Brainstorm! numero 1 by Brainstorm Fanzine

JACK MIRCALA SATOSHI KON SCOTT PILGRIM CAT SHIT ONE BERENJENAL ZOMBIE TATTOO CADร VERES EXQUISITOS Nยบ: 001

EDITORIAL Aquí empieza esta aventura que hemos dado en llamar Brainstorm!. Somos un grupo de estudiantes de ilustración. A algunos de nosotros nos gustan más los cómics, a otros el cine o los tatuajes, pero nos une una pasión común, el dibujo y todo lo relacionado. Y por eso estamos aquí. Somos como el tío ese que te entra la barra, puede que no seamos los más guapos y conocidos, pero qué leches, si nos das una oportunidad somos interesantes y tenemos gracia. Que somos majetes vaya. Así que esperamos que lo paséis como mínimo la mitad de bien leyendo esto que nosotros haciéndolo.

Por cierto, tienes en tus manos un fanzine de edición limitada (mas que nada por que somos pobres, pero limitada al fin y al cabo), así que si te a gustado, déjalo donde otro pueda cogerlo y disfrutarlo, para que podamos hacer más y mejor. Además, dispones de una versión online en: http://issuu.com/brainstormfanzine/doc/brainstorm1 Maquetación por: Bittor Beraza

SUMARIO

Una hoja de papel y un làpiz

Berenjenal zombie

Escrito e Ilustrado: Lourdes Vicente

Escrito e Ilustrado por: Juan Gainzarain

Tattoo

Jack Mircala

Satoshi Kon

Cadáveres Exquisitos

Escrito por: Daniel Rubines

Escrito por: Angela García

Escrito por: Andrea Arnal

Escrito por: Mikel Escalera

Poema ilustrado

Aventuras de Pepito

Cat Shit One

Scott Pilgrim

Mu単ecos Muertos

Recomendaciones Brainstorm!

Ilustrado por: Mikel Escalera

Escrito e Ilustrado por: Endika Arteta

Escrito por: Aritz Martinez

Ilustrado por: Aritz Martinez

Una hoja de papel y un lápiz C

omienza el viaje por la inabarcable geografía del dibujo. Unas veces el análisis, otras la intuición, nos dirigen mano, ojo y cerebro para trazar formas que expresen nuestro pensamiento. “El dibujo nos permite interpretar el mundo gráficamente al tiempo que inventamos mundos imaginarios propios. En tanto que una actividad compleja y multifuncional, el dibujo hace visibles nuestros pensamientos y articula nuestras ideas y emociones. El complejo proceso de dibujar supone mirar, ver, responder, improvisar, sentir, descubrir, negociar, diseñar, razonar, indagar, traducir, escrutar, ordenar, ubicar, objetivar, explorar, medir, documentar y comunicar”. Las artes visuales abastecen al hombre y a la sociedad de imágenes que “explican” su existencia, fruto directo tanto de su conocimiento como de su creatividad. En qué medida uno u otra están presentes en la actividad humana no debe cuantificarse en

más o menos sino en el axioma de que el conocimiento llega también a través de la experiencia artística. Pero la ilustración no compite con el arte. Ha sido considerada durante siglos como una disciplina secundaria de este, pero hoy la producción de imágenes dentro del campo de la ilustración tiene su propia función y categoría: dar respuesta a un nuevo panorama social, cultural y estético. Para unos el arte no tiene función, tiene explicación y esencia en sí mismo, mientras que la ilustración vive y respira en función del conocimiento y la necesidad de transmitirlo. Para otros, la ilustración y el arte son dos medios diferentes en la “forma” pero no en el “fondo”. A lo largo de estos años dedicada a la enseñanza del dibujo dentro del fascinante campo de la ilustración, he convivido con personas que sostenían una u otra idea, que se consideraban

