Brainstorm! nº 3 by Brainstorm Fanzine

ALFONSO ZAPICO AFRO SAMURAI TATUAJE JAPONÉS AVENTURAS DE PEPITO DIBUJOS DE LIBRETA Y MUCHO MÁS...

Nº: 003

SUMARIO PERO CUÁNTAS VECES TE HA SECUESTRADO YA, ¿20? ¡PERO A TI QUE COÑO TE PASA! ¿TIENES SÍNDROME DE ESTOCOLMO O SOLO ERES GILIPOLLAS?

EL TATUAJE JAPONÉS

Daniel Rubines

Y CLARO, DEL SEXO NI HABLAMOS... OTRA VEZ TE DOLERA LA PUTA CABEZA... ¿TE ACUERDAS DE AQUELLA VEZ EN LA NINTENDO 64? MÁS DE 100 NIVELES, MORÍ 74 VECES, Y ¿QUE ME DISTE A CAMBIO AL FINAL? ¡UNA TARTA! ¡¡¡UNA PUÑETERA TARTA!!!!!

VIÑETAS COMICAS Aritz Martínez

CONCHA VELASCO SE SUS PROBLEMAS CON DA DE ORINA. SI ELLA S

EXPERIMENTANDO CON EL CINE

AVENTURAS DE PEPITO

Ángela García

Andrea Arnal

Endika Arteta

EL STORYBOARD Juan Gainzarain

AFRO SAMURAI Aritz Martínez

ALFONSO ZAPICO

CACA Y HUETE Mikel Escalera

ESPECIAL DIBUJOS DE LIBRETA

HOSTIAPUTA, OT NO...

EDITORIAL “En los tiempos que corren, el mero hecho de que existan fanzines gratuitos como Brainstorm deja bien claro que los artistas están hechos de una pasta especial. Casera. Son impasibles al desaliento culinario, compensan precariedad con salpimentada imaginación y poseen el gen de la supervivencia grabado al dente en su ADN. Su creatividad no entiende de crisis. Los alumnos de la Escuela de Arte y Diseño de Vitoria forman parte de esta selecta “fettuccine” gráfica, una pasta humilde pero cargada de esencia que a buen seguro agradará su paladar y favorecerá su digestión cultural, sin duda tan necesitada ante tanto recorte. Brainstorm es un bocado de ese arte que se mueve en las calles, entre la juventud, que a veces pasa desapercibido salvo para quienes aprecian la fina especia. Sin flatulencias. Una delicatessen casera que cumple su función en bares,

tiendas especializadas e incluso en el servicio de su casa; Alimentar su ánimo y espolear su goce artístico. E incluso sugerir su reconciliación con el lado derecho de su cerebro, ¡que ya va siendo hora de que quite el polvo al lápiz y se de una alegría mandándonos alguna de sus recetas aliñadas en grafito!. Por todo ello nuestro más sincero e incondicional apoyo a todos aquellos fanzines, gratuitos o no, cuya elaboración artesanal jamás compensará con dinero la ingente cantidad de cariño, tiempo y sangre que sus autores aportan mes a mes, año tras año, para que sus delicias gráficas estén al alcance de todos aquellos conscientes de que el más apetitoso de los sabores no solo se encuentra entre tapas duras. Cinco estrellas Michelin para ellos.” Por Juan Gainzarain

