Séptimo Arte-Luis Buñuel by Maltrecha

SÉPTIMO ARTE LUIS BUÑUEL

SÉPTIMO ARTE LUIS BUÑUEL NATALIA GUZMÁN TORRES

Libro creado por Natalia Guzmán Torres Editorial GAR ABATO EDITORES Calle 73 No. 7-60 Bogotá, Colombia. Garabatoeditores@gmail.com Editor Juan Diego Pinillos Diseño carátula Julian Villamizar Fotografía Alejandra Cleves Corrector de estilo Alex González ISBN: 958-04-2543-6 Primera edición: Mayo de 2011 Impresión y encuadernación: Quebecor World Bogotá S.A. Impreso en Colombia-Printed in Colombia Todos los derechos reservados.Bajo las sanciones establecidas en las leyes, queda rigurosamente prohibida, sin autorización escrita del editor, la reproducción total o parcial de esta obra por cualquier medio o procedimiento, comprendidos la reprografía y el tratamiento informático, así como la distribución de ejemplares mediante aquiler o préstamo público.

DEDICATORIA A mi padre,quien me ha inculcado toda la vida el amor por las artes, su estudió y su reproducción, porque quién quiera que cultive la fantasía en el arte está un poco loco. Su problema estriba en hacer interesante esa locura.

«En el cine, me divierte la perversión sexual, en la vida me repugna. El erotismo va a la par con el sentimiento de pecado. Sin la religión, el erotismo es menos interesante» Luis Buñuel

PRÓLOGO Luis Buñuel fue uno de mis realizadores preferidos. En Esculpir en el tiempo, llegué a decir que era uno de los cineastas de los que me sentía más próximo. La fuerza dominante de sus películas es siempre el inconformismo. Su protesta -furiosa, sin compromisos y acerba- se expresa sobre todo en la textura sensible del filme, y es emocionalmente contagiosa. La protesta no es calculada, ni cerebral ni formulada intelectualmente. Buñuel tiene demasiado instinto artístico como para dejarse llevar por una inspiración política, la cual, desde mi punto de vista, es siempre espuria, si se expresa abiertamente en una obra de arte. La protesta social y política expuesta en sus películas sería, sin embargo, más que sufriente para un buen número de realizadores de menor estatura. Pero por encima de todo, Buñuel es el portador de una conciencia poética. Sabe que la estructura estética no necesita de manifiestos, que el poder del arte no radica ahí, sino en la persuasión emocional, en esa fuerza vital de la que alguna vez ha hablado Gógol, a propósito de la creación artística reflejado en lás páginas de este libro.

Andrei Tarkovski Director de cine

INTRODUCCIÓN Este libro relata la vida del español director de cine, Luis Buñuel, llegando a conocer desde sus inicios y sus experiencias; hasta los trabajos cinematográficos que le dieron un lugar importante en el séptimo arte. Buñuel tiene una de las mejores marcas del cine a nivel mundial, considerado por algunos el mejor director del mundo, quizás porque muchas de las cosas y películas que a hecho a lo largo de su vida, han tenido una gran trascendencia posterior. Lo que hace, que todo que se hable, escriba de este genio sea necesario e indispensable para el estudio del cine en esa época no tan lejana.

CONTENIDO I.BIOGRAFÍA.......................................................................................................

SUS PRIMEROS AÑOS............................................................................................... 18 PARÍS Y PRIMERAS PELÍCULAS............................................................................... 20 LA GUERRA CIVIL ESTADOS UNIDOS...................................................................... 24 ETAPA MEXICANA...................................................................................................... 26 ETAPA FRANCESA.............................................................................................. 29

II.SU PENSAMIENTO..........................................................................................

33 LIBROS FAVORITOS................................................................................................... 38 CUMBRES BORROSCOSAS....................................................................................... 38 CÓCTEL EN EL PROCESO CREATIVO...................................................................... 41 III.FILMOTECA.................................................................................................... 43 PELÍCULAS................................................................................................................. 45 COMO DIRECTOR....................................................................................................... 46 LOS AMBICIOSOS...................................................................................................... 46 ABISMOS DE PASIÓN................................................................................................. 46 ASÍ ES LA AURORA.................................................................................................... 48 ENSAYO DE UN CRIMEN............................................................................................ 49 VIRDANA..................................................................................................................... 50 EL ÁNGEL EXTERMINADOR...................................................................................... 53 ÉL................................................................................................................................ 58 BELLE DE JOUR......................................................................................................... 60 EL DISCRETO ENCANTO DE LA BURGUESÍA.......................................................... 66 ESE OSCURO OBJETO DEL DESEO......................................................................... 66 EL FANTASMA DE LA LIBERTAD............................................................................... 68 EL GRAN CALAVERA.................................................................................................. 73 GRAN CASINO............................................................................................................ 74 LAS HURDES, TIERRA SIN PAN................................................................................ 74 LA HIJA DEL ENGAÑO................................................................................................ 76 LA ILUSIÓN VIAJA EN TRANVÍA................................................................................ 78 LE JOURNAL D’UNE FEMME DE CHAMBRE............................................................. 80 LA MORT EN CE JARDIN............................................................................................ 80 UNA MUJER SIN AMOR.............................................................................................. 82 NAZARÍN..................................................................................................................... 82 LOS OLVIDADOS........................................................................................................ 84 ROBINSON CRUSOE.................................................................................................. 89 RIO Y LA MUERTE...................................................................................................... 90 SIMÓN DEL DESIERTO............................................................................................... 90 SUBIDA AL CIELO....................................................................................................... 103 SUSANA....................................................................................................................... 106 TRISTANA.................................................................................................................... 109 LA VÍA LÁCTEA........................................................................................................... 116 IV.UN PERRO ANDALUZ..................................................................................... 119

I BIOGRAFÍA «El resto del tiempo, soledad, ensoñación, un vaso de agua o un café, el aperitivo dos veces al día, un recuerdo que me sorprende, una imagen que me visita, y luego una cosa lleva a la otra, y ya es de noche.»

BIOGR A FÍ A

SUS PRIMEROS AÑOS Luis Buñuel nació en Calanda el 22 de febrero de 1900. Su padre, Leonardo Buñuel González, originario del mismo pueblo, donde tenía un negocio de ferretería, había conseguido una pequeña fortuna en Cuba y tras la guerra de independencia liquidó sus negocios y volvió a su pueblo natal, donde se casó con María Portolés Cerezuela, mucho más joven que él, con la que tuvo siete hijos: Luis (1900), María (1901), Alicia (1902), Concepción (1904), Leonardo (1907), Margarita (1912) y Alfonso (1915). A los cuatro meses del nacimiento de su primogénito, la familia se trasladó a vivir a Zaragoza y a partir de entonces pasó a repartir sus vacaciones entre Calanda (donde regresaban en Semana Santa) y San Sebastián. Así pues, Luis pasó toda su infancia y adolescencia en Zaragoza, donde cursó la educación primaria y secundaria, primero en Corazonistas (con mayoría de franceses). fFigura 1.- Luis Buñuel por Man Ray. París, 1929 -

Luego durante siete años en el colegio jesuita de El Salvador, en la plaza de Aragón, a media pensión (con una gorra como uniforme). En 1908 asistió por primera vez al cine Farrucini (una barraca con una lona como cubierta) para ver una película coloreada a mano de dibujos animados. En esa época el cine era considerado todavía una atracción de feria y aún tardó unos años en haber salas estables. Luis vio durante su infancia muchas películas (su prima tenía acceso desde la cocina de su casa a la pantalla de uno de los primeros cines de Zaragoza). Cuando tenía trece años, a la vuelta de uno de los habituales viajes a París de sus padres, éstos le regalaron un teatro con personajes de cartón; con este teatro comenzó a ofrecer representaciones a los jóvenes de su pueblo. A partir de 1913, paralelamente a sus estudios, comenzó a estudiar violín y a tocar en el coro de la Virgen del Carmen de Zaragoza. Ese mismo año salió por primera vez de Aragón y viajó a Vega de Paz. 18

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Se matriculó en el Instituto de Enseñanza Media de Zaragoza (más tarde llamado Goya) como alumno libre. En esa época leyó El origen de las especies de Darwin.

en Buñuel y sus amigos. También tuvo conocimiento en estos años de las tendencias internacionales más importantes del pensamiento y del arte y mostró interés por el Dadaísmo y la obra de Louis Aragon y André Bretón. Y por supuesto siguió asistiendo con regularidad al cine.

A los 17 años, terminado el bachillerato, partió a Madrid para cursar estudios universitarios. En la capital se alojó en la recién creada Residencia de Estudiantes, fundada por la Institución Libre de Enseñanza, donde permaneció siete años. Su propósito era estudiar, inducido por su padre, Ingeniería Agrónoma. En esta época se interesó por el naturismo y llevó una alimentación y vestimenta espartanas, gustando de lavarse con agua helada.

En 1923 murió su padre en Zaragoza, inició el servicio militar y publicó su primer artículo, al que siguieron cuentos y poemas en revistas de vanguardia e incluso preparó un libro que los recopilaba bajo el título Un perro andaluz. Muchas de las imágenes de sus escritos de estos años, previos al surrealismo francés, pasaron a su cine.

Tomó parte de las actividades del cineclub de la Residencia y trabó amistad con, entre otros, Salvador Dalí, Federico García Lorca, Rafael Alberti, Pepín Bello y Juan Ramón Jiménez. También participó en las tertulias ultraístas y, todos los sábados desde 1918 hasta 1924, en las del Café Pombo, dirigidas por Ramón Gómez de la Serna. En 1920 inició, con el doctor Ignacio Bolívar, estudios de entomología, que abandonó para matricularse en Filosofía y Letras, rama de Historia, ya que se había informado de que varios países ofrecían trabajo como lector de español a licenciados en Filosofía y Letras, lo que suponía una oportunidad de cumplir su deseo de salir de España.

El día de San José de ese mismo año de 1923 fundó la paródica Orden de Toledo y se nombra a sí mismo condestable. Para ser caballero había que emborracharse y estar toda la noche sin dormir. A ella pertenecieron, entre otros, Dalí, Pepín Bello, Alberti. En 1924, año en que Dalí le realiza su primer retrato, se licenció en Historia y renunció al doctorado, decidido a marcharse a París, la que por entonces era capital cultural de occidente.

Con sus compañeros de la Residencia hizo sus primeros ensayos de puesta en escena, con versiones delirantes del Don Juan Tenorio en las que actuaban Lorca, Dalí y otros compañeros. En 1921, año del Desastre de Annual, conoció en la Residencia al hermano de Abd el Krim, dirigente de la resistencia contra la dominación colonial española y francesa en el norte de Marruecos. Visitó por primera vez Toledo, ciudad que causó una profunda impresión

Figura 2. Luis Buñuel de pie, con sus padres y sus hermanas María, Alicia, Conchita y Margarita y su hermano Leonardo, Zaragoza, 1913 19

BIOGR A FÍ A

PARÍS Y PRIMERAS PELÍCULAS En enero de 1925, después de asistir a la conferencia que da Louis Aragon en la Residencia de Estudiantes, Buñuel abandonó Madrid rumbo a París. En la capital francesa asistió a las tertulias de los inmigrantes españoles y se acerca cada vez más al grupo surrealista. Su afición por el cine se intensificó y veía habitualmente tres películas al día, una por la mañana (generalmente proyecciones privadas, gracias a un pase de prensa), otra por la tarde en un cine de barrio y otra por la noche. También comenzó a colaborar como crítico en varias publicaciones de cine y arte, como Cahiers d’Art, Alfar,L’Amic de les Arts, Helix, Horizonte y La Gaceta Literaria. En ellas dejó constancia de sus concepciones cinematográficas, algo en lo que no se prodigó en lo sucesivo.

Figura 3 León Sánchez Cuesta (primero por la izquierda) junto a tres compañeros en los jardines de la Residencia de Estudiantes, 1918.

El pianista Ricardo Viñes le propuso la dirección escénica de El retablo de Maese Pedro de Manuel de Falla, que, estrenada en Amsterdam el 26 de abril de 1926 y representada también al día siguiente, supuso un importante éxito. Esta experiencia le llevó a escribir una pieza de teatro de cámara de vanguardia titulada Hamlet en 1927, que fue estrenada en el Café Sélect de París. Su conversión total al cine se produjo tras ver la película Las tres luces (Der müde Tod) de Fritz Lang. Varias semanas después se presentó en un rodaje al conocido director de cine francés Jean Epstein y se ofreció a trabajar en cualquier labor a cambio de aprender todo lo que pudiera acerca del cine y Epstein acabó permitiéndole desempeñar el cargo de ayudante de dirección en el rodaje de sus películas mudas Mauprat y La caída de la casa Usher (La chute de la maison Usher), de 1928.

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También en estos años colaboró como actor en pequeños papeles, como el de contrabandista en la película Carmen, de los estudios Albatros, con Raquel Meller, y en La Sirène des Tropiques con Joséphine Baker. Todo este bagaje le familiarizó con el oficio cinematográfico y le permitió conocer a buenos profesionales y actores que después habrían de colaborar con él en Un perro andaluz y La edad de oro, sus dos primeras películas. Como crítico, elogió el cine de Buster Keaton y atacó, por considerarla pretenciosa, la vanguardia cinematográfica francesa, en cuyas filas militaba el propio Jean Epstein. Es conocida su ruptura con éste al negarse el aragonés a trabajar en el nuevo proyecto del más reputado de los directores vanguardistas franceses, Abel Gance.

que el hilo conductor iban a ser los sucesivos cambios de dueño de una moneda. Este mismo año se adhirió al grupo surrealista de París. En colaboración con Ramón Gómez de la Serna terminó el guion de Caprichos, que nunca se llega a rodar. En enero de 1929, Buñuel y Dalí, en estrecha colaboración, ultimaron el guion de un film cuyo proyecto se titularía sucesivamente El marista en la ballesta, Es peligroso asomarse al interior y, por fin, Un perro andaluz. La película se comenzó a rodar el 2 de abril con un presupuesto de 25.000 pesetas aportadas por la madre de Buñuel. Se estrenó el 6 de julio en el Studio des Ursulines, un cine-club parisino, en el que alcanzó un clamoroso éxito entre la intelectualidad francesa, y permaneció en exhibición nueve meses consecutivos en el Studio 28.

Cada vez más interesado por el grupo surrealista de Breton, comenzó a trasladar a sus compañeros de la Residencia de Estudiantes las novedades de esta tendencia, escribiendo poemas de un surrealismo ortodoxo e instando a Dalí a que se trasladase con él a París para conocer el nuevo movimiento. En 1927 escribió Polismos y viajó a la Residencia de Estudiantes para dirigir un ciclo de cine.

A partir de la proyección de Un perro andaluz, Buñuel fue admitido de lleno en el grupo surrealista, que se reunía diariamente en el Café Cyrano para leer artículos, discutir sobre política y escribir cartas y manifiestos. Allí, Buñuel forjó amistad con Max Ernst, André Bretón, Paul Éluard, Tristan Tzara, Yves Tanguy, Magritte y Louis Aragon, entre otros.

En 1928 preparó un guion cinematográfico sobre Francisco de Goya con motivo del centenario de su fallecimiento, patrocinado por una comisión zaragozana. El proyecto no llegó a buen término por falta de presupuesto, como tampoco otro basado en un guion de Ramón Gómez de la Serna que iba a titularse El mundo por diez céntimos, en el

A fines de 1929 se volvió a reunir con Dalí para escribir el guion de lo que sería más tarde La edad de oro, pero la colaboración ya no resultó tan fructífera, pues entre los dos se interpone el gran amor de Dalí, Gala Eluard. Buñuel comenzó el rodaje de la película en abril de 1930, cuando el pintor se encontraba disfrutando de unas vacaciones con Gala en Torremolinos. Cuando descubrió que Buñuel ya había acabado la película con el sustancioso mecenazgo de los

Figura 4. Tarjeta postal de Luis Buñuel a León Sánchez Cuesta, París, 30 de junio de 1926 21

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Vizcondes de Noailles, que deseaban producir una de las primeras películas sonoras del cine francés, Dalí se sintió marginado del proyecto y traicionado por su amigo, lo que originó un distanciamiento entre ellos que se fue incrementando en el futuro. A pesar de aquello, felicitó a Buñuel por el largometraje, asegurando que le había parecido “una película americana”. El estreno tuvo lugar el 28 de noviembre de 1930. Cinco días más tarde grupos de extrema derecha atacaron el cine donde se proyectaba y las autoridades francesas prohibieron la película y requisaron todas las copias existentes, comenzando una larga censura que duraría medio siglo, pues no sería distribuida hasta 1980 en Nueva York y un año después en París. En 1930 Buñuel viajó a Hollywood, contratado por la Metro Goldwyn Mayer, como «observador», con el fin de que se familiarizara con el sistema de producción estadounidense. Allí conoció a Charles Chaplin y Serguéi Eisenstein. En 1931 llegó a España, en vísperas de la proclamación de la Segunda República. La edad de oro se proyectó en Madrid y Barcelona. En 1932 asistió a la primera reunión de la Asociación de Escritores Revolucionarios (AERA), se separó del grupo surrealista y se afilió al Partido Comunista francés. Contratado por la Paramount, regresó a España y trabajó como responsable de sincronización. En 1933, financiado por su amigo Ramón Acín, filmó Las Hurdes, tierra sin pan, un documental sobre esa comarca extremeña. Figura 5. Escena de la película, -La edad de Oro(1930) de Luis Buñuel, con Gastón Modot y Lya Lys, con guión de Luís Buñuel y Salvador Dalí

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La derecha y la Falange Española1 comenzaban a rebelarse en España y la película fue censurada por la joven y débil Segunda República Española por considerarla denigrante para España.

no aparecer en la ficha técnica, pues a sus ojos no eran más que “melodramas baratos”. Todas estos largometrajes fueron rentables y supusieron la consolidación de la industria cinematográfica española de los años treinta. Sin embargo, la Guerra Civil abortó este proyecto.

Ese mismo año firmó un manifiesto contra Hitler con Federico García Lorca, Rafael Alberti, Sender, Ugarte y Vallejo.

LA GUERRA CIVIL ESTADOS UNIDOS

En 1934 visitó en París a Dalí, ya casado con Gala. Dalí se mostró indiferente con Buñuel, con lo que se incrementó su distanciamiento. El 23 de junio se casó con Jeanne Rucar, a la que había conocido en casa de su amigo Joaquín Peinado en 1925 cuando estudiaba anatomía enParís, y que había sido medalla de bronce de gimnasia artística en las Olimpiadas de París de 1924.

El golpe de estado franquista sorprendió a Buñuel en Madrid. Así como Dalí se alineó con Franco y simpatizó con el bando nacionalista, Buñuel siempre permaneció fiel a la Segunda República. No obstante, no dejó por ello de ayudar a amigos suyos del bando franquista cuando estuvieron en peligro de muerte; así, logró que liberasen a José Luis Sáenz de Heredia (primo hermano de José Antonio Primo de Rivera, fundador de Falange), que simpatizaba con Franco, pues habían trabajado juntos en Filmófono.

La boda se celebró en la alcaldía del distrito XX de la capital francesa, sin invitar a la familia, con tres testigos improvisados (uno de ellos, un transeúnte desconocido) y, después de comer, Buñuel volvió a Madrid, ya que había aceptado trabajar para la Warner Brothers como director de doblaje. La pareja tendría dos hijos, Jean Louis, nacido en París, y Rafael, que lo haría en Nueva York.

El 18 de agosto de 1936 es asesinado Lorca. En septiembre de 1936 salió de Madrid en un tren abarrotado hacia Ginebra, vía Barcelona. Allí lo había citado para una entrevista Álvarez del Vayo, ministro de Asuntos Exteriores de la República, quien lo mandó a París como hombre de confianza de Luis Araquistáin, embajador en Francia, para realizar diferentes misiones, principalmente de inteligencia.

En 1935, con ayuda de algún dinero familiar, fundó, junto a Ricardo Urgoiti, la productora Filmófono, que competía con la Cifesa de los hermanos Casanova, principal productora española de los años treinta. Filmófono produjo películas como Don Quintín el amargado, donde debutó en el cine la gran bailaora Carmen Amaya, La hija de Juan Simón, ¿Quién me quiere a mí? o ¡Centinela alerta! y la única condición de Buñuel para producirlas era, curiosamente,

Supervisó y escribió junto a Pierre Unik el documental España leal en armas. Realizó su bautismo aéreo en varios viajes relámpago a España, en misiones de guerra.

1.Falange Española de las JONS (FE de las JONS) era un partido político español de ideología fascista,fundado

por José Antonio Primo de Rivera, primogénito del entonces fallecido dictador Miguel Primo de Rivera, el 29 de octubre de 1933. 24

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Durante 1937 se encargó de supervisar para el gobierno republicano el pabellón español de la Exposición Internacional de París. Dalí le pintó su segundo y último retrato: El sueño. El 16 de septiembre de 1938, ayudado en los gastos de viaje por sus amigos Charles Noailles y Rafael Sánchez Ventura, viajó a Hollywood de nuevo, esta vez encargado por el gobierno republicano de la supervisión, como consejero técnico e histórico, de dos películas acerca de la Guerra Civil que se iban a rodar en Estados Unidos.

yecto, en el que estaba implicado Buñuel. Sin trabajo y con poco dinero, y ya con su mujer e hijos reunidos con él, aceptó el encargo que le ofrece el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York, como productor asociado para el área documental y supervisor y jefe de montaje de documentales para la Coordinación de Asuntos Interamericanos, que dirigía Nelson Rockefeller. Su misión era seleccionar películas de propaganda antinazi; tenía despacho propio y personal a su cargo.

Terminada la Guerra, en 1941, cuando comenzaba el rodaje de Cargo of Innocents, la asociación general de productores estadounidenses prohibió toda película en contra de Franco, lo que significó el fin del pro-

Su primer trabajo para el MoMA consistió en la reedición de “El triunfo de la voluntad”, de Leni Riefenstal, con el fin de hacerla más breve y accesible a miembros

Figura 6. 1936 Guerra Civil de Estados Unidos 25

BIOGR A FÍ A

del Gobierno de Estados Unidos para que viesen el potencial del cine como instrumento propagandístico. Pero fue despedido en 1943 a raíz de la publicación del libro La vida secreta de Salvador Dalí, donde el pintor tachaba a Buñuel de ateo y hombre de izquierdas. Un periodista del Motion Pictures Herald atacó a Buñuel en un artículo donde advertía acerca de lo peligroso que resultaba la presencia de este español en un museo tan prestigioso. Buñuel se reunió con Dalí en Nueva York para pedirle explicaciones y esa entrevista significó la ruptura de sus relaciones.

para hacer escala en México y concretar algunos asuntos con el productor francés de origen ruso Oscar Dacingers, exiliado en ese país. Una vez allí se enteraron de que los derechos de la obra habían sido vendidos a otra productora que había pujado más alto.

