos VJ, que si forzamos un poco el proceso de análisis podríamos encontrar similitudes a trabajos de codificación en el softwareart. Lo que estoy tratando de demostrar aquí, es la carencia definitiva - en aquellas exhibiciones que he mencionado, no he visto ni un solo trabajo de arte realizado con nuevos medios que pudiese mostrar nuevas formas y procesos: código, formas cambiantes, higiénica estética de imágenes generadas por

[Imágenes en movimiento]

computadora etc. Ninguna de estas exhibiciones buscó respuestas en el campo de los nuevos medios y de las nuevas herramientas tan ampliamente usadas. Estuvieron buscando por respuestas posibles con un método exclusivamente parcial. Sin embargo hay unas pocas excepciones, pero pienso que la mayoría está repitiendo los mismos errores una y otra vez. Pienso que el renacer del modernismo como tal, no es una coincidencia. Tal como en la sociedad, necesitamos acciones directas y soluciones arregladas. En el marco de la historia visual se piensa en un libro escrito por Lev Manovich. El título de este libro publicado en el 2000 es ‹El Lenguaje de Los Nuevos Medios›. La asociación con el lenguaje de las artes visuales, el término más discutido en el elevado arte modernista, es indispensable. El libro representa un acercamiento totalmente modernista - como instrumento de investigación utiliza métodos descriptivos, narrativos y lineales, con la clásica autoridad que le confiere su background. El libro es formalista y podríamos compararlo a textos que hablan sobre pintura, escultura etc. Como pintura gestual, chorreadura, expresionismo etc. El Lenguaje de Los Nuevos medios no habla acerca del impacto cultural, social o político del arte, tantas veces discutido durante los noventa. El libro es un revival definitivo del modernismo - la época de los significados arraigados y la autonomía del arte. Sin embargo, Lev lo hizo a propósito. El Lenguaje de Los Nuevos Medios es una preciosa observación, y así se convierte en otra referencia de rigor en el campo de los nuevos medios en el arte. Esta clase de método es todavía útil para ver la luz en experimentos con la forma y la función en numerosos laboratorios digitales. En este punto podemos comenzar a hablar acerca de VJ. VJ-ing es tan arte moderno como el libro de Lev Manovich lo es. Todas las prácticas descritas en este libro están más cercanas a Picasso que a Marcel Duchamp. Toda su vida, Picasso trató con la pintura y la forma, tal como el artista de los nuevos medios está tratando

[VJing en el arte contemporáneo]

con una parte de la tecnología informática. Tal como el VJ está tratando con una imagen en movimiento de loop. El VJ puede ser visto también como un proceso de comunicación en un solo sentido, la imagen nos está diciendo algo, juega con lo sublime y el loop, con recursos del elemento sorpresa, oportunidad y a veces el choque. Con las definiciones acerca de los artistas contemporáneos (de los noventa), estamos aquí contemplando una nueva forma de arte, que va más allá de lo moderno y del arte contemporáneo. A donde llegará el VJ, es una cosa que dependerá de los trabajos de cada individuo. El artesano VJ siempre estará feliz de tocar en un club; para nosotros los asistentes a la fiesta. Ese es en nuestro propósito. Pero el artista o activista VJ, que interpretará su trabajo en variadas situaciones, combinando diferentes prácticas creativas, usando la tecnología en caminos de regreso y abiertos; nos llevará a los espectadores, definitivamente hacia una catarsis. El VJ nos hará pensar de una manera diferente porque experimentaremos algo especial y único. Déjenme terminar con una frase del historiador de arte Ha*kan Nilsson: «Es en mucho, acerca de la interferencia. Pero al final es predominantemente acerca del amor. Supongo que eso es una confesión. Similitudes o no, celos o no, no importando el acercamiento intelectual o la estructura rizomática, en el mundo de la música el cínico diletante (el crítico de arte) puede sentir que el amor es el poder supremo. Entonces, ¿qué tal si la idea general es romántica? La danza es global, así la raza humana. Nada es imposible. Eso me gusta. Allí, finalmente lo digo. Debajo de las piruetas del lenguaje, todos nosotros de tiempo en tiempo tratamos de formular aquello que a veces nos parece tan sencillo: « El nombre del juego es sentirse realmente bien». Es tan fácil como eso. No se necesita otra excusa.

[Imรกgenes en movimiento]

Referentes visuales

[Referentes visuales]

Camilo Mejía [

Visual Bastard

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Fue casi por accidente que Camilo se aproximó al mundo del VJing. En su exploración por los nuevos medios llegó al español André Cruz, VJ de la banda Ojos de brujo, quien lo introdujo en la sincronía música-video. Morfonía fue la primera banda para la cual trabajó como VJ. Casi diez años después, entraron a su lista de clientes bandas como Buraka Som Systema, Cut/Copy, Quantic, Villa Diamante, Calle 13, The Mills, Bomba estéreo, Aterciopelados, Doctor Krápula, y más de veinte artistas más, además de hacer las visuales de Rock al Parque, así como de las fiestas de El Freaky, durante año y medio. Para este artista visual de la Javeriana, un VJ es como un ilustrador, que se encarga de interpretar la estética de los artistas con los que trabaja, pero incorporando siempreun sello personal, que en su caso, se relaciona mucho con la historia de los computadores e imágenes “geek”, como el mismo las describe, prestadas de los 70s y 80s. Actualmente, Camilo se encuentra trabajando como independiente en sus proyectos en solitario.

Visual Bastard mostrando playera de SKYWALKER como todo geek aficionado. Instalacion creada por Visual Bastard en Medellin, Colombia.

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Laura Ramírez [

Optika VJ, mostrando su estudio.