artistas unos e ilustradores otros. Considero que en ambos hay muchos aspectos comunes, emoción, imaginación, sensibilidad, invención, artificio, génesis, pero aún con riesgo de parecer algo purista, la ilustración se levanta sobre un sustrato de explicación y esclarecimiento. La ilustración informa, dilucida, entretiene, interpreta, provoca, educa, convence, narra, desvela, inventa, divulga, ayuda, investiga, denuncia, escenifica. El uso extendido del término “ilustrar” para señalar aquello que es aclarado, razonado o demostrado (“…Ilústrame, que no entiendo este razonamiento…”), explica precisamente este arte con

sus cualidades innegables para comunicar, ubicar y completar un mensaje. De nosotros depende que este arte, cada vez más presente en nuestra sociedad, se muestre como algo vivo, que evoluciona a igual ritmo que nosotros, bien sea para deleitar al otro, para narrar gráficamente una historia o para hacer que un niño viva un momento mágico con las páginas de un libro.

Lourdes Vicente Estévez Escuela de Arte y Superior de Diseño Vitoria-Gasteiz 7

TATTOO

Se presenta ante vosotros una sección dedicada al diseño de tatuajes. Antes de empezar, señalar la estrecha relación que existe entre este mundo y el de la ilustración: el tatuador, a la hora de diseñar un tatuaje, debe dominar una serie de conocimientos artísticos tales como el encaje, la sombra, el color, diferentes técnicas, diferentes estilos… y a la vez, tiene la condición de ceñirse a lo que el cliente le pida, como es el caso del ilustrador al que le mandan hacer un cartel sobre un tema determinado y para un público concreto.

llamémoslo motivo, llamémoslo significado de esta sección, solo decir que trataré de abarcar en los próximos números los diferentes estilos o tipos de tatuajes, que, con el paso de los años, y como consecuencia, de la moda del momento, han variado de lugares, formas, técnicas o pigmentos. Realizaré varias ilustraciones y también aportaré fotografías para poder explicarme con claridad. Y bueno, poco más que decir… espero que la sección os resulte interesante, y que os guste la foto que he elegido como debut ( si os da grimilla os aguantais, ja ja ).

Bien, una vez entendido el…

Hasta el siguiente número!!

Jack Mircala

Se puede tener talento innato, pero hay que alimentarlo de contínuo 12

¿Qué es para ti el arte? El castillo en el que vivo. No pretendo ser ingenioso, pero más allá de una definición de diccionario, o de lugares comunes como que el arte es “un modo de expresión”, el arte, en mi vida, se ha convertido en continente y contenido.

Háblanos un poco de tus libros. El primero que escribí e ilustré con fotografías de maquetas en cartulina fue “El acertijo de Valpul”. Con el que gané el Premio Lazarillo de ilustración, en este libro está la base de todo lo que he hecho posteriormente. “Siniestras Amadas” supuso un valioso laboratorio de ensayo,

mejoré la técnica y exploré ciertos conceptos abstractos y simbólicos. El ilustrar una selección de obras de Poe recopiladas y traducidas por mí mismo me proporcionó la confortable sensación de estar ilustrando algo que sentía como propio. “El príncipe feliz”, de Oscar Wilde fue un encargo en el que trabajé con ilusión, donde intenté dotar de un cierto “lirismo gótico” a las imágenes. “Eclipse en Malasaña” es hasta la fecha mi obra más redonda. Me impuse, hasta un grado obsesivo, la obligación de cuidar el detalle al máximo.El texto es un delirio poético muy personal, con tintes autobiográficos y dramáticas ensoñaciones. “Lóbrego romance, pálido fantasma” es la recopilación de dos trabajos que cronológicamente están entre “El acertijo de Valpul” y “Siniestras amadas”, si bien tuve que rehacer buena parte de las maquetas para fotografiarlas con cámara digital, ya que hice una primera versión con cámara de película bastante insatisfactoria. Fue un trabajo en el que afiné conceptos estéticos y mejoré el uso del color. Los textos son una especie de verso en prosa que recrean historias de un estilo gótico dulcificado, con ciertas dosis de humor, algo que no suele faltar en mis cuentos. 13

¿Has realizado estudios formales de arte, o eres autodidacta? Estudié interiorismo y diseño industrial, por inercia, porque me gustaba dibujar y hacer manualidades. Esta formación fue fundamental en mi labor posterior, ya que asimilé muchos conceptos sobre espacio, volumen, color… Pero desde pequeño siempre me revelé contra la enseñanza en materia artística; dibujar o hacer cualquier cosa creativa era una actividad personal y privada en la que nadie podía entrar.