Truncado el proyecto, Luis Buñuel tuvo la suerte de que Dacingers le ofreciera otro trabajo: dirigir Gran Casino, una película comercial con el conocido cantante mexicano Jorge Negrete y la primera figura argentina Libertad Lamarque. Buñuel aceptó y, una vez arreglados todos los papeles Volvió a Hollywood y se puso a trabajar de residencia e instalado con su esposa y para la Warner Brothers como jefe de do- sus hijos, ingresó en la industria mexicana blaje de versiones españolas para Améri- del cine. Esta primera película de su nueva ca Latina. Acabada la colaboración con la etapa constituyó un rotundo fracaso y duWarner en 1946, se quedó en Los Ángeles rante los tres siguientes años se vio obligaen busca de un trabajo relacionado con el do a mantenerse del dinero que le enviaba cine y de que le concedieran la nacionali- su madre todos los meses. dad estadounidense, que había solicitado. En 1949, a punto de abandonar el cine, Dacingers le pidió que se hiciera cargo de la dirección de El gran calavera, ya que FerETAPA MEXICANA nando Soler no podía ser a la vez director y protagonista. El éxito de esta película y Cuando Luis Buñuel aún estaba viviendo la concesión de la nacionalidad mexicana del dinero que había ahorrado el año ante- animaron a Buñuel a plantear a Dacingers rior, la casualidad quiso que en una cena un nuevo proyecto más acorde con sus deen casa del cineasta francés René Clair se seos como cineasta, proponiéndole, bajo encontrara con Denise Tual, la viuda del el título ¡Mi huerfanito, jefe!, un argumento actor ruso Pierre Batcheff (protagonista de sobre la aventuras de un joven vendedor Un perro andaluz, quien se había suicida- de lotería. A esta oferta siguió una mejor do en 1932). La mujer, que se había vuelto respuesta por parte de Dacingers, la realia casar, con el productor francés Ronald zación de una historia sobre los niños poTual, le ofreció trabajar en el nuevo proyec- bres mexicanos. to que tenía intención de realizar: La casa de Bernarda Alba, que dirigiría Buñuel. Así, en 1950 Buñuel realizó Los olvidados, película con fuertes vínculos con Las Tual, que había llegado a Los Ángeles con Hurdes, tierra sin pan, y que en un primer el interés de conocer mejor la industria es- momento no gustó a los mexicanos ultratadounidense del cine, tenía intención de nacionalistas (Jorge Negrete el primero), realizar la película entre París y México, ya que retrataba la realidad de pobreza para lo cual aprovechó su regreso a París y miseria suburbana que la cultura domi26

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nante no quería reconocer. No obstante, el premio al mejor director que le otorgó el Festival de Cannes de 1951 supuso el reconocimiento internacional de la película, y el redescubrimiento de Luis Buñuel, y la rehabilitación del cineasta por parte de la sociedad mexicana. Actualmente, Los olvidados es una de las dos únicas películas reconocidas por la Unesco como Memoria del Mundo.

En 1953 dirigió La ilusión viaja en tranvía, una de las películas consideradas “menores” pero que por su frescura y sencillez, y respaldada por escritores como José Revueltas y Juan de la Cabada, sobrevive al paso de los años.

En 1951 filmó Susana y Él, película que constituyó un fracaso comercial pero que sería revalorada en los años venideros. En 1952 salió de Ciudad de México para filmar Subida al cielo, cinta simple donde un sueño del protagonista da el toque surrealista de Buñuel y que le valió ir nuevamente a Cannes.

En 1954 dirigió El río y la muerte y es elegido miembro del jurado del Festival Internacional de Cine de Cannes. En 1955, año en que filmó Así es la aurora en Francia (lo que le brinda la oportunidad de visitar a su madre en Pau), fiel a sus ideas, firmó un manifiesto en contra de la bomba atómica estadounidense, lo que, unido a su apoyo a la revista antifascista España Libre (posicionada en contra de EE. UU.), supuso su inclusión en la lista negra estadounidense hasta 1975.

Ese mismo año filmó Robinson Crusoe, primera película que se rodó en Eastmancolor (todos los días se enviaban las copias a California para comprobar los resultados), y, junto con La joven, que dirigió en 1960, una de las dos únicas películas que rodó en inglés y con coproducción estadounidense.

A partir de ese momento, cada vez que pasaban por EE. UU., tanto él como su familia eran interrogados. No obstante, Buñuel dijo que EE. UU. era la tierra más hermosa que había conocido. Cuando alguien le preguntaba si era comunista siempre contestaba que era un español republicano.

Figura 7. Denise Tual en el cortometraje -Un perro AndaluzDe Luis Buñuel y Salvador Dallí. 27

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Con Silvia Pinal trabajó en tres ocasiones. Tras Ensayo de un crimen (1955), en 1956 realizó La muerte en ese jardín, con guion de Luis Alcoriza y Raymond Queneau que adaptaba la novela homónima de Lacour. The National Film Theatre of London realizó una retrospectiva de su obra. Nazarín (1958), Palma de Oro del Festival de Cannes de 1959, es la primera de las tres películas que realizaría con el actor Paco Rabal. Ese mismo año rodó Los ambiciosos, cine de compromiso político y social. En 1960 dirigió por última vez una obra teatral, Don Juan Tenorio, en México, y realizó y estrenó en EE. UU. La joven. Después regresó a España para dirigir Viridiana, coproducción hispanomexicana con guion escrito junto a Julio Alejandro. La película fue producida por Gustavo Alatriste (por parte mexicana) y por Pere Portabella y Ricardo Muñoz Suay, por parte de las productoras españolas UNINCI (Unión Industrial Cinematográfica) y Films 59. Estuvo protagonizada por Silvia Pinal, Francisco Rabal y Fernando Rey. Viridiana fue presentada a concurso en el festival de Cannes de 1961 como representante oficial de España y obtuvo la Palma de Oro, que recogió el entonces Director General de Cinematografía, José Muñoz Fontán.

Figura 8. Denise Tual.Paris circa 1935. Retrato por Man Ray. Viuda del actor ruso Pierre Batcheff (protagonista de Un perro andaluz, quien se había suicidado en 1932). La mujer, que se había vuelto a casar, con el productor francés Ronald Tual, le ofreció trabajar en el nuevo proyecto que tenía intención de realizar: La casa de Bernarda Alba, que dirigiría Buñuel

Sin embargo, después de que el periódico vaticano L’Osservatore Romano condenara la cinta, a la que tachaba de blasfema y sacrílega, la censura española prohibió la cinta y Muñoz Fontán fue obligado a dimitir. Viridiana no se pudo proyectar oficialmente en España hasta 1977. Fue ganador del Premio Nacional de Bellas Artes por el gobierno de México en 1977.4

En 1962 rodó El ángel exterminador, una de sus películas más importantes y personales y en la que aludía a varias bromas privadas de su época de la Residencia de Estudiantes y del periodo surrealista transcurrido en Francia.

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ETAPA FRANCESA Ya en su etapa mexicana Buñuel había rodado varias películas de producción francesa tras las elogiosas críticas europeas de Ensayo de un crimen, Así es la aurora o La muerte en el jardín, pero su verdadera reentrada en la cinematografía francesa se produjo en 1963 con Diario de una camarera (Le Journal d’une Femme de Chambre), adaptación de la novela de Octave Mirbeau. Comienza así su cooperación con el productor Serge Silberman y el guionista Jean Claude Carrière.

En 1972 se convirtió en el primer director español en conseguir el Óscar a la mejor película de habla no inglesa, por El discreto encanto de la burguesía (Le Charme Discret de la Bourgeoisie), película que se iba a rodar en España, lo cual resultó imposible debido a la censura. Esta película, junto con La Vía Láctea (La Voie Lactée, 1968) y El fantasma de la libertad (Le Fantôme de la Liberté, 1974), conforman una

En 1964 filmó su última película mexicana, Simón del desierto, que no acabó como estaba proyectada por falta de presupuesto. Aun así, obtuvo el León de Plata de la Mostra de Venecia al año 1965, año en que junto a Carrère, preparó las adaptaciones de El monje y Là-bas. En 1966, año en que Dalí le telegrafió desde Figueras ofreciéndole preparar la segunda parte de Un perro andaluz. Ese mismo año se estrenó Belle de jour, que obtuvo en 1967 el León de Oro en la muestra de Venecia. Esta película obtuvo en Francia un extraordinario éxito de público y a partir de entonces los estrenos de Buñuel se convirtieron en acontecimientos culturales, lo que motivó que Silberman le concediera completa libertad creativa y los recursos suficientes para la producción de sus filmes, lo que caracterizó la etapa final de su obra. En 1969 la Mostra le otorgó el gran premio de homenaje por el conjunto de su obra. En 1970 volvió a España para rodar, esta vez en régimen de coproducción, Tristana, protagonizada por Catherine Deneuve, que ya había desempeñado el papel principal en Belle de jour.

Figura 9. Producciòn francesa en 1963, Diario de una camarera (Le Journal d’une Femme de Chambre), adaptación de la novela de Octave Mirbeau. 29

BIOGR A FÍ A

fiel a su ideología hasta el final: no hubo ninguna ceremonia de despedida y actualmente se desconoce dónde se encuentran sus cenizas. Ese mismo año fue nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Zaragoza.

especie de trilogía que ataca los cimientos del cine de narrativa convencional y el concepto causa-consecuencia, abogando por la exposición del azar como motor de la conducta y del mundo. Ese mismo año de 1972 visitó Los Ángeles, donde vivía su hijo Rafael, y George Cukor ofreció en su casa una cena en honor de Buñuel a la que asistieron, además de su hijo Rafael y Carrière, importantes cineastas como Alfred Hitchcock, Billy Wilder, G. Stevens, William Wyler, R. Mulligan, Robert Wise o Rouben Mamoulian. En 1977 Buñuel puso el colofón a su obra con Ese oscuro objeto del deseo (Cet Obscur Objet du Désir), que recibió el premio especial del Festival de Cine de San Sebastián. En la película, que revisa temas tratados anteriormente en Viridiana o Tristana, Carole Bouquet y Ángela Molina interpretan al alimón el personaje femenino que da réplica a Fernando Rey. En 1980 realizó su último viaje a España y fue operado de próstata. En 1981, 50 años después de haber sido prohibida, se reestrenó en París La edad de oro, fue hospitalizado por problemas de la vesícula, Agustín Sánchez Vidal publicó su obra literaria, el Centro Georges Pompidou de París organizó un homenaje en su honor y Un perro andaluz se proyectó en una pantalla colocada en el techo de este centro cultural. En 1982 publicó sus memorias, escritas al en colaboración con Carrière y tituladas Mi último suspiro. Luis Buñuel falleció en Ciudad de México el día 29 de julio de 1983 por la madrugada, a causa de una insuficiencia cardíaca, hepática y renal provocada por un cáncer. Sus últimas palabras fueron para su mujer Jeanne: “Ahora sí que muero”. Se mantuvo 30

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Figura 10/11/12. Escena de Diario de una camarera

-”Hoy, 14 de septiembre, a las tres de la tarde, con un tiempo suave, gris y lluvioso, me hice cargo de mi nueva colocación. Es la duodécima en dos años. No cuento las anteriores a ese período porque me sería imposible hacerlo. En cambio, puedo vanagloriarme de haber visto durante todos mis años de profesión las casas; los rostros y las almas más impuras. Pero esto aún no ha terminado, no vayan a creerse...

No sé si es tacaña, pero lo cierto es que no es pródiga al adquirir el papel de sus cartas, comprado en el Louvre... Por mi parte, aunque no sea rica, tengo más coquetería... y escribo sobre un hermoso papel, azul unas veces y otras veces rosa, que huele a aromas de España. Lo fui coleccionando a mi paso por las casas de mis antiguas señoras. Algunas de las hojas incluso tienen grabada una corona condal...En fin, ya estoy aquí, en Mesnil-Roy, Normandía, lugar de mi nuevo trabajo. La propiedad de mi actual señora se llama El Priorato y no está muy lejos del núcleo urbano más próximo. Es todo lo que por el momento sé del sitio donde voy a vivir de ahora en adelante...

De forma realmente vertiginosa, he rodado de aquí para allá, de las agencias a las casas y de las casas a las agencias, del Bois de Boulogne a la Bastille, del Observatoire a Montmartre, de las Ternes a los Gobelins..., sin haber conseguido quedarme definitivamente en ninguna parte. ¡Y es que nadie puede imaginarse lo difícil que es hoy servir a la gente!

La decisión de venir a encerrarme en este lejano rincón provinciano la tomé quizá un poco bruscamente. Tal vez por eso no puedo evitar ahora sentirme llena de inquietudes y temores, al pensar en lo que puede ocurrirme aquí..., que, como de costumbre, no será nada bueno. Los inconvenientes son siempre los mismos. Las molestias son la única cosa segura en nuestra profesión. Por cada una de nosotras que triunfa, casándose con un buen muchacho o amancebándose con un viejo, hay un gran número, la mayoría, que acaban siendo arrolladas por el torbellino de la miseria...

En esta ocasión no traté personalmente con mi nueva señora, pues todo se arregló por medio de la sección de anuncios de Le Figaro. Llegamos a un acuerdo por correo. Las cartas constituyen un azaroso medio de comunicación que puede reservar sorpresas a ambas partes. Debo confesar, sin embargo, que las de mi nueva señora están bien escritas, aunque revelan un carácter pueril y meticuloso, evidenciado en comentarios y toda clase de porqués.

En cuanto a mí, y en la situación a que me refiero, no podía elegir, de forma que acabé haciéndome la reflexión de que más valía aquello que nada...No es la primera vez que he aceptado un empleo en provincias, desde luego, pues recuerdo como si fuese ayer una aventura que viví hace cuatro años...”-2

2. Fragmento del libro -Diario de una camarera- Novela original de Octave Mirbeau 31

II SU PENSAMIENTO ÂŤMe gustan Senderos de Gloria, de Kubrick, Roma ,de Fellini, El acorazado Potemkin, de Eisenstein, La grande bouffe, de Marco Ferreri, Goupi, mainsrouges, de Jackes Becker y Juegos prohibidos, de Rene Clement.Âť

SU PENSAMIENTO

A los catorce años empezaron sus dudas sobre la religión, principalmente acerca de la resurrección de la carne, el juicio final, el infierno y el diablo. Según él mismo dijo, era “ateo, gracias a Dios”. Amante del tabaco, del alcohol (para él, un bar era un lugar de meditación y recogimiento) y de los burdeles (aunque decía que una vez casado jamás fue infiel), quiso librarse de las normas y principios de la sociedad que en herencia le había dejado todo un sistema de prohibiciones y represiones.

Conchita solía recordar que de pequeña había acompañado a su hermano Luis a visitar cementerios y éste se tendía en las mesas de las autopsias. A Luis le gustaba asistir a los entierros de su pueblo, así el entierro que tiene lugar en Abismos de pasión era un reflejo de los recuerdos de su juventud, según confesó él mismo. La visión de Buñuel chocaba con la realidad. Tenía muy presente la posibilidad de la destrucción de la Tierra, pensaba en las guerras, la bomba atómica. Afirmaba que ni la libertad ni la justicia existían. El fantasma de la libertad refleja su pensamiento.

Le gustaba la puntualidad, el buen vestir, irse pronto a la cama y madrugar y llegó a tener una gran colección de armas. Su primera pistola la tuvo a escondidas a los catorce años, aunque bastante antes ya jugaba con la de su padre.

Era tierno, piadoso, de vida ordenada. Tuvo una vida desahogada y una infancia feliz, pero su conciencia le llevaba a pensar en lo que él llamaba la Edad Media (los principios del siglo XX y sus miserias), es decir, las injusticias, que reflejó en Abismos de pasión, Nazarín, Él, La muerte en el jardín, La joven. Vivió los años de represión sexual, quiso realizar una película pornográfica, pero desistió. Asistió a orgías y burdeles, pero no consumó, siempre fue fiel a su mujer.

Durante toda su vida, Buñuel fue un rebelde, hasta el último momento estuvo luchando contra sí mismo. Su interior le dictaba unas normas sobre la muerte, la fe, el sexo... que su conciencia no podía aceptar. Esta dualidad le marcó desde su más tierna infancia. Buñuel rompió barreras luchando a favor de la libertad. Ya con pocos años conoció la muerte de cerca, cuando un campesino de su pueblo fue asesinado por otro de un navajazo. Él se las arregló para colarse en la autopsia. Previamente, había visto cómo las aves rapaces devoraban un burro muerto y, así, cuando tuvo la ocasión, compró un burro muerto para poder ver repetida la escena: era como si disfrutase viendo cómo los buitres le arrancaban los ojos y se comían al burro, desgarrando sus carnes.

El tema del sexo fue tratado en muchas de sus películas: La joven, Ese oscuro objeto del deseo... pero en casa fue un puritano, que no permitía decir tacos. La actriz mexicana Lilia Prado mencionó a la revista SOMOS que “durante el rodaje de Abismos de pasión (1953), en un corte para almorzar entré al comedor en traje de baño con una bata transparente. Furioso (Buñuel) se vino hacia mí, se enojó mucho conmigo. Era como mojigato, odiaba decir o escuchar una mala palabra y la gente piensa lo contrario. Incluso estaba en contra del libertinaje. «Usted es una chica bien -me dijo-, no tiene por qué entrar al comedor así». Era ingenuo, limpio, tímido y sanote;

Le gustaba reflejar la visión pesimista y cruel de la vida. Así lo hizo en Las Hurdes, tierra sin pan, en Los olvidados.Sin embargo, él era pacífico y siempre estuvo obsesionado con su propia muerte. Su hermana 34

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Figura 13 Luis Buñuel Portolès 35

SU PENSAMIENTO

representaba una contradicción por su cine surrealista y como ser humano; un hombre muy limpio, muy ingenuo, mucho muy ingenuo; un hombre muy humano, tirano en su casa como dicen sus hijos y su mujer, pero un gran hombre”, aseguraba la heroína de Subida al cielo y La ilusión viaja en tranvía.

dense unos años antes. No le gustaba viajar, pero disfrutaba al visitar los sitios que le traían buenos recuerdos. No deseaba ir por Hispanoamérica y se quedó a vivir en México. Una señora que fue vecina suya en la Colonia del Valle de la ciudad de México comentó que Buñuel nunca olvidó sus raíces: en Semana Santa lo veía solo por el jardín de su casa haciendo redobles con un tambor y dando vueltas y vueltas.

Fue profundamente celoso, no permitía ni una mirada hacia su mujer. Nunca le gustó el orden establecido. Ya de pequeño fue rebelde, se resistió a llevar el uniforme al colegio, pero a la vez, y como se ha dicho, él llevó una vida muy ordenada. No le gustaba la religión ni el ejército; pero siempre habló bien de su estancia con los jesuitas y del servicio militar.

Luis Buñuel vino de una familia burguesa y muy religiosa, estudió y vivió la disciplina de la religión, pero se podría argumentar que parte de su trabajo tiene como meta, entre otros objetivos, cambiar la sociedad en la que vivimos, que se basa en la religión, la familia y el orden establecido, y que impone una moral y un comportamiento social de la que ni siquiera la burguesía que sustenta el poder es libre. Quiso que todas sus obras fueran quemadas y así tener descanso y dignidad desde la nada.

Era, en cierto modo, un anarquista, pero en su casa se respiraba disciplina, no permitía a las mujeres asistir a las reuniones de hombres. El libro de memorias de Jeanne Rucar se llama Memorias de una mujer sin piano porque Buñuel, sin preguntar a nadie, regaló el piano de su mujer a un amigo que le trajo tres botellas de vino. No fue Nacionalismo, pero añoraba España y la tierra de su infancia; se nacionalizó mexicano por pragmatismo, ya había estado a punto de nacionalizarse estadouni-

Si siempre le había obsesionado la muerte, en los últimos cinco años de su vida, sordo, con poca vista, con alguna operación que otra, dejó de ver cine, televisión

Figura 14 Luis Buñuel como espadachín en Mauprat, 1926. 36

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Figura 15. Fotografía en conjunto de Jean Claude Carriere y Luis Buñuel.

y apenas cogía un libro, con excepción de La vejez de Simone de Beauvoir, que leía y releía. Pensaba en su muerte y en el fin del mundo, bromeaba con los demás acerca de su vejez.

del orden. Este libro de memorias inspiraría la película documental dirigida por Javier Espada y Gaizka Urresti y titulada El último guion que protagonizan Jean-Claude Carrière y Juan Luis Buñuel, recorriendo los lugares en los que transcurrió la vida de Buñuel: Calanda, Zaragoza, Madrid, Toledo, París, New York, Los Ángeles y México.

Con ayuda de su amigo Jean-Claude Carrière 3 , que durante más de 18 años recopiló material de entrevistas y conversaciones en los descansos de las filmaciones, escribió Mon dernier soupir (‘Mi último suspiro’). Ya el título refleja la obsesión que tenía en los últimos momentos de su vida; no quería darles importancia, pero pensaba en ellos. Como era ateo, pensaba en reunir el día de su muerte a todos sus amigos ateos y confesarse. Para él, ser bromista era una forma de demostrar que estaba en contra

3. Jean-Claude Carriere (19 de septiembre de 1931) es actor y guionista francés, gran colaborador de Luis Buñuel. En julio de 2011 el gobierno de España le concedió la Orden de las Artes y las Letras. 37

SU PENSAMIENTO

LIBROS FAVORITOS A pesar de haber escrito algunas obras literarias, Buñuel se consideraba “ágrafo”, lo que no le impidió ser un lector incansable a lo largo de toda su vida. Algunos de sus libros favoritos, según él mismo afirmó en varias ocasiones, eran: • La leyenda áurea de Jacobo de Vorágine. • El Monje de Matthew Lewis. • Peter Ibbetson de George du Maurier. • Manuscrito encontrado en Zaragoza de Jan Potocki. • Historia de los heterodoxos españoles de Marcelino Menéndez Pelayo. • Cumbres Borrascosas de Emily Brontë. • El Lazarillo de Tormes (anónimo español). • Gil Blas de Santillana de Alain-René Lesage.5 • Don Juan Tenorio de José Zorrilla.6 • La vejez de Simone de Beauvoir. • Toda la obra del Marqués de Sade y Benito Pérez Galdós. Algunos de estos libros fueron adaptados al cine por Buñuel y otros le sirvieron como documentación o inspiración para sus películas.

Figura 16.Portada del libro El monje de Matthew G.Lewis.

CUMBRES BORRASCOSAS

Es la única novela de Emily Brontë. Fue publicada por primera vez en 1847 bajo el seudónimo de Ellis Bell. Su hermana Charlotte editó una segunda edición póstuma. Aunque ahora se considera un clásico de la literatura inglesa, el recibimiento inicial de Cumbres Borrascosas fue tibio en el mejor de los casos. Su estructura innovadora, que se suele comparar con un conjunto

Figura 17.Portada del libro Lazarillo de Tormes 38

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de muñecas de Matryoshka, desconcertó a los críticos cuando apareció. Algunos críticos contemporáneos a la autora incluso pensaron que éste era un trabajo anterior, menos maduro, de Charlotte Brontë (que había publicado Jane Eyre ese mismo año bajo el seudónimo de Currer Bell). La novela cuenta la historia de amor entre Catherine Earnshaw y su amigo Heathcliff. Un hombre llamado Lockwood llega a la finca Cumbres Borrascosas para conocer al señor Heathcliff, su casero, que le ha alquilado una villa cercana, la Granja de los Tordos. El recibimiento no puede ser más frío. En la casa viven también la nuera de Heathcliff, Catherine, y el joven Hareton. Los tres personajes le parecen a Lockwood incomprensiblemente hoscos y amargados. La señora Dean, que sirve a Lockwood en la Granja de los Tordos y cuidó a los protagonistas cuando eran niños, le cuenta la historia de las dos familias que viven en la zona, los Linton y los Earnshaw.