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Optika VJ

Laura empezó haciendo sus primeros videos con una cámara de celular para lograr una estética urbana y de bajo presupuesto, que mezclaba en conciertos rave y fiestas electrónicas, hace cuatro años. Se movió entre la publicidad, la televisión, en teatro y el cine, pero hoy es la mente detrás de Optikal Ink Lab, un laboratorio de audiovisuales que realiza VJing, mapping (proyecciones en espacios abiertos) e instalaciones para desfiles de moda, eventos corporativos y conciertos como The Wailers, Little Dragon, Crystal Castles, Vitalic, o la fiesta electrónica de cierre del pasado festival de verano en la Plaza de Bolívar, toda una puesta en escena interactiva inspirada en el videojuego ochentero Space Invaders. Ha participado en algunos de los principales festivales de VJing a nivel mundial, como Videopolis, VJ Torna en Hungría y Mapping Festival, en Génova. Participará en el Mobile Creativity and Innovation Symposium de Nueva Zelanda, desde el 23 de noviembre.

[Referentes visuales]

Johan Pascagaza [

VJ Etniko

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Fundamenta su trabajo en la producción y proyección audiovisual, VJ Etniko con su influencia en el cine y en las nuevas tendencias tecnológicas, aplica su amplia experiencia en el diseño de recursos para el área artística y comercial, su experiencia se encuentra enriquecida en el trabajo con artistas de talla internacional y el trabajo para importantes industrias nacionales, VJ Etniko con su puesta en vivo despliega su gran calidad técnica para sensibilizar al espectador utilizando todos los elementos del color el sonido y la imagen.

VJ Etnik, antes de su presentacion en Hip Hop al parque en Colombia

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Edgar Buitrago Gamboa [

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VJ KNHO

Quien como artista visual ha venido fundamentando su trabajo en el plano de la producción y proyección de vídeo, tanto en el área artística como en el comercial. VJ KNHO es unos de los exponentes de la escena audiovisual Bogotana, hoy en día reconocido por su postura de innovación en la puesta en escena, que ha venido fortaleciendo durante los últimos dos años, experimentando y creando diversas maneras de concebir la mezcla de vídeo, ya sea en una escena teatral o de danza, de eventos musicales o comerciales. KNHO busca generar con sus mezclas de vídeo sensaciones ligadas al sonido de la música, al lenguaje de la danza, a la abstracción de la luz y el color y a las múltiples manera de visualización de estos, por medio de la innovación de los sets visuales y montaje de escenarios en los que trabaja. Aunque Edgar se mueve en el circuito de bandas y música electrónica, con su trabajo quiere mostrar que el VJing no se limita a fiestas y conciertos, sino que también puede usarse en obras de teatro, danza y performance. El desaparecido Piso 3 fue donde empezó a mezclar en fiestas de drum n bass. Ahora, con solo dos años de experiencia como VJ, en su lista de clientes ya hay bandas como Skatalites, Digitaria, Los Plankton, Gunshots by Computer, La French Toast y Monareta. Estuvo en la más reciente edición de Hip hop al Parque. Aunque no se limita a ningún género o estilo musical, ni personal ni profesionalmente, reconoce que se mueve más en la escena electrónica, pues es la que le ofrece más libertad a la hora de trabajar. Su seudónimo traduce a cine en ruso, pero a este profesional en medios audiovisuales y artista visual no le gusta encasillarse en un solo género, y se mantiene en constante exploración de nuevas maneras de narrar que vayan de la mano con la estética y el sonido de las bandas o DJs que lo contraten. VJ KNHO dice: no soy un presentador de MTV.

[Entrevistas]

Entrevistas

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Entrevista a Telenoika

Por Irma Vilá

Telenoika es una comunidad de creadores audiovisuales registrada como asociación cultural desde el 2000. Funciona como plataforma de acontecimientos artísticos, sociales y culturales ligados a la experimentación y a la creación con tecnologías audiovisuales. La organización se creó para responder a una carencia de acciones y espacios dedicados a la emergente cultura de la Videocreación en directo. Actualmente tiene su sede en el barrio del Raval de Barcelona. ¿Qué es Telenoika? ¿Cómo nace? ¿Cuáles son sus objetivos?

Telenoika se autodefine como una comunidad abierta de creadores audiovisuales. Telenoika nace en el 2000 ligada a la celebración del festival VideA y al mundo del VJ y la aparición de tecnologías domesticas para manipular el audiovisual. En este sentido nace con un espíritu y voluntad crítica y conectada para ocupar el espacio de las nuevas tendencias entre el arte y las tecnologías digitales. Buscaba también visibilizar a quienes se dedicaban a lo tecno-artístico y generar espacios de encuentro entre ellos. ¿Cómo ha sido el camino de Telenoika desde los inicios hasta la actualidad? ¿Qué valoración podéis hacer?

Ha sido un camino de encuentros, intercambios y trabajo. Son casi 15 años de existencia y más de 50 personas que a lo largo de estos años han ido encargándose de tirar adelante la infinidad de proyectos que Telenoika ha ido generando. La asociación, al igual que sus miembros, ha ido creciendo y haciéndose mayor, además de renovarse año tras año con nuevas incorporaciones de distintas edades. Experiencia y nueva energía. Lo más complicado; adaptar la estructura asamblearia tradicional a la estructura ya “crecida” de la entidad.

[Entrevistas]

Comenzamos con el VJing y los festivales, Luego con el tiempo nos hemos ido diversificando, actualmente tenemos entre nosotros artistas o creadores en lo que sería el arte audiovisual y digital pero con propuestas realmente diferenciadas. De vuelta al presente y mirando al futuro, ¿En qué estas trabajando ahora y cuáles son los nuevos retos que debéis afrontar?

Uno de los retos es intentar mantenerse a un nivel puntero de la creación audiovisual, la investigación y el desarrollo tanto de proyectos como de nuevos formatos y herramientas. Por otro lado, la organización interna y la propia gestión de la asociación y la actividad ya suponen un reto de por sí. La formación es un aspecto muy importante para vosotros. ¿Cómo llevas a cabo esta docencia? ¿Qué podemos aprender en Telenoika?

