Aquí y Ahora VIII "REEXISTIR" & "DESPRENDERSE"

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www.casadevelazquez.org

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AQUÍ Y AHORA REEXISTIR

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BIO INTRO

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IÑAKI DOMINGO

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ANA FRECHILLA

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COLECTIVO FUERADCARTA

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ANNA GIMEIN

24

144

ESTELLE JULLIAN

33

148

JORGE LÓPEZ MUÑOZ

43

151

LETICIA MARTÍNEZ PÉREZ

48

153

ELVIRA PALAZUELOS

54

155

MIQUEL PONCE DÍAZ

66

156

JAVIER RODRÍGUEZ PÉREZ

79

157

MARÍA ROMERO PÉREZ

87

159

ALFONS SIMÓ

98

160

LEIRE URBELTZ

105

161

PAULA VALDEÓN LEMUS

116

162

KATARZYNA WIESIOLEK

133

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AQUÍ Y AHORA EVENTO DE EXHIBICIÓN Y PROMOCIÓN DE ARTE Y PENSAMIENTO ACTUAL Con esta convocatoria, son ya 104 creadores los que han participado en Aquí y Ahora en estas 8 Ediciones.

Vivimos tiempos convulsos y de cambios profundos en la mentalidad social y también en el arte.

Parecen haber caído ideas y valores que pensábamos eran eternos e inmutables.

Las estructuras están cambiando también en el arte. Es por eso que a través de la pluralidad de nuevos canales de comunicación surjan alternativas, nuevos modos distintos de producción de arte o más bien el pensamiento creativo. Modos diferentes también de ser comunicados en espacios divergentes creando nuevos discursos alternativos y abiertos que conviven con los modos habituales de difusión dentro del mercado y estructura del arte. Esto determina también la forma, el método y el significado del arte en nuestro tiempo. Redefine su ámbito de actuación e influencia en otros espacios que antes eran ajenos a este o que ni siquiera existían hasta hace poco, en contextos distintos, mixtos e interrelacionados con otros lenguajes y modos de comunicación.

Este evento trata de manera modesta y muy limitada, en la medida de lo posible, reflejar esos matices y cambios en el pensamiento creativo de los artistas, que viven esta realidad y este camino, que tanto determina su forma de trabajar y pensar “Aquí y Ahora”.

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AQUÍ Y AHORA 2019 REEXISTIR Debajo de la palabra Reexistir vive de manera latente, otra palabra que brota, renace y fluye cuando la pronuncias una y otra vez. Al repetirse sus sonidos se cabalgan en su cadencia como las olas del mar, expandiéndose una en otra, creciendo y sumándose ambas en su eco. Tal podrían representarse la primera como voluntad y la segunda, oculta, brotando con profunda "determinación".

Solo la inabarcable inmensidad del océano puede imaginar su insondable significado.

Reexistir es una palabra inexistente en nuestro diccionario y vocabulario de la lengua castellana. Un término que conceptualmente no es posible desde nuestra filosofía y teología judeoscristiana. Nos dice que no podemos volver a existir de nuevo; que no hay vuelta atrás ni segundas oportunidades.

Reexistir pone en tela de juicio el orden establecido.

Paradójicamente esta palabra encierra en ella esa opción de resistencia proponiendo un planteamiento urgente, divergente al orden racional y económico establecido.

Una alternativa premonitoria que, para nuestra propia supervivencia debe imponerse, con una nueva ética, de manera urgente al fin del capitalismo.

Una vez mil veces Lee rápidamente y muy seguido para escuchar la palabra residual latente: reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir...

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AQUÍ Y AHORA 2019 REEXISTIR The new edition, number 8, of the “Event of exhibition and promotion of art and current thinking” developed under the theme.

When pronounced a few times, Reexistir (re-exist) connotes in a latent way, a new word that blossoms, revives and flows.

As soon as its sounds is repeated, it rides in its cadence like the waves of the sea, expanding one in another, growing and adding both in its echo. It may be represented at first as will and then hidden, sprounting with deep “determination”.

Only the endless immensity of the ocean can imaginbe its unfathomable meaning.

The word Reexistir does not exist in our dictionary nor in the Spanish (Castellan) vocabulary. A term that is conceptually impossible from our JudeoChristian philosophy and theology. It denounces that one cannot re-exist; there is no way back or second chances.

Reexistir questions the established order.

Paradoxically, this word contains this resistance option, proposing an urgent approach, divergent to the established rational and economic order.

A premonitory alternative that, for our own survival must be imposed with a new ethic, urgently at the end of capitalism. Once and a thousand times.

Read them quicly and in a row and in order to hear the latent residual word: reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir, reexistir….

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IÑAKI DOMINGO (Madrid, 1978) es artista visual.

Desde una aproximación abstracta, su trabajo reflexiona sobre la materialidad de la imagen y los mecanismos de percepción visual, y centra la atención en la relación que existe entre la mirada y la representación de la realidad.

Es miembro del estudio Altura Projects, en el que desarrolla sus proyectos artístico. Además, colabora de manera independiente con instituciones públicas y privadas para las que desarrolla proyectos de docencia, comisariado y edición. www.inakidomingo.com

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Monopirรกmide especular vertical b/n 2018 Espejo transparente, espejo negro, adhesivo, metal 48 x 30 x 5 cm

Vista de la obra en Marbella Design, 2019.

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MONOPIRÁMIDE ESPECULAR VERTICAL B/N Las superficies de los espejos no pueden ser comprendidas por medio de la razón (…).

Las preguntas que formulan los espejos siempre quedan a medio responder.

Los espejos prosperan en espacios sordos y generan incapacidad.

Los reflejos caen en los espejos sin lógica alguna y, al hacerlo, invalidan toda afirmación racional.

Los límites inexpresables están del otro lado de los sucesos y nunca podrán ser alcanzados.

Smithson, Robert: Incidentes de viajes-espejos en Yucatán.

La obra “Monopirámide especular vertical b/n” forma parte de Mirrorworks, una serie de obras abierta y en desarrollo que comencé a idear y dar forma en 2015.

Es un cuerpo de trabajo formado por objetos escultóricos (esculturas murales, esculturas de suelo y esculturas en peana) de aspecto geométrico en los que empleo el espejo como material principal. Para la creación de estas piezas, uso como estrategia de trabajo la superposición de capas de espejo, lo que hace que los objetos finales proyecten una visión fragmentaria y tridimensional de la realidad, algo poco común cuando pensamos en la continuidad visual que generalmente nos ofrece este material.

Decidí incorporar a mi práctica artística el espejo como material de trabajo al reparar sobre el hecho de que, en un sentido, reacciona a las imágenes de manera antagónica a como lo hace el papel fotográfico: mientras que cuando proyectamos una imagen sobre un papel fotográfico éste la retiene y fija, podemos proyectar cualquier cantidad de imágenes sobre un espejo sin que ninguna de ellas quede fijada. Las obras de Mirrorwors son, por tanto, autorrepresentativas, absorben y, en un sentido, mutan en todo lo que tienen alrededor (depende de hacia dónde se orienten, nos muestras una u otra imagen). Además, tienen la particularidad de reflejar exclusivamente el presente más inmediato y, en consecuencia, son incapaces de contener memoria. Para ellas solo existe el ahora, un persistente e incesantemente renovado presente continuo.

Las obras que de la serie Mirrorworks son objetos escultóricos que en un sentido apelan a lo fotográfico pero que a la vez no son ni fotografías, ni esculturas, ni pinturas sino dispositivos de visión intermedios que distorsionan la aparencia de todas ellas arrastran problemáticas derivadas de lo pictórico, por tanto.

Este conjunto de obras constituye una de mis líneas de investigación acerca de la relación que existe entre la mirada y la representación de la realidad. Explora los límites y las contradicciones de la representación fotográfica y aborda problemáticas transversales que conectan diferentes disciplinas como la fisiología, las matemáticas o la semántica.

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Bipirรกmide especular vertical b/n Exposiciรณn Luz Materia, 2019.

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Espejo bicapa rayado b/n.

Feria Marbella Design, 2019.

MIRRORWORKS, 2015 Mirrorworks es una serie de obras abierta y en desarrollo que comencé a idear y dar forma en 2015. Es un cuerpo de trabajo formado por objetos escultóricos (esculturas murales, esculturas de suelo y esculturas en peana) de aspecto el geométrico en los que empleo espejo como material principal. Para la creación de estas piezas, uso como estrategia de trabajo la supersición de capas de espejo, lo que hace que los objetos finales proyecten una visión fragmentaria y tridimensional de la realidad, algo poco común cuando pensamos en la continuidad visual que generalmente nos ofrece este material. Decidí incorporar a mi práctica artística el espejo como material de trabajo al reparar sobre el hecho de que, en un sentido, reacciona a las imágenes de manera antagónica a como lo hace el pael fotográfico: mientras que cuando proyectamos una inagen sobre un papel fotográfico este la retiene y fija, podemos proyectar cualquier cantidad de imágenes sobre un espejo sin que ninguna de ellas quede fijada.

Las obras de Mirrorworks son, por tanto, autorrepresentativas, absorben y, en un sentido, mutan en todo lo que tienen alrededor(depende de hacia dónde se orienten, nos muestras una u otra imagen). Además tienen la particularidad de reflejar exclusivamente el presente más inmediato y, en consecuencia, son incapaces de contener memoria. Para ellas solo existe el ahora, un persistente e incesantemente renovado presente continuo.

Las obras de la serie Mirrorworks son objetos escultóricos que en un sentido apelan a lo fotográfico pero que a la vez arrastran problemáticas derivadas de lo pictórico, por tanto, no son ni fotografías, ni esculturas, ni pinturas sino dispositivos de visión intermedios que distorsionan la apariencia de todas ellas.

Este conjunto de obras constituye una de mis líneas de investigación acerca de la relación que existe entre la mirada y la representación de la realidad. Explora los límites y las contradicciones de la representación fotográfica y aborda problemáticas transversales que conectan diferentes disciplinas como la fisiología, las matemáticas o la semántica.

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Bipirรกmide especular vertical, 2018 Espejo transparente, adhesivo y metal 68 x 98 x 7,5 cm

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GRADIENTE, 2017 Gradiente es una exposición de fotografía sin fotografías, o quizá, más bien, una exposición sobre fotografía. Está planteada como un tributo a la teoría del color y a los mecanismos y materiales utilizados para crear imágenes, pero sin que estas estén presentes o, al menos, no de un modo evidente.

La teoría contemporánea del color se conforma a través de dos tipologías: el color tinta (CMYK), que adquiere materialidad gracias a los mecanismos de captura e impresión, y que permiten fijar imágenes de manera perdurable, y el color luz (RGB), que requiere de dispositivos de grabación y reproducción para obtener su fisicidad.

El proyecto expositivo está compuesto por tres piezas complementarias (una instalación, un monocanal interactivo y un libro de artista) que, en su conjunto, conforman una unidad que reflexiona sobre la materialidad de la imagen y su transformación de código binario a objeto tangible.

Gradiente tiene un carácter experiencial, entre tecnológico y poético, y las obras que lo conforman fijan la atención sobre el proceso de creación de las imágenes más que sobre su resultado.

Color Tinta I, 2017 Inyección de tinta sobre papel fotográfico, madera, cartón 700 x 4,40 x 90 cm Site-specific

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ANA FRECHILLA “Un grano de arena contiene millones de años. Cada piedra es un testimonio de la antigüedad de nuestro planeta, es un testigo de una escala geológica, de un no tiempo que no somos capaces de comprender, como tampoco conseguimos entender cómo al mirar una estrella solo vemos su pasado.

Sin embargo, nadie se fija en una piedra, salvo las consideradas mercancía. Una piedra no sirve para nada, no cubre ninguna necesidad de consumo.

Nuestro tiempo es rápido. Usar y tirar.

Para Empédocles, las raíces eran cuatro: agua, aire, fuego y tierra. Estas raíces, o elementos como los llamaría más tarde Aristóteles, están sometidas a dos fuerzas que pretenden explicar el movimiento en el mundo: el amor que une y el odio que separa. Según Empédocles, todos los seres vivos e inertes somos fruto de este equilibrio” www.anafrechilla.com

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Sin Título, 2019 Fotografía digital Mineral de yeso (cristal de Bruja), con brillo, procedente del periodo Terciario y Cuaternario.

55 x 40 cm Edición 5 + PA

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Y la amable tierra, en los crisoles de su amplio pecho, obtuvo dos octavas partes del fulgor de Nestis, y cuatro de Hefesto. Y nacieron los blancos huesos.

Fragmento 31B96 de Aecio I, 3, 20

Vivimos momentos rápidos donde lo efímero, el usar y tirar, está muy presente. Pese a que todos los avisos sobre cambio climático llaman a una urgencia inmediata, la inercia consumista hace que todas estas alarmas desaparezcan cuando ponen a nuestro alcance toda clase de artículos para que nuestra rítmica no se pare. Y esto hace que solamos olvidarnos de lo esencial, porque no pensamos, simplemente nos entretenemos.

Al leer esta convocatoria me vino a la mente la teoría de las cuatro raíces de Empédocles: agua, fuego, aire y tierra.

Estas raíces o elementos, como los llamaría Aristóteles, están sometidas a dos fuerzas, que pretenden explicar el movimiento en el mundo: el amor que une y el odio que separa. Todos los seres vivos e inertes somos fruto de este equilibrio.

Cada grano de arena, cada piedra es un testimonio de la antigüedad, de nuestro planeta, del no tiempo. Ese “no tiempo” quizá es lo que tenga importancia, algo que es muy difícil de ver desde los ojos de humano del siglo XXI, un tiempo en el que se busca la inmortalidad sin comprender que la tierra se muere.

Sin Título en exposición en Galería Blanca Soto Arte

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COLECTIVO FUERADCARTA FUERADCARTA es un proyecto artístico y editorial que lo componemos Patricia Mateo y José Luis López Moral.

FUERADCARTA se constituye como editorial independiente en Febrero del 2016, comenzamos realizando solo ediciones de nuestra producción.

En Mayo de 2017 damos el salto a la edición de terceros con la colección de “Arte actual” comenzando así una nueva experiencia con el número 0 dedicado a Óscar Seco.

Seguidamente decidimos constituirnos como colectivo de creación artística que llevará el mismo nombre. A partir de este momento FUERADCARTA ediciones apuesta por la representación de los artistas españoles.

El colectivo de creación sigue paralelo a las evoluciones de la editorial. Presentando nuestra primera exposición conjunta con la serie “El viaje” en la sala Maruja Mayo de la mano de Carlos Delgado Mayordomo. Dicha exposición ha viajado por distintos puntos de nuestra geografía como la Galería La calcografía en Salamanca o el centro de arte de Binissalem en Mallorca. Así mismo hemos desarrollado proyectos expositivos para el Museo de Arte contemporáneo de Genalguacil, con la exposición “En la línea de tiempo”. En poco tiempo nuestra editorial esta formando parte de centros de documentación como el de el CAC de Málaga y forma parte de las bibliotecas de coleccionistas de prestigio. Así mismo la obra del colectivo de creación ya forma parte de diversas colecciones de Alemania y España. Y sus obras están incluidas en el fondo de museos como el citado CAC de Genalguacil.

Fueradcarta es un proyecto de Arte Contemporáneo formado por Patricia Mateo y López Moral. Fueradcarta es una propuesta a cuatro manos. Creamos este colectivo para dar a conocer toda la parte que nuestra obra tiene en común.

Queremos hacer de esta experiencia un laboratorio de ideas entorno al Arte Contemporáneo. www.fueradcarta.es

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Patricia Mateo construye desde el óleo un estilo cuya principal fuente de inspiración es el arte mismo, la Historia del Arte no sólo vista, o revisitada, sino participada desde nuestra vida cotidiana, no exenta de humor - o de ironía -, algo tal vez imprescindible para soportar los rigores del estrés de nuestra cotidianidad. Tampoco falta un punto de crítica, posiblemente también necesaria para mantener en el mundo que vivimos cierta coherencia moral. Así nacen sus remakes de las grandes obras del Renacimiento, el Barroco, la Pintura Flamenca, el Clasicismo francés, o el Realismo estadounidense.

Las naturalezas de López Moral, invitan al paseo romántico, al silogismo filosófico, al placer melancólico de los paraísos perdidos. No engañan, aunque generen sueños; no sufren, aunque lloren en silencio el peso del olvido. La metáfora del paisaje tan evidente en él, adquiere una especialísima expresión en la metonimia, siendo capaz de desvelar la perfecta sencillez de lo pequeño: - una raíz, un ramaje - alcanzando en el resultado el magnificente protagonismo de todo un bosque de la pintura inglesa o americana del XIX. Reincidiendo en lo exponencial, son dos personalidades, cuatro manos, y tal vez más de ocho recursos tecnológicos e intelectuales distintos, en cuya amalgama hay cabida, incluso en estos tiempos que corren, para el atrevimiento, la investigación, y la innovación.

No obstante, la improvisación o el de cualquier manera, están muy lejos de este espacio íntimo y creativo en que López Moral y Mateo conciben su obra, tanto en la forma como en el fondo. Bajo todo ello destaca el poso de los dos artistas, que como el de un buen vino; se conforman los sucesivos sedimentos que les acompañan: el de la experiencia vital, el del amor al Arte, el del talento, y el conocimiento de su profesión.

Las obras de esta muestra sirven de pescante hacia el camino a esos otros mundos, que mejor que estar en este, habitan en nuestra mente, en nuestros sueños y en nuestra memoria. Equipajes necesarios que nos conducen a una realidad metaficticia, donde todo es lo que parece, y mucho más aún.

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El viaje serie, 2018 Impresiรณn digital รณleo 29 x 40 cm

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El viaje serie, 2018 Impresi贸n digital 贸leo 50 x 90 cm

El viaje serie 2018 Impresi贸n digital 贸leo 50 x 90 cm

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Apuntes de Luz #OO

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Apuntes de Luz Series #06 - #05 - #03

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ANNA GIMEIN Anna Gimein nació en San Petersburgo, creció en Nueva York y actualmente reside en Madrid. Llega a las artes visuales desde la danza; su trabajo como artista continúa empleando el cuerpo y el movimiento como elementos expresivos de lo que ocurre en nuestro interior.

Más recientemente, Gimein ha extendido el campo de su trabajo incluyendo la instalación y otros proyectos en los que su naturaleza conceptual tiene una resolución objetual. En repetidas ocasiones, se ha centrado en temas como el desplazamiento, la migración, el exilio, y otras formas de viajar. El lenguaje escrito y la palabra hablada son otros aspectos importantes en su trabajo, con un énfasis en la utilización de una voz íntima, aun en intervenciones públicas.

El trabajo de Gimein se ha mostrado en diferentes exposiciones y eventos artísticos que incluyen el Proyector Festival de Videoarte 2019 (Madrid, España), Schlachten International Contemporary Arts Festival Displaced 2015 (Luchenwalde, Alemania), FAAC 2015 (Cuenca, Ecuador), Transperformance I y II (Rio de Janeiro, Brasil), Límites del Paisaje (Sala Proceso, Ecuador), Intermediae, Matadero Madrid, Acción!Mad (Madrid, España), The Big Screen Project (New York, USA), BIDA XVII (Gijon, España), Artifariti (Sáhara Ocidental), Mujeres Indómitas (BAC Festival de Video, Fundación Miró y CCCB, Barcelona, España), Festival Internacional de Cine Pobre (Cuba) o el Festival Internacional de Cortometrajes Almería en Corto.

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IF THIS IS ART. AN ILLUMINATED INTERROGATION. “… nos ha quedado una facultad y debemos defenderla con todo nuestro vigor porque es la última: la facultad de negar nuestro consentimiento.”

Si esto es un hombre, Trilogía de Auschwitz, Primo Levi Para nosotros, al igual que para Malevich, la verdad tiene que estar antes que la sinceridad. Es decir, tenemos que comenzar a ver la acción, el acto artístico, desde varios lados, así es como llegaremos a alguna especie de verdad.

Interrogatorio de Pyotr Pavlensky If this is art. An Illuminated Interrogation es un libro iluminado que contiene el interrogatorio policial de un artista, Pyotr Pavlensky, realizado durante la investigación criminal iniciada en 2014 en San Petersburgo.

Las tres sesiones del interrogatorio fueron grabadas clandestinamente por el artista. Son una larga conversación sobre arte: el arte es el único tema del que Pavlensky está dispuesto a hablar.