Figura 18. Autor Emily Brontë _ Cumbres Borrascosas (título original en inglés: Wuthering Heights)

El señor Earnshaw, dueño de Cumbres Borrascosas, trajo un día a su casa a Heathcliff, un niño abandonado, para criarlo como suyo. Los hijos de Earnshaw recibieron con extrañeza a Heathcliff. Con el tiempo, la hija, Catherine, hizo buena amigas con él, pero el hijo mayor, Hindley, lo detestaba y no perdía ocasión de humillarlo. Años después, los padres de Catherine y Hindley mueren. Hindley se casa con una mujer llamada Frances, la cual prohíbe a Heathcliff todo contacto con Catherine. Sin embargo, los dos mantienen a escondidas su amistad, que pronto se convierte en amor apasionado. Un día deciden ir a espiar a los vecinos que viven en la Granja de los Tordos, los Linton. Los Linton los sorprenden. Mientras intenta huir, un perro

Figura 18 Protagonistas del libro Cumbres Borrascosas. 39

SU PENSAMIENTO

muerde a Catherine. Los Linton la recogen, la cuidan y la alojan en su casa durante una temporada. En cambio, expulsan a Heathcliff, al que consideran poco menos que un criado. Cuando Catherine vuelve a las Cumbres, ha cambiado: ya no es una niña salvaje, sino toda una señorita. Catherine se casa con el hijo de los Linton, Edgar, aunque confiesa al ama de llaves, Nelly Dean, que en realidad está enamorada de Heathcliff. Éste, que escucha escondido parte de la conversación, se siente ofendido, pues Catherine dice que descarta casarse con él porque la unión la rebajaría. Herido en su orgullo, desaparece, pero vuelve tiempo después, enriquecido por oscuros negocios. Para enfadar a Edgar y poner celosa a Catherine, corteja a Isabella (la hermana menor de Edgar), y acaba casándose con ella, que le da un hijo, Linton. Catherine enferma por los encontronazos entre su marido y Heathcliff, y acaba muriendo la noche en que da a luz a la hija que tiene con Linton, su marido. Linton le pone el nombre de su esposa. Hindley, convertido en un borracho y jugador empedernido, se ve obligado a vender Cumbres Borrascosas a Heathcliff. Finalmente muere, y Heathcliff se queda con la casa y con el hijo de Hindley, Hareton, al que mantiene analfabeto y salvaje, vengándose así de su padre. Isabella huye de Cumbres Borrascosas y se consagra al cuidado de su hijo, Linton. Finalmente, muere, y Linton vuelve con Heathcliff, que lo desprecia, pues es un niño enfermizo que no se parece en nada a él.

ta un romance entre los dos primos y logra que se casen, de modo que cuando Edgar y el propio Linton mueren poco después, Heathcliff hereda la Granja de los Tordos, apoderándose así del patrimonio de las dos familias que tanto lo despreciaron. El señor Lockwood vuelve a Cumbres Borrascosas y descubre que Heathcliff ha muerto, convencido de que el fantasma de su amada Catherine ha venido a buscar-

Pasan dieciséis años. Cathy Linton, que no conoce la historia de las Cumbres, acude a visitar a su primo Linton. Heathcliff orques40

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Figura 20 Protagonistas en escena 13 libro Cumbres Borrascosas.

CÓCTEL EN EL PROCESO CREATIVO En su obra autobiográfica “Mi último suspiro” Buñuel destaca la importancia que el cóctel tuvo en su proceso creativo. Con todo, hay que indicar que no se trata ni de una apología del alcohol, ni de una forma de camuflar hábitos etílicos, ya que el director no tenía ningún tipo de dependencia.

Figura 19 Protagonistas niños del libro Cumbres Borrascosas.

lo, a pesar de lo mucho que lo maltrató, Hareton llora por Heathcliff, que ha sido lo más parecido a un padre que ha conocido. Cathy, que al principio despreciaba a Hareton, pasó a compadecerse de la ignorancia del muchacho y le enseñó en secreto a leer. Su relación da un giro feliz: al final, deciden casarse, dando así un final feliz a la historia de odios y desencuentros de sus familias.

Sin embargo, conviene indicar este aspecto en la vida y obra del artista porque refleja una forma de entender la vida y un apego a hábitos propios de las grandes urbes contemporáneas, algo que, sin duda, resulta importante en su trabajo. El cóctel favorito de Luis Buñuel era del Dry Martini e incluso creó un cóctel de cosecha propia que llamó el Buñueloni. 41

III FILMOTECA «La edad es algo que no importa, a menos que usted sea un queso.»

F I L MO T E CA

Muchos libros, documentales, exposiciones, estudios, artículos y hasta canciones se han realizado alrededor de la figura del cineasta aragonés Luis Buñuel (19001983). Su obra está a disposición de quien quiera verla, en las videotecas y en los distintos servidores de material audiovisual, tanto comerciales como de intercambio de archivos. Esta libro se viene a sumar a la gran cantidad de información disponible, rellenando un pequeño hueco de datos en el medio: los 32 filmes de Buñuel, comentados tras su visionado. Aunque doy una visión global de cada uno, haciendo hincapié en pequeños detalles porque su cosmogonía, las interpretaciones de sus símbolos o su estilo como realizador ya han sido suficientemente tratados en otros libros. Así se pone en primer plano el aspecto más importante de su arte: la introducción de la poesía en el cine. Buñuel supo llegar de la literatura al audiovisual impregnando al segundo de la primera. Las contradicciones del título (sobre todo las referidas a su vida con relación a su obra: pareja, religión, política) no son sino el motor subconsciente que impulsa su rica poética. Utilizando como material de apoyo numerosos libros, catálogos, revistas, folletos y documentales. Especialmente útil ha sido la obra sobre Buñuel publicada por Agustín Sánchez Vidal. Recomiendo visitar también Buñuel nonato, donde hago un repaso por las más de 40 películas que Buñuel nunca llegó a realizar: guiones escritos, proyectos sin empezar, etc.

La fecha de cada filme es la que señala la edad de Buñuel al realizarlos. Un dato aparentemente obvio, dado el nacimiento del cineasta en 1900, pero muy útil para poner en relación una película concreta con la época vital de su realizador.

Agradecemos apasionadamente la colaboración en este proyecto de Sara Ruiz, ha colaborado en el visionado de todos los filmes, como consejera, guía, disfrutando tanto la obra de Luis Buñuel. 44

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Las dos experiencias que más me han marcado son: mi estancia con los jesuitas -la más grande limitación- y mi ingreso en el grupo surrealista -la libertad más grande-. Mi vida se ha desarrollado a la sombra de ese conflicto. Me gustaría hacer documentales psicológicos. Desarrollaría en escena un nuevo tipo de terror o su sinónimo humor y a ratos una extraña poesía, producto de esos dos sentimientos. Sé que lo mío es estéril, pero no puedo traicionarme a mí mismo. Si mientras escribo el guión de una historia me hace reír también al día siguiente, lo conservo; si no, es mala. Luis Buñuel

bida al cielo, La ilusión viaja en tranvía y El río y la muerte; los estudios de personajes masculinos Robinson Crusoe, Él y Ensayo de un crimen, o femeninos como Diario de una camarera, Belle de jour y Ese oscuro objeto del deseo; trilogía comunista francesa, Así es la aurora, La muerte en el jardín y Los ambiciosos; trilogía galdosiana, Nazarín, Viridiana y Tristana; trilogía final del misterio, La Vía Láctea(con Simón del desierto), El fantasma de la libertad y El discreto encanto de la burguesía.

PELÍCULAS

Quedan fuera de esta clasificación el musical Gran casino, el drama social Los olvidados y su secuela menor El bruto, el sainete La hija del engaño, la adaptación literaria Abismos de pasión y el estudio sobre el racismo La joven.

Luis Buñuel realiza 32 filmes entre los 48 años que van de 1929 a 1977. Una clasificación ulterior agruparía de tres en tres algunos de ellos: trilogía de la conciencia, Un perro andaluz,La edad de oro y Tierra sin pan; trilogía mexicana de la familia, El gran calavera, Susana y Una mujer sin amor; trilogía costumbrista mexicana, Su-

Sin olvidar la obra maestra antisocial El ángel exterminador. Quede claro que la división en trípticos no es más que una convención a posteriori, y que el juego se puede hacer infinito: valga como ejemplo la evidente trilogía de documento social: Tierra sin pan, Los olvidados y El río y la muerte.

Figura 26. Fotografías de Luis Buñuel.

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COMO DIRECTOR Entre 1929 y 1977 dirigió un total de 32 películas. Además, en 1930 rodó Menjant garotes (“Comiendo erizos”), una película muda de únicamente cuatro minutos, con la familia Dalí como protagonista.

LOS AMBICIOSOS Los ambiciosos es una película francomexicana basada en una novela de Henri Castillou, dirigida en 1959 por el director español exiliado en México Luis Buñuel. Figura 27. Película -Los Olvidados-

Un honrado funcionario de prisiones de un ficticio estado centroamericano ambiciona ascender en el escalafón, pero para hacerlo se enfrenta a una serie de juegos de poder que, en muchos casos, son muy sucios. Para hacer frente a las intrigas de otros funcionarios y militares, urde un plan con la ayuda de su amante.

ABISMOS DE PASIÓN Abismos de pasión es una película mexicana con adaptación cinematográfica del director español Luis Buñuel de la novela Cumbres borrascosas de la escritora inglesa Emily Brontë. Alejandro regresa a la finca El Robledal tras estar ausente diez años. Su deseo es casarse con Catalina, su amor de juventud. Pero ésta ya se ha casado con Eduardo. Por despecho se casará con la cuñada de Catalina, Isabel, pero al no amarla la tratará con distancia y desprecio. Alejandro y Eduardo tienen un duro enfrentamiento y Catalina muere.

Figura 28.Película -Los Olvidados46

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Alejandro trata de bajar al panteón donde reposan los restos de Catalina para besarla, pero Ricardo, hermano de la muerta, lo mata de un tiro. Excelente manejador del melodrama, Buñuel consigue recrear magistralmente el ambiente opresivo y de amor loco de la novela de Emily Brontë. Los personajes se ven arrastrados por oscuras pasiones que desembocan en el trágico final, no por esperado menos impactante. Es tal vez la más lograda adaptación de este clásico de la literatura inglesa. Es una película que hubiera querido hacer en tiempos de La Edad de Oro. Junto con Pierre Unik escribió el guion que tuvo que esperar veinticuatro años para llevarse a la pantalla. Buñuel comentó que para los surrealistas ‘Cumbres Borrascosas’ era un libro formidable, pues ellos amaban el ‘amor fou’ por encima de todo. En 1953, el productor Oscar Dancigers tenía contratados a Jorge Mistral e Irasema Dilián para llevar a cabo una comedia romántica. Buñuel no mostró agrado sobre el argumento y entonces Dancigers le recordó que él le había hablado de su adaptación de ‘Wuthering Heights’. Buñuel se lo mostró y Dancigers aceptó. Buñuel hizo pocos arreglos al guion. Según él mismo, se trata de una película dura, sin concesiones y que respeta el sentido del amor de la novela. El cineasta sin embargo lamentó que los actores fueran inadecuados. Irasema Dilián con su acento polaco y Jorge MisFigura 29/30/31 Escenas de filmografia de Luis Buñuel47

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tral con su acento español, representaban a unos seres que eran como hermanos de leche, introducían en el film un elemento de irrealidad indeseable que no podía controlar. La música fue un desastre.

tica y que le teme a los zopilotes. Incluso el sirviente de Ricardo, José, es mostrado como un viejo santurrón y odioso. Además, la brecha de la diferencia social entre los dos protagonistas principales se hace mucho más notoria.

Tristan e Isolda de Wagner sería utilizada para el final del filme, pero Buñuel dejó negligentemente al compositor a que grabase el acompañamiento musical y este puso música a todo el film, mientras el aragonés asistía a Cannes. Con todo, Buñuel siempre consideró que su versión reflejaba mucho mejor el espíritu de la novela que la hecha por Hollywood.

Por otra parte, los diálogos, como siempre en películas de Buñuel, son impecables, agudos y sórdidos.

ASÍ ES LA AURORA Así es la aurora es una película francoitaliana del director español Luis Buñuel, basada en la novela de Emmanuel Roblés, y supone el regreso a Europa del gran director aragonés tras su etapa mexicana. A partir de este momento, Buñuel alternaría Europa y México.

Ya que ningún cineasta tiene por qué sentirse responsable de las relaciones entre su obra y el transcurso del tiempo, es natural que Buñuel no previera algo que ha sucedido con muchas de sus películas, ‘Abismos de Pasión’ entre ellas; con el paso de los Angela está casada con el doctor Valerio. años, estas cintas marcadas por todas las Vive en una pequeña ciudad de Córcega. desventajas que el cine comercial impone, ganan en coherencia. Esto quizá se deba a que el estilo del realizador, cuando lo hay, priva sobre el juego de los actores. Buñuel, al hacer la adaptación a México, aporta ya más violencia. Desdeñando siempre los cánones impuestos por Hollywood, rescata a ultranza el espíritu extremo de todos los personajes, desde Catalina hasta José. No hace ningún esfuerzo en hacer “querible” a Alejandro (Heatchcliff), sino como lo pintó Brontë: burdo, violento, inadaptado, resentido, y profundamente enamorado. No se esfuerza por dar a Catalina pinceladas de una joven adorable, sino que la retrata con todos los defectos de la niña mimada que es: caprichosa, histérica, jodida, frágil, y profundamente enamorada. Isabel es representada como una vulgar joven que se muestra como una estúpida román48

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Un día sufre un mareo en la calle y llama a la fábrica en la que su marido cura a un obrero que ha sufrido un accidente de trabajo. Angela no puede entender que su marido se ocupe tanto de los pobres y la deje a ella abandonada. Al ver a su mujer en tal estado, le aconseja que se vaya con su familia a Niza, lo que Angela hará.

que éste está dando. El asesino consigue escapar gracias a Clara y Valerio acoge al fugitivo, pero su suegro, que ha venido a acompañar a Angela descubre el escondite. Se organiza una caza al hombre, pero Sandro se suicida disparándose una bala en el pecho. Valerio se negará a estrechar la mano del comisario y se irá con Clara.

Un obrero, Sandro Galli, llama urgentemenENSAYO DE UN CRIMEN te al médico, debido a que su mujer está gravemente enferma. Más adelante es llamado a comisaría para que atienda a una Ensayo de un crimen, también conocida niña que ha sido violada por un viejo psi- como La vida criminal de Archibaldo de la cópata. Cruz, es una película mexicana del director exiliado en México Luis Buñuel. Parte de Allí conocerá a una hermosa joven, Clara, una novela de Rodolfo Usigli, quién puso que se ofrece a prestarle ayuda. Pero pron- muchas pegas a la adaptación que Buñuel to se enamorarán. Gorzone, director de la hizo e incluso lo denunció al sindicato de fábrica expulsa a Sandro de la propiedad guionistas. que le había confiado, pero su mujer Magda muere en el traslado. Sandro se venga Una comedia de marcado humor negro, es y asesina a Gorzone en medio de la fiesta una de las películas más originales y atípicas de la filmografía del director aragonés, aunque en ella se pueden observar las constantes de su cine, sus obsesiones y sus fantasmas. Otros dos directores españoles incluyeron imágenes de esta película en sus films: Pedro Almodóvar en Carne trémula y Álex de la Iglesia en Crimen perfecto. Archibaldo, de niño, cree que una cajita musical puede realizar todos sus deseos. Así, llega a desear la muerte de su institutriz, y ésta es enseguida asesinada por una bala perdida. Más tarde, encuentra la cajita musical de su infancia en un anticuario. Archibaldo de la Cruz (Ernesto Alonso), ve cómo esos deseos más íntimos se van cumpliendo y considera que tiene un don especial. Tras desear la muerte a alguien, esta persona Figura 32. Escena de la película Abismos de Pasión muere, lo que le hace creer que es un asesino, por lo que decide entregarse a la jus49

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ticia. Ante el juez que lo interroga, iremos descubriendo los secretos de su vida, en los que mezclará realidad e imaginación, uniendo a detalles de su vida hechos que le hubiera gustado vivir. La película es una sátira feroz de la grande burguesía mexicana dados los personajes acomodados e hipócritas, como la mujer (falsa virgen) que acepta a Archibaldo como marido por interés económico. [

VIRDANA Viridiana es una película española y mexicana de 1961, dirigida por Luis Buñuel, con Silvia Pinal, Francisco Rabal y Fernando Rey en los papeles principales. Está basada en la novela Halma, de Benito Pérez Galdós, concebida como una continuación de Nazarín. La película recibió el máximo galardón del Festival de Cannes, la Palma de Oro, así como la ovación unánime de público y jurado. Prohibida durante mucho tiempo en España, porque se creyó que su historia mostraba una crítica a la caridad por la caridad misma, frente a la generación de trabajo además de una sátira del idealismo cristiano. Pero Buñuel desmintió está interpretación: -Las imágenes se encadenaron en mi cabeza, unas tras otras, formando una historia. Pero nunca tuve la intención de escribir un argumento de tesis que demostrara, por ejemplo, que la caridad cristiana es inútil e ineficaz. Sólo los imbéciles tienen esas pretensiones-

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La novicia Viridiana (Silvia Pinal) —a punto de tomar los hábitos— debe abandonar el convento para visitar a su tío don Jaime (Fernando Rey), quien le ha pagado los estudios.

queda en la mansión a practicar la caridad cristiana, acogiendo a un grupo de vagabundos, a quienes brinda refugio y alimento pero que son, a fin de cuentas, quienes la atacarán y robarán.

Durante su visita, don Jaime —impresionado por el parecido entre Viridiana y su difunta esposa— la adormece e intenta poseerla, pero finalmente no se atreve. Posteriormente intenta retenerla cuando ella quiere volver al convento; le miente diciéndole que ya no podrá ordenarse monja, porque la ha poseído mientras dormía.

La llegada de Jorge (Francisco Rabal), hijo natural de don Jaime, cambiará definitivamente el destino de la joven. Como en toda película personal de Buñuel, el argumento es sólo un pretexto para mostrar ideas que van más allá. En este caso se cuestiona la naturaleza de la beneficencia y se muestra cómo las buenas intenciones no siempre se materializan en un éxito pleno.

Esto aleja aún más a Viridiana de su tío, que —tras la marcha de ésta— se suicida. Viridiana, que se siente culpable de la muerte de su tío, renuncia a ser monja y se

También se cuestiona el verdadero significado de la fe católica, y los contrastes entre el mundo ‘real’ y el mundo teórico

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cristiano. La decisión de rodar Viridiana en España provocó que Buñuel, exiliado en México tras el fin de la Guerra Civil española, fuese duramente criticado por los republicanos españoles en el exilio.

fotografía en donde posan exactamente como Jesús y los doce apóstoles en el cuadro de La última cena, de Leonardo donde el ciego y más desarrapado de los vagabundos, es Jesús.

Un artículo muy hostil publicado en el periódico oficial del Vaticano, L’Osservatore Romano, provocó su inmediata prohibición en España e Italia. El incidente reivindicó la figura de Buñuel ante sus críticos y convirtió a Viridiana en una más de las películas prohibidas de este polémico cineasta.

La censura franquista objetó el final original de la cinta, en el que Viridiana llamaba a la puerta de su primo, él abría y ella entraba, cerrando la puerta detrás de ella. Obediente, Buñuel propuso un final diferente (en donde Jorge, Viridiana y Ramona, la criada, juegan a las cartas, en una muy sutil referencia a un trío sexual) que terminó siendo más pernicioso que el primero y que, irónicamente, fue aceptado por los censores sin reparos.

En una escena, los vagabundos aprovechan la ausencia de los dueños de la casa y hacen una gran comilona y se beben el vino. Luego, después de que el leproso cita la biblia cambiando la letra, se toman una

Esta identificación con la película del director británico llega a su conexión más fiel en el momento en el que don Jaime le pide a Viridiana que se pruebe el vestido de novia que usó su mujer la misma noche en que murió. La censura franquista objetó el final original de la cinta, en el que Viridiana llamaba a la puerta de su primo, él abría y ella entraba, cerrando la puerta detrás de ella. Obediente, Buñuel propuso un final diferente que terminó siendo más pernicioso que el primero y que, irónicamente, fue aceptado por los censores sin reparos.

EL ÁNGEL EXTERMINADOR El ángel exterminador es una película de Luis Buñuel producida en México por Gustavo Alatriste y protagonizada por Silvia Pinal (esposa del productor), Enrique Rambal y Claudio Brook, aunque se trata de una obra coral. Figura 34. Escena de la película Viridiana

Fue realizada tras el éxito internacional de Viridiana, también producida por Gustavo 53

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Alatriste e interpretada por Silvia Pinal. La película franco-española de 1972 El discreto encanto de la burguesía (Le charme discret de la bourgeoisie) aborda temas similares. Un grupo de burgueses de la ciudad de México son invitados a una cena en la mansión de los Nóbile después de asistir a la ópera. Mientras, los sirvientes y los cocineros sienten deseos de abandonar la mansión y se marchan. Al terminar la cena, los invitados se dan cuenta de que no pueden salir de la habitación por una razón que desconocen, aunque no hay aparentemente nada que lo impida. A medida que van pasando los días, el alimento y la bebida escasean, los personajes enferman y la basura se acumula. A partir de ese momento, las buenas costumbres y la cordialidad poco a poco se acaban perdiendo y los burgueses se comportan como auténticos salvajes. En Mi último suspiro, Buñuel afirma que le habría gustado filmar esta película en Europa, con un escenario realmente lujoso y un elenco más fino: “Lo imaginaba más bien en París o en Londres, con actores europeos y un cierto lujo en el vestuario y los accesorios. En México, pese a mis esfuerzos por elegir actores cuyo físico no evocara necesariamente a México...” (Mi último suspiro, p. 231). Lo que interesaba a Buñuel de este asunto es la posibilidad de hacer una película de catástrofe, de naufragio, como el evocado por La balsa de la Medusa de Gericault, solo que en un lujoso interior burgués, con el comportamiento refinado de la aristocracia llevado a sus más humillantes límites de degradación. Pero también lo inexplicable de la desgracia, la lucha contra un impedimento desconocido y azaroso. 54

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Se han propuesto explicaciones religiosas o marxistas de esta película, pero en el caso de Buñuel, nunca crea mediante las figuras de la alegoría o la metáfora, sino en todo caso parte de la greguería de Ramón Gómez de la Serna, el ultraísmo o el surrealismo, lo cual rechaza de plano interpretaciones alegóricas. Lo que sí que vemos es la degradación del comportamiento humano ante situaciones límite, incluso en

la clase social en que presuntamente las normas de cortesía son más cultivadas. Pero hay que tener en cuenta también el humor y el esperpento. Así, cuando por fin pueden salir, tras haber curiosamente conseguido estar todos y cada uno en la misma exacta postura en que comenzó la trágica encerrona y tocar la misma sonata de Paradisi que se interpretó en la recepción

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primera, van todos exultantes a una misa de Te Deum, y al finalizar el rito, de nuevo la inexplicable situación de que no pueden salir de la iglesia.

Buñuel se le permitió volver a rodar una película con entera libertad, aunque no con todos los medios económicos que hubiera deseado. Y todo ello porque El ángel exterminador es un retrato de la alta burguesía, y Buñuel se quejó en sus memorias de lo parco que hubo de ser en cuanto a diseño de producción en esta película en particular:

Pero ahora ya no son una decena, sino centenas quienes están atrapados, y como antes Buñuel les permitió que llegaran corderos que, sacrificados, fueron sabroso ternasco a su hambruna, ahora, y en el plano final, vemos zigzaguear en su auxilio a todo un rebaño ovino, mientras que la policía reprime a balazos unas manifestaciones de protesta que casualmente están sucediendo en el exterior, y la banda sonora emite campanadas, balazos y esquilas sobre la impresión de la palabra “fin”.

A veces he lamentado haber rodado en México El ángel exterminador. Lo imaginaba más bien en París o en Londres, con actores europeos y un cierto lujo en el vestuario y los accesorios. En México, pese a mis esfuerzos por elegir actores cuyo físico no evocara necesariamente a México, padecí una cierta pobreza en la mediocre calidad de las servilletas, por ejemplo: no pude mostrar más que una. Y esa era de la maquilladora, que me la prestó. Luis Buñuel, Mi último suspiro,1982.

Del mismo modo vemos a las criadas, que, a la vez van saliendo de la casa, sin ningún motivo aparente, salir dos veces y esconderse de nuevo en sendas ocasiones al ver la llegada de los burgueses a la cena; el brindis es propuesto dos veces por el anfitrión... más de una decena de estas repeticiones, que dan un ritmo extraño y poético al film, podrían contarse.

El director usó en esta película sistemáticamente las repeticiones de secuencias, aunque no idénticas. A pesar de que en muchas ediciones se han cortado creyendo erróneamente que constituían defectos de montaje, estas son plenamente conscientes. Nada más comenzar la película vemos a todos los invitados que vienen de la ópera entrar en la mansión de Nóbile. Y entran dos veces. Pero con sutiles diferencias. En una secuencia el punto de vista de la cámara en el plano en que atraviesan la puerta de entrada es en un acentuado picado y en otra, en claro contrapicado.

En cuanto a los detalles de los diálogos, ha de tenerse en cuenta que es una película ideada enteramente por Buñuel, aunque colaboraba siempre con un guionista “escritor”. Por ello está el film trufado de bromas privadas y recuerdos de juventud, sueños de la etapa surrealista y chistes habituales de sus conversaciones. Se permitió incluir uno de los gags de su etapa de Hollywood, escrito en mayo de 1944 (y registrado por Buñuel en la Screen Writers Guild con el número 30.454 en fecha de 14 de noviembre de 1945) con destino a una película de Robert Florey titulada The beast with five fingers (1947).