¿En qué se parece lo que dibujas hoy a lo que dibujabas en tus comienzos? ¿En qué ha cambiado? En lo que más se parecen es en la temática y en ciertos aspectos del plegado y el manipulado de la cartulina, que no han cambiado. Cuando empecé a hacer escenarios de cartulina para ilustrar cuentos, primero hacía un dibujo y luego lo llevaba al volumen; Hoy día pienso más en el volumen directamente, y sólo hago un boceto poco detallado para distribuir los elementos o indicar algún color. Por otro lado, al principio era todo espontaneidad, era un trabajo más gestual, y hoy quizá está todo más estructurado y pensado. Pero como no quiero perder 14

frescura ni repetirme, tengo un par de proyectos en marcha que escapan de los procesos anteriores, e incluso no se parecen nada entre sí.

¿Cuál era el cómic favorito de tu infancia? Debería decir “Tintín” o “Asterix”, pero en mi primera infancia, lo

que realmente leía era la revista “Mortadelo”, que se vendía en kioskos e incluía las historietas de Anacleto, Zipi y Zape, o Rue 13 del Percebe.

¿Qué ilustradores históricos o contemporáneos admiras más? Edward Gorey, sobre todo por cómo se complementan ilustra-

ción y narración; Steinberg, por sus dibujos barrocos de trazo suelto y fresco; Sasek, Tezuka…

¿Qué es lo que más te cuesta dibujar? Lo natural, la naturaleza. Todo lo llevo a una racionalización constructivista de las formas. Un árbol, un matorral, una piedra o la 15

“Soy más un artesano que un ilustrador

misma figura humana, las acabo transcribiendo al lenguaje del diseño, de la geometría.

¿Tu obra de arte favorita? “Dos niños son amenazados por un ruiseñor”, de Max Ernst.

¿Cómo te documentas para realizar tus ilustraciones? Antes consultaba los libros que tuviera a mano, sobre todo de arte, diseño, muebles, más como motivo de inspiración que tratando de recrear elementos concretos; pero desde que Google nos ofrece cualquier imagen posible basta con saber lo que quieres buscar. No me fijo tanto en artistas o ilustradores (que es algo que en cierta medida ya doy por cimentado), como en otros formatos artísticos tales como el diseño, el cine, la escenografía o la fotografía. Es decir, trato de atrapar conceptos de otras disciplinas para traducirlos al lenguaje de la ilustración.

¿Tienes metas específicas como ilustrador? En realidad sólo me preocupa hacer camino; intento sorprenderme a mí mismo y buscar la emoción, como si fuese un espectador que contempla el trabajo por primera vez, lo cual es una vana ilusión; pero creo que ese esfuerzo me acerca a esa meta que por supuesto es inalcanzable.

Y creo que es mejor así, porque la meta es el fin. Supongo que eso es lo que persigo, la sensación de avanzar, de buscar en el horizonte el siguiente reto.

¿Qué aconsejarías a alguien a quien le gusta dibujar, y le gustaría vivir de ello? Le diría que no piense tanto en vivir “de ello” como en vivir “en ello”. tSi vas a pasarte la vida dedicado a algo que has elegido debes consagrarte a ello, no pensar en resultados inmediatos, sino estar empeñado en mejorar, en superarte, persiguiendo el ideal utópico de la “maestría”.

¿Cómo ves el mundo del diseño en la actualidad? Como el Big Bang, en continua expansión, sin límites. Muchas cosas que antes sólo se hacían respondiendo a lo funcional hoy parten del diseño, y a su vez han aparecido nuevos elementos (tecnología, videojuegos, internet) que han nacido condicionados y unidos a los propios procesos de diseño, tanto en lo artístico, como en lo conceptual.