Tanto antes como despés de Libertad, las acciones Pavlensky, con un fuerte contenido sociopolítico, tienen lugar en espacios públicos y específicos; todas resultan en la apertura de una causa criminal y acaban por ser muy mediáticas. El debate público, el del mundo artístico, u la investigación policial se centran en la pregunta de si lo que hace es arte u otra cosa, una provocación , un acto crimina, etc.

El título de este proyecto, If this is art, es una referencia al libro de Primo Levi If this is a man; las preocupaciones de Pavlensky son próximas a las de este autor. “Iluminar”, en el sentido de dar luz, es la intención del trabajo de Pavlensky: mostrar la represión del poder sobre el individuo y la mansedumbre de los individuos ante el poder. Lo hace tanto cometiendo actos que el poder no permite como sometiéndose a este tras la acción, aceptando las consecuencias de sus actos. De ahí que el título francés de su última acción, Eclairage [Iluminación], realizada en Paris en 2017, coincida en este sentido con la idea del proyecto If this is art, comenzado en 2015: iluminar uno de sus interrogatorios. En enero de 2019, tras cumplir 11 meses de prisión preventiva, Pavlensky fue juzgado y sentenciado por Eclairage.

En términos algo simplicistas en el proceso de If this is art. An Illuminated Interrogation, las palabras intercambiadas entre el enspector de policía y el artista se iluminan – a la manera de los libros iluminados de otras épocas y contenidos – a través de trabajo srtístico y artesanal, con pintura y oro. Lo que comezó como una cción artística pasó por procedimientos policiales y judiciales, tomando una forma material que claramente no es artística, la de un sumario judicial. En el proceso de iluminación, vuelve ahora a existir como un objecto de arte en el contexto artístico.

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Papel Moondream 140 g (Cordenons, Milán), oro 22 quilates, pintura acrílica, piel de cabritilla.

20 x 26 cm - 192 pp.

Dirección Proyecto, adaptación del texto, traducciones: Anna Gimein Diseño: Anna Gimein y Fernando Baena Imágenes y viñetas, pintura y dorado: Fernando Baena Encuadernación: La Eriza El proyecto recibió una Ayuda a la creación contemporánea 2017 del Ayuntamiento de

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El título del proyecto, Si esto es arte, también es una referencia al libro de Primo Levi Si esto es un hombre, que incluye este pasaje: “…somos esclavos, sin ningún derecho, expuestos a cualquier ataque, abocados a una muerte segura, pero que nos ha quedado una facultad y debemos defenderla con todo nuestro vigor porque es la última: la facultad de negar nuestro consentimiento.”

Es esta facultad la que ejercita y representa Pyotr Pavlensky. Cada una de sus acciones puede ser relacionada a las palabras de Primo Levi; todas son intentos de prevenir la demolición del hombre”.

El nuestro es un tiempo en el que las p oblaciones de muchos países, que en las últimas décadas del siglo XX habían creído vivir en sociedades libres encuentran que el trabajo de escritores, dramaturgos artistas visuales, o músicos es sometido a censura y represión . Un tiempo en el que, en muchos de los mismos lugares, la independencia de los medios es cuestionada.

En el que la libertad de expresión es invocada por grupos de todo el espectro político, y en el que reinan la desinformaciñon y la consiguiente confusión. Sin embargo, quisás el trabajo artístico aún puede representar una suerte peculiar de verdad.

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If this is art. An illuminated interrogation no es un intento de comentar el trabajo artĂ­stico de Pavlensky o su valor; la intenciĂłn es, por encima de todo, continuar reflexionando sobre arte en nuestra sociedad.

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EL TEXTO La grabación de las tres sesiones del interrogatorio fue transcritay una versión algo abreviada fue publicada en el medio ruso Meduza, donde la encontré en su momento. A la fecha, no existía ninguna traducción. Los protagonistas de estas sesiones son el artista, Pyotr Pavlensky, el inspector de policía encargado del caso, y el abogado del artista. En un cierto punto del proceso del interrogatorio, el artista pasa de serel sospechoso a serel acusado. Lo que no cambia es suvoluntad dehablar de arte, y sólo de arte.

En el interrogatorio se habla de artistas como Andrey Rublev, Gustave Courbet, Kasimir Malevich oAlexander Brener. Una y otra vez, a pesar de los fútiles intentos del inspector de establecer la identidad de los otros participantes en la acción objeto de investigación, la conversación vuelve a centrarse en elarte político, la importancia del contexto, la delimitación del campo simbólico y la naturaleza del acto artístico. En este proceso, las personalidades de los interlocutores emergen de lasréplicas; notamos frustración pero también ironía, humoreincluso una cierta complicidad.

El texto del libro estáen ruso. Aunque sepresenta en una fuente que adapta la escritura manuscritadel primer libro ruso conocido, el Evangeliario de Ostromir del siglo XI, es legible a aquellos que sepan ruso. Dado que, más de cuatro años después del interrogatorio, las únicas traducciones disponibles son la francesa (Le Cas Pavlenski. La politique comme art, Louison éditions, París 2016) y la alemana (Der bürokratische Krampf unddie neue Ökonomie politischer Kunst: Manifest. Verhör. Merve Verlag, Berlín, 2016), he traducido el texto al inglés y al español, con la máxima fidelidad posible al original y algunas notas para mejor comprensión del público no ruso, donde fue necesario.

El desarrollo futuro del proyecto incluye la creación de un trabajo seriado basado enel Interrogatorio Iluminado: puesto que el proyecto es un libro, sería una edición limitada con el texto traducido. No se contempla un facsímile sino un deseño diferente.

Actualmente serían posibles una edición en inglés y otra en castellano; se podrían contemplar otros idiomas, asícomo una publicación que presente el contexto del trabajo.

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EL DISEÑO Y LA ILUMINACIÓN DEL LIBRO El diseño del libro y sus imágenes fueron el resultado de un largo proceso de búsqueda de un puente entre dos tiempos: el de los manuscritos iluminados y las imágenes religiosas, como las de Andrey Rublev, y el del trabajo de Pyotr Pavlensky. Entre las múltiples posibilidades, lo importante era encontrar un punto de representación visual adecuado para un trabajo contemporáneo.

Las pinturas de las siete acciones de Pavlenskyhan sido realizadas con pintura acrílica y oro de 22 quilates en un estilo realista. Se basan en fotografías que Pavlensky considera representaciones adecuadas de sus acciones pero no las reproducen de manera exacta sino que las sintetizan, reordenan e incluyen elementos que han sido considerados significativos. Las viñetas decorativas han sido realizadas a partir de elementos presentes y utilizados en las acciones.

Así, la llama, la cerilla, el clavo, la aguja y el hilo, el alambre de espino, son algunos de los elementos representados. El diseño de las tapas del libro adapta la figura del pavimento de adoquines de las plazas de San Petersburgo y Moscú donde tuvieron lugar algunas de las acciones para su estampación en relieve.

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ESTELLE JULLIAN (1981, Avigñon, Francia) vive y trabaja en Valencia, España.

Su practica aborda diferentes campos como la arquitectura, el arte, la ecología y la participación.

Entiende la praxis como generador de ciudad. Le interesa los procesos de desarrollo de herramientas inclusivas que pueden concretarse en talleres, proyectos comunitarios y exposiciones, donde el espacio se entiende desde una perspectiva social y cultural. Su interés por las practicas espaciales y artísticas contemporáneas y por el medio ambiente le lleva también a investigar el espacio urbano y rural de manera mas experimental.

Considera cada proyecto como la oportunidad de abrir un campo de reflexión colectivo y ha colaborado con numerosos actores implicados en la construcción del entorno construido: arquitectos/as y urbanistas pero también sociólogos/as, artistas, artesanas, comisarios/as, educadoras y gestoras culturales.

De sus más recientes trabajos se pueden destacar Sedimentos (Cultura Resident), May Your Rice Never Burn (Atelier Luma), Arxiu Convent (Convent Carmen), Acciones Extra-Ordinarias (Imagina Madrid), 23,5/Máquinas simples (XXI Mostra art públic) y Relecture (Centre del Carme Cultura Contemporània).

www.estellejullian.com

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SEDIMENTOS, GEOLOGÍA FICTICIA Proyecto de investigación artística desarrollado entre julio y septiembre 2019 en el Embassy of Foreign Artists (Ginebra) en el marco del programa Cultura Resident promovido por el Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana.

Este trabajo se centra en la importancia del movimiento de los sedimentos en nuestro ecosistema global. En este sentido, el lago Leman, el Ródano y el Mediterráneo fueron los principales temas de estudio. En el marco de la residencia, Estelle Jullian ha emprendido un viaje que la llevó a subir el rio desde su desembocadura (en Camarga) hasta el Glaciar Ródano. A lo largo de este parcours tomó pequeñas muestras de sedimentos finos de diferentes tipos: arena, limo y arcilla con las que realizó pequeñas performances y objetos. De cierta manera, el método científico sirvió de inspiración para luego ser desviado e introducir elementos de ficción. Este trabajo propone una visión polisémica y poética del territorio generando una relación física con los materiales tratados. También hace hincapié a las nociones de ciclo y de causalidades en la construcción de nuestro entorno.

El proceso estuvo marcado por encuentros con diferentes tipos de actores, como los especialistas del Observatorio de Sedimentos del Ródano y del Instituto Forel, la ceramista Anja Seiler, el comisario Juan Luis Toboso pero también con los buceadores de la Brigada de Navegación de Ginebra y del Centro de Deportes Submarinos de Ginebra.

La publicación se presenta como un archivo de este entrañable viaje y del proceso de investigación.

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1 11.07.2019 Mar Mediterráneo, Arlès 43º20’42.7"N/4º47’37.5"E

7 22.08.2019 Lago Leman, "Bains des Paquis”, Ginebra 46º12’35.9"N / 6º09’25.4“E (-5m)

2 31.07.2019 Ródano después de la Unión, Ginebra 46º12’04.5"N/6º7’08.0"E

8 22.08.2019 Lago Leman, Ginebra 46º14’21.9"N / 6º10’07.1"E (-40m)

3 31.07.2019 Ródano antes de la Unión, Ginebra 46º11’40.7"N/6º08’16.1"E

9 14.08.2019 Lago Leman, Hermance 46º18’13.0"N / 6º14’22.6"E (-5m)

4 31.07.2019 Ródano antes de la Junción, Ginebra 46º12’12.1"N/6º07’36.5"E

10 14.08.2019 Lago Leman, Hermance 46º18’13.1"N / 6º14’21.1"E (-43m)

5 06.08.2019 Arve, Ginebra 46º10’39.4"N / 6º10’11.8"E

11 26.08.2019 Ródano, Oberwald 46º32’07.7"N / 8º21’02.0"E

6 09.08.2019 Arve, “Berges de Vessy”, Ginebra 46º12’10.8"N/6º07’33.2"E

12 27.08.2019 Glaciar del Ródano, Furka 46º34’46.5"N / 8º22’55.0"E

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Cocción cerámica Arcilla de soporte: Terre Baillet Jaune

I. Sedimentos de 1 a 12 II. Sedimentos de 1 a 12 50% sedimentos / 50% Feldspath K11 III. Mezclas a: 1+7+12, b:1+12, c:10+11, d: 8+3 e: 7+11, f: 2+3, g: 6+7, h: 7+12 i: 7+1, j: 10+3, k: 8+4, l: 5+8 *70, 120 y 600ªC son las emperaturas donde la tierra evacua su agua física, química y intercristalina.

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Movilizar sedimentos sobre 8 m, 8 km y finalmente sobre 800 km, el largo del Rรณdano

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JORGE LÓPEZ MUÑOZ Nacido en Valencia, es Técnico Superior en Artes Plásticas y Diseño en la especialidad de Fotografía Artística por la EASD(Escuela de Arte y Superior de Diseño de Valencia) y Máster en Fotografía de Autor y Proyectos Profesionales por la escuela LENS de Artes Visuales de Madrid. Ha obtenido el Premio Extraordinario de Artes Plásticas y Diseño 2015 de la Conselleria de Educación, Investigación, Cultura y Deporte.

El Clot es un bloque de apartamentos dentro del barrio histórico El Cabanyal de Valencia, que ha estado amenazado de demolición durante 20 años. Familias gitanas sin hogar han ocupado y restaurado las viviendas vacías de El Clot, donde viven en la pobreza y bajo la presión de la ley. Los gitanos son la minoría étnica mas importante de país, y al mismo tiempo la más rechazada por la sociedad. Se trata de familias humildes pero con gran arraigo al barrio, sobre las que se cierne la incertidumbre ante la próxima demolición del edificio. www.jorgelopezmunoz.com

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Public Art Exhibition (Valencia, EspaĂąa), 2015.

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Retrato de Juan.

2015 Serie EL CLOT, LIFES FROM THE HOLE. Tinta negra sobre papel.

Producida por www.jr-art.net (NY) 100 x 150 cm.

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LETIZIA MARTÍNEZ PÉREZ Trabaja el ridículo del intersticio entre cultura noble y vernácula. Oscilando entre referencias al kitsch y a la historia del arte, la artista crea un imaginario fantasioso y burlesco vinculado íntimamente con la realidad. Martínez Pérez se interesa por los encuentros y choques que se crean cuando tradición y modernidad se cruzan. Su trabajo se alimenta de folklore y de cultura popular, con la que tiene una relación desacomplejada. Jugando con los códigos y su ambigüedad, la artista nada entre ligereza y sátira, vulgaridad y elegancia.

Es importante destacar la dimensión lúdica y sensual de su trabajo. A través de la puesta en escena de sus objetos y sus personajes, la artista recrea un carnaval perturbador, tan voluptuoso como inocente. El arte se convierte en un escenario, una ocasión de cruzar formas híbridas resultantes de universos diversos, reales o imaginarios. Utilizando como medio principal la escultura, combina tantos materiales tradicionales con materiales sintéticos y objetos cotidianos. En su trabajo subyace la idea de “travestimiento” y transformación, de los géneros y los códigos; pero también del estatus de la obra de arte. La performance insufla vida y humor en sus piezas creando una fiesta acidulada que dialoga entre sus esculturas y sus personajes. De este proceso, resulta un arte tan ligero como irónico en el que la artista se divierte creando una complicidad con quien observa.

Zaragozana de nacimiento, Leticia Martínez Pérez vive y trabaja en París, aunque este año es miembro artista de la Casa de Velázquez de Madrid. Es licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza y también cursó estudios de sociología en la Universidad de Poitiers. En la Escuela de Artes de Zaragoza, estudió los ciclos de Cerámica Artística y de Artes plásticas y Diseño, recibiendo, al terminar éste último, el Premio extraordinario de Artes plásticas y Diseño en 2011.

En 2017, se titula con el Diploma Nacional Superior de Expresión Plástica por la ESAM de Caen-Cherbourg, en Normandía, Francia. https://srtamartinezperez.tumblr.com/

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Last Christmas I gave you my heart, 2018.

Performance

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Miyo 2017 Gres, tul y madera 165 x 50 x 18 cm

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Tuyo

Grès, tul y madera 80 x 50 x 18 cm

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SeĂąoras que 2017 Cristal, plĂĄstico, falsa piel y papel Dimensiones variables

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ELVIRA PALAZUELOS (Madrid, 1984) comenzó su educación artística recibiendo clases en la Academia Provincial de Dibujo de Burgos y en el taller de cerámica de la escultora Ana Núñez de la misma ciudad. Posteriormente estudió Bellas Artes en la Universidad del País Vasco.

Obtuvo una beca Erasmus para complementar su formación en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de París, donde accedió al grupo de clase de Anne Rochette y se interesó por el arte feminista. Pudo dar continuidad a esta estancia con una beca Leonardo, gracias a la cual trabajó como asistente de proyectos expositivos en la galería de fotografía contemporánea L’oeil ouvert y en el Museo del Louvre. Tras regresar a España realizó el Máster en Arte, Creación e Investigación de la Universidad Complutense de Madrid, y comenzó a trabajar como profesora de arte en educación secundaria. Ha realizado programas de residencia y estancias en instituciones como la School of Visual Arts de Nueva York y la Slade School of Fine Arts de Londres.

Durante el año 2016 se trasladó a Canadá, donde impartió clases y talleres acerca de educación artística y lenguaje, y realizó un proyecto personal de ilustración sobre el papel de la escuela en el colonialismo. En paralelo a su práctica artística, ha colaborado con ilustraciones para varios grupos musicales y proyectos editoriales.

Su trabajo incorpora referencias al imaginario popular y a la cultura visual. A través de técnicas y formatos variados y de disciplinas híbridas, conecta el uso del color con una geometría libre. La relevancia que otorga a los detalles, unido a un estudio subjetivo de la percepción y del espacio son algunos rasgos característicos de sus obras. Cada pieza encierra múltiples historias que a menudo encuentran su punto de partida en experiencias personales, relatos encontrados, o recuerdos alterados. Sus proyectos han sido expuestos en centros de arte contemporáneo como Centro Huarte, CAB de Burgos, MUSAC León, Centro Centro Cibeles o La Casa Encendida de Madrid, entre otros, y en ferias de arte como 948 Merkatua en Navarra o Hybrid en Madrid.

Desde 2010 vive y trabaja en Pamplona compaginando sus dos pasiones: la creación y la educación. www.elvirapalazuelos.com

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Freud’s Picture 2019 Collage digital Impresión fotográfica montada entre frontal de metacrilato y soporte de PVC. 70 x 100 cm

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BODY OF PLEASURE La mini-serie Body of Pleasure parte de una necesidad de analizar el poder de la imagen cinematográfica como constructora de identidades en la actual cultura visual y digital, desde una perspectiva feminista. Los collages que componen el conjunto relacionan imágenes de la historia del cine, la historia del arte y la cultura popular, en torno a ciertos arquetipos de mujeres en situaciones relacionadas con el desnudo, la sexualidad, el dolor o el placer. Combinando representaciones visuales del pasado, se proponen nuevas maneras de mirarlas a de cara al futuro. A modo de embrujo cinéfilo, estas obras distorsionan, entremezclan y confunden nuestra percepción, posibilitándonos (o quizás incluso forzándonos) a volver a interpretar estas visiones de modo renovado, subjetivo, y propio: a permitirlas reexistir.

Los collages presentados parten de escenas en las que el desnudo o el cuerpo femenino cobra un protagonismo especial. Observando las poses, situaciones y narrativas visuales que se han repetido a lo largo de la historia del cine, resulta evidente comprobar cómo la gran pantalla ha contribuido a cimentar determinados conceptos y cánones de deseo, belleza, dolor o disfrute. Body of Pleasure explora, yuxtapone y revisa las los papeles que la mirada masculina ha otorgando a la mujer en este contexto a través de la imagen cinematográfica.

Al revisitar estas escenas, que forman parte de una memoria colectiva, planteo una pregunta abierta hacia el modo en que la estética hegemónica ha condicionado nuestra percepción del mundo, ha determinado nuestro imaginario compartido, y ha contribuído a la construcción de nuestra cultura occidental patriarcal. Con una estrategia collagista y digital, en la que copio y pego material encontrado online, pretendo activar una forma de contravisualidad: una nueva manera de mirar hacia las escenas del pasado, proponiendo respuestas, posibilitando interpretaciones alternativas a las dominantes, reivindicando la creación de nuevos significados, y exigiendo reexistencias. A nivel plástico, estas obras sonun caleidoscopio subversivo desde el cual sugerir ambivalencias y subjetividades.

Una oportunidad de paralizar momentáneamente el flujo vertiginoso de instantáneas que desfilan ante nuestros ojos a diario. Un dispositivo para congelar imágenes digitales y cargarlas de un nuevo contenido emocional. A nivel procesual, el collage es es simultáneamente concepto y técnica: una metáfora perfecta de nuestro modo de concebir, aprehender y relacionar lo que vemos en el entorno, además de una herramienta de reflexión para superar y transgredir ciertas lecturas visuales dominantes a lo largo de la historia.

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The Lover’s Bed 2019 Collage digital montado en metacrilato.