Figura 35. Escena de la película -El Angel exterminador57

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El título de la película está inspirado en una idea de José Bergamín. Al principio se iba a titular Los náufragos de la calle Providencia, pero Bergamín le comentó que quería titular una obra teatral El ángel exterminador, y Buñuel, entusiasmado, le pidió prestado el título a lo que Bergamín respondió que no era suyo, sino de una obra muy antigua, el Apocalipsis de la Biblia.

la dónde más he puesto yo, hay algo de mí en el protagonista”, son las palabras textuales de Buñuel sobre la película, que la calificó como su favorita. Bien sabido es que Buñuel era un hombre muy celoso, incluso Jeanne Rucar, su mujer, lo asegura en su biografía Memorias de una mujer sin piano. La película, basada en una novela de Mercedes Pinto, quién tuvo como esposo a un hombre machista, cuenta la historia de un psicótico paranoide, obsesivo, temeroso de perder a su mujer. Buñuel, cuando leyó la novela, le fascinó el personaje de Francisco, según sus propias palabras “lo estudió como a un insecto”. Jacques Lacan, psicoanalista y amigo de Buñuel, expuso Él a sus alumnos como claro ejemplo de la paranoia.

Este filme ocupa el lugar decimosexto entre la lista de las 100 mejores películas del cine mexicano, según la opinión de veinticinco críticos y especialistas del cine en México, publicada por la revista somos en julio de 1994.1 Además es listada entre las mil mejores películas de todos los tiempos por el New York Times.

ÉL

En esta película, Buñuel demuestra sus obsesiones más evidentes como lo son la religión, escenas de campanarios e iglesias, o su gusto por la entomología, cuando Francisco compara a las personas con gusanos y exclama “me gustaría ser Dios para aplastarlos” y sobre todo, la obra desprende un gran fetichismo, como los planos de los zapatos de Gloria (Delia Garcés),son más que evidentes.

Él es una película mexicana de largo metraje del director español exiliado en México, Luis Buñuel. Es una de las que mejor refleja la maestría con la que el director aragonés manejaba todos los registros del melodrama. El guion se escribió tomando como base la novela del mismo nombre de la escritora canaria Mercedes Pinto. Francisco Galván es un joven soltero, religioso, de buena posición social y casto. Un jueves santo en la iglesia, durante la ceremonia del lavado de pies, su mirada divaga por los peregrinos hasta que bruscamente se detiene en los pies de Gloria.

Otra obsesión de Buñuel es por ejemplo, la escena en la cual Francisco entra en el dormitorio de Gloria con una cuerda, una aguja, hilo y una hoja de afeitar, lo que pretende Francisco es coserle la vagina para comprobar que le es fiel. En la película Buñuel no olvida su legado surrealista y es el propio delirio de Francisco (sobre todo en la última escena) el surrealismo de la película.

A partir de ese momento la buscará y enamorará, a pesar de que ésta resulta ser novia de su amigo, el ingeniero Raúl. El amor que parece nacido de la locura no parará nunca, y los celos patológicos de Francisco condicionarán todo su comportamiento posterior.Buñuel ya estaba en México cuando rodó esta película,en únicamente tres semanas en 1952. “Quizá es la pelícu-

También el protagonista tiene una estrecha amistad con el criado, hay que recordar que cuando el criado juguetea con la nueva 58

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criada, a quien despide es ella y no a él. A Arturo de Córdova no le gustaba la idea de ir al cuarto del criado cuando éste estaba en calzoncillos, pensaba que el personaje parecería homosexual.

to, la película Él es considerada como una de las obras maestras de Luis Buñuel.En la última escena de la película, donde Francisco camina en zigzag por un sendero, es el propio Buñuel quien interpreta esa particular forma de caminar.

En la película Buñuel hace numerosos movimientos de cámara en espacios muy cerrados: la casa, el compartimento del tren, la iglesia el monasterio, dando una sensación agobiante. Los escenarios, hechos por Edward Fitzgerald se rodaron todos en un estudio, exceptuando algunas escenas que se filmaron en exteriores.

Alfred Hitchcock homenajeó esta película con escenas similares en su película Vértigo. Hitchcock se declaró admirador de Buñuel y le recibió con los brazos abiertos en la cena en la casa de George Cukor.

Cuando se estrenó la película, Dancingers, el productor, salió de la sala exclamando: Cuando se estrenó la película fue un fra- “Es un desastre. Se ríen más que con Cancaso total,el público se reía. “Si duró tres tinflas”.Este filme ocupa el lugar 7 dentro semanas en la sala, se debió al nombre de de la lista de las 100 mejores películas del Arturo de Córdova que ocupaba mucho car- cine mexicano 4 , según la opinión de críticos tel” según las palabras del propio Buñuel. A y especialistas del cine en México, publicapesar del fracaso que tuvo en su momen- da por la revista Somos en julio de 1994.

Figura 36. Cartel de película -Él-

4. La revista mexicana SOMOS -con motivo de su número 100- publicó una edición especial dedicada a las 100 mejores películas del cine mexicano. 59

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BELLE DE JOUR Belle de jour es una película francesa basada en la novela del mismo título de Joseph Kessel. Belle de nuit significa prostituta en un lenguaje políticamente correcto, a su vez “belle de jour” es el nombre de una planta: el dondiego de día, cuyas flores sólo se abren de día. Kessel juega con las palabras. Escéptico sobre las posibilidades de la novela, Luis Buñuel aceptó llevarla a la gran pantalla con la condición de que se le dejara entera libertad para realizar la adaptación. Ganó un León de Oro en el Festival de Venecia. Séverine (Catherine Deneuve) está casada con un médico a quien ama, pero es incapaz de mantener relaciones íntimas con él. Tiene pensamientos y fantasías eróticas, hasta que un día va a una casa de citas y comienza a trabajar allí durante las tardes. Al mismo tiempo se mantiene casta en su matrimonio. La primera cuestión que se debería comentar sobre esta película tiene que ver con el estilo con el que Buñuel utiliza la cámara. De la violencia y el ritmo que el cineasta aplicaba a las secuencias de películas anteriores mediante el uso del travelling y el zoom, así como de la focalización sobre objetos simbólicos, pasa a emplear en el título que nos ocupa una técnica de filmación mucho más sosegada pero que, como medida para contrarrestar tal cambio, posee en su interior una estructura dramática muy turbulenta. Ésta es provocada, como resulta una constante en sus películas, por el sentimiento de deseo subversivo que azota a su personajes. 60

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Además, en Belle de Jour debemos notar que más que destacar la realización llevada a cabo por el director, hay que prestar atención a su trabajo con los actores. Éstos tienen la expresividad justa, que tiende en ocasiones al hieratismo. Esta economía del gesto servirá para remarcar la importancia de la mirada, que de este modo adquiere dos significados: por un lado es una forma de vehicular o expresar el deseo interior que crece, y por el otro denota la pérdida personal a la que se enfrenta el personaje. Las tres constantes sobre las que se construye la trama son: · Realidad · fantasía generada por el deseo · Recuerdo inducido por el trauma interior. La realidad nos presenta la vida burguesa de Severine (Catherine Deneuve). Está casada con un hombre (Jean Sorel) que es el arquetipo de la consumación individual, del éxito. Y además de perfección, es también símbolo de protección. Es tan amable y bondadoso, tan perfecto, que no puede satisfacer los deseos más ocultos de su esposa. Su perfección supone un obstáculo para ella que inhibe el deseo. Severine goza de todos los bienes deseables: comida, ropa, viajes,... pero es precisamente esa comodidad, esa “normalidad” la que la subyuga. La rutina ha llegado a anular su ser, que desde la infancia ha sido castigado por el orden social, por la moral y por la religión. Esa opresión ha generado en ella traumas que poco a poco y mediante flash-backs iremos descubriendo a lo largo del film. En cuanto al deseo, éste provoca en Severine un desorden interno que choca con el orden externo preestablecido en el que vive 61

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ahí se produce el conflicto que pone en marcha la trama argumental. Belle de Jour es la historia de una búsqueda, de un viaje por el interior de una mujer masoquista obsesionada por sentirse poseída, deseada. Y ese deseo por ser deseada, valga la redundancia, es tan fuerte que afecta a la propia voluntad de la mujer y la conduce a ese juego, a esa doble vida. El riesgo y el peligro, tanto social como físico o moral, que supone convertirse en prostituta la excita y la saca de su monotonía vital. Pero es que además hay que notar que lo que ella verdaderamente anhela es sentirse poseída, dominada. Es tanta la intensidad del objetivo que ello la empuja a vencer sus miedos, su timidez y su autocensura moral y, con cierta rapidez, aprende a comportarse, hablar y moverse como una profesional. Llegando quizás ya a un extremo se podría decir que lo que verdaderamente quiere Severine es sentirse pública, mujer de varios, objeto de transgresión. Por ello incluso permite que la azoten. Prostituirse se convierte en el remedio a su “torturada infancia”. La realidad se mezcla en el film con recuerdos en lo que Severine es toqueteada por un adulto. Sin duda se trata de un trauma. También vemos cómo se imagina que la violan en la actualidad o que fornica bajo la mesa de un restaurante con un amigo de su esposo al que detesta porque siempre muestra especial interés por ella. Toda esa alternancia de secuencias, con diferentes referencias temporales, nos ayudan a construir el convulso pasado de Severine y que es causa de su pérdida interior actual. Sin duda podemos apreciar cómo Buñuel pretende recrear un sentimiento de subversión. Valoremos los siguientes 63

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binomios:La “impersonalidad” de los clientes del burdel frente al arquetipo que representa el marido de Severine.

la dirección del prostíbulo para satisfacer la curiosidad que ella sentía tras una conversación que habían mantenido, y que por tanto podemos considerar como quien había encendido la mecha de su deseo, es quien, en una visita inesperada al burdel, se encuentra con Severine y hace que los dos mundos en los que se movía la protagonista, el real y el fantástico, y que hasta el momento habían llevado trayectorias paralelas, confluyan en tiempo y espacio.

La prostitución como liberación a la vida burguesa de Severine.Sin duda contrastes que refuerzan la idea de que la prostitución de Severine y su evolución como personaje, confieren a la historia el carácter de viaje iniciático. Además, el propio espectador no será el mismo cuando termina de ver el film.

Realidad y fantasía personal chocan y desestabilizan al personaje. Tiene tanta necesidad de vivir esa dualidad que incluso se ofrece para que ese hombre, al que tanto desprecia, la fornique a cambio de guardar silencio.

Acompañamos a Severine en ese viaje. Primero nos introducimos en el mundo del burdel, conocemos sus normas. Al igual que el personaje tendremos ideas preconcebidas sobre este ambiente que pueden que se confirmen o se corrijan.

Ofrecimiento que sin duda no debemos interpretar como un sacrificio, pues ella misma lo desea en su interior más profundo tal y como hemos podido ver en una de esas “secuencias” oníricas frecuentes en el film. Esta conjunción de las vidas paralelas provocará que Severine abandone el prostíbulo.

De la madam “Anaís”(Geneviéve Page) recibiremos el aleccionamiento necesario. Destacar que es ella precisamente la que dice que lo que Severine necesita es “mano dura”, justo lo contrario de lo que le ofrece su marido. A medida que va recibiendo a clientes y adquiere experiencia gracias al sometimiento que éstos ejercen sobre ella, parece que su estado anímico evoluciona favorablemente. Su crecimiento en la fantasía le hará ser más feliz en la realidad.

Su vida real es más poderosa, pero no consigue aplacar el deseo de forma tan sencilla y prueba de esto es que uno de los elementos pertenecientes a la “fantasía” de Severine transgrede la frontera y pasa de un mundo al otro. Se trata del gángster que se había encaprichado de ella en el prostíbulo.

Así pues vemos como la vida real, la fantasía del prostíbulo y los recuerdos de la infancia se van articulando y haciendo que el deseo y el personaje de Severine evolucionen.

Va a visitarla a su casa, la chantajea para que regrese a su “mundo fantástico”. En este punto asistimos a una lucha entre deseo y razón.

Pero para evitar que este triángulo gire de forma indefinida, Buñuel provoca una situación en la trama que la cierra de forma paralela a su apertura: El amigo del marido (Michel Piccoli), quien de forma provocativa e intencionada le dio a Severine

El final del film acaba por confirmarnos lo irreal de su propia construcción: el gángster (Pierre Clémenti) deja a Severine y espera a que el marido de ésta vuelva. Entonces le 64

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dispara y lo hiere. Después huye y perseguido por la policía acabará muriendo.

El film tiene un final abierto en el que Buñuel dijo haber reflejado su propia confusión respecto a cómo debería acabar la historia.

Podríamos interpretar que, a priori, y mediante el sacrificio que se ha pagado (el marido herido), la razón ha triunfado sobre el deseo. E incluso notar que la nueva situación, en la que Severine tiene que hacerse cargo de un marido que ya no es perfecto, supone una manifiesta mejoría en su estado anímico.

En su momento se estrenó en España como Bella de día, pero con el tiempo se ha vuelto más habitual referirse al film por su título original. El nombre se debe a que Séverine sólo ejerce la prostitución durante el día, por la noche tiene que volver a casa con su marido. Se presentó en el festival de cine de Venecia de 1967 donde obtuvo el león de oro, premio a la mejor película. A este éxito se sumó la excelente acogida entre el público, especialmente en la Europa latina, Francia, Italia y España.

Hasta aquí bien, pero recordemos que el director es Buñuel y en absoluto la comodidad burguesa triunfará sobre él. ¿Qué ocurre cuando súbitamente el marido se levanta a por una bebida y Severine empieza a oír los caballos y el carruaje de la primera secuencia, sí, aquella en la que imaginaba ser violada? ¿ Qué ocurre cuando ella sale al balcón y descubrimos que ya no están en la ciudad sino en una lujosa mansión campestre? ¿Es todo el film una fantasía imaginada por Severine o es la realidad?Creo que la intención de Buñuel, es demostrarnos que tras una forma de filmar que algunos tacharían de convencional, es capaz de crear una trama en la que realidad y fantasía se mezclan. Así mismo nos conduce a través del viaje de la psicología de un personaje atormentado por los traumas infantiles, por la sociedad en la que vive y azotada por un deseo irrefrenable. Sin duda esta película mantiene algunas de las constantes más clásicas de la obra buñuelana como son la visión subversiva de la burguesía y la religión y, lo que parece más importante: como el deseo, mediante la generación de una necesidad, se convierte en el motor que transforma al individuo y su voluntad.

Figura 37. Escena de Belle de Jour 65

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EL DISCRETO ENCANTO DE LA BURGUESÍA El discreto encanto de la burguesía es una película francesa dirigida por el realizador español Luis Buñuel. Como en muchos de los largometrajes que realizó a lo largo de su vida, se pueden observar algunas escenas con características propias del surrealismo. Ganó el Oscar en 1972 a la mejor película extranjera. Buñuel deseaba filmar la película en España, mas no le fue posible por la censura franquista. Don Rafael Acosta, embajador de Miranda, y el matrimonio Thévenot están invitados a cenar en casa del matrimonio Sénechal, pero hay una confusión y los cinco deben ir a un restaurante. Al llegar se dan cuenta de que no podrán cenar porque el dueño del lugar ha muerto. A partir de este momento, las reuniones entre este selecto grupo de burgueses se verán interrumpidas por una serie de eventos extraordinarios, algunos reales y otros producto de la imaginación de los personajes.

ESE OSCURO OBJETO DEL DESEO Ese oscuro objeto del deseo es una película franco-española, la última dirigida por Luis Buñuel. Se trata de una muy libre adaptación de la novela de Pierre Louys 5 La mujer y el pelele (La femme et le pantin). En el curso de un viaje en tren, Mathieu Faber cuenta a sus compañeros de compartimento su historia sentimental con Conchi66

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ta, una seductora mujer a la que tratará de conquistar. Sin embargo, ella siempre consigue eludir sus devaneos, a pesar de darle esperanzas. En esta su última película, Buñuel vuelve a mostrar con un sentido del humor corrosivo la frustración que representa un amor no compartido y el peso que tienen en nuestro mundo la educación cristiana y la sociedad burguesa. El mejor ejemplo de esta frustración está en el símbolo que representa la lencería de Conchita, que pasa de ser un objeto erótico a transformarse en cinturón de castidad indestructible. Uno de los aspectos más originales de Buñuel en esta película es el hecho de que escogiera para representar el papel de Conchita a dos actrices distintas, Carole Bouquet y Ángela Molina. En febrero de 1977, recién comenzado el rodaje, tuvo que prescindir de Maria Schneider como protagonista y retomó la idea de unir a dos actrices en el mismo personaje. Las pruebas realizadas a una debutante Carole Bouquet, de 19 años, y a Ángela Molina, de 21, que ya había trabajado en varias películas y rodaba con Jaime de Armiñán, fueron satisfactorias. Si bien parece que cada actriz representa una faceta distinta de la personalidad de Conchita, una tímida y angelical y otra más racial, resulta confuso el momento y, sobre todo, el porqué de la aparición de una u otra, formulándose toda suerte de teorías que pretenden explicar el hecho.

5. Poeta y narrador de lengua francesa, integrante del movimiento simbolista. (Gante, 1870 - París, 1925) 67

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EL FANTASMA DE LA LIBERTAD El fantasma de la libertad es una película francesa coproducida entre Francia e Italia, dirigida en 1974 por Luis Buñuel. Se trata de una película en la que los fantasmas habituales en el cine de Buñuel aparecen en todo su apogeo y en la que se retoman algunos temas y constantes propios del surrealismo. Distintas historias se entrecruzan y tratan distintos temas: la religión, el poder, las convenciones sociales. Buñuel se burla de todo ello proponiendo un mundo al revés. La película se divide en 14 capítulos unidos por un personaje distinto. Buñuel ya había probado esta forma de dirigir en La edad de oro, con los amantes como hilo conductor. La historia comienza en Toledo, en 1808, cuando las tropas napoleónicas asaltan la ciudad. Uno de los soldados besa la estatua de una mujer y es agredido por otra de un hombre. El mismo soldado, para vengarse, profana la tumba de doña Elvira; esta escena sugiere la necrofilia. La voz en off de una señora nos narra la historia; cuando ésta se encuentra con la palabra “parafernalia”, cuyo significado desconoce, cambian el espacio y el tiempo, y nos encontramos en un parque de la actualidad. Dos niñas se encuentran con un hombre sospechoso, supuestamente pederasta, que les entrega unas postales aparentemente pornográficas. En un apartamento, un hombre que resulta ser el padre de una de las niñas exclama “No soporto la simetría” contemplando una escena simétrica. Cuando él y su esposa descubren las pos68

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tales de su hija se puede apreciar que eran totalmente inofensivas, pero provocan la excitación de los personajes. Cuando ambos se van a dormir aparecen en la habitación, por este orden: un gallo, una mujer con un reloj de bolsillo y una vela, un cartero con bicicleta, que les entrega una carta, y un avestruz. Después de esto el hombre se va al médico y éste le recomienda que vaya a un psicoanalista. Una enfermera entra al despacho con la intención de que la dejen salir antes para visitar a su padre enfermo y cambia el curso de la historia. En el camino, por la carretera, la enfermera se encuentra con un tanque y unos soldados que le preguntan si ha visto zorros por el camino. Pernocta en un establecimiento en el que se encuentran varios monjes, un guitarrista y una bailaora, un matrimonio masoquista y una mujer y su amante, que es a la vez su sobrino. A la mañana siguiente la enfermera se dispone a ir a Argenton; un hombre que se encuentra allí le pide amablemente si le puede llevar. Cuando ambos están en Argenton el hombre se despide de la enfermera y cambiamos nuevamente el curso de la historia. El hombre es un inspector de policía que se dirige a una academia de policía. El inspector cuenta a sus alumnos una cena que tuvo con su mujer y unos amigos en su casa. En esa cena los invitados se sientan sobre retretes y empiezan a hablar sobre los productos tóxicos que contaminan el mundo. El inspector de policía se levanta para ir al cuarto de baño, donde se sienta para comer. Dos de los alumnos comunican que se tienen que ir. Paran a un conductor que 69

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excede en velocidad y vuelve a cambiar el curso de la historia. El conductor va a una cita con su médico, éste le anuncia que tiene cáncer y poco después le ofrece un cigarro, el paciente le da una bofetada y se marcha. El mismo personaje regresa a casa, recibe una llamada telefónica y le comunican que su hija no se encuentra en la escuela. Cuando llega al colegio, junto a su mujer y la niñera, observa que su hija se encuentra allí, pero por alguna razón no se dan cuenta. Los padres van a denunciar la desaparición a la comisaría. El comisario le dice a uno de los agentes que vaya a limpiarse los zapatos, éste se los limpia en una zapatería; en el momento en que sale de ella la trama vuelve a cambiar y gira en torno al segundo cliente que se encuentra en la zapatería. El cliente es un francotirador que comienza a disparar indiscriminadamente a los ciudadanos desde un trigésimo piso. El francotirador es detenido y condenado a pena de muerte. Tras la sentencia el francotirador es liberado y puesto en libertad, por lo que queda libre. Una voz en off nos narra el proceso del francotirador. La situación vuelve a cambiar y llegamos al último capítulo: el comisario informa al padre de la niña desaparecida de que la han encontrado. Cuando el comisario se dispone a leer el informe su secretaria le avisa que tiene una reunión importante y se marcha a un restaurante, sin llegar a terminar la lectura del informe. Una mujer entra en el restaurante y el comisario, asombrado por el parecido físico que guarda con su hermana muerta, le cuenta la historia de un caluroso verano en el que su hermana tocaba desnuda el piano. Mientras hablan de la muerte de su 70

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Figura 38. Escenas de -El fantasma de la Libertad71

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donde las tropas Napoleónicas se disponen a ejecutar un grupo de hombres que gritan “¡Vivan las cadenas!”, que alude a un acontecimiento histórico: el gobierno francés suponía la implantación en España del Nuevo Régimen, pero el pueblo recibía al «deseado» Fernando VII con la soflama antedicha. Situada la acción en Toledo esta era una ciudad de grato recuerdo para Buñuel, que en 1923 fundó una parodia de de orden eclesiástica, a la que llamó «Orden de Toledo».

El fantasma de la libertad fue la penúltima película de Buñuel, filmada al final de su carrera. Al tiempo de producción, tenía la edad de 74 años y estaba considerando su jubilación. La película resume muchas de las preocupaciones que impregna toda su obra y fue, además, una de sus películas favoritas: El azar todo lo gobierna; la necesidad, que lejos está de tener la misma pureza, sólo viene más tarde. Si tengo debilidad por alguna de mis películas, sería por El fantasma de la libertad, porque prueba a salir sólo este tema. (Buñuel, 1983)

La película es infundida con su experiencia personal. Cuando fue estudiante en Madrid, había visto los cabellos del cadáver de una mujer “creciendo” desde una tumba a la luz de la luna, la vista provocó una impresión fuerte en él y lo incluyó en esta hermana el camarero recibe una llamada película cincuenta años más tarde. para el comisario de parte de quien dice ser su hermana. Tras darse cuenta de que En 1940, cuando vivía en Los Ángeles y realmente se trata de su hermana se dirige no tenía ninguna perspectiva de trabajo al cementerio a profanar su tumba. para una película, se le ocurrió la idea de una niña perdida cuyos padres la buscan El comisario es detenido por los policías, infructuosamente mientras que ella permaquienes le ignoran al decir que él es el co- nece a su lado; invisible y sin embargo no misario. A la mañana siguiente es llevado invisible. hasta un segundo comisario, que ocupa su puesto. Después de una charla tranquila, Cuando el monje Carmelita dice “Si todo el ambos se marchan al zoológico, donde se mundo rogara cada día a San José, todo escucha gritar a un grupo de gente “vivan estaría bien”, esto fue una cita que había las cadenas”. enganchado a Buñuel cuando visitaba un monasterio en 1960. Uno de los más conEl segundo comisario ordena a sus hom- movedores detalles biográficos que usó en bres cargar armas y luego el primero que abran fuego. Un avestruz mira fijamente a El fantasma de la libertad es la secuencia la cámara mientras se escucha de fondo un en la que el doctor intenta evitar decir a su sonido de campanas y disparos. paciente que tiene cáncer del hígado, esto se basó en una experiencia de Buñuel a La película contiene incidentes cortos y quien le contaron que tenía un quiste en escenarios recogidos a lo largo de la vida su hígado (murió de cáncer del hígado en de Buñuel, organizado en un estilo de jue- 1983). go surreal donde aparentemente ideas inconexas son enlazadas por encuentros El título de la película es un homenaje al del azar. La película comienza en Toledo Manifiesto Comunista de Karl Marx y Frie72

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drich Engels, concretamente se cita en la frase de apertura, “Un espectro vaga por Europa, el espectro del Comunismo” (en francés, espectro es traducido como fantasma).

ge Silberman de productor y de guionista Jean-Claude Carrière) parecía haber recuperado la autonomía creativa de sus tempranas películas. El fantasma de la libertad puede, por lo tanto, ser vista como una película personal de un director que refleja una larga carrera creativa.