¿Cómo ha sido tu experiencia laboral? Errática, buscando donde no debía, estrellándome contra la burocracia de las grandes editoriales (quizá porque tampoco yo 17

tenía un enfoque claro de las cosas), hasta dar por fin con las que mostraron interés en lo que yo pudiera ofrecer. Pero no me quejo; he hecho mi propio camino en plan explorador, sin mapas, pero con la emoción del descubridor, y poniendo por encima de todo mi independencia creativa; hay mucha gente por ahí que intenta que tú hagas lo que él haría si supiera hacerlo. Para esto tengo un lema que escuché en la película “Ed Wood”, de Tim Burton: “Merece la pena luchar por los propios sueños, ¿por qué pasarse la vida realizando los sueños de otro?”.

¿Consideras necesario conocer a los pintores clásicos para ser un buen ilustrador? Se puede tener un talento innato, pero hay que alimentarlo de continuo y con todo lo que esté a nuestro alcance, que hoy día es ilimitado. Los artistas clásicos nos ofrecen mucho y valioso, y sobre todo nos dan puntos de partida, bases que conviene conocer para tener claro un orden en la evolución estética, técnica y filosófica del arte. Incluso para diseñar el Museo Guggenheim conviene haberle echado un vistazo al Partenón.

¿Qué portales de ilustración frecuentas online? Ninguno; pero no es que los desprecie, al contrario. Sencillamente no es una herramienta a la que 18

esté acostumbrado, en parte porque soy de una generación que se ha criado y ha estudiado sin ordenadores ni internet. Todo esto me llegó algo tarde y nunca le presté demasiada atención, al menos en lo que afecta a mi modo de trabajar.

¿Música mientras trabajas? Continuamente. Grupos de los 80: Depeche Mode, Ultravox, Kraftwerk… y también música sinfónica; me apasionan las óperas de Wagner, y músicos del siglo XX como Takemitsu, Messiaen o Schoenberg.

¿Cómo describes tu estilo, cual es la principal característica que lo distingue de otros? Soy más un artesano que un ilustrador; construyo escenografías y personajes en cartulina que posteriormente fotografío. Siempre me gustaron las manualidades sencillas, aquello que podías hacer con papel, cartón, tijeras y pegamento. Lo que más distingue esta técnicas de otras es la sensación de profundidad que tiene, ya que son fotografías con sus sombras y sus brillos reales.

¿Cuáles consideras tus influencias principales? Por un lado está la imaginería gótica y fantástica, influencia de lecturas y películas. Por otro lado me apasionan las vanguardias ar-

tísticas del siglo XX, expresionismo, dadaísmo, constructivismo… Y mi paso por la escuela de diseño me abrió los ojos a un mundo de objetos artísticos, muebles, arquitecturas, estampados…

¿Alguna recomendación o consejo para nuestros lectores? Trabajar con honestidad y plasmar en tu trabajo tu personalidad y tu sensibilidad; la imitación y la impostura no conducen a nada satisfactorio. Y lograr que el lunes sea el mejor día de la semana.

¿En qué estás trabajando ahora? Estoy preparando un libro titulado “Descenso a Esquela”, otra fantasía gótica al estilo de “Lóbrego romance, pálido fantasma”, y espero también publicar en 2012 un proyecto llamado “Pentagonía” en el que he buscado nuevas fórmulas expresivas y nuevas técnicas (menos ortodoxas) como arrugar, quemar, o cortar a mano la cartulina.

Gamusoides mircalianos, Eclipse en Malasaña o El acertijo de Valpul, son obras de Jack Mircala, un ingeniero del papel doblado. Hay en todas sus ilustraciones un aire gótico que contrasta con los colores tan vivos que utiliza, referencias contínuas a Poe y a su universo, que se plasma en cada una de sus obras. Jack Mircala no solo crea maquetas, crea personajes casi bidimensionales que situa en escenarios creados también por él para después fotografiarlos, y son esas fotografías las que ilustran sus libros. Hemos querido hablar con él para conocer más en profundidad su trayectoria profesional y el mundo de la ilustración

