EVENTO ORGANIZZATO DA
CON IL PATROCINIO DI
VENICE OPEN STAGE CON LA COLLABORAZIONE DI
MEDIAPARTNER
TECNICA
STAFF COORDINAMENTO Francesco Gerardi
ORGANIZZAZIONE Leonia Quarta - RESPONSABILE Francesco Gerardi – RAPPORTI ISTITUZIONALI Emma Soletti – AMMINISTRAZIONE E LOGISTICA Martina Smadelli Bonardi – FUNDRAISING Emanuele D’Ancona - VOLONTARI
CREATIVO Leonia Quarta - SCUOLE E ACCADEMIE Emanuele D’Ancona - UNIVERSITA’ Edoardo Lazzari e David Angeli - VOS OFF Francesco Gerardi - LABORATORI David Angeli - TALKS Tea De Lotto, Emma Soletti, Irene Silvestri - EVENTI EXTRA
Laura Zollo - RESPONSABILE Tea De Lotto - UFFICIO TECNICO Lorenzo Danesin - LUCI, AUDIO E VIDEO Jacopo David, Costanza Vita Finzi, Giacomo Tempesta - SCENOTECNICA
COMUNICAZIONE
Martina Di Iulio - RESPONSABILE David Angeli - UFFICIO STAMPA e WEB MARKETING Beatrice Donà - GRAFICA Riccardo Bonora – GRAFICA EVENTI EXTRA Ginevra Formentini - FOTO E VIDEO Tea De Lotto - MERCHANDISING E RECENSIONI Marco Tonino - CONSULENZA CREATIVA
VOLONTARI SERVIZIO DI SALA – BIGLIETTERIA - FOTO /VIDEO – RECENSIONI – TRADUZIONI – SOCIAL – ACCOGLIENZA COMPAGNIE Francesca Adami, Alessandra Barbarewicz, Giulia Bevilacqua, Cosima Centurioni, Agnese Cesari, Eleonora Cunegato, Mattia Fabbri, Nicola Fasolato, Carlo Alberto Giordan, Lucia Lancellotti, Benedetta Lazzaro, Camilla Mazzocato, Giacomo Moceri, Francesca Monegaglia, Elena Noventa, Giulia Olivieri, Bernadette Piccolo, Nathalie Quadrio, Giorgia Velluti, Yoko Yamada.
5 ISSUE
Can this cockpit hold The vasty fields of France? Or may we cram Within this wooden O the very casques That did affright the air at Agincourt?
(Potrebbe mai infatti questa platea contenere i vasti campi di Francia o potremmo stipare dentro questa O di legno anche i soli elmi che impaurirono l’aria stessa a Azincourt?)
Nel celeberrimo prologo dell’Enrico V, William Shakespeare ci racconta come l’immaginazione possa portare grandi gesta e racconti straordinari in uno spazio circoscritto. In pochi versi il Bardo ci palesa il patto del teatro con il pubblico, la regola che gli permette di esistere. La quinta edizione del Venice Open Stage ha portato storie, immagini da tutta Europa in un campo di Venezia e ha dato la possibilità a migliaia di persone di vivere i frutti del lavoro e le emozioni di allievi – attori e giovani professionisti. Nato come un evento universitario, il VOS è ora un festival di teatro internazionale con spettacoli, laboratori, dibattiti e maestranze tecniche di alto livello. Il Venice Open Stage vive in simbiosi con un intero quartiere di Venezia trasformandolo, per dodici giorni, in uno spazio performativo totale.
In the famous prologue to Henry V, William Shakespeare speaks of how imagination can bundle together great deeds and extraordinary stories into a limited space. In just a few lines, the Bard reveals the pact between theatre and its audience, the principle that allows its very existence. The fifth edition of the Venice Open Stage has brought stories and images from all over Europe in a Venetian "campo" (square). It has given the chance to thousands of people to experience the fruits of the work and passion of a number of actors-in-the-making and young professionals. First created as a university initiative, the VOS is now an international theatre festival featuring plays, workshops, debates and professional technical workforce. The Venice Open Stage lives symbiotically with an entire neighbourhood of Venice, transforming it into a comprehensive performing space for twelve days each summer.
Novità della quinta edizione del Venice Open Stage è la sezione OFF, rassegna inserita all’interno del Festival e dedicata a compagnie teatrali indipendenti under 35. Tre serate per tre compagnie indipendenti di giovani professionisti selezionate tramite un bando internazionale.
A novelty in the fifth edition of the Venice Open Stage is the OFF section, a separate category within the festival dedicated to independent young theatre companies. Three evenings for three independent companies of young professionals, selected through an international call The main goal we have
L’obiettivo principale che si propone nei prossimi anni la sezione OFF è dare a tutte le compagnie partecipanti una data a Venezia davanti a un pubblico variegato e con un’attenta capacità di analisi critica, composto di studenti, residenti, attori, giornalisti e operatori con i quali, a fine spettacolo, i giovani artisti si possano confrontare.
set for the OFF section is to allow each participating company to perform for one night in front of a diverse and attentive audience made of students, citizens, actors, journalists, and professionals, whom the young artists can confront at the end of their performance.
Daremo sempre più spazio a laboratori tenuti da professionisti e aperti a tutti. Per la quinta edizione sono stati tre: commedia dell’arte contemporanea a cura di Michele Monetta, danza a cura di Lara Russo e video making a cura dei Kinonauts (Matteo Stocco e Matteo Primiterra). L’obiettivo è fare del Festival, in collaborazione con università, accademie e singoli professionisti, un workshop continuo che tocchi non soltanto gli aspetti performativi ma anche i mestieri che permettono al teatro di esistere.
An increasingly larger space will be given to workshops, run by professionals and open to all. During the fifth edition, three of such workshops took place: one on contemporary commedia dell’arte with Michele Monetta, one on dance with Laura Russo, and one on video-making with the Kinonauts (Matteo Stocco and Matteo Primiterra). Our aim is to make the Venice Open Stage - in collaboration with universities, drama schools and industry professionals - a continuous workshop, which will embrace not only the performing side of theatre but also the arts and crafts that make it possible.
Uno dei nostri obiettivi è mostrare al pubblico l’aspetto formativo di tutte le professioni che le arti performative comprendono. Partendo da questo presupposto, il VOS ha deciso di scardinare quel meccanismo per cui di teatro parlano soltanto gli addetti ai lavori. L’operazione ha portato a due giornate di dibattiti sullo stato dell’arte condotti dal giornalista, scrittore e critico teatrale Graziano Graziani. Questo primo esperimento evolverà, nei prossimi anni, in incontri aperti che raccontino il teatro attraverso le sue componenti fondamentali, dalla scenotecnica alla regia, all’azione degli attori.
One of our goals is to shed light on the formative side of all the professions in the performing arts. Starting from this, the VOS has decided to overturn the system in which only insiders are allowed to talk about theatre. This endeavour has resulted in two days of panel discussions on the state of the arts, moderated by the journalist, writer, and theatre critic Graziano Graziani. This initial experiment will develop, in the years to come, into open debates to talk about theatre in all its essential components, from stagecraft to directing and acting.
LUN. / MON. 03 LUGLIO
MAR. / TUE. 04 LUGLIO
MER. / WED. 05 LUGLIO
GIO. / THU. 06 LUGLIO
VEN. / FRI. 07 LUGLIO
SAB. / SAT. - DOM. / SUN. 08 / 09 LUGLIO
H. 21.45 MAINSTAGE
H. 21.45 MAINSTAGE
H. 21.45 MAINSTAGE
H. 21.45 MAINSTAGE
H. 21.45 MAINSTAGE
H. 22.30 MAINSTAGE
H. 21.45 MAINSTAGE
KING LEAR
PROJET GEORGES
FALLING APART
La Musicienne du Silence - (FR)
FRIEND IN THE SEA
FRIEND IN THE SEA
THE PROOF
Guildhall School of Music and Drama of London (UK)
RIBELLIONI POSSIBILI
The Commedia School of Copenhagen - (DK)
The Commedia School of Copenhagen - (DK)
Nebrija University of Madrid / Performing Arts Degree (ES)
We were monkeys - (IT)
Collettivo Amalgama - (IT) W
H. 20.00 CAMPIO DRIO EL TEATRO
H. 17.00 AULA TEATRO-EX CONVENTO
H. 21.45 MAINSTAGE
FLASH THEATER
IL TEATRO DELLA MIA MORTE
TANCREDI E CLORINDA
IUAV / Laboratorio intensivo di messa in scena (IT)
Università Iuav di Venezia / Laboratorio di realizzazione e performance teatrale con Conservatorio Benedetto Marcello
IUAV / Laboratorio di Drammaturgia (IT)
REPLICHE DAL 5 AL 7 LUGLIO
PALCO SECONDARIO CAMPO DRIO EL TEATRO / SECOND STAGE DIBATTITI / TALKS OFF LABORATORI / WORKSHOP
H. 19.00 CAMPIO DRIO EL TEATRO
H. 19.00 CAMPIO DRIO EL TEATRO
DIARIO DI CAMPO DIBATTITO Laboratorio video con Matteo SULL'ARTE E Stocco e Matteo Primiterra DINTORNI
DIBATTITO SULLO STATO DELL'ARTE E DINTORNI
ORIGINI E RICHIAMI CURA, UNA PERFORMANCE RELAZIONALE
DALL'1 AL 12 LUGLIO
Moderatore: Graziano Graziani Intervengono: Fernando Marchiori, Donatella Ventimiglia, Monica Centanni, Renato Gatto.
Laboratorio di movimento e connessione a cura di Laura Russo. Messinscena finale / Final Performance.