Esta frase se refiere a la manera en la cual la idea del Comunismo era usada peyorativamente por las autoridades en el siglo XIX para atacar a todos los partidos políticos que se opusieron al orden establecido (iglesia, aristocrática y estatal). El Manifiesto Comunista fue escrito para ofrecer una visión positiva de las vistas, objetivos y tendencias de los comunistas de toda Europa.

EL GRAN CALAVERA El gran Calavera (1949) es la segunda película mexicana que el director de origen español Luis Buñuel realizó en México. Todo el mundo se aprovecha de Ramiro, un gracioso y rico viudo: sus hijos, uno de sus hermanos y su cuñada: todos pretenden no hacer nada y vivir a su costa. Su otro hermano intenta ayudarle haciendo creer a todos que Ramiro se ha arruinado.

Buñuel Y los Surrealistas estaban vinculados a los Comunistas en 1930, pero en 1950 habían desarrollado una antipatía más grande hacia el partido.

Tras sus primeros trabajos europeos, enmarcados dentro de lo que se considera surrealismo, y que han pasado a formar parte de la historia del cine, Un perro andaluz y La edad de oro, y su discutido documental Las Hurdes, tierra sin pan, tras la Guerra civil, Buñuel tuvo que exiliarse a México, en donde abandonó momentáneamente el cine.

El título de El fantasma de la libertad también se toma de su película La Vía Láctea (1968) “Tu libertad sólo es un fantasma” posiblemente se refiera a la manera en cómo los movimientos de derechos civiles de 1960 habían sido vistos como amenaza al orden establecido. Es más probable al referirse a la ilusiva naturaleza de la libertad, a las maneras en que nuestros destinos son controlados por la casualidad o como diría Buñuel: Nos encontramos tantas veces en complicados cruces que nos llevan a otros cruces, siempre a laberintos más fantásticos. De alguna manera tenemos que escoger un camino. Buñuel, (1983.)

Su primera película en México, Gran Casino, filmada dos años antes, había resultado un cierto fracaso, a pesar de contar en su reparto con las figuras más relevantes del cine mexicano y argentino, Jorge Negrete y Libertad Lamarque, respectivamente. Sin embargo, el productor Óscar Dancigers le contrató para dirigir la versión cinematográfica de la comedia de Adolfo Torrado El gran Calavera, el guion era del que más adelante sería uno de sus grandes amigos mexicanos Luis Alcoriza, que también tuvo más adelante su propia carrera como direc-

Esta cita no es sólo paralela a la estructura de la película, sino que también resume la filosofía de la vida de Buñuel. Después de que se le otorgara un Oscar como mejor película extranjera en 1972 (por El discreto encanto de la burguesía, también con Ser73

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tor. Buñuel cumplió el encargo y empezó a gestar la fama de que era un director rápido y económico en medios, que le acompañó durante toda su época mexicana. La película tuvo un aceptable éxito.

GRAN CASINO Gran Casino, también conocida como En el viejo Tampico, es una película mexicana realizada en 1946 durante la etapa de la Época de Oro del cine mexicano, protagonizada por Jorge Negrete y la actriz y cantante Libertad Lamarque.

Figura 39. Escena de Las Hurdes, tierra sin pan.

Este filme clásico es uno de las pocas producciones comerciales del director surrealista Luis Buñuel y la primera que dirigió en México. El Trío Calaveras que acompañaba a Jorge Negrete en sus giras musicales hace apariciones en la cinta.

LAS HURDES, TIERRA SIN PAN Las Hurdes, tierra sin pan es una película documental de 27 minutos, dirigida por el cineasta español Luis Buñuel y rodada entre el 23 de abril y el 22 de mayo de 1932.1 Originalmente muda, en 1935 obtuvo dinero de la embajada de España en París para sonorizar la película (narrada en francés por una voz en off).

La historia adaptada de la novela El rugido del paraíso de Michel Weber relata los problemas con inversionistas del petróleo antes de su expropiación por el gobierno mexicano. En la ciudad petrolera de Tampico (Tamaulipas) de principios de siglo, Gerardo Ramírez y Demetrio García, dos prófugos de la cárcel, entran a trabajar para el argentino José Enrique Irigoyen quien explota pozos petroleros.

Este crudo documental sobre la situación de atraso en que permanecían Las Hurdes está basado en un monumental estudio de antropología humana de Maurice Legendre 6 , quien había estudiado Las Hurdes durante casi veinte años, titulado Las Jurdes étude de géographie humaine (1927), que por esos años leyó el cineasta.

El petrolero desaparece y su hermana Mercedes llega a Tampico para hacerse cargo del negocio. Aunque sospecha que Gerardo y Demetrio pueden estar involucrados en la desaparición de su hermano, Mercedes no puede evitar sentirse atraída por el primero.

Con esta película Buñuel da un giro a su obra, alejándose del surrealismo ortodoxo para acercarse a propuestas más sociales

6. Agustín Sánchez Vidal, Luis Buñuel, Madrid, Cátedra, 1994 (19911), pág. 143. ISBN 84-376-2151-8 74

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Figura 40. Grabaciones de película Las Hurdes, tierra sin pan

y al comunismo. Pero el surrealismo (que en francés es literalmente «super-realismo») siempre aspiró a reflejar la realidad en sus distintas facetas y nunca a darle la espalda.

(el burro devorado por avispas, el entierro del niño en su ataúd blanco descendiendo por el río) encierra tanto surrealismo como los fragmentos documentales de La Edad de Oro.

Tanto la «Santa Objetividad», que por entonces preconizaba Dalí, como su «método paranoico-crítico», partían de la realidad para encontrar los elementos nunca vistos convencionalmente para constituir nuevas facetas del surrealismo, que no en vano, era un movimiento de rebeldía contra la sociedad burguesa en todos sus aspectos y que tenía como arma principal el escándalo.

En este documental se realiza un recorrido por la comarca y los habitantes de Las Hurdes. La película refleja la situación tercermundista en que se encontraban algunas zonas de España. Es polémica la legitimidad de la cinta como documental antropológico, pues Buñuel, además de rodar los habitantes y las costumbres de esta comarca extremeña, construyó en ocasiones (como muestran fotos fijas del rodaje que se conservan) escenas a la medida de sus necesidades.

Buena parte de estos objetivos se cumplen en esta cinta de Buñuel, pues consiguió escandalizar a los gobernantes e intelectuales de su tiempo y con ello obtuvo una repercusión que permitió difundir el mensaje social y de denuncia que tenía este documental producido por el intelectual anarquista Ramón Acín. La belleza terrible y amarga de las imágenes de Las Hurdes

Puede observarse, en este sentido, que la cabra despeñada fue abatida por una escopeta cuyo humo se observa en la fotografía. Asimismo, el burro comido por las abejas, tiene las patas atadas, y coincide con uno de los motivos más obsesivos para el cineasta, el del carnuz, que ya aparecía 75

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en el ambiente de la Residencia de Estudiantes, y se puede documentar en varios cuadros de Dalí de esa época y en los burros podridos encima de los pianos de Un perro andaluz.

la Prensa de Madrid, acudió el doctor Gregorio Marañón, que se indignó por lo desagradable de la película, y protestó enérgicamente contra ella, opinión que recibió y compartió el Gobierno de la Segunda República, que decidió prohibirla por la mala imagen que ella podía ofrecer de España.

Algunos documentalistas, como Pío Caro Baroja le han reprochado esta manipulación de la realidad y el daño ocasionado a los hurdanos, protagonistas de una exhibición truculenta.

En 1937 el filme se estrenó en Francia donde, también a los pocos días de su proyección, hubo de ser retirada a instancias del gobierno francés y de la prensa.

Empero, hay que pensar en si hay algún documental que no seleccione y manipule en mayor o menor medida la realidad objetiva en dirección a los fines perseguidos, que en este caso (no lo olvidemos) eran denunciar ante las autoridades una situación de atraso a la que había que poner remedio, en la línea de los valores comunistas a los que el grupo de André Bretón se había ido acercando en la década de los 30.

Es curioso observar que casi veinte años después ocurrió algo parecido con la película que retrataba los barrios más deprimidos de Ciudad de México, Los olvidados, cuyo estreno en México provocó reacciones violentísimas, y fue solicitada la expulsión de Buñuel por parte de la prensa, sindicatos y otras asociaciones. Permaneció solo cuatro días en cartel sin que faltaran intentos de agresión física contra el cineasta, solo que en esta ocasión, el premio conseguido en el Festival de Cannes, hizo que la película fuera avalada por el prestigio de este importante certamen, así como por la defensa que de ella hicieron algunos intelectuales mexicanos, entre los que destacó Octavio Paz.2

Cabe preguntarse si hubiera sido tan efectivo como testimonio social de no haber procedido a exagerar unas carencias que, lejos de arremeter contra el pueblo hurdano, ponían en evidencia la dejadez institucional que las habían permitido. De todos modos pocos han discutido su extraordinaria calidad cinematográfica, pues ha sido elogiada por grandes documentalistas como Joris Ivens, Joseph Losey y Robert Flaherty. Carlos Saura la tuvo como punto de partida para su documental Cuenca, a raíz del cual declararía en 1958: En el año 1932, cuando Luis Buñuel realizó Tierra sin pan, pudo nacer una genuina escuela del documental, entroncada con las raíces más profundas del temperamento hispánico.

LA HIJA DEL ENGAÑO La hija del engaño es un largometraje que el director español Luis Buñuel rodó en México, basada en el sainete de Carlos Arniches y José Estremera Don Quintín el Amargao. Forma parte de las películas que el propio director consideraba alimenticias, puesto que le servían para comer. A pesar de ello esta película tiene un sutil sentido del humor.

Solo se debía seguir el camino que Luis Buñuel nos dejó, pero nadie lo hizo. Al estreno del filme, realizado en el Palacio de 76

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En realidad se trata de una mexicanización de una película que Buñuel ya había realizado en España como productor y supervisor durante los últimos años de la República de este país y que, según algunos testigos, prácticamente dirigió el mismo, si bien no quiso firmarla. Se trata de la única película de la que Buñuel hizo dos versiones.

Diablo y Adán, y la hermana de éste, una honrada, coqueta y a la vez arisca Lupita (Lilia Prado), es Eva.

LA ILUSIÓN VIAJA EN TRANVÍA

Ponen el aviso de “Especial” para que nadie se suba, pero se ven forzados a recoger a unos niños con una maestra y llevarlos hasta Xochimilco, dejándolos a medio camino. Luego, por haberse estacionado frente a una vía muerta, Tarrajas accidentalmente se da cuenta de que a unos sacos los hacen pasar por “Fertilizante”, y siendo que están llenos en realidad de maíz de contrabando en tiempos de escasez, casi los matan.

Los dos amigos regresan al depósito de tranvías por cervezas a sabiendas de que el velador está en la pastorela, pero en su ebriedad tienen la ocurrencia de sacar su amado tranvía de la estación para que “le dé el fresco” y darle “una vueltecita” a la Don Quintín, hombre de sólidos principios gente que dejaron plantada esperando la morales, sorprende a su esposa María en continuación de la obra teatral y salen con pleno adulterio y la expulsa de su casa. el cuento de que están ofreciendo “Servicio Despechada, ésta le dice que Marta, la piloto”. hija que él cree de ambos, en realidad no es hija suya. Don Quintín se deshará en- En cada escena, la situación es peor: Pritonces de su hija, dejándola a cargo de un mero, esa noche le dan servicio a distintos matrimonio, que será el que se ocupe de la pasajeros, desde carniceros hasta indigenniña. Pero años más tarde María confesará tes y beatas, y quieren devolver el 133 por la mañana, pero se quedan dormidos y no a don Quintín la verdad. pueden hacerlo.

La ilusión viaja en tranvía es una película mexicana de largo metraje de 1953, dirigida en la etapa mexicana de Luis Buñuel, en la que narra en clave de comedia los diferentes avatares que suceden en un viaje en tranvía por la Ciudad de México. Juan Godínez “El Caireles” (Carlos Navarro) y Tobías Hernández “El Tarrajas” (Fernando Soto «Mantequilla») reparan con antelación el tranvía 133, pero su felicidad se derrumba cuando son enterados de que dicho tranvía, en el que se han pasado media vida trabajando, va a ser retirado del servicio e irá a dar al depósito de desecho, y con ello probablemente su empleo.

Ante todo esto, Tarrajas tiene la superstición de que la presencia de Lupita les da suerte. Más adelante, el anciano “Papá Pinillos”, con fama de malora, se empeñará en delatarlos a como de lugar.

“Medio jarras”, puesto que van a consolarse a una cantina, representan sólo el primer acto de una pastorela de barrio en verso en la que Caireles es Dios y Tarrajas el 78

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LE JOURNAL D’UNE FEMME DE CHAMBRE

LA MORT EN CE JARDÍN

Le journal d’une femme de chambre, conocida en castellano como Diario de una camarera o El diario de una camarera es una película francesa dirigida por el español Luis Buñuel en Franscope en 1964.

La muerte en el jardín es una película franco-mexicana, que dirigió en 1956 Luis Buñuel. Se trata de la adaptación de la novela homónima de José-André Lacour. A un país imaginario de Hispanoamérica, situado cerca de la frontera con Brasil, y que dispone de ricas minas de diamantes llega Shark, un aventurero europeo. En el momento en el que llega se está fraguando una revuelta. Los buscadores de diamantes, que han sido despojados de sus riquezas por el corrupto y déspota capitán Ferrero, y se disponen a atacar la guarnición gubernamental.

Está basada en la novela del escritor frances Octave Mirbeau (1848-1917), Le Journal d’une femme de chambre, publicada en 1900, durante el Caso Dreyfus. En la película, Buñuel hace gala de su anarquismo y de su inmenso desprecio hacia la burguesía.7 Relata la historia de Célestine (Jeanne Moreau), una parisina de los 1930s que emigra al campo y trabaja como sirviente para una gran casa y es testigo de las excentricidades y las infamias de sus habitantes. En la casa, se atrinchera en la hipocresía sexual y el escándalo con su mujeriego patrón.

Shark es acusado de robo y se le conduce a la guarnición, pero se produce el ataque, lo que le permite huir. Sin embargo, el ataque es un fracaso, y los rebeldes deben huir también. Shark coincidirá en su huida con algunos personajes curiosos: Castin, La joven Célestine llega al hogar de los un aventurero que se ha hecho rico con los Monteil en Normandía y se emplea como diamantes, la hija sordomuda de éste, Marecamarera.Se enamora del guardabos- ría, y Gin, una prostituta que es su amante; ques Joseph antes de darse cuenta que él un sacerdote, un misionero, un militar y un esconde un terrible secreto. Ya había ha- bandido. bido una adaptación para el cine en 1946, hecha en Hollywood por Jean Renoir. Pero la selva es un entorno hostil, y los fugitivos no saben a ciencia cierta hacia El sacerdote del pueblo: burlescamente dónde ir. Pretenden llegar a Brasil, pero tonsurado, aconseja a la dueña de la casa su situación se va haciendo cada vez más “jamás tener placer en sus relaciones ínti- desesperada. Cuando están a punto de mas”. Mueve la mano suavemente (alusión morir, descubren los restos de un avión. a la inocencia)luego levanta su dedo mien- Castin enloquece y mata al sacerdote y a la tras insiste en que hay “dos tipos de cari- amante del protagonista, y luego es muerto cias”. por Shark.

7. Burguesía es un término de origen francés (bourgeoisie),utilizado en la economía política, y también extensivamente en filosofía política, sociología e historia. Designa a la clase media acomodada. 80

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UNA MUJER SIN AMOR Una mujer sin amor es una película mexicana de la etapa mexicana del director español Luis Buñuel. También conocida con el título de Cuando los hijos nos juzgan, está basada en la novela Pierre y Jean de Guy de Maupassant. El propio director dijo que ésta era su peor película. Rosario, una mujer casada con un médico muy mayor, se enamora de Julio, un ingeniero también mucho mayor que ella, al que había conocido tras una travesura de su hijo Carlos, y acaba convirtiéndose en su amante. Cuando éste le propone que se fugue con él, ella no se siente capaz de hacerlo, puesto que su marido se ha puesto enfermo. Después de que su marido se recupera, decide tener otro hijo, Miguel, que con el paso de los años rivalizará con su hermano Carlos.

NAZARÍN Nazarín es una película mexicana de 1959, dirigida por Luis Buñuel, protagonizada por Francisco Rabal, Marga López, Rita Macedo, Jesús Fernández y Ignacio López Tarso en los papeles principales. Basada en la novela homónima de Benito Pérez Galdós acerca de un sacerdote poco mundano, que es Jesús encarnado en un sacerdote inserto en un barrio popular de Madrid. Ganadora del Gran premio del Jurado del Festival Internacional de Cine de Cannes, 1959. 82

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El padre Nazario es un sacerdote que ejerce en México, en los primeros años del siglo XX durante el gobierno de Porfirio Díaz. Este personaje expresa lo que los Evangelios dicen que fue Jesús: un hombre libre, comprometido, misericordioso y cercano a la gente. Sus feligreses son los pobres que viven cerca de él. Pero al intentar proteger a una prostituta que ha causado un incendio, tiene que huir, perseguido por la justicia. En su huida, el padre Nazario se replanteará su propia fe, a la vista de los acontecimientos que sufre y de los hechos que conoce. Fue dirigida en 1958 por el director de cine español exiliado en México, Luis Buñuel, siendo la primera película en que el actor español Francisco Rabal trabajó con Buñuel. Curiosamente es Luis Buñuel, alejado de la Iglesia católica, quien lleva al cine, con una profunda percepción de Jesús, este tema. Simultáneamente Pier Paolo Pasolini, ateo declarado, realiza El Evangelio según San Mateo.En una escena, la prostituta de perfume maloliente se despierta y ve al fren-

Figura 41. Escena de Nazarín. 83

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te el cuadro de un Cristo con corona de espinas y ensangrentado por los latigazos, LOS OLVIDADOS pero con la boca bien abierta y sonriente, cual masoquista recién salido de las ma- Los olvidados es una película mexicana nos de un sádico. de 1950 escrita y dirigida por Luis Buñuel, que obtuvo el premio al mejor director en el Cuando destituyen al sacerdote, éste se va Festival de Cannes y que ha sido nombraa pedir limosna y los del pueblo vuelven a da Memoria del Mundo por la Unesco. verlo descalzo, “como Jesucristo” y le ruegan que haga milagros. Más adelante, apa- Los olvidados cuenta una historia trágica y rece errante con cayado y túnica hebraica, realista sobre la vida de unos niños en un como Moisés. barrio marginal de la Ciudad de México. Al final, cuando un federal lleva al padre Nazario como reo, una vendedora de frutas le ofrece una piña como caridad y él la rechaza asustado. Pero luego reflexiona, la acepta y sigue su camino con semblante triste.

Esta película es la obra más relevante desde que Buñuel comenzó su etapa mexicana. Tras el éxito comercial que le proporcionó El gran Calavera, el productor Óscar Dancigers le propuso que dirigiese una nueva película sobre los niños pobres de México.

El enigmático final de “Nazarín” tiene que ver con el tema de la película, que es el mismo de Viridiana, y que se resume en la superficialidad de la caridad cristiana.

La película se sitúa en la línea del neorrealismo italiano 8 , al que Buñuel aporta su toque surrealista como se puede observar en la secuencia del sueño de Pedro, la obsesión por las gallinas o el huevo lanzado hacia la cámara.

El padre Nazario, que practica activa y pasivamente el principio de caridad, tras una serie de vivencias que niegan cualquier tipo de eficacia a su conducta, excepto en el paradójico episodio del involuntario milagro, demuestra una crisis de conciencia al negarse a aceptar una limosna.

Tras un prólogo inmerso en imágenes de Nueva York, París y Londres; se advierte de la universalidad de la tragedia que va a producirse, la cámara localiza enclaves reconocibles de la Ciudad de México. En uno de sus barrios marginales, Jaibo (RoInmediatamente persevera en su fe como berto Cobo) es un adolescente que escapa demuestra el acto de aceptar la caridad de un correccional para reunirse con Pedro que se le ofrece. (Alfonso Mejía). Este filme ocupa el sexto lugar dentro de la lista de las 100 mejores películas del cine mexicano, según la opinión de 25 críticos y especialistas del cine en México, publicada por la revista somos en julio de 1994.

En presencia de él, Jaibo mata a Julián, el muchacho que supuestamente le delató. También intenta robar a un ciego al que finalmente maltrata en un descampado. Cuando Pedro llega a su casa su madre no quiere darle de comer, lo que origina la

8. Movimiento cinematográfico surgido en Italia durante la posguerra de la Segunda Guerra Mundial, cuyos principales representantes fueron Roberto Rossellini, Luchino Visconti y Vittorio de Sica. 84

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Figura 42. Escena de -Los Olvidados85

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secuencia onírica y surrealista en que la madre le ofrece unas vísceras que Jaibo le arrebata saliendo debajo de la cama donde yace el cadáver de Julián.

presencia de las gallinas, la rítmica repetición de brazos que se alzan cada diez minutos para golpear y matar cruelmente y, no menos importante, la vanguardista música, atormentada e inquietante, de Rodolfo Halffter sobre temas de Gustavo Pittaluga. Ello crea un clima de malestar que lleva al filme a la característica poética surrealista y tortuosa del aragonés.

Otro niño, que ha sido abandonado por su padre en la ciudad, Ojitos, entra al servicio del ciego como lazarillo, que ejerce de curandero en casa de Meche, una turbadora adolescente de la que el ciego se quiere aprovechar. Como ha recordado Octavio Paz, Buñuel muestra la evolución del surrealismo, que Pedro intenta recobrar la estima de su ma- se inserta ahora en las formas tradicionadre comenzando a trabajar, pero sus bue- les del relato, en este caso una tragedia nas intenciones son frustradas por el com- sin coturno, integrando «las imágenes irraportamiento de Jaibo que comete un robo cionales que brotan de la mitad oscura del del que acusan a Pedro, que es arrestado hombre». por ello en una granja escuela. El estreno de la película en México suscitó El director de la institución, confiando en violentas reacciones, y se pidió desde diel chico, le da cincuenta pesos y le manda versas instancias mediáticas la expulsión a un recado, pero Jaibo le roba el dinero. del cineasta del país. A los cuatro días fue Pedro entonces le denuncia como asesino retirada de los cines sin que faltaran intende Julián, y Jaibo se venga matándolo en el tos de agresión física contra Buñuel. gallinero de la casa de Meche. Afortunadamente, algunos intelectuales Esta y su abuelo arrojan su cadáver a un salieron en su defensa y, tras recibir el premuladar. Entretanto, Jaibo es abatido por mio al mejor director en el Festival de Candisparos de la policía, y su agonía se ve so- nes de 1951 (en una edición donde compebreimpresionada por un perro que avanza y tían Milagro en Milán de Vittorio de Sica o una voz que dice «buenas noches» que en- Eva al desnudo de Joseph L. Mankiewicz), cadena con el que la madre de Pedro dirige Buñuel fue «redescubierto» en los medios a Meche y su abuelo, que llevan el cadáver franceses y europeos, lo que le valió el resde su hijo en un saco a lomos de una burra. peto y la audiencia en México. Aparentemente, la película es un drama o tragedia neorrealista, documentada en los bajos fondos de la gran urbe y que tiene una intención marcadamente social.