Contacto: jackmircala@hotmail.com

A pesar de que hay más relaciones entre el cine y la ilustración, una de las más evidentes es la animación. La animación abre las capacidades representativas de una historia a posibilidades que el cine convencional muchas veces no contempla. Esto puede ser de gran importancia para un film concreto, pero además, permite recoger un mismo estilo estético y conceptual en toda una filmografía. Las películas de Satoshi Kon son un ejemplo claro de esta concesión de la ilustración al cine. Kon nació en 1963 y estudió en

la Escuela de Arte de Musashino. Empezó su carrera como mangaka, pero en 1991 entró en el mundo del cine llegando a ser uno de los directores de anime más reconocidos. En sus películas se puede ver que hay ciertos arquetipos que se repiten a la hora de crear un personaje. Tanto psíquica como físicamente, sus héroes y heroínas se parecen de una producción a otra. En todas sus películas encontramos una mujer joven, fuerte y decidida, pero emocionalmente desequilibrada. Todas son de melena oscura con flequillo.

También es frecuente el personaje de guardián, de salvador. Un hombre valiente lleno de bondad y atormentado por su pasado. Coinciden en personajes morenos, con barba o bigote y anchas espaldas. Pero no sólo sus personajes relacionan los películas de Satoshi Kon, también el tema enlaza su filmografía. En la mayoría, trata el tema de la ilusión, la mezcla entre lo real y lo onírico. Así pues, la ilustración le permite crear un mundo inexistente; personajes, objetos y situaciones imposibles en la realidad.

LOS CADÁVERES EXQUISITOS Si hoy en día el dadaísmo, vivo o muerto, es susceptible de algún tipo de asociación, para mí debe serlo de una libertad con mayúsculas; un tipo de libertad que debiera pertenecer a cualquier persona que participa del acto creativo de un modo sincero. Para conocer el dadaísmo tenemos Google, y para descubrir a Tristan Tzara proponemos aquí, de su puño y letra, unas líneas sobre el Origen del Cadáver Exquisito en las que hallamos la introducción perfecta al tema que nos atañe en este primer número de Brainstorm!:

“El Cadáver Exquisito es una técnica empleada para ensamblar colectivamente un conjunto de palabras y/o imágenes. El nombre se deriva de la primera frase obtenida por los surrealistas en 1925: Le cadavre exquis boira le vin nouveau El cadáver exquisito beberá el vino joven

En una nota del Segundo manifiesto Surrealista, André Breton se refiere a estos «juegos de sociedad» como «textos surrealistas». Se obtienen por la interacción simultánea de varias personas, que en una misma habitación, escriben durante horas las colaboraciones que después han de desembocar en la creación de una frase o dibujo único; cada uno ha aportado un solo elemento –sujeto, verbo o atributo; cabeza, vientre o piernas-. Breton rechaza la elección de un «tema», y exalta el papel de un «médium» que reclame subordinación a sus mensajes. Aunque la denominación de Cadáver Exquisito proviene de los surrealistas, y su práctica fue teorizada por estos mismos, el juego ya era practicado por los dadaístas y existía también con anterioridad a ellos, bajo la forma de un viejo juego de mesa llamado Consecuencias. Fruto de la concepción dadaísta – juntar vida y arte, destruir todos los cánones anteriores- los cadáveres exquisitos fueron considerados una forma de creación. (…)

Dadaísmo y surrealismo tenían puntos en común, aunque, como cualquier fenómeno social, presentaban divergencias. Algunas personas cambiaron el dadaísmo por el surrealismo, otras, sin embargo, participaron en los dos movimientos. Hubo quienes nunca se interesaron por el nuevo movimiento. Los dos movimientos siguieron funcionando de forma paralela y cruzada. Dadá todavía vive. ¡Cuidado con Dadá!” Veraz, o no, Tristan Tzara nos habla sobre un viejo juego de mesa llamado Consecuencias en el cual los jugadores actuaban por turno en una hoja de papel, la doblaban para cubrir parte de la obra y después pasaban al siguiente jugador. Si enfocásemos esta estrategia creativa en relación con la labor del ilustrador bien podríamos desecharla descaradamente, bien podríamos emplearla como herramienta para la búsqueda de espacios desconocidos de nuestra mente; para la búsqueda de espacios libertarios, ajenos a la influencia, tan compleja y devastadora, de nuestro entorno social y artístico. En definitiva, realizar un Cadáver Exquisito, ya sea gráfico, literario, musical, o viceversa, puede resultar evocador y, cuanto menos, gracioso.