70 x 100 cm

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Crying is Forbidden

Beautiful Body

2019 Collage digital montado en metacrilato 2cm 10 x 15 cm

2019 Collage digital montado en metacrilato 2cm 10 x 15 cm

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Beautiful Body

Love and Us

2019 Collage digital impreso sobre papel 30 x 45 cm

2019 Collage digital impreso sobre papel 30 x 45 cm

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Crying is Forbidden 2019 Collage digital impreso sobre papel 30 x 45 cm

Love and Red Nails 2019 Collage digital impreso sobre papel 30 x 45 cm

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Our Adonis 2019 Collage digital impreso sobre papel 30 x 45 cm

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Mi trabajo actual parte de un interés hacia el modo en que lo visual condiciona nuestra percepción del mundo, nuestros modos de actuar y nuestras relaciones con el entorno. Dentro del mundo desde el que miramos, y manteniendo una perspectiva feminista, me interesa especialmente explorar todo cuanto supone una alteridad. En este sentido, construyo imágenes, dibujos o espacios desde los que proponer posibilidades alternativas para observar o experimentar otredades.

Como medios, me sirvo de lenguajes híbridos, recurriendo y combinando una variedad de técnicas, soportes, herramientas, materiales y formatos. En mis obras se repiten ciertos rasgos vinculados al uso de una geometría libre, de la aplicación de capas, transparencias y superposiciones, y de la creación de superficies cargadas de colores saturados y de detalles minuciosos. Afronto todos mis procesos de manera lúdica y espontánea, jugando con cambios de escalas y metamorfosis de personajes, lugares y objetos. Busco la construcción de un universo plástico de transformación para sugerir sensaciones de variabilidad, desequilibrio y mutación.

Entre mis referencias se incluyen recuerdos personales y colectivos, relatos encontrados, y elementos cotidianos pertenecientes a la cultura popular. Se trata de un imaginario heterogéneo que descontextualizo, reorganizo y mezclo para crear una atmósfera alucinógena desde la que sea posible construir imaginarios no hegemónicos.

IMÁGENES DE OTRAS OBRAS: CTRL+C / CTRL+V Mi conjunto de trabajos más reciente es el proyecto Ctrl+C / Ctrl+V, producido gracias a las Ayudas de Artes Pláticas y Visuales del Gobierno de Navarra y Centro Huarte, en el que llevo trabajando más de un año.

El origen de esta serie de obras surgió a raíz de experimentar una sensación personal de extrañeza ante mi forma de disfrutar de ciertas producciones cinematográficas. Como feminista y amante del cine, encontraba contradicciones en mi mirada hacia las imágenes y narrativas que se desprenden de la historia del cine. Como mujer artista, me formulaba preguntas sobre mi capacidad de responder a estas visualidades.

Me sentí impulsada a explorar todas estas discordancias y dudas a través de una colección de contra-imágenes: collages construidos con fragmentos de fotogramas y de referencias a la cultura visual y digital. Estas series son mi propia herramienta de auto-conocimiento como espectadora, pero también una vía de diálogo abierta con cineastas que trabajan aspectos de gran responsabilidad social como el amor, la libertad, los roles de género, o el papel de la violencia en las relaciones humanas.

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The Girl Beyond the Mirror

You, Dirty Old Man

2019 Collage digital 70 x 100 cm

2019 Collage digital 70 x 100 cm

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Just a Bad Night. 2019. Collage digital. 30 x 45 cm

Female Voices. 2019. Collage digital. 30 x 45 cm

Just a Bad Night. 2019. Collage digital. 70 x 100 cm

Female Voices. 2019. Collage digital. 70 x 100 cm

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Who Doesn’t Like a Fight?. 2019. Collage digital. 70 x 100 cm

How many Guys?. 2019. Collage digital. 70 x 100 cm

No catfights, please. 2019. Collage digital. 70 x 100 cm

Lemonade, Rights and Privileges. 2019. Collage digital. 30 x 45 cm

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MIQUEL PONCE DÍAZ Mi trabajo se centra en el ámbito de la pintura, concretamente a partir de la abstracción y entendiendo la pintura como algo procesual. Mi obra parte de la idea de concebir la pintura como un residuo, como una marca, un signo, es por eso que en ella encontramos presente cuestiones como el error o el azar. Estas cuestiones se ven relacionadas con algunas de las referencias que más me interesan, el espacio urbano, así como distintos recursos relacionados con lo textual o lo gráfico, que me sirven de punto de partida para degenerar la imagen y trabajarla de un modo táctil y material.

Mis últimos trabajos pretenden abordar diferentes conceptos, como lo que significa la imagen en la sociedad contemporánea o el paso del tiempo, así como cuestiones subyacentes que se relacionan con el proceso artístico y la poética de la pintura. En mi trabajo, la imagen abstracta se presenta como residuo de su propio proceso de creación, resultado de una visión personal sobre el entorno y la pintura. Los distintos procesos utilizados en la ejecución de las obras convierten a la pintura en una imagen residual que quiere hablar tanto de nuestro tiempo como de sí misma.

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...and that is a pleasure 2019 Pintura acrĂ­lica sobre contrachapado 24 x 19 cm.

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S/T 2019 Pintura acrĂ­lica sobre contrachapado.

24 x 19 cm.(cada una).

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Entre los límites del espacio 2019 Pintura acrílica sobre tela 130 x 200 cm (díptico).

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Trama quebrada 2019 Pintura acrĂ­lica sobre tela.

61 x 50 cm cada pieza (61 x 160 cm las tres juntas).

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S/T 2019 Pintura acrĂ­lica sobre contrachapado 36,5 x 30 cm.

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S/T (Residuo mínimo II) 2019 Pintura acrílica sobre contrachapado 24 x 19 cm

S/T (Residuo mínimo IV) 2019 Pintura acrílica sobre contrachapado 24 x 19 cm.

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Exposiciรณn DESPRENDERSE en Casa de Velรกzquez, 2020

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Exposiciรณn DESPRENDERSE en Casa de Velรกzquez, 2020

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Exposiciรณn DESPRENDERSE en Casa de Velรกzquez, 2020

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Exposiciรณn DESPRENDERSE en Casa de Velรกzquez, 2020

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JAVIER RODRÍGUEZ PÉREZ Mi práctica artística utiliza elementos que pertenecen a diferentes esferas de la cultura y la sociedad que resuenan en mi como individuo para desviar sus funciones y transformar su sentido por medio de acciones que examinan estos materiales (físicos, emocionales, de comportamiento…) para ser utilizados en otros lenguajes como el sonoro, el escultórico, el audiovisual y el corporal. En última instancia creo a partir de procesos cuya actitud utiliza preocupaciones vitales como individuo para conseguir imágenes y que funcionan como artefactos para la reflexión.

Acción, Desvío, Sonido, Vida, Cuerpo.

Licenciado en Bellas Artes y Master en Investigación y Creación en Arte por la UPV/EHU. Le han concedido becas en la Fundación Bilbaoarte, el Centro Cultural Montehermoso/EHU y de producción en Artes Plásticas por la Diputación de Bizkaia.

Su obra ha sido seleccionada en Ertibil y expuesta en individuales y colectivas realizadas en la sala de arte Rekalde, MEM, Espai 777, la Fundación Bilbaoarte y los centros culturales Montehermoso y Valey.

Paralelamente y en relación a su práctica plástica ha participado, tanto en grupo junto a diferentes artistas, como en solitario, en varios proyectos. Desde la música experimental al DJ ha realizado actuaciones en Larraskitu, Bulegoa, Okela, Caostica y BBKlive entre otros.

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“Paradójicamente, mientras caes es probable que sientas que estás flotando, o incluso que no te estás moviendo en absoluto. El caer es relacional: si no hay nada hacia donde caer quizá ni seas consciente de estar cayendo. Si no hay piso, la gravedad podría ser de baja intensidad, lo que te provocará una sensación de ingravidez. Los objetos se mantendrán suspendidos si los sueltas. Sociedades enteras podrían estar cayendo también alrededor tuyo, de la misma manera que tú. Podrías sentir de hecho un éxtasis perfecto, como si la historia y el tiempo hubieran llegado a su fin y no pudieras siquiera recordar que alguna vez el tiempo hubiera avanzado.”

Hito Steyerl

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Vacío Este video forma parte de un proyecto multidisciplinar en relación a las cabinas de teléfonos públicas.

El video muestra la acción de retirar cristales de cabinas telefónicas. Una desmantelación prematura, que prefigura el vacío que surgirá de su inminente desaparición de nuestras calles.

Plantea el vacío como generación de poéticas dentro de un arte realizado en el espacio público, que pasa desapercibido como acto artístico, camuflado entre el devenir y abandono actual de las cabinas.

Inspirado en la poética terrorista de Hakim Bey que reclama actos artísticos en la calle, que el individuo no pueda reconocer como tales, pero que suponga una imagen que se aferre en su vida.

La acción, a su vez, provoca el aumento de interferencias sonoras para el usuario de la cabina, pues el cristal tiene la función de eliminar parcialmente el ruido de la calle que dificulta la conversación telefónica.

Cabe preguntarse si en la euforia del apogeo de la era del teléfono móvil estamos deshaciéndonos de un antiguo servicio público por consecuencia de “prácticas y discursos aparentemente vacíos y lleno de lugares comunes que sirvieron para normalizar los valores de la empresa capitalista y para hacer que cualquier alternativa a ellos - por ejemplo, los servicios públicos - parezcan pintorescos y anticuados.”

(Mark Fisher)

https://vimeo.com/377596350 (contraseña: abismo) Formato vertical 720 x 576 Duración 3’17’’ Se presenta en el suelo con una televisión apoyada en 3 bloques (dos en la base y una en el lado opuesto).

El video se reproduce en bucle.

Mp4 en USB.

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La Hauntología es una ciencia difusa, más metafórica que otra cosa, y sirve para señalar las contradicciones de la virtualidad producidas por el tránsito de lo analógico al mundo digital (incluyendo la virtualidad y abstracción).

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HOME SWEET HOME 2019

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BOX WITH THE IMAGES OF IT´S OWN MAKING 2019

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RIP, CRASH

RIP, CRASH, TORN OR BECOME TRASH

2019

2019

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ON KAWARA AÚN VIVE 2017

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MARÍA ROMERO PÉREZ Nací en 1983 en Badajoz. Llegué a destiempo a mi familia y ocupé mi lugar de hermana pequeña y única niña.

Influenciada por mis hermanos, aprendí a leer muy pronto y desarrollé una gran pasión por las artes. Estudié siete años de piano en el Conservatorio y la semilla del miedo al error se instaló en mí. A los dieciocho años tuve la certeza de que el arte sería mi piedra angular, así que a pesar de los deseos de mi familia, me mudé a Sevilla, donde estudié Bellas artes. Recibí clases de Amalia Ortega y Dionisio González, que me mostraron perspectivas desconocidas y realmente emocionantes.

En 2006 me trasladé a Madrid para estudiar un máster de arte contemporáneo en la Complutense. Recibí talleres de Fernando Castro entre otros. Me advirtieron de que tuviera cuidado, pues Madrid es una ciudad que te absorbe como un agujero negro. A mis veintitrés no presté mucha atención a ese consejo y me entregué en cuerpo y alma a la ciudad.

En 2010 decidí estudiar fotografía en EFTI y en 2011 terminé el Máster en el itinerario de concepto y creación. Recibí clases de Ciuco Gutiérrez, Eugenio Ampudia, Beatriz Martínez, Chema Madoz y muchos otros buenos maestros.

Durante mis primeros años en esta ciudad combiné distintos trabajos en el sector de servicios con algunas exposiciones colectivas.

Una gran crisis personal sobrevino a mi vida en 2013 y yo, que había vivido tan intensamente los días y las noches rompí con todo y volví a empezar de cero.

En 2014 empecé a dedicarme profesionalmente al retoque fotográfico (mi ocupación actual) al mismo tiempo que inicié una formación de Arteterapia gestalt que ha durado cuatro años.

2018 fue un año de reconciliaciones y descubrimientos.

Descubrí finalmente que Madrid es mi casa, que tenía que superar mi bloqueo creativo y volver a trabajar en mis proyectos. Recuperar mis sueños y certezas.

En el último año he producido a un ritmo constante, he empezado a afinar mi lenguaje y he reunido una colección considerable de piezas. Ahora sólo necesito poder mostrarlas. En ello estoy. www.mariaromeroperez.com

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Días ganados / Días que se escapan Quiero escribir un informe sobre mis anomalías, aunque no sé todavía de qué tipo ni tampoco qué haré con estas páginas. Todavía no he llegado a ninguna conclusión, a ninguna conexión, mis acciones son vagos destellos en la uniformidad banal de la más banal de las vidas, pequeñas grietas, pequeñas inadvertencias."

Mircea Cartarescu, Solenoide.

Cuento. Las páginas escritas son mis pequeñas victorias cotidianas. Las hojas que no escribo, no se escribirán jamás. Son mis derrotas. Yo no cejo en el intento. Cada nuevo número es una oportunidad. Una batalla que ganar o perder. Vivo sumergida en una rutina salpicada de números y palabras. Cada vez hay menos Días que se escapan.

En mi niñez y adolescencia escuché decir casi a diario lo perezosa que era. Los profesores del conservatorio, aparte de gritar, le contaban a mi madre que era una lástima que fuera poco trabajadora, pues tenía muy buenas cualidades y facilidad para aprender. En el colegio, lo mismo: si esta niña no estudiara sólo en el último momento, sería una alumna brillante. Dejar la carrera de piano justo a la mitad, (aunque fuera por una lesión en la muñeca), sirvió para terminar de ganarme la fama de vaga, voluble y caprichosa. Por una parte sería injusto negar que hasta cumplir los 18, me resultaba complicado esforzarme en las cosas. Por la otra, tampoco puedo obviar que la María niña asumió todos aquellos introyectos sin dudarlo.

Estos juicios han sido mi piedra de Sísifo hasta hace un año. Hasta que me rendí ante las evidencias y me di cuenta de que no eran reales. Comprendí que lo que llamaba pereza era miedo. Miedo a dejar las cosas a medias, a no tener energías suficientes, a ser mediocre. Estaba paralizada y decidí que la única manera de librarme de esa pesada piedra era combatirla siendo tenaz y constante. Así me atreví a retomar la creación.

Después de mis primeras piezas en esta nueva etapa, otro nuevo terror llegó a mi vida, temo que se me agoten las ideas. Me da pánico dejar de producir otra vez. Por eso, desde hace 662 días me propuse escribir tres páginas por jornada.

Esta auto imposición es mi manera de batallar contra mis viejas creencias y contra ese miedo al vacío tan instalado en mí. Los primeros meses dejaba pasar muchas hojas de largo, pero ahora sólo pierdo una o dos por cuaderno rellenado. En estos momentos el cómputo es el siguiente: 556 días ganados y 106 días que se escaparon.

En mi pieza Días ganados/días que se escapan, muestro mis libretas y realizo un recuento exhaustivo de las jornadas en las que he escrito y las que no.

También anoto la fecha de comienzo del cuaderno y la fecha de finalización. Son mis cómputos para la resistencia y reexistencia, mi manera de sobrevivir.

María Romero Pérez

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Días ganados / Días que se escapan Ocho libretas DIN A5

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Una casa propia: -grafías para la supervivencia Mis fotos son el mapa emocional en el que exploro mis fronteras.

Genero construcciones portátiles de papel que son el territorio en el que libro mis batallas, los paisajes en los que trato de anexar victorias.

Mas mi verdadera vocación no es de Niké. Mi verdadera vocación es buscar. Buscar en los recuerdos, en las obsesiones, en los miedos y esperanzas. Buscar en mis luces y mis sombras sin otra meta más que la de encontrar para seguir buscando.

De este modo, en mi pieza "Una casa propia" cada habitación representa una búsqueda distinta. Reivindico mi necesidad de apropiarme de la casa como espacio mental en el que existen diversas estancias.

En el dormitorio trato de hallar el anhelado punto medio, el equilibrio y la tranquilidad.

En el trastero trato de encontrar seguridad a través del orden, el control y la exigencia.

El baño es para la limpieza, donde voy para tratar de eliminar el sentimiento de culpa, donde pongo el marcador a cero para seguir la búsqueda.

En el salón, el lugar donde permanezco más tiempo, busco la ruptura con los viejos introyectos, con las creencias y los juicios que tengo de mí misma desde que tengo uso de razón.

Y es en la cocina donde espero hallar la inspiración, acudo allí para nutrirme.

Usando como hilo conductor esta obra, y valiéndome de mi voluntad taxónoma, presento otras de mis fotos divididas en cinco grupos asociadas a los diferentes compartimentos según su temática.

En estos momentos el proyecto cuenta con quince obras a parte de la pieza llave, pero sin duda alguna irá ampliándose con el tiempo. Manteniendo la naturaleza portátil de mi trabajo, el formato de las imágenes es de cuarenta centímetros por su lado mayor.

El soporte que empleo para producir las copias es Hanemulher, por su semejanza a la celulosa de mis cuadernos.

Formalmente, mi caligrafía, el papel y los pequeños objetos transformados son el denominador común de mis fotografías. Lasgrafías que me permiten sobrevivi.

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Una casa propia

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Salรณn: Memorias en blanco o negro

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Salรณn: En el blanco

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Trastero: Pender de la espiral

Trastero: La importancia de los asuntos mĂ­nimos

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Dormitorio: Ruido de fondo

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BaĂąo: Sin desenlace

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BaĂąo: Trece minutos

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ALFONS SIMÓ LOVE IS IN THE AIR (¿Para qué Todas las “Love Songs”?)

El amor está en el aire, su fresca brisa acaricia mi rostro donde quiera que voy. Tarareo una canción, camino e inhalo manteniendo por unos instantes la respiración. Siento un ardor en mi pecho, como un torbellino interior que amenaza con asolarlo todo. No sé si me siento seguro.

Vendavales de noticias aumentan mi incertidumbre, no sé ya en que creer. Un húmedo desaliento me inunda por completo, estremeciendo mis principios. No sé si me siento seguro.

Golpeo el suelo, escarbando en el pavimento, despego desesperado algún adoquín buscando cobijo, tratando de encontrar la plácida playa bajo mis pies. La melodía resuena con más fuerza en mi cabeza mientras mi cuerpo sigue empapado. No sé si me siento seguro.

Me pican los ojos. No puedo ver. Mi presente y futuro diferidos en una humareda gris, a la espera de nefastas sombras por venir. ¿Qué más hace falta? Arrojo mi esperanza al cielo aguardando contestación ¿Es esto amor? No sé si estoy siendo iluso, no sé si seré capaz, pero en algoW debo creer.

Alfons Simó www.alfons-simo.wixsite.com

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Esta propuesta consta de dos elementos básicos, una pieza escultórica y un video.

La escultura se coloca sobre una peana blanca de 25/30 x 25/30 x 100 cm.

El video se reproduce en tv plana de unas 19’’ pulgadas en modo bucle, para evitar la contaminación sonora con el resto de la muestra se acompaña de unos auriculares para su escucha.

La pieza escultórica reproduce la palabra “LOVE” de la escultura de Robert Indiana en un adoquín. Un guiño al popart y a la idea del sueño americano y las protestas en contra de la guerra de Vietnam, que coinciden también con la cultura “hippie” y con Mayo del 68.

El video sobre la base de la canción de John Paul Yong y que da título a la obra se apropia de imágenes de redes sociales de las protestas que han venido evolucionando en estos últimos años y que parte de la cultura del videoclip nacida a partir del lanzamiento del canal MTV.

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Love Is In The Air 2019 Instalaciรณn Medidas variables

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Love Is In The Air 2019 Adoquín 18 x 12 x 6 cm

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Love Is In The Air 2019 4’ 24’’ Video - Frames

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Can’t Take My Eyes Off You 2019 Surveillance dummy cams, gold chrome paint 310 x 207 x 30 cm

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Stayin’ Alive 2016 Photograph, rubble, fridge, glassware, tablecloth, fruit and wine Variable measures

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LEIRE URBELTZ Máster en Investigación y Creación en Arte y licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco.

Postgrado en Ilustración creativa y técnicas de la Comunicación Visual por la escuela Eina de Bcn. Beca Leonardo de la Fundación BBVA en 2017, beneficiaria de las Ayudas a la creación del Gobierno de Navarra en 2016 y primer premio en los Encuentro de Jóvenes Artistas de Navarra en 2015.

Ha realizado exposiciones individuales como Las Partes de la Malinche en la fachada del Azkuna Zentroa de Bilbao, Borderland dentro de Mugak/Fronteras comisariado por Maite Garbayo en el Centro de Cultura Contemporánea Tabakalera de San Sebastián o Sixties Women Magical Mystery Tour en The Urban Station Offices en El Paso, Texas (Estados Unidos).