El Tatuaje Japones

¡Buenas otra vez más brainstormers! De nuevo daros la bienvenida a mi sección, y presentaros en este caso el tatuaje japonés. Antes de entrar en materia, aclarar la diferencia entre 2 términos que hacen referencia a este tipo de tatuaje: Oukoshisei: Se refiere al tatuaje japonés como expresión artística, donde se muestra su grandeza y belleza. Irezumi: Significa literalmente ” meter la tinta”, es decir, el acto de tatuar. Una vez explicado eso, nos adentramos en su historia. Bien, deciros que el origen del tatuaje japonés es algo polémico, pero hay un acuerdo casi unánime de que estos se habían convertido en una parte importante de la cultura por el año 500 a.C., antes del período Yayoi ( 300 a. C – 300 d. C). Posteriormente, ya en el siglo III (periodo pre- Edo), el tatuaje fue siendo utilizado en algunas partes de Japón para indicar el rango social. Más tarde, en el siglo VIII, bajo la influencia del Confucionismo, se prohibe alterar o dañar intencionadamente ninguna parte del cuerpo. Los que lo hacían, eran condenados al destierro. A los delincuentes se les castigaba marcándolos con un círculo tatuado en sus brazos. También había zonas donde se empleaban los tatuajes

para determinar las clases sociales denominadas como los “no humanos” (expresidiarios, vagabundos, limpiadores de calles o animadores), e incluso también a los de casta más baja, los Burakumin (aldeanos, enterradores, verdugos, etc). Inevitablemente, encuentran su identidad en su exclusión social y se desarrolla una nueva sociedad, la gente tatuada. Después llegará el periodo Edo ( 1603 – 1868) la época de oro para el Irezumi. En esta época, la gente empieza a decorar sus marcas criminales con motivos más ornamentales, embelleciéndolas, de manera que fue extendiéndose esta moda incluso entre las cortesanas y sus amantes, y otras castas sin antecedentes penales. En este periodo surge la Yakuza moderna, siendo normal que los miembros se identificaran con tatuajes. El Irezumi deja de verse únicamente reservado para los delitos graves, y se extiende a delitos menores, lo cual provoca la exclusión de los delincuentes menores de la sociedad, y los empuja a los brazos de los grupos criminales que los tatuaban como símbolo de pertenencia. La popularidad de varios cuentos y relatos sobre héroes criminales, aumentó el sentimiento de autoconciencia y del valor de los elementos criminales, con su

correspondiente boom en el mundo del Irezumi. Esto se desarrolla con la aparición de unas pinturas hechas sobre planchas xilográficas de la popular novela china Suikoden, cuento que mostraba en sus ilustraciones, heróicas escenas de personajes de cuerpos decorados con dragones y otras bestias míticas; la novela tuvo un impacto inmediato y la demanda de este tipo de tatuaje fue instantánea. Los artistas xilógrafos empezaron a tatuar usando algunas de las herramientas que tenían para imprimir en planchas de madera, como cinceles, gubias, y lo más importante, una tinta conocida como tinta Nara, que se caracterizaba por transformarse en azul verdoso debajo de la piel. Esto evoluciona apareciendo una nueva figura, el Horishi, maestro tatuador, que llegó a ser venerado entre los miembros del gremio. Ellos usaban

una técnica llamada Tebori ( literalmente “tatuaje hecho a mano” ), que consistía en perforar suavemente la piel con unas agujas en varas de bambú, dándole la fuerza necesaria con las manos. Como el tatuaje comenzó a afianzarse entre las clases sociales criminales del turbio mundo de Japón, al aumentar la demanda, aumenta el personal cualificado para ello, haciéndose así profesionales. Aún hoy son respetados, siendo llamados maestros o Sensei , y un cliente debe mostrar ese respeto. Los motivos utilizados por estos maestros eran diseños complejos como carpas, tigres, flores, dragones…etc, incluso figuras de héroes de la historia y cultura japonesa. Estos diseños tradicionales, hechos por un Horishi, se conocen como Horimono, en lugar de Irezumi. Hoy en día, aún existen estos Horishi,