Solemos dar Talleres intensivos en temas bastante específicos. Muchas de las veces nosotros mismos somos alumnos en ellos, otras docentes. Intentamos ofrecer contenidos punteros que muchas veces son ausentes en otros ámbitos como el académico. Además de potenciar la filosofía OpenSource/Open Harware, por lo que evitamos ofrecer talleres de software privativo convencional. Solemos recibir propuestas de gente próxima para dar los talleres. Otras veces el equipo dinamizador propone una temática, como fue con el taller de OpenFrameworks y Rendering avanzado. Últimamente los talleres de Mapping arquitectónico han tenido mucho éxito. Intentamos ofrecer contenidos punteros que muchas veces son ausentes en otros ámbitos como el académico

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Otro de los puntos fuertes de esta comunidad es la divulgación y el hecho de compartir conocimiento. ¿Cómo se consigue esto? ¿De qué manera se utiliza/se apoya el hardware y software abierto y/o libre?

La primera forma de compartir el conocimiento es a través del encuentro personal directo en las charlas, los talleres y otros encuentros más informales o no tanto. Luego la cuestión de la promoción del software y el hardware libre es algo más compleja. Sí existe esa perspectiva cuando, por ejemplo, se convocan ayudas externas o internas, y el uso de ese tipo de herramientas -o su equivalente en la licenciación de obras artísticas- es un punto a favor de los proyectos. Pero el colectivo es plural y, en tanto que asociación, no podemos decir que exista una militancia explícita y enfocada hacia el soft/hard libre. Aunque es igual de cierto que muchos proyectos que han salido del colectivo y con cierta repercusión fuera de él están basados en soft/hard libre y a la vez lo incentivan, como recientemente el proyecto Kinoraw. ¿Cuáles son las herramientas que utilizáis y desarrolláis en vuestro trabajo?

Usamos y desarrollamos software para trabajar con audiovisuales, tanto para creación digital, como edición de vídeo, como para controlar hardware externo, tipo cámaras, sensores, electrónica DIY, etc. Dentro de la comunidad creativa de Telenoika, unos trabajan con software propietario, otros con software abierto, otros los mezclan y otros se lo programan ellos mismos. Dentro del hardware, la herramienta por excelencia es el proyector de vídeo. Aunque nunca hemos dejado las diapositivas, ni los 8mm, desarrollamos láseres *RGB de alta potencia, proyectores montados en drones voladores DIY o creamos un paisaje con LEDs interactivos de colores.

[Entrevistas]

¿Qué clase de apoyo ofrece Telenoika a los artistas emergentes? ¿Cómo se materializa?

Telenoika hace anualmente, desde hace varios años, una convocatoria de ayudas dirigida a cualquier persona externa a la asociación. Es una convocatoria comparable en el propósito a las que ofrecen las administraciones públicas, pero con una dotación menor y por lo tanto también más orientadas a adaptarse a las necesidades de artistas o desarrolladores independientes que, por dimensiones o por el propio proyecto a desarrollar, no se podrían acoger a estas. También, tanto como nos es posible intentamos promocionar proyectos propios de miembros o equipos de trabajo dentro de la comunidad. Telenoika hace anualmente, desde hace varios años, una convocatoria de ayudas dirigida a cualquier persona externa a la asociación Actualmente Telenoika aglutina una amplia comunidad de artistas interesados en interrelacionarse, desarrollarse y mostrar sus creaciones a la sociedad. ¿Cómo surge la idea de crear tanto esta comunidad como la comunidad online? ¿Qué le permite al artista formar parte de ella? ¿Y de la comunidad virtual?

El Festival de audiovisuales y nuevas tecnologías, VideA, fue al año 2000 el primer acontecimiento organizado por Telenoika. Aglutinó a unos 300 Vjs y creativos de experimentación audiovisual de todo el mundo en Barcelona durante una semana. Acontecimiento que, con éxito, se repitió el 2001 y 2002. La mayoría de participantes de Barcelona y cercanías se quedó formando parte de Telenoika. El resto de gente, mucha de muy lejos, fue la que generó esta comunidad online, que precisamente para dedicarse también a las nuevas tecnologías, siempre ha tenido mucha repercusión en la red telemática más especializada.

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Se forma parte de esta comunidad de distintas maneras. Tal vez el primer paso es apuntarse al Boletín semanal de telenoika.net Y a partir de ahí, ir a los encuentros que organiza mensualmente la asociación e ir conociendo a la comunidad AV. Muchas veces, artistas tanto amateurs como con más trayectoria, pasan a formar parte de la entidad después de haber participado en un encuentro o haber recibido una ayuda económica por parte de la asociación. Desde el nacimiento de Telenoika en el año 2000 hasta a día de hoy, tanto en el sector tecnológico como más concretamente en el audiovisual, los cambios han sido muchos y muy rápidos. ¿Cuáles consideras que han sido los más destacados desde el punto de vista de la creación y experimentación audiovisual?

En resumen, la revolución tecnológica digital de finales del siglo pasado y principios de este y el descenso de los costes de la electrónica de consumo que ha significado cierta “democratización” de los medios de producción. El exponencial desarrollo en potencia de los procesadores y las tarjetas gráficas así como el constante desarrollo de códecs, a mí entender son los puntos tecnológicos más destacados. Después consideraría todo lo que en cuanto a tecnología permite romper con la interfaz de usuario ratón-teclado-pantalla y que incide en los distintos desarrollos de la interacción física entre usuario-máquina/software aplicada a la creación audiovisual. También me parece muy significativa la aparición de entornos de programación o la aplicación de herramientas de software modulares pensadas para la computación gráfica, tipo PD, MaxMsp, Vvvv, etc. Para terminar me gustaría señalar la aparición de Syphon como un punto y aparte en las aplicaciones para creación audiovisual a tiempo real.