Ha participado en exposiciones colectivas en ciudades como Seúl, San Sebastián, París, Pekín, Bilbao, Madrid, Vitoria o Pamplona entre otras. Ha sido artista residente en el Seoul Museum of Art (Corea del Sur), el Centro Cultural El Paso del Norte en Ciudad Juárez (México), el Marga Art Studio en Pekín (China) y en la Fundación Bilbaoarte.

Como ilustradora, ha publicado varios libros de literatura infantil y juvenil.

Compagina su actividad como artista siendo miembro del Departamento de Educación en Arte Contemporáneo del Centro Huarte y eventualmente como profesora en la Universidad Pública de Navarra. www.leireurbeltz.com

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Borderland Un proyecto de dibujo instalativo que se apropia del papel picado colorido y mexicano, a la vez que hace referencia al conflicto fronterizo entre Estado Unidos y México. El uso de papel picado como un avío de las festividades religiosas se remonta al México prehispánico. El papel picado transmite siempre un mensaje alegre: ¡Viva Mexico! ¡Y viva la Fiesta! Expertos artesanos utilizan punzones, cinceles y cuchillas especiales para hacer diseños intrincados. El diseño puede incluir figuras como flores, follaje, pájaros, ángeles, cruces, esqueletos y figuras históricas, así como palabras o frases. Los bordes pueden ser rectos, ondas, zig-zag o con flecos. Cada diseño es una obra única y compleja de arte que requiere una gran habilidad. Para Gloria Anzaldúa los bordes generan un Entre llamado BORDERLAND que es “un vago e indeterminado lugar creado a partir de residuos emocionales a consecuencia de un límite no natural." Es un paisaje subjetivo formado por una castigada tierra del Norte de la actual república Mexicana y a su vez, la tierra de los Chicanos, para algunos el lugar legendario llamado Aztlán, que comprende los estados al Sudoeste de los Estados Unidos y que un día fueron México. La frontera entre Estados Unidos y México genera una separación entre el "nosotros" a salvo y el "ellos" como peligro. Lo cual genera todo un sistema cultural fronterizo de Pachucs y Chol@s, así como una situación de miedo e inestabilidad para, en palabras de Anzaldúa, sus inhabitantes o "atravesados". Mi experiencia de septiembre a septiembre de 2016 a 2017, fue un cruce repetido hacia un lado y al otro de un territorio dividido por una línea que genera un constante estado de transición. Viajé sin visado, lo cual me obligó a cruzar la frontera cada 90 días desde Estados Unidos y cada 180 desde México. La primera vez que crucé la frontera, fue hacia Ciudad Juárez en el estado de Chihuahua desde El Paso en el estado de Texas. Allí escuché de primera mano los testimonios de la violencia. Allí conocí personas valientes y fuertes que me impresionaron mucho. Allí al principio sentí miedo, después lástima y más tarde rabia. Rabia cuando conocí las maniobras de los cárteles en la ciudad y del alto número de feminicidios… pero sobre todo rabia, cuando descubrí la implicación de Estados Unidos en la situación de crisis, ya fuese comprando droga, vendiendo armas o a través de debilitar las sociedades de las ciudades fronterizas requiriendo la mano de obra barata Mexicana. La maquiladora - cuyo capital era extranjero, mayormente Estadounidense -, implantaba empresas en todas las ciudades fronterizas, Reynosa, Matamoros, Ciudad Juárez, Tijuana, Mexicali y Heroica Nogales, gracias al tratado de libre comercio de 1994. En marzo del 2006 el personal ocupado por las maquilas mexicanas era de 1.300.000 personas. Los y las mexicanas estaban accediendo a empleos muy necesitados en los que trabajaban muchas horas por pocos pesos. Esto atraía una masiva inmigraciôn, no sólo de las regiones más desfavorecidas de México, sino también de los países de centroamérica sumergidos en la miseria y la violencia. El problema de recepción de estas ciudades de la frontera norte, surgía al no estar dotadas de infraestructura educativa, social, ni sanitaria para asumir este aumento de la población.

Esto dejaba a miles de personas sin recursos en las calles, luchando de cualquier modo por una vida mejor.

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Instalaciรณn Borderland en el CCC Tabakalera de Donostia-San Sebastiรกn, 2017

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Es de este estado de vulnerabilidad de lo que el Cártel - entrenado por el ejército estadounidense - se aprovechaba. Por ejemplo captando a los jóvenes desatendidos en su infancia y a las mujeres sin recursos para el trabajo de sicariato. Los y las que no se dejaban impresionar por ese modelo de vida de acción y dinero, seguían su camino hacia el norte. Eran miles las personas que cruzaban por el desierto sin identificación jugándose la vida de igual manera. Los que llegaban a su ‘tierra anhelada’, después tenían que lidiar con el miedo de ser deportados. Y esque en una de sus primeras declaraciones en noviembre de 2016, Donald Trump afirmaba su intención de deportar de los Estados Unidos a 3 millones de mexicanos.

Fue en esta situación inestable cuando se me hicieron presentes las identidades rebeldes mexicanas. Los dibujos de un viaje, pretendieron tomar como protagonistas a esos personajes de contexto voluble, en estado de transición a consecuencia de la frontera. Personajes como las mujeres sicarias del Cártel de Las Flacas o Las Gladys, las Pachucas como imagen de "chicas malas" al otro lado de la frontera, El Coyote que atravesaba personas sin documentación esquivando la aduana, Las Patronas que cada día daban alimento a los indocumentados a bordo del tren conocido como La Bestia, los niños del Cártel que fueron captados por el Narco desde las bandas de Cholos, los empresarios y trabajadores de las maquiladoras, los “Wetback" (espaldas mojadas o atravesados) y un largo etc.

En las siguientes páginas, están registradas algunas de las piezas que conformaron la instalación Borderland dispuesta en el hall del CCC Tabakalera de San Sebastián en octubre de 2017 en el contexto de Mugak/Fronterak, el ciclo de intervenciones comisariado por Maite Garbayo.

Dicha intervención se realizó antes de la notificación de que este trabajo contaba con una Beca Leonardo para Investigadores y Creadores Culturales 2017, de la Fundación BBVA. Estas mismas piezas que no han sido expuestas posteriormente, se proponen para su exhibición en el evento Aquí y Ahora “Reexistir”. Las imágenes que siguen, suponen por lo tanto una adaptación de los acontecimientos actuales en una de las fronteras más grandes del mundo, a la forma prehispánica decorativa del papel picado. En una apropiación de un medio tan popular, la intención es acercar este conflicto fronterizo a un público general. Normalmente, nuestra perspectiva sobre México la tomamos desde la mirada del turista. México nos atrae por su colorido y exotismo, pero obviamos la situación real bajo la superficie, así como obviamos nuestra responsabilidad como sociedad. Así las cosas, si hay un don que podemos atribuir a la sociedad Mexicana, es sin duda el don de la reexistencia. Si bien reexistencia "es una palabra inexistente en nuestro diccionario y vocabulario de la lengua castellana" nuestro deber hoy es dotarla de un significado que por encima de doctrinas teológicas y filosóficas apele a lo humano y vuelque una mirada compasiva sobre los efectos colaterales que a lo largo de los años ha provocado la colonización.

La instalación para Aquí y Ahora “Reexistir” es una propuesta variable y adaptable a las características del espacio. Las piezas se pueden articular sobre una estructura o bien suspender con cuerdas adaptadas al espacio específico. También existe la posibilidad de disponer las piezas sobre una pared. En este caso los dibujos irán sujetos con alfileres y sin marco, en un frágil equilibrio entre resistencia y vulnerabilidad.

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La Flaca

Puting Coyolxauhqui together

2017 rotulador sobre papel picado 55 x 55 cm

2017 rotulador sobre papel picado 55 x 55 cm

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La Flaca y Coyolxauhqui desmembrada Las piezas que se presentan en el evento expositivo Aquí y Ahora. Reexistir de la Galería Blanca Soto Arte forman parte de la serie de papeles recortados que completan el trabajo Borderland.

Este es un proyecto de dibujo instalativo que se apropia del papel picado colorido y mexicano, a la vez que hace referencia al conflicto fronterizo entre Estados Unidos y México. Nace de un periodo de un año transitando la frontera en el que visíto en su casa de Ciudad de México a la teórica feminista y comisaria de arte Maite Garbayo.

Gracias a sus invitaciones para participar en dos eventos expositivos en Pamplona y San Sebastián, Garbayo, me descubre la obra de Gloria Anzaldúa y me inspira para proponer este trabajo que posteriormente recibe el reconocimiento de una Beca Leonardo para la Investigación y la Creación Cultural de la Fundación BBVA. El uso de papel picado se instala dentro de mi imaginario plástico durante el viaje ya que es popularmente utilizado como avío de las festividades religiosas se remontan al México prehispánico. El papel picado transmite siempre un mensaje alegre: ¡Viva Mexico! ¡Y viva la Fiesta! Los expertos artesanos utilizan punzones, cinceles y cuchillas especiales para hacer diseños intrincados. El diseño puede incluir figuras como flores, follaje, pájaros, ángeles, cruces, esqueletos y figuras históricas, así como palabras o frases. Los bordes pueden ser rectos, ondas, zig-zag o con flecos.

Cada diseño es una obra única y compleja de arte que requiere una gran habilidad.

Para Gloria Anzaldúa los bordes generan un Entre llamado BORDERLAND que es “un vago e indeterminado lugar creado a partir de residuos emocionales a consecuencia de un límite no natural.”

Es un paisaje subjetivo formado por una castigada tierra del Norte de la actual república Mexicana y a su vez, la tierra de les Chicanes.

Para algunes el lugar legendario llamado Aztlán, que comprende los estados al Sudoeste de los Estados Unidos y que un día fueron México.

El Aztlán como sitio mítico es el lugar de origen de los aztecas cuya deidad lunar es Coyolxauhqui representada en la primera de las piezas seleccionadas por el comisario Imanol Marrodán.

Cuando la madre de Coyolxauhqui queda embarazada de un ente desconocido, Coyolxauhqui planea matarla junto a sus hermanos para vengar la deshonra familiar. Sorprendida por el recién nacido Huitzilopochtli como deidad de la guerra, Coyolxauhqui es desmembrada yendo su cabeza a parar a la esfera celeste donde su luz representa a la luna y su madre cada noche puede verla. Para Anzaldúa Coyolxauhqui es en los años sesenta un símbolo no sólo de la expropiación del poder femenino, sino una evidencia de la fragmentación como violencia de la separación. Fragmentación que necesariamente ha de reconstruirse en una manera diferente, para la sanación y lograr la integración de quienes viven rotos interiormente en un territorio fronterizo dividido por el idioma, los prejuicios, el miedo, el abandono, el abuso, la ignorancia, el racismo y la diferencia de las clases sociales.

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Guadalupe de La Libertad, 2017, rotulador sobre papel picado, 70 x 55 cm, Austin (Texas)

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La frontera entre Estados Unidos y México genera esa separación entre el “nosotres” a salvo y el “elles” como peligro. Lo cual genera todo un sistema cultural fronterizo de Pachuc@s y Chol@s, así como una situación de inestabilidad para, en palabras de Anzaldúa, sus inhabitantes o “atravesados”. Mi experiencia de septiembre a septiembre de 2016 a 2017, es un cruce repetido hacia un lado y al otro de un territorio separado por una línea que genera un constante estado de transición. Viajo sin visado, lo cual me obliga a cruzar la frontera cada 90 días desde Estados Unidos y cada 180 desde México. La primera vez que cruzo la frontera, es hacia Ciudad Juárez en el estado de Chihuahua desde El Paso en el estado de Texas. Allí escucho de primera mano los testimonios de la violencia. Allí conozco personas valientes y fuertes que me impresionan. Allí al principio siento miedo, después lástima y más tarde rabia. Rabia cuando conozco las maniobras de los cárteles en la ciudad y del alto número de feminicidios… pero sobre todo rabia, cuando descubro la implicación de Estados Unidos en la situación de crisis, ya fuese comprando droga, vendiendo armas o a través de debilitar las sociedades de las ciudades fronterizas requiriendo la mano de obra barata Mexicana. La maquiladora - cuyo capital es extranjero, mayormente Estadounidense -, implanta empresas en todas las ciudades fronterizas, Reynosa, Matamoros, Ciudad Juárez, Tijuana, Mexicali y Heroica Nogales, gracias al tratado de libre comercio de 1994. En marzo del 2006 el personal ocupado por las maquilas mexicanas es de 1.300.000 personas. Los y las mexicanas acceden a empleos muy necesitados en los que trabajan muchas horas por pocos pesos. Esto atrae una masiva inmigración, no sólo de las regiones más desfavorecidas de México, sino también de los países de centroamérica sumergidos en la miseria y la violencia. El problema de recepción de estas ciudades de la frontera norte, surge al no estar dotadas de infraestructura educativa, social, ni sanitaria para asumir este aumento de la población. Esto deja a miles de personas sin recursos en las calles, luchando de cualquier modo por una vida mejor. Es de este estado de vulnerabilidad de lo que el Cártel -entrenado por el ejército estadounidense- se aprovecha. Por ejemplo captando a los jóvenes desatendidos en su infancia y a las mujeres sin recursos para el trabajo de sicariato.

Así es el caso de “La Flaca” retratada a modo de una Coyolxauhqui contemporánea en la segunda pieza seleccionada por Marrodán. La niña seducida por una vida de acción y miembra del Cártel del Golfo, termina descuartizada en manos de los sicarios conocidos como “Los Metros”.

Los y las que no se dejan impresionar por este modelo de vida de acción y dinero, o más bien siguen su camino hacia el norte para escapar de esta situación no tienen tampoco una salida fácil. Son miles las personas que cruzan por el desierto sin identificación jugándose la vida de otra manera. Al alcanzar el sueño americano, deben lidiar con el miedo de ser deportados. Y esque en una de sus primeras declaraciones en noviembre de 2016, Donald Trump afirma su intención de deportar de los Estados Unidos a 3 millones de mexicanos.

Quizás el extrañamiento es que estos dibujos recortados, beben de una infancia naif totalmente mediatizada por la influencia de las películas de Walt Disney. La ingenuidad y vulnerabilidad de sus formas, esconde una dificultad para comprender las consecuencias catastróficas del colonialismo y de cómo a día de hoy, tanto Europa como EEUU espectacularizan la problemática con la producción de las narcoseries, mientras España sigue siendo uno de los principales países consumidores de cocaína del mundo

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Instalaciรณn Shifting Surfaces en la Sema Nanji Residency, Seoul Museum of Art, Corea del Sur, 2018

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Intervención mural Castigo de género en la exposición Multiprisma en el Museo del Carlismo (Estella-Navarra), 2019

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Intervenciรณn Las partes de La Malinche en la Fatxada de Azkuna Zentroa (Bilbao), 2019

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PAULA VALDEÓN LEMUS Mi trabajo explora temas relacionados con la vida ordinaria y el habitar: todo lo que tiene que ver con los cuerpos arquitectónicos y los objetos que construyen relaciones, vivencias y comportamientos. Todos mis proyectos vienen condicionados por la inestabilidad y la incapacidad de acceder o mantener el espacio consolidado - no precario - en el que adquirir las condiciones para la construcción de diferentes provacidades; la memoria atravesada en los espacios, sus restos, antes habitados, son la materia que compone mi gramática.

Comencé la práctica como algo equivalente a un ejercicio de añoranza y búsqueda vana de un lugar en el que echar raíces, lo que me dio pie a la actual inquietud por la materialidad de tales lugares. Me decanto por analizar estos espacios y tiempos a través de las construcciones que contienen, su historia (azulejos, catas arqueológicas, pinturas, formas) y lo que reflejan los diseños decorativos industrializados. De este modo, invito a una reflexión más compleja y menos banal de su apariencia. Concretamente, mi centro es crear entes contenedores de la memoria y los afectos de los materiales utilizados en la práctica de habitar los espacios domésticos, interviniendo en el espacio a partir de una experiencia plástica y sensible.

www.instagram.com/paulavaldeonlemus

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AMAZONAS Amazonas pertenece a una de las primeras obras del proyecto Otro verde. Se trata de una pieza basada en el patrón vegetal que aparece en los diseños industriales de los toldos verdes utilizados el exterior de las viviendas en ventanas y balcones; en este caso el nombre industrial del patrón en las tiendas es: Amazonas.

La propuesta presenta una resignificación del fenómeno toldo verde de los pisos de muchas calles españolas. De esta forma se presenta un dibujo meticuloso y de apariencia artesanal, con unas señales de unas verjas metálicas donde el dibujo desaparece. Ésto, junto con la utilización de la tela y el diseño industrial transformado a dibujo artesanal, son formalidades y referencias tomadas de mis paseos diarios por las diferentes ciudades correspondientes a mi habitar itinerante.

Con esta propuesta pretendo cuestionar la utilidad de lo cotidiano y decorativo. Darle otra y nueva existencia, rehabitando a través de estos tejidos el significado de el elemento toldo, atravesándolo como materia prima para crear una nueva temporalidad y espacialidad plástica de todos los elementos que lo reodean:

La lona/tela La vegetal

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AMAZONAS 2019 Grafito sobre lino 36 x 33 cm

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OTRA CAMA DE ZAMORA Otra cama de Zamora se enmarca dentro de una serie de pinturas en las que se extraen los colores, patrones, y siluetas de diferentes objetos de uso doméstico y cotidiano, ya sea en ruina o en uso, reales o de mi propia imaginación para colocarlos en un tiempo y espacio alternativos al de su origen.

En este caso la maetria prima tilizada son los azulejos de una casa en proceso de modernización encontrados en un saco de escombros en la calle. Con esta propuesta quiero dar a este material una segunda oportunidad y sentido; una respecie de restitución, haciéndolo con ello, reexistir.

De esta forma, mi trabajo otorga otra existencia a tales elementos, y con ello, cuestionar su utilidad y obsolencia. En este caso, la del material decorativo consumido en una época concreta para crear privacidades. Con ello, estaremos rehabitando su significado, su espacio y su tiempo.

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OTRA CAMA DE ZAMORA 2019 Acrílico y óleo sobre lino.

50 x 40 cm (cada uno)

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LA MIRADA IMPLICA UN TACTO INCONSCIENTE CENTRO NIEMEYER, Avilés 2019 La mirada implica un tacto inconsciente busca recuperar la visión plástica que desprende todo el conjunto de materiales destinados al ámbito doméstico, hablando del sentido del tacto como en el inconsciente de la vista, de las casas y hogares como espacios donde el tiempo transcurre y experimentando con sus patrones y arquitecturas. Con ello desarrolla un ideario estético singular apoyado en el dominio de diversas disciplinas como son el textil, las técnicas pictóricas o la fotografía ayudándose para ir creando una serie de tejidos plásticos. El proyecto, entregado a la noción de habitar, funciona como un entramado pantanoso de afectos a través de un trabajo dominado por una conciliación de opuestos y muy volcado a sus posibilidades como dispositivo expositivo que expanda los tradicionales modos de exponer dibujo y pintura. Así, el hogar y lo propio funcionan como reflexión sobre la propiedad y los modos en que la practicamos y domesticamos. La muestra se nutre de diferentes materiales donde los patrones, la arquitectura y la materia anhelan provocar una experiencia y afectividad en diálogo con el espectador, entendiendo los paisajes visuales como fruto de las memorias personales, la significación cultural y el ideario colectivo.

La mirada impliza un tacto inconsciente, 2019, Grafito y acrílico sobre saco de rafia, 100 x 55 cm (cada uno)

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RAUM, 2019 INSTALACIÓN: Grafito y acrílico sobre lino (250 x 160 cm), saco con escombros y pintura plástica sobre pared

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OTRO VERDE Proyecto en proceso acerca de la plasticidad desprendida de los toldos verdes de España y del análisis de los diferentes patrones que aparecen en su reverso.

La apariencia de este elemento unida a nuestro propio inconsciente e imaginación nos puede dar multitud e infinitas posibilidades artísticas. Así, mi intención es agotarlas a través del dibujo, la pintura y la instalación y de este modo verter una parte afectiva en el material que forma, construye y rodea a estas piezas verdes en su mayoría (o naranjas o azules).