y sus diseños pueden llegar a costar hasta más de 20.000€, y tardar muchos años en completarse. Ésto ha llevado a un aumento, incluso para los Yakuza, de la necesidad de tatuadores modernos. Una vez que el diseño ha sido terminado, los clientes vuelven a ver a su Horishi en grupos, para reuniones. Tal vez, otra razón por la que la elección del Horishi sea cuidadosa, una tradición muy vinculada a la Yakuza. Comentar que el tipo de tatuaje que ellos trabajaban se denomina “Bodysuit”. Hay que señalar la costumbre de dejar el esternón sin tatuar, o Munewari, que se hacía con la intención de que al llevar el kimono no se vieran los tatuajes. El gobierno japonés prohibió el tatuaje en el inicio del período Meiji (1868 1912), lo cual hizo que este se afianzara como un signo de lealtad entre

el gremio delincuente. Pero la moda siguió evolucionando en gran parte gracias a los extranjeros que, a menudo, buscaban un Horishi que los tatuaran a ellos también. En esta época el tatuaje era discriminado, pero la Yakuza lo usaba como símbolo de lealtad hacia sus jefes y marcaba la posición y estatus dentro del grupo. Pero muchos funcionarios del período Meiji quemaron los libros de diseños de los Horishi, y muchos tuvieron que quedar escondidos hasta después de la 2ª Guerra Mundial. Las fuerzas de ocupación aliadas legalizaron de nuevo el tatuaje después de la 2ª Guerra Mundial. Hoy en día, aún siguen siendo mal vistos en Japón debido a su relación con la Yakuza. En muchos baños públicos de Japón podemos encontrar carteles que prohiben la entrada con tatuajes.

GLOSARIO JAPONÉS Bueno chic@s, he decidido hacer un stop en nuestro tattoo- diccionario; más que un stop un paréntesis, en el que vamos poder conocer y entender algunos de los distintos motivos utilizados en el Irezumi. Espero que os guste, y os ayude a reconocerlos cuando los veais por la calle, a algún colega o familiar, o que os facilite la elección si quereis haceros un tatu de este estilo.

OURYU dragón alado

Se trata de un dragón con alas semejantes al fuego. Un dragón se transforma en Kakuryu (un dragón astado) a los 500 años, y el Kakuryu se transforma en Ouryu tras 1000 años. De ahí que al Ouryu se le conoce como la mayor forma del dragón cuando éste madura.

KOI carpa

MUNEWARI división pectoral

Es la mascota más común en Japón. Se conoce como Koi al rey pez del río, y se considera un pez alegre. Los samurais del Periodo Muromachi deseaban lograr tener su valentía.

HOU-OU pájaro sagrado

Se dice que tiene poderes sobrenaturales, siendo el primero y más importante el de predecir el futuro. Es considerada en muchos santuarios como un emisario de los dioses.

Es uno de los estilos tradicionales japoneses. Consiste en dejar sin tatuar la parte central del torso. Este estilo se desarrolló originariamente para evitar que se mostraran los tatuajes cuando se vestían los kimonos.

JINKI tortuga con orejas

Se considera que este pájaro sagrado trae buena suerte. Hou-ou es el más sagrado de los pájaros, y se considera su rey debido a su gran espiritualidad.

BAKU bestia espiritual come-sueños

Vive en el valle del sur de Japón. Su cuerpo es grande como un buey, tiene trompa de elefante, pequeños ojos de rata, cola de buey y patas de tigre. Su pelaje es corto y de un color amarillo oscuro, parecido al de un león. Pero tranquilos, es una bestia buena.

KI-RIN bestia bendita de la prosperidad

Tras el dragón y el Hou-ou, el Ki-rin es la criatura más adorada. Es del tamaño de un ciervo, tiene patas de caballo y cola de buey. Su cabeza es alargada como la de un lobo y lleva un cuerno. Su cuerpo está recubierto por escamas

TORA tigre

En Japón, los dragones en el cielo y los tigres en la tierra se unen para formar la palabra ‘Ryu-ko’, que describe dos héroes o grandes hombres de igual magnitud.

HEBI serpiente

Aunque normalmente son tomadas como criaturas tenaces y odiadas por mucha gente, las serpientes son consideradas en las leyendas como mensajeras de los dioses, particularmente las blancas.