Llegado este punto, y antes de que me pase por delante un grupo de plantas rodadoras, será mejor volar hacia un ámbito más práctico. En la página que sigue podemos ver lo que sucede cuando alumn@s (+ una profe) de 1º de Ilustración se ven forzados a realizar cadáveres exquisitos en cadena. Gracias por vuestra aportación de cabezas, torsos y piernas chic@s: 1 Dani R, Angie G, Virginia I 2 Juan G, Estefanía A, Virginia DC 3 Lourdes V, Juan G, Andrea A 4 Sara L, Eider M, Iker U

Cadรกveres exquisitos. 1ยบ de ilustraciรณn

Poema Ilustrado

cat shit one

at Shit One es un Seinen Manga (para jóvenesadultos) escrito y dibujado por Motofumi Kobayashi. El cómic trata el conflicto de la guerra de Vietnam, desde la perspectiva de 3 soldados de las fuerzas especiales estadounidenses. Hasta aquí todo normal, salvo porque nuestros protagonistas son 3 adorables conejitos...al menos durante las primeras paginas. El Sargento Perky, y los soldados Rats y Botasky derrochan carisma por todos sus pelos, y consiguen eso tan difícil que es recordar sus nombres mucho después de acabarte la obra. El manga ma-

Cuando los conejos se enrolan en las fuerzas especiales.

neja un genero como es el bélico desde una perspectiva tremendamente seria y realista, algo no muy habitual en este medio (quizá tan solo el historietista francés Jacques Tardi acerca este genero al cómic de manera tan adulta y cruda, y eso son palabras mayores. También un autor altamente recomendado si te gusta el género). Olvídate de los comandos de las películas de Hollywood, de Swarzenneger repartiendo tiros a diestra y siniestra. Nuestros soldados lloraran y se asustaran, tendrán dudas, y nosotros con ellos.

Bienvenidos a mi pequeño rinconcito de este fanzine. En mi sección encontrareis análisis y recomendaciones de cómics, y sin spoilers. Intentare daros ideas variadas de en que gastar vuestros eurillos, que este nuestro hobby esta muy caro.

Todo. El precio.

Nada.

Pronto olvidaremos que se trata de animalitos y nos creeremos cada palabra de la historia. Uno de los motivos principales de esto, ademas de lo carismatico de los personajes, es la veracidad de lo contado. Obviamente es una historia completamente ficticia, pero a su vez es históricamente veraz, donde cada combate, arma y estrategia que se menciona son verídicas y ocurrieron en realidad. Se ve que el autor se documentó al máximo. Mención especial merecen las paginas que, de vez en cuando, Motofumi nos regala con esque-

mas y dibujos de estrategias, armas y etc reales, que nos ayudan a comprender mejor la historia y el conflicto. Cat Shit One se compone de 3 volúmenes principales (136 p.,B/N) y un volumen 0 (144 p. B/N con páginas a color), con historias cortas o complementarias a la historia principal aparecidas con posterioridad (con diferencia el más flojo de los 4) editados por Glénat. Ha destacar el precio de tan solo 4,95 euros el tomo, lo cual por 136 paginas con sobrecubiertas y una buena encuadernación es un chollo. 29

SCOTT PILGRIM

Scott Pilgrim (por Bryan Lee

O´Malley) es un chaval de 23 años que vive en Toronto. Es el típico joven Americano, toca el bajo en banda y algunos dirían incluso que es un tio guay... hasta que le conocen. En realidad no es mas que un vago, friki de los videojuegos que toca de pena y duerme en el suelo del piso de su colega gay Wallace Wells, quien no tiene mucho reparo en darle la patada cuando pilla cacho. Pero un día conoce a Ramona Flowers, y se enamora locamente de ella. 30

Geeks al poder

Hasta ahí todo normal. Hasta ahí, porque deberá vencer a sus 7 exnovios malvados para conquistar su corazón. Con esta premisa se nos presenta este cómic repleto de referencias a la cultura pop actual (videojuegos, cómics, música...) en cada una de las paginas que componen los 6 tomos de los que consta (mención especial a las contraportadas, todas inspiradas en videojuegos y similares), que empieza de manera simple pero se vuelve mas bizarro y divertido a cada viñeta, con combates, poderes especiales y un montón

Divertido y de calidad sin demasiadas pretensiones.