Uno de los puntos importantes de este proyecto en proceso es la idea de una posible reconciliación con lo natural. Esto es, a medida que ha pasado el tiempo he podido darme cuenta de la paradoja existente en el consumo de elementos naturales para decorar, cuando en cierta forma, hemos sido nosotros mismos los que hemos arrancado naturaleza de un territorio para apropiarnos de él y con ello, crearnos una vivienda en la que, consecuentemente, introduciremos, tanto fuera como dentro, elementos artificiales y ornamentales con patrones naturales… El diseño de los toldos me parece un intento de reconciliación con la naturaleza de lo más paradójico, porque es uno de los elementos decorativos y funcionales con más apariencia más plástica.

Con este proyecto no pretendo emitir ningún juicio crítico hacia la cultura ni la idiosincrasia, sino que como en toda mi obra, me gusta “dejar casos abiertos” para que quien sienta afectividad sobre estos materiales, y comparta mis sensibilidades, siga haciéndolo y sienta confortabilidad consumiendo mi obra.

CANCÚN, 2019 Grafito sobre lino (36 x 33 x 20 cm) y tinta sobre papel japonés (34 x 24 cm)

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UNCONSCIOUS (14003) En 14003 se presenta parte de la obra del proyecto Unconscious (acerca del inconsciente arquitectónico) realizado en su última residencia artística en la ciudad correspondiente al código postal 14003, donde habitó y llevó a cabo la recolección de material urbano durante 8 meses. Aparece una conglomeración de los diversos diseños de la ciudad cordobesa y un comienzo por el interés hacia el fenómeno de las catas arqueológicas en las fachadas de los edificios.

OTRA COCINA 2019 Óleo, grafito y cerámica sobre lino 150 x 100 cm

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C/ Horno del Cristo (Otra casa nº 5) C/ Horno del Cristo (Otra casa nº 5) forma parte de Unconscious (14003), un proyecto acerca del inconsciente arquitectónico realizado en mi última residencia artística en la ciudad correspondiente al código postal 14003; donde habité y llevé a cabo la recolección de material urbano durante 8 meses. En el proyecto se visualiza la conglomeración de diferentes diseños de la decoración arquitectónica de Córdoba y un comienzo por el interés hacia el fenómeno de las catas arqueológicas en las fachadas de los edificios. A su vez, se representan fragmentos de siluetas de habitaciones/mobiliario/objetos de los espacios ocupados en el lapso de la residencia; generando y colapsando mapas espaciales y temporales, a través del inconsciente de la memoria.

14&6003 (Unconscious) es un fotolibro que completa el proyecto y recoge el material fotográfico que sirvió para la realización del proyecto.

Los textos que aparecen son escritos vivenciales, inconscientes y automáticos nacidos como reminiscencias del contacto con las imágenes, colores y formas de la arquitectura urbana.

Creo que mi práctica equivale a un ejercicio de añoranza y a la búsqueda vana de un lugar en el que echar raíces, ya que nunca me sentí pertenecer a ningún lugar. Sí que siento inclinación por la materia, al color, y a las formas; y a lo que generan en nuestra mente cuando nos hacen sentirnos acogidos y propios de un lugar. Realmente nunca manifesté arraigo con los muebles de esa casa ni con el hule de plástico de cuadros de colores. Quizá por ello, generé y habité OTRA mediante la artesanía, las dudas, y las reminiscencias del suelo de terraza que asomaba debajo del hule y las mandarinas.

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C/ Horno del Cristo (Otra casa nยบ 5) 2019 ร leo y grafito sobre lino 50 x 32 cm

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SERIE S/T 2019 Acrílico y óleo sobre lino 32 x 25 cm (cada uno)

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S/T 2019 Óleo, grafito y acrílico sobre lino 220 x 110 cm (Cada tela)

C/DR.FRANCISCO BUENO 2019 Hormigón, barro y acrílico 30 x 12 x 5 cm

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La mirada impliza un tacto inconsciente, en la exposición “DESPRENDERSE” en Casa de Velázquez, 2020

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SERIE S/T en la exposición “DESPRENDERSE” en Casa de Velázquez, 2020

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RAUM, en la exposición “DESPRENDERSE” en Casa de Velázquez 2020

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S/T, en la exposición “DESPRENDERSE” en Casa de Velázquez, 2020

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KATARZYNA WIESIOLEK De origen polaco, Katarzyna Wiesiolek se licenció en 2018 en la ENSBA. Ha expuesto su trabajo en diferentes muestras colectivas: galería Éric Dupont, el Salon de Montrouge o Art Paris, entre otras.

En 2017 recibió el primer premio de dibujo Pierre David-Weill de la Academia de bellas artes de París.

En 2018, el segundo premio de dibujo contemporáneo del Cabinet des dessins Jean Bonnat.

En su trabajo aprovecha las imágenes para apropiarse y explorar una narración en la que quiere hacer entrar directamente al espectador. Ni reportaje, ni ficción, ni testimonio, sus dibujos reproducen emociones.

Nacidas de su memoria, sus obras a menudo encuentran eco en su vida personal, creando un espacio de contemplación fundamentalmente íntimo, que la define y que constituye su riqueza.

Al hacer de la presentación el elemento productor de sentido, asume elecciones profundamente sensibles, intensas, que evocan la melancolía, lo efímero y la fugacidad del tiempo. www.katarzynawiesiolek.com

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Sin Título 2019 Pigmentos secos y lápiz sobre papel 100 x 70 cm

Sin Título 2019 Pigmentos secos y lápiz sobre papel 100 x 70 cm

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A Cloud 2019 Carbรณn sobre papel 70 x 100 cm

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Mars 2019 Pigmento seco y carbรณn sobre papel 140 x 100 cm

Light Pillars 2019 Pigmento seco y carbรณn sobre papel 200 x 70 cm

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CV’S

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IÑAKI DOMINGO EXPOSICIONES, BECAS Y RESIDENCIAS RECIENTES:

2019 Aquí y Ahora VIII. Reexistir. Exposición colectiva. Blanca Soto Arte, Madrid Postcrisis: Sistema constructivo bloqueado. Exposición individual. Espacio D-11, Madrid.

Luz Materia. Exposición colectiva. Programa Taide & Daniel Benjamin Gallery, Madrid.

2018 Querer parecer noche. Exposición colectiva. Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid.

Color Politics. Exposición individual. Sala Amárica, Vitoria.

Working Glass. Exposición colectiva. Museo del Vidrio de Alcorcón, Madrid.

Color vaciado. Exposición individual. Galería Luis Adelantado, Valencia.

2017 Library of Love. Exposición colectiva. Contemporary Arts Center, Cincinnati (EE. UU.).

Ayudas a la Creación en Artes Visuales 2017. Comunidad de Madrid, Madrid.

Gradiente. Exposición individual. Centro de Arte Alcobendas, Madrid.

Lockers V.1. Exposición colectiva. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

2014 Ser Sangre. Exposición Individual. Sala Kursala (University of Cadiz), Cadiz.

Tangentes. Expposición colectiva. Villamanuela Festival, Madrid.

Ser Sangre. Exposición individual. Guernsey Photography Festival, Saint Peter Port.

Paper. Site-specific. Proyecto Frágil, Madrid.

Retando a la suerte. Exposición colectiva. Sala La Fragua (Tabacalera Madrid), Madrid.

Mapping the Blind Spots. Exposición colectiva. PHotoEspaña, Lazaro Galdiano, Madrid.

Laser. Exposición individual. Galerie du 10, Madrid.

2013 Fotos y libros. Exposición colectiva. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid.

Colectivos, fotos y vídeos. Exposición colectiva. Jardines de Méndez Núñez, A Coruña.

2011 Nada dura siempre. Exposición individual. Inés Barrenechea Gallery, Madrid.

2016 RAID_8. Exposición colectiva. Galería Raquel Arnaud, Sao Paulo (Brasil).

Casa Leibnitz. Exposición colectiva. Palacio de Santa Bárbara, Madrid.

2015 Resonancias. Exposición individual con Ding Musa. Sala La Fragua, Tabacalera, Madrid.

UpsideDown. Exposición individual. Amber Museum, Nida (Lituania).

Programa de residencias 2015. Hermes Artes Visuais, Sao Paulo (Brasil).

Paris Photo - Aperture Foundation Photobook Awards 2016 Exhibition.

Exposición colectiva. Paris Photo 2015, Grand Palais, París (Francia).

Personal Mythologies. Exposición colectiva. Cork Photo. Tactic Arts Center, Cork (Irlanda).

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ANA FRECHILLA Formación 2017/2018 Master Economía de la cultura y Gestión Cultural, Universidad de Valladolid 2016 Conservación de archivos fotográficos, IEFC, Barcelona.

2016/2017 Posgrado en Patrimonio Virtual. Universidad de Alicante.

2015 Edición de fotolibros, Blankpaper, Madrid.

2012/2016 Graduada en Historia del Arte. Universidad de Valladolid.

2011 Gestión y retoque del archivo fotográfico de la artista Andrea Sunder Plassmann, Berlín.

2010 Taller La Alegoría en el Arte. Arteleku, Karen Knorr/ Ramón Esparza, Donostia.

2009 La dirección escénica, Escuela de Cine y TV. San Antonio de los Baños, Cuba.

2008/2009 Máster en fotografía conceptual, EFTI. Madrid. Mención mejor alumno de la promoción.

2005/2007 Técnico superior en Fotografía Artística. Escuela Pablo Picasso. A Coruña.

Premios y menciones 2019. Inlusión en el proyecto 2019, Mujeres Mirando Mujeres 2018. Seleccionada para la II Edición del Encuentro de Creación Fotográfica de Andalucía, Rodalquilar.

2018. Seleccionada Meet Me In Arts. Astillero, Cantabria 2015. Sección oficial Itinerarios. PA-TA-TA. Patata festival de fotografía, Granada.

2014. Descubrimientos. Photoespaña, Madrid.

2014. Premio FIART. ArtPhotoBCN, Barcelona.

2014. Premio especial Incubarte 6, Valencia.

2013. Seleccionada en Incubarte 2013, Valencia.

2013. Finalista en Reflexiva, Girona.

2012. Encontros artistas novos. Cidade de la cultura, Santiago de Compostela.

2011. Seleccionada como artista exponente en FIA 2012, San José, Costa Rica.

2011. Seleccionada por el MECA para Arte Gira Moving 2011, Almería.

2011. Ganadora de la convocatoria de fotografía OCEMX. Embajada de España en México, México DF. 2010. Seleccionada como artista exponente en la Bienal de fotografía de Olot, Girona.

2009. Premio Visionats en el festival internacional de fotografía de Lleida Emergent por la obra Ángeles, Lleida.

2009. Seleccionada para ser candidata a participar en ReGeneration: 50 photographers of tomorrow, Lausanne, Suiza.

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Becas 2020. Ayudas a la Producción Laboratorio 987. MUSAC 2018. Beca de Creación Contemporánea Fundación Villalar 2017. Beca MEC para realizar Estudios de Máster 2011. Beca de Producción Artística OCEMX. Oficina Cultural España en México 2010. Beca Leonardo para realizar una estancia en Berlín. Cámara de Comercio de Cantabria

Exposiciones Colectivas 2019.

Camera Lucida. Das Weisse Haus. Viena Exposición Nº 75. Estudio 22. Logroño 2018 Infancias. Art Photo BCN. Barcelona 2016.

Exposición Animalista, Casa Encendida, Madrid.

2015 Itinerarios. PATATA. Granada 100 x 100. Galería A del Arte. Zaragoza 2014 Festival Incubarte. Museo del Carme. Valencia 2012.

Galería Nacional, San José, CR Galería Mediadvanced, Gijón.

Muestra artistas independientes. Museo Barjola, Gijón.

Nuevos valores de la fotografía. Efti, Madrid.

In situ. Addaya Centre D ́art Contemporani. Alaró, Mallorca.

2011.

O novos valores da fotografia espanhola. Oporto, Portugal.

“Epifanía” Pabellón exposición Acapulco, Acapulco, México.

Feria de arte contemporáneo Arévalo, Ávila. España.

Exposiciones Individuales 2016. God Bless You! Museo de Arte Africano Jimenez Arellano. Valladolid 2012. Angels. Galería Mediadvanced. Gijón 2011. Epifanía. Ateneo Español. México

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Colectivo FUERDCARTA Lopéz Morál 2014 Exposición individual “Espacios de recuperación del paisaje” CCA Andratx, Mallorca.

Exposición individual “Spanish closes for demolition” Museo de la ciudad de Mostoles.

Finalista Premio internacional de Arte Antony Gelabert, Palma de Mallorca.

2015 Decomposition. Galería Evoke Santa Fe Nuevo Mexico.

IV Feria del libro de Artista Masquelibros. Madrid.

I Feria del libro de Artista EXLibris. Sevilla.

I FAC Feria de Arte en casa Luft, II Fotolibro Madrid. Galería O2 Madrid.

III Feria de Artistas independientes Cultur3-Club, Palacio de Revillagigedo Gijón.

Iberencontros. Castelo Branco Portugal.

“La fotografía como evidencia de lo Surreal”. Casa de la cultura Carahue Chile.

Participación en Marte. Feria internacional de Arte contemporáneo. Con Grundkreuz Project. Castellón.

FAC. Primera edición Feria de Arte en Casa. Mayo 2016 “Presencia y estudio”. Exposición colectiva. A2 Garaje. Madrid. Octubre 2015.

Primera feria del libro de Artista Burgos. Noviembre 2015.

Estampas. Luis Pérez Calvo y José Luis López Moral. Espacio Miseria Madrid.

Entrefotos 2015.XVII edición. Feria de fotógrafos independientes de Madrid. Edificio la lonja, complejo Matadero Madrid.

Luft, tercera edición del fotolibro Madrid. Galería O2 Madrid.

O*P F+ Galeria 6+1 Madrid. Febrero 2016.

We Are Fair. Grundkreuz Project. Madrid. Febrero 2016.

Centrifugados. Segundo encuentro de literatura periférica. Plasencia Cáceres.

Apertura Estudio 4.7 Mad. Espacio multidisciplinar.

FAC. Segunda edición Feria de Arte en Casa. Mayo 2016 Exposición individual “Los ritmos de la tierra” Fundacio Ave Maria Sitges Foto Maig.

Mayo 2016.

ART and Breakfast. Galería Grundkreuz Project. Málaga Mayo 2016.

ART and Breakfast. Galería Veo Arte en todas Partes. Málaga Mayo 2016.

Masquelibros 5ª edición. Madrid Mayo 2016.

Exposición individual. “Una mirada Romántica al territorio” Boadilla de Rioseco Palencia. Agosto 2016.

Exposición individual. “Osa de la Vega” Espacios de recuperación del paisaje. Osa de la Vega Cuenca. Septiembre 2016.

Participación en la cuarta edición de la feria de Artistas independientes Cultur3-Club Palacio de Revillagigedo Gijón.

Papel Continuo feria de Autoedición Málaga La Térmica Noviembre 2016.

Paisaje Contemporáneo. Museo Arqueológico de Cacabelos. Leon. 2107 Entrefotos 2016: Feria de fotógrafos independientes. Casa del reloj. Matadero Madrid.

Il Secolo. Exposición colectiva Galería MA Arte contemporáneo. Palma de Mallorca.

Landscapes Series. La libre del barrio. Leganes

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Hybrid Art Fair. Madrid. 2017.

Revisitando Mare Nostrum. Galeria MA Arte contemporáneo. Palma de Mallorca.

2017.

Ofelia Dreams. Room Art Sitges. 2017 ArtBanchel editorial Fueradcarta 2017 FAC. Tercera edición Feria de Arte en Casa. Mayo 2017 Cultur3 feria de arte independiente de Gijon. Palacio de Revillagigedo. 2017.

Fundo la editorial Fueradcarta junto con Patricia Mateo. Editorial de libros de arte contemporáneo. 2017. www.fuerdcarta.es Participación en “Ecosistema del Arte”. Genalguacil 2017.

Wer Are Fair Madrid. 2017.

Opening Art 2017 Sevilla.

Participación en A Sangre feria de autoedición. 2017.

Participación en Mazoka mercado de Ilustradores. Vitoria. 2017.

ArtBanchel 2017 con el proyecto “Seres imaginarios” de Oscar Seco. Número 0 de la editorial Fueradcarta. 2018 Otra puta bienal mas. Proyecto comisariado por Julio Falagan Galeria 6+1. 2018 ArtBanchel 2019 presentando el proyecto “Historia de España” de Eugenio Merino y Juan Francisco Casas.

FAC. Cuarta edición Feria de Arte en Casa. Mayo 2018 Exposición individual “La memoria compartida”. Santiago de Misiones Paraguay.

Exposición individual Fueradcarta “El viaje” Sala Maruja Mayo Pozuelo de Alarcón.

“Macrocoleccionismo vs microcoleccionismo” Feria Marte 2108 Exposición individual como colectivo Fueradcarta “El viaje” Salamanca. 2018 Creación de la feria de arte “Gabinete de resistencia” junto a Montserrat Gomez Osuna, Patricia Mateo, Sara Zambrano y David Heras. 2108 Exposición individual como colectivo Fueradcarta “En la línea de tiempo”. Museo de arte contemporáneo Fernando Centeno López Genalguacil. 2018/2019 Primera edición “Gabinete de resistencia” Octubre 2018 Participación en JUSMADX como editor con la editorial Fueradcarta 2109 FAC. Quinta edición Feria de Arte en Casa. Mayo 2019 Segunda edición “Gabinete de resistencia” Abril 2019

“Últimos paisajes” Exposición colectiva. Museo de arte contemporáneo Fernando Centeno López Genalguacil 2109 Presidente del jurado de la quinta edición del libro de Artista “Ciudad de Mostoles” 2109 Danza de invierno: Cafebreria Ad Hoc 2019

Referencias y colecciones.

Obras en colecciones publicas Fundación Florencio de la Fuente .Huete .Cuenca Can Marques. Palma de Mallorca.

Colección Ibiza Granhotel. Ibiza.

Diversas colecciones de arte privado en Portugal, Alemania ,Inglaterra , EEUU, Francia, España y Korea del sur.

Colección de arte contemporáneo Nieves Barber.

Colección de arte contemporáneo Duarte Taquenho.

Miembro fundador de New Era Museum.

Miembro fundador de la editorial y el colectivo de arte Fueradcarta.

Fondos Casal Solleric Fundació Palma Espai d’Art. Colección Arte Ayuntamiento de Calvia.

Colección de fotografía Ayuntamiento de Parla.

Colección Museo Fernando Centeno López Genalguacil. Colección permanente.

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COLECTIVO FUERADCARTA

Patricia Mateo Estudios Escuela de Bellas Artes de San Fernando Premios Premio de Guadalajara de dibujo Bienal del Tajo Bienal de Valdepeñas Premio Artium y medalla de plata de dibujo

Exposiciones Can Gelabert, El Viaje, Binissalem, Mallorca MAC, El Paseante del tiempo, Genalguacil, Málaga Sala Maruja Mallo, El Viaje, Las Rozas, Madrid Galería 6+1, Rewind&Remister, Madrid Huber,Estepona,Málaga Palacio Villagigedo,Cultur3,Gijon Casa de Vacas-Vidas Trans-Retiro,Madrid O#F+-galería 6+1-Madrid Museo del Carmen-Ciutat Vella Oberta, Valencia Open Estudio 2015 Museo ABC, Madrid Museo Diotti, Milano Galería C-6, Oviedo Galería Liebre, Tuperart ,Madrid

La sombra, fanzine, Que suerte, Madrid La Casa del Carril, Por amor a lo pequeño, Jaén Saatchi Gallery, On Screen, Londres Factoría y Desarrollo, Copla de un exilio, Madrid Galería, Astarté, Alcolea, Folow Fridays,Madrid Encuentros 4 Doetichem, Holanda El Arsenal, Estado Crítico ,Córdoba Factoría y Desarrollo, Incontri, Madrid El Foro de Pozuelo, Homenaje a Gloria Fuertes, Madrid Centro Conde Duque, Haciendo Barrio, Madrid On the Verge, Ulm, Alemania Galerie Rosmolen, IV Encuentros, Holanda Festival de cine, Homenaje a Miguel de Molina, Málaga Franqueados, Madrid Kunst Schimmer, Ulm, Alemania Colaboraciones Museo Patio Herreriano Exposición Luis Perez Calvo, mural, Valladolid Museo casa Pemán, Exposición Patricio Cabrera,Cádiz Talleres Espacio Fundación Telefónica

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ANNA GIMEIN Formación académica Columbia University, Nueva York. Economía y Planificación Urbana..