[Entrevistas]

Entrevista a César Ustarroz Por Elena García César Ustarroz lanzó el pasado año su libro “Teoría del Vjing” en el que intenta poner orden a la escasa información de la disciplina y concretar en esos terrenos tan movedizos por los que se mueve el Vjing. Ustarroz ha combinado su formación académica, licenciado en Historia, Doctorado en Comunicación Audiovisual, Dirección Cinematográfica en el Centro de Estudios Cinematográficos de Cataluña y continua sus estudios en Antropología Social y Cultural, con la creación de piezas audiovisuales con las que ha participado en numerosos festivales nacionales e internacionales. Hablamos con él sobre los entresijos del Vjing y el arte audiovisual. En tu libro explicas que el VJing surge porque se busca “un lenguaje análogo al lenguaje musical en lo estrictamente visual, una tradición por “pintar la música” ” ¿Por qué se busca esta comunión? ¿Por qué aparece esta necesidad? Bien, hay una explicación lógica que procede del campo de la psicofísica y que podemos trasladar al contexto artístico. Estas preocupaciones están en gran medida ligadas con la singularidad del sistema perceptivo del ser humano, con la incidencia de elementos físicos externos y las respuestas a nivel sensitivo que éstos generan. Existen reacciones a los estímulos musicales que tienen una naturaleza visual. La música inspira la recreación de imágenes, y a la inversa. Estos procesos son trasladables al resto de los sentidos. Esta reduccionista explicación científica puede ayudarnos a entender la inquietud de aquellos que buscan patrones o pautas, correspondencias entre lenguaje musical e imágenes para entablar un diálogo con el que construir un discurso audiovisual.

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¿Cuáles son sus orígenes?

El VJing como fenómeno ligado a las experiencias de sinestesia que parten del nexo perceptivo entre fuente sonora y elementos visuales entronca con una tradición no lineal, cuyo origen tampoco puede limitarse a una fecha concreta. Sí que podemos certificar con mayor precisión que el desarrollo tecnológico ha posibilitado que los sueños de algunos se hagan realidad. Los mismos argumentos que nos ayudan a entender cómo surgió el cinematógrafo nos sirven para sondear la aparición del VJing en el pasado. La combinación de distintos artilugios y técnicas permitieron dar los primeros pasos. Con la invención de La Linterna Mágica surge la posibilidad de proyectar luz de color y sencillos motivos gráficos en el siglo XVII, pero no será hasta un siglo después cuando Louis Bertrand Castel construya el Clavecín Ocular, combinando un instrumento musical y un aparato óptico de funcionalidad similar a La Linterna Mágica con el fin de generar música y luz de manera simultánea. ¿En qué punto de su historia está? ¿Qué estamos viviendo?

Considero que la tecnología digital ha facilitado mucho las cosas. Hemos llegado a un punto en el que tenemos la técnica pero nos hemos desviado bastante de los principios que llevaron a los padres del VJing a buscar una correlación creativa entre música e imágenes. Claro que esta es una opinión, pero visto desde cierta perspectiva quizá se estén focalizando los esfuerzos en la espectacularidad de las propuestas, en aplicar nuevos efectos o descargar las últimas aplicaciones de software para el control de los dispositivos de forma automatizada. Abogo por una mayor participación del individuo frente a la máquina en el que inspiración e improvisación sean factores que incidan directamente en la construcción del objeto

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audiovisual, partiendo claro está de un trabajo previo sobre el material con el que se piensa trabajar. ¿Es un arte autodidacta? ¿Cualquiera puede ser videojockey?

Para que una expresión artística posea un sello de autoría se requiere un aporte autodidacta fundamentado en la exploración personal. Esta reflexión la podemos incorporar al VJing como dispositivo de creación audiovisual, aunque no presente ambiciones artísticas. Si este recorrido parte de unas bases sólidas como referente mucho mejor, ya sea para romper los cánones o interpretarlos bajo el prisma de cada uno. Nunca hay conocimiento o bagaje cultural de más. Especialmente en el VJing, fenómeno interdisciplinar por antonomasia que exige al menos el dominio o la sensibilidad hacia las artes visuales y la música. ¿Está el videoarte por un lado y el VJing por otro? ¿En qué se diferencian? ¿El primero es arte de museo y el segundo de ocio? ¿Hay discriminación o se valoran entre ellos?

Desde un punto de vista etimológico no encontramos división alguna que delimite el espacio o contexto de la acción performística que deriva del VJing. Olvidemos de una vez por todas que el museo legitima la validez de la obra. Este sofisma, avalado por muchos, no tiene vigencia en nuestros días. Aquellos que adoran el espacio museístico hace pocos días hablaban de acabar con la institucionalización del arte. Nam June Paik, el padre del videoarte, defendía fórmulas alternativas en la exhibición del arte, aunque seguro que también se imaginaba dónde iban a acabar todas sus creaciones con el paso de los años…

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El público es parte importante de este arte, puesto que se vive a tiempo real y junto con la música la experiencia no es la misma si el público no participa. ¿Esta retroalimentación convierte al público en un autor más de la obra?

El discurso que genera el VJing requiere de la audiencia para completar el ciclo enunciativo, pero la interacción no se produce sólo con el público, también con el espacio. Existen factores que determinan la interpretación del mensaje y la audiencia desempeña un rol muy importante en aquellas expresiones que apelan a la percepción, y que sobre todo se generan en directo y en tiempo real. Estos procesos son similares a los que inciden en una sesión de un DJ; entran en juego componentes de carácter emotivo y comunicacional. El VJing forma parte de la escena de clubs y de festivales de música, ¿Es el DJ quien busca al VJ o el VJ quien busca al DJ? ¿Cuándo empieza el DJ a interesarse por esta forma de expresión?

Buena pregunta, acabas de tocar una tecla al rojo vivo. Comencemos por el final. Creo que el DJ, salvo muy contadas excepciones, se llega a interesar por el VJ. Aquí reside uno de los grandes problemas de la profesión, el encontrar equidad y paridad en el reconocimiento del otro. Jordan Belson realizó a finales de los cincuenta, junto al compositor Henry Jacobs, una de las más significativas colaboraciones en la ejecución de una performance audiovisual. La interdisciplinariedad es necesaria para la evolución de las artes. Por supuesto que hay proyectos que se conciben desde estos presupuestos, pero creo que esta realidad dista de ser sistemática. Se hace necesario que las dos partes comiencen a respetarse y entenderse, esta incomunicación está lastrando al VJing, frenando de algún modo su evolución y reconocimiento social.