MAINSTAGE
W
WINNER OFF SEASON
H. 19.00 CAMPIO DRIO EL TEATRO
Moderatore: Graziano Graziani Intervengono: Alberto Baraghini, Tommaso Franchin, Lorenzo Maragoni, Alessia Cacco, Teresa Terranova, Massimo Ongaro.
H. 18.00 CAMPIO DRIO EL TEATRO
Università Iuav di Venezia / Arti Visive 4 (IT) REPLICHE DAL 7 AL 9 LUGLIO
SPETTACOLI / PROGRAM
PALCO PRINCIPALE / MAIN STAGE
V E N I C E O P E N S TA G E
SAB. / SAT. - DOM. / SUN. 01 / 02 LUGLIO
MER. / WED. 12 LUGLIO
H. 21.45 MAINSTAGE
H. 21.45 MAINSTAGE
TO DA OR NOT TO DA?
CRONACHE DI NULLONAUTI E IL TRAMONTO DI ZAIRA
School of Drama / Aristotle University of Thessaloniki - (GR)
Accademia Teatrale Veneta - (IT)
COMMEDIA DELL’ARTE CONTEMPORANEA/VENEXIANA a cura di Michele Monetta e Lina Salvatore. Messinscena finale / Final Performance.
SPETTACOLI / PROGRAM
H. 20.00 CAMPIO DRIO EL TEATRO
V E N I C E O P E N S TA G E
LUN. / MON. - MAR. / TUE. 10 / 11 LUGLIO
Guildhall School of Music and Drama of London (UK)
1/2 LUGLIO / h. 21.45
UN RE PORTATO ALLA FOLLIA DALLE PROPRIE DECISIONI, TRADITO DALLE FIGLIE E TRATTO IN INGANNO DA CHI UNA VOLTA GLI DIMOSTRAVA FEDELTÀ.
Eilenberg, Harry Harrington, Toheeb Jimoh, Shalifa Kaddu, Jonathan Lavelle, Declan Mason, Finlay Paul, Tegen Short. Shrimpton, Tom Morrison, Ben Wallace.
La Guildhall School of Music and Drama di Londra ha inaugurato la 5^ edizione del Venice Open Stage con due serate di tutto esaurito, portando in scena l’immortale Shakespeare e il suo King Lear, uno dei più grandi capolavori del “bardo”. Le luci sul palco di San Sebastiano si accendono e la scena è subito invasa dall’entrata e dalla forte presenza scenica degli undici attori interpreti dell’opera. King Lear, avvolto in un manto rosso, annuncia la propria decisione di dividere il regno tra le tre figlie. Da questa prima scena si evince già la natura dei personaggi principali, dei legami e dei sentimenti che li uniscono: Lear, un vecchio
together: Lear, an old king who is guided by his heart, his daughters Regan and Goneril, who are more concerned with flattering their father than expressing their real feelings, and Cordelia, whose genuine affection for her father is honest but unappreciated. And up to here, there’s nothing new in the play. As the narration and the play unfold, the red cloak that identifies King Lear from the other characters pass from actor to actor, thus revealing that Lear is not one, but everyone. The interpretation of the king, in his journey towards his madness and in his gradual transformation throughout the story, is democratically given to every single actor. This expedient is crucial for the actors to reveal their talent and true potential, every single shade of their ability of interpretation. This continuous shifting of the roles, together with the
The Guildhall School of Music and Drama from London opened the 5^ edition of Venice Open Stage with two sold out performances of the immortal Shakespeare and his King Lear. As soon as the lights of S. Sebastiano stage turn on, the scene is swarmed with the strong presence of the eleven actors who interpret the play. King Lear, covered with a red cloak, announces his most important decision: to divide his reign in three equal parts and to give it away to his three daughters. Although the play has just begun, what emerges already is the nature of the characters, the bonds and feelings that keep them ph. Ginevra Formentini
testo e traduzione. Martina Smadelli Bonardi
SPETTACOLI / PROGRAM
re troppo incline alle scelte di cuore, Regan e Goneril, più interessate a proferire belle parole e preservare le apparenze piuttosto che esprimere i loro veri sentimenti, e Cordelia, il cui affetto per il padre è puro e onesto ma incompreso. Fin qui, nulla di nuovo. Con il proseguire della narrazione, però, il manto rosso, e con esso il ruolo di Re Lear, passa da attore ad attore, rivelando così che Lear non è uno, ma tutti. L’interpretazione del re, nel suo percorso verso la follia e nella sua graduale trasformazione durante l’opera, è affidata in maniera democratica a tutti i componenti della compagnia che, quando investiti del ruolo, riescono a far emergere ancora di più il proprio talento, rivelando le diverse sfumature di ogni interprete. Questo scambio di ruoli, insieme alla dinamicità della narrazione e ai movimenti degli attori sul palco contribuiscono
Professori James Mc Keogh, Ella Wheway, Stuart Calder, Eliot
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Con Poppy Allen-Quarmby, Charlotte Blandford, Joe Bolland, Raphael
SPETTACOLI / PROGRAM
THE STORY OF A KING DRAGGED TO MADNESS BY HIS OWN DECISIONS, BETRAYED BY HIS DAUGHTERS AND DECEIVED BY HIS MOST LOYAL MEN.
unfolding of the narration and the dynamic movements of the actors on stage, efficiently contribute to the rhythm of the performance. The key intrigues, deceptions and betrayals of the shakespearean play emerge in this version that, even though shorter than the original one, was able to awaken secular emotions and carry the audience into King Lear’s reality: the story of a king dragged to madness by his own decisions, betrayed by his daughters and deceived by his most loyal men. Venice Open Stage open air theatre was able to give the play the same magical tradition that dates back to the Shakespeare’s Globe Theatre, where his plays were originally performed. A space without boundaries/borders where theatre becomes alive. King Lear, as many other Shakespearean plays, is a monumental text that requires a lot of study and work from the interpreters: Guildhall students, guided by an expert team of professors, were able to confront it with mastery, virtuosity and versatility, capturing the curious and excited audience.
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in maniera efficace a scandire il ritmo della messinscena. Gli intrighi, i sotterfugi e i tradimenti cardine dell’opera shakespeariana emergono in questa versione che, seppur ridotta in durata, è stata in grado di risvegliare emozioni secolari, trasportando il pubblico nella realtà di King Lear, un re portato alla follia dalle proprie decisioni, tradito dalle figlie e tratto in inganno da chi una volta gli dimostrava fedeltà. Così come ai tempi di Shakespeare e del Globe Theatre, sul palco di Venice Open Stage l’opera ha respirato la magia e la tradizione del teatro a cielo aperto, di uno spazio “senza confini” dove il teatro prende vita. King Lear, come molte opere di Shakespeare, è un testo monumentale, che richiede molto lavoro: questi ragazzi, guidati da un esperto team di professori, sono stati in grado di affrontarlo con maestria e grande versatilità, riuscendo a coinvolgere un numeroso pubblico, entusiasta e soddisfatto di aver passato la serata con Shakespeare, la Guildhall School e il Venice Open Stage.
La musicienne du silence (FR)
3 LUGLIO / h. 21.45
"C’È BISOGNO DI MOLTA POCA REALTÀ"
C’È BISOGNO DI AMORE, IL CLOWN CONOSCE IL SUO POTERE.
Accompagnata musicalmente da Antoine Sarrazin Luci di Julien Crepin
La rassegna Off del Venice Open Stage si apre con Projet Georges, regia di Benjamin Porée, scritto e interpretato da Edith Proust. Il primo personaggio di questa avventura è un albero, calmo, che attende con noi l’entrata della sua amica clown. I due sono in viaggio, quel tipo di traversate che eccitano ma che stancano molto. Il clown si prende cura del suo amico, lo porta in giro, lui vorrebbe mettere le radici, ma il tragitto è veramente lungo, quasi come una vita, e come nella vita c’è bisogno di fare delle pause. Lei si siede sotto di lui, Joseph, e nell’ombra che lui proietta a terra si rilassa e si fa proteggere. Il problema di questo viaggio esilarante è che durante tutte le
on the ground. The problem of this journey is that, during every little pause, the silent and invisible character of time, gives Edith the space to develop that freedom of thoughts that takes her all around the world and the universe deep galaxies. She opens a book: the first page is blue, and she is suddenly overwhelmed by this colour, the blue of thoughts, the second page is white, as white is the emptiness that she feels, the third is black, and she is completely shaken by the thoughts of the black hole, the anguish and melancholy black, the colour that characterizes doubts and the absence of a purpose… but suddenly she likes all of this: the adrenaline fills the emptiness she once felt, and now she loves the black hole, the mad joy of not knowing what to desire. She likes it, she likes it, she likes it, she likes it. Ups and downs, trees and men, tranquility and restlessness are all part of Edith and Joseph, they are all the moods of a clown who cries and laughs at the same
The OFF section of Venice Open Stage opened with Projet Georges, directed by Benjamin Porée, written and interpreted by Edith Proust. The first character of this adventure is a tree, a calm tree, waiting for its clown friend to enter the stage. The two of them are on an exciting, but at the same time very tiring, journey. The clown takes care of her friend, she takes him around with her on this life long journey: the tree would like to stop and settle down, but the route is just too long, so long that, as in life, sometimes it needs some breaks.. She sits below him, Joseph, and she’s protected by his shadow ph. Ginevra Formentini Giacomo Moceri
testo. Tea De Lotto traduzione. Martina Smadelli Bonardi
SPETTACOLI / PROGRAM
pause, il tempo, personaggio silenzioso, crea il terreno fertile per la libertà di pensiero di Edith, che come lei, attraversa tutto il mondo e tutte le galassie e le profondità. Lei apre un libro, la prima pagina è blu e lei viene completamente sopraffatta dal blu, il blu dei pensieri, la seconda è bianca, e lei viene completamente svuotata dal bianco del vuoto, la terza è nera, e lei viene completamente travolta dal buco nero, il nero dell’angoscia e della malinconia, il nero del dubbio e dell’assenza di un perché…ma che adrenalina, bello il vuoto, tremendo il godimento dello strazio, che malata euforia non sapere a cosa si sta anelando. Le piace, le piace, le piace, le piace e piace. Alti e bassi, alberi e uomini, calma e irrequietezza, sono tutti i nomi di Edith e Joseph, sono tutti gli umori di un clown che mescola il riso al pianto e arriva su Marte, e da
Scritto e interpretato da Edith Proust
V E N I C E O P E N S TA G E
Regia di Benjamin Porée
"WE NEED JUST A LITTLE REALITY." WE NEED LOVE. THE CLOWN KNOWS HER POWER.