La película fue reestrenada al año siguiente en una buena sala de la capital mexicana, donde permanecería más de dos meses en cartel.

Sin embargo, el trazado subliminal, crea todo un flujo subconsciente en que los temas son la ausencia del padre, el complejo de Edipo, la orfandad, la maldad y la muerte. Todo esto está subrayado por secuencias oníricas, por la extraña y constante

Y su éxito comercial se dio pese a su extrema dureza, pues como señaló André Bazin, se trata de un ejemplo del “cine de la crueldad”, en consonancia con las propuestas que para el teatro había hecho Antonin Artaud con su “teatro de la crueldad”. 87

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Buñuel se permite mostrar lisiados sin el menor intento de mover la compasión del espectador hacia ellos. Antes al contrario, muestra al ciego cargado de rasgos negativos (lujurioso, avaro y chivato), y esto se refuerza eligiendo para este personaje a un actor conocido por su interpretación de numerosos «malos» en el cine mexicano. Los dos grandes temas son la sexualidad y la muerte, sin olvidarnos de la pobreza, la marginación y la miseria, que recorren el primero los componentes surrealistas y profundos de la psique humana y el segundo la dura lucha por la vida de la realidad social. Desde este punto de vista, «olvidados» son todos sus personajes: Ojitos, que es abandonado a su suerte por su padre en la gran ciudad para librarse de una boca que alimentar; Pedro, a quien su madre le niega el afecto y aun el sustento; esta, a su vez, repudiada y vejada por su marido, y luego abandonada. Jaibo, de orfandad total, que ha tenido que sobrevivir en la calle, e incluso el ciego, desasistido de beneficencia, por lo que tiene que mendigar en la calle, desvalido como el hombre-tronco, que se desplaza sobre un carrito con ruedas, y del que los chicos se burlan quitándole su medio de locomoción y tirándolo calle abajo. Esta tremenda visión del mundo remata en la doble muerte sobreimpresionada de Pedro y Jaibo: ni el bien ni el mal escapan a ella, como constata trágicamente la película (al menos en las condiciones sociales en las que se desarrolla este drama). Su valor cinematográfico se desprende de todas estas sugerencias subterráneas, que, unido a la trama contundente y brutal, crean una gran catarsis.Los olvidados 88

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es, junto a Metrópolis de Fritz Lang, una de las dos piezas del séptimo arte que han recibido la consideración de Memoria del Mundo. Este filme ocupa el lugar 2 dentro de la lista de las 100 mejores películas del cine mexicano, según la opinión de 25 críticos y especialistas del cine en México, publicada por la revista Somos en julio de 1994. Oscar Dancingers, obligó a Luis Buñuel a rodar un segundo final donde Pedro mataba a El jaibo y volvía a la escuela correccional. Por lo visto, este final feliz se rodó con la razón de sustituir al verdadero en caso de que no gustase al público.

ROBINSON CRUSOE Robinson Crusoe es una película mexicana dirigida por el director español exiliado en México Luis Buñuel basado en el clásico de la literatura de aventuras Robinson Crusoe de Daniel Defoe. Fue rodada originalmente en inglés, realizada en 1952 y registrada en 1954. El actor principal fue Dan O´Herlihy, y el papel de “Viernes” cupo al actor mexicano Felipe de Alba. Tras un naufragio, Robinson Crusoe llega a una isla desierta y descubre que es el único sobreviviente. Allí pasa varios años en los que pasará por diversos aventuras, Poco a poco irá descubriendo que en realidad no se encuentra solo en la isla, en esta isla unos aborigenes realizan sacrificios,estos llegan mediante precarias embarcaciones. Robinson tendrá que enfrentarse a ellos para salvar a un joven que va a ser sacrificado, y al que tomará a su servicio, y le dará el nombre de viernes. Figura 43. Cartel de película -Robinson Crusoe89

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Robinson Crusoe es la obra más famosa de Daniel Defoe, publicada en 1719 y considerada la primera novela inglesa. Es una autobiografía ficticia del protagonista, un náufrago inglés, que pasa 27 años en una remota isla tropical. La historia tuvo como inspiración un hecho real ocurrido a Alexander Selkirk.

médico que pertenece a una de las familias enfrentadas, regresa a su pueblo tras una serie de muertes y decide llevara a cabo su venganza. Premios Ariel del cine mexicano de 1956 Ariel de plata a la mejor banda sonora: Raúl Lavista. Nominado al Ariel de plata a la mejor fotografía: Raúl Martínez Solares. Nominado al Ariel de plata al mejor sonido: José de Pérez.

El título completo es “La vida e increíbles aventuras de Robinson Crusoe, marinero de York”; quien tras ser el único superviviente de un barco mercante, náufrago 27 años completamente solo en una isla deshabitada cerca a la desembocadura del río Orinoco de América, y posteriormente liberado insólitamente por piratas; escrito por él mismo.

SIMÓN DEL DESIERTO Simón del desierto es un mediometraje dirigido por el realizador español Luis Buñuel en 1965, sobre una novela del propio Buñuel.

No obstante, similares relatos de naufragio y supervivencia se hallan en la literatura renacentista, en especial en los Comentarios Reales del peruano Gonzalo Suárez de Figueroa, más conocido como el Inca Garcilaso.

Simeón el Estilita se ha mantenido en penitencia de pie sobre una nueva columna de ocho metros durante más de seis años. Un mutilado, un enano y sus cabras y un joven monje lo rodean. Un rico devoto le obsequia una mejor columna y Simón realiza el milagro de devolverle las manos al mutilado.

El archipiélago donde al parecer se guarece Selkirk es el de Juan Fernández, así llamado en honor a su descubridor, el marino de Cartagena que también descubriera Nueva Zelanda; las islas pertenecen hoy a Chile.z

Durante varios días, Simón continúa en penitencia mientras el diablo se le aparece tratando de tentarlo siempre encarnado en una bellísima mujer. El monje Trifón viene a perturbar la repartición de víveres acusando a Simón de fraude. Al final el diablo tienta de nuevo a Simón, con un viaje del que nunca va a poder volver.

RIO Y LA MUERTE El río y la muerte es una película mexicana del director español exiliado en México Luis Buñuel basada en la novela de Miguel Álvarez Acosta Muro blanco en roca negra.

A continuación una opinión del blog de Alejandro Díaz sobre la película -Simón del desierto- y el trabajo en general de Luis Buñuel.

Dos familias viven enfrentadas en un violento pueblo mexicano. Cuando una persona es asesinada, la sociedad permite al asesino conservar la vida en soledad si consigue atravesar el río. Gerardo, joven

Hay una práctica muy habitual en algunos comentaristas cinematográficos que en muchos casos encuentro desafortunada: Plagar los escritos de anécdotas persona90

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les relacionadas con una película, especialmente cuando se retrotraen al presente sensaciones de la infancia o adolescencia y se entra en un juego nostálgico blando y autocomplaciente. Además, conviene que escribir sobre cine sea un acto de análisis, indagación y analogía, y no una excusa para el autobombo o el aireamiento de vivencias particulares impertinentes. Sin embargo, y dado que este artículo trata sobre un film de Luis Buñuel, una personalidad tendente a las contradicciones, voy a comenzar con una anécdota personal acaecida hace ya más de un lustro. Me encontraba en una escuela universitaria de Gijón, a principios de 2000. En todos los rincones se celebraba el centenario de Don Luis Buñuel: programas televisivos, actos públicos y un sinfín de actividades en las que casi siempre intervenía gente a la que, sinceramente, no parecía que en el fondo le importase nada las implicaciones de su obra y su actitud como artista. La institución en la que me encontraba no quiso ser menos y organizó una diminuta retrospectiva acompañada por una exposición llena de textos anónimos sobre su obra impresos en dinA4 y clavados en unos tablones emplazados especialmente para la ocasión. Aunque no acudí a las proyecciones por incompatibilidad horaria (o tal vez por reticencia a mezclarme con determinadas personas, no recuerdo bien), sí me paseé entre los tablones y, por curiosidad, me detuve a leer lo que alguien había escrito acerca del que ya era uno de mis directores de cine preferidos. No puedo precisar ahora el contenido de los escritos, pero en 93

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aquel momento me parecieron un puñado de tópicos sobados sobre su obra con todas las anécdotas y mitos típicamente buñuelianos.

die, actos destructivos contra una realidad que decepciona o contraría. Como el mismo Buñuel señala, «En la imaginación usted puede llegar hasta el infinito, a donde usted le de la gana, mientras que en la realidad, en la vida práctica, usted está necesariamente reprimido por su conciencia, la sanción legal, los amigos, la familia. En la imaginación yo puedo llegar al incesto.

Entonces se me ocurrió una idea que, pensé, le hubiese gustado a Buñuel: aprovechar un momento en el que no hubiese nadie en el lugar y rasgar aquellos papeles dejando sus trizas colgadas desordenadamente en los tablones. Realmente pensaba en esto como una liberación de los clichés, un homenaje verdadero al espíritu destructivo de Buñuel.

Pero como ser social, y en frío, mi sentido moral me lo impediría. Al mismo tiempo que saludo a una persona, puedo tener la fantasía de matarla. Son dos planos distintos». Buñuel no cree en el concepto de Estaba decidido a llevarlo a cabo y, en libertad como “libertad de acto”, pues dicaso de ser sorprendido, diría que lo había versos engranajes sociales no lo permiten, hecho como un acto de reconocimiento y por eso lo traslada al territorio de lo mental, respeto a un hombre que siempre se burló de las ideas, donde todo es posible, todo de las etiquetas que les eran puestas a él y es pensable e imaginable de un modo sea sus películas. creto, seguro. Sin embargo no llegué a consumar la acción, tal vez por miedo a que no fuese bien comprendida, y ésta permaneció en mi mente en estado potencial, lo cual, al menos para mi forma de pensar, no le restaba ni un ápice de validez o importancia a la misma.

Su cine a menudo consiste en una recreación de estas privadas ideas, en ocasiones autónomas y otras veces relacionadas entre sí a través de hilos conductores argumentales, que por algún motivo le agradan o fascinan. Ideas que, como no pueden materializarse en el mundo, son exorcizadas, realizadas con apariencia veraz gracias al poder de la imagen cinematográfica.

Uno de los temas que Buñuel considera más importantes es la distinción entre la imaginación y la vida (algo que no deja de Semejante resistencia interior permite al ciser curioso para un miembro del movimien- neasta adaptarse incluso a las peores conto surrealista). diciones externas sin renunciar al propio carácter, a los pensamientos más feroces Si bien la mayor parte de la gente da mu- que permanecen agazapados en el infrancha más importancia a lo que existe corpó- queable búnker intelectual. reamente que a lo que lo hace únicamente en el plano mental, no parece ser el caso Esta tensión se hace notar mucho en aldel aragonés, quien, como mínimo, equipa- gunos films de Buñuel, sobre todo en los ra la importancia de lo real y lo imaginario. a priori menos personales o “alimenticios”. Por poner uno de los mejores y menos Así, el campo de lo mental permanece como estudiados ejemplos, La hija del engaño un lugar en el que poder llevar a cabo, con (1951), su versión mexicana de Don Quintín total discreción y sin rendir cuentas a na- el amargao, de Arniches, se presenta como 94

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una historia folletinesca que, en manos de Buñuel, pierde todo sentimentalismo, quedando en evidencia una extraordinaria tensión entre un relato aparentemente plano y sin sobresaltos apreciables y la latencia de la subversión absoluta de las propias formas narrativas, que nunca explicitan esta lucha en sus elementos de puesta en escena, de modo que diríase que la posibilidad de destruir el relato bulle en cada secuencia, mas sin llegar nunca a materializarse.

Simón del deierto es un mediometraje de Luis Buñuel. Dura 46 minutos y es una obra inacabada del genio de Calanda. Qué más se puede decir de esta comedia histórica. Pues que en ella se retrata la historia de Simón, un asceta del siglo IV que, cual Jesucristo redivivo aspira a ser digno de Dios siguiendo un camino de ayuno y oración. Lo que envuelve al iluminado, es un séquito de monjes que lo adoran y unas cuantas gentes (reseñables son el pastor enano y una anciana taciturna). De entre todo esto surgen situaciones cómicas basadas en los prejuicios religiosos y la confrontación de vivir asumiendo el protocolo de Dios.

Pero volvamos al asunto de la libertad. Ésta no es posible en la realidad corpórea debido a la presencia de elementos represores inherentes a cualquier individuo perteneciente a una comunidad social.

Lo mejor de la película, inclasificable de todas todas, es ver a Silvia Pinal en el papel de Satanas, tentando de varias formas (muy curiosas todas) a Simón. Con un final abrupto y una duración de tres cuartos de hora, provocados por la falta de presupuesto, imitando a San Simeón el Estilita.

Pero, ¿y si esta vida social no existiera o se redujese al mínimo? ¿Habría entonces algún hombre libre? El propio Buñuel lo aclara: «Sí lo hay: Simón del desierto, que es hombre más libre del mundo porque tiene y hace lo que quiere, sin encontrar obstáculos.

Además de la extrema precariedad que implica la decisión de Simón, su posición es acechada por múltiples peligros a lo largo del metraje. Uno de ellos proviene de la variopinta gente que acude a verle y a admirar su proeza.

Está allí arriba en una columna, comiendo lechuga. La libertad total». La historia de Simón del desierto proviene de un escrito del siglo XIII que Federico García Lorca recomendó a Buñuel y en el que se menciona a Simeón el estilita, un hombre que vivía sobre una columna en mitad del desierto y desde ella se dedicaba a predicar, actividad que le hacía pasarse horas y horas de pie, ingiriendo justo lo necesario para sobrevivir, y sin ninguna otra pretensión.

Algunos ensayan con él para ver hasta qué punto es consciente o no de lo que significa la propiedad privada, lo “tuyo” y lo “mío”, pero él no capta el concepto, no siente esa pulsión básica en la mayoría de civilizaciones que han existido. Otros le profesan envidia e intentan acusarle de ser un fraude, un falso asceta, mas son sorprendidos en su fechoría y terminarán escupiendo espuma como un perro rabioso. El otro gran peligro procede de la tentación de lo demoníaco, de los pecados de la carne. A Simón se le aparece el mismísimo Satanás, transfigurado en el cuerpo de la actriz Silvia Pinal (cuya relación con Buñuel merecería tal vez un artí-

Una persona que renuncia al mundo, a la sociedad, y voluntariamente vive solo, aislado, sin apetencias primitivas ni deseos de tomar posesión de nada. La renuncia y la soledad parecen postularse como los elementos que permiten alcanzar una vida sin ataduras, la vida de un espíritu independiente. 95

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Figura 44. Escena de -Simón del desierto97

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culo monográfico). La diablesa trata de seducir a Simón de maneras diversas. En una de llas acude a la columna vestida de un modo infantil, «con medias negras, sujetas con broches, y con un aro. Son elementos que considero muy excitantes, mucho más que el desnudo completo». Se declara una niña inocente, para luego espetarle: “mira qué piernas más inocentes”. También sube a la columna, junto a Simón, y trata de alcanzarle con su larga lengua (en un gesto que bien habría podido protagonizar Gene Simmons, el cantante de Kiss, uno de lo demoníacos grupos de música moderna que espantaban a Buñuel con el sonido de la guitarra eléctrica, instrumento que aborrecía), pero no es capaz de hacerle abandonar la idea que el anacoreta ha decidido seguir hasta las últimas consecuencias. La religiosidad es un elemento indisociable de la obra buñueliana: «Culturalmente soy cristiano. Habré rezado dos mil rosarios y no sé cuántas veces habré comulgado. Eso ha marcado mi vida.». En Simón del desierto ocupa un lugar primordial aunque siempre con un elemento de sarcasmo y humor negro. Por ejemplo, en una serie de salvas que unos santones entonan a viva voz, confunden hilarantemente el “¡viva!” con el “¡muera!”; tras recobrar un brazo perdido gracias a un suceso aparentemente milagroso, un hombre utiliza su recién recuperada extremidad para arrearle un sopapo a su hija; durante una oración sobre la columna. Simón extrae unos restos de comida de su boca y los bendice... Religiosidad vista a través del sentido del humor, en efecto, pero guardándose siempre de ridiculizarla o perderle cierto respeto. ¿Y por qué ese respeto por parte de un hombre que siem98

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pre se declaró simpatizante del comunismo o incluso del anarquismo, declarándose ateo y materialista? Hay quienes sostienen que la actitud de Buñuel ante la iconografía de la Iglesia fue suavizándose desde La edad de oro (L’âge d’or, 1930). Donde era zarandeada violentamente (aunque, a mi modo de ver, sin llegar nunca a ser atacada de modo soez o vulgar) hasta sus últimas películas francesas. ¿Se volvió piadoso Buñuel en su vejez, como le ocurrió a Wagner al final de su vida, o hay otras causas para esta transformación progresiva? Tal vez podamos esbozar una respuesta si atendemos al final de Simón del desierto, el cual, aunque no era el inicialmente previsto, resulta elocuente en más de un aspecto. El diablo acompaña a Simón a través de un avión que cruza el cielo (anacronismo que alimenta la perplejidad del espectador) al presente de los años 60, concretamente a una discoteca neoyorquina. En ella, muchos jóvenes practican un baile modernillo y se retuercen como ánimas torturadas del Averno al son de la música de un grupo jocosamente llamado “Carne Radiactiva”. Simón permanece ajeno al jolgorio, sentado en una mesa y fumando en pipa. Satán/ Pinal le invita a unirse a la danza, pero él lo rechaza con un gesto despectivo y permanece en su sitio, impasible como un estoico. El mundo actual es una carnicería en la que lo sagrado ya no tiene valor. El Buñuel veinteañero y treintañero podía atacar a la Iglesia como órgano repesor moral, pero con el paso del tiempo, la influencia de su “enemigo” entre las nuevas generaciones se ha debilitado enormemente. Y el cineas100

ta parece añorar la época en la que era posible escandalizar, algo ya no factible en unos tiempos en los que la moral, tanto de raíz religiosa como de raíz racional, se ha desmoronado. El gesto del santo que renuncia a todo ya no se distingue hoy ni es apreciado. Pasa desapercibido, como un amargado que “no sabe divertirse”, abandonado en la esquina de un bar. El hecho religioso ha desaparecido o es un elemento de consumo más en la gran feria de la carne. «Hoy lo sagrado cuenta muy poco. Aunque no seamos creyentes, podemos sentir esto como una pérdida. Un pobre hombre católico de la Edad Media sentía que su vida, por dura que fuese, tenía un sentido, formaba parte de un orden espiritual. Para ese hombre, la voluntad y la mirada de Dios estaban en todas partes. Vivía “con Dios”. No era como un huérfano». Buñuel era un artista que construía a partir de la destrucción. En una ocasión declaró que le encantaría entrar en un museo y arrasarlo. En otra, expresó que no le gustaría vivir eternamente, pero sí le encantaría poder levantarse cada cierto tiempo de su tumba, coger un periódico y ver cómo poco a poco todo se va al garete. Buñuel necesitaba, pues, un orden que violentar, y cuando ya no lo hubo, tuvo que reconstruirlo en sus ficciones postreras, con la serenidad de quien observa una realidad en la que ningún acto resulta ya serio o trascendente, con la cálida sensación de quien se da cuenta de que los restos de todo lo tradicionalmente humano caminan inexorablemente a su aniquilación completa. La suya es, por tanto, una de las miradas más escépticas (sin perder nunca el hu-

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mor) y lúcidas sobre el declive de la sociedad occidental y la progresiva pérdida de referentes espirituales del hombre durante el siglo XX.

FICHA TÉCNICA Una producción de: ; Gustavo Alatriste Género: Drama surrealista Duración: 43 min. Sonido: Monoaural Dirección: Luis Buñuel Asistente de Dirección: ; Ignacio Villarreal Producción: Gustavo Alatriste; jefe de producción: Armando Espinosa Guión: Luis Buñuel y Julio Alejandro, sobre una idea de Luis Buñuel Fotografía: Gabriel Figueroa Edición: Carlos Savage y Luis Buñuel (sin crédito) Maquillaje: Armando Meyer Sonido: Luis Fernández

O tal vez me equivoque y todo lo anterior no sean más que nuevos tópicos sobre el “genio de Calanda”, parecidos a los que leí en la universidad hace unos años. En todo caso, y ante la obvia imposibilidad de destruir físicamente este escrito que pacientemente acaban de aguantar, les invito seriamente a que olviden lo leído e imaginen que lo rompen en pedazos hasta hacerlo ilegible.

Figura 45. Escena de Simón en el desierto. 101

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desempeño con diálogos chispeantes. Sin duda las aportaciones que hicieran SUBIDA AL CIELO el guionista Juan de la Cabada y la joven Subida al cielo es una película mexicana guerrerense Lilia Solano fueron de gran de largometraje dirigida por el director de ayuda para darle frescura a la cinta. origen español nacionalizado mexicano Luis Buñuel. En el filme los villanos (si puede hablarse de villanos en los filmes de Buñuel) son El origen de esta película está en el poe- los hermanos de Oliverio, dos ambiciota español exiliado Manuel Altolaguirre, sos e hipócritas que pretenden quedarse amigo de Buñuel, ya desde la época de con la mejor parte de la herencia de su la Residencia de Estudiantes de Madrid 9. madre, que agoniza. Tras un accidentado viaje con su esposa, una millonaria cubana, propuso a Buñuel Pero Buñuel no cayó en dulzuras y así, la financiar una película que narrara de modo recién casada Albina, pese a su abnegaestrafalario acontecimientos curiosos que ción, confiesa que hubiera querido pasar suceden en un viaje, siempre y cuando Bu- su luna de miel en la casa que la familia ñuel aceptara dirigirla. posee en la Ciudad de México. Oliverio, por su parte, es un joven con el complejo En una ciudad de la costa del estado de de Edipo, que ve en Albina a su madre, Guerrero, Oliverio, que se acaba de casar, pero a quien no desea sexualmente, sino se ve obligado a regresar en pleno viaje de a la sensual y provocativa Raquel (Lilia novios porque su madre se está muriendo. Prado). En su lecho de muerte, la madre pide a su hijo que busque a un letrado para que redacte su testamento. Oliverio viajará en autobús para cumplir el deseo de su madre moribunda. Durante el viaje sucederán muchos imprevistos y Oliverio tendrá que sortear los coqueteos de una mujer. Tras su sonado éxito con “Los Olvidados”, Luis Buñuel se tomó la libertad de realizar a su libre imaginación un tema que le propuso su amigo Manuel Altolaguirre, con la financiación de su esposa.

Otros personajes llamativos son candidato a diputado, que pese a dar lisonjeros discursos quiere resolver todo a balazos; un chofer que ama a su madre y que es a la vez un irresponsable; un cojo metiche y burlón que ya adelanta la corte de mendigos de Viridiana; una mujer a quien se le ocurre parir a media subida de un monte; una madre que batalla con sus dos hijos; un anciano de la época porfiriana que quiere que le devuelvan sus tierras y hasta un vendedor de gallinas desfilan en esta cinta.

La temática, tan trivial como puede ser un viaje en autobús, se torna insólita. Buñuel, que se caraterizó por realizar filmes con actores de no mucho renombre, realizó una interesante cinta donde cada personaje, pese a su simplicidad, realizaba un buen

Sin embargo, la película vale principalmente por el humor negro en clave surrealista que tanto cultivó Buñuel, como lo fue el sueño de Oliverio, en donde el protagonista lanza al agua a la sensual Raquel (que intercambia su rostro con

9. La Residencia de Estudiantes de Madrid es un centro fundado en 1910 por la Junta para Ampliación de Estudios, producto directo de las ideas renovadoras que había iniciado en España el krausista Francisco Giner de los Ríos con la fundación en 1876 de la Institución Libre de Enseñanza. 103

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Figura 46. Escena de -Subida al cielo-

Albina), luego se encuentra con Raquel en el camión, solos (un anhelo que él niega revelar), y devuelve a su madre una interminable mondadura de manzana simbolizando un cordón umbilical, significando que se libera de ella y se entrega a Raquel.

rio a nadar en una poza, y le ha ofrecido una mondadura de manzana y la manzana misma que éste mordió, le pregunta con la mayor coquetería posible “¿Estabas pensando en mí?”.