[Entrevistas]

¿Hay DJ´s que también son VJ´s?

Así es. Estoy generalizando demasiado, pero es curioso que este paso no se reproduzca de manera recíproca. La incomunicación o falta de diálogo entre ambas disciplinas lleva a que muchos creadores deseen ejercer un mayor control sobre el constructo audiovisual. Es perfectamente comprensible. Hay clubes que disponen de VJ´s residentes, y que fin de semana tras fin de semana lanzan los mismos visuales desatendiendo el estilo musical de cada DJ. Con esta afirmación quiero señalar la necesidad de repartir responsabilidades. Pero también hay más problemas de fondo; escasez de oportunidades, infravaloración que parte de los empresarios, falta de infraestructuras… Muchos artistas de video creación piensan que una experiencia artística no puede estar limitada a un solo campo de expresión. ¿Es el video creación el arte total actual al que se refería Wagner? O, ¿todavía no lo hemos visto?

No soy un experto en Richard Wagner, pero supongo que las ideas que prenden del movimiento Absolute Film que surge en los años 20 hunden sus raíces en su particular conceptualización del arte. El Absolute Film parte de expresiones plásticas pero navega en una constante búsqueda del movimiento a través de la forma y el color en la composición pictórica para terminar arribando al cinematógrafo. El sueño de integrar en un mismo objeto artístico diferentes vías expresivas apela al mismo tiempo al conocimiento interdisciplinar, al perfeccionamiento de la mímesis en el arte de representar la realidad. La Videocreación permite alojar en un mismo soporte contenidos producidos en diferentes medios. así que probablemente Wagner se hubiera interesado por el videoarte, o puede que estuviese en casa jugando a la XBOX.

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¿Crees que la Videocreación y el VJing están todavía dirigidos a un público selecto? ¿Cómo ves el futuro de la disciplina?

Me obligas a ponerme en plan visionario. Cada propuesta tiene su propia especificidad, aunque presenten similitudes. La escena VJing nacional pasa por la colaboración, por el apoyo mutuo para luchar por objetivos comunes. Creo que hay foros y comunidades virtuales muy potentes como VJSPAIN o TELENOIKA, plataformas que imparten cursos, aglutinan creadores, organizan eventos y actúan de enlace con las instituciones. Ellos viven el día a día de la escena VJing mejor que yo, están al pie del cañón… Lo que sí que tengo claro es que el futuro no pasa por el mapping, modalidad que terminó convirtiéndose en tendencia estandarizada. ¿Cómo es el VJing en España en comparación con Europa o América?

Tengo la suerte de haber participado en festivales internacionales pero también hay que entender que mi opinión está un tanto sesgada, condicionada por mi propia experiencia. Sí que he percibido en Europa una excesiva adoración por la tecnocracia, una obsesión por las herramientas de producción frente a una disposición más emotiva, más estrechamente relacionada con el legado de la psicodelia y la sinestesia en los colegas mexicanos, chilenos y argentinos -que son aquellos con los que más trato he tenido- . Se trata sólo de una apreciación personal. ¿Por qué decidiste escribir un libro sobre VJing? ¿Hay poca información sobre el tema?

Desde la práctica comencé a interesarme en cómo mejorar mis propias producciones, necesitaba conocer en profundidad aquello a lo que dedicaba

[Entrevistas]

tantas horas. Buceando en la escasa bibliografía existente encontré bastantes incongruencias, ambigüedades que no delimitaban el campo de acción de la disciplina, sino que pasaban de lado por conceptos e hipótesis que requerían de explicaciones y argumentos más objetivos. No me gusta desmerecer otros trabajos, ya que considero que aportan cosas muy interesantes, pero muchos de ellos se mueven por terrenos muy diferentes, algunos muy movedizos, carentes de metodologías concretas y compuestos por apreciaciones subjetivas. Prácticamente como las que disparo en esta entrevista. (risas). ¿La fecha de su primera edición es del año 2010? ¿Cuándo fue la presentación?

La presentación del libro ha tenido lugar en diferentes espacios. He disfrutado de la oportunidad de presentar el libro dentro del marco del festival OPTICA en Madrid, en la Casa Encendida. Evento del que guardo muy buenos recuerdos de la gente de organización. En el 2011, Circuito Electrovisiones me ofreció presentar el libro en unas jornadas de taller muy atractivas; una experiencia inolvidable que me ha permitido entablar amistad con personas formidables, muy divertidas y honestas. También conocer las particularidades de la escena VJing mexicana, muy diferentes de la española. ¿Cómo han sido las experiencias en los festivales en los que has actuado? ¿Te gusta más ser artista o tus estudios de antropología o comunicación audiovisual?

Pues ha habido de todo. Ha sido una parte muy importante en mi vida, creo que me ha aportado bastante como experiencia, a pesar de terminar rindiéndome, aunque prefiero tomármelo como parte del viaje hacia nuevos retos. Supongo que la posesión de un background musical me hubiera

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empujado hacia nuevas fronteras. No lo sé. Al final he terminado volviendo al itinerario inicial, al análisis y la teoría cinematográfica, al estudio de las vanguardias relacionadas con el audiovisual, pero con distintos enfoques, y otra forma de ver las cosas. ¿Qué próximos trabajos tienes en mente?

Ahora mismo ando enredado con diferentes publicaciones; ensayos y artículos para revistas especializadas. Podría decirse que hasta descubrir un nuevo desafío me mantengo ocupado en estos menesteres, sin embargo chupan más savia de la que uno pensaba a priori.