SPETTACOLI / PROGRAM
time, who arrives to Mars and from there, so far away where noone knows her, she can free every instinct: even rage, and the unstoppable desire of making her audience laugh. But she can’t stop, because if she does it, she feels fear all over again. She goes back to her spaceship and from there she looks down to mankind, those little flecks of sand that make her despair, laugh, and feel an almost diabolic melancholy. In her journey with Joseph, lonely amongst mankind, Edith goes through the whole spectrum of feelings, and she reveals it through her nervous tics, through her facial expressions, her screams and her exaggerated, childish outbursts. Joseph isn’t calm anymore, he’s shocked when realising how far Edith can go. His strength is to be found in the ability of focusing on details, of making small things giants, friends, and big things small toys. Like responsibility, a big issue that for Joseph is like a seed to be watered in a pocket; like time, which becomes a book of stories. In this tangled world, nonsense seems to be the only honest answer to that scary, petrifying white page. “We need just a little reality”. We need love. The clown knows her power, she knows she can shape the audience expressions,
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lassù, da lontano, dove nessuno si conosce può liberare ogni istinto, anche la cattiveria, la voglia di sopraffare, di far ridere il suo pubblico con decisione, ma se fa una pausa, è di nuovo la paura a prendere il sopravvento, ritorna nella navicella, da lì guarda l’umanità, che piccoli granelli di sabbia questi umani, si percepisce una disperazione che reagisce con una risata, con uno sguardo libidinoso al pubblico, con della cioccolata, che sfocia in malinconia, diventando diabolica. Edith passa tutti gli stati d’animo della terra, il suo viaggio è come quello dello spettro/albero Joseph, in mezzo all’umanità che ti isola, il viaggio del clown e già compiuto, lo si legge nell’espressioni facciali della protagonista, nell’occhio che sclera, nel tic che fa ballare, nell’urlo e nello sfogo infantile coinvolgente ed esagerato. Joseph appare un albero, non più calmo, ma forse stupito, da dove la sua amica può arrivare. La sua forza e difesa stanno nel focalizzare i dettagli, nel rendere le cose piccole piccole dei giganti, degli amici, e quelle grandi diventano dei giochi, la responsabilità è un seme annaffiato in una tasca, il tempo è un libro dove puoi prendere la teleferica e far crescere dei cappelli, il nonsense diventa l’unica risposta sana a quella pagina bianca che pietrifica. “C’è bisogno di molta poca realtà”. C’è bisogno di amore, il clown conosce il suo potere, riesce a plasmare le espressioni del pubblico, mescola ogni ingrediente della disperazione e del vittimismo e della simpatia e fa quello che vuole, si emoziona,
ride a crepapelle, fa pausa e alla fine viene inondata, forse dal blu, forse dal nero, forse dal bianco; la stessa onda che prima ha usato col suo pubblico per farlo oscillare tra gli estremi sentimenti, la prende e la porta via, ma tutti quanti ora, fanno una pausa, viaggiano in tutto il mondo, e la cercheranno di nuovo.
La musicista del silenzio è una moltitudine di giochi dentro alla risata isterica del caos, è accompagnata da una chitarra distorta, sono i pensieri contraddittori di tutti, i viaggi mai effettuati e quanto facciano ridere, e come facciano gridare e in che navicella si trovino, è in Projet Georges che si intravede una risposta commovente.
The Clown, Heinrich Böll. “Everyone knows that a clown needs to be melancholic to be a good clown but, what they don’t understand is that for him melancholy is something extremely important.” La musicienne du silence is a multitude of games hidden in the hysteric laughter of chaos. Accompanied by a twisted guitar, it represents everyone’s contradictory thoughts, the unrealised travels, the laughters and screams from a far away spaceship, and it finds a touching answer in Projet Georges.
TUTTE LE GALASSIE E TUTTE LE PROFONDITÀ
THE SILENT AND INVISIBLE CHARACTER OF TIME, GIVES EDITH THE SPACE TO DEVELOP THAT FREEDOM OF THOUGHTS THAT TAKES HER
ALL AROUND THE WORLD
AND THE UNIVERSE DEEP GALAXIES.
SPETTACOLI / PROGRAM
she can mix every ingredients of despair, victimism, kindness, and she can do what she wants. She is moved, she bends over with her laughter, she stops and she is finally overwhelmed with extreme emotions, maybe with blue, or black or white. And now, as she is into this stream of emotions, everyone stops, everyone travel all around the world to look for her one more time.
ATTRAVERSA TUTTO IL MONDO,
V E N I C E O P E N S TA G E
Opinioni di un clown, Heinrich Böll. “Tutti sanno che un clown deve essere malinconico per essere un buon clown, ma che per lui la malinconia sia una faccenda seria da morire, fin lì non arrivano”
IL TEMPO, PERSONAGGIO SILENZIOSO, COME EDITH,
Collettivo Amalgama (IT)
LA PRESA DI POSIZIONE DEL SINGOLO CONTRO LA TRISTE COLLETTIVITÀ RIDOTTA A GREGGE DI PECORELLE
4 LUGLIO / h. 21.45
rimboccarsi le maniche e lottare e operare per il proprio benessere, senza accomodarsi al triste travolgimento degli eventi che lo piega a una vita indolente e poco soddisfacente. In scena Garcia, uomo comune impegnato a intentare una causa contro una compagnia telefonica per una cifra di 28 centesimi, dai più considerato ridicolo e illuso, minacciato dai datori di lavoro di essere licenziato per quanto tempo investe in questa “stupida” lotta, da Carmen, segretaria del capo di Garcia, invece preso ad esempio.
traduzione Maria Pilar Peréz Aspa con Caterina Bernardi, Angelica Bifano, Jacopo Bottani, Federica Di Cesare, Massimiliano Di Corato, Gilberto Innocenti, Clara Roberta Mori, Davide Pachera, Stefano Pettenella, Miriam Russo
Loro ne fanno una questione di principio, è questa norma che ispira il cambiamento, come Carmen anche Luis si fa influenzare dalla forza della decisione di arrivare fino in fondo di Garcia, cercando in tutti i modi di apostatare, venendo schernito dal and strive for their own wellbeing, without getting trapped in a passive and unsatisfactory life by a hostile course of the events. In the spotlight there is Garcia, a common man absorbed in his endeavour to sue a phone company over a sum of 28 cents. Despite being laughed at by many and threated with being fired by his employers for all the time wasted in his hopeless battle, he is nevertheless taken as an example by Carmen, the secretary of Garcia’s boss.
Rebeldías Posibles by Luis Garcia-Araus and Javier Garcia Yague, first staged in 2008, was written shortly before the surge of the political movement of the Indignados in Spain. Almost 10 years later, in 2017, the Amalgama theatre collective – composed of Caterina Bernardi, Angelica Bifano, Jacopo Bottani, Federica Di Cesare, Massimiliano Di Corato, Gilberto Innocenti, Clara Roberta Mori, Davide Pachera, Stefano Pettenella and Miriam Russo – is bringing the text back on stage on the second day of Venice Open Stage’s OFF section. Its focus is on the pursuit of happiness, on how each person – even in the most trivial situation – can roll up their sleeves
For Garcia and Carmen, it is a matter of principle, and this is what triggers change. Like Carmen, also Luis is fascinated by the resilience shown by Garcia in relentlessly sticking to his decision, and he tries to commit apostasy, ending up being ridiculed by the parish priest and some moralists. Rebeldías Posibles deals with “what people say” and with how ph. Ginevra Formentini Giacomo Moceri
testo. Tea De Lotto traduzione. Alessandra Barbarewicz
SPETTACOLI / PROGRAM
Luis Garcìa-Araus e Javier Garcìa Yague, hanno scritto il loro testo poco tempo prima che esplodesse il movimento degli Indignados, mettendolo in scena per la prima volta nel 2008; Caterina Bernardi, Angelica Bifano, Jacopo Bottani, Federica Di Cesare, Massimiliano Di Corato, Gilberto Innocenti, Clara Roberta Mori, Davide Pachera, Stefano Pettenella e Miriam Russo del “collettivo Amalgama” ripropongono “Ribellioni possibili” nel 2017, a distanza di quasi 10 anni, al Venice Open Stage per il secondo appuntamento della rassegna Off. Si parla di ricerca della felicità, in qualche modo, di come anche nella più minuscola situazione un essere umano possa
V E N I C E O P E N S TA G E
di Luis García – Araus e Javier García Yague
It is a patchwork of everyday stories. Petra, a mother who’s desperate for the health conditions of her daughter, tries to save her by having her visited by incompetent doctors, whose inability to listen leaves her resentful and despairing. Carmen fails to get her house renovated, notwithstanding the countless phone calls and the numerous quarrels with her neighbours and the technicians. Garcia becomes the role model, the foundation, the principle. Each individual’s understanding of it, however, is inevitably distorted and this eventually plays against him.