PERO CUÁNTAS VECES TE HA SECUESTRADO YA, ¿20? ¡PERO A TI QUE COÑO TE PASA! ¿TIENES SÍNDROME DE ESTOCOLMO O SOLO ERES GILIPOLLAS?

Y CLARO, DEL SEXO NI HABLA OTRA VEZ TE DOLERA LA P CABEZA... ¿TE ACUERDAS DE A VEZ EN LA NINTENDO 64? MÁS NIVELES, MORÍ 74 VECES, Y ¿Q DISTE A CAMBIO AL FINAL? TARTA! ¡¡¡UNA PUÑETERA TA

AMOS... PUTA AQUELLA S DE 100 QUE ME ? ยกUNA ARTA!!!!!

CONCHA VELASCO SE QUEJA DE SUS PROBLEMAS CON LA Pร RDIDA DE ORINA. SI ELLA SUPIERA... HOSTIAPUTA, OTRA VEZ NO...

VICE CITY, 02:00 AM ARGH!!, ARFF!! HO DIOS, HO DIOS, ARGGH!! ...YO YA...

EXPERIMENTANDO

CON EL CINE

Más allá de las películas que normalmente nos rodean, podemos encontrar otras formas de cine, como el cine experimental. Este tipo de films se acercan al mundo de la ilustración no sólo por las técnicas con las que se realizan, sino por su carácter artístico.

Suelen ser obras no narrativas que siguen una lógica poética, basada en el ritmo y en la imagen misma. El cine experimental nació en los años ’30, incitado por la gran creatividad que acompañaba a las Vanguardias del siglo XX. Fue en los ’60, con el principio de la psicodelia, cuando alcanzó su auge. Descubrimos dos tipos de películas experimentales relacionadas con el dibujo. Por un lado encontramos el cine no figurativo. Experimenta con el propio soporte, el celuloide, para abstraer las formas, el color y el tiempo. Los autores pintan o rayan sobre el celuloide. Colorean cada fotograma creando una serie de imágenes abstractas que se proyectan como una película. El resultado es una poesía pictórica.

Esta técnica es también la que trajo el color a las películas, el llamado technicolor. Cada fotograma se pintaba siguiendo el realismo de la imagen filmada en él. Por otro lado está el cine de metraje encontrado. Este tipo de videos retoman la técnica ilustrativa del collage, pues tiene que ver con el reciclaje audiovisual. Se recogen y unen secciones de distintas grabaciones, y se les dota de un nuevo sentido. Muchos de estos videos son de carácter lúdico, aunque también es usual usar esta técnica para la denuncia social. Estas técnicas poco conocidas y para nada comerciales resultan muy interesantes a la hora de buscar nuevas posibilidades tanto en el mundo del cine, como en el mundo de la ilustración. Y es que jamás dejará de sorprendernos lo unidos que están el cine y la ilustración.

ALFONSO ZAPICO Por Ángela García

Alfonso Zapico es un historiador e ilustrador español. Sus comienzos fueron en Francia y a sus 31 años dentro de sus importantes trabajos podemos destacar, La guerre du professeur Bertenev premiado con Josep Toutain al Autor Revelación, Un jour de mai y Café Budapest, en el que aborda el conflicto árabe-israelí y por el que recibió el premio Haxtur al mejor guión. También colabora con el semanario Les Noticies con una tira titulada Les pites de Grau. 12

Háblanos un poco de tus trabajos…

Bueno, no he publicado muchos cómics: empecé en 2006 con un álbum para el mercado francés, “La guerre du professeur Bertenev”, al que siguieron un par de álbumes colectivos, y luego hice “Café Budapest”, una novela gráfica más densa, en blanco y negro, con la que cambié de registro. En 2011 han aparecido casi a la vez mis dos últimos libros, “Dublinés” y “La ruta Joyce”, dos obras con el escritor irlandés James Joyce como referencia, una biografía y un viaje ilustrado. Y ahora estoy trabajando en lo próximo, una historia bastante larga ambientada en los años previos a la Guerra Civil Española.