Formación Artística 2019 Taller de fotoperiodismo con Gervasio Sánchez. Territorio Goya. Belchite.

2018 Laboratorio de Gary Hill, Proyector, KREAE, Instituto de Creación Contemporánea Taller de Arte de Acción como proceso de creación colectiva, Seiji Shimoda y Nieves Correa. Acción!Mad. 2017 Presencia y ritmo. La Ribot. Madrid 45, Programa de Artes Visuales, Sala El Águila Paisaje visual. Territorio de Resistencia. Daniel G. Andújar. Madrid 45, Programa de Artes Visuales Happening, Acción, Performance, Situación. Taller de Dora García. Madrid 45, Programa de Artes Visuales Taller de Francesc Torres. Madrid 45, Programa de Artes Visuales 2016 Baron Ashler, Taller de Itziar Okariz. Ciclo Alguien ahí, Talleres Tabacalera, Madrid Taller de Eva Lootz. Ciclo Alguien ahí, Talleres Tabacalera, Madrid Los Infiltrados. Juan Albarrán y Olga Fernández. Madrid 45.

Programa de Artes Visuales, Sala El Águila 2015 Efimeracción. Laboratorio de Performance, Gonzalo Rabanal / Cuerpo Pacífico, Cuenca, Ecuador 2014 Taller de Arte de Acción, Fernando Baena. CCE, Núcleo de Azuay 2010 Verbi Gratia, Taller de Isidoro Valcárcel Medina, Museo Thyssen-Bornemisza /Fundación Universidad Rey Juan Carlos

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Exposiciones, proyecciones y acciones 2019 Viajando a utopías colectivas. Le Cube, Rabat.

Festival de Vídeoarte Proyector. Madrid.

Si esto es arte. Interrogatorio Iluminado. Swinton & Grant (La Noche de los Libros) Madrid.

Si esto es arte. Interrogatorio Iluminado. La Juan Gallery, Madrid No Expo XXL. ABM Confecciones, Madrid.

Chepukha. Festival de Cine Independiente Chistyie Grezy. Dom Kino, Saint Petersburg. 2018 Sincronías. Dados Negros Centro de Holografía y Artes, Villanueva de los Infantes. Trabajo. ABM Confecciones, Madrid.

Primer Congreso Internacional de Asnología.

Por boca de Asno. Presentación del proyecto Asnología. Cruce Arte y Pensamiento, Madrid 2017 XIV Encuentro de artistas, Espacio-Arte El Dorado, Quintanar de la Orden.

La cara oculta de la luna. Arte alternativo en el Madrid de los 90, CentroCentro, Madrid. (con LaHostiaFineArts).

Revolución. ABM Confecciones, Madrid.

Chepukha. MAMM, Multimedia Art Museum, Moscú. 2016 Reconsolidation. Moving Image Art, Chicago.

2015 FAAC 2015, Festival de Arte de Acción de Cuenca, Ecuador.

Schlachten International Contemporary Arts Festival, Displaced 2015, Luchenwalde, Alemania.

Límites del Paisaje. Sala Proceso, CCE Núcleo Azuay, Cuenca, Ecuador.

Primera velada de acciones del FAAC 2015. Museo de las Conceptas, Cuenca, Ecuador. 2014 Mudanzas, Teatro del Barrio, Madrid.

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Historias de Madrid y El expolio de la cultura, Intermediae, Matadero, Madrid. 2013 Acción!Mad 13, Matadero, Madrid.

Velada de Acciones Cotidianas, Centro de Arte Moderno, Madrid.

La Raya, publicación, VEGAP. Madrid.

2012 Transperformance 2. Oi Futuro Flamengo, Rio de Janeiro.

Contenedores 12. Sevilla.

Mujeres Indómitas, Festival Miradas de Mujeres. Matadero, Madrid.

Fluxacciones (Acción!Mad 2012). Centro de Arte Moderno, Madrid. 2011 Transperformance, Oi Futuro Ipanema. Rio de Janeiro.

InShadow. 3º Festival Internacional, Lisboa.

EspacioEnter, Festival Internacional de Creatividad, Innovación y Cultura Digital, TEA, Tenerife Espacio de las Artes.

Do it Yourself II: Acción!Mad11, Festival Int. de Performance, Matadero Madrid; JIAAP, Sevilla; Cabezabajo, Festival Internacional de Arte de Acción, Museo de la Memoria Histórica de Andalucía, Granada; 2010 In the Mood for Today. The Big Screen Project, Nueva York.

Mujeres Indómitas. Centro Francesca Bonnemaison, Barcelona, Off Loop.

Muestra de Videocreación Contemp. Cuba-España-Suiza. Proyecto Circo, La Habana. Corpus Fragile. Festival sim´tria VI - Perú 2010, Arequipa – Cuzco.

I. semana de video iberoamericano. La Nave Spacial, Sevilla.

Estrenos Absolutos de la Tabacalera I. La Tabacalera, Madrid.

2009 Mujeres Indómitas. X Barcelona Art Contemporari Festival BAC 10.0 Pandora’s Box. Centre de Cultura Contemporánea de Barcelona y Fundación Miró, Barcelona.

Epílogo, proyecto - taller de Fernando Baena. Dentro-Fuera, Madrid.

Do It Yourself II, Off Limits, Madrid.

2008 Videotopías. 4rto Ciclo de Vídeo en la ONG, Caracas.

Artifariti. II Encuentros Internacionales de Arte en los Territorios Liberados del Sahara Occidental (con LHFA).

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Camps de Joc. Consejo Superior de Deportes, Lérida.

Explorando Usera. Madrid Abierto (con LHFA).

XI Certamen Bienal Unicaja de Artes Plásticas (compra de obra), Málaga.

Eventos (con LHFA). Centro de Arte Moderno, Madrid.

2007 Bienal Internacional del Deporte en el Arte, BIDA2007, Gijón.

Vacio9, proyección (con Fernando Baena), Madrid Benidorm. Entresijos y Gallinejas. Centre d’Art Santa Mónica. Barcelona.

Eventos (con LHFA) Contenedores, Sevilla.

2006 Festival Internacional de Cine Pobre (con Fernando Baena), Cuba.

Las ciudades invisibles (con Fernando Baena), V Intern. Short Film Festival Almería en corto.

La Más Bella Grandes Éxitos (revista experimental de arte y creación).

Benidorm (con LHFA) Galería Tercer Espacio, Madrid.

2005 Picnic. (con LHFA) The Art Palace, Plaza de Cibeles, Madrid.

Desfile (con LHFA) Ven y Vino. Madrid.

Residencias artísticas, subvenciones 2019 Ayudas a la Creación, Ayuntamiento de Madrid (Pto: Ni vestida ni desnuda) 2019 Ayudas a la Creación de artes visuales, Comunidad de Madrid (Pto: Mistress) 2017 Ayudas a la Creación, Ayuntamiento de Madrid (Pto: If This is Art. An Illuminated Interrogation) 2012 Sierra Centro de Arte, Huelva (residencia, Celebración) 2007 CCA Andratx residence program, Mallorca Obra en colecciones Consejo Superior de Deporte Fundación Unicaja

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ESTELLE JULLIAN Estelle Jullian (1981, Avigñon, Francia) vive y trabaja en Valencia (España).

Su practica aborda diferentes campos como la arquitectura, el arte, la ecología y la participación. Entiende la praxis como generador de ciudad. Le interesa los procesos de desarrollo de herramientas inclusivas que pueden concretarse en talleres, proyectos comunitarios y exposiciones, donde el espacio se entiende desde una perspectiva social y cultural. Ese interés por las practicas espaciales contemporáneas y por el medio ambiente le lleva también a investigar el espacio urbano y rural de manera mas experimental.

Considera cada proyecto como la oportunidad de abrir un campo de reflexión colectivo y ha colaborado con numerosos actores implicados en la construcción del entorno construido: arquitectos/as y urbanistas pero también sociólogos/as, artistas, artesanas, comisarios/as, educadoras y gestoras culturales.

Formación 2007 Titulada arquitecta DPLG, Escuela Nacional Superior de Arquitectura de Marsella.

2006 Programa Leonardo da Vinci en Valencia 2004 Programa Erasmus. Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Valencia.

Cursos y seminarios: Espais Zombi con Idensita ID - Igualdad y participación social.

UPV - femUrb. La ciudad desde una perspectiva feminista. UV - Metodologías sociológicas para el análisis de la ciudad. UEV - Notas filosóficas sobre el misterio y la belleza. UEV - CIAB 5. UPV – Materia y forma II. UPV y CEMEX.

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Selección de referencias 2019 Sedimentos, geología ficticia. Proyecto de investigación artística. Ginebra.

Embassy of Foreign Artists. GVA Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana.

2019 May Your Rice Never Burn. Diseño comprometido en territorio rural. Arlés. Atelier Luma, Fundación Luma. Con Balikypopoy.

2019 Arxiu Convent. Comisariado y proyecto comunitario. Valencia. Convent Carmen, con Roser Colomar, Valencia 2018 Acciones Extra-Ordinarias. Intervenciones en el espacio publico. Madrid.

Imagina Madrid, Intermediae Matadero. Con Paula Valero.

2018 23,5/Máquinas simples. Instalación urbana. Valencia.

XXI Mostra art públic, Universitat Pública. Comisariada por Alba Braza.

2018 Relecture. Instalación. Valencia.

Centro del Carmen Cultura Contemporanea. Comisariado por Juan Luis Toboso.

2016 Participa Reina! Proceso participativo para la transformación de la Plaza de la Reina. Valencia. Concejalía de Participación Ciudadana del Ayuntamiento de Valencia. Con Encajes Urbanos.

2015 La manzana perdida. Proyecto de re-apropiación urbana. Valencia Con Mijo Miquel y Paula Roselló.

2014 Extensión de la vivienda del escenógrafo Hubert Colas. Marsella. Con Mathieu Permingeat.

2014 Madera para tocar madera. Instalación urbana. Valencia.

Festival intramurs. Con Mathieu Permingeat.

Entre 2006 et 2017 Estelle Jullian ha trabajado como arquitecta en diferentes estudios internacionales tales como: Studio Miessen, Arqueha, Grupotec, Colomer Dumont MCBAD, Jacqueline Morabito, IF Arquitectura, Belda, Martz.

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Premios / Residencias 2019 Residencia en el Embassy of Foreign Artists. Programa Cultura Resident del GVA Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana. Ginebra.

2019 Residencia y beca de investigación. Atelier Luma, Fundación Luma. Arlés.

2018 XXI Mostra art públic / Universitat Pública. Valencia.

2015 Premio accésit proyectos Emergents, estrategias de innovación social en el territorio para el proyecto de la Universidad de Valencia.

Exposiciones 2019 Sedimentos, geología ficticia. Embassy of Foreign Artists. Ginebra 2019 May Your Rice Nver Burn. Luma days. Atelier Luma, Fundación Luma. Arlés.

2019 Arxiu Convent. Convent Carmen. Valencia.

2018 Paisajes en movimiento. Intermediae Matadero, Madrid.

2018 ...Supone todo eso una posibilidad? Centro del Carmen Cultura Contemporánia. Valencia.

Ponencias y talleres 2019 Diálogo del Arte Público. Centro de Investigación Arte y Entorno. UPV. 2019 Talleres en el marco de May Your Rice Never Burn. Atelier Luma, Arles.

2018 Talleres en el marco de Acciones Extra-Ordinarias. Imagina Madrid, Intermediae, Matadero. Madrid.

2017 Conferencia “Quel(s) devenir(s) pour l’Architecture”. Syndicat de l’Architecture. Bordeaux.

2017 Taller para el proceso comunitario del parque Manuel Granero. Valencia.

2016 Talleres y debates para el proceso participativo Participa Reina! Valencia.

2015 Taller de arquitectura para niños y niñas. Festival Ruzafa Kids y Betel Workshops. Valencia

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JORGE LÓPEZ MUÑOZ EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2018.05 HEAD ON Photo Festival 2018. Paddington Town

Hall - Sydney, Australia.

2018.05

PHOTOMETRIA 2018. Misiou Mansion - Ioannina,

Grecia.

2017.10

Sala EFTI. Madrid, España.

2016.10 2016.06

EMERGENCIAS 2016. Centro Cultural de Noáin Navarra, España.

AMSTEL ART. Veles e Vents Building - Valencia, España.

2015.11

NANO Festival de Fotografía 2015. FOLA Fototeca Latinoamericana ,Buenos

2015.11

WARSAW PHOTO DAYS 2015 Festival. No4 Gallery - Varsovia, Polonia.

2015.06

BARBASTRO FOTO 2015 Festival. Sala El Moliné - Barbastro, España.

2015.05

Public Art Exhibition with JR’s Insideoutproject. Valencia, España.

Aires, Argentina.

También ha formado parte de exposiciones colectivas en Whitebox Gallery (Kuala Lumpur, Malasia), London College of Communication (Londres, U.K.), Boyd School Studios (Melbourne, Australia), Rectorate Gallery (Novi Sad, Serbia), Museo de la ciudad de León (Guanajuato, México), Centro Cultural Casa de Vacas (Madrid, España), Complejo Cultural Santa Cruz (Río Gallegos, Patagonia Argentina), OCCC Octubre Centre de Cultura Contemporània (Valencia, España), Centro Cultural Las Cigarreras (Alicante, España), Galeria de Arte do Teatro Municipal da Guarda (Portugal), Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid, España), 59Rivoli Gallery (París, Francia), Somerset House (Londres, U.K.), MUO Museum of Arts and Crafts (Zagreb, Croacia), Sarajevo City Hall (BosniaHerzegovina), NAK Neuer Aachener Kunstverein (Aachen, Alemania) y Four Freedoms Park (Nueva York, U.S.A.) entre otras.

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PREMIOS DESTACADOS 2018.11

XXVI PREMIOS DE FOTOGRAFIA PROFESIONAL LUX 2018. Barcelona, ESPAÑA. (Ganador).

2018.02

Annual SMITHSONIAN Photo Contest 2017. Washington DC, U.S.A. (Finalista).

2017.11

II Premio de Fotografía CARLOS PÉREZ SIQUIER. Granada, ESPAÑA. (Accésit).

2017.03

Premio CARTA BLANCA Sala EFTI. Madrid, ESPAÑA. (Ganador).

2016.08

AI-AP LAF5 Latin American Fotografía 5. Nueva York, U.S.A. (Ganador).

2016.05

SAN JOSE FOTO Festival (Concurso Internacional). San José, URUGUAY. (Ganador).

2016.04

SONY WPO / ZEISS Photography Award. Londres, U.K. (Finalista).

2016.03

CANSON ART School Awards 2016. París, FRANCIA. (Ganador).

2016.02

ONE EYELAND Bronze Award for Fine Art Portrait Category. Chennai, INDIA. (Ganador).

2016.02

VIEWFIND Visual Storytelling Grant. San Francisco, U.S.A. (Mención Especial del Jurado).

2016.02

GPF STUDENT PHOTOGRAPHY PRIZES 2015. Guernsey, G.B. (Finalista).

2016.01

GOMMA Photography Grant 2015. London, U.K. (Finalista).

2015.12

FIFTH WORLD BIENNIAL EXHIBITION of Student Photography. Novi Sad, SERBIA. (Ganador).

2015.10

EMERGING PHOTOGRAPHER 2015. Nueva York, U.S.A. (Ganador).

2015.09

WACOM’S CREATE MORE PROJECT Exchange Programme. Londres, U.K. (Ganador).

2015.06

KLPA Kuala Lumpur International Photo Awards 2015. Kuala Lumpur, MALASIA. (Finalista).

2015.05

PDN Photo Annual Photography Contest 2015. Nueva York, U.S.A. (Ganador).

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LETIZIA MARTÍNEZ PÉREZ Expositions personnelles 2018 · Agradecida y emocionada, La Fermeture Éclair, Caen (France). · Last Christmas I gave you my heart, Artothèque de Caen, Espace d’art contemporain. Caen (France)

Expositions en duo 2019 · Coast to coast, avec Meike Schlemmer, Alte Mu, Kiel, (Allemagne). Commissariat : Atelier Umraum 2017 · Le crime farpait, avec Rodrigo Mogiz, ALMA espace d’art, Paris (FR). Commissariat : Jean-Christophe Arcos.

Expositions collectives (sélection) 2019 . Salon de Mulhouse avec OK Collectif, Mulhouse (France). · Camembert/Papanache. Spatiu Intact, Cluj (Roumanie). Commissariat: Benjamin Hochart et Florin Stefan. · Schuss, Art Brussels, La Vallée, Bruxelles (Belgique). Commissariat: Collectif La montagne. · Sans interdit, Hôtel Dieu, Rouen (France). Commissariat: Jérome Felin. · Plastic Love, 59 Rue de Rivoli, Paris (France). Commissariat: Jung Huh et Pauline Creuzé.

2018 · Chouette Alors!, Musée de Louviers (France). · Papanache/Camembert. Saison France-Roumanie 2019, Institut Français. Esam Caen/Cherbourg, site de Caen (France). Commissariat: Benjamin Hochart et Florin Stefan. · Suites résidentielles, avec 2angles, Artothèque de Caen, Espace d’art contemporain. Caen (France). Commissariat: Claire Tangy et Jérôme Letinturier. · À VENIR, Exposition dans les vitrines du centre-ville de Caen et Cherbourg. Collectif À Venir. Caen (France). · dans un sorte de désordre aidé, Abbaye aux Dames, Caen (France). Commissariat: Jean- Christophe Arcos. · Paseando la mirada. Palacio de la Lonja, Saragosse (Espagne). Commissariat: Julian Millán et Daniel Nesquens.

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2017 Pénates, pour Azones. Appartement de collectionneur, Nantes (FR). Commissariat: JeanChristophe Arcos. À Suivre...2017, Esam Caen/Cherbourg,Caen (France). Commissariat: Louise Bernatowiez.

Céramique 14, Salon de céramique contemporaine, 14ème arrondissement, Paris (France). À VENIR, Exposition dans les vitrines du centre-ville de Caen. Collectif À Venir. Caen (France).

Playground, Esam Caen/Cherbourg, site de Caen (France). Commissariat: Jung Huh. La greffe, Exposition menée par Jennifer Caubet, Alexandre Ovize et Benjamin Hochart, Esam Caen/ Cherbourg, site de Caen (France).

Résidences artistiques Membre artiste de La Casa de Velázquez (Madrid) 2019-2020.

Résidence-mission CLEA Roissy-Pays de France, (France). Janvier-Juin 2019.

Résidence de création à la Villa Calderón de Louviers (France). Sept-déc 2018.

Résidence de création à Artothèque de Caen. Caen, (France) .Novembre 2017-janvier 2018.

Performances 2018 Pasarela Cerrando, Défile à La Fermeture Éclair, Caen (France).

Last Christmas I gave you my heart with horses, La Fermeture Éclair, Caen (France).

Last Christmas I gave you my heart, Artothèque de Caen, Espace d’art contemporain. Caen (France). 2017 Pasarela Macarena, Défilé à Esam Caen/Cherbourg, site de Caen (France) pour l’exposition Plastic Love.

Prix/Bourses Aide individuelle à la création, DRAC Normandie, (France) 2018.

Bourse Leonard da Vince, Saragosse-Poitiers, (Espagne - France) 2013.

Prix extraordinaire d’Arts Plastiques et de Design “Eres un monstruo” de l’École d’Arts Appliqués de Saragosse (Espagne), 2011.

Collections Artothèque de Caen, 2018 Collections privées, 2018 Publications Dans un sorte de desordre aidé, Catalogue de l’exposition, 2017.

Le crime Farpait, Article de Jean-Christophe Arcos pour l’exposition, 2017.

A suivre... 2017, Catalogue de l’exposition, 2017.

Formation DNSEP (Diplôme national supérieur d’expression plastique), 2015-2017 avec les félicitations du jury. École supérieure des Arts et Médias de Caen, (France).

Technicienne Supérieure d’Arts plastiques et Design, 2008-2011. École d’Arts Appliqués de Saragosse (ES) Technicienne Supérieure en Céramique Artistique, 2002-2006. École d’Arts Appliqués de Saragosse (ES).