THE INDIVIDUAL’S STANDPOINT HAS TO GO AGAINST THE UNHAPPY MULTITUDE, REDUCED TO A FLOCK OF SHEEP.
The comedy is studded with absurdities, which put Garcia into the tragicomic situation of being wanted by the police for having inspired many private rebellions. The situation gets even worse when the formless mass that is the people starts causing little scandals all around the city in the name of “Garcia”. Not even when he turns himself in is he taken seriously, for he is dismissed as ‘just another Garcia’. A humorous play that spans across a variety of topics. The
SPETTACOLI / PROGRAM
Garcia refuses to bend to common opinion, fighting instead for himself.
V E N I C E O P E N S TA G E
parroco e dai benpensanti. Ci si sofferma su ciò che “pensano gli altri” e su come Garcia non si pieghi all’opinione comune ma lotti ancora per se stesso. Sono storie di vita quotidiana, Petra, una madre disperata per la condizione fisica della figlia, tenta di salvarla portandola da medici incompetenti che non hanno orecchie per ascoltarla, s’ingegna e si dispera, Carmen non riesce a farsi mettere a posto la casa, dopo mille chiamate e interminabili discussioni con periti e vicini di casa; Garcia diventa il principio, la base, l’origine, la ricezione dei singoli è però chiaramente deformata e tutto ciò gli si rivolta contro. Una commedia dai toni grotteschi che devia Garcia nella tragicomica situazione di venire ricercato proprio perché ispiratore di piccole rivolte personali, ma lo scherno continua poiché la massa informe che è la gente, comincia ad attuare dei piccoli scandali in tutta la città nel nome di “Garcia”. Nemmeno quando si costituisce viene preso sul serio, poiché considerato l’ennesimo Garcia. Una commedia divertente che attraversa i temi più disparati, il grottesco si fa attualità, la presa di posizione del singolo contro la triste collettività ridotta a gregge di pecorelle. La prova che essere presi sul serio è una questione personale e non implica la comprensione dell’altro.
UNA QUESTIONE DI PRINCIPIO, La situazione che ne deriva è impregnata da sensazioni paradossali, comiche e innaturali, questo però in un’ambientazione che richiama la vita di tutti i giorni, razionale, logica e naturale.
Un invito divertente a non mollare mai.
absurd becomes real; the individual’s standpoint has to go against the unhappy multitude, reduced to a flock of sheep.
Tortilla Flat, John Steinbeck “This is the story of Danny and of Danny’s friends and of Danny’s house. It is a story of how these three became one thing, so that in Tortilla Flat if you speak of Danny’s house you do not mean a structure of wood flaked with old whitewash, overgrown with an ancient untrimmed rose of Castile. No, when you speak of Danny’s house you are understood to mean a unit of which the parts are men, from which came sweetness and joy, philanthropy and, in the end, a mystic sorrow. For Danny’s house was not unlike the Round Table, and Danny’s friends were not unlike the knights of it.” A comical exhortation to never give in.
AND THIS IS WHAT TRIGGERS CHANGE.
SPETTACOLI / PROGRAM
The proof that being taken seriously is a personal issue and does not imply other people’s understanding. The resulting situation is filled with paradoxical, amusing and extra-ordinary feelings, yet in a setting that recalls everyday life: rational, logical and ordinary.
IT IS A MATTER OF PRINCIPLE,
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Pian della Tortilla, John Steinbeck “Questa è la storia di Danny, degli amici di Danny e della casa di Danny. E’ la storia di come queste tre cose diventarono una sola. A Pian della Tortilla, parlare della casa di Danny non significa parlare d’una costruzione di legno incrostata di calce e stretta dai lacci d’un vecchio cespo rampicante di rosa castigliana. No, quando uno parla della casa di Danny, parla di uomini che, costituiti in un’unità, elargirono filantropia, e conobbero dolcezza, gioia e, infine, mistico dolore. Poiché la casa di Danny fu simile alla Tavola Rotonda, e gli amici di Danny non furono dissimili dai Cavalieri di quella.”
È QUESTA NORMA CHE ISPIRA IL CAMBIAMENTO
We were monkeys (IT)
5 LUGLIO / h. 21.45
di Beatrice Vollaro
Cinzia perde pezzi, perde le dita, perde le orecchie, perde il naso proprio davanti al medico dalle orrende scarpe che doveva curarla, disperata. Per fortuna è una donna che non si lascia prendere dal panico e dunque con dello scotch cerca di vivere una vita normale, perdendo pezzi qua e là e aggiustandosi come meglio può. Certo questo la porta ad un isolamento voluto e necessario, ma quando tutto è “sotto controllo”, è un pegno che si può pagare.
regia di Luigi Guerrieri e Beatrice Vollaro con Noemi Dessardo, Lucia Spada e Beatrice Vollaro Musiche di Eugenio Talamo Costumi di Beatrice Vollaro e Beatrice Zanini
L’ultimo appuntamento della rassegna Off vede in scena Beatrice Vollaro, Lucia Spada e Noemi Dessardo con “Falling Apart”. Le tre ragazze sono una donna sola, unica nel suo genere, si tratta di Cinzia. Il rapporto di lei col proprio corpo è il sistema di riferimento di questa messa in scena; attraverso il teatro di movimento le tre ragazze giocano con loro stesse e con il loro pubblico, si muovono con mosse meccaniche, quotidiane , stressanti e degradanti finché non si accorgono che è proprio il fisico, la carne a cedere.
with the ugly shoes who was meant to cure her. Luckily, she is not the kind of woman who easily panics, and therefore, with the help of some sticky tape, she tries to lead a normal life, losing pieces here and there and putting them back in place as best as she can. Inevitably, this results in a necessary and longed-for isolation. Yet, if this is what it takes to keep everything under control, it is a price she is willing to pay.
The closing night of the OFF section sees Beatrice Vollaro, Lucia Spada and Noemi Dessardo on stage with “Falling Apart”. The three girls are a single, one-of-a-kind woman, that is, Cinzia. The focal point of the play is the relationship she has with her body; through physical theatre, the three girls play with themselves and with the audience; they enact repetitive, robotic and wearying movements until they realise that it is their body, their own flesh, that is collapsing. Cinzia is falling to pieces. She looses her fingers, she looses her eyes, and she even looses her nose right in front of the doctor
At first, we get to know her as a woman devoted to medietas, to thoughtfulness and manners, who never takes sides. But destiny sees her modesty trace a hyperbola - mediocritas ad extrema descendo – and reach the very limits. We see a woman losing pieces of flesh, falling. Cinzia is witness to her own fall. In doing so, she blows up and becomes three, ph. Nicola Fasolato Ginevra Formentini Elena Noventa
testo. Tea De Lotto traduzione. Alessandra Barbarewicz
SPETTACOLI / PROGRAM
Inizialmente la conosciamo come donna votata alla medietas, al riguardo e all’educazione, mai prendere posizioni; il destino, però, vede la sua modestia comportarsi come un’iperbole, mediocritas ad extrema descendo, arrivando agli estremi.
V E N I C E O P E N S TA G E
SI TRATTA DI UNA DONNA CHE PERDE PEZZI DI CARNE, CHE CADE
WE SEE A WOMAN LOSING PIECES OF FLESH, FALLING.
Per alcuni cadavere è un acronimo di caro data vermibus, ma per altri cadavere verrebbe da cadaver, cioè da cadere e significherebbe «cosa caduta », il corpo che cede, falling apart. Tutte le cosmicomiche, Italo Calvino “Esplodere o implodere - disse Qfwfq - questo è il problema: se sia più nobile intento espandere nello spazio la propria energia senza freno, o stritolarla in una densa concentrazione interiore e conservarla ingoiandola. Sottrarsi, scomparire; nient’altro;
For some, ‘cadaver’ is an acronym for caro data vermibus, yet for others it comes from the Latin cadaver, meaning ‘to fall’, and therefore means ‘the fallen one’, that is, a body collapsing, falling apart. The Complete Cosmicomics, Italo Calvino
SPETTACOLI / PROGRAM
and these six hands and six feet do all they can for one last time, before they crumble to the ground. Cinzia looks for other people with her same problem, she looks online and into the world. That falling body is the one she is living in. She strives, she glues herself, she falls in love, but her thoughts always go back to her self. The hysterics this situation could potentially lead to are transformed into comedy, and the three Cinzias enjoy themselves before imploding. A hysterical, zombie-like laughter carries us through the play; its absurdity makes us smile, but what Cinzia eventually reveals to us is that if we are alone, isolated, too busy denying our pain, and laughing to keep from crying, we will all end up losing our mind. There, a bruise below the neck. There, the last piece of flesh falling. There, a corpse.
V E N I C E O P E N S TA G E
Si tratta, infatti, di una donna che perde pezzi di carne, che cade. Cinzia è spettatrice della sua caduta, per farlo esplode e si fa tre e queste sei mani e questi sei piedi fanno tutto quello che possono per un’ultima volta, prima di frantumarsi, a terra. Cinzia cerca qualcuno con il suo stesso problema, cerca in internet, cerca nel mondo, il corpo che cade è il corpo che lei usa per vivere, s’ingegna, si riattacca, s’innamora, ma il pensiero va sempre e comunque a se stessa; l’isteria a cui potrebbe portare questa situazione viene trasformata in comicità, le tre cinzie si divertono prima di implodere, la risata isterica di uno zombie ci trascina, l’assurdità ci porta a sorridere, ma quel che Cinzia infine ci svela è che isolati, soli, presi a negare un malessere, ridenti per non piangere, ci ritroveremo tutti a perdere la testa, ecco un livido sotto il collo ecco l’ultimo pezzo di carne che cade, ecco un cadavere.
trattenere dentro di sé ogni bagliore, ogni raggio, ogni sfogo e soffocando nel profondo dell’anima i conflitti che l’agitano scompostamente, dar loro pace; occultarsi, cancellarsi: forse risvegliarsi altrove, diverso”
ECCO UN LIVIDO SOTTO IL COLLO ECCO L’ULTIMO PEZZO DI CARNE CHE CADE,
ECCO UN CADAVERE.