¿Cuál era el cómic favorito de tu infancia?

Cuando era niño yo estaba dividido entre Tintín y Astérix, como casi todos los niños de mi edad. Tintín era más

formal y más aventura, y Astérix era una locura, cómico y sorprendente en cada historia. Aunque si tuviera que elegir, me quedaría con Goscinny antes que con Hergé, no sé por qué.

Alfonso, ¿a qué edad comenzaste a dibujar?

Sfar o Paco Roca son nombres para mí imprescindibles. No sólo por cómo dibujan, sino por lo que cuentan, por su espíritu individual como autores y su forma de ver el mundo. El dibujo es sólo una herramienta en manos del autor, y el alma del autor es lo que importa.

¿Como empezaste en el mundo del comic/ilustración?

Bueno, pues como a la mayoría de los autores, los caballos, sin duda. Con el tiempo he aprendido a dibujar mis propios caballos, con mi propio estilo, inmersos en mi propio universo, y entonces quedan bien. Pero un caballo es siempre un reto. Son animales tan bien hechos y tan armoniosos...

Pues yo dibujo desde siempre, dibujaba como todos los niños, en el colegio, en casa... En el instituto contiuaba dibujando, ilustraba el periódico de estudiantes... En realidad yo dibujaba como todo el mundo, pero con los años la gente abandona los lápices, y yo sigo con ellos.

¿Qué es lo que más te cuesta dibujar?

Yo era muy lector de cómics en mi infancia, pero luego cuando empecé a estudiar en la Escuela de Arte, paradójicamente, abandoné el medio y dejé de leer cómics. Sólo después de terminar mis estudios sentí de nuevo la llamada de (no sólo leer) sino de dibujar cómics, para contar historias, para comunicarme con la gente, como un instrumento de transmisión y reflexión sobre la realidad. Y compagino el cómic con mi labor de ilustrador, igual de profesional pero menos libre.

Mientras trabajas, ¿qué tipo de música te pones?

Ah, pues depende. A veces no escu-

¿Has realizado estudios formales de arte, o eres autodidacta?

Estudié Ilustración y Diseño Gráfico en la Escuela de Arte de Oviedo. Y tuve muy buenos profesores, de los que me arrepiento de no haber aprendido más cosas. Pero cuando tienes dieciocho años no ves las cosas con la misma claridad. Aparte, esta profesión tiene una parte muy importante de autoaprendizaje, o más bien, uno ha de obligarse a aprender continuamente de los demás.

¿Qué ilustradores históricos o contemporáneos admiras más?

Gus Bofa, Eddie Campbell, Joann

cho nada, otras radio 3, otras escucho a Iker Jiménez (sigh). Cuando dibujé Café Budapest escuché mucha música Klezmer, que me inspiró muchísimo y es una música especial, electrizante. Cuando dibujaba “Dublinés” tenía de fondo los “Dubliners”, y ahora escucho a veces maravillosa música de los años 30. A veces me creo que estoy en el escenario que dibujo, y esto me ayuda a dibujar.

aguada en grises... Luego lo escaneo todo, limpio suciedades e incrusto los textos, con una tipografía manuscrita propia que me he fabricado. El resultado es bastante artesanal, y le pega mucho al tipo de historias que hago.

Esta pregunta es una trampa mortal, es imposible responderla. ¡La respuesta sería inabarcable! Como no tengo una obra de arte favorita, y no podría elegirla nunca, diré la que tengo entre manos ahora mismo: un libro, “Narraciones completas” de Alexander Pushkin. Una maravillosa obra de arte que no pasa de moda.

¿Cómo ha sido tu experiencia laboral?