[El VJing en la escena artística española]

El VJing en la escena artística española

[Imágenes en movimiento]

Fuentes documentales Es muy complejo plantear un esbozo de lo que puede ser el Vjing en la escena artística actual española, obviando la participación de los Vjs en el entorno del club o de los festivales. Digo que es complejo puesto que existe muy poca documentación al respecto que hable sólo y exclusivamente de vídeo a tiempo real producido en nuestro país. Lo normal es leer reseñas de piezas artísticas de instalaciones que empleen el vídeo y el audiovisual en los marcos expositivos, pero éstos en su gran mayoría, se amparan bajo epígrafes relacionadas con el multimedia o el videoarte. Quizá esta carencia documental de la que se habla, venga avalada por lo inmediato o el carácter instantáneo y efímero de dichas producciones. Éstas se dan en reuniones furtivas, en encuentros ocasionales y en marcos tan poco ortodoxos que son más propicias de entenderse como quedadas de amigos, que como jamm sessions creativas. Aun así, la que escribe, pretende plantear un panorama plenamente fructífero de expansión artística que vive su avant-garde temporal fruto de varios puntos de encuentro que han tenido su explosión en los últimos años, pese a que como se trata de explicar, no haya demasiadas fuentes que respalden estos datos. Básicamente, el método de análisis de la latencia de un movimiento artístico (aunque efímero) como éste, se determina por su eco en los medios, y dado que éste eco rebota muy poco o casi nada, es razón de más para darse una vuelta para constatar que hoy día que en medios como internet se habla del VJs. Aunque es bien sabido que internet se caracteriza por ser una herramienta Pseudo periodística accesible a todos que facilita el meneo de información y la mutabilidad de ésta. He de decir que, el primer input que se le plantea a alguien que pretende saber algo de un tema del que no sabe nada, es directamente googlear. Pues sí, eso es exactamente lo que se hace. No sabes algo o quieres saber más y comienzas a teclear en el campo mágico del net conocimiento. Es sin duda, un buen punto de partida para ver cómo se encuentra el estado de la cuestión a estudio.

[El VJing en la escena artística española]

Éste es uno de los primeros pasos para articular datos del movimiento a debatir. Con un poco más de luz sobre el asunto, podemos comenzar a hilvanar una estela de pequeños colectivos, y artistas que han ido configurando lo que hoy podemos llamar panorama del Vjing nacional (con la única misión de que este epíteto pretenda aglutinar geográficamente a los artistas que trabajan y desarrollan sus creaciones en la península) caracterizado por una mistura de tendencias gráficas, soportes multimediales, técnicas de proyección y elección de la temática a representar. Cada uno de estos creadores, controla el manejo de las herramientas digitales y hace uso de la red de internet a modo de plataforma de conocimiento, de canal de distribución y de autopromoción. Pero éste hecho se ha repetido en la totalidad de países, no solo en España. Se puede percibir estado real del interés que suscitan estas prácticas echando un vistazo a Vjcentral.com: miembros de todos los países del mundo participan y cuestionan temas en los múltiples foros del que es sin duda el portal de conocimiento del VJ más importante del mundo. Paralelamente, y un poco más rezagados como siempre, aquí tenemos una gran comunidad online desarrollada y mantenida por Oscar Testón, www. vjspain.com, que a día de hoy ronda los 800 miembros. Su crecimiento desde su nacimiento en 2005 ha sido de vértigo y el eco en los medios es cada vez más y más constante. Este peculiar foro aglutina a creadores y colectivos, plantea el intercambio de información, fomenta la experimentación con las tecnologías en vídeo, actualiza su contenido constantemente y mantiene unidos a sus usuarios mediante lazos que han traspasado el umbral de lo virtual. Sin duda, Vjspain.com ha permitido un mayor conocimiento de la creación audiovisual a tiempo real de nuestro país y ha fomentado la idea de que cualquiera puede ser un VJ.

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Si bien es cierto que este auge al que estamos aludiendo, ha propiciado un clima de conocimiento de las técnicas y la experimentación audiovisual en nuestro país, no es menos cierto es que la cantidad de artistas resta credibilidad a las propuestas que se van planteando. No es de extrañar que coma los mosquitos atraídos por la luz de la pantalla, los entusiastas deseen convertirse en gurús nocturnos, en estrellas de la pista de baile y obvien el verdadero sentido de la experimentación audiovisual a tiempo real. A todos aquellos, los omitiremos en este escrito por carecer de interés su planteamiento y resolución. Nos centraremos entonces en los artistas que plantean desde la experimentación, vía loop, una narrativa diferenciadora.

Sesión de VJing en Festival MIRA.

[El VJing en la escena artística española]

Ejemplo tardío Suponemos que en cierta medida, como colectivo de creadores, los VJs de “casa” son la imagen refleja de un espejo de movimientos artísticos que se han ido dando en otros puntos geográficos de todo el mundo. Gracias al desarrollo de las telecomunicaciones y en concreto del auge de la Era de internet, los creadores han podido seguir de cerca el contenido artístico en los sites de sus homónimos en el resto de países. Así mismo, también tener la accesibilidad de ver a través de la red la programación, el desarrollo técnico y los contenidos de los diversos festivales y certámenes relacionados con la Videocreación en directo. Ya desde el año 2001, se ha podido constatar un masivo aluvión del audiovisual en directo en diversos festivales de cultura electrónica en todo el mundo (Cinedays y Cinematics (Bruselas), Transmediale (Berlín), Atlantic Waves Festival, AVIT 4x4 event, Optrónica y Machinista New Media Festival (Londres), Sonarsound (Tokio), dans for voksne (Oslo), Mutek (Montreal), New York, Digital Salon) por citar algunos ejemplos representativos. El hecho de que seamos un ejemplo tardío sólo es síntoma de un interés rezagado pero este interés va en auge exponencial y en crecimiento considerable. Ni que decir tiene que fruto de la observación y la experimentación ajena, surgen en España intereses de adoptar estos formatos y la inclusión del vídeo creadores en los festivales. Algunos ejemplos claros tales como Sonar, Loop Festival, Festival LEM de música experimental, música y proyecciones, Bac!, Offf, Barcelona VisualSound (Barcelona), FIB (Benicassim), Muestra Papá quiero ser Vj, REC (Madrid), Vad Festival (Girona), Observatorio (Valencia), Lux International vj meeting, Zemos_98 (Sevilla), IKUS Muestra de Video-Jockey (Elorrio) que han prestado especial atención a la Videocreación y experimentación a tiempo real de Vjs y que se han dado en los últimos años en nuestro país.