V E N I C E O P E N S TA G E
Sul palco del Venice Open Stage vediamo una donna con una maschera da sub, il pubblico entra, ci raccontano di lei, di quanto le piaccia nuotare al largo e fare il morto nel mare, di come un pesce, innamorato di lei la segua nei suoi pensieri, con le sue bracciate. Lei un giorno venne ingoiata dal mare, un’onda la prese, quel pesce le donò la pinna caudale, così lei poté nuotare negli abissi e lui, pesce coi piedi, cercarla e proteggerla, lei era nuova alla vita sottomarina. We were monkeys, compagnia formatasi nel 2012, portò al Venice Open Stage nel 2013 “Falling Apart”, un monologo di una donna sola, piccola, la quale amava forse nuotare e fare il morto a galla, forse un’onda l’ha agitata scompostamente, e forse si è risvegliata altrove, diversa.
At Venice Open Stage we see a woman wearing a diving mask; the audience comes in and hears about her, about her passion for swimming off the coast and for floating on her back, and about a fish, in love with her, who followed her in her dreams with his strokes. One day, the woman is swallowed into the sea; dragged down by a wave; but the fish gives her his caudal fin so that she may dive deep while he – now a two-legged fish – may look for her and after her, as she is new to life underwater. “We are monkeys”, a theatre company formed in 2012, has already brought Falling Apart to Venice Open Stage in 2013, in the form of a monologue for a single, tiny woman. Perhaps this woman used to love swimming and float on her back; perhaps one day a ruffling wave shook her; and perhaps she woke up somewhere else, changed.
SPETTACOLI / PROGRAM
“To explode or to implode - said Qwfwq - that is the question: whether 'tis nobler in the mind to expand one's energies in space without restraint, or to crush them into a dense inner concentration and, by ingesting, cherish them. To steal away, to vanish; no more; to hold within oneself every gleam, every ray, deny oneself every vent, suffocating in the depths of the soul the conflicts that so idly trouble it, give them their quietus; to hide oneself, to obliterate oneself; perchance to awaken elsewhere, unchanged.”
THERE, A BRUISE BELOW THE NECK. THERE, THE LAST PIECE OF FLESH FALLING.
THERE, A CORPSE.
The Commedia School of Copenhagen - (DK)
6/7 LUGLIO / h. 21.45 UNO SPECCHIO DENTRO AL QUALE
con Tuulia Lindholm e Sara Juntunen luci e suoni Paul Damade
Tuulia Lindholm e Sara Juntunen sono le giovani ragazze della Commedia School of Copenaghen, e portano in scena “Friend in the sea”. Le protagoniste sono uno specchio dentro al quale si riflettono a vicenda; una piccola presa di coscienza a due, dove ci si interroga su questo mostro gigante che è l’”io”. Una di loro è un impiegato che cerca di autoconvincersi di essere importante e di fare cose importanti, scandendo la sua vita di tutti i giorni con il triste ritmo del lavoro. La poca soddisfazione di questo modo di vivere, lo porta ad interrogarsi su chi sia lui stesso.
The second girl has to face the same destiny: she is abandoned by a cat she doesn’t even have, by her unreal friends and by her life, which she really doesn’t understand. They’re sad, but at the same time aware of their condition. The two of them start their quest of the “self” among the audience, they try to find a way to chase it in the roads of Venice with a map of the city. Discouraged, they involve the audience by inviting them to introduce themselves to one another. The meeting with the other represents an important step in the process of self-awareness: they find themselves in their reflection, in the understanding between them and the audience, between different spectators, between the two of them. The awareness that men are not alone, that they grow with the encounter with the others and with the possibility of
Tuulia Lindholm and Sara Juntunen, the young students from the Commedia School of Copenhagen, brought to Venice Open Stage their performance “Friend in the sea”. The protagonists are a mirror for each other, they represent a split conscience that wonders around the big, difficult question of the self. One of them is an employee who tries to convince herself of her importance, of the importance of her job; she tries so much that her life revolves around her sad, daily work routine. Her poor satisfaction for this way of living makes her wonder who she really is. ph. Giacomo Moceri Giulia Oliveri Nicola Fasolato
testo. Tea De Lotto traduzione. Martina Smadelli Bonardi
SPETTACOLI / PROGRAM
Uguale per la seconda ragazza che si ritrova abbandonata da un gatto che non ha, da amici che non ha e da una vita che pare non abbia. Tristi e al tempo stesso consapevoli i due cercano questo “io” tra il pubblico, con una mappa di Venezia trovano un modo per inseguirlo tra le calli, ma lo sconforto è forte e quindi attuano questa loro ricerca anche tra gli spettatori, chiamati a presentarsi e a dirsi chi sono. Si intravede quindi il secondo step del processo di autocoscienza, ovvero l’incontro con l’altro.Ci si rispecchia, ci si capisce, loro con il pubblico, il pubblico con il pubblico, loro tra di loro. Nasce così la consapevolezza che l’uomo non è uno, che si nutre dell’incontro con l’altro e del conforto che questa figura, non più sola, può sperimentare nel confronto.
di Tuulia Lindholm
V E N I C E O P E N S TA G E
SI RIFLETTONO A VICENDA
L’eleganza del riccio, Muriel Barbery “Fatevi una sola amica, ma sceglietela con cura” Con la metafora della balena che urla a toni più alti delle altre in cerca di qualcuno che parli il suo linguaggio, le ragazze dal freddo Nord ci invitano a cercare un amico, una spalla, per condividere e superare i conflitti del singolo e sciogliere quel cubetto di ghiaccio che è l’io.
The Elegance of the Hedgehog, Muriel Barbery “If you have but one friend, make sure you choose her well.” The nordic girls introduce the metaphor of a whale that sings at higher frequencies than the others, and is looking for someone who can speak its language. This metaphor represents an invitation for us to find a friend with whom to share and overcome the problems and conflicts of the self.
SPETTACOLI / PROGRAM
confronting and comforting with them, starts to raise. Sara and Tuulia use puns, move with acrobatics, they try to speak Italian and find confirmation, they strive and they become our friends. They bring about the naïf spirit with gentle spontaneity.
V E N I C E O P E N S TA G E
THE PROTAGONISTS ARE A MIRROR FOR EACH OTHER
Le ragazze usano dei giochi di parole, fanno acrobazie, cercano di parlare italiano, scoprono un riscontro, si sforzano, e fanno amicizia con noi. Portano in scena il candore dello spirito naïf, con tenera semplicità.
Università Iuav di Venezia / Laboratorio di realizzazione e performance teatrale con Conservatorio Benedetto Marcello (IT)
7 LUGLIO / h. 21.45
Girolamo Mocenigo, in occasione del carnevale, commissionò nel 1624 a Claudio Monteverdi il madrigale rappresentativo di Tancredi e Clorinda, dramma che riprende le vicende narrate nel dodicesimo canto della Gerusalemme Liberata del Tasso. I giovani ragazzi del Conservatorio Benedetto Marcello e le ragazze del Laboratorio di realizzazione e performance teatrale dello IUAV di Venezia, lo mettono in scena creando un incisivo contrasto tra la forza della guerra, attraverso un tenore In 1624, during carnival, Girolamo Mocenigo commissioned Claudio Monteverdi the madrigal of Tancredi and Clorinda, a drama that evokes the events narrated in the twelfth poem of Jerusalem Delivered by Torquato Tasso. The young students from Conservatorio Benedetto Marcello and the ones from the theatre performance workshop at IUAV University perform the drama and create a strong contrast between the force of the battle, supported by a tenor, a soprano and the orchestra, and the elegance of the Japanese no theatre.
VENTAGLI ROSSI CHE DIVENTANO BIANCHI
SCANDISCONO LO SCONTRO DELLA GUERRA.
The christian and muslim armies are represented by ethereal figures wearing neutral masks, armed with katanas. One side of the stage is dedicated to the orchestra, with their sounds and songs, while the other hosts these masked figures, tame in their form but hardened in their spirit. Fifteen minutes of danced battle, where the aesthetics of the performance recalls the last words of Clorinda, when she is killed by her love Tancredi, who had not recognised her. This is the moment when she converted to christianity and received her baptism: “S’apre il cielo,; io vado in pace.” Red and then white fans scan the rhythm of the battle. Dance, dance, dance, Haruki Murakami “I wasn’t sad. My soul was covered with a shiny surface that let everything slip silently. Everything disappeared as the
ph. Giacomo Moceri Nicola Fasolato
testo. Tea De Lotto traduzione. Martina Smadelli Bonardi
SPETTACOLI / PROGRAM
Gli eserciti, cristiano e musulmano, sono infatti rappresentati da figure eteree dal volto coperto, munite di katana. Da un lato del palco si sviluppa la parte sonora e canora dall’altra ci si concentra sulle coreografie di queste figure, docili nella forma, agguerrite nello spirito. Un quarto d’ora di combattimento danzato, dove l’estetica dello spettacolo richiama le ultime parole di Clorinda, nel momento in cui venne uccisa per mano dello stesso Tancredi, il quale non sapeva chi avesse davanti, e lei si convertì e si fece battezzare: “S’apre il cielo; io vado in pace.” Ventagli rossi che diventano bianchi scandiscono lo scontro della guerra.
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e un soprano seguiti dall’orchestra, e tra l’eleganza e la sintesi del teatro no giapponese.