La calidad de edición.

de cosas que es mejor que descubráis por vosotros mismos. Con un estilo narrativo y de dibujo claramente heredero del manga, el dibujo no es el punto fuerte de esta obra, pero cumple más que de sobra su cometido, y posee una gran fuerza y movimiento. Ganador de bastantes premios, incluido un prestigioso premio Eisner al mejor cómic de humor, Scott Pilgrim nos ofrece una propuesta divertida y original. Compuesta por 6 tomos en blanco y negro de 8,5 euros cada uno (también disponibles todos juntos

en una caja por 45 euros) no son caros, aunque la edición deja bastante que desear y las paginas comenzaran a despegarse a la tercera o 4 lectura. La editorial es Debolsillo. Como mención aparte comentar la pelicula ``Scott Pilgrim contra el mundo´´ que adapta los 4 primeros tomos y es también muy divertida. A TENER EN CUENTA El invencible Iron man + Junto a Green Lantern el mejor grapas de la actualidad. 24 pag. 1.95€. Serie abierta.Panini comics.

NO TE QUEJES...

...PODRÍA SER PEOR

RECOMENDACIONES BRAINSTORM! Espacio patrocinado por LIBRERÍA CARACOLA

LOS AÑOS DULCES Jiro Taniguchi Es la adaptación de la novela «El cielo es azul, la tierra blanca», de la autora japonesa Hiromi Kawakami. En este primer volumen, la mujer protagonista lleva una vida solitaria, y se encuentra al final de la treintena. Un día coincide casualmente y reconoce a un antiguo profesor, que vive también una vida solitaria tras su divorcio, y ya ha superado los setenta años. Empiezan a reunirse en el mismo bar para beber sake y comer, y la sucesión de los encuentros parece que va a producir un enamoramiento. Diálogos contenidos, paseos, pequeñas discusiones se van sucediendo y se nos va contando de modo intimista una historia muy apropiada para el estilo de Jiro Taniguch. Así que habrá que esperar que llegue pronto el segundo volumen para disfrutar la continuación y final de la historia.

VINCI Gilles Chaillet y Didier Convard Hace poco fallecía Gilles Chaillet, un grande del cómic europeo. El mejor homenaje es dar a conocer su obra en la medida de lo posible. VINCI es un «thriller» histórico, ambientado en la época del Renacimiento, que cuenta con el guión de Didier Convard y con los dibujos de Gilles Chaillet. La serie es en realidad un relato que cuenta con dos álbumes de 56 páginas cada uno: «El Ángel Roto» y «Sombra y Luz». A través de las viñetas de Chaillet nos sumergimos en Milán, Florencia y Venecia para seguir los crímenes, recorriendo unas ilustraciones que acompañan de maravilla a un argumento de novela negra del gran D. Convard.

MUERTOS VIVIENTES Robert Kirkman Esta es la introducción que nos ofrece el jovencisimo autor Robert Kirkman (Kentucky 1980) de su obra . El mundo que conocíamos ya no existe. El mundo del comercio y las necesidades superfluas ha sido reemplazado por un mundo de supervivencia y responsabilidad. Una epidemia de proporciones apocalípticas ha barrido la Tierra haciendo que los muertos se levanten. En cuestión de meses la sociedad se ha desmoronado, sin gobierno, sin supermercados, sin correo, sin tele por cable. En un mundo gobernado por los muertos, por fin nos vemos obligados a sobrevivir.

C/ San Prudencio, 5 Tel. 945 148 465 Vitoria

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