Casi todo lo hago en papel. Soy muy artesanal y muy tradicional para el dibujo: lápiz azul, plumilla, un poco de pincel, un poco de tippex, a veces

¿Cómo es tu proceso creativo?

¿Qué es para ti el Arte?

¿Tu obra de arte favorita? ¿Porqué?

Pienso, sin saber definir mucho por qué, que el arte es lo que nos salva. El arte nos da consuelo en este mundo caótico y decadente, el arte nos empuja a vivir.

¿Qué parte de tu trabajo lo realizas en papel y qué parte en digital?

Bastante buena en general: muy dura al principio, y también dura ahora que tengo varios proyectos profesionales encarrilados, porque con este tipo de trabajo uno ha de reinventarse constantemente, evolucionar, abarcar diferentes perspectivas. El mañana no está asegurado para un ilustrador independiente. Bueno, si hablamos de cómic, me paso los primeros meses haciendo cosas inútiles pero sin las que no podría llevar adelante el proyecto: esto es, escribir y escribir, redactar el guión, separar los tiempos y los personajes, buscar documentación, fotografías, leer libros, preguntar a gente... Luego dibujo un storyboard completo pero muy guarro, y entonces paso al tablero, donde dibujo las páginas a lápiz y tinta. Escaneo, limpieza, inserción de textos y listo.

¿Consideras necesario conocer a los pintores clásicos para ser un buen dibujante e ilustrador?

Bueno, yo no estudié Bellas Artes, pero está claro que tener una buena base de arte clásico ayuda enormemente a evolucionar y crear un estilo propio como ilustrador. En la cartelería, ilustración y publicidad de finales del siglo XIX y principios del XX se han inspirado muchos ilustradores desta-

cados de hoy, lo que demuestra que tirando del hilo hacia atrás aprendemos mucho.

A parte de comics.....¿ trabajas como dibujante en un periódico verdad?

Sí, ilustro artículos de prensa y hago alguna tira cómica de actualidad. Pero no soy un ilustrador de prensa integral, de ésos que se curran una tira diaria, un esfuerzo intelectual y humorístico de mucho fuste y que requiere mucho esfuerzo. A veces el lector no se da cuenta cuando abre el diario por la mañana, pero el dibujante se ha exprimido mucho el día anterior. Gracias por la atención y el interés. Un fuerte abrazo, hasta pronto! www.alfonsozapico.com

EL STORYBOARD Kaixo a todos! En este número vamos a conocer un poco mejor en qué consiste un storyboard y qué aplicaciones prácticas tiene en el sector audiovisual este proceso de narración gráfica que muchas veces pasa desapercibido en los créditos.

¿Y qué narices es eso? Un storyboard es ante todo un guión, una chuleta con la cual al equipo técnico de una producción se le da la posibilidad de “previsualizar” en papel lo que más adelante se llevará a la pantalla. Esto es terriblemente útil ya que les permite un mayor control del proceso creativo y corregir, modificar o mejorar diversos aspectos que con los guiones en crudo no quedan suficientemente claros.

¿Cómo funciona el invento? Pues básicamente utilizando la narración gráfica y el arte secuencial a modo de cuadros en cuyo interior el artista esboza la escena tal y como va a ser rodada, poniendo al lector en el punto de vista de la cámara y detallando por medio de un lenguaje propio los diferentes tipos de movimiento y encuadres, tanto de los elementos que aparecen como de la cámara.

O cómo dibujar una película. Por Juan Gainzarain.

¿Y esto quién lo hace? Muchos storyboards son realizados por los propios directores, algunos de los cuales tienen una habilidad con las manos que quién se las cortara, entre los que destacan James Cameron (¡el retrato de Rose en la película Titanic es suyo!) o George Lucas (echad un ojo en internet al dibujo que le envió al primero cuando su trasatlántico desbancó a Star Wars como película más taquillera...). Sin embargo en muchas ocasiones cuestiones de tiempo y la necesidad de un trabajo gráfico de calidad llevan a las productoras a contar con los servicios de un artista profesional para desempeñar este trabajo. En muchos casos, un “story” que impacte visualmente y permita al productor de turno tener una idea clara de lo que va a ver (y pagar) puede ser la diferencia entre lograr esa ansiada subvención o seguir viendo en seriesyonkis cosas que hacen otros.