Histoire de l’Art (Master 2) Université de Saragosse (Espagne). 2002-2007. Faculté de Philosophie et Lettres. Exchange à l’Université de Poitiers, 2006-2007. Sociologie de l’art et sociologie de l’éducation, Faculté d’Humanités et Sciences Sociales. Poitiers (France).

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ELVIRA PALAZUELOS Elvira Palazuelos (Madrid, 1984) comenzó su educación artística recibiendo clases en la Academia Provincial de Dibujo de Burgos y en el taller de cerámica de la escultora Ana Núñez de la misma ciudad. Posteriormente estudió Bellas Artes en la Universidad del País Vasco. Obtuvo una beca Erasmus para complementar su formación en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de París, donde accedió al grupo de clase de Anne Rochette y se interesó por el arte feminista. Pudo dar continuidad a esta estancia con una beca Leonardo, gracias a la cual trabajó como asistente de proyectos expositivos en la galería de fotografía contemporánea L’oeil ouvert y en el Museo del Louvre. Tras regresar a España realizó el Máster en Arte, Creación e Investigación de la Universidad Complutense de Madrid, y comenzó a trabajar como profesora de arte en educación secundaria. Ha realizado programas de residencia y estancias en instituciones como la School of Visual Arts de Nueva York y la Slade School of Fine Arts de Londres. Durante el año 2016 se trasladó a Canadá, donde impartió clases y talleres acerca de educación artística y lenguaje, y realizó un proyecto personal de ilustración sobre el papel de la escuela en el colonialismo. En paralelo a su práctica artística, ha colaborado con ilustraciones para varios grupos musicales y proyectos editoriales.

Su trabajo incorpora referencias al imaginario popular y a la cultura visual. A través de técnicas y formatos variados y de disciplinas híbridas, conecta el uso del color con una geometría libre. La relevancia que otorga a los detalles, unido a un estudio subjetivo de la percepción y del espacio son algunos rasgos característicos de sus obras. Cada pieza encierra múltiples historias que a menudo encuentran su punto de partida en experiencias personales, relatos encontrados, o recuerdos alterados.

Sus proyectos han sido expuestos en centros de arte contemporáneo como Centro Huarte, CAB de Burgos, MUSAC León, Centro Centro Cibeles o La Casa Encendida de Madrid, entre otros, y en ferias de arte como 948 Merkatua en Navarra o Hybrid en Madrid.

Desde 2010 vive y trabaja en Pamplona compaginando sus dos pasiones: la creación y la educación.

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MIQUEL PONCE DIÁZ Estudios: 2019 - Máster en Producción Artística, Universitat Politècnica de València, España.

2018 - 2019 Beca Erasmus, Technological University Dublin, Irlanda.

2015 - 2019 Grado de Bellas Artes, Universitat Politècnica de València, España.

Exposiciones individuales: 2019 - Lo que queda, l’Espai, Torrent.

Exposiciones colectivas: 2019 - Panorama, Galería Fran Reus, Palma de Mallorca.

2019 - Ciutat Vella Oberta, 4ª Bienal de las Artes de Valencia, Palacio Marqués de Campo.

2019 - Transpārēre, Espai En Vitrina, Universitat Politècnica de València.

2019 - Error T4, Universitat Politècnica de València.

2019 - Fem, ETSA, Universitat Politècnica de València.

2018 - Convergence, TUD Grangegorman, Dublin.

2018 - A contracorriente, vídeoarte y ecología, Fundación La Posta, Valencia.

2017 - Ciutat Vella Oberta, 3ª Bienal de las Artes de Valencia, Círculo de Bellas Artes.

Premios: 2019 - Seleccionado en el Premio Ibercaja de Pintura Joven, Zaragoza.

2019 - Seleccionado en el II Premio Talento Artístico Ahorro Corporación Financiera, Madrid. 2019 - Primer premio en el IV Concurso de pintura de Castellón.

2019 - Seleccionado en el XXXIV Concurso de Pintua Vila de Puçol, Valencia.

2019 - Seleccionado en el IV concurso de pintura Fundació Privada Mutua Catalana, Tarragona.

2018 - Segundo premio de pintura en el XIV concurso de pintura y fotografía de la Universitat Politècnica de València.

2018 - Seleccionado en el concurso de artes plásticas de Quart de Poblet, Valencia.

2018 - Seleccionado en la II muestra de arte urbano, MAUAC L’alcudia de Crespins, Valencia.

2017 - Seleccionado en el I Concurso de arte urbano de Cocentaina, Alicante.

2017 - Finalista con mención de honor junto con Cris Bartual en el IV Concurso de Arte Urbano de Quart de Poblet,Valencia.

2017 - Finalista en el III Certamen de Pintura Mural Messa de Albaida, Valencia.

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JAVIER RODRÍGUEZ PÉREZ-CURIEL FORMACIÓN ACADÉMICA Doctorado en Investigación y Creación Artística en EHU, 2015 Máster de investigación y creación en arte en EHU, 2013 Licenciatura de Bellas Artes en EHU, 2012 FORMACION COMPLEMENTARIA Taller con Itziar Okariz y Jon Mikel Euba, Tabakalera, Donostia, 2019 Encuentros con la creación Sonora, Bilbao, 2016 Makalak, talleres con Sthepan Thut, Antoine Beuger, Manfred Werder, Bilbao, 2016 Arte e Internet. La red como campo de investigación para las nuevas prácticas artística, curso impartido por Juan Martin Prada, UNED, 2016 Introducción Pure Data, Laboral Centro de Arte, Gijón, 2014 EXPOSICIONES “Rip torn crash or become trash”, individual en Centro Valey, Asturias 2019 MEM exhibition hall, colectiva, Bilbao, 2019 “FUCK MY LIFE”, individual, Espai 777, Barcelona, 2018 Puertas abiertas Bilbaoarte, colectiva Bilbao, 2017 “Out of the loop” Montehermoso, colectiva, Vitoria, 2017 Xake, colectiva, Bilbao, 2017 Concurso Espacio Avaart para artístas Asturianos, colectiva, Gijón, 2013 Ertibil 2013, Sala Rekalde, Bilbao 2013 Cultura de Getxo, colectiva, Algorta, 2013

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BECAS Y PREMIOS Producción en Artes Plásticas diputación de Bizkaia, 2019 Bilbaoarte, Bilbao, 2017 Kaleartean, Basauri, 2017 EHU/Montehermoso, Vitoria, 2017 Ertibil 2013, Bizkaia, 2013 OTROS Inmersiones XII, Acción, Gasteiz 2019 AMP XX, música/escena/directo, Okela, Bilbao, 2019 BBklive, Bilbao 2019 Intervención en Bilbao Art District, Bilbao, 2019 Intervención en la Caseta del Puente de Deusto, Bilbao, 2019 Intervención en Bizkaia Aretoa, EHU, Bilbao, 2018 BBklive,Bilbao 2018 Aniversario Bulegoa, directo, Bilbao, 2018 Kaleartean, 2017, intervenciones, Basauri , 2017 Manfred Werder's “All the Reality that is”, Bilbao, 2016 Antoine Beuger's “Of being numerous”, Bilbao, 2016 Larraskitu, directo, Bilbao,2015 Ponente en las jornadas de investigación de Billbao Arte, Bilbao, 2015

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MARÍA ROMERO PÉREZ Nací en 1983 en Badajoz. Llegué a destiempo a mi familia y ocupé mi lugar de hermana pequeña y única niña. Influenciada por mis hermanos, aprendí a leer muy pronto y desarrollé una gran pasión por las artes.

Estudié siete años de piano en el Conservatorio y la semilla del miedo al error se instaló en mí.

A los dieciocho años tuve la certeza de que el arte sería mi piedra angular, así que a pesar de los deseos de mi familia, me mudé a Sevilla, donde estudié Bellas artes. Recibí clases de Amalia Ortega y Dionisio González, que me mostraron perspectivas desconocidas y realmente emocionantes.

En 2006 me trasladé a Madrid para estudiar un máster de arte contemporáneo en la Complutense. Recibí talleres de Fernando Castro entre otros. Me advirtieron de que tuviera cuidado, pues Madrid es una ciudad que te absorbe como un agujero negro. A mis veintitrés no presté mucha atención a ese consejo y me entregué en cuerpo y alma a la ciudad.

En 2010 decidí estudiar fotografía en EFTI y en 2011 terminé el Máster en el itinerario de concepto y creación. Recibí clases de Ciuco Gutiérrez, Eugenio Ampudia, Beatriz Martínez, Chema Madoz y muchos otros buenos maestros. Durante mis primeros años en esta ciudad combiné distintos trabajos en el sector de servicios con algunas exposiciones colectivas. Una gran crisis personal sobrevino a mi vida en 2013 y yo, que había vivido tan intensamente los días y las noches rompí con todo y volví a empezar de cero.

En 2014 empecé a dedicarme profesionalmente al retoque fotográfico (mi ocupación actual) al mismo tiempo que inicié una formación de Arteterapia gestalt que ha durado cuatro años.

2018 fue un año de reconciliaciones y descubrimientos. Descubrí finalmente que Madrid es mi casa, que tenía que superar mi bloqueo creativo y volver a trabajar en mis proyectos. Recuperar mis sueños y certezas.

En el último año he producido a un ritmo constante, he empezado a afinar mi lenguaje y he reunido una colección considerable de piezas. Ahora sólo necesito poder mostrarlas. En ello estoy.

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ALFONS SIMÓ SOLO SHOWS 2015 Horquetas. Facultad de Bellas Artes, ULL. La Laguna Tenerife. 2014 Vista Oral. Sala En Blanco, Bajamar, La Laguna, Tenerife.

GROUP SHOWS (selection) 2019 Exposición colectiva Proyecto SeAlquila. FUTURO. Madrid.

Exposición Colectiva “Equivalencia II”. Galería de arte S/T (sín título). Las Palmas. Jornadas de Arte y Creatividad Anarquistas 2019, ESLA El Eko, Madrid.

2018 La exposición ’018. PSJM-LPGCWorkshop. Gabinete Literario. L.P. de Gran Canaria.

2017 Open Studio. Facultad de Bellas Artes, ULL. La Laguna Tenerife.

2016 In (gestus). Sala de Arte Exconvento de Sto. Domingo. La Laguna. Tenerife. ProyectArte´16. Facultad de Bellas Artes, ULL. La Laguna, Tenerife.

2013 Primeros Principios. Espacio Puente TEA. Santa Cruz de Tenerife. 2010 Festival KEROXEN’10. Santa Cruz de Tenerife 2007 Premio Regional de Artes Plásticas de Caja canarias, La Laguna.

PREMIOS, RESIDENCIAS Y BECAS 2018 Asistente Becado de Romina Rivero en El espíritu no es un hueso. Museo Arte Contemporáneo TEA. S/C de Tenerife.

2015 Co-autor del Proyecto ganador representante de España en BENCHES FOR EUROPE. Estrasburgo-Francia.

2014 Colaborador en el Proyecto de Escultura para el Edificio SEGAI de la ULL. La Laguna-Tenerife. Colaboración en Frágil equilibrio. Centro de Arte La Recova. Santa Cruz, Tenerife.

CHARLAS-CONFERENCIAS 2015 Benches for Europe: FLOW-ER. Escuela de Arte y Superior de Diseño Fernando Estévez. Tenerife. Benches for Europe: FLOW-ER. Sala de Arte Sto. Domingo. Tenerife.

2014 De la idea a la pieza. Amigos de TEA: Design Walk. Tenerife.

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LEIRE URBELTZ

Máster en Investigación y Creación en Arte y licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco.

Postgrado en Ilustración creativa y técnicas de la Comunicación Visual por la escuela Eina de Bcn. Beca Leonardo de la Fundación BBVA en 2017, beneficiaria de las Ayudas a la creación del Gobierno de Navarra en 2016 y primer premio en los Encuentro de Jóvenes Artistas de Navarra en 2015.

Ha realizado exposiciones individuales como Las Partes de la Malinche en la fachada del Azkuna Zentroa de Bilbao, Borderland dentro de Mugak/Fronteras comisariado por Maite Garbayo en el Centro de Cultura Contemporánea Tabakalera de San Sebastián o Sixties Women Magical Mystery Tour en The Urban Station Offices en El Paso, Texas (Estados Unidos).

Ha participado en exposiciones colectivas en ciudades como Seúl, San Sebastián, París, Pekín, Bilbao, Madrid, Vitoria o Pamplona entre otras. Ha sido artista residente en el Seoul Museum of Art (Corea del Sur), el Centro Cultural El Paso del Norte en Ciudad Juárez (México), el Marga Art Studio en Pekín (China) y en la Fundación Bilbaoarte.

Como ilustradora, ha publicado varios libros de literatura infantil y juvenil.

Compagina su actividad como artista siendo miembro del Departamento de Educación en Arte Contemporáneo del Centro Huarte y eventualmente como profesora en la Universidad Pública de Navarra. www.leireurbeltz.com

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PAULA VALDEÓN LEMUS Paula Valdeón Lemus (Badajoz, 1992) es graduada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y máster de Investigación en Arte y Creación por la Universidad Complutense de Madrid.

Principales becas y premios: Beca ALNORTE 2019; Residencia en Fundación Antonio Gala 2018/19; Art<35 Fundació Banc Sabadell 2018; Becas en producción de obra gráfica AlfaraStudio. Salamanca 2016/17; 1º Premio ARTE LATERAL_COMPLUTENSE 2016, Madrid; XVIII Certamen Jóvenes Creadores, Salamanca, Tercer Premio Fotografía, 2018.

Selección exposiciones: Individuales: La mirada implica un tacto inconsciente, CENTRO NIEMEYER, Avilés, 2019; 14003, Hybrid Festival, 2019 (Navelart): Otra Restitución, programa “Displaced” en Hybrid Art Fair, Madrid, 2018; Presencias de Ausencias en Lemon y Coco, Cáceres, 2017. Colectivas: Productos Premium al alcance de tus sueños en Espacio arte experimental de Hospedería Fonseca de la USAL; Políticas de habitar en ABM Confecciones, Madrid, 2017; Alfara Studio 2016, Palacio de la Salina, Salamanca, 2017; Art’s/Art Sevilla 2016 (Stand UCM); Just Mad 7, COAM, Madrid.

Talleres artísticos: Painting Workshop by Sangram Majundar, UCM; Doblar la Tierra con Javier Arce, Programa A de la Comunidad de Madrid; Elaboración de proyectos con Montserrat Soto y Taller DeSolares con Basurama en C3A Andalucía; Cápsulas Fuentes con Bárbara Fluxá, UCM; Looking through the eyes of machine con Paul Laidler, Espacio Ankaria UCM; Cerámica artística con Hisae Yanase, C3A Córdoba.

Obra en colección: Centro Niemeyer (Museo BBAA Asturias), Fundación Ankaria, Fundaión Banco Sabadell, Colegio de Médicos de Salamanca, Universidad Complutense de Madrid, Fundación Antonio Gala.

Publicaciones, entrevistas y notas de prensa: https://www.abc.es/cultura/cultural/abci-paula-lemus-trabajo-empezo-como-ejercicio-anoranza-y-busqueda-lugar-echar-raices201905190129_noticia.html https://latamuda.com/conversando-con-paulavaldeon-lemus https://www.arteinformado.com/magazine/n/12-artistas-en-el-foco-de-la-proxima-generacion-6181

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KATARZYNA WIESIOLEK EDUCATION

2014-2018 2013-2014 2012-2013 2010-2014

Ecole nationale supérieure des beaux-arts de Paris Ecole nationale supérieure d’art de Bourges Academy of Fine Arts in Warsaw Academy of Fine Arts in Wroclaw

ARTS RESIDENCIES 2020-2021 Cité Internationale des Arts de Paris Casa de 2019-2020 Velàzquez, Madrid 2018 Art residency, Lourmarin EXHIBITIONS AN PRIZES VivaVilla, Avignon 2020 Sublimation, Galerie Eric Dupont, Paris Publication, Beaux-Arts Magazine, march 2020 Atelier Velázquez, Loo&Lou Gallery, Paris Reexistir, Blanca Soto Gallery, Madrid Galeristes 2019, Carreau du Temple, Paris Paréidolie, Marseille 2019 Art Paris 2019, Paris Même les étoiles sont des mirages, ENSBA, Paris Galeristes 2018, Carreau du Temple, Paris 2018 Group show, Eric Dupont Gallery, Paris Drawing room 018, La Panacée, Montpellier 63ème Salon de Montrouge, Montrouge Prix de dessin contemporain 2018 (Second prize), Paris Selection - Prix Ikart Artistik Rezo, Elephant Paname, Paris 2017 Prix de Dessin Pierre David-Weill, Institut de France, Paris The Big Mosaic, Ibrahim’s khan, Paphos 2016 Wroclaw - Capitale Européene de la Culture, Galerie CROUS, Paris Espaces, Atelier Gauthier, ENSBA, Paris 2015 Bez rozu, Galeria Miejska Arsenal, Poznan 2014 Group show, Pokusa Gallery, Wiesbaden Prize of students of Ladislav Sutnar Faculty of Design and Art of the University of West Bohemia in Pilsen, IX. International Biennial of Drawing, Pilsen 2013 Publication-Interview, Arteon magazine, march 2014 2012 Honourable mention, Derwent Art Prize, Mall Galeries, London Grand Prix, «Postawy», Wrocław Certificate of highest quality - short list VIII.International Biennial of drawing Pilsen 2012, Pildsen

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www.airplace.org info@airplace.org

www.casadevelazquez.org

DESPRENDERSE

Paula Valdeón Lemus y Miquel Ponce Díaz

Coordinación Fabienne Aguado Louma Morelière

Colaboración Blanca Soto Textos Imanol Marrodán Paula Valdeón Lemus Miquel Ponce Díaz Fotografías Paula Valdeón Lemus Miquel Ponce Díaz Montaje Federico Medrano Eduardo Ramírez Diseño Miquel Ponce Díaz © de los textos: sus autores © de las imágenes: sus autores

DESPRENDERSE Paula Valdeón Lemus y Miquel Ponce Díaz

5 noviembre - 6 diciembre 2020 Galería de la CASA DE VELÁZQUEZ

En colaboración con la Galería Blanca Soto y la plataforma independiente AIR, en el marco del proyecto AQUÍ Y AHORA 2020 - REEXISTIR.

ÍNDICE DESPRENDERSE - REEXISTIR: IMANOL MARRODÁN ENTRE AQUELLOS RESTOS

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OTRA CIUDAD: PAULA VALDEÓN LEMUS

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REDUCIR LA PINTURA: MIQUEL PONCE DÍAZ / 32 BIOGRAFÍAS / 50 COLABORADORES / 54

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DESPRENDERSE- REEXISTIR Imanol Marrodán Desprenderse es un proyecto expositivo de Paula Valdeón Lemus y Miquel Ponce Díaz que surge de la colaboración y unión de dinámicas y esfuerzos conjuntos de diversos agentes e instituciones del mundo de la creación contemporánea que tienen como punto de encuentro el marco del evento Aquí y Ahora (AyA) con el lema Reexistir de esta última pasada edición 2019-20.

ción 8) ha sido relacionar y difundir conceptos en distintos planos de nuestra múltiple y compleja estructura habitada para mostrar dichas investigaciones que surgen desde la inteligencia creativa y sus posibles relaciones, aplicaciones y usos en diversos contextos dentro del ámbito social, político y económico.

En AyA y en la plataforma transversal independiente AIR pensamos que el ámbito de la creación contemporánea es un laboratorio, un campo experiencial de pruebas, de ideas susceptibles de ser aplicadas en diferentes niveles y aspectos que configuran nuestro entramado vital humano. De ahí que este ámbito cuya influencia latente, y oculta, sea uno de los pilares fundamentales motrices que, de manera determinante, contribuyen poderosamente a construir, junto con la ciencia y la filosofía, las nuevas configuraciones y modificaciones necesarias, posibles en el sistema para una mayor adaptación, organización y control.

AyA tiene su origen y diseño en la colaboración entre la plataforma independiente AIR (Arte Independiente Revelador) y la Galería Blanca Soto. La convocatoria AyA da a ver los distintos aspectos creativos que fluyen en las diversas y plurales dinámicas de investigación del pensamiento creativo contemporáneo actual. Esta iniciativa pretende así mostrar y difundir, a través de diversos canales, los proyectos de creadores que están trabajando en el momento presente influenciados inevitablemente por una realidad y contexto presente.