Davide Amodio (direttore), Veronica Niccolini (Clorinda), Diego Rossetti (Tancredi), Marco Barbon (Narratore), Sebastiano Franz, Daniel Jankovics (violini), Martina Messina (viola), Davide Girolimetto(violoncello), Michele Mancusi (violone), Davide Gazzato (liuto e percussioni), Simona Gatto (percussioni), Alberto Maron (clavicembalo). Tutor di regia Monique Arnaud, assistente Emanuele D’Ancona Tutor di costume Carlos Tieppo Drammaturgia, attrezzeria, costumi, movimenti mimici Eugenia Avveduto, Irene Bedin, Maria Vittoria Benedetti, Giorgia Cocozza, Eleonora Da Frè, Chiara Girlando, Tullia Parenzan, Sofia Patsinakidou, Irene Segalla, Serena Treppiedi, Chiara Vitale.
RED AND THEN WHITE FANS
SCAN THE RHYTHM OF THE BATTLE.
Dance, dance, dance, Haruki Murakami “Non provavo tristezza. La mia anima sembrava rivestita da una superficie lucida su cui tutto scivolava silenziosamente. Tutto scompariva come disegni sulla sabbia che il vento spazza via in un soffio”
In this arrangement the students used tremolo, a musical improvement used in performances that consists of the rapid repetition of a sound. The girls perform the drama of war and of the murder of the beloved lady with fragmentation of gestures and a flowing grace.
SPETTACOLI / PROGRAM
drawings on the sand are wiped out by the wind.”
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In questa composizione viene utilizzato il tremolo che viene definito un abbellimento musicale effettuato nelle esecuzioni musicali, mediante una ripetizione rapida di un suono. Le ragazze tramite la sintesi e la frammentazione di gesti inscenano il dramma della guerra e dell’assassinio della donna amata, con una grazia ripetuta.
CATHY PROPONE AL PUBBLICO
Nebrija University of Madrid / Performing Arts Degree (ES)
UNA RIFLESSIONE SUL SENSO D’INADEGUATEZZA.
8/9 LUGLIO / h. 21.45
Nell’ottava giornata di festival, i ragazzi dell’Universidad Nebrija di Madrid portano al Venice Open Stage The Proof di David Auburn. L’opera, vincitrice del Premio Pulitzer per il teatro nel 2001, racconta il difficile rapporto di Catherine con la morte del padre Robert, geniale matematico, cui lei si è dedicata durante gli ultimi anni di malattia. Chiusa in casa a elaborare la perdita, Cathy deve confrontarsi con l’irruzione di Hal, giovane docente universitario allievo di suo padre, e della sorella Claire, disattenta e manipolatrice. La storia si sviluppa attorno al ritrovamento da parte di Hal di un rivoluzionario libretto di teorie matematiche di Robert – che si scoprirà essere in realtà opera di Cathy – e allo scontro tra le diverse visioni di vita delle due sorelle. In questo’ allestimento, viene proposta una versione ridotta
which highlights some of its themes. The conversations Cathy has with the ghost of her dead father remain unsaid, as the director’s cuts minimise his tangible presence on stage, which recurs more often in the original text. Any mediation between reality and memory is lost. The performance establishes a strong connection with the real world and gives the impression of exposing the same uncertainties and difficulties faced by the young actors and by their generation. Cathy’s character, with a mixture of anger and disillusion, offers to the audience an insight into feelings of inadequacy and into the contradiction between the consciousness of one’s own potential and the fear of seeing it wasted. This conflict is especially clear in the relation she has with the other two characters, Hal and Claire. For Claire, Cathy is an irrational and fickle girl; for Hal, she is the attractive daughter of his deceased teacher. Despite her attempts to build a relationship based on trust, especially with Hal, Cathy is let
On the eighth day of the festival, the students from Universidad Nebrija, Madrid have brought to Venice Open Stage The Proof, by David Auburn. The play, winner of the Pulitzer Price for Theatre in 2001, tells of the difficult relationship Catherine has with the death of her father Robert, a brilliant mathematician, whom she has looked after during the final years of his illness. Locked home to grieve the loss, Catherine has to face the sudden intrusion of Hal, a young university teacher and former student of Robert, and of her careless, manipulative sister Claire. Central to the story is the finding by Hal of a revolutionary notebook filled with Robert’s mathematical theories – whose authorship is eventually ascribed to Cathy - as well as the clash of opinions between the two sisters. In this staging, the text is presented in a reduced version, ph. Ginevra Formentini Giulia Olivieri
testo e traduzione. Alessandra Barbarewicz
SPETTACOLI / PROGRAM
del testo, che ne porta in evidenza alcune tematiche; il dialogo con il ricordo del padre Robert rimane sospeso e i tagli operati vanno a minimizzarne la presenza tangibile, che nel testo originale ricorre più volte. Non c’è quindi più mediazione tra azione e ricordo. Lo spettacolo stabilisce un solido contatto con la realtà e sembra raccontare i dubbi e le difficoltà degli attori stessi e della loro generazione. Il personaggio di Cathy, alternando rabbia e disillusione, propone al pubblico una riflessione sul senso d’inadeguatezza, sulla contraddizione tra la consapevolezza del proprio potenziale e la paura di vederlo sprecato. Questo conflitto si sviluppa in particolar modo nella relazione con gli altri due personaggi, Hal e Claire. Per Claire, Cathy è la sorella irrazionale e volubile; per Hal, l’attraente figlia del maestro. Entrambi si propongono come figure di appoggio e guida, non senza un qualche interesse personale. Pur provando a stabilire un rapporto di
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di David Aburn regia di Athenea Mata con Claudia Durà Yepes, Marina Miguel Marcelo, Aitor Murillo Jiménez, David Lòpez Martìn
CATHY OFFERS TO THE AUDIENCE
AN INSIGHT INTO FEELINGS OF INADEQUACY.
fiducia, in particolar modo con Hal, Cathy viene delusa quando, al ritrovamento del quaderno contenente le innovative teorie matematiche, nessuno dei due personaggi è capace di credere che ne sia lei la vera autrice. Le insicurezze di Cathy devono dunque misurarsi anche con l’incapacità del mondo esterno, e in primis delle persone a lei più vicine, di riconoscere il valore delle sue scoperte e delle sue scelte personali.
In quest’originale messa in scena, The Proof diventa quindi un testo profondamente critico, che esplora i limiti invisibili posti da una società dove a ogni giovane donna - a ogni Cathy - viene richiesta continua dimostrazione delle proprie capacità.
The whole play is filled with subtle irony, which is used to point out many contemporary issues: the predominance of men in academia and in the scientific world; the lack of equal recognition to both sexes; and the mental backwardness of those who can’t go beyond the appearance of diversity. Hence, the story that Cathy tells Hal about Sophie Germain – a distinguished mathematician from the XVIII-XIX century, who was forced to publish her theories under a male pseudonym – becomes an accurate metaphor for the struggles she herself has to face. In this original mise-en-scene, The Proof becomes a deeply critical text, which investigates the invisible limits created by a society where every young woman, every Cathy, is constantly asked to prove her worth.
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down as, once the notebook and its innovative theories are discovered, none of the two characters is ready to believe that she is the real author. Cathy’s insecurities thus have to face the inability of the outside world, and in particular of the people closest to her, to recognise the merit of her findings and of her personal choices.
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L’intero spettacolo è punteggiato di sottile ironia, con cui sono messe in luce diverse problematiche attuali: la predominanza di uomini nel mondo accademico e scientifico, l’incapacità di attribuire egual merito a entrambi i sessi, l’arretratezza di pensiero di chi non sa andare oltre l’apparenza del “diverso”. Ed è così che la storia di Sophie Germain - illustre matematica vissuta a cavallo tra XVIII e XIX secolo e che fu costretta a pubblicare le sue teorie con uno pseudonimo maschile –, che Cathy racconta a Hal, diventa una vera e propria metafora delle difficoltà che lei stessa deve affrontare.
School of Drama / Aristotle University of Thessaloniki - (GR)
SESSO E ADORAZIONE, SI MESCOLANO GLI ELEMENTI,
IL NASO FA L’AMORE CON LA BOCCA
10/11 LUGLIO / h. 21.45
Più che uno spettacolo, un regalo. La School of Drama, Aristotele University of Thessaloniki, mette in scena una serata dadaista. Come Hugo Ball, un ragazzo è immobile nel suo costume di cartone, “cubista”, e come Ball cerca di incutere serietà, in stile chiesastico, al pubblico; come allora, il Direttore, un uomo dal cappello a cilindro con una grande forbice in mano, personifica il pubblico borghese del tempo e lo fa urlando "Che schifo, spettacolo di merda", tutti gli spettatori lanciano delle palle di giornali e Ball viene trascinato fuori, come una colonna, come aveva predisposto all'epoca. Un presentatore seguito da due donne dada, esce dalle quinte
a nonsense speech. People’s gazes reveal that they’re trying to find a logical thread in his words, but they don’t realise that it’s nothing more than a provocation. Two men chase each other but, between words in french, greek, italian and made up languages, they fail to understand each other. Their hearts are as heavy as bricks, their laughs begin to be very loud. Then everything becomes calm, almost immobile: the same looks that were once curious, are now tired. Here, a song starts “The conversation has become boring, hasn’t it?”, and we’re back to smiling, at the rhythm of folk music. Two couples mimic each other’s sexual and adoration gestures while elements mix: the nose makes love to the mouth, louder and louder, before ejaculating of the mouth, while the monumental couple gets married. As every good provocation, it’s a nonsense full of hidden meanings, such as when the European Union, dressed with
The School of Drama from the Aristotle University of Thessaloniki delivers a dadaist soirée that feels like a gift, more than a performance. The first image of the night sees a boy standing centre stage. like Hugo Ball, the boy stands immobile in his cardboard costume, trying to be as severe as he can in front of the public; as at Cabaret Voltaire, the Director, a man with a top hat holding big scissors, symbolizes the bourgeois audience of the time, and he does it by screaming “This sucks, this is a shitty performance”. The audience members throw balls of newspapers at them, while Ball is dragged out of the scene, immobile as a column, as it was arranged the first time. A host with his two dadaist assistants enters the stage winging a fonic, onomatopoeic song, he then greets the audience with ph. Ginevra Formentini Nicola Fasolato
testo. Tea De Lotto traduzione. Martina Smadelli Bonardi
SPETTACOLI / PROGRAM
cantando una canzone anch'essa fonica, onomatopeica, lui accoglie gli spettatori con un discorso nonsense, gli sguardi della gente sono però intenti a cercare un filo logico, una traduzione verosimile, non capendo che si tratta di una provocazione dissacratoria. Due uomini cercano di rincorrersi ma tra greco, francese, italiano e inventato non si capiscono. I loro cuori sono dei mattoni, le risate cominciano a farsi forti. Poi la calma, quasi l'immobilismo, gli sguardi prima curiosi del pubblico sono stanchi, ecco che parte una canzone "La conversazione è diventata noiosa non è così?", e si torna a sorridere a ritmo folk. Due coppie si fanno il verso, sesso e adorazione, si mescolano gli elementi, il naso fa l'amore con la bocca, chiedono all'altra coppia di fare più rumore, prima di eiaculare sulla bocca, mentre la coppia monumentale si sposa.