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VJ y club: relación amor-odio A día de hoy e inmersos en plena época estival, en cualquier club de la península, se cuenta con un VJ que ameniza con su batería visual cada noche. No es de extrañar que confundan al VJ con el DJ y se dirijan al primero para pedirle un tema, no es de extrañar que el público permanezca impasible ante el aluvión de imágenes y loops, no es de extrañar que la mayoría de los presentes allí reunidos para bailar no sepa que es un VJ y por último y no menos importante, no es de extrañar que un día los VJs no trabajen nunca más en los clubes. Y esto sólo es síntoma de que el VJ es una figura secundaria y plenamente imprescindible en un club. Sus visuales acompañan y ambientan pero no son observados con atención por casi nadie. Todos los presentes tienen mejores cosas que hacer que perderse en el contenido dinámico de sus propuestas. En España el fenómeno aún es mucho peor. Exceptuando valiosas excepciones, ni el propio dueño del local es consciente de a quién o a quienes contrata. Y mucho menos cuanto pagarle, y mucho menos de propiciarle el material técnico para que pueda hacer su trabajo, y mucho menos de ofertarle una residencia fija o un contrato legal, y mucho menos de plantarle temática en los visuales, y mucho menos de entender la plástica que los VJs le ofrecen como creadores y artistas. En nuestro país, trabajar en un club y ser VJ da casi risa. No trato de ofender a los que se ganan así su pan. Nada más lejos de mi intención, sólo que a efectos prácticos, no puede constituirse nada serio con un planteamiento tan bajo. Ser VJ en la península representa un trabajo temporal, que no da de comer y con el que no se puede llegar a fin de mes. Aun así, son veneradas las sesiones visuales de los VJs residentes en locales como el Loft en Barcelona o la sala Space en Ibiza. Pero trabajar en un club es la plataforma que permite dar el salto tecnológico y poder poner a prueba todo el arsenal audiovisual de los VJs. Es el punto de partida y el final esperado de muchas carreras.

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Otros marcos de exhibición Logramos entender que las instituciones del mundo del arte no están preparadas para este tipo de creaciones, al menos no todas. Podemos hablar de que en ciertos centros, no existe una predisposición a un cambio en la concepción de la exposición, de los nuevos objetos artísticos o hechos con vocación artística, que se introducen en los canales relacionados con el arte tradicional. Hoy en día, vemos como van surgiendo nuevos formatos creativos que son el fiel reflejo de una época y de un período convulso en el que nos encontramos inmersos. Los centros que se ocupan del registro de las manifestaciones de la cultura colectiva, ésto es, museos, galerías y centros de arte, deben estar vigilantes a esas inmanentes corrientes que van surgiendo. Sin duda, una de esas corrientes a las que no hay que perder la vista es a la performance audiovisual y al material audiovisual que genera el VJ. Éste se nos muestra como una intervención tecnológica fruto de la mediación plástica recogida por el hombre (sujeto captador de experiencias) a través de la máquina (laptop y cámara). Pero surgen numerosas preguntas al respecto de la implicación de los VJ en las instituciones artísticas de nuestro país: Primeramente, el VJ es un creador de imágenes dinámicas que precisa de un sonido directo, que él no genera. Por lo tanto, se haría imprescindible la adecuación de ese sonido en el mismo momento y lugar de la proyección. Lo más óptimo es que VJ y DJ vayan unidos, o que se disponga de una intervención en directo de un músico u orquesta. Pero toda esta estela de creación ¿Cómo se articula conjuntamente para su disfrute?¿Cómo se haría pertinente una exposición o exhibición de estas prácticas? ¿Cómo se debe llevar a cabo una labor de comisariado para estos nuevos procedimientos que se tildan de artísticos? ¿Qué marcos institucionales estarían dispuestos para hacer esta revisión? ¿Cuál sería el proceso para la selección de los creadores y sus piezas? ¿Qué criterios y temáticas podemos emplear para una selección?¿Cómo se documentaría este tipo de prácticas?¿Qué registro de las piezas permanecería para un futuro? Y sobre todo ¿Es esto posible en nuestro país?

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Son muchas las preguntas que se generan alrededor de un movimiento creativo como éste y en torno a un material que es tan efímero como el software en constante revisión que lo propicia. Pero es sin duda una tarea ardua aunque posible, ya que existen pocos precedentes lejos de los festivales de música contemporánea, o los eventos que han incluido a los VJs como animadores de acontecimientos relacionados con el arte electrónico.

Banda Papadosio acompañado de sesión de visuales en vivo.

[Respeta a tu VJ]

Respeta a tu VJ

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VJ también conocido como visualista, proyeccionista, artista de mezcla de video en vivo…no es tu videografista, no es tu cineasta, somos artistas que mezclamos nuestras creaciones EN VIVO para la música por doquier, con nuestros dedos en nuestro equipo, y nuestros ojos en la muchedumbre, proyecciones y pantallas…nuestra actuación se despliega a medida que los eventos se despliegan. Así que quieres trabajar con un VJ. Curadores, músicos, colaboradores de artistas, mentes curiosas, aquí hay algunas cosas sencillas a tener en cuenta para mantener contento a ese VJ especial. Todo se deriva de: CREDITO, PAGO Y TECNOLOGÍA

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Dar Crédito Los VJs son artistas, igual que un DJ, una banda, un cantante, un bailarín etc. Ellos hacen que el espectáculo tenga lugar. DAR CRÉDITO.