De esta idea, la de mostrar infinitas-posibles variables de una realidad múltiple, nace la necesidad de comunicar estas nuevas experiencias propuestas. Y es gracias a la colaboración con la Casa de Velázquez que ha sido posible organizar este evento expositivo con dos de los creadores que han participado en la presente edición de AyA Reexistir expuesta y promovida desde la Galeria Blanca Soto.

La Cultura, paradójicamente una línea de formación de pensamiento liberador generador de progreso, es también hoy un amplio, basto, confuso e indeterminado laberinto; es el medio de instrucción y control social desde el cual se destilan y filtran los diversos hilos y conductas de diferentes comportamientos en los hábitos y roles sociales. Es el principal elemento modulador de la conducta humana en nuestras

El punto estratégico en la filosofía del evento AyA (la presente es la edi-

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sociedades económicamente liberales, evolucionadas y racionalistas, desde donde se da sentido e intención a la vida colectiva formando al ciudadano libremente obediente.

Y debajo de esta palabra vive de manera latente, otra palabra que brota, renace y fluye cuando la pronuncias una y otra vez, expandiéndose una en otra, creciendo y sumándose ambas en su eco. Tal podrían representarse la primera como voluntad y la segunda, oculta, pero latente, brotando con profunda determinación.

Desprenderse es una singular metáfora que han elegido como título de su proyecto expositivo Paula Valdeón Lemus y Miquel Ponce Díaz, que pone de relieve la necesidad, precisamente hoy más que nunca, de hacer una reformulación de valores simbólicos y prácticos con los que, ligeros de equipaje, afrontar el presente para construir el futuro, liberándonos de todo aquello superfluo que lastra y limita nuestra experiencia vital, conscientes por fin, de nuestra condición efímera y transitoria.

Reexistir es una palabra inexistente en nuestro diccionario y vocabulario de la lengua castellana. Un término que conceptualmente no es posible desde nuestra filosofía de la razón capitalista neoliberal y teológica: Nos dice que no podemos volver a existir de nuevo; que no hay vuelta atrás ni segundas oportunidades.

Por último citaremos esta conclusión de la filósofa Marina Garcés en su manifiesto Nueva ilustración radical (2017) como aproximación y posible objeto y definición de lo que probablemente sea hoy la necesidad y función de las investigaciones en la creación contemporánea presente. Algo aplicable a cualquier pensamiento consciente desde su rutina y devenir cotidiano. (Crear es existir, existir es crear): No os creemos, somos capaces de decir, mientras desde muchos lugares rehacemos los hilos del tiempo y del mundo con herramientas afinadas e inagotables.

Despojar y rascar las capas innecesarias prescindibles y que ocultan las múltiples verdades de la verdad, para reutilizar y poner en valor aquello aparentemente inútil y desechable pero que ahora extrañamente se convierte en algo esencial y trascendente con lo que se puede construir un mundo nuevo y posible desde nuestra experiencia y percepción vital personal e individual.

Curiosamente y de manera premonitoria, antes del colapso producido por este virus (COVID-19), para AyA imaginé como lema de la convocatoria la palabra Reexistir.

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ENTRE AQUELLOS RESTOS Paula y Miquel Desprenderse supone ser conscientes de nuestra fragilidad y vulnerabilidad como seres. Es dar paso al cambio, a lo nuevo, a lo incierto en muchas ocasiones. Hablamos desde lo que conocemos, aquello que nos ocurre y que nos rodea. La inestabilidad de un momento dado y la fragilidad con la que vemos aquello que sucede a nuestro alrededor es probablemente lo que nos hace construir a partir de los restos de una acción pasada, o de un acontecimiento lejano. Desprenderse es cambiar de estado. El hecho constante de dejar de pertenecer como consecuencia del cambio es lo que nos impulsa a una atracción por la materia que ciertos desprendimientos deja a su paso.

La idea de desprenderse posee la materialidad de un tiempo preciso, de un cuerpo que cae, que se separa y deja de ser. Esta calidad tangible de lo temporal es lo que nos otorga la sensibilidad para alejarnos de lo bidimensional y acercarnos a una pintura que se plantea en muchas ocasiones desde sus materiales. Una pintura que contiene la huella de ese desprendimiento y que muestra los signos de un hecho anterior.

Desprenderse es perder referencias con lo otro, es la forma de dejar algo y seguir. Seguir interpretando la otredad, alimentándola y creando un tejido de su esencia entre lo que queda, entre aquellos restos.

Cuando hacemos referencia a aquello que se desprende estamos hablando en muchos casos de un resto, de aquello que queda entre las ruinas de un derribo, o que se olvida sedimentado y nos impide ver el conjunto de lo que fue. Hay una cualidad temporal en nuestros trabajos, que vienen de un momento, de un cúmulo de circunstancias y factores sobre los que intentamos poner el foco de atención: Detener la mirada y ver esas cuestiones temporales y pictóricas que nos rodean. Mirar hacia el resto como una respuesta a nuestro tiempo de producción contínua y de estímulos constantes. Ffijarse en lo mínimo y residual dentro de un mundo de atención dispersa puede ser un acto de resistencia.

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OTRA CIUDAD Paula Valdeón Lemus No pertenecer a ninguna parte, o a todas. O dejar que la ausencia de unas raíces fuertes haga su trabajo, sin anclar la huella en un sitio concreto.

Dar paseos, reconocer, apreciar, recordar, asimilar y cuestionar; es la acción que da origen a un trabajo inspirado en el material doméstico, arquitectónico y de diseño que nos ofrece la calle. Y que nos da la posibilidad de conectar con la parte sensible de los edificios, desde su lado más privado hasta el más público.

La ciudad (…) un conjunto que es múltiple sin desorden1.

J.L. Borges (…)Hacer botánica al asfalto2…

W. Benjamin Estas declaraciones son máximas para cualquier flaneur y están muy presentes dentro de mi inclinación por agotar estética y formalmente la afectividad que ofrece la ciudad y por el interés en cómo administramos lo decorativo en la vivienda.

Los símbolos, la huella cultural, están sometidos a juicio estético y en mi caso me sirven de estímulo para crear una obra que atraviesa la memoria y la estética de lo cotidiano y que sorprenda a los distraídos.

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Las intervenciones plásticas en lo ya conocido tienen el objetivo de recuperar la visión pictórica que desprende el conjunto de elementos y material destinado a crear privacidades: invitando a mirar y leer de una manera diferente en nuestro pasear: Una lectura inconsciente/ otra lectura.

Con la reformulación de patrones y diseños industriales bajo la utilización de lo artesanal, quiero activar la afectividad y sensibilidad que desprende todo este material urbano: materializar la experiencia cotidiana siguiendo la línea de acariciar con la mirada, y dar a conocer la cualidad háptica de lo que acompaña a la arquitectura.

Concretamente, las piezas se traducen como entes contenedores de la memoria y los afectos de los elementos utilizados en la práctica de habitar, generando un tejido de referencias al mobiliario, a los estampados, a lo natural, a lo urbano, a los símbolos, a lo aleatorio…

1 Borges, J. L. (1971). El Aleph. Madrid: Alianza. p. 51.

2 Benjamin, W. (1999). Poesía y Capitalismo. Iluminaciones II. Madrid: Taurus. p. 50.

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REDUCIR LA PINTURA Miquel Ponce Díaz Estamos en un momento en el que los límites están cada vez más presentes, los límites de nuestra casa, de nuestras conductas y de nuestras palabras. La pintura también se encuentra en un límite, tal vez más consciente. En este caso, hay un límite entre lo que es y no es pintura, entre lo que hay dentro y fuera de ella.

Este proyecto surge de una visión sobre el espacio en el que habitamos, el espacio urbano, la naturaleza, pero también el espacio donde habitan las obras: el estudio. Las obras de esta exposición, pretenden entender el estudio como parte del proceso, como condicionante y como fuente de recursos. El estudio es donde se sedimentan algunas de las ideas trabajadas, y donde queda la huella de los procesos llevados a cabo a lo largo del tiempo. A través de esta sedimentación, la idea de vaciamiento está muy presente, se puede ver como de una manera progresiva la imagen se ha ido aligerando, dejando paso al vacío. En ese espacio desierto es donde ocurre esta pintura, donde se genera una imagen vacía o ciega, que niega su propia idiosincrasia, donde se generan los distintos grados de información, gestos residuales e imágenes que no provocan otra cosa que duda. Duda entre aquello que está pintado, entre aquello intencionado o azaroso, entre lo premeditado y lo improvisado. Entre lo caótico y lo racional.

Este trabajo se instaura en esa incógnita, en querer ver más y en no

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poder acceder a todo, en aquellas marcas que quedan de una acción pasada, y en aquellos restos que se encuentran fortuitamente mientras uno trabaja en el estudio. Vaciar es por tanto una manera de pausar. Fijarse, detenerse y observar en un mundo acelerado.

que más me interesan. Es por eso que estos trabajos se han centrado en aquellos aspectos más crudos y directos de la pintura, no hay una imagen clara, más bien esa imagen es algo procesual o material, que en muchas ocasiones simplemente ocurre como una suerte de suceso.

Las obras surgen del afán por trabajar la imagen de una manera diferente, prestando atención a aquellos registros o marcas que de un modo sutil aparecen en el proceso pictórico. Configurar una pintura en muchas ocasiones dañada y erosionada sirve para aludir al carácter frágil y precario al que Paula y yo hacíamos referencia en el texto inicial de esta exposición, pero también muestra de alguna manera las debilidades de la imagen y las respuestas que la pintura puede tener.

Una pintura rota, fragmentada y desconfigurada es una manera más de mostrar la imagen como algo vulnerable, y también una manera de poder entender cómo se presenta el resto.

Otra cuestión importante en mis trabajos es la idea de no representar, es decir, de utilizar la pintura como motivo en sí mismo. Sobre la cuestión de la representación en pintura Robert Ryman dijo: No estoy pintando una imagen de nada2. Alejándose así de una idea de pintura ligada a la representación y acercándose a la idea tautológica de pintar pintura. Separarse de la imagen acercándose a lo material, y utilizando el medio como una manera de configurar la imagen es una de las vías

1

Hernández-Navarro, M. A. (2006) La so(m)bra de lo real: El arte como vomitorio.

Valencia: Institució Alfons el Magnànim.

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Ryman, R., Martin, C. J., Hoban, S., & Dia Center for the Arts. (2017). Robert Ryman.

New York: Yale University Press. p. 20.

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Lo cierto es que hoy nuestra cotidianidad se encuentra llena de imágenes que suplantan lo real, el arte sólo puede definirse por medio de un intento de eludir tal imagen (...) a lo que llamamos arte sólo le queda cada vez más la opción de romper el placer visual del espectáculo, la opción de decepcionar la mirada1.

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Estudios:

MIQUEL PONCE DÍAZ (Valencia, 1997)

2019 - 2020 2018 - 2019 2015 - 2019

Máster en Producción Artística, Universitat Politècnica de València, España.

Beca Erasmus, Technological University Dublin, Irlanda.

Grado de Bellas Artes, Universitat Politècnica de València, España.

Exposiciones (selección): 2020 Plus VI. Residencias de Creación e investigación artística. MUA, Alicante.

El grito. Casa de cultura José Peris Aragó, Alboraya.

Premi Telax, Galeria Antoni Pinyol, Reus, Tarragona.

2019 Reexistir, Aquí y ahora 8, Galería Blanca Soto, Madrid.

Panorama #3, Galería Fran Reus, Palma de Mallorca.

Ciutat Vella Oberta, 4ª Bienal de las Artes de Valencia, Palacio Marqués de Campo.

Outside, Espai En Vitrina, Universitat Politècnica de València.

Lo que queda, l’Espai, Torrent. (individual) Error T4, Universitat Politècnica de València.

2018 Convergence, TUD Grangegorman, Dublin.

2017

A contracorriente, vídeoarte y ecología, Fundación La Posta, Valencia.

Ciutat Vella Oberta, 3ª Bienal de las Artes de Valencia, Círculo de Bellas Artes.

Premios, becas y residencias (selección): 2019

2018

Seleccionado en el Premio Ibercaja de Pintura Joven, Zaragoza.

Seleccionado en el II Premio Talento Artístico Ahorro Corporación Financiera, Madrid.

Primer premio en el IV Concurso de pintura de Castellón.

Seleccionado en el XXXIV Concurso de Pintua Vila de Puçol, Valencia.

Seleccionado en el IV concurso de pintura Fundació Privada Mutua Catalana, Tarragona.

Segundo premio de pintura en el XIV concurso de pintura y fotografía de la Universitat Politècnica de València.

Seleccionado en el Concurso de artes plásticas de Quart de Poblet, Valencia.

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Estudios:

PAULA VALDEÓN LEMUS (Villafranca de los Barros, 1992)

2016 - 2017 Máster de Investigación en Arte y Creación, Universidad Complutense de Madrid, España.

2011 - 2015 Grado de Bellas Artes, Universidad de Salamanca, España.

Exposiciones (selección): 2020 Feria Marte, Castellón. (Individual) XV Encuetros de Arte de Genalguacil, MAC Genalguacil.

De lo tangible a lo etéreo, PuxaGallery, Madrid.

2019 Reexistir, Aquí y ahora 8, Galería Blanca Soto, Madrid.

La mirada implica un tacto inconsciente, Centro Niemeyer, Avilés. (Individual) Productos premium al alcance de tus sueños, Espacio arte experimental de Hospedería Fonseca de la USAL, Salamanca.

Promoción 17, Fundación CajaGranada, Granada.

Políticas de habitar, ABM Confecciones, Madrid.

Art<35, Sala Parés, Barcelona.

2018 Otra Restitución, programa Displaced en Hybrid Art Fair, Madrid.

2016 Just Mad 7, COAM, Madrid.

Art´s/Art Sevilla, stand UCM. Premios, becas y residencias (selección): 2020 2019 2018

2016

Premio Nacional, Feria Marte, Castellón.

Encuentros de Arte Genalguacil, Málaga.

Beca AlNorte, Asturias.

Residencia en la Fundación Antonio Gala, Córdoba.

Seleccionada en el XXII Certamen Jóvenes Pintores, Fundación La Gaceta, Salamanca.

Seleccionada en Art<35 Fundación Banco Sabadell, Barcelona.

Primer premio Arte Lateral_Complutense, Madrid.

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CONTEXTO: DESPRENDERSE La Casa de Velázquez presenta del 5 de noviembre al 6 de diciembre la exposición DESPRENDERSE, de los artistas Paula Valdeón Lemús y Miquel Ponce.

Esta muestra es la continuación del proyecto Aquí y Ahora (AyA), cuyo origen se encuentra en la colaboración entre la plataforma independiente AIR y la Galeria Blanca Soto.

AyA se define como una convocatoria abierta que comprende la creación contemporánea. La 8ª edición de esta iniciativa -bajo el lema REEXISTIR- se materializó en diciembre del 2019 en una exposición en la Galería Blanca Soto, en la que participaron una quincena de artistas, entre ellos dos artistas miembros de la Casa de Velázquez: Leticia Martínez Pérez y Katarzyna Wiesiolek.

En esta tercera etapa del proyecto AyA, la colaboración de la Casa de Velázquez se suma de manera aún más efectiva, invitando a dos artistas seleccionados en la convocatoria 2019 para exponer en sus instalaciones de la Ciudad Universitaria de Madrid.

DESPRENDERSE da así vía libre a Miquel Ponce y Paula Valdeón Lemús, dos artistas visuales cuyas líneas de trabajo tienen en común el indagar lo escondido, la materia y la memoria.

Los dos artistas, además, se benefician de una beca de producción de parte de la Casa de Velázquez para profundizar sus investigaciones.

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LA CASA DE VELÁZQUEZ traten, en el ámbito de las Ciencias Humanas y Sociales, de los campos geográficos de referencia. Los artistas, seleccionados por un periodo de misma duración, son acogidos en residencia. Todas las disciplinas artísticas pueden estar representadas: artes plásticas, arquitectura, composición musical, cine, videoarte y fotografía.

La Casa de Velázquez es, a la vez, un centro de creación artística y un centro de investigación. Esto es lo que constituye su singularidad en el conjunto de las cinco Escuelas Francesas en el Extranjero bajo la tutela del Ministerio de Enseñanza Superior, Investigación e Innovación: la Escuela Francesa de Atenas, la Escuela Francesa de Roma, el Instituto Francés de Arqueología Oriental del Cairo y la Escuela Francesa de Oriente Medio. En efecto, la Casa presenta la particularidad, desde su fundación en 1928, de acoger conjuntamente a artistas, a través de la Académie de France à Madrid, y a investigadores en el marco de la Escuela de Altos Estudios Hispánicos e Ibéricos (EHEHI).

La Casa concede también becas de corta duración (tanto a artistas como a investigadores, doctorandos y postdoctorandos).

Establecimiento público de carácter científico, cultural y profesional, la Casa de Velázquez tiene la misión de desarrollar actividades creadoras e investigaciones relacionadas con las artes, las lenguas, las literaturas y las sociedades de los países ibéricos, iberoamericanos y del Magreb.

También tiene la vocación de contribuir a la formación de artistas, investigadores y docentes-investigadores, así como de participar en el desarrollo de intercambios artísticos y científicos entre Francia y los países relacionados.

C/ de Paul Guinard, 3, 28040 Madrid. España

El establecimiento selecciona, por un periodo de un año renovable una vez, a investigadores doctorandos o post-doctorandos cuyos trabajos

https://www.casadevelazquez.org/

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GALERÍA BLANCA SOTO ARTE - AQUÍ Y AHORA Aquí y Ahora es un proyecto que trata de promover y difundir el pensamiento y el trabajo de distintos creadores que están trabajando en este tiempo y contexto social y político actual. Este programa-evento nace de una idea original del creador contemporáneo Imanol Marrodán, director de dicho proyecto en colaboración con la Galería Blanca Soto Arte.

dando y recuperando la importancia de la voz y el pensamiento del propio creador, no solo de su acción u obra específica.

Se propone incentivar e impulsar la diversidad y amplitud de canales nuevos donde el arte pueda interactuar en otros contextos sociales dando lugar a una mayor diversidad y amplitud de difusión y desarrollo del pensamiento contemporáneo actual.

La idea es poder ofrecer la posibilidad de dar a conocer su trabajo y pensamiento en un contexto específico dentro del propio ámbito profesional. Para ello se propone utilizar los canales y formatos habituales del medio tanto públicos como institucionales, dando la oportunidad de exponer en una galería de arte al mismo tiempo que se exploran y utilizan canales nuevos de difusión dentro del contexto de la red y del espíritu web 2.0 de estructuras virtuales que interactúan entre sí promoviendo una difusión más efectiva y amplia del pensamiento y obra de los autores seleccionados.

De este modo este evento centra principalmente la difusión en ese entorno de la red utilizando plataformas de difusión cultural específicas o espacios divergentes alternativos como redes sociales o la plataforma independiente AIR. Para ello se realizará una publicación con las obras expuestas en la galería acompañadas con textos de los propios autores

Calle Almadén, 16, 28014, Madrid. España https://galeriablancasoto.com/

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AIR - ARTE INDEPENDIENTE REVELADOR Revealing Independent Art AIR es una plataforma-entorno independiente de gestión online de recursos culturales y de agentes artísticos. Su objetivo es la creación y difusión del pensamiento contemporáneo a través de cualquier expresión creativa e innovadora.

En este contexto se incluye el arte contemporáneo pero también la filosofía, la música el diseño…, o cualquier otro tipo de pensamiento “creativo” que contribuya a generar una ideología progresista y sostenible desde el punto de vista de cambio y evolución social.

Su ámbito de actuación fundamental será principalmente a través de la generación de un portal en la red que potencie el mestizaje y la fusión de conceptos creativos que busquen y pretendan incentivar cambios de pensamiento de evolución transversal y diversa potenciando la educación y el pensamiento positivo divergente como alternativa y motor de cambio social.

La red precisamente es el medio fundamental elegido para la difusión e intercomunicación de ideas dentro de un espacio participativo de interculturalidad y convivencia como es la web 2.0

http://airplace.org/

AIR es pues un espacio nómada, mutante, independiente y salvaje como la naturaleza misma.

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