¿Existe un storyboard tipo? La propia identidad del story como guía estructural permite que no haya un patrón común a la hora de desarrollarlos, por lo que normalmente pueden ser esbozos muy simples a pesar de ser realizados para grandes

superproducciones. Lo importante en todo caso es que el director y su equipo técnico lo entienda y pueda utilizarlo como referencia aunque en el producto final no son pocas las ocasiones en las que el storyboard utilizado y el producto final se parecen tanto como Esperanza Aguirre y Elle McPherson.

¿Y qué podamos encontrar en una página de storyboard? La información que suele mostrar un storyboard además de la imagen del cuadro suelen ser los datos del proyecto (director, fecha, título, etc...) y los datos técnicos como el nº de secuencia, escena, plano, ángulo y movimiento de la cámara entre otros. Todo muy desmenuzadito. El tipo de plano que se va a utilizar es fundamental para el sentido narrativo y aquí el director puede ver claramente si para el momento de climax del film funciona mejor un plano medio, un plano detalle o un plano del metro (tucum pish!). Los movimientos que se dan, tanto de cámara como de elementos dentro de plano, vienen representados por “flechas” que dan una idea al realizador de como se plantea la escena y como éstos no tienen porqué tener nociones de arte secuencial (lenguaje de cómic,

por así decirlo) el cuadro debe de quedar meridianamente claro y fácil de previsualizar. El tipo de película y el formato en que se va a rodar también tiene su miga, ya que el story suele emularlos. En Europa se usa sobre todo la relación 1,66:1 similar al estándar actual de la TV de alta definición, 1,78:1 o 16 x 9. En el ejemplo la imagen se corresponde con un formato 2,40:1.

¿Cómo hago para trabajar de esto? En primer lugar tener experiencia en el sector audiovisual te dará la ventaja de conocer su lenguaje y previsualizar la escena con facilidad, lo que servirá de apoyo al realizador ya que puede que tu escenifiques con mayor acierto planos que él mismo no tenga claros. Normalmente este tipo de trabajos se encargan a dibujantes profesionales, pero no siempre es así y existen páginas como Adtriboo. com donde puedes encontrar ofertas y colaboraciones relacionadas con este medio. Aunque te muerdas las uñas por no cobrar, empezar con trabajos amateur te servirá para lustrar el portafolio y coger callo.

No está de más que envíes muestras de tu trabajo a diferentes productoras nacionales y porqué no, internacionales. Cine, cortos o publicidad son buenos campos para probar suerte. No te desanimes si no responden o si dan largas educadamente porque no sabes cuando puede sonar la flauta y si bien la crisis hace estragos en este sector, has de saber que dibujar un storyboard profesional está muy bien remunerado. ¿Como cuanto? Depende del caché pero puede ir desde unos 300 eurillos de base hasta más de 10 euros por viñeta en proyectos de mayor calado. Lo que también has de tener en cuenta es que normalmente pasarás dos o tres días sin dormir para cumplir los plazos, pero sarna con gusto...Lógicamente el mundillo del storyboard tiene un trasfondo mucho más complejo y apasionante y esta es únicamente mi visión particular. Os recomiendo también echar un ojo al making off del multipremiado corto “Arena”, de Jota Aronak cuyo vídeo documental sobre la creación de su storyboard a cargo de Santi Pérez os dará una idea de lo que es un trabajo profesional en mayúsculas.