Antes del evento Incluye al VJ en todas las listas de e-mail, flyers, páginas web, como harías con cualquier otro artista en tu evento. No escatimes en ese crédito. Los VJs hacen funcionar tu evento, hacen mucho trabajo de preparación previo y merecen ese apoyo. Contrata a tu VJ antes de que hayas sacado todo en la imprenta. Si es demasiado tarde, una segunda ráfaga de correos electrónicos etc con tu VJ incluido es de ayuda. ¿No sabes dónde poner al VJ en un flyer? Inclúyelo con tus DJs, o donde un DJ debería ir. Pregúntale al VJ como prefiere que sea incluido. Dependiendo del toque, algunos VJs prefieren denominaciones alternas a la de VJ. Si tú eres una banda, ¡asegúrate de hacer saber a todo el mundo que tienes a un VJ a tu lado!. Considéralo como otro miembro de la banda. Notifica y publicita la presencia del VJ en el evento para que puedan fotografiarlo y cubrirlo de forma adecuada. Esto ni siquiera debería estar aquí, ¡pero presenta a los artistas entre si! Hazles saber que están trabajando conjuntamente para hacer que la noche el espectáculo tenga lugar. A veces los artistas ni siquiera saben que están trabajando con visuales en vivo. Cuanto más sepan todos mejor, y eso puede conducir a increíbles colaboraciones.

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Durante el evento ¡Muestra algo de amor! Dale al VJ la oportunidad de actuar sobre el escenario. Esto ayudará al público a darse cuenta de que no están viendo una obra visual pre-grabada. ¡No tengas vergüenza en anunciar a gritos a tu VJ! Trata a tu VJ como harías con el DJ. Tu VJ frecuentemente mezclará video en vivo toda la noche. Proporciona bebidas, invitaciones etc. Si aplica, proporciona backstage/acreditación etc. para un completo acceso de tu VJ, ¡no querrás que se quede bloqueado por cuestiones de seguridad en la mitad del evento! Si hay prensa, asegúrate de que es consciente de que tu VJ es parte de TU evento, no es personal técnico con el que frecuentemente es confundido. Esto permite a su trabajo, y a tu evento, conseguir esa cobertura adicional.

Después del evento Paga a tu VJ el día del evento, sino lo haces por adelantado. Incluye / menciona a tu VJ en la documentación del evento, por ejemplo, en tu página web. No lo olvides, un VJ en un evento es algo para conmemorar, tú lo sabes porque le pediste que hiciera el toque. Difunde el hecho, tú sabes que esos visuales se veían increíbles.

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Pago Se claro y directo con tu colaboración. Si este es un toque con pago o sin pago, asegúrate que todo el mundo lo sabe. No te sorprendas si tu VJ te pide que le seas directo, incluso si es un amigo. Se claro acerca de cuánto tiempo estás pidiendo a tu VJ que actúe, si es una presentación con una banda, visuales para todas las bandas, visuales para un fiesta completa, para una espectáculo entero o entre las actuaciones, ¡Asegurate de que los dos están en sintonía! Eso hará más fácil averiguar el pago. Dependiendo del evento, un pago adecuado para un VJ puede estar entre los 200$ y más de 5000$ por evento. Por supuesto, eso depende de qué clase de trabajo estés pidiendo a tu VJ hacer. Echa un vistazo al primer apunte en las especificaciones técnicas. Prepárate para discutir. Para presupuestos bajos o nulos- trata al VJ como a cualquier otro artista, unos cuantos pavos, un par de copas/tiquets, invitaciones,transporte, etc. Son maneras de tener contento a tu VJ. Eso aplica con frecuencia a las bandas y DJs que trabajan con un VJ, trátalos como uno más de la banda.

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Especificaciones técnicas Hay diferencias enormes entre un toque “plug-and-play”, una instalación de video completa, y un toque de contenido específico. “Plug-and-play” es cuando tu VJ enchufa su equipo a un sistema de video existente, con frecuencia el caso de un club o de una galería. Una instalación de video completa requiere que tu VJ instale proyectores de video, pantallas, telones, inflables etc. y entonces preparar su equipo para mezclar. Ese suele ser el caso de eventos al aire libre, fiestas en almacenes, espacios adaptados etc. Un toque de contenido específico requiere a tu VJ hacer visuales especiales para tu evento, como suele ser el caso de eventos corporativos, o eventos personales como bodas o cumpleaños. Muchos toques son combinaciones de los de antes. Asegúrate de aclarar esas diferencias con tu VJ por adelantado y ser claro en cuanto a lo que le estás pidiendo. Ellos serán capaces de darte la correcta cronología y coste para lo que les estás pidiendo. De nuevo, tanto si el evento es “plug-and-play”, o necesita de instalación o alquiler de equipos etc. trátalo con tu VJ de manera anticipada. Piénsalo de esta manera, no harías que una banda viniera a tocar antes de hacerles saber que no hay sistema de sonido en el local. Discute quien proporcionará e instalará pantallas, cables, proyectores, telas etc. No te preocupes por todos los detalles técnicos, tu VJ te guiará. Háblale del alcance completo de tu idea si hay asuntos que necesitan ser hablados antes de la fecha del evento.

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La iluminación influenciará a las proyecciones. Haz que tu técnico de luces y tu VJ elaboren un diseño ambiental que permita que sus trabajos se apoyen mutuamente. Ten en cuenta que la presencia de humo, luces sobre la pantalla, equipamiento bloqueando la vista, luz del día etc. puede destruir la actuación de un VJ y eso debería ser hablado por adelantado. Si es necesario, gestiona una visita conjunta al lugar para discutir todas las necesidades técnicas antes del evento. Sería de ayuda invitar también al técnico de luces y al técnico/ingeniero a esta visita.

VJ KNHO haciendo lightcheck antes de show audiovisual

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Nota adicional: Los VJs necesitan un lugar seguro para sus equipos, ten en cuenta que ellos probablemente necesitarán una mesa/superficie firme desde la que puedan ver al menos una de sus proyecciones. Los VJs necesitan corriente, un enchufe, un generador si es al aire libre. El asunto es, habla con tu VJ y los visuales vendrán detrás.

Un apunte especial para VJs VJs: Haz tus cosas conjuntamente. El respeto es una calle de dos direcciones.

Solo espéralo si tú puedes preparar debidamente actuaciones de calidad. Conoce tus colaboradores y su trabajo, conoce tu local, prueba tu equipo con anticipación. Pregunta, averigua, líala si estás liado. Por encima de todo, ama tu oficio: creas visuales increíbles y el respeto vendrá detrás.

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