V E N I C E O P E N S TA G E
con Ioanna Kanellopoulou, Dimitrios Kapetanios, Dimitrios Lolis, Eleni Mavidou, Hara Argyroudi, Katerina Vafeiadis, Dimitra Giovani, Peni Dani, Elina Eftaxia, Matina Efthymiadou, Christina Kouvouklioti, Anastasia Papaioannou, Iro Papakosta. Professori Lila Karakosta (scenografia), Damianos Kostantinidis (regia), Ioulia Pipinia(drammaturgia), Olympia Sideridou (maschere).
THE NOSE MAKES LOVE TO THE MOUTH
SPETTACOLI / PROGRAM
dadaist costumes, dances macarena with Greece. Here nonsense doesn’t mean light, or without a meaning: it wants us to look at the bigger picture, to break given rules and accept the multitude of possibilities in front of us and be able to choose how to react. This show represented an attempt to take distances from the self, from everyone’s reasons, fears and doubts, to look at them from up above and to see a dadaist world. A shared atmosphere, a global view that helps us have a clean slate and choose again spontaneously, with different assumptions that go beyond the self. This finale is a gift that welcomes the audience of stage and dance an alike sirtaki: the community has won, everyone’s entertainment is the protagonist, and the everyone’s self is put aside to leave space to a feeling of community. Finally, theatre goes back to its function as a space where to share and compare with its old polis.
V E N I C E O P E N S TA G E
SEXUAL AND ADORATION GESTURES WHILE ELEMENTS MIX:
É un nonsense con significati nascosti, come ogni giusta provocazione, come quando l'unione europea balla la macarena con la Grecia indossando maschere dadaiste. Nonsense non significa leggero o senza senso, ha più la voglia di spingere a fare uno zoom out, di uscire da uno schema determinato per avere davanti la moltitudine di possibilità e poter scegliere, nuovamente, come reagire. Un'operazione di allontanamento dalle proprie ragioni e paure e tarli e rivedere, da lassù, un mondo dada, totale, un'atmosfera condivisa, un tutto globale, offre la possibilità di fare tabula rasa e, risvegliandosi, scegliere di nuovo, con spontaneità,attraverso premesse altre, che vanno oltre l'io unico. Questo è di fatto, un dono, il finale, infatti, vede tutto il teatro arrivare sul palco e ballare un simil sirtaki, la comunità ha vinto, il divertimento condiviso è protagonista, non l'io, non l'individuo ma tutti, insieme, tutti pronti a mettersi in secondo piano per un sentimento comune, un regalo perchè finalmente il teatro torna ad avere la sua funzione di confronto e condivisione con la sua vecchia, cara, imprescindibile polis.
Accademia Teatrale Veneta
12 LUGLIO / h. 21.45
significato. Il risultato è un racconto corale, poetico e intuitivo, portato avanti dagli attori con grande energia e intensità.
CHE NON FA NULLA.
Studio coreografico liberamente ispirato a Misurabilia di Art(h)emigra Satellite Regia di Laura Moro in collaborazione con Matteo Cusinato e Pippo Gentile con gli allievi attori del III anno di corso Alessio Arzilli, Francesco Bertozzi, Giorgia Boscolo Sassariolo, Gianluca Bozzale, Anna De Battisti, Davide Falbo, Lorenza Gibelli, Diletta La Rosa, Cristiano Parolin, Norman Quaglierini, Nicola Rocchetti, Sonia Soro, Jacopo Tampieri
Sotto la guida di Laura Moro, i neodiplomati attori dell’Accademia Teatrale Veneta chiudono il Venice Open Stage confrontandosi con l’unico spettacolo di teatro danza di questa edizione del festival. Attingendo a Misurabilia di Art(h)emigra Satellite, per la regia di Laura Moro in collaborazione con Matteo Cusinato e Pippo Gentile, Cronache di Nullonauti è uno studio coreografico che parla, attraverso una vasta rete di riferimenti artistici e letterari, del rapporto dei singoli con una società ormai priva di punti di riferimento, dove le idee di memoria e di azione hanno perso
that, through a wide range of artistic and literary references, talks about the relation between individuals and a society which no longer has reference points and where the concepts of memory and action have lost their meaning. The outcome is a choral, poetic and intuitive narrative, performed by the actors with great energy and intensity. The performance unfolds as the epic journey of a crew of Nullonauts, explorers of modern indolence. We find them wrecked and adrift, led by the swinging of what appears to be the mast of a raft of wretches, or perhaps as a tired and disillusioned Liberty leading an apathetic and indifferent people. The Odyssey taking place before our eyes is not that of Nobody, but rather that of Somebody who is not doing anything. Their pointless and idle wandering is increasingly backed by the buzz of bees, and the tall pole covered in rags
Under the guidance of Laura Moro, the newly graduated actors from the Accademia Teatrale Veneta perform the final act of Venice Open Stage in the only performance of physical theatre of this year’s edition of the festival. Drawing from Misurabilia by Art(h)emigra Satellite – directed by Laura Moro, in collaboration with Matteo Cusinato and Pippo Gentile – Chronicles of Nullonauts is a chorographical study ph. Giacomo Moceri Nicola Fasolato
testo e traduzione. Alessandra Barbarewicz
SPETTACOLI / PROGRAM
Lo spettacolo si svolge come il viaggio epico di un gruppo di Nullonauti, esploratori dell’ignavia contemporanea. Li troviamo naufraghi, alla deriva, guidati dal movimento di quello che appare come l’albero maestro di una zattera di derelitti o come forse una stanca e disillusa Libertà che guida un popolo di apatici e indifferenti. L’Odissea che si sviluppa sotto i nostri occhi non è quella di Nessuno, quanto quella di un Qualcuno che non fa nulla. Al loro vagabondare cieco e svogliato si accompagna a poco a poco un ronzare di api, e la lunga asta coperta di stracci che i Nullonauti portano con sé si trasforma nella ‘nsegna rincorsa dagli Ignavi nel terzo canto dell’Inferno. L’asta è presto spogliata degli stracci, che si scoprono essere t-shirt: divise che vestono i corpi dei
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L’ODISSEA DI UN QUALCUNO
THE ODYSSEY OF SOMEBODY
WHO IS NOT DOING ANYTHING.
SPETTACOLI / PROGRAM
that the Nullonauts are carrying with them is turned into the banderol chased by the Indolent in the third Canto of Dante’s Inferno. The pole is soon stripped of the rags, which turn out to be t-shirts: uniforms that cover the bodies of the Nullonauts in empty slogans. Standpoints on social and political matters that the actors exchange feverishly among themselves; words that can’t find a physical correspondence, just like on the internet political participation is often limited to a façade, and rarely results in real action. In a society where the tangible has given way to the virtual, even the memory of one’s own past is losing value. The stability of the body is therefore taken as a new starting point; yet we discover that it too is a political entity, a battleground where the natural acquires a completely artificial meaning. As a response to the human need to rationalise the world, even the physical dimension has been classified in all its parts throughout history, with the aim of tracing its inevitable exceptions back to a universal framework. The actors measure the surrounding environment and themselves, they attach scientific value to accidental characteristics, and they walk through the audience, who is amused by the references to social Darwinism, yet, at the end of the play, is still wondering about the value of certain norms perceived as natural. The last stop of the Nullonauts’ journey is Zaira, a city of memory, which appears to them as a poor Ithaca. A place, or rather a civilization, that needs to rediscover the connection with its own history and the places where it has been stored.
V E N I C E O P E N S TA G E
Nullonauti di slogan senza profondità. Prese di posizione su temi sociali e politici che si scambiano indiscriminatamente tra di loro, parole che non hanno un corrispettivo nel gesto, così come sul web la partecipazione politica si limita spesso alla forma, senza essere attuata. In una società dove il concreto sembra aver fatto spazio al virtuale, anche la memoria del proprio passato perde valore. Si sceglie quindi di ripartire dalla stabilità del corpo, per scoprire però che anch’esso è un’entità politica, un campo di battaglia dove il ‘naturale’ assume in realtà un valore del tutto artificiale. In risposta all’esigenza dell’uomo di razionalizzare il mondo, anche la dimensione fisica è stata, nel corso della storia, classificato e catalogata in ogni sua parte, con l’obiettivo di ricondurre le sue inevitabili eccezioni a parametri universali. Gli attori misurano la realtà e loro stessi, conferiscono certezze scientifiche a caratteri accidentali e si fanno spazio tra un pubblico che sorride di fronte ai rimandi al darwinismo sociale, ma che a fine spettacolo continua a interrogarsi sul valore di norme percepite come naturali. Approdo ultimo del viaggio è Zaira, città della memoria, che ai Nullonauti si presenta come un’Itaca stanca. Un luogo, o piuttosto una civiltà, che ha bisogno di ritrovare la relazione con la propria storia e i luoghi in cui essa è immagazzinata.