Pero un tropel de ovejas y cabras irrumpen en el camión y Oliverio regresa con Albina, mientras cuatro de los pasajeros se han convertido en músicos.

En la ida, el camión es escenario de un nacimiento; en el regreso, acarrea con la niña muerta quien un día anterior había sacado con una par de bueyes al camión atascado en un río.

Un hombre inexplicablemente cruza con una oveja negra y la hermosa y abnegada Albina se convierte en la sensual Raquel, quien ríe burlonamente y a continuación emerge de una laguna, coqueta, semejando una criatura que sale de la placenta. Antes de que Oliverio despierte, Raquel, quien apenas unos minutos invitó a Olive-

Al final, el aún casto Oliverio cede ante Raquel en el puerto de montaña llamado “Subida al cielo”; después de ello, Raquel se muestra indiferente hacia un Oliverio sonriente, otrora arisco ante la seductora mujer. Al regresar a su pueblo y encontrar a su madre muerta, Oliverio recuerda a Raquel dando un mordisco a una manzana que en-

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Figura 47. Escena de -Subida al cielo-

seguida escupe para decir burlonamente “Lo que quería ya lo tuve”, por lo que decide que tiene que engañar a sus hermanos para que estos no se salgan con la suya.

radójicamente, de una cadena de accidentes que hicieron del rodaje de esta cinta uno de los proyectos más descontrolados de la carrera de Buñuel.

Así, surge la tétrica pregunta de si son más válidas las cruces que hizo viva que las huellas digitales muerta. La cinta fue la primera colaboración de Lilia Prado con Buñuel, con quien participaría en dos cintas más: Abismos de pasión y La ilusión viaja en tranvía; así mismo sería la segunda participación de Roberto Cobo con el cineasta, cuando ya previamente había participado en Los Olvidados.

Manuel Altolaguirre, poeta español exiliado en México y amigo de Buñuel desde sus años en la Residencia de Estudiantes de Madrid, había viajado por la costa de Guerrero junto con su esposa María Luisa, una excéntrica dama de la alta sociedad cubana. El viaje había estado lleno de incidentes pintorescos y surrealistas “que harían una excelente comedia.” Altolaguirre estaba dispuesto a producir la película -con dinero de su esposa- si Buñuel la dirigía.

Subida al cielo es una de las películas más libres y vitales de la filmografía de Luis Buñuel. Estas cualidades se desprenden, pa-

Animado por el entusiasmo de su amigo, aunque reticente por la personalidad de María Luisa, Buñuel aceptó el proyecto sin 105

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imaginarse lo que vendría después. Como Altolaguirre únicamente aportó la idea original, Buñuel trabajó el guión a sus anchas, con la colaboración del escritor Juan de la Cabada y de Lilia Solano, “una chica guerrerense inteligente y simpática, que dio sabor popular a los diálogos.”

quez- que lo engañó afirmando que tenía experiencia, un productor excéntrico que se quedó sin el dinero de su mujer y una gran dosis de improvisación contribuyeron a que el rodaje de Subida al cielo fuese uno de los más ricos en anécdotas de toda la carrera de Buñuel.

Otra Lilia inteligente y simpática, oriunda de Michoacán, se incorporaría al reparto de Subida al cielo sin imaginarse que llegaría a convertirse, junto con Silvia Pinal, en la actriz que Buñuel dirigiría más veces en su carrera. “Él no me conocía, le enseñaron una foto mía, muy chistosa, con trenzas y sin pensarlo mucho exclamó: «Quiero a ésta [Lilia Prado] para Subida al cielo.”

Al final, el azar intervino favorablemente: Subida al cielo obtuvo un premio especial de la crítica internacional del Festival de Cannes de 1952 y se convirtió en una de las cintas favoritas de los admiradores del cine de Luis Buñuel.

Buñuel se encargaría de eternizar a Lilia Prado en el imaginario colectivo de los mexicanos, gracias a dos imágenes muy semejantes que la muestran subiendo a un transporte público -un autobús y un tranvíaenseñando descaradamente los muslos y exudando una carga sensual que, a medio siglo de distancia, sigue traspasando las pantallas que exhiben Subida al cielo y La ilusión viaja en tranvía (1953).

Susana, también titulada Susana (Carne y demonio), es una película mexicana dirigida por el director de origen español Luis Buñuel en 1951.

“Teníamos una locación de tres días con sus noches en un cementerio y en el último instante se me anunció que, por razones sindicales, el rodaje se reducía a dos horas.”

La película llegó a Europa, y se benefició del prestigio que el director español había obtenido con su anterior película, pero la crítica se mostró perpleja (como ocurriría varias veces más adelante) ante estas producciones alimenticias de Buñuel. La cinta goza cierto erotismo simple que supuso la clave del éxito de la película.

SUSANA

Susana se escapa del reformatorio en el que ha vivido durante quince años, y la tranquila hacienda de don Guadalupe a la que llega se ve alterada con su presencia. La joven irá seduciendo a todos los varones que se le acerquen: el capataz de la Filmando por primera vez en locaciones hacienda, el hijo del dueño y el propio don fuera del Distrito Federal, Buñuel tuvo que Guadalupe caerán en sus redes. enfrentarse a un súbito recorte presupuestal y a una serie de absurdas limitaciones Es una película basada en una novela de que lo obligaron a no filmar el final que te- Manuel Reachi. Tras su discutida película nía previsto y a recortar un buen número Los olvidados, Buñuel volvía al cine comerde escenas, entre ellas la del entierro de cial de encargo, y consigue un buen éxito con esta cinta. la niña.

Una maqueta bastante lamentable construida al vapor, un actor -Esteban Már106

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Figura 48. Cartel de película Susana.

Este filme ocupa el lugar 46 dentro de la lista de las 100 mejores películas del cine mexicano, según la opinión de 25 críticos y especialistas del cine en México, publicada por la revista Somos en julio de 1994.

estrella Rosita Quintana, esposa del productor Sergio Kogan, volverían a colocar a Buñuel detrás de la cámara en menos de seis meses.

Sin embargo, la astucia del actor Fernando Soler -con quien Buñuel había trabajado en El gran calavera (1949)- y la necesidad de encontrar un vehículo comercial para la

Entre las cosas que improvisé para enriquecer el argumento está la escena en que Susana seduce al muchacho dentro del pozo. El erotismo un tanto simple de esa

Basada en una sinopsis de tres o cuatro Mientras que Los olvidados (1950) era ob- páginas escrita por Manuel Reachi, Susajeto de acaloradas discusiones y su estreno na (Carne y demonio) comenzó a rodarse comercial se dilataba por temor a un estre- en julio de 1950. La filmación duró tan solo pitoso fracaso taquillero, Buñuel se enfren- veinte días. “Teóricamente, me gustaría taba de nuevo a la posibilidad de no volver volver a hacerla, ya con más elementos y a dirigir por algún tiempo. más libertad.

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escena se intensifica tal vez con la idea del escondite.”

No era cosa deliberada de mi parte. Intervino el subconsciente, sin duda.”

Fue precisamente ese erotismo simple la clave del éxito de la película. Estrenada tres meses después de Los olvidados (1950), Susana (Carne y demonio) se convirtió en el segundo éxito de taquilla de Luis Buñuel en México y recuperó su viabilidad como director comercial.

Susana (Carne y demonio) se vio beneficiada por el éxito internacional obtenido por Los olvidados (1950) en el Festival de Cannes de 1951.

Ante un público europeo ávido de conocer lo que Buñuel estaba filmando en México, el productor Sergio Kogan logró vender la La película parte de la base de una histo- película en una fuerte cantidad a distribuiria melodramática a la que Buñuel agregó dores franceses y británicos. La cinta fue un buen número de imágenes y situaciones recibida con perplejidad por los críticos euque la terminan convirtiendo en una de las ropeos, quienes se preguntaban si ambos obras más inquietantes de la “filmografía filmes habían sido dirigidos por la misma menor” de este cineasta. “Claro que sabía persona. [que el guión estaba lleno de convenciones melodramáticas] y que las jugué a fondo Estas apreciaciones, sin embargo, no influexagerándolas a drede. Pero no traté de yeron en el público del viejo continente, el ser astuto haciendo lo contrario de lo que cual convirtió a Susana (Carne y demonio) indicaba el argumento. en una de las cintas más populares de la

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filmografía buñueliana en países como Bélgica, Alemania y Francia.

Luis Buñuel rodó en la ciudad de Toledo esta adaptación de la novela de Benito Pérez Galdós.

A cincuenta años de iniciado su rodaje, Susana (Carne y demonio) sigue siendo una de las cintas memorables de la filmografía de Luis Buñuel. Su exagerada mezcla de melodrama y erotismo la convierten en una de las grandes películas “menores” de este genial director.

FICHA TÉCNICA Guión:Luis Buñuel, Julio Alejandro Intérpretes:Catherine Deneuve, Fernando Rey, Franco Nero, Lola Gaos, Antonio Casas Fotografía: José F. Aguayo Formato Color Duración: 95 minutos

TRISTANA Tristana es una película de 1970 del direc- Supuso la vuelta a España, por segunda y tor español Luis Buñuel. Está basada en la última vez, de Luis Buñuel, tras el escándanovela homónima de Benito Pérez Galdós. lo de Viridiana. Fue candidata al Óscar de Hollywood10 . La moral de don Lope aparece en muchos Al morir su madre, Tristana es confiada a ejemplos y sentencias. La guardia civil perdon Lope, un don Juan en declive cuya sigue un ladrón y él les indica una calle época ya ha pasado, incapaz de aceptar equivocada. “Mi moral,” dice, “está siempre su caducidad como seductor. Tristana se con el más débil.” Don Lope es un hombre enamora de Horacio, un pintor que también progresista, odia el mercado, se niega a resiente lo mismo por ella, pero este se va a gatear con los peristas cuando tiene que pasar un tiempo fuera alejado de su rela- vender sus propiedades para sobrevivir. ción. Odia a la iglesia, y piensa que el amor es Tristana sufre una enfermedad y tienen que un acto de libertad, lo opuesto al matrimoamputarle una pierna, cuando vuelve Hora- nio. Tristana sólo sigue sus enseñanzas en cio se desinteresa por ella y Tristana pasa este último punto. La moralidad de Tristana a ser la amada de don Lope. es mucho más elemental y sincera. Sólo la expresa en un término: le gusta elegir. Tristana y Nazarín son las dos novelas de Benito Pérez Galdós que Buñuel adaptó al De las columnas de un claustro le gusta cine. La película pasó a ser uno de esos una, de dos callejuelas prefiere una, del proyectos largamente acariciados por Bu- cocido toma dos garganzos, los pone sobre ñuel y constantemente aplazados. el mantel, y elige. Hubo otras dos tentativas de realizarla: una en México en 1952, con Ernesto Alonso y Silvia Pinal al frente del reparto, y otra en 1962, que hubiera estado protagonizada por Rocío Durcal o Stefania Sandrelli.

Estamos en 1929 Tristana deja el convento donde se ha educado y tiene que irse a vivir con su tío porque se ha quedado sin padres. Con el tiempo él la seduce. Don Lope dice en una de las tertulias del casino

10. El Óscar a la mejor película de habla no inglesa es uno de los premios de la Academia, conocido popularmente como los Premios Óscar, entregados anualmente por la Academia de las Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood. 109

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que ninguna mujer es respetable salvo la esposa de un amigo y la doncella joven. Según él los mandamientos en contra del amor y el sexo los añadio Moisés. Con el tiempo ella se fija en un joven pintor (Franco Nero) y don Lope la amenaza. Le dice que él ejerce de padre o de marido según le conviene. Ella se fuga con el pintor pero a los dos años vuelve a casa de su tío con unos dolores muy fuertes en la pierna. El médico se la amputa y el pintor se va, a petición de ella. La única vida sexual que le queda consiste en dejar que el hijo de la sirvienta la vea desnuda. Según comentaría Buñuel esta escena le despertó el interés por contar toda la película. El final, que muchos no querrán oír, y yo suelo contar en el caso de los clásicos, es un ajuste de cuentas. En la novela de Galdós se casan en contra de los principios de ambos, y viven una felicidad burguesa. A continuación el contraste entre la película y la novela Tristana. A diferencia de la novela, que está adaptada en Madrid a finales del siglo XX (1880), la película lo hace en lugar y tiempo diferente: en los años veinte y treinta en Toledo (lugar que conoció en su juventud en la Residencia de Estudiantes). Diferencias respecto de la novela: Tiempo: Buñuel le suma dos años al tiempo que ocurre en el relato de Galdós; Los dos años que pasan casados Tristana y Horacio. Relación entre: Horacio - Tristana: Los dos amantes. Una de las diferencias de esta relación con respecto a la novela es que, cuando la madre de Horacio enferma y su hijo la tiene que llevar a su pueblo, Tristana marcha con él, se casan y pasan dos años 112

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Figura 49. Escena de película Tristana.

hasta reencontrarse ella con Don Lope. En el libro Tristana se queda con Don Lope y se cartea con Horacio que está en el pueblo y el tiempo que transcurre hasta reencontrase con Horacio es de unos meses. En la película también vemos la repulsión que muestra Horacio al ver a Tristana amputada y el cambio que realiza el personaje, de un artista impetuoso pasa a aparentar un burgués de la clase de Don Lope.

Cuando aparece la escena en que Saturno entra en la habitación de Tristana después de su amputación, la manera de actuar de ambos dejan claro que en un momento previo ha habido una relación amorosa, o más bien sexual, entre ellos. Tristana no siente amor por Saturno, pero es su vía para sentirse querida.

La sensación que nos deja al final en la película, en comparación con la de la novela, Don Lope - Tristana: En la película vemos es la dureza con que muestra el destino de claramente, a medida que pasa el tiempo, los personajes, acabas sintiendo lástima como Tristana va transformándose en Don por Don Lope y ves la infelicidad que marLope y éste en Tristana.Horacio - Don Lope: cará en Tristana el resto de su vida. Si en un principio mostraban mutuo odio, cuando se vuelven a reencontrar, Horacio Personalmente, me ha gustado más la noha cambiado y el trato entre los dos es de vela y por dos razones: solo he visto la semutuo respeto, Horacio se ha rebajado al gunda parte de la película (falte el primer nivel de Don Lope. día que la vieron) y porque me gusta más el final de Galdós, el de Buñuel es más duro El personaje de Saturno tiene mucha más y lo muestra muy claro el triste destino de importancia en la película que en la novela: Tristana. 114

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El argumento de Tristana es sencillo: Don Lope, prototipo del hidalgo español, se hace cargo de Tristana, “hija natural”, cuando esta queda huérfana. Es, por tanto, su hija, pero no tarda en convertirla también en amante. Con el tiempo, Tristana se harta del viejo Don Lope y se escapa con un pintor italiano. Sin embargo, tras unos años de felicidad vuelve a España presa de una grave enfermedad. Obsesionado con ella, Don Lope la acoge en su casa. Tras serle amputada la pierna, Tristana se casa con Don Lope y se venga del viejo lascivo. Tristana supuso la vuelta a España de Buñuel tras el escándalo de Viridiana. La película está ambientada en Toledo y no en Madrid como en la novela de Galdós. En los años veinte Buñuel estudiaba en la Residencia de Estudiantes y solía visitar la ciudad.

Figura 50. Cartel de película Tristana.

Tenía, dice, un “ambiente indefinible”. En 1923 fundó la Orden de Toledo de la que se nombró a sí mismo condestable. De la Orden formaban parte Pepín Bello, Dalí, Jeanne (esposa de Buñuel), Alberti.Para acceder al rango de caballero había que emborracharse por lo menos durante toda una noche y vagar por las calles.

cristiana.”Durante sus visitas a Toledo nunca dejaban de visitar la tumba del cardenal Tavera, esculpida por Berruguete y sobre la que se inclina sensualmente Catherine Deneuve. También aparece en la película el campanario de la catedral del que habla más arriba.

A menudo, en un estado rayano en el delirio, fomentado por el alcohol, besábamos el suelo, subíamos al campanario de la catedral, íbamos a despertar a la hija de un coronel cuya dirección conocíamos y escuchábamos en plena noche los cantos de las monjas y los frailes a través de los muros del convento de Santo Domingo.

Otro tema sobre el que puede reflexionarse tras ver la película tiene que ver con las teorías de Freud. Desde la clásica simbología sexual, como el ponerle las zapatillas a Don Lope, hasta el intrincado Edipo en la relación entre Don Lope y Tristana.

El sueño de Tristana en el que la cabeza de Fernando Rey hace de badajo para una Nos paseábamos por las calles, leyen- enorme campana tiene múltiples e interedo en alta voz poesías que resonaban en santes lecturas. Atracción sexual y hostilas paredes de antigua capital de España, lidad latente están perfectamente integraciudad ibérica, romana, visigótica, judía y das en ese sueño. 115

F I L MO T E CA

Comenzamos un largo trabajo de investigación presidido por el diccionario de las herejías, del abate Pluquet y escribimos la primera versión en el otoño de 1967 en el parador de Cazorla, en la provincia de Jaén (Andalucía, España).

LA VÍA LÁCTEA La Vía Láctea es una película francesa dirigida por el realizador español Luis Buñuel en 1969. Como muchas de sus películas, trata de temas como el catolicismo, comunismo y surrealismo.

Durante todo el día no hablábamos más que de los misterios de la Santísima TriniUtilizando el surrealismo y la narrativa no dad, y de la doble naturaleza de Cristo. Ya lineal, Buñuel relata la historia de la herejía que hablamos de Cristo, me parece que, en cristiana a partir de la época de los roma- la evolución contemporánea de la religión, Cristo se ha ido apoderando poco a poco nos. de un lugar privilegiado con relación a las A pesar de que se burla del catolicismo, otras dos personas de la Santísima Trinialgunos católicos consideran que es una dad, no se habla más que de él. significativa película. Esta ambigüedad respecto a la ideología de Buñuel puede En el Tráiler puesto, podéis ver una de las provenir de su formación católica y de las representaciónes mas alucinantes del trío diversas maneras en las que la Virgen se (lo de la paloma y el enano, solo se le podía ocurrir a Luis), con unos pasajes extraírepresenta a lo largo de la película. dos del libro de Oseas, Salmo 13:1, y haDos peregrinos que atraviesan Francia y blan de Simón el Mago, la doble naturaleza España a través del Camino de Santiago11 de, Cristo, y Dios, es uno y trino..?, muy se encuentran con una serie de personajes entretenido. y situaciones que discuten sobre las herejías.

“Dios padre sigue existiendo, pero muy vago, muy lejano. En cuanto al desventurado Espirítu Santo, nadie se ocupa de él y mendiga por las plazas.”

Esta lectura me enseñó muchas cosas que yo ignoraba, en particular sobre los martirios de los herejes, convencidos de su verdad tanto, si no más, que los cristianos. Esta posesión de la verdad y la extravaganzia de ciertas invenciones es lo que siempre me ha fascinado en el comportamiento del hereje.

Este texto fue sacado del libro, Mon dernier soupir; “Mi ultimo suspiro” / Plaza & Janes, 1982, donde Luis cuenta un poco su vida y andanzas. Escrita por Luis Buñuel y Jean Claude Carrière, director de fotografia Christian Matras, producida por Serge Más tarde, encontraría una frase de Bretón Silberman. en la que, pese a su aversión a la religión, este admitía que el Surrealísmo reconocía tener ciertos puntos de contacto con los herejes. Todo lo que se ve y se oye en la película descansa sobre documentos auténticos. 11. El Camino de Santiago es una ruta que recorren los peregrinos procedentes de toda España y de toda Europa para llegar a la ciudad de Santiago de Compostela, donde se veneran las reliquias del apóstol Santiago el Mayor. 116

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IV UN PERRO ANDALUZ «La historia es también una secuencia de moral y estética surrealista. El instinto sexual y el sentido de la muerte forman su sustancia.»

UN PERRO ANDALUZ

Figura 51. Escenas del cortometraje -Un perro Andaluz120

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Un perro andaluz (en francés Un chien andalou) es un cortometraje de diecisiete minutos, mudo (no fue hasta la versión de 1960 que se incorporaron los motivos de Tristán e Isolda de Richard Wagner y un tango), escrito, producido, dirigido e interpretado por Luis Buñuel en 1929 con la colaboración en el guion de Salvador Dalí, gracias a un presupuesto de 25.000 pesetas que aportó la madre de Luis Buñuel. Fue estrenada el 6 de junio de 1929 en el cine Studio des Ursulines de París (Francia). Posteriormente se exhibió durante nueve meses ininterrumpidamente en el Studio 28 de la misma ciudad. El rodaje duró quince días. Según refiere Figura 52. Escena famosa Buñuel a De la Colina y Pérez Turrent, Un de cortadura de ojo. perro andaluz nació de la confluencia de dos sueños. Dalí le contó que soñó con hormigas que pululaban en sus manos y ligrama de Pepín Bello)7 y luego Es peliBuñuel a su vez cómo una navaja seccio- groso asomarse al interior, como inversión naba el ojo de alguien. del aviso que tenían los trenes franceses: C’est dangereux de se pencher au dehors Un perro andaluz está considerada la pelí- (‘Es peligroso asomarse al exterior’).8 9 cula más significativa del cine surrealista. Pierre Batcheff se suicidó en 1932, unos Transgrediendo los esquemas narrativos años después de rodar el film. El mismo canónicos, la película pretende provocar fin tuvo su compañera de reparto Simone un impacto moral en el espectador a través Mareuil. de la agresividad de la imagen. En 1927 o 1928 (cuenta Luis Buñuel en sus Remite constantemente al delirio y al sue- memorias) yo estaba muy interesado en el ño, tanto en las imágenes producidas como cine. En Madrid presenté una sesión de peen el uso de un tiempo no lineal de las se- lículas de vanguardia francesa. Estaban en cuencias. el programa Rien que les heures de CavalEl nombre Un perro andaluz fue elegido canti, Entracte de René Clair y no recuerdo porque no guardaba relación alguna con qué otras películas. los temas del filme. Tuvieron un enorme éxito. Al día siguiente Lorca se sintió aludido por el título, pero me llamó Ortega y Gasset y me dijo: Si yo Buñuel negó dicha alusión, alegando que fuera joven, me dedicaría al cine. Luego, era el de un libro de poemas que él tenía pasando la Navidad con Salvador Dalí en escrito desde 1927. En primer lugar pensó Figueras, le dije que quería hacer una peque la película se llamara El marista en la lícula con él. Teníamos que buscar el arguballesta (según el título que tenía un ca- mento. Dalí me dijo: Yo anoche soñé con 121

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hormigas que pululaban en mis manos. Y yo: Hombre, pues yo he soñado que le seccionaba el ojo a alguien. Ahí está la película, vamos a hacerla. En seis días escribimos el guión. Estábamos tan identificados que no había discusión. Escribíamos acogiendo las primeras imágenes que nos venían al pensamiento y, en cambio, rechazando todo lo que viniera de la cultura o de la educación. Por ejemplo: la mujer agarra una raqueta para defenderse del hombre que quiere atacarla. Entonces, éste, mira a su alrededor buscando algo para contraatacar y (ahora estoy hablando con Dalí) ¿Qué ve? Un sapo que vuela. ¡Malo! Una botella de coñac. ¡Malo! Pues ve dos cuerdas. Bien, pero qué viene detrás de las cuerdas. El tipo tira de ellas y cae, porque arrastra algo muy pesado. Ah, está bien que se caiga. En las cuerdas vienen dos grandes calabazas secas. ¿Qué más? Dos hermanos maristas. Eso es, dos hermanos maristas. ¿Y después? Un cañón. Malo. Que venga un sillón de lujo. No, un piano de cola. Muy bueno, y encima del piano de cola un burro... no, dos burros podridos. ¡Magnífico! O sea, que hacíamos surgir representaciones irracionales sin ninguna explicación.” El filme, rodado en París por Luis Buñuel con dinero que le dio su madre, fue un escándalo, pero también un éxito en ciertos asesinado a nuestros hijos!” Y el siguiente círculos que lo aplaudieron como el gran filme sería Las Hurdes, tierra sin pan, docineasta de vanguardia del momento. cumental sobre la barbarie y la miseria de la España profunda, producido con el dineMás tarde, tras enfriarse sus relaciones ro que había ganado a la lotería su amigo con Dalí a causa de la influencia que so- Ramón Acín. bre éste ejercía su nueva compañera Gala, vendría otra película surrealista, L’age d’or Hollywood se interesó inmediatamente por (La edad de oro), donde se incluyen frases el prometedor y provocador director cinetan provocativas como “¡Qué alegría haber matográfico, pero aunque llegó a viajar a 122

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Figura 54. Escena hormigas en la mano de -Un perro andaluz-

Figura 53. escena del inicio del cortometraje - Un perro Andaluz-

Estados Unidos en calidad de observador, Buñuel no se plegó a las tiránicas reglas de los productores y pronto abandonó La Meca del cine. Tampoco duró mucho su alineación en las huestes surrealistas, ni fue demasiado feliz su colaboración como documentalista al servicio de la República española durante la guerra civil, de la que muchos años después incluso se negaba a hablar.