¡Mamá, quiero dibujar una peli! En la siguiente página os pongo un ejemplo de storyboard que realicé para un corto y donde se pueden apreciar entre otros los datos técnicos, movimientos de cámara, diálogos, etc. Normalmente cuando el tiempo aprieta uno no puede ponerse a dibujar florituras, pero si tenéis tiempo y ganas es recomendable dejar muestra de vuestro talento y tener un storyboard “currado” para la ocasión...¡Nos vemos y dadle caña a vuestros lápices!

LIBRETAS, BLOCS Y CUADERNOS Según el diccionario de la RAE una libreta es un cuaderno o libro pequeño destinado a escribir en él anotaciones o cuentas. Un cuaderno es según el mismo diccionario un conjunto o agregado de algunos pliegos de papel, que doblados y cosidos en forma de libro sirven para la anotación de noticias, ordenanzas, cuentas o instrucciones. En ambos casos podríamos añadir dibujos o bocetos. Una libreta pequeña nos puede acompañar a todas partes, nos permite trabajar el dibujo del natural, experimentar el placer de garabatear lo que vemos, sin más finalidad que el propio goce del dibujo. Mientras vemos una película, viajamos en tren o simplemente tomamos una cerveza en un bar podemos escoger al modelo y realizar bocetos, apuntes rápidos o detalles que nos parezcan importantes. Un gesto, una melena o una acalorada discusión de pareja. Con el tiempo una persona a la que le guste dibujar acumulará un buen montón de libretas. Y al repasarlas se admirará de cuantas buenas ideas, cuantos buenos dibujos tiene allí almacenados. Gracias a todos por vuestras colaboraciones en este especial de dibujos de cuaderno. Alex F.

Daniel Rubines

Bittor Beraza

Nerea Monterroso

David Ferradas

Virginia del Campo

Alex F

David Kortes

Bittor Beraza

David Ferradas

Jon Gonzalez

Andrea Arnal

Sandra Velazquez

Alex F

Lourdes Vicente

Virginia Irigoyen

Raúl García

AFRO SAMURAI

Por Aritz Martínez

Afro Samurai nos narra la historia de venganza de un samurai negro conocido como Afro. La historia transcurre en un mundo a medio camino entre el Japón feudal y el salvaje oeste, donde se aplica la ley del más fuerte. Ahí, el más fuerte de todos lleva la banda del numero uno atada a su frente, demostrando así que es el mejor asesino de que existe. Y tan solo el que posea la banda del numero dos podrá retarle para conseguirla. Cuando solo era un niño, Afro vio como Justice, el numero 2, asesinaba a su padre, quien portaba la banda del numero uno. De esta manera, Afro comienza su camino para convertirse en el numero 2 y reclamar su venganza. Pero su vida en busca

Acción y violencia con un toque de humor para pasarlo todo. La encuadernación. Algo tópica y predecible a veces.

Justice (notese el chistecito irónico del escritor) estará plagada de violencia, pues cualquiera podrá retarle para obtener la banda del segundo que Afro posee. Solos él, su ``amigo´´ Ninja Ninja y su melena afro contra el mundo. Este manga para adultos escrito por Takashi Okazaki está repleto de acción, sangre y una bastante interesante historia de odio y venganza. Con un toque de humor ciertamente negro, se puede decir que la obra tiene un toque Tarantino, con ciertos momentos que nos traen a la cabeza películas como Kill Bill. Mucha sangre, violencia y momentos bizarros nos entretendrán mientras descubrimos si Afro consigue su objetivo.

El manga a sido editado por Panini comics en dos tomos de 216 y 232 paginas cada uno, a diez euros el ejemplar y en blanco y negro. Hay que decir que tienen un buen tamaño, algo más grande que el tomo manga medio, pero la encuadernación deja que desear, y es probable que se te desprenda alguna pagina a la segunda o tercera lectura. Mencionar que el existe una bastante decente miniserie anime de 5 capítulos producida y doblada por Samuel L. Jackson, ademas de una película secuela.