PALCO SECONDARIO /SECOND STAGE
V E N I C E O P E N S TA G E PALCO SEOCONDARIO / SECOND STAGE
PALCO SECONDARIO / SECOND STAGE
PALCO SECONDARIO / SECOND STAGE
IUAV / Laboratorio di Drammaturgia (IT)
Università Iuav di Venezia / Arti Multimediali (IT)
7 al 9 LUGLIO / h. 18.00
V E N I C E O P E N S TA G E
3 LUGLIO / h. 20.00
UNA PERFORMANCE RELAZIONALE CAMPO DRIO EL TEATRO
CAMPO DRIO EL TEATRO
Testi a cura di Irene Bedin, Serena Treppiedi, Eleonora Da Frè, Maria Vittoria Benedetti con gli attori della Fondazione Teatro Due di Parma Cristina Cattellani, Paola De Crescenzo, Luca Nucera, Massimiliano Sbarsi. Professore Walter Le Moli
di e con Anita Cariolaro e Sara Podetti
PALCO SEOCONDARIO / SECOND STAGE
ph. Giacomo Moceri Ginevra Formentini
ph. Elena Noventa Giacomo Moceri
PALCO SECONDARIO / SECOND STAGE
PALCO SECONDARIO / SECOND STAGE
IUAV / Laboratorio intensivo di messa in scena (IT)
Collectif Champe Libre (FR)
30 GIUGNO / h. 18.00
AULA TEATRO, EX CONVENTO DELLE TERESE
V E N I C E O P E N S TA G E
5 al 7 LUGLIO / h. 17.00
CAMPO DRIO EL TEATRO drammaturgia di Marion Guilloux, Creazione musicale di Joaquim Pavy Con Camille Voyenne, Marion Guilloux
PALCO SEOCONDARIO / SECOND STAGE
con Giacomo Marchesini,Guillermo de Cabanyes Aragón, Giuseppe Scinardo, Ippolita Signorelli, Beatrice Boschiero, Simone Capoferri, Irene D’Alò, Veronica Franchi, Chiara Girlando,Tullia Parenzan, Olimpia Russo, Anja Dimitrijevic, Cosimo D’Agnessa, Eleonora Da Frè, Serena Treppiedi. professori Csaba Antal, Alberto Favretto
ph. Giacomo Moceri Nicola Fasolato
ph. Giacomo Moceri Nicola Fasolato
DIBATTITI /TALKS
V E N I C E O P E N S TA G E DIBATTITI/TALKS
TALKS / DIBATTITI
4 e 5 LUGLIO / h. 17.00
MODERATORE
GRAZIANO GRAZIANI V E N I C E O P E N S TA G E
CAMPO DRIO EL TEATRO
DIBATTITI/TALKS
ALBERTO BARAGHINI, ALESSIA CACCO MONICA CENTANNI TOMMASO FRANCHIN RENATO GATTO LORENZO MARAGONI FERNANDO MARCHIORI MASSIMO ONGARO TERESA TERRANOVA DONATELLA VENTIMIGLIA
LABORATORI /WORKSHOP
V E N I C E O P E N S TA G E LABORATORI / WORKSHOP
LABORATORI / WORKSHOP
LABORATORI / WORKSHOP
Laboratorio video
Laboratorio di movimento e connessione
1-12 LUGLIO
12 LUGLIO / h. 20.00 V E N I C E O P E N S TA G E
PALCO PRINCIPALE CAMPO DRIO EL TEATRO a cura di Matteo Stocco e Matteo Primiterra
a cura di Laura Russo. Messinscena finale / Final Performance.
LABORATORI / WORKSHOP
ph. Ginevra Formentini
LABORATORI / WORKSHOP
Laboratorio di Commedia dell'arte contemporanea
6 LUGLIO / h. 21.00 V E N I C E O P E N S TA G E
CAMPO DRIO EL TEATRO
a cura di Michele Monetta e Lina Salvatore. Messinscena finale / Final Performance.
LABORATORI / WORKSHOP
ph. Giacomo Moceri
V E N I C E O P E N S TA G E GALLERY
V E N I C E O P E N S TA G E SPETTACOLI / PROGRAM GALLERY
Guildhall School of Music and Drama of London (UK)
1/2 LUGLIO / h. 21.45
Bolland, Raphael Eilenberg, Harry Harrington, Toheeb Jimoh, Shalifa Kaddu, Jonathan Lavelle, Declan Mason, Finlay Paul, Tegen Short. Professori James Mc Keogh, Ella Wheway, Stuart Calder, Eliot Shrimpton, Tom Morrison, Ben Wallace.
V E N I C E O P E N S TA G E
Con Poppy Allen-Quarmby, Charlotte Blandford, Joe
SPETTACOLI / PROGRAM
V E N I C E O P E N S TA G E SPETTACOLI / PROGRAM GALLERY
Guildhall School of Music and Drama of London (UK)
1/2 LUGLIO / h. 21.45
Bolland, Raphael Eilenberg, Harry Harrington, Toheeb Jimoh, Shalifa Kaddu, Jonathan Lavelle, Declan Mason, Finlay Paul, Tegen Short. Professori James Mc Keogh, Ella Wheway, Stuart Calder, Eliot Shrimpton, Tom Morrison, Ben Wallace.
V E N I C E O P E N S TA G E
Con Poppy Allen-Quarmby, Charlotte Blandford, Joe
SPETTACOLI / PROGRAM GALLERY
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V E N I C E O P E N S TA G E SPETTACOLI / PROGRAM GALLERY
V E N I C E O P E N S TA G E SPETTACOLI / PROGRAM GALLERY
V E N I C E O P E N S TA G E SPETTACOLI / PROGRAM GALLERY
V E N I C E O P E N S TA G E SPETTACOLI / PROGRAM GALLERY
V E N I C E O P E N S TA G E GALLERY
V E N I C E O P E N S TA G E GALLERY
GRAZIE
THANK YOU
MERCI
GRACIAS
GRASSIE LO STAFF DEL VENICE OPEN STAGE
UN GRAZIE A
Per la Capitaneria di Porto di Venezia Il comandante Stefano Meconi
Per Rai Veneto Il Direttore Giovanni De Luca
Per l’Università Iuav di Venezia Il Rettore Alberto Ferlenga Il Direttore del Corso di Laurea in Scienze e Tecniche del Teatro Massimiliano Ciammaichella Il Direttore del Corso di Laurea in Teatro e Arti Performative Annalisa Sacchi I Professori Csaba Antal, Monique Arnaud, Walter Le Moli, Oberdan Forlenza Il Servizio Salute e Sicurezza Gianni Nadalon, Maurizio Balsamo Lab. Alias Alberto Favretto Lab. Multimedia Roberto Grossa, Mario Ciaramitaro Comesta Cecilia Gualazzini Servizio supporto informatico Mirko Bobbo, Federico Bellati Area Infrastrutture – Servizio Logistico Mauro Fiorin, Maurizio Alberici
Per VeneziaèUnica Fabrizio D’Oria, Nicola Catullo, Giovanna Cicogna
Il Senato degli Studenti Iuav Per l’Accademia Nazionale Silvio D’Amico di Roma Il Direttore Daniela Bortignoni Michele Monetta
Per Zero4Uno Ingegneria s.r.l. Romeo Scarpa e tutto il suo studio
Chef Amedeo Sandri, Francesco Soletti, Ass. About, Ass. Officina Teatro Marinoni, European Cultural Centre, H2O Non Potabile, Bar Al Canton, Fioreria Acqua di Rose, Federico Toffano, Giuseppe Tomasella Lara Russo, Matteo Stocco e Matteo Primiterra che hanno messo la loro professionalità al servizio della nuova sezione “workshop” Ai videomaker del laboratorio Diario di Campo Francesca Gastoldi, Cecilia Giancaterino, Giacomo Gerboni, Marta Fassina, Giulia Olivieri Grazie a Luca Bragagnolo per il video teaser dell'edizione 2017 Un grazie sincero a tutto il vicinato che ci sopporta e supporta per tutti i giorni di allestimento e di festival Ed infine un grazie di cuore a coloro che hanno sostenuto il festival tramite il crowfounding.
RINGRAZIAMENTI
Per l’Esu di Venezia Il Direttore Daniele Lazzarini Antonio Trentin, Marco Borghi, Nicoletta Ongarato, Rossella Sottana
V E N I C E O P E N S TA G E
Per il Comune di Venezia L’Assessore al Turismo Paola Mar Il Consigliere delegato Luca Battistella Il Dirigente Settore Cultura Michele Casarin
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PROGETTO EDITORIALE / Martina Di Iulio e Beatrice Donà IMPAGINAZIONE GRAFICA / Beatrice Donà TESTI / David Angeli, Tea De Lotto, Martina Smadelli, Alessandra Barbarewicz TRADUZIONI / Martina Smadelli, Alessandra Barbarewicz FOTOGRAFIE / Ginevra Formentini, Giacomo Moceri, Nicola Fasolato, Giulia Olivieri, Elena Noventa
veniceopenstage@gmail.com