Figura 55. Escena de -Un perro Andaluz-

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APÉNDICE El legado documental del Luis Buñuel hoy en día se ve reflejado en varios sitios de información, bibliotecas públicas y universitarias. El principal aporte del programa conjunto de la Filmoteca Española y la Residencia de Estudiantes en el centenario de Luis Buñuel consiste en la digitalización y difusión de su legado documental, y su incorporación al Archivo Virtual de la Edad de Plata (1868-1936). Está formado por la biblioteca personal del cineasta y su archivo, en los que se conserva una rica documentación personal, profesional y artística, en parte inédita (una amplia serie de fotografías, la colección más completa de sus guiones cinematográficos, un epistolario de más de 500 cartas y más de 2000 títulos de libros y revistas, además de recortes de prensa, documentos familiares y otros). El Legado Buñuel fue adquirido en diciembre de 1995 por el Ministerio de Cultura a los herederos de Luis Buñuel. Por deseo expreso de Luis Buñuel y de sus herederos, dicho Archivo debía quedar ubicado en instituciones culturales vinculadas a la vida y obra del cineasta, por lo que, una vez decidida su adscripción a la Filmoteca Española (O.M. de 4 de febrero de 1999), se ha dispuesto que, sin perjuicio de la unidad del fondo antes citado, sea custodiado por la Filmoteca Española y depositado en parte en la Residencia de Estudiantes. Después de los primeros trabajos de catalogación realizados por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Filmoteca y la Residencia colaboran para la conservación y la difusión de los materiales que componen este legado, enriqueciéndolo con los de otros fondos documentales relacionados con él que ambos centros custodian. A través de esta colaboración, se ha conseguido digitalizar la totalidad del Archivo (2.315 documentos) y se ha iniciado la integración de los registros del Legado Buñuel en la base de datos del Archivo Virtual de la Edad de Plata (1868-1936).

ANEXO Texto de Luís Buñuel incluido en el libro “Recordando a Luís Buñuel” , Pedro Christian García Buñuel editado por Diputación Provincial de Zaragoza y Ayuntamiento de Zaragoza en 1985. He estado siempre al lado de aquellos que buscan la verdad, pero los dejo cuando creen haberla encontrado. Se vuelven muy a menudo fanáticos, lo que detesto, o si no ideólogos: no soy intelectual y sus discursos me hacen huir. Como todos los discursos. Para mí el mejor orador es aquel que desde la primera frase saca de sus bolsillos un par de pistolas y dispara sobre el público. Soy un hombre tranquilo que habría querido ser escritor o pintor. Pero escribo con dificultad para un resultado que me gusta poco. No soy muy sensible a los colores y sólo la pintura figurativa me interesa a condición de que la escena que representa me guste. He escrito sin embargo, en mi juventud, un libro compuesto de poemas, de ensayos, de cuentos que jamás he publicado. Lo había titulado “El perro andaluz”. Pero Dalí me convenció que el título convendría mejor a mi primera película porque en ella no había nada andaluz y porque jamás se trataba de un perro. El cine me había seducido siempre porque es un medio de expresión completo, alternativamente realista u onírico, narrativo, absurdo o poético. Un día vi la película de Fritz Lang Les trois lumiéres y creo que la escena de la procesión funeraria que penetra en un muro decidió mi vocación. Después de El perro andaluz tenía todavía más ganas de continuar haciendo cine. Volví a París, que me fascinaba por la abundancia de su vida artística. Me uní a Bretón, a Eluard y, después, al conjunto del grupo surrealista que se había entusiasmado con mi película, mientras que Lorca la detestaba. Inventé gags. Había puesto a punto una veintena pero no tenía dinero para hacer el film que deseaba. Con la ayuda de amigos se convirtieron en L ‘Age d’or. Después, la lectura de un libro admirable, escrito por un francés que había pasado una parte de su vida en Las Hurdes, me inspiró Terre sans pain. No he realizado más películas durante quince años. En Hollywood, durante 1930, recibí propuestas para ser productor pero no para dirigir películas. Pedí entonces permiso al grupo surrealista para ir a los EE.UU. y me lo fue dado. No me encontraba muy feliz allí y cuando Dalí publicó un libro en el que me denunciaba como ateo, insinuaba que era comunista (no lo he sido jamás, ni anarquista tampoco), y que no soñaba nada más que en revueltas y desórdenes, he sufrido tantas molestias que tuve que presentar mi dimisión. Me enemisté con Dalí y después fui a vivir a Méjico. Allí comencé a hacer otra vez cine con Gran Casino, que considero una mala película.

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Todo género de espectáculo tiene su público particular. El que va al cine es, en general, el menos simpático de todos. Hacer cola lo pone de mal humor; jamás se le ve el entusiasmo de un aficionado a una corrida de toros. En el fondo, es un falso público que no está en relación con nadie sino con imágenes. Estas imágenes lo adormilan si son vulgares o lo distraen si son muy bonitas. Los americanos que lo han comprendido perfectamente dan prioridad a la acción. Guardo de mi estancia en los EE.UU. gran admiración por el cine americano, sus actores, su sentido del ritmo y de la acción. Sus cineastas han tratado con una maestría única un arte moderno que corresponde muy bien al temperamento de este pueblo, puede ser porque la técnica juegue allí un papel esencial. En todo caso, he querido como ellos eliminar de mis películas las bellas imágenes en las que el cine europeo se ha perdido a menudo, exceptuando a Visconti. Algunas veces me he sentido tentado: el principio de Nazarin habría podido ser una imagen soberbia con el Popocatepelt cubierto de nieve y con una luz digna de la creación del mundo. He rodado ese plano. Pero he querido también que Nazarín llegue por un camino lleno de baches, en un paisaje miserable y sin atractivo. He escogido este segundo plano. En mis películas concedo por consiguiente una importancia particular a la acción y me esfuerzo por crear incesantemente sorpresas. El punto de partida es a menudo una idea muy simple: gentes que no pueden llegar a comer (Le charme discret de la bourgeoisie) o que son incapaces de salir de algún lugar (El ángel exterminador). Esta idea es progresivamente desarrollada hasta convertirse en un argumento muy preciso que me guía a lo largo de la realización y del montaje. El montaje, que reúne las escenas filmadas en desorden y da al film unidad, no es más que un asunto de dos o tres días. En revancha, los detalles de los planos son inventados a medida que el rodaje, con una preocupación constante de romper la evolución de cada escena, de crear rupturas. En Cet obscur objet du désir, en el momento en que Fernando Rey da dinero a la madre para tener una cita con su hija al día siguiente, una rata cae del techo. Es una rata de caucho. Me gusta que la sorpresa haga reír y me sirvo mucho de objetos, del fetichismo que inspiran, para crear un efecto cómico. Bien es cierto que el fetichismo me molesta en la realidad. El cine me parece un arte transitorio y amenazado. Está muy estrechamente ligado a la evolución de la técnica. Si dentro de 30 ó 50 años la pantalla ya no existe, si el montaje no es necesario, el cine habrá dejado de existir. Habrá llegado a ser otra cosa. Estamos ya casi en este caso cuando un film se pasa por televisión: la pequeña dimensión de la pantalla lo falsea todo. ¿Qué quedará entonces de mis películas? La mayoría no me inspiran ninguna estima. Sólo guardo cierto cariño por una decena de ellas, lo que es poco en relación con las que he filmado: L ‘Age d’or sobretodo; Nazarin; Le chien andalou; Simón del desierto; Los olvidados, cuya preparación me hizo conocer la delincuencia infantil y me sumergió en el corazón de la miseria mejicana; Viridiana; Robinson Crusoe; La vida criminal de Archibaldo de la Cruz; La Voie Lactée; Le charme discret de la bourgeoisie. 128

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Son las películas que expresan mejor mi visión de la vida. El surrealismo me ha hecho comprender que la libertad y la justicia no existen, pero me ha aportado también una moral. Una moral sobre la solidaridad humana cuya importancia para mí había sido comprendida por Eluard y Bretón cuando me llamaban con humor “el director de conciencia” en su dedicatoria de La Inmaculada Concepción. He ilustrado esta moral a mi manera que es muy particular porque creo que soy por naturaleza un espíritu destructor. Y desde luego de toda sociedad. A menudo he vuelto sobre el tema del hombre en lucha contra una sociedad que busca oprimirlo y degradarlo. Cada hombre me parece digno de interés, pero cuando están reunidos, su agresividad queda libre convirtiéndose en ataque o en huida, ejerciendo violencia o sufriéndola. La historia de las herejías lo demuestra perfectamente, y es ésta la razón por la que me he interesado mucho por las herejías, como puede encontrarse indirectamente en muchas de mis películas, y sobre todo en La Voie lactée. Documento de la Filmoteca Española (Madrid), Instituto Francés (Zaragoza), Televisa (México), Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica (México).

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GLOSARIO Angulación: Inclinación del eje de la cámara respecto al sujeto que ha de ser captado. Angulo contrapicado: Cuando la cámara se sitúa por debajo del sujeto. Ángulo normal o neutro: Cuando el eje del objetivo está a la altura del sujeto, paralelo al suelo. Ángulo oblicuo o aberrante: Cuando el eje de la cámara se inclina a derecha o izquierda de la vertical. Argumento o trama: Desarrollo de un tema por medio de la acción que se narra. Atmósfera: Se denomina atmósfera al espacio de influencia de una película, al ambiente favorable o adverso que se pretende crear en determinadas escenas. En el cine la atmósfera se planifica con cuidado con el fin de lograr la comunicación interactiva entre lo que hay en la pantalla y el espectador. Para ello, toda la trastienda del cine se vuelve operativa, los decorados, la música, los movimientos de cámara, el ritmo, la puesta en escena, los sonidos ambientales... Banda de diálogo: Es aquella sobre la que se registra el diálogo de la película, de efectos especiales, en la que se han montado todo tipo de sonidos ambientales que arropan a las acciones (tales como grillos, tráfico, pájaros, etc.) Banda de efectos sala: Es la banda en la que se montan todos los sonidos de ambiente que dependen de las actuaciones de los protagonistas, o de los movimientos de objetos, o manipulación de enseres. Pasos, rotura de cristales, movimiento de vajilla, puertas, revólveres, etc. Muchas veces se doblan en el estudio de sonido. Banda de mezclas; Es la banda sonora del filme, mezcla del «sound track» y la banda de diálogos. Banda de música: Contiene la grabación de la música de la película convenientemente montada en sus lugares correspondientes. Banda sonora: Puede ser óptica, que se registra haciendo incidir un rayo luminoso que varía de intensidad con la variación de timbre y velocidad de sonido sobre una película virgen, magnética, cuando está adherida a la película en una banda estrechísima, o es una cinta de 35 mm. que se proyecta en doble banda. Físicamente es la tira óptica o magnética impresa a la izquierda de los fotogramas que almacena todos los sonidos.

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Figuradamente es el conjunto de sonidos del film: voz, música, efectos sonoros...y silencio. De forma incorrecta se llama así a la música de la película para su venta en disco. Bandas: En la copia standard de la película hay dos bandas, una dedicada a la imagen y otra dedicada al sonido. Cameo: Aparición breve de una persona famosa como figurante o en un papelito breve. Campo: Es el espacio en el que entran todos los personajes y objetos visibles en la pantalla. Lo que nos suponemos u oímos queda fuera de campo. Casting: Es el proceso de búsqueda y selección de los actores para el reparto de un film. Cine de arte y ensayo: Se denominó de esta forma a un cine cuya característica más definitoria era su capacidad de innovación y experimentación formal. Se empleó inicialmente el término para diferenciar a las películas «artísticas» de las exclusivamente comerciales. Aunque no existió nunca como movimiento o tendencia se pudo consolidar en cierto momento cuando algunas películas se proyectaban casi exclusivamente en determinados cines, llamados de «arte y ensayo» que circulaban en dicha red de distribución. Se consideraron así a algunos grandes directores que no tenían mucho que ver con el cine industrializado de Hollywood, como Fellini, Bergman o Antonioni, ya sea por poner el énfasis en aspectos tales como la originalidad o la individualidad, ausentes del cine de Hollywood, o simplemente por su característica de ser «extranjero». Cine de vanguardia: Este calificativo abarca una inmensa variedad de tendencias en la historia del cine, ya que es un término relativo al momento en el que se denomina. En esta categoría de filmes se suele incluir no sólo a estilos tan diversos como el dadaísmo, el surrealismo, el futurismo, el impresionismo, el expresionismo o la abstracción, sino el llamado cine marginal o «underground». Entre los logros que han caracterizado muchas películas de vanguardia está la búsqueda de una forma poética más pura y libre de la lógica narrativa, la profundización en el realismo o el desdén por el naturalismo. Una figura de renombre universal es Luis Buñuel. Cine Underground (Cine-subterráneo): Término acuñado por la prensa para describir a todo el cine marginal, abarcando aspectos importantes del cine independiente. Cinéma verité: Paralelamente a la «nouvelle vague», muy cercano al mismo y con grandes coincidencias aparece en Francia el, «cinéma verité», de tendencia documentalista, que busca captar la vida tal como es. Nace a partir de la necesidad de algunos cineastas de filmar la realidad sin condicionamientos. Se hace posible con la fabricación de cámaras más ligeras, que permiten sincronizar al mismo tiempo el sonido, sin necesidad de la claqueta. Las filmaciones con la cámara al hombro, cambian muchos de los principios del cine y hacen posible la improvisación. De alguna manera era heredero de la filosofía fenomenológica. Históricamente podemos situar en este estilo el cine de Dziga Vertov y de Robert Flaherty; pero tuvo especial auge a fines de los 50 y principios de los 60 en cineastas franceses como Jean Rouch, Edgar Morin, Chris Marker, Willy Rozier 132

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y François Reichenbach, y en los norteamericanos Don A. Pennebaker, Robert Drew y Richard Leacock. CinemaScope: Un formato panorámico de pantalla. Fue un cambio sustancial en la proyección y filmación de películas, al lograr una visión espectacular de situaciones y paisajes. La primera película fue «La túnica sagrada», Cinerama: Sistema de filmación y proyección, en el que con tres cámaras de 35 milímetros se rodaba la escena y tres proyectores pasaban simultáneamente las tres películas sobre una gigantesca pantalla curva que abarcaba prácticamente el campo de visión de los espectadores. Se estrenó en Nueva York el 30 de septiembre de 1952. Claqueta:Pizarra que lleva escrito el título de la película, el del director y el del director de fotografía, además de unas casillas libre en las que se escribe el número de secuencia, de plano y de toma. Una bisagra la una a una tira de madera, con la que se puede dar sobre la pizarra un golpe seco (clac). Al filmar ese golpe con sonido directo, al mismo tiempo que impresiona el fotograma registrar el sonido, con lo que facilita la sincronización posterior en el momento del montaje. Los textos en la pizarra ayudan a ordenar el material filmado. Contenutismo: Consiste en la valoración de una película por sus contenidos, relegando a un segundo plano el estilo y la forma. Valora sobre todo el mensaje y la trascendencia de la historia en el espectador. Comedia: Género destinado a provocar risa y diversión. Continuidad/raccord/racor: En el guión es la construcción absolutamente detallada de la historia redactada de manera literaria, escena por escena y con sus diálogos. En el rodaje es coherencia entre los elementos de un plano y los de los siguientes. Al rodarse las películas frecuentemente en desorden cronológico (ya que se filma atendiendo a campos de luz, decorados, intensidad de las secuencias, climatología o compromisos de disponibilidad de actores, medios o personal técnico), el cuidado de la continuidad es esencial para evitar rupturas en la fluidez de la acción o el diálogo, así como discrepancias en los detalles, grandes o pequeños. Cortometraje. Película de una duración menor a 30 minutos. Falta de raccord/racor. Es la ausencia de coherencia entre dos planos. Algo que sobra o que falta, una copa vacía y luego llena. En realidad se llama a cualquier incoherencia entre secuencias, a un anacronismo muy significativo, no previsto, de época (un reloj en un personaje medieval). Film editor: (Ang.) Nomenclatura que recibe el montador en lengua inglesa. Filmoteca nacional. Es un organismo oficial que depende del Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA). Su función prioritaria es recuperar, restaurar, archi133

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var, analizar y exhibir la totalidad de las películas nacionales. Posee un fondo con todas las publicaciones cinematográficas nacionales importantes y contribuye al conocimiento del cine español. Hay Filmotecas en varias Comunidades Autónomas. Flashforward (ir hacia delante): Es una escena soñada, o proyectada hacia el futuro, o pensar lo que hubiera sido. La secuencia de los panecillos de Charles Chaplin en La quimera del oro, o los sueños de los personajes del pueblo en Bienvenido, Mister Marshall, de Luis G. Berlanga. Fotograma: Cada uno de las imágenes que se suceden en una película cinematográfica rodada en celuloide. Es el elemento más pequeño de la película. Frame: (Ang.) Equivalente del fotograma en soporte magnético (cinta de vídeo, donde la imagen está codificada electrónicamente). Un segundo de vídeo está compuesto de diversos números de frames, según la norma de grabación. En la norma PAL, utilizada en la mayoría de países europeos, un segundo contiene 25 frames. En la norma NTSC, estándar norteamericano, un segundo contiene aproximadamente 30 frames. Free cinema: En Gran Bretaña, es el equivalente al «cinema verité» en Francia. El «free cinema» se encuadra dentro de una estética contestataria, insatisfecha con la sociedad en que vive, crítica para con su sociedad puritana y clasista; plantea las inadaptaciones sociales que ocasiona la vida en las grandes ciudades industriales y la soledad del hombre contemporáneo en ellas. Los cineastas más representativos han sido Lindsay Anderson, Tony Richardson o Karel Reisz. En la Alemania federal, el «nuevo cine alemán» generó cineastas como Fassbinder, Herzog o Wenders. Hay que tener en cuenta en todos ellos la influencia del «mayo del 68». Fundido: Es una transición entre planos, en la que desaparece progresivamente la imagen que se fundía en negro y se disuelve por completo antes de que otra imagen surja de la misma oscuridad. Oscurecimiento gradual de la pantalla hasta quedar totalmente negra (fundido en negro) o, excepcionalmente de otro color, abriéndose el siguiente. Fade-in se llama al que cierra y fade-out al que abre. Se usa para indicar el paso del tiempo o un cambio radical de escenario. Fundido encadenado:Es un fundido más suave, en el que el plano es sustituido por otro que se le superpone progresivamente, sin corte. Gag: Es un «golpe cómico» que no se espera. Puede ser visual, verbal o sonoro. Es tan importante en la historia del cine que durante muchos años ha existido en Hollywood la profesión de «gagman», que era quien inventaba las ocurrencias. En las películas cómicas estaba al lado del director para improvisar situaciones durante la misma acción del rodaje. Grúa: El vehículo que soporta la cámara, que va sobre una plataforma giratoria y permite realizar multitud de movimientos. Es esencial para los planos secuencia complicados. 134

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Guión técnico. Es el guión al que se añaden multitud de anotaciones y elementos que tienen que ver con el rodaje. Tiene más que ver con la planificación. Jirafa/Boom:Es el soporte telescópico que se utiliza para sujetar el micrófono sobre los actores y moverlo al lugar necesario para captar todos los diálogos. Se coloca a suficiente altura sobre los intérpretes con el fin de que la cámara no lo filme. Jump-cut: (Ang.): Montaje que supone un salto visible en la continuidad de la acción, provocando un salto apreciable, ya dsea de personajes o situaciones. Largometraje: Película de duración superior a 60 minutos. Mediometraje: Película con duración entre 30 y 60 minutos. Melodrama: Género en el que se entremezcla lo sensible y emocional a la vida cotidiana. Montaje: La organización de la película tras el rodaje. Elegir, cortar y pegar los diferentes trozos de película, con una idea determinada por el guión. Durante el proceso de montaje se seleccionan y descartan secuencias y se imprime el ritmo a la película. Raccord (Racor): Es la coherencia entre unas secuencias y otras. En gramática equivale al papel que hace la concordancia. Si una actriz lleva un vestido roto en una secuencia debe mantenerse así mientras dure esa situación. Lo contrario se llama «falta de raccord». Realizador: A veces sinónimo de director. Se le llama sobre todo cuando se ocupa sólo de la puesta en escena y del rodaje. Ritmo: Es el movimiento que se imprime a la acción en una película y se consigue adecuando la duración de cada plano y los recursos sonoros, icónicos y expresivos que se utilizan. El ritmo puede lograrse con planos de corta duración y numerosos, en un ritmo rápido, con planos de larga duración y muy poco numerosos, en un ritmo lento, planos cada vez más breves, o cada vez más largos (in crescendo), o sin norma fija, con cambios bruscos. Los sonidos y la música pueden apoyar el ritmo de las imágenes. Rush: Se llama a los fragmentos de cada toma. Scrip. Se llama así a la secretaria de rodaje. Realiza una función muy importante y de gran responsabilidad en el desarrollo de la película. Una de sus más relevantes tareas es la de lograr que haya continuidad entre las escenas, dejando claramente constancia de cualquier detalle que vaya a ser continuado en la secuencia posterior, aunque medien entre ellas días o espacios de tiempo muy amplios, con el fin de evitar incoherencias de rodaje y faltas de racor. Secuencia: Es una acción un tanto complicada en la que se mezclan escenas, planos, lugares. No tienen por qué coincidir en ella en tiempo fílmico y el real. Poseen una uni135

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dad de acción, un ritmo determinado y contenido en sí misma. Se puede comparar al capítulo de una novela. Serie B: Películas de menor presupuesto en función de expectativas comerciales. Story Board: Es como un cómic con la historia dibujada de la película, expuesta plano a plano por medio de dibujos que señalan el encuadre a realizar y van acompañados de los textos con los diálogos correspondientes. Es muy útil en el momento del rodaje, pues facilita el trabajo de los técnicos sobre todo en secuencias de acción. Es imprescindible donde hay efectos especiales que posteriormente han de superponerse. Telefilm: Es una película realizada para televisión y que se ajusta a sus técnicas de filmación y montaje. Tráiler: Es el avance de una película. Se realiza con fines publicitarios, para que los espectadores de una película queden atraídos por otra que se proyectará en el cine días después. Actualmente los podemos ver en Internet, mucho más cortos. Directores de fama, como Orson Welles han hecho tráileres de sus películas, que hoy son considerados como verdaderas obras de arte. Trama: Línea de estructura de una historia en donde se planifican los conflictos y las tensiones para tener atrapada a la audiencia con el desarrollo de los acontecimientos. Travelling: Movimiento de cámara obtenido mediante el desplazamiento de la misma sobre raíles o cualquier otro sistema. Trhiller: Género cinematográfico o literario que persigue despertar la emoción, la intriga, la tensión y el suspenso a partir de la narración de algún hecho criminal o judicial, también puede referirse a las películas cuyo fin es un tanto abierto, inconcluso y que se prestan a distintas interpretaciones. Voz en off: Es la voz de alguien que no está en escena. Puede ser narrador, un pensamiento de alguien que está en escena, una canción desde fuera de campo, etc.

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